오페레타

Operetta
자크 오펜바흐의 오페레타스(1860년)의 탄생지인 테아르트 데 부페스 파리시엔스의 관객.

오페레타는 극장의 한 형태고 가벼운 오페라의 한 장르다.그것은 구어체 대화, 노래, 그리고 춤을 포함한다.음악, 관현악의 크기,[1] 작품의 길이, 그리고 액면가에서는 주제가 오페라보다 가볍다.[2]짧은 길이를 제외하고, 오페레타는 보통 가볍고 재미있는 성격을 가지고 있다.[3]그것은 때때로 풍자적인 논평도 포함한다.[4]

스페인 장르의 자르주엘라의 오페레타인 프란시스코 알론소의 라 칼레세라 제작에서 리타 몬타너의 녹음을 위한 컬럼비아 레코드 광고.

"오페레타"는 "오페라"의 이탈리아어 약자로, 원래 오페라보다 짧고 아마도 덜 야심찬 작품을 묘사하기 위해 사용되었다.[5]오페레타는 다른 관객들을 대상으로 접근 가능한 형태로 오페라 공연에 대한 대안을 제공한다.오페레타는 1800년대 중반 프랑스에서 인지도가 높은 형태가 되었고, 그 인기는 많은 국가 스타일의 오페레타를 발전시켰다.[5]오스트리아-헝가리, 독일, 영국, 스페인, 필리핀, 멕시코, 쿠바, 미국 등 여러 나라에서 독특한 스타일이 나타났다.[6]다른 나라들간의 오페레타의 이양을 통해 전세기에는 문화적 세계주의가 대두되었다.[7]장르로서의 오페레타는 1930년대에 인기를 잃었고 현대 뮤지컬 극장에 자리를 내주었다.[8]중요한 오페레타 작곡가로는 요한 슈트라우스, 자크 오펜바흐, 프란츠 레하르, 프란시스코 알론소 등이 있다.

정의들

오페레타라는 용어는 18세기 중반 이탈리아에서 발생하며 1850년경 파리에서 독립 장르로 처음 인정받고 있다.[2]카스틸-블레이즈의 '어법사 라뮤지크 모더니'는 이 용어는 오랜 역사를 가지고 있으며 모차르트가 '오페레타'라는 단어를 가장 먼저 사용한 사람 중 하나라고 주장하며, 오페레타를 "확실히 극적인 낙태"[9]라고 묘사하고 있는데,[6] 이 미니어처 구성물들은 바우데빌의 찬 노래와 커플들만을 찾는 것이다.오페레타의 정의는 장르를 가진 각 나라의 역사에 따라 수 세기와 범위에 걸쳐 변화해 왔다.[8]오펜바흐의 전체 길이 구성인 '오페라부페'와는 대조적으로, 오펜바흐의 단막 작곡과 유사한 작품을 가리키는 경우가 많다.[2]오펜바흐는 프랑스 정부의 압제적 법률이 1막 이상이나 4문자 이상을 담고 있는 작품들의 스태그들을 둘러싼 것에 대응하여 이 예술 형식을 발명했다.[4]

1879년 프란츠 수페보카치오, 오데르 프린츠팔레르모(보카치오, 또는 팔레르모의 왕자) 표지.초기의 비엔나 오페레타의 예.

역사

오페레타는 1850년경 파리에서 음악 장르로 인정받게 되었다.1870년, 파리가 프러시아인들에게 함락되자 오페레타의 중심지는 비엔나로 옮겨갔다.[2]오페레타의 형태는 제1차 세계대전을 통해 계속 진화되었다.[2]

1850년대 중반부터 1900년대 초반까지 프랑스 오페라부페를 시작으로 번성했던 오페레타들 사이에는 몇 가지 공통적인 특징이 있다.[10]그것들은 음악적 숫자들 사이에 섞여 있는 구어적 대화를 포함하고 있으며, 비록 음악은 대부분 19세기 오페라적 스타일에서 유래되었지만, 합창뿐만 아니라 주요 등장인물들이 춤추도록 요구되기도 한다.[5]20세기의 오페레타는 더 복잡하고 오스트리아와 독일에서 번영에 도달했다.[6]

오페레타는 현대 뮤지컬 극장이나 "뮤지컬"[11]의 선구자다.20세기 초, 오페레타는 새로운 뮤지컬과 함께 계속 존재했고, 서로 영향을 미쳤다.오페레타의 독특한 특징은 제롬 케른, 리차드 로저스, 스티븐 손드하임의 뮤지컬 극장에서 발견된다.[2]

프랑스어 오페레타

오리진스

오페레타는 점점 심각해지는 오페라 코미크의 장편 오락과는 대조적으로 짧고 가벼운 작품에 대한 필요성을 충족시키기 위해 19세기 중반 프랑스 파리에서 처음 만들어졌다.[5][10]이 무렵 장르 이름의 "코미크" 부분은 오해의 소지가 되었다: 조르주 비제카르멘 (1875년)은 비극적인 줄거리가 있는 오페라 코미크의 예다.'코믹스'의 정의는 셰익스피어가 수세기 전에 했던 것처럼 비극과 희극을 나란히 표현하면서 '현실적인 삶'을 보다 사실적으로 그려내자는 뜻의 '인문학적'에 가까운 것을 의미했다.이 새로운 함축으로, 트라게디 리리케의 쇠퇴 이후 오페라 코미크는 프랑스 오페라 무대를 장악하고 있었다.프랑스 오페레타의 기원은 야외무대에서 열린 박람회에서 코믹 배우들이 많은 사람들에게 춤과 노래를 선보이면서 시작되었다.18세기 초에 이 배우들은 알려진 오페라를 코믹하게 패러디하기 시작했다.이러한 공연들은 오페라 코미크에서 파생된 캐주얼 장르로 오페레타를 형성하는 한편, 보다 단순한 형태의 음악으로 되돌아갔다.[12]많은 학자들은 어떤 작곡가가 오페레타의 창시자로 인정받아야 하는지에 대해 논쟁해왔다.[13]에르베가 기초를 완성했다는 결론이 내려지고, 오펜바흐는 예술 형태를 다듬어 오늘날 우리가 알고 있는 오페레타 개념으로 발전시켰다.따라서, "오펜바흐는 프랑스 오페레타의 아버지로 여겨지지만, 헤르베도 그러하다."[8]

저명한 작곡가들

Opée aux enfers의 부활을 위한 플레이빌

헤르베는 가수, 작곡가, 리브레티스트, 지휘자, 장면 화가였다.1842년 그는 외젠 스크리브X. B. 세틴의 인기 있는 보드빌을 바탕으로 한 1막 오페렛, 루르스 외 르 파차를 썼다.에르베는 1848년 프랑스 새 음악극 전통의 시발점으로 여겨질 수 있는 돈키호테산초 판사(이후 세르반테스)와 함께 파리 무대에 처음으로 주목할 만한 모습을 보였다.헤르베의 가장 유명한 작품은 고우노드 패러디쁘띠 파우스트(1869년)와 맘젤 니투슈(1883년)이다.[14]

자크 오펜바흐는 오페레타의 개발과 대중화에 가장 큰 책임이 있다. 오페레타는 오페라 부페 또는 오페레뜨라고도 불리며 제2제국과 그 이후 엄청난 인기를 얻고 있다.[5]1849년, 오펜바흐는 두 세 개의 풍자적인 단막 스케치 프로그램을 제공하는 극단인 Tétre des Bouffes Parisiens의 개봉 허가를 받았다.그 회사는 매우 성공적이었기 때문에 이 스케치들이 하루 저녁의 기간 동안 길게 늘어지게 되었다.[5]그러나 오펜바흐의 연출은 파리의 경찰현에 의해 구속되었는데, 파리의 경찰현에서는 "최대 5명의 연주자와 2-3명의 배우를 위한 1막짜리 코믹 뮤지컬 대화, 5명 이하의 무용수들이 나오는 춤 동작 등 허용될 공연의 종류를 명시하였다.[9]이 규칙들은 '오페레타'로 정의되는 것을 정의했다: "비극적인 함의가 없고 대중을 즐겁게 하기 위해 고안된 작고 가식 없는 공작 작품".[9]다른 두 명의 프랑스 작곡가인 로버트 플랑켓찰스 레코크도 오펜바흐의 모델을 따랐고, 오페레타스클로체스 코른빌(노르망디의 종)과 라 필레 마담 앙고트(앙고트 부인의 딸)를 작곡했다.[15]두 명의 오페레타들은 주요 히트곡으로 여겨졌다.

오펜바흐와 파리 극장에 가졌던 정치적 한계가 점차 해소되었고, 오페레타는 큰 인기를 얻었다.오펜바흐의 초기 단막 작품으로는 레스득스 아우부글스, 르 비올로뉴, 바타클란(1855년 전부)이 좋은 성적을 거둔 반면, 그의 첫 번째 장편 오페레타 오페르 앙페르(1858년)는 단연 가장 성공적이었다.그것은 최초의 레퍼토리 오페레타가 되었고 유럽 전역과 그 너머에서 수백번 공연되었다.[9]오펜바흐의 유산은 19세기 후반에 걸쳐 오페레타스에서 볼 수 있으며, 그 이후 젊은 스트라우스가 오스트리아-헝가리에 이 장르를 가져오도록 장려함으로써 볼 수 있다.오펜바흐는 또한 그가 생전에 쓴 100개가 넘는 오페렛타에 대해 음악가들을 교육시키는 미국과 영국을 여행했다.[16]이 국제 여행은 양국에서 강한 국립학교가 출현하는 결과를 낳았다.[17]그러나 1870년대까지 오펜바흐의 인기는 떨어졌다.낭만주의 말기의 '그레이스 앤 세련됨'을 보여준 로맨틱한 오페레타스에 대중들이 더 많은 관심을 보였다.여기에는 메사거의 오페레타 베로니크, 루이 간느의 레솔림반키 등이 포함됐다.20세기는 프랑스 오페레타가 영미인과 비엔나 오페레타로 바뀌면서 프랑스 오페레타가 더 큰 호응을 얻지 못했는데, 이 오페레타는 낭만주의 후기로 계속 발전해 갔다.

독일어로 오페레타

오펜바흐는 오페레타를 대륙에 퍼뜨리는 것에 대해 조금도 부끄러워하지 않았다.1861년 의 칼테이터에서 자신의 최근 작품 일부를 무대에 올려 오스트리아와 독일 작곡가들에게 길을 터주었다.곧, 비엔나는 오페레타 프로덕션의 진원지가 되었다.[9]이 용어가 장편 작품을 묘사하는 데 쓰이는 것은 프랑스인이 아닌 비엔나 오페레타 때문이다.[5]게다가 1866년 프러시아의 패배 이후, 오페레타는 근대성과 산업화로 특징지어지는 오스트리아에서 새로운 시대의 징조가 되었다.[18]

오스트리아-헝가리

독일어에서 오페레타의 가장 중요한 작곡가는 오스트리아의 요한 슈트라우스 2세(1825–1899)이다.스트라우스는 댄스 홀에서 영입되어 독특한 비엔나 스타일을 장르에 도입하였다.[5]스트라우스는 오펜바흐의 작품에 큰 영향을 받아, 그의 가장 인기 있는 작품을 위해 많은 오펜바흐의 리베르티스트들과 협력했다.[4]그의 오페레타인 디 레더마우스(1874년)는 세계에서 가장 많이 공연된 오페레타가 되었고, 여전히 그의 가장 인기 있는 무대 작품으로 남아 있다.스트라우스는 모두 16편의 오페레타와 한 편의 오페라를 썼는데, 첫 초연 당시 가장 큰 성공을 거두었다.[5]

스트라우스의 풍자는 실제 문제에 대해[4] 논평한 오펜바흐와는 달리 종종 일반적이었다.

슈트라우스의 오페레타, 왈츠, 폴카, 행진곡은 종종 비엔나식 스타일이 강렬하며, 그의 인기는 슈트라우스를 오스트리아의 국민 작곡가로 생각하게 한다.The The Theater an der Wien은 그의 무대 작품이 처음 공연되었을 때 많은 인파를 끌어 모으는데 실패하지 않았다.많은 숫자 후에 관객들은 앙코르를 부르기 위해 시끄럽게 전화를 할 것이다.

프란츠 수페는 프란체스코 에체칠레 에르메네길도, 카발리에르 수페 데멜리로도 알려져 있으며 1819년에 태어났으며 그의 명성은 오펜바흐의 명성과 어깨를 나란히 한다.수페는 비엔나의 대표적인 작곡가 겸 지휘자였으며 오페레타 레이히테 카발레리(1866), 파티니차(1876), 보카치오(1879)[19] 수페는 스트라우스와 동시대인이었으며 30여 편의 오페르타 180여 편의 공주와 발레, 기타 무대 작품을 작곡했다.최근에는 그의 작품 대부분이 무명으로 전락해 영화, 만화, 광고 등 내에서도 재인쇄되고 있다.슈트라우스와 수페는 모두 비엔나 오페레타의 황금기를 대표하는 작곡가로 꼽힌다.[20]

요한 슈트라우스와 그의 동시대인 프란츠 수페의 죽음에 이어 프란츠 레하르가 후계자가 되었다.레하르는 20세기의 대표적인 오페레타 작곡가로 널리 알려져 있으며 그의 가장 성공적인 오페레타인 디 루스티지 위트웨(The Merry Widder)는 여전히 레퍼토리에 있는 고전 오페레타 중 하나이다.[21]

르하르는 오페레타를 비엔나 오페레타의 실버 시대로 이끄는 데 도움을 주었다.이 기간 동안, 1919년에 비엔나 검열법이 변경되었다.[22]레하르가 장르에 활력을 불어넣은 가장 큰 책임이 있다.프라하 음악원에서 공부한 레하르는 연극 바이올리니스트로 시작되어 오스트리아-헝가리 제국에서 작곡가로 출발했다.1905년 이 기간 동안 레아르의 다이 호스티지 위트웨(The Merry Widowe), 오스카 스트라우스, 만 등의 작곡가들이 오페레타의 전통을 이어갈 수 있는 길을 닦았다.레하르는 또한 영화에 통합되기 시작한 최초의 작곡가들 중 한 명이었다.[2]

The Viennese tradition was carried on by Oscar Straus, Carl Zeller, Karl Millöcker, Leo Fall, Richard Heuberger, Edmund Eysler, Ralph Benatzky, Robert Stolz, Emmerich Kálmán, Nico Dostal, Fred Raymond, Igo Hofstetter, Paul Abraham and Ivo Tijardović in the 20th century.

독일.

베를린 오페레타의 아버지 폴 린케

비엔나가 오스트리아 오페레타의 중심지였던 것과 마찬가지로 베를린도 독일 오페레타의 중심지였다.베를린 오페레타는 특히 제1차 세계대전 이후 재즈와 기타 싱크로나이티드 댄스 리듬의 요소, 대서양 횡단 스타일, 그리고 누더기 행진곡의 존재를 포함하여 종종 그들만의 스타일을 가지고 있었다.베를린 오페레타에는 버레스크, 레뷰, 익살극 또는 카바레의 측면도 포함되어 있다.

폴 린케는 1899년 '베를린 루나(Berliner [23]Luft)'를 포함한 루나(Frau Luna)와 함께 베를린의 비공식 국가가 된 오페레타를 개척했다.그의 리시스트라타(1902)에는 노래와 곡조인 '광충'이 수록되어 있어 국제적으로 꽤 인기가 있다.훨씬 후기인 1920년대와 1930년대에 커트 윌은 베를린 오페레타 스타일의 보다 극단적인 형태를 취하여 그의 오페라, 오페레타, 뮤지컬에 사용했다.Kurt Weill의 작품들 중 일부는 현대적인 오페레타로 간주될 수 있다는 것은 논쟁의 여지가 있다.[24]

베를린 스타일의 오페레타는 보다 부르주아적이고, 매력적이며, 가정을 사랑하며, 민족주의적인 독일 오페레타와 공존했다. 이 중 일부는 폴크스코페레튼(민중 오페레타스)이라고 불렸다.대표적인 예가 레온 제셀의 1917년 극도의 인기를 끈 슈바르츠발트메델(검은 숲의 소녀)이다.[25]이러한 부콜릭하고 향수를 불러일으키며 가정을 사랑하는 오페레타들은 1933년 나치가 정권을 잡고 재즈와 유사한 "해외" 음악 형식과 같은 "결정적인" 음악을 부정하고 금지한 독일식 오페레타스보다 공식적으로 선호되었다.21세기 초에 독일의 오페레타 부흥은 예상치 못한 연극 발전이었다.[26]

독일의 저명한 오페레타 작곡가로는 폴 린케, 에두아르 귄네케, 월터 콜로, 장 길버트, 레온 제셀, 루돌프 델링거, 월터 괴체, 루트비히 슈미데더가 있다.

영어 오페레타

오펜바흐의 영향력은 1860년대에 영국에 도달했다.길버트와 설리번 듀오의 아서 설리번은 오펜바흐의 레즈덕스 아우글스(1855년)에 대한 직접적인 반응으로 콕스와 박스(1866년)를 작곡했다.[5]길버트와 설리번빅토리아 시대에 오랜 시간 동안 함께 해 온 협동으로 영국에서의 형식을 확고히 했다.W. S. 길버트가 리브레티를 쓰고 설리번이 작곡을 하면서, 이 두 사람은 후에 사보이 오페라라고 불리게 된 14개의 코믹 오페라를 제작했다.대부분은 영국, 미국, 그리고 다른 곳에서 엄청나게 인기가 있었다.길버트, 설리번, 그리고 그들의 프로듀서 리처드 도일리 카트는 1850년대와 1860년대의 프랑스식 외페레타와 가족 친화적인 이 음식을 구별하기 위해 그들의 합작품들을 코믹 오페라라고 부른다.[27]H.M.S. Pinafore, The Firates of Penzance, The Mikado와 같은 그들의 작품은 영어권 세계 전역에서 정기 공연을 계속 즐기고 있다.[28]이러한 오페라들 중 많은 것들이 매우 가벼운 것처럼 보이지만, 미카도와 같은 작품들은 영국 정부와 군부에 대한 정치적 논평을 하고 있었고, 주요 주제들 중 하나는 사형제인데, 이것은 그[29] 당시에도 널리 사용되었던 것이다.

영국의 오페레타는 1890년대까지 계속되었는데, 에드워드 독일어, 이반 카릴, 시드니 존스 같은 작곡가들의 작품들이 있었다.이것들은 에드워드 뮤지컬 코미디로 알려진 더 가벼운 노래와 춤으로 빠르게 진화했다.1907년에 시작된 "즐거운 미망인"으로, 많은 비엔나 오페레타들은 영국 무대에 매우 성공적으로 적응되었다.이 현상을 설명하기 위해 데릭 스콧은 이렇게 썼다.

1908년 1월 런던 데일리메일은 '매리 위도우'가 비엔나에서 450회, 베를린에서 400회, 상트페테르부르크에서 350회, 코펜하겐에서 300회 공연됐으며 현재 유럽에서는 매일 저녁 9개 언어로 공연되고 있다고 주장했다.미국에서는 5개 업체가 선보이고 있었는데, '뉴 암스테르담 극장 입장권 돌진'은 '위협 은행 문 앞에 몰려드는 열기'에 비유됐다.그의 레하르 전기에서, 스탠 체코는 1910년까지 "미국 154개, 독일 142개, 영국 135개 무대에서 10개 언어로 약 18,000번 공연되었다"[30]고 주장했다.

오페레타의 국제적인 포옹은 런던의 웨스트엔드와 뉴욕의 브로드웨이의 발전과 직접적으로 관련이 있다.[30]미국 관객들은 1878년 길버트와 설리반의 H.M.S.피나포어를 통해 오페레타를 처음 접하게 되었다.[31]미국의 오페레타 작곡가들은 빅터 허버트를 포함했는데, 그의 작품은 20세기 초에 비엔나 오페레타와 길버트, 설리반 모두의 영향을 받았다.[32]이어 지그문트 롬버그, 루돌프 프림 이 뒤를 이었다.그럼에도 불구하고 미국의 오페레타는 제1차 세계대전이 끝날 무렵에 프린세스 극장 뮤지컬과 같은 뮤지컬과 레비언에 크게 양보했고, 로저스와 하트, 콜 포터, 어빙 베를린 등의 뮤지컬이 그 뒤를 이었다.또 다른 주목할만한 영어 오페레타는 레오나드 번스타인캔디드다.'코믹 오페레타'로 광고되었다."[33]캔디드의 점수는 어떤 면에서는 발표 장르로 일부 왈츠가 있는 전형적인 것이었지만, 번스타인은 쇼티셰, 가보떼, 기타 춤을 더했고, 아리아 '글리터와 비게이'를 가지고 오페라 하우스에 들어가기도 했다.

이탈리아어로 된 오페레타

오페레타는 이탈리아에서 처음으로 수입된 보컬 장르였다.[34]1860년대 이후, 오펜바흐, 헤르베, 수페, 스트라우스 주니어, 레하르 등 프랑스와 비엔나의 작곡가들이 이탈리아의 오페라 전통에 상당한 영향을 끼쳤다.이탈리아에서 외국산 오페레타의 광범위한 인기는 세기의 전환기에 절정에 달했는데, 특히 1907년 밀라노에서 초연된 라 베도바 알레그라의 성공으로 더욱 그러했다.[34]이탈리아의 오페레타 작곡가들은 이탈리아 낭만주의 오페라 스타일의 아름다움에 맞추기 위해 다른 나라들보다 "오페레타"의 정의를 더 많이 강조하는 경향이 있었다.현실적인 베리시모 스타일로 작품을 발전시킨 지아코모 푸치니가 그 예일 것이다.[35]이탈리아 오페레타의 다른 유명한 작곡가들로는 빈첸초 발렌테, 루게로 레온카발로, 파스칼레 마리오 코스타, 피에트로 마스카니, 카를로 롬바르도, 엔리코 토셀리, 비르질리오 란자토, 주세페 피에트리 등이 있다.[35]

접수 및 논란

1860년대와 1870년대 오페레타의 관객들은 소란스럽고 시끄러운 것으로 묘사된다.[34]오페레타는 1860년대와 1920년대 사이에 이탈리아 음악과 문화에 대한 주요 논쟁 중 하나로 여겨졌다.[34]그 기간 동안, 이탈리아에서 강한 민족주의적 언더톤은 국가 정체성을 통일하기 위해 노력했다.오페레타를 외국 장르로 인정하면서, 오페레타는 이탈리아 오페라를 오염시키거나 불법적으로 무대 위에서 그것의 영장성을 훼손하는 예술의 형태로 인식되었다.[34]이탈리아 작곡가들이 조직적으로 오페레타 작문에 참여한 것은 20세기 초가 되어서였다.

참고 항목

참조

정보 참고 사항

인용구

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참고 문헌 목록

추가 읽기

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  • 클라크, 케빈 (2007) 글리터 비 게이: 다이 어센티스 오페레트 und ihre schwulen Verehrer.함부르크: Ménnerschwarm Verlag.(독일어)
  • 간즐, 커트(2001) 뮤지컬 극장 백과사전(3권)뉴욕: 쉬머 북스.
  • Goulet, Charles (1981) Sur la scene et dans la coulisse.퀘벡, Qc:미니스테레 데 어펜서즈 컬쳐즈.ISBN 2-551-04178-3
  • 린하르트, 마리온(2006) 리스테르겐슈타트 und 메트로폴. Zu Einer Kulturellen Topographie des Wiener Unterhaltungstheaters (1858–1918)베를린: 막스 니메이어 베를라크. (독일)
  • 트라우브너, 리처드(1983) 오페레타: 연극 역사.뉴욕 가든 시티: 더블데이.
  • 비아그랑드, 아이카르도 (2009) Tu che m'hai preso Il cuor.비아조 넬 몬도 델로페르타.몬자:카사뮤지컬에코 (이탈리아)

외부 링크