랩소디 인 블루

Rhapsody in Blue
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랩소디 인 블루
조지 거쉰의
An image depicting the original sheet cover for Rhapsody in Blue
랩소디 인 블루(Rhapsody in Blue)의 오리지널 악보 커버
장르.오케스트라 재즈
형태랩소디
작곡1924년 1월 (1924-01)
출판된1924년 6월 12일(1924-06-12)[1] 주식회사 하름스
초연
날짜.1924년 2월 12일 (1924-02-12)
위치미국 뉴욕 에이올리언 홀
지휘자폴 화이트맨
출연자
오디오 샘플
피아니스트 브람웰 토비와 함께한 미국 마린밴드의 1924년 재즈밴드 버전 2018 공연

랩소디 인 블루(Rhapsody in Blue)는 조지 거슈윈(George Gershwin)이 솔로 피아노와 재즈 밴드를 위해 작곡한 1924년 음악 작곡으로, 클래식 음악의 요소와 재즈의 영향을 받은 효과를 결합했습니다. 밴드 리더 폴 화이트먼의 의뢰를 받은 이 작품은 1924년 2월 12일 뉴욕시 애올리언 홀에서 "현대 음악의 실험"이라는 제목의 콘서트에서 초연되었습니다.[2][3] 화이트맨의 밴드는 거쉰이 피아노를 치면서 랩소디를 선보였습니다.[4] 화이트맨의 편곡자 페르데 그로페(Ferde Grofé)는 1924년 오리지널 악보, 1926년 피트 오케스트라 악보, 1942년 교향곡 악보를 포함하여 여러 차례 랩소디를 조율했습니다.

이 랩소디는 거쉰의 가장 눈에 띄는 창작물 중 하나이며 재즈 시대를 규정한 핵심 작곡입니다.[5][6][7] 거쉰의 작품은 미국 음악사에 새로운 시대를 열었고,[8] 저명한 작곡가로서 명성을 확립했으며, 모든 콘서트 작품 중 가장 인기 있는 작품 중 하나가 되었습니다.[9] American Heritage 잡지에 Frederic D. 슈바르츠는 유명한 오프닝 클라리넷 글리산도가 베토벤 교향곡 5번의 오프닝만큼 콘서트 관객들에게 즉각적으로 인식될 수 있게 되었다고 가정합니다.[10]

역사

커미션

추가 정보: 조지 거쉰과 폴 화이트맨
밴드 리더 폴 화이트먼(왼쪽)과 작곡가 조지 거쉰(오른쪽)

1923년 11월 1일 뉴욕에서 캐나다 가수 에바 고티에와 함께 열린 실험적인 클래식-재즈 콘서트의 성공에 이어, 밴드 리더 폴 화이트먼은 더 야심찬 위업을 시도하기로 결정했습니다.[2] 그는 작곡가 조지 거슈윈에게 애올리언 홀에서 열리는 링컨의 생일을 기념하여 올 재즈 콘서트를 위한 협주곡 같은 작품을 써달라고 요청했습니다.[11] Whiteman은 1922년 The Scands of 1922에서 Gershwin과 공동으로 작업한 후, Gershwin에 의해 그러한 확장된 작곡을 수행하는 것에 집착하게 되었습니다.[12] 그는 특히 거슈윈의 단막 "재즈 오페라" 블루 먼데이에 깊은 인상을 받았습니다.[13] 거쉰은 처음에는 작품을 작곡하기에 시간이 부족할 것이고 악보를 수정할 필요가 있을 것이라는 이유로 화이트맨의 요청을 거절했습니다.[14]

곧이어 1월 3일 저녁, 조지 거슈윈과 작사가 버디 드실바는 브로드웨이와 맨해튼 52번가의 앰배서더 당구장에서 당구 게임을 했습니다.[15] 조지의 형인 아이라 거쉰은 뉴욕 트리뷴의 1월 4일자 기사를 큰 소리로 읽기 위해 당구 게임을 중단했습니다.[16] 다가오는 화이트맨 콘서트에 대한 "What Is American Music?"이라는 제목의 서명되지 않은 트리뷴 기사가 아이라의 관심을 끌었습니다.[15] 기사는 조지 거쉰이 화이트맨의 콘서트를 위해 "재즈 협주곡 작업"을 시작했다고 거짓으로 선언했습니다.[17]

뉴스 발표는 거쉰이 화이트맨을 위해 그러한 작품을 작곡하는 것을 정중하게 거절했기 때문에 혼란을 주었습니다.[18][19] 다음날 아침 화이트맨과의 전화 통화에서 화이트맨의 가장 큰 라이벌인 빈센트 로페즈가 그의 실험적인 콘서트의 아이디어를 훔칠 계획이며 시간을 잃을 시간이 없다고 거슈윈에게 알렸습니다.[20] 그래서 화이트맨은 마침내 거쉰을 설득하여 이 작품을 작곡했습니다.[20]

구성.

초연까지 5주밖에 남지 않은 거쉰은 서둘러 작품 작곡에 착수했습니다.[15] 그는 나중에 보스턴으로 가는 기차 여행 중에 랩소디 인 블루(Rhapsody in Blue)를 주제로 한 씨앗이 마음속에서 싹트기 시작했다고 주장했습니다.[21][20] 그는 1931년 전기 작가 아이작 골드버그에게 다음과 같이 말했습니다.

그것은 강철 같은 리듬과 덜컹거리는 소리, 그리고 작곡가에게 너무 자주 자극적인 기차 안에 있었습니다. 저는 소음의 중심부에서 자주 음악을 듣습니다. 그리고 거기서 저는 갑자기 랩소디의 완전한 구성을 처음부터 끝까지 들었습니다. 새로운 주제가 떠오르지는 않았지만, 이미 마음속에 있는 주제 자료를 작업하고 전체적으로 구성을 구상하려고 노력했습니다. 저는 그것을 일종의 음악 만화경으로 들었습니다. 우리의 광대한 용광로, 우리의 중복되지 않은 국가적인 격려, 우리의 대도시적인 광기. 보스턴에 도착했을 때 나는 그 작품의 실제 내용과 구별되는 확실한 줄거리를 가지고 있었습니다.[21]

거쉰은 두 대의 피아노에 대한 원본 원고에 날짜가 적혀있는 대로 1월 7일부터 작곡을 시작했습니다.[2] 그는 이 곡을 작곡하는 동안 잠정적으로 아메리칸 랩소디(American Rhapsody)라고 제목을 붙였습니다.[22] 아이라 거쉰은 녹턴 인 블랙과 골드와 같은 제목의 제임스 맥닐 휘슬러 그림 갤러리 전시회를 방문한 후 랩소디 인 블루의 수정된 제목을 제안했습니다. 회색과 검은색의 떨어지는 로켓과 배열.[22][23] 몇 주 후, Gershwin은 작곡을 마치고 A Rhapsody in Blue라는 제목의 악보를 Whiteman의 편곡자인 Ferde Grofé에게 넘겼습니다.[24] 그로페는 초연을 불과 8일 앞둔 2월 4일, 이 곡의 오케스트레이션을 마쳤습니다.[24]

초연

랩소디는 1923년 이곳에서 촬영된 맨해튼의 에이올리언 홀에서 눈이 오는 오후에 초연되었습니다.

랩소디 인 블루는 1924년 2월 12일 눈이 내리는 화요일 오후에 맨하탄의 에올리언 홀에서 초연되었습니다.[4][25] "현대 음악의 실험"이라는 제목으로,[3] 폴 화이트맨과 그의 팔레 왕립 오케스트라가 개최한 많은 기대를 모았던 콘서트는 만원의 관객을 끌어 모았습니다.[4][26] 흥분한 관객들은 "보드빌리, 콘서트 매니저들이 새로움, 틴팬앨리 사람들, 작곡가들, 교향곡과 오페라 스타들, 플래퍼들, 케이크를 먹는 사람들, 그리고 모두 고약한 돼지들로 구성되어 있습니다."[25] 칼 반 베흐텐,[8] 마거리트 달바레즈,[8] 빅터 허버트,[27] 월터 담로쉬,[27] 윌리 "라이온" 스미스 등 당대의 영향력 있는 인물들이 대거 참석했습니다.[28]

콘서트 전 강연에서 화이트맨의 매니저 휴 C. 에른스트는 콘서트의 목적을 "순수하게 교육적"이라고 선언했습니다.[29][30] 화이트맨은 "이 젊은 안절부절못하는 시대의 고동치는 감정적 자원을 자극하는 멜로디, 화음, 리듬"을 예시하기 위해 이 음악을 선택했습니다.[31] 이 콘서트의 긴 프로그램은 "True Form Of Jazz"와 "Contrast-Legitimate Scoring vs. Jazzing"과 같은 제목을 가진 2개의 파트와 11개의 섹션으로 나뉘어진 26개의 다른 음악적 움직임을 나열했습니다.[32] 이 프로그램의 일정은 거슈윈의 랩소디를 엘가의 폼 앤 컨페던스 3월 1일에 앞서 마지막으로 두 번째 곡으로 소개했습니다.[33]

프로그램 초기 수치 중 상당수가 관객들을 압도했고, 공연장 내 환기장치도 오작동했습니다.[34] 거쉰이 랩소디를 위해 눈에 띄지 않게 입장했을 때 몇몇 관객들은 공연장을 떠났습니다.[34] 청중들은 잊혀지지 않는 클라리넷 글리산도가 랩소디의 오프닝 음을 푸른색으로 연주할 때까지 짜증이 나고 참을성이 없으며 안절부절못했다고 합니다.[3][35] 독특한 글리산도는 리허설 중 우연히 만들어진 것입니다.

거쉰에 대한 농담으로... [로스] 고먼 [화이트맨의 거장 클라리넷 연주자]은 눈에 띄는 글리산도로 오프닝 메소드를 연주했는데, 음표를 ' 뻗어서' 그가 생각하는 재지하고 유머러스한 터치를 구절에 더했습니다. 고먼의 변덕에 호의적으로 반응하면서 거쉰은 그에게 그런 식으로 오프닝 조치를 수행할 것을 요청했고... 그리고 가능한 한 많은 '통곡'을 추가할 것을 요청했습니다.[36]

화이트맨의 오케스트라는 "앙상블의 23명의 음악가"와 조지 거슈윈과 함께 피아노로 이 랩소디를 연주했습니다.[37][38] 특징적인 스타일로, 거쉰은 그의 피아노 독주를 부분적으로 즉흥적으로 선택했습니다.[38] 오케스트라는 그의 피아노 독주가 끝나고 합주단이 연주를 재개하기 위한 신호를 알리는 거쉰의 고개를 애타게 기다렸습니다.[38] 거쉰은 콘서트가 끝난 후까지 피아노 독주곡을 쓰지 않았기 때문에, 초연 때 원곡의 랩소디가 어떻게 들렸는지는 정확히 알려지지 않고 있습니다.[39]

시청자 반응과 성공

칼 반 베치텐, 마거리트 달바레즈, 빅터 허버트 등이 청중의 많은 저명인사들 중 한 명이었습니다.

랩소디가 끝나자, 청중들은 Gershwin의 작곡에 격동적으로 박수를 보냈고,[4][40] 꽤 예상치 않게, "그 콘서트는, 재정을 제외한 모든 면에서,[a] '녹아웃'이 되었습니다."[42] 이 콘서트는 곧 이 랩소디의 초연으로 인해 역사적으로 중요해졌고, 이 프로그램은 "재즈에 관한 외국 모노그래프에 들어가는 길을 찾으면서 역사적인 문서가 될 뿐만 아니라 희귀한 것이 될 것입니다."[25]

랩소디 초연 성공에 이어 앞으로의 공연도 이어졌습니다. 랩소디 인 블루의 첫 번째 영국 공연은 1925년 6월 15일 런던의 사보이 호텔에서 열렸습니다.[43] BBC는 그 공연을 생중계로 중계했습니다. 데브로이 소머즈는 거슈윈 자신과 함께 피아노에서 사보이 오르페안을 지휘했습니다.[43] 관객들은 1926년 4월 11일 로열 앨버트 홀에서 열린 폴 화이트맨 오케스트라의 두 번째 유럽 투어에서 거쉰과 함께 영국에서 이 곡을 다시 들었습니다. 축음기 회사/HMV는 이 공연을 녹음했습니다.[44]

1927년 말까지, 화이트맨의 밴드는 랩소디 인 블루를 약 84번 공연했고, 그 녹음은 백만 장이 팔렸습니다.[10] 전체 곡이 12인치 레코드의 두 면에 맞으려면 콘서트에서 평소보다 빠른 속도로 랩소디를 연주해야 했고, 이로 인해 눈에 띄게 손실된 루바토와 함께 서둘러 녹음하는 느낌을 받았습니다. 화이트맨은 나중에 이 곡을 자신의 밴드의 주제곡으로 채택하고 "랩소디 인 블루(Rhapsody in Blue)를 제외한 모든 것이 새로운 것이다"라는 슬로건과 함께 라디오 프로그램을 열었습니다.[45]

비판적 반응

"이 작곡은 뛰어난 재능을 보여주는데, 그는 자신의 재능을 훨씬 뛰어넘는 목표를 가진 젊은 작곡가가 마스터와는 거리가 먼 형태로 고군분투하는 모습을 보여줍니다. 이 모든 것에도 불구하고, 그는 자신을 중요하고 전체적으로 매우 독창적인 형태로 표현했습니다. 그의 첫번째 테마는... 단순한 춤곡이 아닙니다... 그것은 듣는 사람을 즉시 흥미롭게 하는 다양하고 대조적인 리듬에 상관되고 결합된 아이디어 또는 여러 아이디어입니다. 두 번째 주제는 Gershwin씨의 몇몇 동료들의 방식에 따른 것입니다. 투티스는 너무 길고, 카덴차는 너무 길고, 마지막 공연은 더 넓게 준비되었더라면 쉽게 가질 수 있었을 야생성과 웅장함을 크게 상실합니다. 그리고 그 모든 것에도 불구하고, 관객들은 열광했고, 많은 굳어진 콘서트 애호가들은 새로운 재능이 목소리를 찾는다는 느낌으로 흥분했습니다."

—Olin Downes, The New York Times, February 1924[4]

콘서트 관객들의 뜨거운 호응과 대조적으로,[4][42] 음악 평론가들은 이 랩소디에 대해 엇갈린 평가를 내렸습니다.[46] 뉴욕 월드의 음악 평론가인 새뮤얼 초치노프는 거쉰의 작곡이 "재즈로 정직한 여성을 만들었다"고 인정했고,[27] 더 네이션의 헨리에타 스트라우스는 거쉰이 "우리 음악 역사에 새로운 장을 추가했다"고 생각했습니다.[8] Olin Downes는 The New York Times의 콘서트를 리뷰하면서 이 랩소디를 "매우 독창적인 형태"로, 작곡가는 "목소리를 찾는 새로운 재능"으로 호의적으로 언급했습니다.[4]

그럼에도 불구하고 다른 리뷰어들은 덜 긍정적이었습니다. 피츠버그 샌본(Pitts Sanborn)은 이 랩소디가 "잘 언급된 유망한 주제로 시작한다"면서도 "곧 공허한 통로 작업과 무의미한 반복으로 흘러간다"고 선언했습니다.[40] 특히 부정적인 리뷰가 많았습니다. 후에 거쉰의 포기와 베스에 대한 파괴적인 비평을 쓴 리하르트 바그너의 열광자 로렌스 길만은 1924년 2월 13일 뉴욕 트리뷴의 평론에서 이 랩소디를 "도발적", "도취적", "비표현적"이라고 격렬하게 비판했습니다.[47][48]

전반적으로, 전문 음악 비평가들은 Gershwin의 작품이 본질적으로 형식이 없다고 반복적으로 비판했고, 작곡가가 임의로 멜로디 부분들을 함께 붙였다고 주장했습니다.[49]

회고록

초연된 지 몇 년이 지난 후, 랩소디 인 블루는 주로 인식되는 멜로디의 비일관성 때문에 음악 비평가들을 계속 분열시켰습니다.[50][51][52] 우리의 작품이 종종 재즈적인 요소를 포함했던 영국 작곡가 콘스탄트 램버트는 공개적으로 그 작품을 일축했습니다.

재즈풍으로 리스트 협주곡을 쓰려 한 작곡가 [조지 거슈윈]은 댄스음악에서 야만적이지 않은 요소만을 사용하여 결과적으로 좋은 재즈도 좋은 리스트도 아니고 좋은 협주곡이라는 단어의 의미도 없습니다.[50]

1955년 애틀랜틱 먼슬리의 기사에서, 그럼에도 불구하고 이 작품을 사랑한다고 인정한 레너드 번스타인은 다음과 같이 말했습니다.[51]

랩소디 인 블루는 그 안에서 일어나는 모든 일이 불가피해 보이거나 심지어 꽤 불가피해 보인다는 점에서 실제 작곡이 아닙니다. 더 짧게 만드는 것을 제외하고는 전체에 영향을 주지 않고 일부를 잘라낼 수 있습니다. 이처럼 붙어있는 섹션을 모두 제거할 수 있으며 조각은 여전히 이전처럼 용감하게 진행됩니다. 이러한 섹션을 서로 교환할 수도 있으며 손상되지 않습니다. 섹션 내에서 컷을 만들 수도 있고, 새로운 카덴차를 추가할 수도 있고, 악기 조합이나 피아노만으로 연주할 수도 있습니다. 5분짜리 곡이 될 수도 있고, 6분짜리 곡이 될 수도 있고, 12분짜리 곡이 될 수도 있습니다. 그리고 사실 이 모든 것들이 매일 행해지고 있습니다. 아직도 랩소디 인 블루입니다.[51][52]

오케스트레이션

1920년부터 1932년까지 화이트맨의 수석 편곡자였던 페르데 그로페(Ferde Grofé)는 Gershwin의 랩소디 인 블루(Lapsody in Blue)의 첫 번째 편곡을 만들었습니다.

1924년 거슈윈이 오케스트레이션에 대한 충분한 지식을 가지고 있지 않았기 때문에,[53] 화이트맨의 피아니스트이자 수석 편곡자인 페르데 그로페(Ferde Grofé)는 랩소디의 유성적인 성공에 핵심적인 역할을 했고,[54] 학자들은 그로페의 랩소디 편곡이 미국 문화에서 그 자리를 확보했다고 주장했습니다.[55] 1931년 거슈윈의 전기 작가인 아이작 골드버그(Isaac Goldberg)는 그로페가 초연의 승리에 결정적인 역할을 했다고 언급했습니다.

행사의 열기 속에서, 랩소디를 10일 만에 득점한 화이트맨 직원들의 편곡자인 페르디 그로페의 기여는 간과되거나 무시되었습니다. Gershwin에 의해 채점의 상당 부분이 표시된 것은 사실입니다. 그럼에도 불구하고 Grofé의 기여는 작곡뿐만 아니라 가까운 미래의 재즈 채점에 가장 중요했습니다.[54]

그로페는 화이트맨 오케스트라의 특별한 장점을 최대한 활용하기 위해 1924년의 유명한 악보를 급하게 편곡했습니다.[56] 그는 솔로 피아노와 화이트맨의 23명의 음악가들을 위해 이 오케스트레이션을 개발했습니다.[57] 리드 섹션에서는 로스 고먼(리드 1세)이 오보에, 헤켈폰, 클라리넷은 B♭, 소프라니노 색소폰은 E♭ & B♭, 알토 색소폰은 E♭, 소프라노 클라리넷은 하나, 알토와 베이스 클라리넷은 하나, 도날드 클라크(리드 2세)는 B♭, 알토와 바리톤 색소폰은 소프라노 색소폰, 헤일 바이어스(리드 3세)는 B♭, 소프라노 색소폰은 하나, 테너 색소폰, 바리톤 색소폰, 플루트.[57]

브라스 부문은 헨리 부세와 프랭크 지그리스트가 연주했고, F의 두 프랑스 호른은 아르투로 세리노와 알 코라도가 연주했고, 두 트롬본은 로이 맥슨과 제임스 캐세데이가, 튜바와 더블 베이스는 거스 헬레부르크와 알루스 아머가 각각 연주했습니다.[57][58][59][42] 타악기 섹션에는 드럼 세트, 팀파니, 조지 마쉬가 연주한 글로켄슈필이 포함되었습니다. 전형적으로 페르데 그로페 또는 헨리 랑게가 연주한 피아노, 마이클 핑가토레가 연주한 테너 밴조, 바이올린의 보완이 포함되었습니다.[60]

음악학자들은 1980년대 중반에 시작된 재건 작업에서 부활하기 전까지 독특한 악기 요구 사항을 가진 이 독창적인 편곡을 대체로 무시했는데, 이는 이후 악보의 인기와 서비스성 때문이었습니다.[61] 1924년 초연 이후, 그로페는 악보를 수정했고 1926년과 1942년에 각각 더 큰 오케스트라를 위해 새로운 오케스트라를 만들었습니다.[61] 그는 1926년에 극장 오케스트라를 위한 편곡을 출판했습니다.[62] 그로페는 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순, 색소폰 3개, 프랑스 호른 2개, 트럼펫 2개, 트롬본 2개를 포함하는 더 표준적인 "피트 오케스트라"를 위해 이 각색을 조율했습니다.[63]

폴 화이트맨은 Grofé가 편곡한 영화 King of Jazz (1930)에서 다시 랩소디 인 블루를 공연했습니다.

그로페는 후에 완전한 교향악단을 위한 1942년 편곡을 제작했습니다. 독주 피아노와 오케스트라를 위해 연주되며 플루트 2개, 오보에 2개, 클라리넷 2개, 베이스 클라리넷 1개, 바순 2개, 알토 색소폰 2개, B♭ 테너 색소폰 1개, F로 프렌치 혼 3개, B♭로 트럼펫 3개, 트롬본 3개, 튜바 1개, 팀파니, 현악기 심벌 1개, 스네어 드럼 하나, 베이스 드럼 하나, 탐 tam 하나, 삼각형 하나, 글로켄슈필 하나, 심벌즈 하나, 테너 밴조 하나, 현. 20세기 중반 이후, 마이클 틸슨 토마스(Michael Tilson Thomas)가 최초로 재즈 밴드 오리지널 버전을 녹음할 때까지 1942년 편곡은 콘서트 레퍼토리의 주요 요소가 되었고, 완전한 재즈 오케스트라와 함께 거슈윈의 실제 1925년 피아노 롤을 사용했습니다.[61]

Grofé의 다른 Gershwin 작품 편곡에는 Whiteman의 1930년 영화인 King of Jazz와 [64]1938년에 완성되어 1942년에 출판된 콘서트 밴드 설정(피아노 없이 연주 가능)이 포함됩니다. 색소폰은 나중의 악단에서 두드러지게 나타나는 부분이 다소 줄어들고, 주로 리듬적인 기여가 안쪽 현에 의해 제공되기 때문에 밴조 부분은 생략될 수 있습니다.[65]

거쉰은 두 대의 피아노뿐만 아니라 솔로 피아노를 위한 곡의 버전을 직접 만들었습니다.[66] 솔로 버전은 작품의 여러 섹션을 생략한 것이 눈에 띕니다.[b] Gershwin이 결국 자신의 오케스트레이션을 하려는 의도는 1936-37년 Harms 출판사의 서신에 기록되어 있습니다.[67]

주목할 만한 기록

1930년대 후반 폴 화이트먼과 조지 거슈윈과 함께 피아노로 연주하는 그의 콘서트 오케스트라에 의해 1927년 랩소디 인 블루의 전기 발매가 재발행되었습니다. 1974년 그래미 명예의 전당 헌액자.

애올리언 홀에서 관객들이 랩소디 인 블루(Rhapsody in Blue)를 따뜻하게 맞이한 후, 거쉰은 자신의 작곡을 여러 형식으로 요약하여 녹음했습니다.[68] 1924년 6월 10일 거슈윈과 화이트맨의 오케스트라는 빅터 토킹 머신 컴퍼니가 발행한 8분 59초짜리 어쿠스틱 레코딩을 만들었습니다.[c][70] 1년 후, 거쉰은 1925년 피아노 롤에서 2개의 피아노 버전으로 연주를 녹음했습니다.[71] 이후 1927년 4월 21일, 그는 9분 1초를 달리는 화이트맨의 오케스트라와 다시 빅터에 의해 녹음된 전기 녹음을 했습니다.[d][72] 나다니엘 실크렛은 거쉰과 화이트맨 사이의 논쟁 이후 전기 녹음을 진행했다고 합니다.[73] 화이트맨의 오케스트라는 나중에 1930년 영화 The King of Jazz에서 잘린 버전의 피아노를 연주했습니다.[74]

초기 녹음 형식의 길이 제한으로 인해 거쉰 작곡의 최초의 완전하고 요약되지 않은 녹음은 대공황이 되어서야 이루어졌습니다. 1935년 7월, 지휘자 아서 피들러([75]Arthur Fiedler)와 보스턴 팝스 오케스트라(Boston Pops Orchestra)[e][76]는 RCA 빅터(RCA Victor)를 위해 푸에르토리코 피아니스트 헤수스 마리아 산로마(Jesus María Sanroma)와 함께 몇 년 동안 랩소디를 공연했습니다. 이 첫 번째 간략하지 않은 녹음을 위해, 피들러는 페르데 그로페의 원래 1924년 편곡을 버리고 이 작품을 전통적인 교향곡으로 각색했습니다.[77] 당시, 현대 비평가들은 피들러가 그로페의 초기 편곡의 소위 "재즈 감성"을 저버리고 "더 교향적인 풍부함과 권위"를 추가했다고 칭찬했습니다.[78]

제2차 세계 대전의 마지막 몇 달 동안, 거슈윈 전기 영화 랩소디 인 블루(1945)의 흥행 속에, 피아니스트 오스카 레반트는 1945년 8월 21일 유진 오먼디의 필라델피아 오케스트라와 함께 현재 상징적인 작곡을 녹음했습니다.[79] 레반트는 고인이 된 작곡가의 친밀한 친구였고,[80][81] 그는 그의 연주에서 거쉰의 관용적인 연주 스타일을 재현하려고 노력했습니다.[82] Columbia Masterworks 251로 명명된 Levant의 오마주는 굉장한 호평을 받았고 올해 가장 많이 팔린 음반 중 하나가 되었습니다.[83] 레반트의 녹음과 거쉰의 삶에 대한 1945년 전기 영화의 결과로 "거쉰 부활"이 뒤따랐습니다.

조지 거쉰: Rhapsody in Blue for Piano, Four Hands, arr. 헨리 레빈 (8:09)
라토스 피아노 듀오가 조지 거슈윈의 랩소디 인 블루 포 피아노(Four Hands, 1924) arr. Henry Levine, The Music in the Mansion 콘서트 시리즈, Los Angeles Beverly Hills Television이 촬영한 Greystone Mansion 2023

1960년대와 1970년대까지 거쉰의 랩소디는 콘서트 공연과 오케스트라 녹음 모두에서 예측 가능한 주요 요소가 되었습니다. 결과적으로 시간이 지남에 따라 더 다양하고 불손한 해석이 나타났습니다. 1973년 여름, 브라질 재즈 록 아티스트 에우미르 데오다토(Eumir Deodato)는 업템포의 ‐ 삼바 리듬이 특징인 거슈윈의 랩소디를 축약한 버전으로 재해석했습니다. 음악 비평가들은 데오다토의 해석이 "망글"이고 거의 알아보지 못한다고 비난했지만,[85] 그의 싱글은 빌보드 차트에서 "핫 100" 41위와 "이지 리스닝" 10위에 올랐고,[86] 캐나다에서는 각각 48위와 13위에 올랐습니다.[87][88] 데오다토의 초기 재해석을 계기로, 프랑스 피아니스트 리차드 클레이더만은 1978년 그의 대표곡 중 하나가 된 비슷한 축약된 디스코 편곡을 녹음했습니다.[89][90]

이러한 보다 다양한 해석의 출현과 동시에, 재즈 시대가 끝난 이후 공연되지 않았던 페르데 그로페의 1924년 편곡에서 학문적인 관심이 되살아났습니다. 1973년 2월 14일 지휘자 케네스 키슬러와 피아니스트 폴 베레테는 뉴햄프셔 대학 캠퍼스에서 그로페의 독창적인 편곡을 연주했습니다.[91] 곧이어 지휘자 마이클 틸슨 토마스와 컬럼비아 재즈 밴드가 1976년 그로페의 편곡을 녹음했고 1984년 피아니스트 이반 데이비스와 함께 지휘자 모리스 페레스가 1924년 콘서트 전체를 60주년 기념으로 재구성했습니다.[92]

1924년 거슈윈의 랩소디가 첫 선을 보인 지 100년이 지난 지금, 수 만 명의 오케스트라와 솔로 피아니스트들이 이 곡을 간결하고 간결하게 녹음했습니다. 이러한 많은 녹음들은 2006년 라틴 그래미 상을 수상한 피아니스트 미셸 카밀로의 공연과 같이 비평적인 인정을 받았습니다.[93]

양식 및 분석

Gershwin의 랩소디 첫 마디는 종종 "글리산도 테마"로 언급됩니다.

재즈 협주곡으로, 랩소디 인 블루는 오케스트라와 함께 솔로 피아노를 위해 쓰여집니다.[94] 랩소디는 별도의 악장이 아닌 하나의 확장된 악장이 특징이라는 점에서 협주곡과 다릅니다. 랩소디는 종종 즉흥적인 성격의 구절을 포함하며, 비록 악보로 쓰여지기는 했지만, 형태가 불규칙하고, 대조가 높아지고 감정이 풍부합니다. 음악은 강렬하게 리드미컬한 피아노 솔로부터 느리고, 넓고, 풍부하게 조율된 부분까지 다양합니다. 결과적으로 랩소디는 "형식에 대한 엄격한 충실성이 없는 판타지아로 간주될 수 있습니다."[95]

'랩소디 인 블루'의 오프닝은 클라리넷 트릴과 레가토, 17음절 음계로 쓰여져 있습니다. 리허설에서 화이트맨의 거장 클라리넷 연주자 로스 고먼은 음계의 윗부분을 매혹적이고 트롬본 같은 글리산도로 만들었습니다.[96] 거슈윈은 이를 듣고 공연에서도 이를 반복해야 한다고 주장했습니다.[96] 그 효과는 혀와 목 근육을 사용하여 구강의 공명을 변화시켜 지속적으로 상승하는 피치를 조절합니다.[97] 많은 클라리넷 연주자들은 마지막 콘서트 F에서 최고의 콘서트 B♭까지 진행되는 동안 악기에 있는 왼손 음색의 구멍들을 서서히 엽니다. 이 효과는 이제 작업의 표준 수행 관행이 되었습니다.[97]

Rhapsody in Blue는 리듬적인 발명과 멜로디적인 영감을 동시에 가지고 있으며, 대규모 화성적이고 멜로디적인 구조를 가진 작품을 작곡하는 거쉰의 능력을 보여줍니다. 작품은 강한 동기 부여적 상호 연관성이 특징입니다.[98] 동기 부여 자료의 상당 부분은 첫 14개 조치에 소개되어 있습니다.[98] 음악학자 데이비드 쉬프(David Schiff)는 다섯 개의 주요 주제와 여섯 번째 "꼬리표"를 발견했습니다.[22] 처음 14개의 측정치에는 두 개의 테마가 표시되고, 19개의 측정치에는 태그가 표시됩니다.[22] 나머지 3개의 주제 중 2개는 2단의 첫 번째 주제와 리드미컬하게 연관되어 있으며, 때로는 클라리넷 솔로의 첫 번째 글리산도 이후 "글리산도 주제" 또는 "리토르넬로 주제"라고 불립니다.[22][99] 남은 주제는 "Train 테마"로,[22][100] 오프닝 소재 이후 리허설 9에서 가장 먼저 등장합니다.[100] 이 모든 테마는 낮은 7분의 1과 장조와 단조의 혼합을 포함하는 블루스 스케일에 의존합니다.[101][101] 각 테마는 오케스트레이션된 형태와 피아노 솔로로 나타납니다. 각 주제의 발표 스타일에 상당한 차이가 있습니다.

"랩소디 인 블루" (커버)
Gershwin's Rhapsody in Blue의 2018 피아노 솔로 커버
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랩소디의 고조파 구조는 분석하기가 더 어렵습니다.[102] 작품은 B♭장조로 시작하고 끝나지만, 서브 dominant 방향으로 변조되어 마지막에 갑자기 B♭장조로 돌아갑니다. 오프닝은 키 B♭, E♭, A♭, D♭, G♭, B, E를 통해 "downward"를 변조하고, 마지막으로 A장조로 변조합니다. 역방향의 오분의 원을 통한 변조는 고전적인 성조 관계를 뒤집지만 포기하지는 않습니다. 전체 중간 부분은 주로 C장조에 있으며, G장조(지배적 관계)로 이동합니다.[104] 이러한 변조는 항상 고조파 방향이 있는 것은 아니지만 자유롭게 발생합니다. 사실 어떤 구절이 처음부터 끝까지 키를 바꾸지 않을 때 거쉰은 종종 3분의 1의 재귀 고조파 진행을 사용하여 움직임에 대한 환상을 줍니다.[102] 3분의 1에 의한 변조는 틴팬앨리 음악의 공통적인 특징입니다.

재즈와 다른 현대 스타일의 영향은 랩소디 인 블루에 있습니다. 찰스턴 재즈 댄스에서 댄스 리듬을 겸하는 쿠바의 '클레이브' 리듬과 마찬가지로 [101]래그타임 리듬이 풍부합니다.[46] 거쉰 자신의 의도는 재즈가 시간에 맞게 엄격하게 연주되어야 춤을 출 수 있다는 믿음을 바로잡는 것이었습니다.[105] 랩소디의 온도는 매우 다양하며, 여러 곳에서 거의 극단적으로 루바토를 사용합니다. 재즈의 가장 분명한 영향은 블루 노트의 사용이며, 그들의 반스텝 관계에 대한 탐구는 랩소디에서 핵심적인 역할을 합니다.[106] 오케스트라에서 아코디언, 밴조, 색소폰과 같은 소위 "vernacular" 악기의 사용은 재즈 또는 대중적인 스타일에 기여하며, 이 악기들 중 후자의 두 악기는 Grofé의 "표준" 오케스트라 채점의 일부로 남아 있습니다.[65]

거쉰은 그의 작품에 다양한 피아노 스타일을 접목시켰습니다. 그는 스트라이드 피아노, 노블 피아노, 코믹 피아노, 그리고 송플러거 피아노 스타일의 기술을 사용했습니다. 스트라이드 피아노의 리드미컬하고 즉흥적인 스타일은 리허설 33 이후 4마디를 시작하는 "아지타토에 디스테리오소" 부분과 오케스트라를 포함한 다른 부분에서 분명히 드러납니다.[100] 새로움 피아노는 Train 테마 공개와 함께 리허설 9에서 들을 수 있습니다. 치코 마르크스가 잘 알려진 피아노에 대한 보드빌 접근법인 코믹 피아노의 주저함과 경쾌한 스타일은 리허설 22에서 분명히 드러납니다.[107]

유산과 영향력

문화시대주의자

Gerswhin's work has been cited by writers and scholars as embodying the Jazz Age's zeitgeist with its flappers and speakeasies. Above: Patrons and a flapper await the opening of a speakeasy in 1921.
거쉰의 작품은 작가들과 학자들에 의해 재즈 시대의 시대정신을 플래퍼와 스피크 이지스로 구현한 것으로 인용되어 왔습니다. 위: 후원자들과 플래퍼가 1921년 스피크 이지의 개장을 기다리고 있습니다.
추가 정보: 재즈 에이지

랩소디 인 블루(Rhapsody in Blue)의 데뷔와 함께 거쉰은 미국 음악사에 새로운 시대를 열었습니다.[8] 그는 재즈 시대의 저명한 작곡가 중 한 명으로 명성을 얻었고, 그의 작곡은 결국 모든 콘서트 작품 중 가장 인기 있는 작품 중 하나가 되었습니다.[9] American Heritage 잡지에 Frederic D. 슈바르츠는 유명한 오프닝 클라리넷 글리산도가 베토벤 교향곡 5번의 오프닝만큼 콘서트 관객들에게 즉각적으로 인식될 수 있게 되었다고 가정합니다.[10]

로스앤젤레스 필하모닉의 비평가 오린 하워드(Orin Howard)[7]에 따르면, 거쉰의 랩소디는 "많은 사람들이 초연에 참석했던 진지한 작곡가들과 연주자들의 친목회에 지울 수 없는 흔적을 남겼고, 그 열정적인 반응이 그를 다른 그리고 더 진지한 프로젝트들로 격려했기 때문에 거쉰 자신에 대해서도." 하워드는 이 작품의 유산이 재즈 시대의 문화적 시대정신을 구현하는 것으로 가장 잘 이해되고 있다고 말합니다.

그 비교할 수 없을 정도로 화려한 클라리넷 솔로로 시작한 랩소디는 거부할 수 없는 여전한 리듬감과 천 마디 말보다 더 포효하는 20대에 대해 더 많은 것을 말해주는 버림받은 뻔뻔한 감각, 그리고 진정한 멜로디의 아름다움이 깊은 색을 띠었습니다. 흑인 노예의 노래에 기원을 둔 평평한 7번째와 3번째에 의한 재즈 블루.[7]

거쉰의 랩소디가 "재즈 시대 재즈의 결정적인 예는 결코 아니다"라고 할지라도,[108] 제임스 시멘트와 플로이드 레빈과 같은 음악 역사가들은 그것이 그 시대의 정신을 압축하는 핵심적인 구성이라고 비슷하게 동의했습니다.[5][109] 일찍이 1927년, 작가 F. Scott Fitzgerald는 Rhapsody in Blue가 재즈 시대의 젊은 시대정신을 이상화했다고 생각했습니다.[110] 그 후 수십 년 동안, 후자의 시대와 피츠제럴드의 관련 문학 작품들은 비평가들과 학자들에 의해 거쉰의 구성과 종종 문화적으로 연결되었습니다.[111] 1941년, 사회 역사학자 피터 쿠넬은 피츠제럴드의 소설 위대한 개츠비가 "거슈윈 곡의 슬픔과 외딴 장난"을 형상화했다고 생각했습니다.[112] 따라서, 바즈 루어만 감독은 Fitzgerald의 1925년 소설을 영화화한 그의 2013년 영화 The Great Gatsby에서 Rhapsody in Blue를 Jay Gatsby 캐릭터의 극적인 라이트모티프로 사용했습니다.[59][113]

미국 극작가이자 저널리스트인 테리 티치아웃(Terry Teachout)과 같은 다양한 작가들은 그의 하층민 배경을 초월하려는 그의 시도, 갑작스러운 유성적 성공, 그리고 30대 때 이른 죽음 때문에 그 자신을 개츠비(Gatsby)의 캐릭터에 비유했습니다.[111]

뉴욕시의 음악적 초상화

랩소디 인 블루는 재즈 에이지 뉴욕시의 음악적 초상화로 해석되어 왔습니다.

랩소디 인 블루는 20세기 초 뉴욕시의 음악적 초상화로 해석되어 왔습니다.[114] 문화 저술가 대린 킹은 월스트리트 저널에 "거쉰의 재즈와 고전적인 전통의 융합은 재즈 에이지 뉴욕의 번성하는 용광로를 포착합니다"라고 썼습니다.[114]

마찬가지로, 음악사학자 빈스 조르다노(Vince Giordano)는 "1924년 거쉰이 쓴 싱커페이션(syncopation), 푸른 음표(blue notes), 래그타임(ragtime), 재즈 리듬(jazz rhythm)은 그 놀라운 시대에 정말로 뉴욕시의 느낌이었습니다. 도시의 리듬이 거기에 있는 것 같습니다."[114] 피아니스트 랑랑은 이 감정을 반영합니다. "랩소디 인 블루를 들으면 어떻게든 엠파이어 스테이트 빌딩이 보입니다. 저는 맨해튼 미드타운에 있는 뉴욕 스카이라인을 보고 있고, 이미 타임스퀘어에 있는 커피숍들을 보고 있습니다."[114]

이에 따라 우디 앨런의 1979년 영화 맨해튼의 오프닝 몽타주는 주빈 메타의 연주로 뉴욕의 전형적인 장면들을 거슈윈의 유명한 재즈 협주곡의 음악에 맞춰 설정했습니다.[115] 20년 후 월트 디즈니 픽처스는 1999년 애니메이션 영화 판타지아 2000의 뉴욕 부분을 위해 작곡을 사용했는데, 이 작품은 삽화가 알 허쉬펠트의 스타일로 그려진 애니메이션 부분을 서정적으로 틀었습니다.[116]

작곡가에게 미치는 영향

거쉰의 랩소디는 많은 작곡가들에게 영향을 미쳤습니다. 1955년, 랩소디 인 블루는 아코디언 연주자 John Serry Sr.에게 그의 1957년 작품인 American Rhapsody를 작곡하도록 영감을 주었습니다.[117] The Beach Boys의 리더인 Brian Wilson은 랩소디 인 블루가 그가 가장 좋아하는 곡 중 하나라고 여러 번 말했습니다. 그는 이 작품을 두 살 때 처음 들었고, 자신이 이 작품을 좋아했다고 회상했습니다.[118] 전기 작가 피터 에임스 칼린에 따르면, 이 랩소디는 윌슨의 스마일 앨범에 영향을 미쳤다고 합니다.[118] 랩소디 인 블루는 또한 시각장애인 서번트 영국 피아니스트 데릭 파라비치니와 작곡가 매튜 킹 사이에 2011년 런던 사우스 뱅크 센터에서 초연된 블루라는 새로운 협주곡에 대한 공동 작업에 영감을 주었습니다.[119]

기타용도

1984년 로스앤젤레스 하계 올림픽 개막식에서 84명의 피아니스트가 랩소디 인 블루를 앙상블 공연으로 동시에 연주했습니다.[62][120] 피아니스트 허비 행콕과 랭 랭은 2008년 2월 10일 제50회 그래미 어워드에서 랩소디 인 블루를 공연했습니다.[121] 1980년부터 유나이티드 항공은 광고, 비행 전 안전 비디오, 시카고 오헤어 국제공항의 터미널 1 지하 통로에서 이 작품을 사용했습니다.[122][123] 랩소디 인 블루는 벤 폴드 파이브의 "Philosophy"[124]와 한국 걸그룹 레드 벨벳의 "Birthday"에서 샘플링되었습니다.[125]

보존상태

2013년 9월 22일, 거슈윈 사유지는 결국 전체 오케스트라 악보의 음악학적 비평판이 발매될 것이라고 발표했습니다. Gershwin 가족은 의회 도서관과 미시간 대학과 함께 이 점수들을 대중들이 이용할 수 있도록 노력하고 있습니다.[126][127] Gershwin 프로젝트 전체를 완성하는 데 40년이 걸릴 수도 있지만, Rhapsody in Blue 에디션은 초기 분량이 될 것입니다.[128][129]

랩소디 인 블루는 2020년 1월 1일 공개 도메인에 진입했지만, 개별 녹음은 저작권에 따라 유지될 수 있습니다.[130][131]

참고문헌

메모들

  1. ^ 폴 화이트맨은 콘서트를 홍보하기 위해 무료 티켓을 나눠주었고 돈을 잃었습니다.[41] 그는 11,000달러를 지출했고 콘서트는 4,000달러를 순증했습니다.[41]
  2. ^ 생략은 리허설 마크 14부터 rh. 18의 다섯 번째 마디 중간까지, rh. 22 이전의 두 마디부터 rh. 24의 네 번째 마디까지, rh. 38의 처음 네 마디까지입니다.
  3. ^ 빅터 55225는 1924년 6월 10일 오리지널 클라리넷 연주자 로스 고먼이 오프닝 글리산도를 연주하는 어쿠스틱 녹음입니다.[69]
  4. ^ 빅터 35822는 1927년 4월 21일 나다니엘 실크렛이 오케스트라를 지휘하고 나중에 RCA 빅터에 더빙된 전기 녹음입니다. 33+1 ⁄ 3rpm.
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인용작

인쇄 소스

온라인 소스

외부 링크

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