포크 음악

Folk music
"Folk Song"과 "Folk Singer"는 여기서 리다이렉트합니다.기타 용도는 포크송(동음이의), 폴크스라이드, 포크싱어(동음이의) 및 포크음악(동음이의)을 참조하십시오.
포크 음악
1907년 헝가리 조보르다라즈에서 헝가리 농민가수를 녹음한 벨라 바르토크
전통민속 음악 전통 목록
뮤지션포크 뮤지션 목록
인스트루먼트민속 악기
기타 토픽

포크뮤직은 전통 포크음악과 20세기 포크부흥기에 전자에서 발전한 컨템포러리 장르를 포함하는 음악 장르이다.어떤 종류의 포크 음악은 월드 뮤직이라고 불릴 수 있다.전통민속음악은 구전으로 전해지는 음악, 무명의 작곡가가 있는 음악, 전통악기로 연주되는 음악, 문화나 민족정체성에 관한 음악, 세대 간 변화되는 음악(민속과정), 민속과 관련된 음악 또는 긴 음에 걸쳐 관습적으로 연주되는 음악 등 여러 가지 방식으로 정의되어 왔다시간의 요동그것은 상업적이고 고전적인 스타일과 대조되어 왔다.이 용어는 19세기에 시작되었지만, 포크 음악은 그 이상이다.

20세기 중반부터, 새로운 형태의 대중음악이[citation needed] 전통적인 민속음악에서 발전했다.이 과정과 시기는 민속 부흥이라고 불리며 1960년대에 절정에 달했다.이러한 형태의 음악은 때때로 현대 민속 음악이나 초기 민속 [1]음악과는 구별하기 위해 민속 부흥 음악이라고 불린다.더 작고 비슷한 리바이벌은 다른 시대에도 있었지만, 포크 음악이라는 용어는 일반적으로 리바이벌 기간 동안 만들어진 새로운 음악에 적용되지 않았다.이런 종류의 포크 음악은 또한 포크 록, 포크 메탈, 그리고 다른 것들과 같은 퓨전 장르를 포함합니다.현대 포크 음악은 일반적으로 전통적인 포크 음악과는 다른 장르이지만, 미국 영어에서는 같은 이름을 공유하며 종종 전통적인 포크 음악과 같은 연주자와 장소를 공유한다.

전통 민속 음악

전통 민속 음악
문체적 기원전통 음악
문화적 기원개별 국가 또는 지역
파생 형식
서브장르
현대 포크 음악 (서양)
현대 포크 음악(비서양)
(전체 목록)
퓨전 장르
기타 토픽

정의들

민요, 민요, 민요라는 용어는 비교적 최근의 표현이다.1846년 영국의 고고학자 윌리엄 톰스가 "문화되지 않은 계급의 전통, 관습, 미신"[2]을 설명하기 위해 만든 민속의 연장선이다.이 용어는 반세기 [3]전 요한 고트프리드 헤르더와 독일 낭만주의자들이 대중음악과 민족음악에 적용한 "국민 전체"라는 의미에서 독일식 volk에서 더 유래했다.포크 음악은 사람들의 음악이라는 것은 이해되지만, 관찰자들은 더 정확한 정의를 [4][5]찾기 어렵다는 것을 알게 된다.어떤 사람들은 심지어 포크 뮤직이라는 [4]용어를 사용해야 한다는 것에 동의하지 않는다.포크 음악은 특정한 특성을[2] 가지고 있는 경향이 있을 수 있지만 순수하게 음악적인 용어로 명확하게 구분할 수는 없다.흔히 주어지는 의미 중 하나는 "[6]작곡가가 알려지지 않은 오래된 노래"이고, 또 다른 의미는 "구전 과정"으로 진화된 음악의 의미이다.포크적인 [7]특징을 주는 커뮤니티에 의한 음악의 패션화 및 재패션화.

이러한 정의는 추상적인 음악 유형보다는 (문화적인) 과정에 따라 달라지며, "계속과 구전"에 따라 달라진다.문화적 이분법의 한 측면을 특징짓는 것으로 보여지는 반면, 다른 한쪽 면은 봉건, 자본주의, 그리고 일부 동양 사회의 하층뿐 아니라 '대중 문화'[8]의 일부에서도 발견된다.널리 사용되는 한 가지 정의는 간단히 말해서 "민중은 포크 음악을 [9]부른다"이다.

스콜스뿐 아니라 세실 [10]샤프와 [2]벨라 바르토크에게도 도시의 음악과는 다른 시골 음악의 느낌이 있었다.포크 음악은 이미, 특히 [7]"예술 음악의 영향을 받지 않는 공동체"와 상업적이고 인쇄된 노래에 의해, "...지금 과거이거나 사라지려는 삶의 방식의 진정한 표현으로 보여지고 있었다.[11]로이드는 경제계급의[10] 단순한 구별을 위해 이것을 거부했지만, 그에게 진정한 포크 음악은, 찰스 시거의 말에 따르면, 문화 및 사회적으로 계층화된 사회에서 "하층 [12]계급과 연관된" 것이었다.이러한 용어로, 포크 음악은 "'원시적' 또는 '부족적'; '엘리트' 또는 '예술', '민중적' 그리고 '[13]인기적'의 네 가지 음악 유형으로 구성된 체계"의 일부로 볼 수 있다.

이 장르의 음악은 종종 전통 음악이라고도 불린다.비록 이 용어는 보통 묘사적인 것일 뿐이지만, 어떤 경우에는 사람들이 장르 이름으로 그것을 사용한다.예를 들어, 그래미상은 이전에 현대 포크 [14]음악이 아닌 포크 음악에 대해 "전통 음악"과 "전통 포크"라는 용어를 사용했다.포크 음악은 대부분의 토착 음악을 포함할 [4]수 있다.

특성.

빌리안디 민속 음악 축제는 에스토니아 빌리안디에 있는 성터 내에서 매년 열린다.

역사적 관점에서 보면 전통 민속음악은 다음과 같은 특징이 [12]있다.

  • 그것은 구전으로 전해졌다.20세기 이전에는 보통 사람들은 문맹이었다; 그들은 노래를 외워서 얻었다.주로, 이것은 책이나 기록되거나 전송되는 매체에 의해 중재되지 않았다.가수들은 그들의 레퍼토리를 광시트와 노래책을 사용하여 확장할 수 있지만, 이러한 이차적인 강화는 육체를 통해 경험하는 주요 노래와 같은 성격의 것이다.
  • 그 음악은 종종 민족 문화와 관련이 있었다.그것은 문화적으로 특별했다; 특정 지역이나 문화로부터.이민자 집단의 맥락에서, 포크 음악은 사회적 결속을 위한 추가적인 차원을 획득합니다.특히 그리스계 호주인, 소말리아계 미국인, 펀자비계 캐나다인 등이 주류와의 차이를 강조하기 위해 노력하는 이민사회에서 두드러진다.그들은 그들의 조부모가 태어난 나라에서 유래한 노래와 춤을 배운다.
  • 그들은 역사적이고 개인적인 사건들을 기념합니다.크리스마스, 부활절, 메이데이 같은 공휴일을 포함한 한 해의 특정 날에, 특정 노래들은 한 해의 주기를 기념합니다.생일, 결혼식, 장례식은 노래, 춤, 특별한 의상으로도 기록될 수 있다.종교 축제에는 종종 민속 음악 요소가 있다.이러한 행사에서 합창 음악은 어린이와 비전문가수들을 공공장소에 참여시켜 음악의 미적 특성과 무관한 감정적 유대감을 준다.
  • 그 노래들은, 관습에 따라, 대개 몇 세대에 걸쳐 연주되어 왔다.

부작용으로 다음과 같은 특성이 나타날 수 있습니다.

  • 그 노래들은 저작권이 없다.19세기 민요 수백 곡이 작가를 알면서도 음악 출판을 위한 전통으로 여겨질 정도로 구전되고 있다.이것은 1940년대 이후로 훨씬 덜 빈번해졌다.오늘날, 녹음된 거의 모든 민요는 편곡자로 인정된다.
  • 문화의 융합:문화는 시간이 지남에 따라 상호작용하고 변화하기 때문에, 시간이 지남에 따라 진화하는 전통 노래는 이질적인 문화의 영향을 통합하고 반영할 수 있다.관련 요소에는 계측, 튜닝, 음성, 표현, 주제, 제작 방법 등이 포함될 수 있습니다.

튜닝

포크 음악에서, 곡조는 짧은 기악곡, 멜로디이며, 종종 반복되는 부분이 있고, 보통 여러 [15]번 연주된다.구조적으로 유사한 곡들을 모은 것을 곡족이라고 한다.미국의 '뮤지컬 랜드스케이프'는 "민속음악에서 가장 흔한 곡의 형식은 바이너리 [16]형식으로도 알려진 AABB"라고 말한다.

몇몇 전통에서, 곡들은 메들리나 "세트"[17]로 함께 연주될 수 있다.

오리진스

인도인들은 항상 클래식과 포크 음악을 구분했지만, 과거에는 클래식 인도 음악조차도 레퍼토리의 불문율에 의존하곤 했다.
인도 네팔의 포크 뮤지션 나브니트 아디트 와이바

인류의 선사시대나 역사를 통틀어 녹음된 음악을 듣는 것은 [18][19]불가능했다.음악은 일반인들이 일과 여가, 그리고 종교 활동 중에 만들어졌다.경제 생산의 일은 종종 수작업으로 이루어졌고 [20]공동 작업이었다.육체 노동은 종종 노동자들에 의한 노래 부르기를 포함했고, 이것은 몇 가지 실질적인 [21]목적을 수행했다.반복적인 작업의 지루함을 줄이고, 동시에 밀고 당기는 동안 리듬을 유지하며, 심기, 제초, 수확, 탈곡, 짜기, 제분 등 많은 활동의 속도를 설정했다.여가 시간에는 노래와 악기 연주가 일반적인 형태의 엔터테인먼트와 역사 전달이었습니다. 전기적으로 활성화된 기술과 광범위한 읽고 쓰는 능력이 다른 형태의 엔터테인먼트와 정보 공유를 [22]경쟁력 있게 만드는 오늘날보다 훨씬 더 흔했습니다.

어떤 사람들은 포크 음악이 그것을 [2]만든 사회의 특성을 반영하면서 변화되고 아마도 구두 전달에 의해 저하된 예술 음악에서 유래했다고 믿는다.많은 사회, 특히 문맹 이전의 사회에서는 민속음악의 문화적 전승이 귀로 배우는 것을 요구하지만, [23]일부 문화에서는 기법이 발전했다.다른 문화들은 한편으로는 "민속" 음악과 다른 한편으로는 "예술"과 "법정" 음악 사이의 구분에 대해 다른 생각을 가지고 있을 수 있습니다.대중 음악 장르가 확산되면서 일부 전통 포크 음악은 "월드 뮤직" 또는 "루트 뮤직"[24]이라고도 불리게 되었다.

전통적인 포크 음악과 춤을 묘사하는 영어 용어 "포크로어"는 유럽 대륙의 많은 나라들의 어휘에 들어갔는데, 각 나라마다 포크송 수집가와 부흥가가 [2]있었다."진짜" 포크송과 특히 미국과 독일에서는[2] "진짜" 포크송과 국내 및 대중가요의 구분이 항상 느슨했다. 예를 들어,[2][25] 스티븐 포스터와 같은 인기 작곡가는 미국에서 "포크"라고 불릴 수 있다.국제민속음악협의회의 정의에 따르면, 이 용어는 "...개인의 작곡가에 의해 시작되어 이후 지역사회의 불문율적이고 살아있는 전통에 흡수된 음악에도 적용될 수 있다.하지만 이 용어는 이미 만들어진 노래, 춤, 곡조를 포함하지는 않습니다.[26]

제2차 세계대전 이후 미국과 영국의 포크 부흥은 새로운 장르인 컨템포러리 포크 뮤직에 새로운 의미를 부여했다.즉, 전통음악의 형태를 모방한 새로운 작곡된 곡과 알려진 작가들에 의해 만들어진 새로운 곡이다."현대 민속"음반의 인기는 반면, 1987년"최우수 전통 민속 녹음",'최우수 현대 민속 Reco의 차이를 가져왔다 1970년[27]에서 지칭"베스트 각 민족이나 전통 음반(전통 Blues 등)"[28]에 찬성된 범주"민속"의 그래미상 1959년에서도 원인이 되었다.rding".[29]그 후, 그들은 "전통 음악" 카테고리를 갖게 되었고, 이후 다른 음악 카테고리로 발전했다.21세기 초까지 "포크"라는 용어는 1960년대 이후 등장한 스코틀랜드 출신의 도노반과 미국인 밥 [31]딜런과 같은[30] 싱어송라이터들을 포괄할 수 있을 것이다.이로써 "민속음악"이 더 이상 전통적인 [6]민속음악만을 의미하지 않게 된 과정이 완성되었다.

주제

아르메니아 전통 음악가
Assyrian folk music
주르나와 다불을 연주하는 아시리아인, 그들의 민속음악과 춤에 일반적으로 사용되는 악기.

전통적인 포크 음악은 종종 노래하는 단어를 포함하지만 포크 기악 음악은 댄스 음악 전통에서 흔히 발생한다.서사시는 많은 [32][33]문화권의 전통 민속 음악에서 크게 나타난다.이것은 전통적인 서사시와 같은 형식을 포함하는데, 그 대부분은 원래 구술 공연을 위한 것이었고, 때로는 [34][35]악기와 함께하기도 했다.다양한 문화의 많은 서사시들이 전통적인 서사시들의 짧은 조각들로부터 결합되었는데, 이것은 그들의 삽화 구조, 반복적인 요소들, 그리고 매체들의 줄거리 전개에 자주 나타나는 것을 설명한다.다른 형태의 전통적인 서사시들은 전투의 결과나 비극이나 자연재해를 [36]애도한다.

때때로, 성경의 심판서에 나오는 승리의 노래처럼[37], 이 노래들은 승리를 축하한다.패배한 전투와 전쟁에 대한 한탄과 그 속에서 잃어버린 삶은 많은 전통에서 똑같이 두드러집니다. 이러한 한탄은 전투가 [38][39]치러진 명분을 살려줍니다.전통 노래의 내러티브 또한 종종[40][41] 존 헨리나 로빈 [42]후드 같은 민속 영웅들을 기억한다.어떤 전통적인 노래 내러티브는 초자연적인 사건이나 의문의 [43]죽음을 떠올린다.

찬송가와 다른 형태의 종교 음악은 종종 전통적이고 알려지지 않은 [44]음악이다.서양의 음악 표기법은 원래 그레고리오 성가를 보존하기 위해 만들어졌는데, 이것이 발명되기 전에 수도원 공동체에서 [45][46]구전으로 가르쳤다.Green과 같은 전통적인 노래들은 서양의 크리스마스 캐롤과 비슷한 [47]전통 노래들이 그러하듯이, 종교적인 전설을 기억의 형태로 표현합니다.

워크송은 통화와 응답 구조가 자주 특징이며,[48] 그것을 부르는 노동자가 노래의 리듬에 따라 그들의 노력을 조정할 수 있도록 고안되었다.그들은 자주, 그러나 항상 침착한 것은 아니다.미군에서는 활발한 [49]구전 전통이 군인들이 행진하는 동안 부르는 조디 콜("덕워스 구호")을 보존합니다.전문 선원들도 비슷한 방식으로 많은 양의 [50][51]판잣집을 사용했다.종종 비극적이거나 후회스러운 성격의 시를 사랑하는 것은 많은 민간 [52]전통에서 두드러지게 나타난다.어린이들을 즐겁게 하거나 조용하게 하기 위해 사용되는 동요와 난센스 구절 또한 전통 [53]노래의 단골 소재이다.

민요의 변형과 변주곡

다음 항목도 참조하십시오.민속 음악 전통 목록
국악인

커뮤니티를 통해 입소문을 타고 전해지는 음악은 많은 변형을 낳는다.왜냐하면 이런 종류의 전달은 단어와 음표의 정확성을 만들어 낼 수 없기 때문이다.사실, 많은 전통 가수들은 상당히 창의적이고 그들이 배우는 내용을 의도적으로 수정한다.

예를 들어, "나는 당신이 매일 만나지 않는 남자입니다" (소란 975)의 말은 보들리언 도서관의 [54]한 측면으로부터 알려져 있습니다.날짜는 1900년 이전으로 거의 확실하고 아일랜드 것으로 보인다.1958년에 이 노래는 캐나다에서 녹음되었다(내 이름은 팻이고 나는 그것이 자랑스럽다.애버딘에서 온 스코틀랜드 여행자 지니 로버슨은 1961년에 다음 녹음판을 만들었다.그녀는 그녀의 친척 중 하나인 "Jock Stewart"를 언급하기 위해 그것을 변경했고 아일랜드어에는 언급이 없다.1976년 스코틀랜드 예술가 아치 피셔는 총에 맞은 개에 대한 언급을 없애기 위해 의도적으로 노래를 바꿨다.1985년 포그 부부는 아일랜드 관련 [original research?]자료를 모두 복원함으로써 완전히 원상복구했다.

변형은 자연적으로 번식하기 때문에, "바바라 앨런"과 같은 발라드의 "진짜" 버전 같은 것이 있다고 믿는 것은 순진하다.전통적인 노래의 현장 연구자들은 영어권 전역에서 이 발라드의 수많은 버전을 접해왔고, 이 버전들은 종종 서로 크게 다르다.어느 누구도 자신이 오리지널이라고 확실하게 주장할 수 없으며, "원조" 버전은 수 세기 전에 더 이상 불려지지 않을 수도 있다.많은 버전이 신뢰성을 동등하게 주장할 수 있습니다.

영향력 있는 민속학자 세실 샤프는 이러한 전통적인 노래의 경쟁적인 변종들이 생물학적 자연 선택과 유사한 개선 과정을 거치게 될 것이라고 느꼈다: 일반 가수들에게 가장 매력적인 새로운 변종들만이 다른 사람들에 의해 선택되고 시간 내에 전달될 것이라고 생각했다.따라서 시간이 지남에 따라 우리는 각각의 전통 노래가 미적으로 더욱 매력적으로 될 것으로 기대하고 있습니다. 즉, 커뮤니티에 의해 전체적으로 완벽하게 작곡될 것입니다.

인기 있는 발라드 형식에 대한 문학적인 관심은 적어도 토마스 퍼시와 윌리엄 워즈워스로 거슬러 올라간다.영국의 엘리자베스 시대와 스튜어트 시대의 작곡가들은 종종 포크 주제에서 그들의 음악을 발전시켰으며, 클래식 모음은 양식화된 포크 댄스에 기반을 두고 있었으며, 조지프 하이든의 포크 멜로디 사용은 주목할 만하다.그러나 "민중"이라는 용어의 출현은 국가 정체성이 가장 강조되었던 유럽의 가장자리에서 특히 강한 "유럽 전역에 걸친 민족 감정의 폭발"과 동시에 일어났다.중앙 유럽, 러시아, 스칸디나비아, 스페인 그리고 영국에서 민족주의 작곡가들이 등장했습니다: 드보르작, 스메타나, 그리그, 림스키코르사코프, 브람스, 리스트, 드 팔라, 바그너, 시벨리우스, 본 윌리엄스, 바르토크, 그리고 많은 다른 포크 선율을 끌어냈습니다.

지역별 폼

나시 전통 음악가
Steinegger 형제, 1880년 Styria Grundlsee의 전통적인 선원

대중음악이 부상하면서 전통 민속음악이 없어지는 것은 세계적인 [55]현상이지만, [56]전 세계적으로 일정한 비율로 일어나는 것은 아니다.이 과정은 "문화의 산업화와 상업화가 [57]가장 진전된 곳"이지만, 낮은 기술 진보의 환경에서도 더 점진적으로 일어난다.그러나 전통 민속음악이 문화나 [citation needed]국가 정체성의 상징인 국가나 지역에서는 전통음악의 손실이 더디게 나타난다.

초기 민속 음악, 현장 연구 및 장학금

19세기 오디오 레코딩 기술이 발달하기 전에 포크 음악에 대해 알려진 것의 대부분은 현장 조사와 학자, 수집가,[58] 지지자들의 글에서 나온다.

19세기 유럽

19세기부터 학자들과 아마추어 학자들은 음악 전통이 사라진 것에 주목하여 사람들의 [59]음악을 보존하기 위한 다양한 노력을 시작했다.그러한 노력 중 하나는 19세기 후반 프란시스 제임스 차일드가 영국과 스코틀랜드 전통에서 300개가 넘는 발라드의 원문을 수집했고, 그 중 일부는 16세기 [9]이전이었다.

차일드와 동시에 사빈 베링-골드 목사와 후에 세실 샤프는 영국 민속 무용 및 노래 협회(EFDSS)[60]의 후원으로 영국의 시골 전통 노래, 음악 및 춤을 보존하기 위해 일했다.샤프는 영어 전통 노래의 [61][62]인기를 되살리고 연장하기 위해 열심히 편집하고 삭제한 버전으로 학생들에게 영어 전통 노래를 가르치는 캠페인을 벌였습니다.1960년대와 1970년대 초반에서 중반까지 미국 학자 버트랜드 해리스 브론슨은 아동 [63]캐논으로 알려지게 된 것과 관련된 텍스트와 곡의 당시 알려진 변주곡의 완전한 4권짜리 컬렉션을 출판했다.그는 또한 구강-청각 [64]전통의 작동에 관한 몇 가지 중요한 이론을 발전시켰다.

비슷한 활동은 다른 나라에서도 진행되고 있었다.가장 광범위한 것 중 하나는 아마도 1894년에서 1915년 사이에 라트비아 민요 217,996곡의 본문인 라트브주 [65]다이나스를 포함한 6권의 책을 출판한 크리스자니스 바론스에 의해 리가에서 행해진 작품이었을 것이다.노르웨이에서는 에드바르 그리그의 서정곡 등에서 루드비그 마티아스 린데만과 같은 수집가의 작품이 폭넓게 사용되면서 큰 [66]인기를 끌었다.

이 무렵 클래식 음악 작곡가들은 전통 노래 수집에 강한 관심을 갖게 되었고, 많은 작곡가들이 전통 음악에 대한 그들만의 현장 작업을 수행하였다.여기에는 영국의 퍼시[67] 그레인저와 랄프 본 윌리엄스[68], 헝가리의 벨라 바르토크가[69] 포함되었다.이들 작곡가들은 많은 전임자들과 마찬가지로 포크송을 편곡하고 전통 소재를 독창적인 고전 [70][71]작곡에 접목시켰다.

북미

1916년(파란색), 1917년(녹색), 1918년(빨간색) 영국 민속학자 세실 샤프가 방문한 남부 및 중부 애팔래치아 지역.샤프는 영국 조상들로부터 이 지역 주민들에게 전해 내려오는 "구세계" 영어와 스코틀랜드 발라드를 추구했다.그는 그러한 발라드를 수백 곡 수집했는데, 가장 생산적인 지역은 노스캐롤라이나주의 블루리지 산맥과 켄터키주의 컴벌랜드 산맥이다.

오디오 레코딩 기술의 등장은 민속학자들에게 사라져가는 음악 형태를 [72]보존하기 위한 혁명적인 도구를 제공했다.최초의 미국 민속 음악 학자는 [73]1800년대 후반에 등장한 미국 민속 학회 (AFS)에 소속되어 있었다.그들의 연구는 아메리카 원주민 음악으로 확대되었지만,[74] 여전히 포크 음악을 고립된 사회에서 보존된 역사적 물건으로 취급했다.1930년대와 1940년대 동안, 미국 의회 도서관은 가능한 [79]한 많은 북미 현장 자료를 수집하기 위해 전통적인 음악 수집가 로버트 윈슬로우 고든,[75] 앨런 로맥스[76][77][78] 등의 사무실을 통해 일했다.존 로맥스(앨런 로맥스의 아버지)는 카우보이들과 남부 흑인들의 것과 같은 뚜렷한 미국 민속 음악을 연구한 최초의 저명한 학자였다.그의 첫 번째 주요 출판 작품은 1911년 카우보이 송과 기타 프런티어 [80]발라드였다.그는 1930년대와 1940년대 초 포크 음악 부흥이 시작될 때, 특히 당대의 가장 저명한 미국 포크 음악 학자였다.세실 샤프는 또한 1916-1918년에 모드 카르펠레스, 올리브 데임 캠벨과 협력하여 애팔래치아 산맥의 전통 노래를 녹음하는 등 미국에서 일했고 미국 포크 [81]음악을 다루는 최초의 주요 학자로 여겨진다.캠벨과 샤프는 현대 영화 '송캐처'[82]에 나오는 배우들에 의해 다른 이름으로 등장한다.

20세기 초반의 포크 학자들 사이에서 강한 주제 중 하나는 지역주의였는데,[83] 이것은 주어진 노래의 역사적 [84][85]뿌리가 아닌 미국의 지역에 기초한 포크 음악(및 관련 문화)의 다양성에 대한 분석이었다.나중에 여기에 [86]계층과 환경의 역동성이 추가되었다.가장 저명한 지역주의자들은 [87][88]민속학에 특별한 관심을 가진 문학적 인물들이었다.칼 샌드버그는 작가와 [89]시인으로서 종종 미국을 여행했다.그는 또한 그의 여행에서 노래를 수집했고 1927년에 그것을 The American Songbag이라는 [90]책에 출판했다.밴더빌트에서 일했던 역사학자 레이첼 도널슨은 나중에 포크 음악 부흥에 대한 분석에서 아메리칸 송버드에 대해 이렇게 말했다."샌드버그는 포크송 컬렉션에서 미국 포크 음악에 대한 대중적 이해에 클래스 역동성을 더했습니다.이것은 초기 포크 음악 부흥가들이 미국주의에 대한 그들만의 관점을 구축한 토대의 마지막 요소였다.샌드버그의 노동계급 미국인들은 다른 학자, 공공지식인, 민속학자들이 미국민족의 정의를 자축한 인종적, 인종적, 지역적으로 다양한 시민들과 합류했다, 포크 부흥가들이 미국민속음악에 대한 그들만의 이해를 구축하는데 사용한 정의들, 그리고 가장 중요한 미국민속이다.ican [91]identity"를 참조해 주세요.

1930년대 이전에는 민속음악 연구가 주로 학자와 수집가의 영역이었다.1930년대는 대중과 실무자들 또한 종종 대공황과 [92]관련이 있는 더 큰 규모의 주제, 공통점, 그리고 포크 음악의 연결고리의 시작을 보았다.지역주의와 문화적 다원주의는 영향과 주제로 성장했다.이 기간 동안 포크 음악은 정치적, 사회적 행동주의 주제와 운동에 [92]얽히기 시작했다.이와 관련된 두 가지 발전은 [93]대공황의 [94]관점에서 미국 공산당이 미국인들에게 접근하고 영향을 미치는 방법으로서의 포크 음악에 대한 관심과 정치적으로 활동적인 저명한 포크 음악가들과 학자들이 공산주의를 가능한 더 나은 시스템으로 보는 것이었다.Woody Guthrie는 그러한 [95]전망을 가진 작곡가들과 아티스트들을 대표한다.

민속 음악 축제는 1930년대 [96]동안 확산되었다.프랭클린 루스벨트 대통령은 포크 음악의 팬이었고, 백악관에서 포크 콘서트를 열었고, 종종 포크 [97]축제를 후원했다.한 유명한 축제는 사라 거트루드 크노트의 국립 민속 축제였는데, 이는 세인트루이스에서 열렸다.1934년 [98]미주리 주 루이스.워싱턴 포스트의 후원 아래, [99]이 축제는 1937년부터 1942년까지 워싱턴 DC의 컨스티튜션 홀에서 열렸다.포크 음악 운동, 축제, 전시의 노력은 민주주의, 문화적 다원주의, 문화와 인종에 따른 [100]장벽 제거와 같은 사회 재화의 힘으로 여겨졌다.

바바라 앨런
1939년 플로리다의 훌레 '퀸' 하인즈가 존 로맥스에게 부른 전통 영어 포크 발라드 바바라 앨런
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1930년대의 미국 포크 음악 부흥가들은 다양한 [101]방식으로 포크 음악에 접근했다.세 개의 초등학교 사상파: "전통주의자" (예: 사라 거트루드 크노트, 존 로맥스)는 죽은 문화의 유물로써 노래의 보존을 강조했다."기능적" 민속학자들(예: Botkin과 Alan Lomax)은 노래가 탄생한 전통을 유지하는 문화권에서 사용될 때만 관련성을 유지한다고 주장했다."좌파" 민속 부흥가들(예: 찰스 시거와 로렌스 겔러트)은 "사회적,[101] 정치적 권리를 위한 '국민' 투쟁에서" 음악의 역할을 강조했다.1930년대 말까지 이것들과 다른 것들은 미국 포크 음악을 사회 [101]운동으로 변화시켰다.

때때로 민속 음악가들은 학자가 되고 그들 자신을 옹호한다.예를 들어, Jean Ritchie(1922–2015)는 오래된 애팔래치아 전통 노래를 [102]많이 보존했던 켄터키주 바이퍼 출신의 대가족의 막내였다.애팔래치아인들이 외부의 영향을 받던 시대에 살았던 리치는 대학교육을 받고 결국 뉴욕으로 이주하여 가족 레퍼토리의 많은 클래식 음반을 만들었고 이 [103]노래들의 중요한 모음집을 출판했다.

2012년 1월, 미국 의회도서관의 미국민속생활센터는 문화평등협회와 함께 로맥스의 1946년 방대한 기록 보관소와 나중에 디지털 형식으로 녹음된 자료를 공개할 것이라고 발표했다.로맥스는 지난 20년간 인터랙티브 멀티미디어 교육용 컴퓨터 프로젝트인 '글로벌 주크박스'에서 일했는데, 여기에는 5,000시간의 녹음, 40,000피트의 필름, 3,000개의 비디오 테이프, 5,000장의 [104]사진이 포함되어 있습니다.2012년 3월 현재, 이것은 달성되었습니다.1946년 이후 로맥스의 녹음물 중 약 17,400개는 온라인에서 [105][106]무료로 이용할 수 있게 되었다.1946년부터 시작된 앨런 로맥스의 독립문서보관소에서 나온 이 자료는 그가 1933년부터 1942년까지 의회도서관의 후원으로 만든 아세테이트와 알루미늄 디스크에 관한 수천 건의 초기 기록과는 구별된다.유명한 젤리 롤 모튼, 우디 거스리, 리드 벨리, 머디 워터스 세션과 아이티와 동부 켄터키(1937년)에서 만들어진 로맥스의 엄청난 컬렉션이 포함된 이 초기 컬렉션은 의회 도서관에 있는 "미국 민속 생활 센터"[105]의 기원이 됩니다.

국가 및 지역 양식

아프리카

주요 기사:아프리카 음악
아프리카 라멜로폰, 엄지 피아노 또는 음비라

아프리카는 광대한[107] 대륙이고 아프리카 지역과 국가들은 뚜렷한 음악적 [108][109]전통을 가지고 있다.북아프리카의 음악은 사하라 이남의 아프리카 음악 [110]전통과는 대부분 다른 역사를 가지고 있다.

아프리카 디아스포라의 음악과 많은 카리브해 장르인 soca, calypso, Zouk, 그리고 삼바, 쿠바 룸바, 살사, 그리고 다른 클레이브(리듬)를 기반으로 한 장르를 포함한 음악과 춤 형식은 아프리카 팝에 영향을 준 아프리카 노예들의 음악에서 다양한 정도로 설립되었습니다.울라 [111][112]음악

아시아

다음 항목도 참조하십시오.타망셀로, 이란 민속음악, 인도 민속음악
파반 다스 바울, 나인 라이브즈 2009 공연에서 바울 가수

많은 아시아 문명은 예술/법원/클래식 스타일과 "민속"[113][114] 음악을 구분합니다.예를 들어, 고인이 된 알람 로하르는 포크 [115]가수로 분류된 남아시아 가수의 한 예이다.

Khunung Eshei/Khuland Eshei는 아시아의 나라 인도의 고대 민요로, 아시아 민요의 한 예이며, 어떻게 그 장르에 [116]넣었는가.

중국의 민속 음악
상세 정보:중국의 음악 ① 포크 음악, 시징, 월복

고고학적 발견은 중국의 민속음악을 7000년 [117]전으로 거슬러 올라간다; 그것은 주로 5음계에 [118]바탕을 두고 있다.

한족의 전통 혼례와 장례식은 보통 [119]수오나라고 불리는 오보에와 추이구슈라고 [120]불리는 타악 앙상블을 포함한다.북방 [121]마을에서는 구강 오르간(성), 숄(수오나), 플루트(디지), 타악기(특히 윤뤄공)로 구성된 앙상블이 인기입니다.그 음악은 베이징, 시안, 우타이산, 톈진의 황실 사찰음악에서 유래했습니다.관악기와 [122]타악기로 구성된 시안 드럼 음악은 시안을 중심으로 인기가 있으며 중국 [123]밖에서는 상업적인 인기를 얻고 있다.또 다른 중요한 악기는 아코디언과 [124]같은 서양 자유 갈대 악기의 조상인 고대 악기인 중국 파이프의 일종인 현악기다.서양식 금관악대가 이끄는 퍼레이드는 흔히 볼 수 있으며, 종종 숄/취구슈 악단과 함께 볼륨 경쟁을 벌인다.

남부 푸젠과 대만에서는 난인 또는 난관이라는 전통 [125]발라드가 있다.그것들은 샤오, 피파, 그리고 다른 전통 [126]악기들과 함께 여성이 부른다.이 음악은 일반적으로 슬프고 사랑에 빠진 [127][128]사람들을 다루고 있다.더 남쪽의 산터우, 객가, 차오저우에서는 정앙상블이 [129]인기입니다.시주 앙상블은 플루트와 절을 하거나 당기는 현악기를 사용하여 서양에서 [130]유행하고 있는 조화롭고 선율적인 음악을 만든다.이것들은 난징과 항저우뿐만 아니라 남부 양쯔 지역의 [131]다른 곳에서도 인기가 있다.강남시주(강남의 비단 대나무 음악)는 상해의 [132]찻집에서 아마추어 음악가들이 자주 연주하는 기악곡이다.광둥음악 또는 광둥음악은 광저우와 그 주변의 [133]기악곡이다.이 지역의 음악은 후에 중국의 [135]"황금시대"에 인기를 끌었던 월주 음악에 [134]영향을 미쳤다.

의
주요 기사:스리랑카의 음악

스리랑카의 예술, 음악, 춤은 자연의 요소에서 파생되어 불교 환경에서 [136]즐기고 발전해 왔다.그 음악은 여러 가지 종류로 되어 있고 단지 몇 가지 종류의 [137]악기만을 사용한다.그 민요와 시는 함께 활동하기 위한 사교 모임에서 사용되었다.인도의 영향을 받은 클래식 음악은 [138][139][140][141]독특하게 성장했다.Sinhala Light Music의 전통극, 음악, 노래는 전형적인 스리랑카 [142]음악이다.사찰의 그림과 조각에는 새, 코끼리, 야생동물, 꽃, 나무가 그려져 있고, 전통 18무용은 새와 [143]동물의 춤을 보여준다.예를 들어 다음과 같습니다.

는 다음과 같습니다.

  • 지역 드라마 음악에는 콜람과[147] 나다가암 [148]타입이 있습니다.콜람 음악은 주로 엑소시즘 [149][150]의식에서 탈춤을 동반하기 위해 낮은 컨트리 곡조를 기반으로 한다.그것은 덜 발전된/진화되었고, 민속 전통에 충실하며, 더 오래된 예술 [151]형식을 보존하는 것으로 여겨집니다.그것은 약 3-4음까지로 제한되며, 일반인들이 즐거움과 엔터테인먼트를 [152]위해 사용한다.
  • 나다감 음악은 일부 남부 인도 예술가들에 의해 소개된 남부 인도 거리 드라마에서 영향을 받은 더 발전된 형태의 드라마이다.1824년 네곰보의 필리푸 싱고는 텔링구어로 쓰인 '하리쉬찬드라 나다가마'를 흥구란케타로 불렀다.그 후, 「마나메」[153] 「산다 킨두루」[154]등이 소개되었다.데히왈라의 돈 바스티앙은 인도 드라마를 보고 누티를 소개했고, 존 드 실바는 1886년 [155]라마야나야처럼 누티를 개발했다.
  • 신할라 경음악은 현재 스리랑카에서 가장 인기 있는 음악으로 포크 음악, 콜람 음악, 나다감 음악, 누티 음악, 영화 음악, 클래식 음악, 서양 음악 [156]등의 영향으로 풍부합니다.몇몇 예술가들은 음악을 배우기 위해 인도를 방문했고 나중에 가벼운 음악을 소개하기 시작했다.아난다 사마라코네는 그 선구자이며[157][158] 애국가를 [159]작곡하기도 했다.

신할라 관현악단은 다섯 가지 악기로 구성돼 있지만 타악기 중에서도 드럼은 [160]춤에 필수적입니다.드럼 리듬의 활기찬 박자가 [161]춤의 기본을 이룬다.무용수의 발이 바닥에서 튕겨져 나오고 그들은 드럼 비트의 복잡한 리듬을 반영하는 패턴으로 점프하고 빙글빙글 돈다.이 드럼 비트는 처음 듣는 순간에는 단순해 보일 수 있지만, 복잡한 리듬과 변주곡들을 마스터하는 데는 오랜 시간이 걸립니다.이 리듬과 변주곡은 때때로 드럼 연주자가 강렬함의 최고조에 이를 수 있습니다.3가지 스타일(외면, 2면, 평면)[162][163]로 분류되는 드럼에는 일반적으로 6가지 유형이 있습니다.

  • 전형적인 신할라 춤은 칸디안 춤으로 확인되며, 가타베라 북은 이 [164]춤에 없어서는 안 될 춤입니다.
  • 야크베라는 춤꾼들이 탈을 쓰고 악마춤을 추는 악마의 북 또는 북으로 예술이 [165]발달했다.
  • 다울라는 통 모양의 북으로 예전에는 탐마타마의 반주로 사용돼 박자에 맞춰 [166]박자를 맞추었다.
  • 탐마타마는 납작한 양면 드럼이다.드러머는 옆을 두드리는 다른 드럼과는 달리 위쪽의 두 면을 막대기로 친다.이것은 앞서 말한 다울라의 [167]반주 드럼입니다.
  • 작은 쌍두 드럼은 노래 반주에 사용된다.그것은 주로 반남과 [clarification needed]같은 시 춤에서 들린다.
  • 라바나는 납작한 면의 원형 드럼으로 여러 [168]가지 크기가 있습니다.뱅쿠 라바나라고 불리는 큰 라바나는 다리가 짧은 원형 테이블처럼 바닥에 놓여져야 하며 여러 사람(전통 여성)이 둘러앉아 양손으로 [169]두드릴 수 있다.이것은 신할라 설 같은 축제나 [170]결혼식과 같은 의식에서 사용됩니다.라바나의 울려 퍼지는 박자는 그 행사의 즐거운 분위기를 상징한다.작은 라바나는 사람이 가는 [171]곳마다 가지고 다니기 때문에 이동 드럼 비트의 한 형태이다.

밖의 로는 다음과 같은 것들이 있습니다.

  • Thalampata – 작은 심벌 2개가 [172]끈으로 연결되어 있습니다.
  • 관악부는 클라리넷과 [clarification needed]비슷한 악기가 지배한다.이것은 보통 춤에는 사용되지 않습니다.신할라 춤은 서양이 아는 것처럼 음악에 맞춰져 있지 않기 때문에 이것은 주목할 필요가 있다. 리듬이 왕이다.
  • 은이나 놋쇠와 같은 금속의 플루트는 칸디안 춤에 맞춰 날카로운 음악을 만들어내는 반면, 갈대 피리의 애처로운 선율은 악마의 춤을 추며 공중을 관통할 수 있습니다.소라껍질(학게디야)은 또 다른 형태의 천연 악기로, 연주자는 그것을 불어서 [173]웅장한 의식의 시작을 알린다.
  • 라바나하타(라반하타, 라반하타, 라바나스트론 또는 라바나 하스타 비나)는 한때 [174][175]서인도 지역에서 유행했던 활 모양의 바이올린이다.그것은 [176]라바나 왕의 시대에 스리랑카의 헬라 문명에서 유래된 것으로 여겨진다.그 그릇은 잘려진 코코넛 껍질로 만들어졌고, 입구는 염소 가죽으로 덮여 있다.대나무로 만든 단디가 이 [176]조개껍데기에 붙어 있다.주요 현은 두 가지입니다. 하나는 강철이고 다른 하나는 말털입니다.긴 활에는 징글벨이[177][178] 달려 있다.

다음 항목도 참조하십시오.오스트레일리아 민속 음악과 호주 원주민 음악

포크송 전통은 영국, 스코틀랜드, 아일랜드에서 온 초기 정착민들에 의해 호주로 옮겨졌고 시골의 [179][180]오지에 특별한 기반을 마련했다.부시 발라드 형식으로 쓰인 운율 노래, 시, 이야기들은 종종 부시에서 떠돌이적이고 반항적인 호주의 정신과 관련이 있으며 작가들과 연주자들은 종종 부시 [181]버드라고 불린다.19세기는 부시 [182]발라드의 황금기였다.1950년대 녹음으로 호주 [181]국립도서관에 소장된 존 메레디스를 포함한 몇몇 수집가들이 이 곡들을 목록화했다.

그 노래들은 넓게 펼쳐진 호주의 [183][184]삶에 대한 개인적인 이야기를 들려준다.대표적인 주제는 광업, 소 사육, 축산, 양털 깎기, 떠돌이, 전쟁 이야기, 1891년 호주 양털 깎기 파업, 땅 없는 노동자 계층과 무단 거주자(토지 소유자), 그리고 네드 켈리 같은 무법자들, 그리고 사랑 관심사와 트럭 [185]운송과 같은 현대식 음식들이다.가장 유명한 부시 발라드는 "월칭 마틸다"로 "호주의 비공식 국가"[186]로 불려왔다.

[187]이 독특한 전통 음악 스타일 토착 오스트레일리아 사람에 의해 훈련되는 다양한, 뿐만 아니라 유럽 tra과 동 시대 사람 음악 장르 및 융합의 범위를 포함하는 경우 원주민 호주 음악, 오스트레일리아 토착민과 토레스 해협 아일랜더스,을 집단 원주민 Australians라고 불린다의 음악을 포함하고 있다.ditions는 호주 원주민 [188]아티스트에 의해 해석되고 공연된 것입니다.음악은 이러한 사람들의 사회적, 문화적, 의례적 의식에서 필수적인 부분을 형성해 왔으며, [189][190]오늘날까지 그들의 개인과 집단적 역사를 통해 수천 년 동안 이어져 왔다.전통적인 형태는 특정 지역이나 호주 원주민 [191]그룹 특유의 연주와 악기의 많은 측면을 포함한다.음악 전통의 동등한 요소들은 호주 대륙의 많은 부분, 심지어 [192]그 너머에서도 흔하다.토레스 해협 섬 사람들의 문화는 뉴기니의 인접 지역들의 문화와 관련이 있고, 그래서 그들의 음악 또한 관련이 있다.음악은 호주 원주민들의 문화 [193]유지에 필수적인 부분이다.

★★★

참고 항목: 영국 포크 음악, 프랑스 포크 음악, 독일 포크 음악, 그리스 포크 음악 및 이탈리아 포크 음악
2012년 프라이부르크 전장 밴드 공연
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켈트 음악은 켈트 [194]민족의 민속 음악 전통에서 발전한 음악 장르의 광범위한 그룹을 설명하기 위해 예술가, 음반 회사, 음악 가게 및 음악 잡지에 의해 사용되는 용어이다.이러한 전통에는 아일랜드, 스코틀랜드, 맨스, 콘월, 웨일스,[195] 브르타뉴 전통이 포함됩니다.아스투리아 음악과 갈리시아 음악은 종종 포함되지만, 이것이 음악적으로 밀접한 [196][197]관계가 있다는 것을 보여주는 중요한 연구는 없다.브르타뉴의 민속 부흥은 1950년대 바가도와 칸하디칸으로 시작되었고 1960년대 [198]중반부터 앨런 스티벨의 작품을 통해 세계적인 명성을 얻었다.

아일랜드에서는 클랜시 브라더스와 토미 메이컴(멤버들은 모두 아일랜드 태생이지만 뉴욕 그리니치[199] 빌리지에 거주하는 동안 유명해졌다)이 있었다.더블린인,[200] 클라나드,[201] 플랜시,[202] 치프테인스,[203][204] 포그스,[205] 코어,[206] 아일랜드 로버,[207] 그리고 다른 다양한 포크 밴드들은 지난 수십 년 동안 아일랜드 전통 음악을 [208]재활성화하고 대중화하기 위해 많은 일을 해왔습니다.이 밴드들은 다소 아일랜드 음악의 전통에 뿌리를 두고 있으며 세이머스 에니스와 피터 케네디 [198]같은 예술가들의 노력으로부터 혜택을 받았다.

스코틀랜드에서는 그 Corries,[209]바보 Wizard,[210][211]Capercaillie,[212]Runrig,[213]재키 Leven,[214]줄리 Fowlis,[215]Karine Polwart,[216]알라스 데어 Roberts,[217][218]딕 Gaughan,[219]Wolfstone,[220]보이스의 Lough,[221]와 Silencers[222]이 보관되어 스코틀랜드 민속적이며 신선한에 의해 섞어 전통적인 스코틀랜드와 게일어 민요.더 현대적 장르와 합해 졌다.[223]이 예술가들은 또한 유럽 대륙과 [224]북미에서 상업적으로 성공을 거두었다.맨란,[225] 스킵니쉬,[226] 발루아스[227], 브라이바흐[228] 등의 밴드와 팻시 리드,[229] 로빈 스테이플턴[230], 미스차 맥퍼슨[231] 등의 솔로 아티스트가 최근 몇 [232]년간 많은 성공을 거두면서 스코틀랜드 전통 음악계에 새로운 인재가 생겨나고 있습니다.

및
다음 항목도 참조하십시오.벨라루스 음악, 헝가리 민속 음악, 몰도바 음악, 러시아 전통 음악, 우크라이나 민속 음악, 슬로베니아 음악, 체코 민속 음악

공산주의 시대에 동구권의 민족 민속 무용은 [233]국가에 의해 활발하게 추진되었다.러시아와 폴란드에서 온 무용단은 1937년부터 [234]1990년까지 비공산주의 유럽을 순회했다.붉은 군대 합창단은 많은 앨범을 녹음하여 가장 인기 있는 [235]군악대가 되었다.동유럽은 유대인 클레즈머 전통의 [236]기원이기도 하다.

바그파이프를

폴카는 중앙 유럽의 춤이자 유럽과 미주 전역에서 친숙한 댄스 음악의 한 장르이다.그것은 19세기 중반 [237]보헤미아에서 시작되었다.폴카는 여전히 많은 유럽 국가에서 인기 있는 포크 음악 장르이며 폴란드, 라트비아, 리투아니아, 체코, 네덜란드, 크로아티아, 슬로베니아, 독일, 헝가리, 오스트리아, 스위스, 이탈리아, 우크라이나, 벨라루스, 러시아,[238] 슬로바키아의 포크 아티스트들에 의해 공연된다.이 춤의 지역적인 다양성은 북유럽 국가, 영국, 아일랜드, 라틴 아메리카(특히 멕시코), 그리고 미국에서도 볼 수 있다.

카르미나[239] 부라나와 같은 리더핸드리프텐 필사본에 의해 영구화된 독일 폴크스라이더는 중세 미네상과 마이스팅어 [240]전통으로 거슬러 올라간다.이 민요들은 18세기 후반 독일 낭만주의 [241]시대에 부활했고, 요한 고트프리드[242][243] 헤르더와 계몽주의 [244]지지자들에 의해 처음 장려되었고, 후에 아킴 폰[245] 아르님, 클레멘스 브렌타노 (데스 크나벤 분더혼)[246]와 루드비히 [247]울란트에 의해 작곡되었다.

특히 바이에른, 오스트리아, 스위스(쿠레이헨), 남부 티롤의 알파인 지역에서 폴크스무식과 포크댄스 장르는 오늘날까지 산업화를[248] 배경으로 촌스러운 지역사회에서 지속되어 왔다.저독일의 판자촌이나 비네를리트[249](슈람멜무식)는 주목할 만한 예외이다.상부 카르니올라와 스티리아의 슬로베니아 민속 음악 또한 다작의 로제 슬락 [250]앙상블과 같은 알파인 전통에서 유래했다.전통적인 폴크스무시크는 상업적인 Volkstümliche Musik과 혼동해서는 안 된다.[251]

헝가리 그룹 Muzsikas는 수많은 미국 투어를[252] 하고 할리우드 영화 The English[253] Patient에 참여했으며 가수 Marta Sevesten은 Deep [254]Forest와 함께 일했다.1970년대에 시작된 헝가리 탄차즈 운동은 음악학 전문가들과 열성적인 [255]아마추어들 사이의 강력한 협력을 수반한다.그러나 헝가리의 일부 시골 지역에서는 전통적인 헝가리의 민속음악과 민속문화가 거의 살아남지 못했고 트란실바니아의 헝가리인들 사이에서도 사라지기 시작했다.탄차즈 운동은 음악, 춤, 의상의 더 넓은 민속 전통을 함께 되살리고 새로운 종류의 음악 [256]클럽을 만들었다.그 운동은 세계 [256]다른 곳의 헝가리 민족 공동체로 확산되었다.

주요 기사 : 발칸 음악
참고 항목: 발칸 민속 음악 및 로마니 음악
의

발칸 민속음악은 오스만 [257]제국 시대에 발칸 민족이 혼합되면서 영향을 받았다.보스니아 헤르체고비나, 불가리아, 크로아티아, 그리스, 몬테네그로, 세르비아, 루마니아, 마케도니아 공화국, 알바니아, 유고슬라비아, 세르비아 몬테네그로 국가연합, 트라키아 [258]등의 지리적 지역으로 구성되어 있습니다.어떤 음악은 복잡한 [259]리듬을 특징으로 한다.

주목할 만한 작품은 1989년 [260][261]그래미상을 받은 불가리아의 목소리 미스터리이다.

전체 발칸 포크 음악의 중요한 부분은 탈라바와 브라스 밴드 [262][263]음악이라고 불리는 로마니 소수 민족의 음악이다.

북유럽 민속music북유럽 포크 음악
라트비아 남성 민속 앙상블 빌키, 2009년 8월 아푸올레에서 열린 발트크래프트와 전쟁 축제에서 공연
주요 기사:북유럽 포크 음악
다음 항목도 참조하십시오.북유럽 전통 댄스 음악인 요익, 니켈하르파, 발틱 시편

북유럽 포크 음악에는 북유럽, 특히 스칸디나비아 국가들의 많은 전통이 포함되어 있다.북유럽 국가에는 일반적으로 아이슬란드, 노르웨이, 핀란드, 스웨덴, 덴마크,[264] 그린란드가 포함된다.때로는 에스토니아, 라트비아,[265] 리투아니아 등 발트해 국가들도 포함되기도 한다.

핀란드 라세보르그에서 열린 2008 Faces Festival에서 공연하는 Maria Gasolina

북유럽 국가들의 많은 지역들은 덴마크, 스웨덴, 노르웨이의 [266]시살모디콘처럼 많은 지역들이 특정한 전통을 공유하고 있으며, 그 중 많은 지역들은 상당히 다르다.발트해 국가들과 러시아 북서부의 일부 국가들을 문화적 [267]유사성을 공유하기 위해 함께 묶는 것은 가능하지만, 최근 몇 [268]년 동안 관계가 식었다.노르웨이, 스웨덴, 덴마크, 아이슬란드 대서양 섬과 페로 제도와는 대조적이다.이 섬들은 거의 비슷한 점이 없다.그린란드의 이누이트 문화는 그들만의 독특한 음악적 [269]전통을 가지고 있다.핀란드는 발트해 국가 및 스칸디나비아 국가들과 많은 문화적 유사점을 공유한다.스웨덴, 노르웨이, 핀란드, 러시아의 사미족은 그들만의 독특한 문화를 가지고 있으며, 이웃 [270]문화들과 연결되어 있다.

스웨덴 포크 음악은 주로 19세기 초에 [271]스웨덴에서 시작된 민속 수집 작업에 바탕을 둔 음악 장르이다.스웨덴 민속음악의 주요 악기는 [272]바이올린이다.스웨덴 전통에 고유한 또 다른 흔한 악기는 니켈하르파이다.[273]대부분의 스웨덴 기악 포크 음악은 댄스 음악이다; 스웨덴 포크 음악에서 대표적인 음악과 춤 형식은 폴스카이다.[274]스웨덴의 성악과 기악 전통은 개별적으로 [275]연주되어 왔음에도 불구하고 역사적으로 선율을 공유하는 경향이 있다.1970년대 포크 음악의 부활을 시작으로 보컬리스트와 기악 연주자들도 포크 음악 앙상블에서 함께 연주하기 시작했다.

다음 항목도 참조하십시오.안데스 음악, 쿠에카, 누에바 칸시온

아메리카의 포크 음악은 세 가지 주요 음악 유형의 만남과 결합으로 구성됩니다.유럽 전통 음악, 미국 원주민들의 전통 음악, 그리고 그 대륙에서 노예들과 함께 도착한 부족 아프리카 음악.

중남미 음악의 특정 사례는 안데스[276] 음악을 다른 토착 음악 스타일(캐리비안, 팜피안 등[277]), 스페인과 포르투갈의 이베리아 음악, 그리고 일반적으로 말하는 아프리카 부족 음악 중 세 가지가 중앙 아메리카와 남아메리카에서 차별화된 음악 형태로 융합되었다.

안데스 음악은 케추아스, 아이마라스, 그리고 유럽의 [278]접촉 이전에 잉카 제국의 일반 지역에 살았던 다른 민족들로부터 유래되었다.그것은 볼리비아,[279] 에콰도르, 칠레, 콜롬비아, 페루, 베네수엘라의 일부 지역의 민속 음악을 포함합니다.안데스 음악은 라틴 아메리카 전역에서 다른 수준으로 인기가 있으며, 시골과 원주민들 사이에서 그 핵심 대중을 가지고 있다.1970년대의 누에바 칸시온 운동은 라틴 아메리카 전역에 이 장르를 부활시켰고, 알려지지 않았거나 잊혀진 곳에 이 장르를 가져왔다.

누에바 칸시온(스페인어로 '신곡'의 뜻)은 라틴 아메리카와 이베리아 민속 음악, 포크에서 영감을 받은 음악, 그리고 사회적으로 헌신적인 음악의 운동과 장르이다.어떤 면에서 그것의 발전과 역할은 북미의 제2의 포크 음악 부흥과 유사하다.이것은 전통적인 포크 음악, 본질적으로 현대 포크 음악에서 이 새로운 장르의 진화를 포함한다. 다만 영어 장르 용어는 일반적으로 적용되지 않는다.누에바 칸시온은 1970년대와 1980년대 포르투갈, 스페인, 중남미의 사회적 격변에서 강력한 역할을 한 것으로 알려져 있다.

누에바 칸시온은 1960년대 칠레에서 "칠레 신곡"으로 처음 등장했다.이 음악 스타일은 얼마 지나지 않아 스페인과 라틴 아메리카 지역에서 생겨났고, 그 지역에서 비슷한 이름으로 알려지게 되었다.누에바 칸시온은 라틴 아메리카의 전통 민속 음악을 새롭게 만들었고, 정치적 가사와 함께 그것은 곧 혁명 운동, 라틴 아메리카의 신좌파, 해방 신학, 히피와 인권 운동과 연관되었다.그것은 라틴 아메리카 전역에서 큰 인기를 끌었고, Rock en espaolol의 선구자로 여겨진다.

쿠에카는 칠레, 볼리비아, 페루에서 온 음악 스타일과 관련된 춤의 한 가족이다.

트로바와 손(Trova and Son)은 오리엔테 지방에서 유래한 쿠바 전통 음악 스타일로 볼레로, 콘센탄자, 아프로쿠바 리듬과 타악기 요소뿐만 아니라 스페인의 노래와 춤의 영향을 포함한다.

모다 데 비올라는 브라질 민속음악에 지정된 이름이다.6현 나일론 어쿠스틱 기타로 연주되는 경우가 많지만, 가장 전통적인 악기는 비올라 카이피라입니다.그 노래들은 기본적으로 시골에서 일하는 사람들의 삶의 어려움을 상세히 묘사했다.주제는 보통 땅, 동물, 민속, 불가능한 사랑과 이별과 관련이 있다.흥겨운 노래도 있지만 대부분은 그리움과 우울함이다.

★★★

1943년 프랑스-캐나다 벌목꾼들이 벌목 캠프에서 타악기용 막대기로 바이올린을 연주했습니다.
주요 기사: 캐나다 문화의 음악
참고 항목: 캐나다 민속 음악, 캐나다 음악 및 프랑스-캐나다 음악

캐나다의 전통 포크 음악은 특히 다양하다.[280]캐나다는 1960년대 이민법이 자유화되기 이전에도 수십 개의 다른 원주민과 유럽 단체들이 존재하며 인종적으로 다양했다.음악에 관해서는 학계에서는 캐나다 전통이 아니라 민족 전통(아카데미 음악, 아일랜드-캐나다 음악, 블랙풋 음악, 이누 음악, 이누 음악, 메티스 바이올린 등)을, 그리고 나중에는 동캐나다 지역 전통(뉴펀들랜드 음악, 케이프 브레튼 피딩, 퀘벡 음악 등)을 말한다.

16세기와 17세기에 프랑스와 영국의 첫 정착자가 도착한 이후 유럽 기원의 전통 포크 음악은 캐나다에 존재해 왔다.그들은 연안에서 물고기를 잡고 뉴펀들랜드, 노바스코샤, 뉴브런즈윅, 프린스 에드워드 섬, 퀘벡의 세인트로렌스 강 계곡의 해안에서 농사를 지었다.

모피 무역과 그 항해사들은 이것을 캐나다로 더 멀리 북쪽과 서쪽으로 가져왔습니다; 후에 벌목작업과 벌목작업은 이 과정을 계속했습니다.

초, 했다.거대한 산업화에도 불구하고, 포크 음악 전통은 오늘날까지 많은 분야에서 지속되어 왔다.온타리오의 북쪽에서는 프랑스-온타리아인 인구가 많아 프랑스 기원의 포크 음악을 계속 들을 수 있었다.

대서양 지방의 인구가 많은 아카디아 공동체들은 퀘벡 지방을 중심으로 한 프랑스 기원의 포크 음악의 거대한 말뭉치에 그들의 노래 변형을 기여했다.앵글로-캐나다 포크 음악의 풍부한 원천은 대서양 지역, 특히 뉴펀들랜드에서 찾을 수 있습니다.이 음악 민속 모자이크를 완성하는 것은 스코틀랜드 정착촌, 특히 케이프 브레튼의 게일어 음악과 아일랜드인들의 북미로의 대규모 이주를 강요한 1840년대의 아일랜드 기근으로부터 캐나다 [280]동부에 존재한 수백 개의 아일랜드 노래입니다.

1974년 이사벨 밀스는 "캐나다 역사에 대한 지식"은 캐나다 민요의 모자이크를 이해하는 데 필수적입니다.이 모자이크의 일부는 유럽과 앵글로색슨 정착민들이 새로운 땅에 [12]가져온 캐나다의 민요에 의해 공급됩니다.그녀는 퀘벡의 프랑스 식민지가 어떻게 프랑스 이민자들을 데려왔는지 묘사하고 있으며, 얼마 지나지 않아 영국, 독일, 그리고 다른 유럽 국가들에서 온 이민자들의 물결이 뒤따랐고, 그들 중 일부는 오늘날까지 남아 있는 그들의 고국에서 음악을 가져왔다.민족학자이자 민속학자인 Marius Barbeau는 캐나다에서 프랑스 민요와 그 변주곡들이 10,000곡 이상 수집되었다고 추정했다.많은 나이든 것들은 그때 프랑스에서 죽었다.

전문화된 유료 오락으로서의 음악은 19세기와 20세기 초에 걸쳐 캐나다, 특히 외딴 시골 지역에서 상대적으로 느리게 성장했다.댄스홀/보드빌의 다양한 어반 음악 클럽이 인기를 끌었고 재즈가 뒤를 이었지만, 캐나다의 시골은 대부분 전통 음악의 땅으로 남아있었다.그러나 1920년대와 1930년대에 미국 라디오 방송사들이 캐나다에 방송을 시작했을 때, 캐나다 전통음악의 시청자들은 점차 미국 내쉬빌 스타일의 컨트리 음악과 재즈 같은 어반 스타일을 선호하지 않게 되었다.캐나다 음악의 미국화는 1930년대에 캐나다 라디오 리그가 국영 공영 방송사를 위해 로비를 하도록 이끌었고, 결국 1936년에 캐나다 방송 협회의 설립으로 이어졌다.CBC는 라디오와 나중에 텔레비전 서비스를 통해 전통 음악을 포함한 캐나다 음악을 홍보했지만, 모든 것에 대한 "현대적" 열풍은 록과 팝에 관련된 포크 음악의 쇠퇴로 이어졌다.그러나 캐나다는 1960년대 포크 음악 부흥의 영향을 받았으며, 몬트리올 포크 워크샵, 그리고 전국의 다른 포크 클럽과 커피숍과 같은 지역 행사장은 해외를 방문하는 아티스트들과의 교류뿐만 아니라 새로운 작곡가들과 연주자들에게도 도가니가 되었다.

★★★
다음 항목도 참조하십시오.미국의 민속 음악

미국의 전통적인 음악 또한 루츠 음악이라고 불린다.음악의 블루우 그래스, 컨트리 음악, 복음, 옛날 음악, 주전자 밴드, 애팔래치아 민속, 블루스, 케이준과 미국 원주민 음악을 포함해 뿌리는 음악은 넓은 범주다.왜냐하면 이것은 미국 원산지 그 음악은 미국 또는 왜냐하면, 외국 기원에서, 어느 정도 뭔가 뚜렷하게 새 것처럼 musicologists을 개발한 것으로 간주된다."루츠 음악"기 때문에 음악 후에 미국에서 발전의 기초로서, 락 앤 롤, 현대 민속 음악, 리듬 앤드 블루스, 재즈를 포함했다 그것은으로 여겨진다.이러한 장르의 전통 민속 음악으로 여겨진다.

  • 케이즌 음악, 루이지애나 주의 한 상징하는 음악, 프랑스어를 사용하는 Acadians 캐나다의 발라드에 뿌리를 두고 있다.케이준 음악은 Cajun-influenced zydeco 형태, 둘 다 Acadiana의Creole-based과 동시에 언급된다.이러한 프렌치 루이지애나 소리를 수십년간,와 텔레비전 광고 방송과 같은 대중 전달 매체를 통해 대중 문화에 영향을 미쳤다 미국 대중 음악 특히 나라 음악에 영향을 미쳤다.
  • 애팔래치아의 미국 동부 중에 그 지역의 애팔래치아 음악은 전통 음악이다.영어, 발라드, 아일랜드와 스코틀랜드 전통 음악(특히 음악 바이올린), 찬미와 흑인 블루스 등 다양한 유럽과 아프리카 영향력에서 파생됩니다.첫째로 1920년대에 기록된 애팔래치아 음악가들 Old-time 음악, 컨트리 음악, 블루우 그래스의 조기 발병에 핵심적인 영향과 미국 민속 음악 부흥의 중요한 요소가 되었다.omo는 일반적으로 애팔래치아 음악을 수행하는 데 사용되는 밴조, 미국 바이올린,fretted dulcimer, 그리고 기타 포함한다.[281]초를 기록했다 애팔래치아 음악가들 Fiddlin의 존 카슨, 헨리 Whitter, 베스 라마 Lunsford, 카터 패밀리, 클래런스 애슐리, 프랭크 Proffitt, 부두 보그스, 그들 모두는 처음에 1920년대와 1930년대에 기록된 등이 포함됐다.몇몇 애팔래치아 음악가들이 1950년대와 1960년대의 민속에, 진 릿치, 로스코 씨 홀컴, 작가. 벨 리드, 릴리는 5월 레드 퍼드, 독 왓슨 등 명성을 얻었다.로레타 린, 로이 아커프, DollyParton, 얼 Scruggs, 쳇 앳킨스, 돈 리노 같은 국가가 블루우 그래스 예술가들은 전통적인 애팔래치아 음악의 영향을 받았다.[281]밥 딜런, 데이브 반 론크, 제리 가르시아, 브루스 스프링스틴과 같은 아티스트들은 애팔래치아 노래를 부르거나 애팔래치아 노래를 다시 썼다.
  • 카터 가족은 1927년에서 1956년 사이에 녹음된 미국의 전통적인 포크 음악 그룹이었다.그들의 음악은 블루그래스, 컨트리, 서던 가스펠, 팝, 록 음악가들에게 깊은 영향을 끼쳤다.그들은 컨트리 음악 스타가 된 첫 번째 보컬 그룹이었고, 이는 컨트리 음악이 전통적인 포크 음악에서 파생된 시작이다."Wabash Cannonball" (1932년), "Will the Circle Be Unbroken" (1935년), "Wildwood Flower" (1928년), "Keep On the Suny Side" (1928년)와 같은 노래들의 녹음은 그들을 국가 [282]표준으로 만들었다.
  • 오클라호마 및 미국 남부 평원:역사를 기록하기 전에 이 지역의 미국 인디언들은 노래와 악기를 사용했다; 음악과 춤은 의식과 사회 [283]활동의 핵심으로 남아있다."스텀프 댄스"는 그 핵심인 호출과 반응 형태에 머물러 있다; 악기는 여성의 다리에 [283]착용한 방울이나 족쇄에 의해 제공된다."다른 남동부 국가들도 동물 춤, 우정 춤, 스틱볼 게임과 함께 부르는 노래 등 그들만의 신성한 사회적 노래 콤플렉스를 가지고 있습니다.남부 평원 인디언들의 음악의 중심에는 평원 인디언 음악의 심장박동이라고 불려온 드럼이 있다.그 장르는 대부분 평원 문화가 [283]바탕이 된 사냥과 전쟁 활동에서 비롯됩니다.북은 남부 평원 인디언들의 음악의 중심이다.예약 기간 동안 그들은 지루함을 달래기 위해 음악을 사용했다.이웃들이 모여 노래와 춤을 추는 것이 현대 민족 간 파우워의 뿌리의 일부입니다.또 다른 흔한 악기는 구애 [283]플루트이다.
  • 그 지역의 흑인 포크 음악은 노예제도와 해방에 뿌리를 두고 있다.아카펠라와 악기 반주로 이루어진 신성한 음악은 전통의 핵심입니다.초기 영혼들은 기독교 신앙을 토착 관습에 포함시켰고 아프리카의 [283]음악과 리듬에 큰 영향을 받았습니다."스피릿맨은 눈에 띄며 종종 통화와 [283]응답 패턴을 사용합니다."Gospel은 남북전쟁(1861–1865) 후에 발전했습니다.그것은 그것의 방향의 많은 부분을 성경 본문에 의존했고, 은유와 이미지의 사용은 흔했다.가스펠은 때때로 악기를 동반하고 거의 항상 손뼉, 발끝 두드리기, [283]몸놀림으로 중단되는 "즐거운 소음"이다. "모양음표 또는 성스러운 하프 노래는 19세기 초에 떠돌이 노래 강사들이 시골에서 교회 노래를 가르치기 위한 방법으로 발전했다.그들은 음색의 음악적 표기가 형태와 음조를 연관시키기 위해 고안된 기하학적 형상으로 표현된 노래책을 사용하여 가르쳤다.오클라호마 시골에서는 인종을 [283]불문하고 성스러운 하프 노래가 유행했습니다.나중에 블루스 전통이 발달했고, [283]성스러운 음악에 뿌리를 두고 이와 유사하다.그 후 재즈는 "래그타임, 가스펠,[283] 블루스의 블렌드"에서 탄생했다.
  • 앵글로 스코츠 아일랜드 음악의 전통은 1889년 랜드런 이후 오클라호마에 자리 잡았다.크기와 휴대성 때문에, 바이올린은 초기 오클라호마 앵글로 음악의 핵심이었지만, 기타, 만돌린, 밴조, 그리고 스틸 기타와 같은 다른 악기들이 나중에 추가되었다.카우보이 발라드, 웨스턴 스윙, 컨템포러리 [283]컨트리 앤 웨스턴 등 다양한 오클라호마 음악 전통이 영국 제도에 뿌리를 두고 있습니다.멕시코 이민자들은 1870년대에 오클라호마에 도착하기 시작했고 아름다운 칸시오네와 코리도 사랑 노래, 왈츠, 발라드를 함께 가져왔다.미국 인디언 공동체처럼, 히스패닉 공동체에서 각각의 통과의례는 전통 음악을 동반한다.통기타, 현악 베이스, 바이올린은 멕시코 음악의 기본 악기로, 마라카, 플루트, 호른, 또는 때때로 아코디언이 소리를 [283]채운다.다른 유럽인들은 19세기 말에 정착했다.그들의 사회 활동은 "지역 음악가들이 아코디언, 피아노, 금관악기로 [283]폴카와 왈츠를 연주하는" 마을 회관을 중심으로 이루어졌다.나중에, 아시아인들이 이 음악 혼합에 기여하였다."중국, 인도, 인도네시아의 사찰과 궁정에서 유래한 고대 음악과 무용의 전통이 주 전역에 걸쳐 아시아 공동체에서 보존되고 있으며, 이러한 클래식 [283]음악 형식에 대중가요 장르가 지속적으로 층을 이루고 있습니다."

뮤직

주요 기사:뿌리의 부활

"그것은 스스로 영속적이고 재생성이 있습니다.그것은 당신이 영구적인 미국 노래라고 부르는 것이다.부활이나 소생은 필요 없을 것 같아그것은 살아서 번성한다.18세만 있으면 감염이 됩니다.하지만 그것은 그들이 있든 없든 계속될 것이다.민요는 라디오에서 나온 그 어떤 것보다도 더 강력해요목소리 증류가 오랫동안 지속되기 때문에 목소리가 [284]강해집니다.

Ketch Secor

"포크 뮤직 리바이벌"은 전통적인 포크 음악에 대한 새로운 관심의 시기 또는 그것을 변형시키는 사건이나 시기를 가리킨다. 후자는 보통 사회적 행동주의 요소를 포함한다.전자의 두드러진 예는 약 1890-1920년의 영국 민중 부흥이다.후자의 가장 두드러지고 영향력 있는 예는 현대 포크 [285]음악을 탄생시킨 영어권 세계를 중심으로 한 20세기 중반 포크 부흥이다.이 부활에 대한 설명은 "현대 포크 음악" 기사를 참조하십시오.

이전의 한 부흥은 서양 클래식 음악에 영향을 미쳤다.퍼시 그레인저, 랄프 본 윌리엄스, 벨라 바토크와 같은 작곡가들은 포크 가수와 음악가의 현장 녹음이나 전사를 만들었다.

스페인에서, 아이작 알베니즈(1860–1909)는 스위트 이베리아(1906–1909)를 포함한 그의 스페인 유산을 반영하여 피아노 작품을 만들었습니다.엔리케 그라나도스 (1867–1918)는 스페인의 경가극인 자르주엘라와 스페인 무용인 단자스 에스파놀라스를 작곡했습니다.마누엘 드 팔라 (1876–1946)는 안달루시아 플라멩코의 칸테 존도에 관심을 갖게 되었는데, 이 영향은 스페인의 정원의 밤과 시테 칸시오네스 포퓰라 에스파놀라스 ("Siete canciones popula")를 포함한 그의 많은 작품에서 강하게 느낄 수 있다.페르난도 소르와 프란시스코 타레가와 같은 작곡가들이 기타를 스페인의 국가 악기로 확립했습니다.현대 스페인 민속 예술가들은 조상들의 전통을 존중하면서 현대화를 하고 있다.

플라멩코는 갈리시아의 켈트 음악과 같은 북부 스타일이 그러했듯이 20세기까지 인기를 끌었다.비제에서 라벨에 이르는 프랑스 고전 작곡가들도 스페인 주제를 다루었고, 독특한 스페인 장르가 보편적으로 인정받게 되었다.

포크 음악 재생 또는 뿌리 재생은 또한 전통 음악에 대한 새로운 관심이 있는 전 세계의 다양한 현상을 포함합니다.이것은 종종 젊은이들에 의해, 종종 그들 나라의 전통 음악에서, 그리고 종종 같은 스타일의 새로운 음악의 사회적 인식, 원인, 그리고 진화의 새로운 통합을 포함합니다.누에바 칸시온은 스페인어를 사용하는 여러 나라에서 사회적으로 헌신적인 음악의 유사한 진화가 일어났다.

현대 민속 음악

주요 기사:현대민요와 현대민요(세계)

축제

주요 기사:민속 축제 목록

미국

때때로 최초의 미국 민속 음악 축제는 1928년 노스캐롤라이나 애쉬빌에서 열린 마운틴 댄스 앤 포크 페스티벌로,[286][287] 바스콤 라마 [288]룬스포드에 의해 설립되었다.미국 민속 축제는 미국의 [289]순회 민속 축제이다.1934년부터 National Council for the Traditional Arts(NCTA)에 의해 운영되어 [290]전국 26개 커뮤니티에서 전시되고 있다.이러한 커뮤니티 중 일부를 떠난 후, 전국 민속 축제는 로웰 민속 축제,[291] 리치몬드 민속 축제,[292] 미국 민속[293] 축제, 그리고 가장 최근에는 몬타나 민속 [294]축제를 포함한 몇몇 지역에서 운영되는 민속 축제를 분사했다.

뉴포트 민속 축제는 로드아일랜드 [295]뉴포트 근처에서 매년 열리는 민속 축제이다.1959년부터 1970년까지, 그리고 1985년부터 현재까지 매년 [296]약 10,000명이 참석하며, 대부분의 해 동안 열렸다.

4일간의 필라델피아 민속 [297]축제는 1962년에 시작되었다.그것은 비영리 단체인 필라델피아 포크송 [298]협회가 후원한다.이 행사는 월드/퓨전, 셀틱, 싱어송라이터, 포크록, 컨트리, 클레즈머, 댄스 [299][300]등 다양한 장르의 컨템포러리 및 전통 아티스트들이 참여한다.그것은 매년 [301]8월 셋째 주에 열린다.이 행사는 현재 약 12,000명의 방문객을 유치하고 있으며, 6개의 [302]스테이지에서 밴드를 선보입니다.

인디애나에서 열리는 사냥꾼의 달 축제에는 매년 [303]약 60,000명의 방문객이 방문한다.

영국

시드머스 축제는 1954년에 시작되었고, 캠브리지 [304]민속 축제는 1965년에 [305]시작되었다.영국 캠브리지에서 열리는 캠브리지 포크 페스티벌은 포크 [306]뮤지션으로 초대될 수 있는 사람에 대한 매우 넓은 정의를 가지고 있는 것으로 유명하다.클럽 텐트에서는 참가자가 무명 아티스트를 대거 발견할 수 있으며, 이들은 각각 10분에서 15분 동안 자신들의 작품을 축제 [307]관객들에게 선보인다.

호주.

전국민속축제는 호주 최고의 민속축제 행사로 5만 [308][309]명 이상이 참석한다.Woodford Folk Festival과 Port Fairy Folk Festival은 호주의 가장 큰 연례 행사 중 하나이며, 최고의 국제 민속 공연자들과 많은 현지 예술가들이 [310][311]모인다.

캐나다

스탠 로저스는 캐나다 온타리오주 오웬 사운드에서 매년 열리는 서머포크 민속 축제 중 하나로, 주 무대와 원형 극장이 "스탠 로저스 메모리얼 캐노피"[312]로 헌정됩니다.로저스의 노래 '메리 엘렌 카터'가 [313][314]관객과 공연 메들리를 포함한 모든 관련자들이 부르는 등 축제는 전통에 확고히 자리 잡고 있다.캔모어 포크 뮤직 페스티벌은 앨버타 주에서 가장 오래 운영되는 포크 음악 [315]축제이다.

다른.

매년 8월에 열리는 옹게르만란드 우르쿠르트 나소커는 스웨덴에서 가장 큰 세계 음악 [316]축제라고 한다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

인용문

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