음악 테크놀로지

Music technology
기계식 음악 기술에 대해서는 음악 기술(기계식)을 참조하십시오.전기 음악 기술은 음악 기술(전기)을 참조하고, 전자 또는 디지털 음악 기술은 음악 기술(전자 및 디지털)을 참조하십시오.
이 2009년 사진은 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)과 멀티 모니터의 셋업을 사용한 음악 제작을 나타내고 있습니다.

음악기술은 음악을 만들거나 연주하기 위해, 작곡하거나, 작곡하거나, 노래나 곡을 재생하거나, 음악을 분석하거나 편집하기 위해 음악가나 작곡가가 장치, 메커니즘, 기계 또는 도구를 연구하거나 사용하는 것입니다.

역사

음악에 대한 기술의 가장 초기의 응용은 간단한 [1]플루트를 만들기 위해 뼈에 손으로 구멍을 뚫는 도구를 사용한 선사시대 사람들이다.

고대 이집트인들은 하프, 리라, 플루트와 같은 현악기를 개발했는데, 이 악기들은 가는 줄을 만들고 현의 음을 조절하기 위한 일종의 페그 시스템을 필요로 했다.고대 이집트인들은 또한 더블 클라리넷과 같은 관악기와 심벌즈와 같은 타악기를 사용했다.

고대 그리스에서 악기는 이중 리드 아울로와 리라를 포함했다.

성경에는 호른, 파이프, 리라, 하프, 백파이프를 포함한 많은 악기들이 언급되어 있다.성경 시대에는 코넷, 플루트, 호른, 오르간, 파이프, 트럼펫도 사용되었다.

중세 시대 동안, 음악 표기법은 평범한 멜로디의 음표에 대한 쓰여진 기록을 만들기 위해 사용되었다.

르네상스 음악 시대 (1400-1600년경)에 인쇄기가 발명되어 악보를 대량으로 제작할 수 있게 되었다.이것은 음악 스타일을 더 빨리 그리고 더 넓은 영역으로 확산시키는 데 도움을 주었다.

바로크 시대 (1600년경-1750년경)에 건반악기 기술이 발달하여 파이프 오르간과 하프시코드의 디자인이 개선되었고 약 1700년에 새로운 건반악기인 피아노가 개발되었습니다.

고전주의 시대에 베토벤은 그의 교향곡 9번에서 피콜로, 콘트라바순, 트롬본, 그리고 무음 타악기와 같은 새로운 악기를 오케스트라에 추가했다.

낭만주의 음악 시대 (1810년–1900년) 동안, 새로운 작곡이 대중에게 알려지게 된 주요 방법 중 하나는 아마추어 음악 애호가들이 집에서 피아노나 다른 악기들로 연주하곤 하는 악보의 판매였다.19세기에 색소폰, 유포늄, 바그너 튜바, 그리고 코넷과 같은 새로운 악기들이 오케스트라에 추가되었다.

20세기 초에 축음기 레코드의 발명과 대중화와 라디오 방송(상업적으로 시작 1919-1920년)으로 인해 음악 감상이 크게 증가하였고, 음악을 더 많은 [1]대중들에게 보급하는 것이 더 쉬워졌다.

녹음의 발달은 대중음악 장르 발전에 큰 영향을 미쳤는데, 이는 노래와 밴드의 음반이 널리 보급될 수 있었기 때문이다.녹음의 발명은 또한 클래식 음악의 새로운 하위 장르인 전자 작곡의 뮤지크 콘크리트 스타일을 낳았다.

멀티트랙 레코딩의 발명으로 팝밴드는 많은 층의 악기 트랙과 보컬을 오버더빙할 수 있게 되었고, 라이브 공연에서는 불가능한 새로운 사운드를 만들어냈다.

20세기 초에 전자파 픽업, 앰프, 확성기와 같은 전기 기술이 전기 피아노, 전기 기타, 전자 기계 오르간, 전기 베이스와 같은 새로운 전기 악기를 개발하기 위해 사용되었습니다.20세기 오케스트라는 새로운 악기와 소리를 얻었다.몇몇 오케스트라 곡들은 일렉트릭 기타, 일렉트릭 베이스 또는 테레민을 사용했다.

1947년 미니어처 트랜지스터의 발명은 1960년대 대중음악에 처음 사용된 신시사이저의 신시사이저를 탄생시켰다.이전의 키보드 악기 기술과 달리, 신시사이저 키보드에는 줄, 파이프 또는 금속 타인이 없습니다.신시사이저 키보드는 전자 회로 또는 나중에 컴퓨터 칩과 소프트웨어를 사용하여 음악 소리를 생성합니다.신시사이저는 1980년대 초에 대중 시장에서 인기를 끌었다.

강력한 마이크로칩의 개발과 함께, 드럼 기계와 음악 시퀀서를 포함한 많은 새로운 전자 또는 디지털 음악 기술이 1980년대와 그 이후 수십 년대에 도입되었습니다.전자 및 디지털 음악 기술은 [2]음악가와 작곡가가 음악을 만들거나 연주하기 위해 사용하는 컴퓨터, 전자 효과 장치 또는 소프트웨어와 같은 모든 장치입니다.이 용어는 일반적으로 음악의 연주, 재생, 녹음, 작곡, 녹음 및 재생, 혼합, 분석 및 편집에 사용되는 전자 장치, 컴퓨터 하드웨어 및 컴퓨터 소프트웨어의 사용을 의미합니다.

기계 기술

주요 기사:음악 테크놀로지(기계)

선사 시대

주요 기사:선사시대 음악
4만1천년이 넘은 뼈피리.

구석기시대 고고학 유적지에서 발견된 자료들은 선사시대 사람들이 조각과 천공 도구를 사용하여 악기를 만들었다는 것을 암시한다.고고학자들은 측면 구멍이 뚫린 뼈로 조각된 구석기시대 플룻을 발견했다.동굴 곰의 대퇴골에서 조각된 디브제 베이브 플루트는 적어도 4만년 된 것으로 여겨진다.일곱 개의 구멍이 있는 피리와 라바나하타와 같은 다양한 종류의 현악기들이 인더스 밸리 문명 고고학 [3]유적지에서 발견되었다.인도는 세계에서 가장 오래된 음악 전통 중 하나를 가지고 있다. 인도 고전 음악에 대한 언급은 힌두교 [4]전통의 고대 경전인 베다에서 발견된다.선사시대 악기들의 가장 초기이자 가장 큰 수집품은 중국에서 발견되었고 [5]기원전 7000년에서 6600년 사이까지 거슬러 올라간다.

고대 이집트

주요 기사:이집트 음악
아문의 음악가, 제18왕조 (기원전 1543년경~1292년)

선사시대 이집트에서 음악과 구호는 마술과 의식에 흔히 사용되었고, 작은 조개껍질은 [6]: 26–30 휘파람으로 사용되었다.이집트 악기의 증거는 장례식의 구호가 이집트 종교에서 중요한 역할을 했고 박수 소리와 아마도 플루트를 동반했던 프리디나스틱 시대로 거슬러 올라간다.악기 기술에 대한 가장 신뢰할 수 있는 증거는 하프, 플루트 및 더블 클라리넷을 만드는 기술이 개발된 [7]구왕국 시대부터이다.타악기, 리라, 루트는 중왕국에서 사용되었다.금속 심벌즈는 고대 [8]이집트인들이 사용했다.21세기 초, 한스 힉만과 같은 외국 태생의 음악학자들의 연구에 영감을 받아 파라오 시대의 음악에 대한 관심이 높아지기 시작했다.21세기 초 카이로 헬완 대학의 음악학 교수 Khairy El-Malt가 이끄는 이집트 음악가와 음악학자들은 현재 [9]진행 중인 프로젝트인 고대 이집트의 악기들을 재구성하기 시작했다.

인더스 밸리

인더스 밸리 문명에는 오래된 악기들을 보여주는 일곱 개의 구멍이 있는 플루트 같은 조각들이 있습니다.모티머 휠러 [10]경의 발굴에 의해 하라파와 모헨조 다로로부터 다양한 종류의 현악기와 드럼이 회수되었다.

성경에 나오는 언급

주요 기사:성서 시대 음악의 역사
"하프를 든 다윗"은 960년경 콘스탄티노플 파리 시편에서 왔다.

성경에 따르면, 주발은 하피스트와 오르간 연주자의 아버지였다.하프는 주요 악기 중 하나이며 다윗의 총애를 받았으며 성경에서 50번 이상 언급되어 있다.그것은 기쁨과 슬픔의 의식에서 모두 사용되었고, 그 사용은 "다윗 밑에서 가장 완벽하게 길러졌다" (삼 16:23)로키어는 "사울의 우울함을 종종 없애버린 것은 하프의 달콤한 음악이었다"고 덧붙였다.[11]: 46 유대인들이 바빌론에 포로로 잡혔을 때, 그들은 하프를 매달고, 망명 중에 하프를 사용하는 것을 거부했으며, 이전에 신전에서 사용된 악기의 일부였다(1kgs. 10:12).고대 그리스인들이 사용했던 하프 클래스의 또 다른 현악기는 리라였다.비슷한 악기는 큰 배 모양의 몸체와 긴 목, 조율용 머리나사가 달린 플렛형 지판을 가진 류트였다.악기를 전시하는 동전, 바르 코흐바 반란 주화는 서기 132-135년 로마 제국에 대항한 제2차 유대 반란 기간 동안 유대인에 의해 발행되었다.그 외에도 성경에서 거의 30번 언급되는 또 다른 현악기인 시편도 있었다.요세푸스에 따르면, 그것은 12개의 현을 가지고 있었고 손이 아닌 퀼로 연주되었다.또 다른 작가는 그것이 기타와 비슷하지만 납작한 삼각형 형태이며 [11]: 49 좌우로 늘어져 있다고 말했다.

미리암과 여성들은 "팀브렐" (토미치 시편에서 나온 작은 북)로 홍해를 건너는 것을 축하한다.

성경 시대에 사용된 관악기 중에는 코넷, 플루트, 호른, 오르간, 파이프, [11]: 50 트럼펫이 있었다.은색 트럼펫과 이중 오보에도 있었다.베르너는 로마의 티투스 궁전의 트럼펫과 동전으로 측정한 결과, "트럼펫은 마른 몸과 날카로운 소리로 매우 높은 음을 냈다"고 결론지었다.그는 사해 문서들 사이에서 발견된 군사 조직과 전략을 위한 매뉴얼인 '어둠의 아들과의 빛의 아들 전쟁'에서 이들 나팔은 "이들이 상당히 복잡한 신호를 일제히 [12]울리게 되어 있기 때문에 꽤 정확하게 음정을 조절할 수 있는 것으로 보인다"고 덧붙였다.휘트콤은 두 개의 은 트럼펫이 모자이크 법에 따라 만들어졌으며 아마도 티투스 황제가 예루살렘을 정복할 때 로마로 가져온 전리품 중 하나였을 것이라고 쓰고 있다.그녀는 승리한 티투스에게 올려진 아치 위에는 "이 트럼펫들의 조각된 부조가 있고, 고대 형태를 보여주고 있다"라고 덧붙였습니다.([13]사진 참조)

Whitcomb에 따르면 플루트는 보통 축제나 애도 행사에 사용되었다고 한다."가장 가난한 히브리인들도 아내의 [13]장례식에서 연주하기 위해 두 명의 플루트 연주자를 고용해야 했습니다."쇼파( 숫양의 뿔)는 여전히 정통 사회에서 유대인의 새해 예배와 같은 특별한 예배 목적으로 사용된다.이처럼 악기가 아니라 의도적으로 원초적 성격을 유지한 신학적인 상징성을 지닌 악기로 평가된다.고대에는 위험을 경고하거나, 초승달이나 안식일의 시작을 알리거나, 유명한 사람의 죽음을 알리는 데 사용되었습니다.베르너는 "[14]엄격한 의례적 관례로 군중의 절규를 신에게 전한다"고 쓰고 있다.

타악기 중에는 종, 심벌즈, 시스트럼, 태블릿, 핸드드럼, 탬버린 등이 있었다.타브렛 또는 팀브렐은 축제 때 사용되는 작은 핸드드럼이었고 여성의 악기로 여겨졌다.현대에는 구세군에 의해 종종 사용되었다.성경에 따르면, 이스라엘 아이들이 이집트에서 나와 홍해를 건넜을 때, "미리암은 그녀의 손에 음부를 들고 있었고, 모든 여자들이 음부를 들고 춤을 [11]추며 그녀를 뒤쫓았다."

고대 그리스

수력 또는 "수기관"입니다.그리스인들이 부칸이라고 불렀고, 나중에 로마인들이 코르누라고 불렀던 곡선의 트럼펫에 주목하세요.

고대 그리스에서는 모든 음악의 악기는 소리가 나는 방식에 따라 현악기, 관악기, 타악기 세 [15][incomplete short citation]가지로 나눌 수 있다.다음은 고대 그리스의 음악에 사용된 악기 중 하나였다.

  • 거문고: 거문고와 때때로 뽑히는 현악기.기본적으로 거북등 틀 위에 만들어진 휴대용 지더로, 일반적으로 7개 이상의 현이 하나의 음에 맞춰 조율된다.리라는 낭송과 노래를 위해 다른 사람이나 심지어 자신과 동행하는 데 사용되었습니다.
  • 현악기이기도 한 키타라는 리라보다 더 복잡하다.상단의 크로스바에서 하단의 사운드 박스까지 끈이 늘어선 상자형 틀을 가지고 있으며, 똑바로 서서 펩텀으로 연주하고 있습니다.현은 가로대를 따라 나무 쐐기를 조정하여 조정할 수 있었다.
  • 두 개의 더블 리드(오보에와 같은) 파이프로 구성된 보통 더블 리드(aulo)는 결합되지 않았지만 일반적으로 두 개의 파이프를 연주자의 입술 사이에 고정시키기 위해 입 밴드로 연주된다.현대의 재구성은 그들이 낮은 클라리넷 같은 소리를 냈다는 것을 보여준다.악기의 정확한 성질에 대해 약간의 혼동이 있습니다. 대체 설명에서는 이중 리드가 아닌 단일 리드를 나타냅니다.
  • 판플루트(Panflute)와 시린스(syrinx, 그리스어 ,,γξξ),),), known)라고도 불리는 판파이프는 파이프의 원리에 기초한 고대 악기로, 원하는 음계에 맞춰 점차 길이가 늘어나는 일련의 파이프로 구성되어 있다.소리는 열린 파이프 상단을 가로질러 불면 발생합니다(병 뚜껑을 가로질러 부는 것처럼).
  • 현대 오르간의 전신인 건반 악기인 유압 장치이름에서 알 수 있듯이, 계측기는 물을 사용하여 파이프에 일정한 압력 흐름을 공급했습니다.비트루비우스와 알렉산드리아의 [17]헤론의 두 가지 세부 묘사가 남아 있다.이 설명에서는 주로 키보드 메커니즘과 계측기에 공기가 공급된 장치에 대해 설명합니다.잘 보존된 도자기 모형은 1885년 카르타고에서 발견되었다.기본적으로 소리를 내는 파이프에 대한 공기는 파이프에 의해 돔에 연결된 바람받이에서 나온다.공기는 물을 압축하기 위해 펌프로 유입되고 물은 돔 내에서 상승하여 공기를 압축하여 [18][incomplete short citation]파이프에 안정적으로 공기를 공급한다.

아이네이드에서 버질은 트럼펫에 대해 많은 언급을 한다.리레, 키타라, 아울로스, 유압 그리고 트럼펫은 모두 고대 로마의 음악에서 발견되었어요.

로마 제국

원래 경기장에서 검투사 전투와 야생 동물 이벤트를 동반한 것으로 보여지는 즐리텐 모자이크(2세기)의 상세 음악가: 왼쪽부터 튜바, 유압(수관 오르간), 2개의 코르누아

로마인들은 만약 그들이 어떤 표기법을 사용했다면, 그들의 음악을 녹음하기 위해 그리스식[19] '엔치리아드 표기법'을 차용했을지도 모른다.네 글자(영어 표기법 'A', 'G', 'F' 및 'C')는 연속되는 네 가지 톤을 나타냅니다.글자 위에 쓰인 리듬 부호는 각 음의 지속 시간을 나타냅니다.로마 미술은 다양한 목관악기, "브라스", 타악기,[20] 현악기를 묘사한다.로마식 악기는 그들이 유래하지 않은 제국의 일부에서 발견되며, 음악이 지방 전체에 퍼진 로마 문화의 측면 중 하나였음을 나타냅니다.

로마의 악기는 다음과 같습니다.

  • 로마의 튜바는 탈부착이 가능한 원뿔 모양의 마우스피스가 달린 길고 곧은 청동 트럼펫이었다.현존하는 예는 약 1.3미터 길이이며, 마우스피스에서 갑자기 [21][incomplete short citation]종이 울릴 정도로 원통형 보어가 있으며, 이는 '시대 음악'의 발표에서 볼 수 있는 현대의 직선 트럼펫과 유사하다.밸브가 없었기 때문에 튜바는 하나의 오버톤 [22][incomplete short citation]시리즈만 가능했습니다.군대에서, 그것은 "벌레 호출"에 사용되었습니다.튜바는 또한 모자이크를 동반한 게임(루디)과 스펙터클 이벤트와 같은 예술에서도 묘사된다.
  • 코르누(라틴어 "뿔")는 긴 관 모양의 금속 관악기로, 음악가의 몸 둘레에 곡선을 그리며 대문자 G처럼 생겼다.그것은 원추형의 구멍과 원추형의 마우스피스를 가지고 있었다.구강과 구별하기 어려울 수도 있습니다.코르누는 군사 신호와 [23]퍼레이드에 사용되었다.코닉스는 명령을 호출로 변환하는 군 신호 장교였다.튜바처럼, 콘우도 공공 행사나 구경거리에서의 반주로 등장합니다.
  • 정강이뼈(그리스어 aulos – αὐς),),)는 보통 두 개의 이중 리드(현대 오보에와 같은) 파이프를 가지고 있었는데, 이 파이프는 결합되지 않았지만 일반적으로 두 개의 파이프를 플레이어의 [24][incomplete short citation]입술 사이에 고정시키기 위해 입 밴드 캐피스트럼으로 연주되었다.
  • 아스카울, 백파이프.
  • 현대의 플루트와 판파이프 버전입니다.
  • 그리스에서 빌린 리라는 하프가 아니라 가죽으로 덮인 나무나 거북 등껍질 소리나는 몸체와 동물의 뿔이나 나무로 된 팔, 크로스바에서 소리나는 [25][incomplete short citation]몸체까지 줄이 늘어져 있었다.
  • 시타라는 고대 로마의 최고의 악기였고 대중음악과 높은 음악 양면에서 연주되었다.리라보다 크고 무거운 시타라는 정밀 조율 능력을 갖춘 크고 달콤하며 날카로운 악기였다.
  • 루트는 그리스와 로마인들 사이에서 여러 이름으로 알려져 있었다.구조상 루트는 단단한 목이나 플렛보드에 걸쳐 있는 현이 적다는 점에서 리라와는 다르다.그 위에 현을 정지시켜 눈금이 매겨진 음표를 만들 수 있다.따라서 각 류트열은 [26][incomplete short citation]리라열보다 더 큰 음역을 생성할 수 있다.목이 긴 루트는 기원전 2340년에서 2198년 사이 메소포타미아 미술에서 묘사되고 이집트 도상학에서도 나타나지만, 그리스-로마 세계에서의 루트는 리어나 시타라에 비해 훨씬 덜 흔했다.중세 서부의 루트는 아랍의 우드에 더 많은 빚을 진 것으로 생각되며, 그 이름에서 유래했다.[27][incomplete short citation]
  • 수압에 의해 작동된 유압 파이프 오르간(hydraulis)은 [28]"고대의 가장 중요한 기술적, 음악적 업적 중 하나"였다.기본적으로 소리를 내는 파이프에 대한 공기는 파이프에 의해 돔에 연결된 바람받이 메커니즘에서 나온다.공기는 물을 압축하기 위해 펌프로 유입되고 물은 돔 내에서 상승하여 공기를 압축하고 파이프에[29][incomplete short citation] 일정한 공급을 일으킨다(파이프 기관 번호 참조).이력).하이드리스는 무대 공연뿐만 아니라 경기장에서 열리는 검투사 대회와 이벤트도 함께 했다.
  • 딱지라고 하는 경첩이 달린 나무나 금속 장치의 변형으로, 박자를 맞추는 데 사용됩니다.또한, 다양한 방울, 종, 탬버린들이 있었다.
  • 팀파니와 캐스터네츠 같은 북과 타악기, 이집트의 시스트럼, 그리고 뻔뻔한 팬은 리듬감 있는 춤의 배경, 바칸테스와 같은 축하 의식, 그리고 군사적 사용을 포함한 고대 로마에서 다양한 음악과 다른 목적에 사용되었다.
  • 시스트럼은 금속 프레임의 가로 막대에 걸쳐진 링으로 이루어진 딸랑이로, 종종 의례적인 목적으로 사용되었습니다.
  • 심벌라(최신 여러 개의 심벌럼, 그리스 킴발론)는 작은 심벌즈였다: 오목한 중심부와 회전된 테두리가 있는 금속 디스크로, 쌍으로 충돌했다.

이슬람 세계

다음 항목도 참조하십시오.중세 유럽에 대한 이슬람 음악, 아랍 음악 및 이슬람 세계의 공헌

중세 유럽 음악에서 후에 사용된 많은 악기들은 아랍 악기의 영향을 받았는데, 여기에는 레베크(바이올린의 조상)와 나카레(naqareh)[30]의 네이커가 포함된다.많은 유럽 악기들은 이슬람 세계에서 [31]전래된 초기 동양 악기들에 뿌리를 두고 있다.스파이크 바이올린으로도 알려진 아랍어 라바브는 가장 초기의 활로 된 현악기이며 레베크, 비잔틴 리라,[32][33] 바이올린을 포함한 모든 유럽 활로 된 악기의 조상이다.

뽑히고 구부린 형태의 재봉이 [34]서로 나란히 존재했다.절을 한 악기는 반란군이나 라벨이 되었고, 뽑힌 악기는 깃터가 되었다.Curt Sachs는 이 악기를 만돌라, 코푸즈, 감버스와 연결시키고, 절을 한 버전의 라바브라고 [34]명명했다.

이슬람 음악에서 아랍어 우드는 유럽 [35]루트의 직계 조상이다.우드는 또한 현대 [36]기타의 전조로 언급된다.기타는 8세기에 [37]무어인들이 이베리아로 가져온 4현 우드에 뿌리를 두고 있다.현대 기타의 직접적인 조상은 1200년에 스페인에서 사용되었던 기타라 모리스카입니다.14세기까지, 그것은 단순히 [38]기타라고 불렸다.

자동악기의 기원은 9세기 페르시아 반우 무사 형제가 [39]핀이 달린 교환식 원통을 이용한 수력 발전 오르간과 증기의 [40][41]힘을 이용한 자동 플루트 연주기를 발명했을 때로 거슬러 올라간다.이것들은 최초의 자동 기계 [39]악기였다.Banu Musa 형제의 자동 플루트 연주기는 최초의 프로그램 가능한 음악 장치, 최초의 음악 시퀀서,[42] 그리고 유압에 [43]의해 구동되는 반복적인 음악 기술의 첫 번째 사례였다.

1206년 아랍의 기술자 알자리는 프로그램 가능한 인간형 오토마타 밴드를 발명했다.[44]찰스 B에 따르면.파울러, 오토마타는 "각 음악 [45]선곡 동안 50개 이상의 얼굴과 신체 액션"을 공연하는 "로봇 밴드"였다.그것은 또한 최초의 프로그램 가능한 드럼 기계였다.네 명의 오토마톤 음악가 중 두 명은 드럼 연주자였다.그것은 말뚝이 타악기를 작동시키는 작은 레버와 부딪히는 드럼 기계였다.말뚝을 [46]움직이면 드럼 연주자가 다른 리듬과 다른 드럼 패턴을 연주할 수 있었다.

중세 시대

11세기에서 유래한 리버 유주얼리스에서 [47]유래한 케리 엘레종 XI(오르비스 계수) 표기법 예시.해석해서 들어봐요.

중세 음악 시대 (476년에서 1400년) 동안 종교 노래에 사용된 평탄한 가락은 주로 모노포닉이었다.중세 초기 몇 세기 동안, 이러한 구호는 구전 전통("귀로")에 의해 가르치고 전파되었다.초기 중세 음악에는 멜로디를 적는 어떤 종류의 알림 시스템이 없었다.로마가 제국의 광대한 거리에 걸쳐 다양한 구호를 표준화하려고 노력함에 따라, 멜로디를 적기 위한 일종의 음악 기보법이 필요했다.구호문 위에 쓰인 네움이라고 불리는 여러 가지 표지판이 소개되었다.9세기에 이르러, 그것은 음악 기법의 주요 방법으로 확고히 자리잡았다.음악 기법의 다음 발전은 "높이 네움"으로, 네움들은 서로 다른 높이에 조심스럽게 배치되었다.이를 통해 네움은 주어진 간격의 크기와 방향을 대략적으로 나타낼 수 있었다.

이것은 곧 특정 음을 나타내는 한 두 줄의 모든 음색과 함께 음악에 배치되는 것으로 이어졌다.선은 가수가 어떤 음이 더 높거나 더 낮은지 가늠하는 데 도움이 되는 기준점 역할을 했다.처음에 이 행들은 특별한 의미가 없었고 대신에 어떤 음이 표현되었는지를 나타내는 글자가 선두에 배치되었다.그러나 중간 C와 F가 5분의 1 이하임을 나타내는 선이 서서히 일반화되었습니다.4행의 스태프의 완성은 보통 중세 가장 중요한 음악 이론가 중 한 명인 귀도 다레조 (1000-1050년경)의 공으로 여겨진다.네우마틱 공명체계는 완전히 발달한 상태에서도 음표나 선율을 연주하기 위한 어떤 종류의 리듬도 명확하게 정의하지 않았다.음악 표기법의 발달은 새로운 사람들에게 멜로디를 더 빠르고 쉽게 가르칠 수 있게 만들었고, 먼 지리적 거리에 걸쳐 음악의 확산을 촉진했다.

가톨릭 미사곡의 악보, c.1310-1320

중세 음악을 연주하기 위해 사용된 악기는 2010년대에 계속 사용된 많은 악기들의 이전 버전, 덜 정교한 기계적인 버전을 포함한다.중세 악기에는 나무로 만들어졌고 옆바람이나 끝바람으로 만들 수 있었던 플루트(2010년대 금속 플루트의 복잡한 열쇠와 밀폐된 패드가 없음), 나무 녹음기와 젬손이라고 불리는 관련 악기, 그리고 판 플루트 (공기둥의 그룹)가 있다.중세 음악은 루트, 만도르, 깃터, 시편과 같은 많은 현악기를 사용했다.시편과 치더와 구조가 비슷한 덜시머는 원래 뽑혔지만 금속줄을 가능하게 하는 새로운 기술이 등장하면서 14세기에 망치로 두들겨 맞았다.

활로 된 현도 사용되었습니다.비잔틴 제국의 활 모양의 리라는 유럽 최초의 활 모양의 현악기였다.9세기의 페르시아 지리학자 이븐 쿠라다드비흐는 아랍 라바브에 해당하는 활 모양의 악기로 비잔틴 리라를 인용했고 우르군(오르간), 쉴랴니(아마 하프나 리레의 일종), 살란드(아마 파이프 [48]가방)와 함께 비잔틴의 전형적인 악기로 꼽았다.허디거디는 크랭크에 달린 장미빛 나무 바퀴를 사용하여 줄을 "보"하는 기계식 바이올린이었다.죠 하프와 같이 사운드 박스가 없는 악기 또한 그 당시에 인기가 있었다.오르간, 바이올린, 트롬본의 초기 버전은 중세 시대에 존재했다.

르네상스

르네상스 음악 시대 (1400년경-1600년경)는 노래와 음악 작품의 연주와 배급에 영향을 미치는 많은 신기술의 발전을 보았다.1450년경, 인쇄기가 발명되어 인쇄된 악보를 훨씬 저렴하게 대량생산할 수 있게 되었다.인쇄된 악보의 가용성이 높아짐에 따라 음악 스타일이 더 빠르고 더 넓은 지리적 영역에 걸쳐 확산될 수 있었습니다.

많은 악기들이 르네상스 시대에 유래되었다; 다른 악기들은 중세 시대에 존재했던 악기들의 변형 혹은 개량이었다.르네상스 시대의 금관악기는 전통적으로 전문가들에 의해 연주되었다.연주된 보다 일반적인 금관악기는 다음과 같다.

  • 슬라이드 트럼펫:몸의 일부가 미끄러지는 대신 마우스피스 근처와 마우스피스 자체가 정지해 있는 것을 제외하면 오늘날의 트롬본과 유사합니다.
  • 코넷: 나무로 만들어져 녹음기처럼 연주되었지만 트럼펫처럼 불었다.
  • 트럼펫: 르네상스 시대의 초기 트럼펫은 밸브가 없었고, 오버톤 시리즈에 존재하는 음색으로 제한되었습니다.그것들은 또한 다양한 크기로 만들어졌다.
  • 자루:15세기 중반까지 슬라이드 트럼펫을 대체한 트롬본의 다른 이름

현악기 포함:

  • 비올: 15세기에 개발된 이 악기는 일반적으로 6개의 현을 가지고 있다.그것은 보통 활로 연주되었다.
  • 리어: 그것의 구조는 비록 뽑히는 대신, 그것은 펩트럼으로 다듬어져 있지만 작은 하프와 비슷합니다.그 현은 시대에 따라 4개, 7개, 10개까지 다양했다.그것은 오른손으로 연주되었고 왼손은 원하지 않는 음을 잠재웠다.새로운 리어는 활로 연주하도록 수정되었다.
  • 허디거디: (휠 바이올린으로도 알려져 있습니다), 현이 지나가는 바퀴에 의해 현이 울립니다.활(바퀴)이 크랭크에 의해 회전한다는 점에서 그 기능은 기계 바이올린과 비교할 수 있다.그 독특한 소리는 주로 백파이프와 비슷한 음을 내는 "드론 현" 때문이다.
  • Gittern과 Mandore: 이 악기들은 유럽 전역에서 사용되었습니다.만돌린과 통기타를 포함한 현대 악기의 선구자.

타악기 포함:

  • 탬버린:탬버린은 드럼을 치면 소리가 나는 징글이 달린 프레임 드럼이다.
  • 유대인 하프: 입 모양을 사용하여 입으로 다른 모음을 발음하는 악기.

목관 악기 포함:

  • 숄: 전형적인 숄은 키리스이고 7개의 손가락 구멍과 엄지 구멍이 있는 약 1피트 길이입니다.그 파이프들은 또한 가장 흔하게 나무로 만들어졌고 많은 파이프들은 조각과 장식이 되어 있었다.그것은 르네상스 시대의 가장 인기 있는 이중 갈대 악기였다; 그것은 화려하고, 뚫리고, 종종 귀가 멍멍할 정도의 소리 때문에 거리에서 드럼과 트럼펫과 함께 흔히 사용되었다.숄을 연주하기 위해 사람은 갈대를 통째로 입에 넣고 볼을 불며 코로 숨을 쉬면서 파이프에 입김을 불어넣는다.
르네상스 시대의 기록기
  • 리드 파이프:짧은 길이의 지팡이 하나와 마우스 피스, 4~5개의 손가락 구멍, 갈대로 만든 것입니다.갈대는 작은 혀를 잘라내지만 밑부분은 붙어있는 채로 만들어 진다.색소폰과 클라리넷의 전신이다.
  • 경음기:리드 파이프와 같지만 끝에는 벨이 달려 있습니다.
  • 백파이프/소낭 파이프:그것은 파이프에 공기압을 공급하는 양이나 염소 가죽으로 만든 가방을 사용했다.연주자가 숨을 쉴 때, 연주자는 톤을 이어가기 위해 팔 아래에 있는 가방을 꽉 쥐기만 하면 된다.마우스 파이프에는 파이프의 백 엔드에 힌지로 연결된 단순한 원형 가죽 조각이 있으며 역류 방지 밸브 역할을 합니다.갈대는 보칼로 알려진 긴 금속 마우스피스 안에 있습니다.
  • 판파이프:한쪽 끝에는 스토퍼가 있고 다른 한쪽 끝에는 구멍이 뚫린 나무 튜브가 16개 있습니다.각 튜브는 크기가 다르므로(따라서 다른 톤을 생성함) 1옥타브 반의 음역을 제공합니다.플레이어는 원하는 튜브에 입술을 대고 튜브를 가로질러 불면 됩니다.
  • 가로 플룻:가로형 플루트는 현대의 플루트와 유사하며, 정지된 끝 부근에 입구멍이 있고 몸체를 따라 손가락구멍이 나 있다.연주자는 옆구리를 불면서 피리를 오른쪽으로 잡습니다.
  • 녹음기:부리 모양의 입인 호루라기를 주된 음향원으로 사용한다.그것은 보통 7개의 손가락 구멍과 엄지손가락 구멍으로 만들어진다.

바로크 양식의

바로크 음악 시대(1600-1750년경)에 건반악기 기술이 발달하여 파이프 오르간과 하프시코드의 디자인이 개선되고 최초의 피아노가 개발되었습니다.바로크 시대 동안 오르간 제작자들은 새로운 음색을 만들어내는 새로운 유형의 파이프와 갈대를 개발했다.오르간 제작자들은 비올라 다 감바와 같은 다양한 악기를 모방한 새로운 스톱을 만들었다.바로크 시대는 오르간 건축의 "황금 시대"로 여겨지는데, 사실상 악기에 대한 모든 중요한 정교함이 절정에 이르렀기 때문이다.Arp Schnitger, Jasper Johannsen, Zacharias Hildebrandt, Gottfried Silbermann과 같은 건축가들은 정교한 장인 정신과 아름다운 소리를 동시에 보여주는 악기를 만들었습니다.이 오르간들은 파이프 음성을 정확하게 제어할 수 있도록 균형 잡힌 기계적 키 동작을 특징으로 했습니다.슈니터의 장기는 특히 독특한 갈대나무와 큰 페달과 뤼크포시티브의 분열을 특징으로 했습니다.

네덜란드 남부의 Harpsichord 건축업자들은 두 개의 키보드가 있는 악기들을 제작했는데, 이 악기들은 전치에 사용될 수 있었다.이 플랑드르 악기들은 다른 나라들에서 바로크 시대의 하프시코드 건축의 모델이 되었다.프랑스에서는 이중 키보드가 다른 현악기 합창단을 제어하도록 개조되어 보다 음악적으로 유연한 악기를 만들었다. (예를 들어, 상부 매뉴얼은 조용한 루트 정지로 설정될 수 있는 반면 하부 매뉴얼은 더 큰 소리를 위해 여러 현악기 합창단이 있는 정지로 설정될 수 있다.)블랑쉐 가문과 파스칼 타스킨과 같은 제작자들이 만든 프랑스 전통이 절정에 달했던 악기는 모든 하프시코드 중 가장 널리 존경받는 악기로, 현대 악기 제작의 모델로 자주 사용된다.영국에서 커크만과 슈디 회사는 강력한 힘과 음향을 지닌 정교한 하프시코드를 생산했다.독일 건축업자들은 16개의 발 합창단을 추가하여 악기의 소리 레퍼토리를 확장했고, 하음계와 상음계를 추가했다.

피아노는 바로크 시대에 이탈리아 파두아의 전문 하프시코드 제작자 바르톨로메오 크리스토포리에 의해 발명되었는데, 그는 토스카나 대공 페르디난도 데 메디치에 의해 고용되었다.크리스토포리는 [49][50]1700년 이전에 피아노를 발명했다.클라비코드는 더 강하거나 더 큰 키를 눌러 더 큰 소리를 내고(반대로), 꽤 지속적인 음을 만들어 내는 등 음량을 표현적으로 제어할 수 있었지만, 대규모 연주에는 너무 조용했습니다.하프시코드는 충분히 큰 소리를 냈지만, 각각의 음에 대한 표현적 제어는 거의 하지 않았다.하프시코드 키를 더 세게 또는 더 부드럽게 눌러도 기기의 음량에는 영향을 미치지 않았습니다.피아노는 큰 소리와 역동적인 제어력을 겸비한 두 가지 장점을 모두 제공했습니다.크리스토포리의 위대한 성공은 피아노 디자인의 근본적인 기계적 문제를 해결한 것입니다: 망치는 줄을 쳐야 하지만, 소리가 줄어들기 때문에 (접선이 클라비코드 현과 접촉하는 것처럼) 계속 접촉해서는 안 됩니다.또한 망치는 심하게 튀지 않고 제자리로 돌아와 같은 음을 빠르게 반복할 수 있어야 한다.크리스토포리의 피아노 액션은 뒤따르는 피아노 액션에 대한 많은 접근법의 모델이었다.크리스토포리의 초기 악기는 클라비코드보다 훨씬 더 크고 지속성이 있었다.비록 피아노가 1700년에 발명되었지만, 하프시코드와 파이프 오르간은 1700년대 말까지 오케스트라와 실내악 콘서트에서 계속 널리 사용되었다.새 피아노가 인기를 얻는 데는 시간이 걸렸다.하지만 1800년까지, 피아노는 일반적으로 하프시코드 대신 사용되었습니다.

고전주의

약 1790년부터, 모차르트 시대의 피아노는 현대 악기의 형태로 이끌었던 엄청난 변화를 겪었다.이 혁명은 작곡가들과 피아니스트들이 보다 강력하고 지속적인 피아노 사운드를 선호한 데 따른 것으로, 현용 고품질의 강철 피아노 와이어, 철제 프레임 제작을 위한 정밀 주조 등의 자원으로 진행 중인 산업 혁명에 의해 가능해졌다.시간이 흐르면서, 피아노의 음역도 모차르트 시대의 5옥타브에서 현대 피아노에서 볼 수 있는 7옥타브로 늘어났다.초기의 기술 진보는 브로드우드 회사의 덕분이 컸다.존 브로드우드는 또 다른 스코틀랜드인 로버트 스토다트, 네덜란드인 아메리쿠스 배커스와 함께 하프시코드 케이스의 피아노 디자인을 맡았다.그들은 약 1777년에 이것을 성취했다.그들은 브로드우드가 점점 더 크고, 더 크고, 더 견고하게 구성된 악기를 만들면서, 그들의 악기의 화려함과 강력한 음색으로 빠르게 명성을 얻었다.

그들은 요제프 하이든과 루드비히 판 베토벤에게 피아노를 보냈고, 1790년대에는 5옥타브와 5옥타브(인터벌), 1810년에는 6옥타브, 1820년에는 7옥타브 이상의 음역을 가진 최초의 회사였다.빈의 제작자들은 이와 비슷한 경향을 따랐지만, 두 학교는 다른 피아노 액션을 사용했다: Broadwoods는 더 튼튼했고, 빈의 악기는 더 민감했다.

베토벤의 오케스트라를 위한 기악곡은 그의 교향곡 5번 승리의 피날레에 피콜로, 콘트라바순, 트롬본을 더했다.피콜로와 트롬본 한 쌍이 제6절에서 폭풍과 햇빛을 전달하는데 도움을 준다.베토벤이 그의 교향곡 9번에서 피콜로, 콘트라바순, 트롬본, 그리고 무음 타악기를 사용한 것은 오케스트라의 소리를 확장시켰다.

낭만주의

낭만주의 음악 시대 (1810~1900년 경) 동안, 새로운 작곡이 대중에게 알려지게 된 주요 방법 중 하나는 아마추어 음악 애호가들이 집에서 피아노로 연주하거나 현악 사중주곡과 같은 실내악 그룹에서 연주했던 악보의 판매였다.색소폰은 19세기 오케스트라 악보에 등장하기 시작했다.색소폰은 모리스 라벨의 '모데스트 무시르스키의 전시회에서의 그림'이나 세르게이 라흐마니노프의 '심포닉 댄스'와 같은 일부 작품에서는 특집 솔로 악기로만 등장하지만, 라벨의 '볼레로', 세르게이 프로코피예프의 '로미오와 줄리엣 1'과 같은 다른 작품에는 포함되어 있다.이 유포니움은 구스타프 홀스트의 '행성'과 리하르트 스트라우스의 '아인 헬덴레벤'을 포함하여 "테너 튜바"로 표시된 부분을 연주하는 낭만주의 및 20세기 후기 작품에서 주로 등장한다.호른 계열의 변형된 바그너 튜바는 리하르트 바그너의 사이클 드 니벨룽겐과 스트라우스, 벨라 바르토크 등의 다른 작품들에 등장하며, 안톤 브루크너의 교향곡 7번 [51]E장조에서 중요한 역할을 한다.표트르 일리치 차이코프스키의 발레 '백조의 호수', 클로드 드뷔시의 '라 메르', 헥터 베를리오즈의 관현악 작품에도 코넷이 등장한다.

피아노는 낭만주의 시대에 1860년대까지 기술적 발전을 거듭했다.1820년대에 이르러 피아노 건축 혁신의 중심은 프레데릭 쇼팽이 사용하는 피아노를 플리엘사가, 에라르사가 프란츠 리스트가 사용하는 피아노를 제조하는 파리로 옮겨갔다.1821년 세바스티앙 에라르는 키가 아직 최대 수직 위치까지 올라가지 않았더라도 음을 반복할 수 있는 반복 레버(발랑시에라고도 불린다)를 통합한 이중 탈출 동작을 발명했다.이것은 리스트가 착취한 음악 장치인 반복되는 음표의 빠른 재생을 가능하게 했다.이 발명이 공개되었을 때, 앙리 헤르츠에 의해 개정된 것처럼, 이중 탈출 동작은 점차 그랜드 피아노에서 표준이 되어, 현재 생산되고 있는 모든 그랜드 피아노에 채용되고 있다.이 메커니즘의 다른 개선점에는 층이 있는 가죽이나 면 대신 펠트 망치 덮개를 사용하는 것이 포함되었습니다.1826년 Jean-Henri Pape에 의해 처음 도입된 펠트는 보다 일관된 소재로 해머의 무게와 현의 장력이 증가함에 따라 더 넓은 다이내믹 레인지를 가능하게 했습니다.1844년 장 루이 부이셀로에 의해 발명되고 1874년 스타인웨이 회사에 의해 모방된 소스테누토 페달은 다양한 효과를 가능하게 했다.

현대 피아노의 소리를 만드는데 도움을 준 혁신 중 하나는 튼튼한 철골의 사용이었다."플레이트"라고도 불리는 철골은 사운드보드 위에 위치해 있으며, 현대식으로 20톤을 넘을 수 있는 현의 장력에 대한 일차적인 방어구 역할을 합니다.단일 주철 프레임은 1825년 알페우스 [52][incomplete short citation]밥콕에 의해 보스턴에서 특허를 받았으며, 금속 히치 핀 플레이트(1821년, 새뮤얼 허베를 대신하여 브로드우드가 주장함)와 저항봉(톰과 앨런, 1820년, 브로드우드와 에라드도 주장함)을 결합했다.철골조의 구조적 무결성이 높아짐에 따라 더 두껍고, 더 많은 끈을 사용할 수 있게 되었습니다.1834년, 버밍엄의 웹스터 & 호스팔 회사는 주철로 만든 피아노 와이어의 형태를 내놓았다; 돌지에 따르면 그것은 "철 와이어보다 너무 우수해서 곧 영국 회사가 [53][incomplete short citation]독점권을 갖게 되었다"고 한다.

또 다른 중요한 발전에는 피아노의 현악기 방식의 변화, 예를 들어 가장 낮은 음을 제외한 모든 음에 2개의 현악기가 아닌 3개의 현악기의 사용, 각각의 현악기가 각각의 브리지 높이를 갖는 두 개의 분리된 평면에 배치되는 과도한 현악기의 구현 등이 있었다.업라이트 피아노의 기계적인 액션 구조는 1826년 로버트 워넘에 의해 영국 런던에서 발명되었고 업라이트 모델은 소리를 [54]증폭시키면서 가장 인기 있는 모델이 되었다.

20세기와 21세기 음악

주요 기사: 20세기 음악

20세기 음악과 함께 라디오가 인기를 얻고 축음기가 음악을 재생하고 배포하는 데 사용되면서 음악 감상이 크게 증가했다.사운드 레코딩의 발명과 음악을 편집하는 능력은 전자 작곡의 Acusmatic과[55] Musique Concréte 학파를 포함한 클래식 음악의 새로운 하위 장르를 탄생시켰다.사운드 레코딩은 또한 대중 음악 장르의 발전에 큰 영향을 끼쳤는데, 이는 노래와 밴드의 레코딩이 널리 보급될 수 있게 해주었기 때문이다.멀티트랙 레코딩 시스템의 도입은 록 음악에 큰 영향을 끼쳤는데, 이는 밴드의 연주를 녹음하는 것 이상의 일을 할 수 있기 때문이다.멀티트랙 시스템을 사용하면 밴드와 그들의 음악 프로듀서는 많은 층의 악기 트랙과 보컬을 오버더빙하여 라이브 공연에서는 불가능한 새로운 사운드를 만들 수 있습니다.

20세기 오케스트라는 [56][incomplete short citation]이전 오케스트라보다 훨씬 유연했다.베토벤과 펠릭스 멘델스존의 시대에, 오케스트라는 매우 드물게 변형된 꽤 표준적인 악기들로 구성되었다.시간이 흐르면서, 그리고 낭만주의 시대에는 베를리오즈나 말러와 같은 작곡가들에 의해 받아들여진 수정의 변화를 보았고, 20세기는 악기가 작곡가에 의해 실질적으로 손으로 선택될 수 있다는 것을 보았다.색소폰은 본 윌리엄스의 교향곡 6번과 9번, 윌리엄 월튼의 벨샤자르 축제와 같은 20세기 오케스트라 악보에서 사용되었고 오케스트라 앙상블의 일원으로서 많은 다른 작품들에 사용되었다.2000년대에 현대 오케스트라는 현악기, 목관악기, 금관악기, 타악기, 피아노, 셀레스트를 포함한 현대적 기악기로 표준화되었고, 심지어 20세기나 21세기 작품에서는 전기 기타, 전기 베이스 및/또는 전자악기와 같은 테르민이나 신(Syn)과 같은 전자악기로도 표준화되었다.시저

전기 및 전기 기계

주요 기사:음악 테크놀로지(전기)

전기 음악 기술은 종종 기계 기술과 결합된 전기 회로를 사용하는 악기와 녹음 장치를 말한다.전자악기의 예로는 전자기계식 전기피아노(1929년 발명), 전자기타(1931년 발명), 전자기계식 해몬드 오르간(1934년 개발), 전기베이스(1935년 발명) 등이 있다.이러한 전기 악기는 연주자 및 청중이 들을 수 있을 만큼 크게 연주자와 소리를 내는 악기 앰프 및 확성기 캐비닛에 연결되지 않는 한 연주자 또는 청중이 들을 수 있는 소리를 내지 않습니다.앰프와 확성기는 전기 기타(기타 앰프 사용), 전기 베이스(베이스 앰프 사용), 일부 전기 오르간(레슬리 스피커 또는 유사한 캐비닛 사용) 및 전기 피아노의 경우 악기와 별개입니다.일부 전기 오르간과 전기 피아노에는 기기의 메인 하우징 내에 앰프와 스피커 캐비닛이 포함되어 있습니다.

일렉트릭 피아노

로도스 마크 2 스테이지 73 전기 피아노.

일렉트릭 피아노는 연주자가 피아노 스타일의 건반 키를 누를 때 소리를 내는 전기 악기이다.키를 누르면 기계식 해머가 금속 현이나 타인을 쳐서 자기 픽업에 의해 전기 신호로 변환되는 진동이 발생하며, 이 진동은 악기 앰프와 확성기에 연결되어 연주자와 청중이 들을 수 있을 만큼 큰 소리를 냅니다.신시사이저와 달리, 전기 피아노는 전자 악기가 아니다.대신에, 그것은 전기 기계 기구이다.몇몇 초기 전기 피아노는 전통적인 피아노처럼 긴 철사를 사용하여 음색을 만들어냈다.더 작은 전기 피아노는 음색을 내기 위해 강철로 된 짧은 조각, 금속 타인 또는 짧은 와이어를 사용했다.최초의 전기 피아노는 1920년대 후반에 발명되었다.

일렉트릭 기타

1980년 경의 크레이머 XKG-20 일렉트릭 기타.

일렉트릭 기타는 현의 진동을 전기 충격으로 변환하기 위해 픽업을 사용하는 기타입니다.가장 일반적인 기타 픽업은 직접 전자기 유도 원리를 사용합니다.일렉트릭 기타로 발생하는 신호는 확성기를 구동하기에는 너무 약하기 때문에 확성기로 보내지기 전에 증폭됩니다.일렉트릭 기타의 출력은 전기 신호이며, 전자 회로에 의해 소리에 "색깔"을 더하기 위해 신호가 쉽게 바뀔 수 있습니다.신호는 종종 리버브나 왜곡과 같은 전자적 효과를 사용하여 수정됩니다.1931년에 발명된 일렉트릭 기타는 재즈 기타 연주자들이 빅 밴드 형식으로 그들의 소리를 증폭시키려고 노력하면서 필수품이 되었다.

해먼드 오르간

해먼드 C-3 전기 오르간이야

해먼드 오르간은 로렌스 해먼드와 존 M에 의해 발명된 전기 오르간이다.Hanert와[57] 1935년에 처음 제조되었습니다.다양한 모델이 생산되고 있으며, 대부분은 슬라이드식 차량 연결봉을 사용하여 다양한 소리를 냅니다.1975년까지 Hammond는 전자파 픽업 근처에서 금속 톤휠을 회전시켜 전류를 발생시킴으로써 소리를 발생시켰다.약 2백만 개의 하몬드 장기가 제조되었고, 가장 성공적인 장기로 묘사되어 왔다.오르간은 일반적으로 레슬리 스피커와 함께 사용되며 이와 관련이 있습니다.이 오르간은 원래 Hammond Organ Company에 의해 판매되었고 풍력 파이프 오르간 또는 피아노 대신 저렴한 비용으로 교회에 판매되었습니다.그것은 전문 재즈 밴드 리더들에게 빠르게 인기를 끌었는데, 그들은 방을 가득 채우는 해먼드 오르간의 소리가 전체 빅 밴드를 지불하는 것보다 더 저렴한 오르간 트리오와 같은 작은 밴드를 형성할 수 있다는 것을 알게 되었다.

전기 베이스

일렉트릭 베이스(또는 베이스 기타)는 1930년대에 발명되었지만, 1950년대까지 상업적으로 성공하거나 널리 쓰이지 않았다.그것은 주로 손가락이나 엄지손가락으로 연주되는 현악기로서, 종종 픽으로 알려진, 당기고, 때리고, 터트리고, 두드리고, 쿵쾅거리거나, 또는 펩텀으로 후려치는 것이다.베이스 기타는 외관이나 구조가 일렉트릭 기타와 비슷하지만 목과 음계 길이가 길고 줄과 코스가 4개에서 6개 있다.일렉트릭 베이스는 보통 금속 현과 현의 진동을 감지하는 전자기 픽업을 사용합니다.일렉트릭 기타와 마찬가지로 베이스 기타는 라이브 공연을 위해 앰프와 스피커에 연결되어 있습니다.

전자 또는 디지털

주요 기사:음악 테크놀로지(전자 및 디지털)

전자 또는 디지털 음악 기술은 [2]음악가와 작곡가가 음악을 만들거나 연주하기 위해 사용하는 컴퓨터, 전자 효과 장치 또는 소프트웨어와 같은 장치입니다.이 용어는 일반적으로 음악의 연주, 재생, 녹음, 작곡, 녹음 및 재생, 혼합, 분석 및 편집에 사용되는 전자 장치, 컴퓨터 하드웨어 및 컴퓨터 소프트웨어의 사용을 의미합니다.일렉트로닉 또는 디지털 음악 기술은 예술적 및 기술적 창의성과 모두 연결되어 있습니다.음악가와 음악 기술 전문가들은 음악을 통해 새로운 형태의 표현을 고안하기 위해 끊임없이 노력하고 있으며, 이를 가능하게 하는 새로운 장치와 소프트웨어를 물리적으로 만들고 있습니다.2010년대에 이 용어는 디지털 오디오 워크스테이션 및 Pro Tools 디지털 사운드 레코딩 소프트웨어 등의 최신 전자 장치와 컴퓨터 소프트웨어에 가장 많이 사용되었지만, 전자 및 디지털 음악 기술은 전기 기계와 같은 20세기 초반의 전기 음악 기술의 선구자를 가지고 있습니다.1929년에 발명된 칼 해먼드 오르간2010년대에 음악 기술의 존재론적 범위는 크게 증가했으며, 이제는 전자, 디지털, 소프트웨어 기반 또는 순수하게 개념적일 수도 있습니다.

R.A.의 초기 Minimoog 신시사이저.1970년 Moog Inc.

신시사이저는 악기 증폭기, 확성기 또는 헤드폰을 통해 소리로 변환되는 전기 신호를 발생시키는 전자 악기이다.신시사이저는 기존의 소리(악기, 성악, 자연음 등)를 모방하거나 새로운 전자 음역이나 소리를 생성할 수 있다.그들은 종종 전자 음악 키보드로 연주되지만 음악 시퀀서, 악기 컨트롤러, 핑거보드, 기타 신시사이저, 윈드 컨트롤러, 전자 드럼 등 다양한 입력 장치를 통해 제어될 수 있습니다.컨트롤러가 내장되지 않은 신시사이저는 흔히 사운드 모듈이라고 불리며 컨트롤러 장치를 사용하여 제어됩니다.

레퍼런스

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원천

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