아놀드 쇤베르크

Arnold Schoenberg
쇤베르크는 여기로 방향을 바꿉니다.성을 가진 다른 사람은 Schoenberg(성)을 참조하십시오.
1948년 로스앤젤레스의 쇤베르크

아르놀트 쇤베르크(Arnold Schoenberg, 1874년 9월 13일 ~ 1951년 7월 13일)는 오스트리아계 미국인 작곡가, 음악 이론가, 교사, 작가, 화가입니다.그는 20세기의 가장 영향력 있는 작곡가 중 한 명으로 널리 여겨지고 있습니다.그는 독일의 시와 예술에서 표현주의 운동에 참여했고, 제2차 비엔나 학파의 지도자였습니다.유대인 작곡가로서, 쇤베르크는 그의 작품들을 타락한 음악으로 규정하고 [1][2]출판되는 것을 금지했던 나치당의 표적이 되었습니다.그는 1933년에 미국으로 이민을 갔고, 1941년에 미국 시민이 되었습니다.

쇤베르크의 접근법은, 조화와 발전의 측면에서, 20세기 음악적 사고의 많은 부분을 형성해왔습니다.적어도 3대 이상의 많은 작곡가들은 그의 생각을 의식적으로 확장시켰지만, 다른 작곡가들은 그것에 대해 열정적으로 반응했습니다.

쇤베르크는 브람스와 바그너의 전통적으로 반대되는 독일 낭만주의 양식을 동시에 확장시킨 것으로 그의 경력 초기에 알려져 있었습니다.나중에, 그의 이름은 20세기 고전 음악의 가장 논쟁적인 특징이 될 무조성의 혁신을 의인화하게 될 것입니다 (비록 쇤베르크 자신이 그 용어를 싫어했지만).1920년대에 쇤베르크는 12음 기법을 발전시켰는데, 이것은 반음계의 모든 12음계의 순서를 조작하는 영향력 있는 구성 방법입니다.그는 또한 디벨로핑 변주라는 용어를 만들었고, 중앙 집중적인 멜로디 아이디어의 우세에 의존하지 않고 모티프를 발전시키는 방법들을 수용한 최초의 현대 작곡가였습니다.

쇤베르크는 또한 영향력 있는 작곡 교사였는데, 그의 학생들은 알반 베르그, 안톤 베베른, 한스 아이슬러, 에곤 웰즈, 니코스 스칼코타스 그리고 후에 존 케이지, 루 해리슨, 얼 킴, 로버트 게르하르트, 레온 키르치너, 디카 뉴린, 오스카 레반트 그리고 다른 유명한 음악가들을 포함했습니다.작곡 방법의 형식화와 청중들이 분석적으로 생각하도록 공개적으로 초대하는 그의 습관을 포함한 쇤베르크의 많은 실천들은 20세기 내내 아방가르드 음악 사상에 울려 퍼집니다.음악 역사와 미학에 대한 그의 종종 논쟁적인 관점은 피아니스트 아르투르 슈나벨, 루돌프 서킨, 에두아르트 슈테어만, 그리고 글렌 굴드를 포함하여, 테오도르 W. 아도르노, 찰스 로젠, 그리고 칼 달하우스를 포함하여, 많은 20세기의 중요한 음악학자들과 비평가들에게 중대했습니다.

쇤베르크의 기록 유산은 빈의 아놀드 쇤베르크 센터에 소장되어 있습니다.

전기

젊은 시절

1903년 파이어바흐의 아놀드 쇤베르크

아르놀트 쇤베르크는 빈의 레오폴드슈타트 지역(이전에는 유대인 거주지)에 있는 오베레 도나우스트라제 5번지의 하층민 유대인 가정에서 태어났습니다.헝가리 [a]세체니 출신인 그의 아버지 사무엘은 나중에 포즈니(Pozsony, 당시 헝가리 왕국의 일부였던 프레스부르크, 현재 슬로바키아 브라티슬라바)로 이주했고 비엔나로 이주했고 신발 가게 주인이었고, 프라하 출신인 그의 어머니 폴린 쇤베르크(Pauline Schoenberg, 성씨 나초드)는 피아노 [3]선생님이었습니다.아놀드는 대부분 독학을 했습니다.그는 그의 첫 번째 [4]처남이 될 작곡가 알렉산더 젬린스키와 대위법 수업만 받았습니다.

20대에, 쇤베르크는 현악 6중주 베르클래르테 나흐트 ("변신된 밤")와 같은 자신의 작품을 작곡하는 동안 오페레타를 협연하여 생계를 꾸렸습니다.그는 나중에 이것을 관현악 버전으로 만들었는데, 이것은 그의 가장 인기있는 작품들 중 하나가 되었습니다.Richard Strauss와 Gustav Mahler 둘 다 작곡가로서 Schoenberg의 중요성을 인식했습니다; Strauss는 그가 Schoenberg의 Gurre-Lyder를 만났을 때, 그리고 Schoenberg의 초기 작품들 중 몇 개를 들은 후 말러를 만났습니다.

스트라우스는 1909년 이후 자신의 작품에서 더 보수적인 관용구로 돌아섰고, 그 시점에서 쇤베르크를 해임했습니다.말러는 쇤베르크의 스타일이 말러가 더 이상 이해할 수 없는 지경에 이르렀음에도 그를 프로테제로 채택하고 그를 계속 지원했습니다.말러는 자신이 [5]죽은 후 누가 자신을 돌볼 것인지 걱정했습니다.처음에 말러의 음악을 경멸하고 조롱했던 쇤베르크는 천재적인 작품으로 여겼던 말러 교향곡 제3번의 '천둥'에 의해 전환되었습니다.그 후 그는 "말러를 [6][7]성인으로 묘사했다".

1898년 쇤베르크는 루터교에서 기독교로 개종했습니다.맥도날드(2008, 93)에 따르면, 이것은 부분적으로는 서유럽 문화 전통에 대한 그의 애착을 강화하기 위한 것이었고, 부분적으로는 "반유대주의가 부활하는 시기"에 자기 방어의 수단으로서였습니다.1933년 오랜 명상 끝에 그는 유대교로 돌아왔는데, 그는 "그의 인종적, 종교적 유산은 피할 수 없는 것"이라는 것을 깨달았고, 나치즘에 반대하는 입장을 분명히 취했기 때문입니다.그는 [8]말년에 유대인 종교의 일원임을 자인할 것입니다.

1901년-1901년:무성성

쇤베르크 가족, 1907년 Richard Gerstl의 그림

1901년 10월, 쇤베르크는 지휘자이자 작곡가인 Alexander von Zemlinsky의 여동생인 Mathilde Zemlinsky와 결혼했습니다. 그는 1894년부터 쇤베르크와 함께 공부해왔습니다.쇤베르크와 마틸드에게는 게르트루드(1902–1947)와 게오르그(1906–1974)라는 두 자녀가 있었습니다.게르트루드는 1921년 [9]쇤베르크의 제자 펠릭스 그리즐과 결혼했습니다.

1908년 여름, 쇤베르크의 아내 마틸드는 오스트리아의 젊은 화가 리하르트 게르스틀(Richard Gerstl)을 위해 몇 달 동안 그를 떠났습니다.이 시기는 쇤베르크의 작품에 뚜렷한 변화를 가져왔습니다.그가 "당신은 은빛 버드나무에 기대어"를 작곡한 것은 아내가 없을 때였습니다.독일 신비주의 시인 스테판 게르텐(Stefan George)의 동명의 모음집을 바탕으로 한 Das Buch der Hängenden Gärten, Op. 15에 수록된 13번째 곡.이것은 [10]키에 대한 언급이 전혀 없는 첫 번째 작곡이었습니다.

또한 올해, 쇤베르크는 그의 가장 혁명적인 작곡 중의 하나인 현악 사중주 2번을 완성했습니다.처음 두 동작은 색은 유채색이지만 전통적인 키 시그니처를 사용합니다.마지막 두 악장은 조지의 시를 다시 사용하여, 이전의 현악 사중주 연습을 깨고, 전통적인 성조와의 연결을 대담하게 약화시키는 소프라노 성악을 통합합니다.두 동작 모두 강음 코드로 끝나며, 작품은 완전히 음조가 아닌 것은 아닙니다.

1910년 여름 동안, 쇤베르크는 가장 영향력 있는 음악 이론 책들 중 하나로 남아있는 그의 하모니엘레르 (Harmonylehere, Schoenberg 1922)를 썼습니다.1911년경부터, 쇤베르크는 렌 슈나이더-카이너, 프란츠 베르펠, 헤르츠 발덴, 그리고 엘스 라스커-슐러를 포함한 예술가와 지식인 집단에 속했습니다.

1910년 그는 독일에서 일하던 영국 음악 저널리스트 에드워드 클라크를 만났습니다.클라크는 그의 유일한 영어 학생이 되었고, 나중에 BBC의 제작자로서 그는 쇤베르크의 많은 작품들과 쇤베르크 자신을 영국에 소개하는 일을 맡았습니다.

이 무조 또는 팬톤 시대의 그의 가장 중요한 작품 중 하나는 벨기에-프랑스 시인 알베르 지로의 시를 독일어로 번역한 표현주의 노래의 소설적 순환인 1912년의 피에로 루네어 Op. 21입니다.이 작품은 Sprechstimme, 즉 멜로드라마적으로 말하는 암송 기법을 사용하여 여성 보컬리스트와 다섯 명의 음악가로 구성된 작은 앙상블을 짝짓습니다.현재 흔히 피에로 앙상블이라고 불리는 이 앙상블은 플루트 (피콜로에서 더블링), 클라리넷 (베이스 클라리넷에서 더블링), 바이올린 (비올라에서 더블링), 비올론첼로, 스피커, 피아노로 구성되어 있습니다.

1907년부터 비엔나 음악원의 이사였던 빌헬름 밥은 로버트 푹스와 헤르만 그레데너에 의해 자신에게 의인화된 낡은 환경으로부터의 탈피를 원했습니다.많은 후보자들을 고려했던 그는 1912년에 쇤베르크와 프란츠 슈레커에게 교수직을 제안했습니다.그 당시 쇤베르크는 베를린에 살았습니다.그는 1년 전에 개인 이론 강좌를 가르쳤기 때문에 비엔나 음악원과 완전히 단절된 것은 아닙니다.그는 진지하게 그 제안을 고려했지만 거절했습니다.이후 알반 베르크에게 편지를 쓰면서, 그는 자신의 결정의 주된 이유로 "빈에 대한 혐오"를 꼽았고, 재정적으로 잘못된 것일지도 모른다고 생각했지만, 그것을 만족스럽게 생각했습니다.몇 달 후에 그는 슈렉커에게 편지를 써서 그가 [11]교사직을 수락하는 것이 나쁜 생각이었을지도 모른다고 했습니다.

제1차 세계 대전

아놀드 쇤베르크 작, 에곤 실레, 1917

제1차 세계대전은 그의 발전에 위기를 가져왔습니다.42세의 나이에 군대에 있을 때 군복무는 그의 삶을 방해했습니다.그는 중단되거나 일정 기간 이상 일을 할 수 없었고, 그 결과 그는 많은 미완성 작품들과 발전되지 않은 "시작"들을 남겼습니다.한 번은 상급 장교가 자신이 이 악명 높은 쇤베르크인지를 물어보기도 했습니다. 쇤베르크는 이렇게 대답했습니다. "보고해 주십시오.아무도 되고 싶어하지 않았고, 누군가가 되어야 했기 때문에,[12] 저는 그것을 저로 내버려 두었습니다."노먼에 따르면, 이것은 쇤베르크가 "부조화의 [13]발현자"로서 명백하게 "운명"을 언급한 것이라고 합니다.

알렉스 로스가 "전쟁 정신병 행위"라고 부르는 것에서, 쇤베르크는 독일의 프랑스 공격과 퇴폐적 부르주아 예술적 가치에 대한 공격을 비교했습니다.1914년 8월, 비제, 스트라빈스키, 라벨의 음악을 비난하면서 "이제 심판이 나옵니다!이제 우리는 이 평범한 괴짜들을 노예로 던져 독일 정신을 숭배하고 독일 [14]신을 숭배하도록 가르칠 것입니다."

동시대 작곡가들과 대중들 사이의 악화된 관계는 그가 1918년 비엔나에서 사설 음악 공연 협회 (독일어로 Verein für musikalische Prrivateaufführungen)를 설립하도록 이끌었습니다.그는 현대 음악 작곡이 신중하게 준비되고 리허설 될 수 있는 장을 제공하고 패션과 상업의 압력으로부터 보호되는 조건하에서 적절하게 공연될 수 있는 장을 제공하려고 했습니다.창립 이래 1921년까지 경제적인 이유로 끝났을 때 협회는 353개의 공연을 급여를 받는 회원들에게 선보였고, 때로는 한 주에 한 번씩의 공연을 하기도 했습니다.첫 1년 반 동안, 쇤베르크는 자신의 어떤 작품도 [15]공연하지 못하게 했습니다.대신, 그 협회의 콘서트에서 청중들은 스크리아빈, 드뷔시, 말러, 웨번, 버그, 레거, 그리고 20세기 초 [16]음악계의 다른 주요 인사들의 어려운 현대 작곡을 들었습니다.

12음법의 개발

아놀드 쇤베르크, 1927, 맨 레이 지음

나중에, 쇤베르크는 1947년 르네 라이보위츠와 험프리 설에 의해 프랑스어와 영어로 직렬이라는 대체 이름을 부여받은 도데카포닉 작곡법의 가장 영향력 있는 버전을 개발할 예정이었습니다.이 기술은 소위 제2의 비엔나 학파를 구성했던 그의 많은 학생들에 의해 채택되었습니다.그들 중에는 안톤 베베른, 알반 베르크, 한스 아이슬러가 포함되어 있는데, 이들은 모두 쇤베르크의 영향을 많이 받았습니다.그는 그의 유명한 하모니에르(Harmonylehere)부터 음악가와 발전하는 작곡가들에 의해 여전히 인쇄되고 사용되는 음악 [17]작곡의 기초에 이르는 많은 책들을 출판했습니다.

쇤베르크는 그의 발전을 자연스러운 발전으로 보았고, 그가 연재주의로 모험을 할 때 그의 초기 작품들을 평가절하하지 않았습니다.1923년 그는 스위스의 자선가 베르너 라인하트에게 다음과 같은 편지를 썼습니다.

현재로서는 사람들이 나의 오래된 작품을 이해하는 것이 더 중요합니다.그들은 제 후기 작품의 타고난 선구자들이며, 이를 이해하고 이해하는 사람만이 최신 유행의 최저점을 뛰어넘는 후기 작품에 대한 이해를 얻을 수 있을 것입니다.저는 뮤지컬 보기맨이 되는 것이 제대로 이해된 오래된 [18][19]전통의 자연스러운 연속자가 되는 것보다 더 중요하지 않습니다!

그의 첫 번째 부인은 1923년 10월에 세상을 떠났고, 다음 해 8월에 쇤베르크는 그의 제자인 바이올리니스트 [9][20]루돌프 콜리시의 여동생인 거트루드 콜리시 (1898–1967)와 결혼했습니다.그들에게는 세 명의 자녀가 있었습니다.노리아 도로테아(1932년생), 로널드 루돌프(1937년생), 로렌스 아담(1941년생).Gertrude Kolisch Schoenberg는 Max Blonda라는 가명으로 Schoenberg의 단막 오페라 Vonheute a morgen의 대본을 썼습니다.그녀의 요청으로 쇤베르크의 (궁극적으로 완성되지 않은) 작품인 다이 야콥슬라이터는 쇤베르크의 제자 윈프리드 질리그의 공연을 위해 준비되었습니다.1951년 남편이 사망한 후 그녀는 그의 [21]작품을 출판하는 데 전념하는 벨몬트 뮤직 출판사를 설립했습니다.아놀드는 모음집의 "Gertrud Schoenberg"에서 "Gertrud Schoenberg"에서 "G"와 "E♭"(독일어: Es, 즉, "S") 음을 7절, Op. 29(1984)에 사용했습니다.(음악 암호문 참조).

1924년에 베를린의 프로이센 예술 아카데미에서 작곡 석사 수업의 책임자로 일했던 작곡가 Ferruccio Busoni가 사망한 후, 쇤베르크는 다음 해에 이 자리에 임명되었지만, 건강 문제 때문에 1926년까지 그의 자리를 맡을 수 없었습니다.이 시기 동안 그의 주목할 만한 학생들 중에는 작곡가 로버트 게르하르트, 니코스 스칼코타스, 그리고 요제프 루퍼가 있었습니다.

그의 12음조 작품들과 함께, 1930년은 남성 합창을 위한 6곡 Op. 35번 중 4번과 6번과 함께, [23]쇤베르크의 음조로의 복귀를 기념합니다.

제3제국과 미국으로 이동

쇤베르크는 1933년 나치 정권인 마흐터그레이펑이 집권할 때까지 그의 직책을 계속했습니다.프랑스에서 휴가를 보내는 동안, 그는 독일로 돌아가는 것이 위험할 것이라는 경고를 받았습니다.쇤베르크는 공식적으로 파리 회당에서 [24]유대인 종교의 회원 자격을 되찾았고, 그의 가족과 함께 미국으로 [25]여행을 갔습니다.이것은 그의 영국 이주 시도가 [citation needed]수포로 돌아간 후에 일어났습니다.

미국에서 그의 첫 번째 교수직은 말킨 음악원(보스턴 대학)이었습니다.그는 로스엔젤레스로 이주하여 서던 캘리포니아 대학교와 캘리포니아 대학교 로스엔젤레스에서 가르쳤으며, 둘 다 나중에 각자의 캠퍼스에 있는 음악 건물의 이름을 쇤베르크 [26][27]홀로 지었습니다.그는 1935년 로스엔젤레스 필하모닉 [citation needed]오케스트라의 음악감독이자 지휘자인 오토 클렘페러의 추천으로 UCLA의 초빙교수로 임명되었습니다. 다음 해에는 5,100달러의 연봉으로 교수로 승진했습니다. 이것은 1936년 5월이나 1937년에 브렌의 노스 로킹엄 116번지에 있는 스페인 리바이벌 하우스를 구입할 수 있게 해주었습니다.UCLA 캠퍼스 근처에 있는 투오드 파크에서 18,000달러를 받고 있습니다.이 주소는 셜리 템플의 집 바로 건너편에 있었고, 그는 그곳에서 동료 작곡가이자 테니스 파트너인 조지 거슈윈과 친구가 되었습니다.쇤베르크 부부는 가정의 도움을 받을 수 있었고 훌륭한 커피와 비엔나 페이스트리로 알려진 일요일 오후 모임을 열기 시작했습니다.단골 손님으로는 오토 클렘페러(1936년 4월부터 쇤베르크와 함께 작곡을 개인적으로 공부한), 에드가르트 바레스, 요제프 아크롱, 루이 그뤼엔베르크, 에른스트 토흐, 그리고 때때로 하르포 마르크스와 피터 [28][29][30][31][32][33]로레와 같은 유명한 배우들이 있었습니다.작곡가 레너드 로젠먼과 조지 트렘블레이, 할리우드 오케스트라 에드워드 B. 파월은 이 시기에 [citation needed]쇤베르크와 함께 공부했습니다.

1933년 [34]10월 31일 미국으로 건너간 후, 작곡가는 쇤베르크가 아닌 그의 성 쇤베르크의 대체 철자법을 사용했는데, 이는 그가 "미국 [35]관행에 대한 존경"이라고 부르는 것이었지만, 한 작가에 따르면 1년 [36]전에 처음으로 변경했다고 합니다.

그는 여생을 그곳에서 살았지만, 처음에는 정착하지 못했습니다.1934년경, 그는 시드니의 뉴사우스웨일스 주립 음악원에 조화와 이론의 교사직에 지원했습니다.에드가 베인턴 국장은 그가 유대인이고 "모더니즘 사상과 위험한 성향"을 가지고 있다는 이유로 그를 거부했습니다.쇤베르크는 한 때 뉴질랜드로의 이민에 대한 생각을 탐구하기도 했습니다.그의 비서이자 제자(그리고 쇤베르크의 장모 헨리에테 콜리시의 조카)는 빈 태생이지만 1935년부터 1947년까지 뉴질랜드에 살았던 리처드 호프만이었고, 쇤베르크는 어린 시절부터 섬, 특히 뉴질랜드에서 [37]발행된 우표의 아름다움 때문에 매료되었습니다.

바르샤바 게토 봉기.1947년 쇤베르크는 이 사건을 기념하기 위해 "바르샤바에서 온 생존자"를 썼습니다.

이 마지막 시기 동안, 그는 어려운 바이올린 협주곡, Op. 36 (1934/36), 콜 니드레, Op. 39, 합창과 오케스트라를 위한, Napoleon Buonaparte에게 보내는 송가, Op. 41 (1942), 잊혀지지 않는 피아노 협주곡, Op. 42 (1942), 그리고 홀로코스트의 희생자들에 대한 그의 기념비, 바르샤바에서 온 생존자, Op.를 포함하여, 몇몇 주목할 만한 작품들을 작곡했습니다.46 (1947).그는 오페라 모세와 아론 (1932/33)을 완성하지 못했는데, 그것은 십진법 작곡을 사용하여 완전히 쓰여진 그 장르의 첫 작품들 중 하나였습니다.12음조 음악과 함께, 쇤베르크는 또한 G장조 현악 모음곡 (1918), E♭단조 실내악 2번, Op. 38 (1906년 작곡, 1939년 완성), D단조 레치타티보에 대한 변주곡, Op. 40 (1918)과 같은 그의 마지막 시기의 작품들로 음조로 돌아갔습니다.이 기간 동안 그의 주목할 만한 학생들은 존 케이지와 루 해리슨을 포함했습니다.

1941년, 그는 미국 [38]시민이 되었습니다.이곳에서 그는 웨스트 여름 [39]음악원의 음악 아카데미에 거주하는 첫 번째 작곡가였습니다.

미신과 죽음

빈 젠트랄프리드호프에 있는 쇤베르크의 무덤

쇤베르크의 미신적인 본성이 그의 죽음을 촉발시켰는지도 모릅니다.그 작곡가는 위험 공포증을 가지고 있었고, 친구 카티아 만에 따르면, [40]그는 13의 배수였던 1년 동안 죽을 것을 두려워했습니다.이것은 아마도 1908년 Das Buch der Hängenden Gärten Op.[10] 15의 노래 사이클의 13번째 곡의 작곡으로 시작되었을 것입니다.그는 1939년 자신의 65번째 생일을 너무 두려워해서 한 친구가 작곡가이자 점성가인 데인 루디아르에게 쇤베르크의 별자리를 준비해달라고 부탁했습니다.루디야르는 이것을 하고 쇤베르크에게 그 해는 위험하지만 치명적인 것은 아니라고 말했습니다.

그러나 1950년, 그의 76번째 생일에, 한 점성가는 쇤베르크에게 그 해가 7 + 6 = 13과 같은 중대한 해라고 경고하는 쪽지를 썼습니다.이것은 작곡가를 놀라게 하고 우울하게 했는데, 그 당시까지 그는 단지 13의 배수를 경계했을 뿐이고 그의 나이대의 숫자를 더하는 것을 전혀 고려하지 않았기 때문입니다.그는 1951년 7월 13일 금요일 자정 직전에 사망했습니다.쇤베르크는 하루종일 침대에 누워 있었고, 아프고, 불안하고, 우울했습니다.그의 아내 거트루드는 다음날 처제 오틸리에게 보낸 전보에서 아놀드가 [42]자정 15분 전인 오후 11시 45분에 사망했다고 보고했습니다.1951년 8월 4일자 오틸리에게 보낸 편지에서 거트루드는 "12시 15분경에 저는 시계를 보고 혼잣말을 했습니다: 또 다른 15분 후에 최악의 상황이 끝났습니다.그때 의사가 전화를 했습니다.아놀드의 목이 두 번 덜컹거렸고, 그의 심장은 강력한 박동을 주었고,[43] 그것이 끝이었습니다."

쇤베르크의 유해는 이후 1974년 [44]6월 6일 빈의 젠트랄프리드호프에 안장되었습니다.

음악

참고 항목:아놀드 쇤베르크의 작품 목록
제2현악4중주, 제4악장
2007년 소프라노 로나 이스라엘-콜라트와 함께 카멜 콰르텟 연주
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쇤베르크의 "관현악을 위한 변주곡, Op. 31"에서, 음행 형태 P1의 후반부는 I10의 전반부와 다른 순서로 같은 음을 가지고 있습니다: "따라서 음이 두 [45]배가 되지 않고 P1과 I10을 동시에 그리고 평행 운동으로 사용하는 것이 가능합니다."
주요 형태인 P1과 I6 사이의 육각 합주성을 특징으로 하는 Schoenberg의 Piano Piece, Op. 33a 음행에는 P1과 I6 사이의 관계인 3개의 완벽한 5분의 1이 포함되어 있으며 "5분의 1의 누적"과 "일반적으로 더 복잡한 동시성"[46] 사이의 대조의 원천이 있습니다.예를 들어, 그룹 A는 B♭-F-C-B♮로 구성된 반면, "더 혼합된" 그룹 B는 A-F♯-C♯-D♯로 구성됩니다.

현대 미술 음악 레퍼토리에서 쇤베르크의 중요한 작곡은 50년 이상의 기간에 걸쳐 연장됩니다.전통적으로 그들은 세 시기로 나뉘지만, 이 시기들 각각의 음악이 상당히 다양하기 때문에 이 구분은 거의 틀림없이 자의적입니다.그의 12음기가 "양식적으로 통일된 작품들을 나타낸다"는 생각은 단순히 음악적 [47]증거에 의해 지지되지 않으며, 중요한 음악적 특징들, 특히 동기적 발전과 관련된 특징들은 이러한 경계들을 완전히 초월합니다.

이 시기의 첫 번째 시기인 1894-1907은 시와 예술의 "표현주의" 운동뿐만 아니라 19세기 후반의 높은 낭만주의 작곡가들의 유산에서 확인됩니다.두 번째인 1908-1922년은 핵심 중심을 포기하는 것으로 대표되는데, 이는 종종 쇤베르크가 "자유 무조성"으로 묘사하지는 않습니다.세 번째는 1923년부터 쇤베르크의 도데카포닉, 즉 "12음조" 작곡법의 발명으로 시작됩니다.쇤베르크의 가장 유명한 학생들인 한스 아이슬러, 알반 베르크, 그리고 안톤 베베른은 비록 상당한 실험과 다양한 접근법이 없었지만, 이러한 각각의 지적이고 미적인 변화를 통해 쇤베르크를 충실히 따라갔습니다.

1교시 후기 낭만주의

세기의 전환기 즈음에 쓰여진 노래들과 현악 사중주들로 시작하여, 작곡가로서의 쇤베르크의 관심은 그의 동료들 사이에서 독특하게 자리를 잡았는데, 그의 작품들은 대부분의 동시대 청취자들에게 극과 극으로 여겨졌던 브람스와 바그너 둘 다의 특징들을 나타냈다는 점에서,독일 음악의 유산에서 상호 배타적인 방향을 나타내는 것.예를 들어, 쇤베르크의 6곡 Op. 3 (1899–1903)은 브람스와 말러의 전형적인 음조 체계의 보수적인 명료함을 보여주며, 균형 잡힌 악구와 주요 관계의 흐트러짐 없는 위계에 대한 관심을 반영합니다.하지만, 이 노래들은 또한 특이하게 대담한 부수적인 색각을 탐구하고 동기적 정체성에 대한 바그너적인 "대표적인" 접근을 열망하는 것으로 보입니다.

이러한 접근법의 종합은 그의 Verklärte Nacht, Op. 4 (1899)에서 정점에 도달하는데, 이는 각각의 주제가 마지막 주제를 능가하고 종속시키는 독특한 "라이트모티프"와 같은 몇 가지 주제를 개발하는 현악 6종을 위한 프로그래밍 작업입니다.작품 전체에 걸쳐 지속되는 유일한 동기적 요소는 브람스의 음악에서 주로 확인되는 기술로, 쇤베르크가 "발전하는 변화"라고 불렀던 것들입니다.작품에서 쇤베르크의 절차는 두 가지 방식으로 동시에 구성되어 있는데, 즉 동기적 아이디어에 대한 바그너적인 서술과 동기적 발전과 음색적 응집력에 대한 브람스적 접근을 동시에 제시하는 것입니다.

두번째 기간:자유무성

1908년 이후의 쇤베르크의 음악은 전통적인 건반이나 음정이 없는 다양한 방식으로 실험을 했습니다.그의 첫 번째 명백한 무조곡은 소프라노와 함께한 두 번째 현악 4중주 Op. 10이었습니다.이 작품의 마지막 악장에는 핵심적인 특징이 없는데, 이는 쇤베르크가 규조적 조화와 공식적으로 이혼했음을 나타냅니다.그 시대의 다른 중요한 작품들은 그의 노래 주기 Das Buch der Hängenden Gärten, Op. 15 (1908–1909), 그의 다섯 개의 관현악 작품, Op. 16 (1909), 영향력 있는 Pierrot Lunaire, Op. 21 (1912), 그리고 그의 극적인 Erwartung, Op. 17 (1909)을 포함합니다.

그러나 음색 중심이 결여된 음악적 구성, 즉 전통적인 불협화음-부조화 관계의 시급성은 전음과 사중음의 조화의 음색적 발전과 역동적이고 특이한 앙상블 관계의 시작으로 거슬러 올라갈 수 있는 그의 챔버 심포니 1번 Op. 9 (1906)까지 거슬러 올라갈 수 있습니다.극적인 중단과 예측할 수 없는 악기의 충성심을 수반합니다; 이러한 특징들 중 많은 것들은 다음 세기의 음색 중심 실내악 미학을 대표할 것입니다.

세 번째 기간:12음과 성조 작품

1920년대 초, 그는 그의 음악적 질감을 더 단순하고 명료하게 만드는 질서 수단을 진화시키는 데 힘썼습니다.이것은 옥타브의 열두 음조를 동등한 것으로 간주하고, 고전적 화성에서 그것이 차지하는 강조점을 하나도 부여하지 않는 "열두 음조로 작곡하는 방법"[48]이라는 결과를 낳았습니다.그는 그것을 알베르트 아인슈타인이 물리학에서 발견한 음악과 동등한 것으로 여겼습니다.쇤베르크는 친구 요제프 루퍼와 산책을 하던 중 "나는 앞으로 100년 [49]동안 독일 음악의 우월성을 보장할 발견을 했다"고 말할 때 특징적으로 그것을 발표했습니다.이 시기에는 오케스트라를 위한 변주곡 Op. 31 (1928); Begleitungsmusik zuiner Lichtsphielscene, Op. 34 (1930); Piano Piecees, Op. 33a & b (1931), 그리고 Piano Concerto, Op. 42 (1942)가 포함되었습니다.엄격함에 대한 그의 명성과는 달리, 쇤베르크의 그 기술의 사용은 각각의 개별 구성의 요구에 따라 매우 다양했습니다.그러므로 그의 미완성 오페라 모세와 아론의 구조는 그의 바이올린과 피아노를 위한 환상곡 작품 47(1949)과 다릅니다.

쇤베르크의 성숙한 십이음 연습의 10가지 특징은 특징적이고, 상호의존적이며, 상호작용적입니다.[50]

  1. 육각주 반전의 조합성
  2. 집계
  3. 선형집합제시
  4. 파티셔닝
  5. 동형 분할
  6. 불변량
  7. 육각수위
  8. 조화, "참조 집합의 속성과 일치 및 파생"
  9. 미터는 "피칭 관계적 특성"을 통해 설정됩니다.
  10. 다차원 집합 프리젠테이션

리셉션 및 유산

1905년 6월경 리처드 게르스틀이 그린 아놀드 쇤베르크의 초상화

첫 작품

초기의 어려움들 후에, 쇤베르크는 1907년 베를린 공연에서 톤 시 Pelleas and Melisande와 같은 작품들로 대중의 수용을 얻기 시작했습니다.1913년 구레-리더의 비엔나 초연에서 그는 25분 동안 박수를 받았고 쇤베르크가 월계관을 받으면서 [51][52]절정에 이르렀습니다.

그럼에도 불구하고, 그의 많은 작품들은 좋은 평가를 받지 못했습니다.그의 실내악 교향곡 제1번은 1907년에 주목할 만하게 초연되었습니다.그러나 1913년 3월 31일 스칸달콘체르트(Berg, Webern, Zemlinsky의 작품도 포함)에서 다시 연주되었을 때, "격한 박수 소리 사이에서 문 열쇠의 날카로운 소리를 들을 수 있었고, 두 번째 갤러리에서는 그날 저녁의 첫 번째 싸움이 시작되었습니다." 콘서트 후반부에, Berg의 Altenberg Lieder 공연 동안,쇤베르크가 경찰에 의해 어떤 말썽꾸러기들의 [53]제거를 위협하기 위해 공연을 중단시킨 후 싸움이 발생했습니다.

십이음기

에단 하이모(Ethan Haimo)에 따르면, 쇤베르크의 12음 작품에 대한 이해는 부분적으로 그의 새로운 체계의 "진정한 혁명적인 성격", 일부 초기 작가들에 의해 "쇤베르크 음악의 가장 중요한 특징들과 거의 관련이 없는" 체계의 "규칙들"과 "예외들"에 대해 전파된 잘못된 정보, 때문에 달성하기 어려웠다고 합니다.작곡가의 비밀과 1970년대 후반까지 그의 스케치와 원고의 광범위한 입수 불가능성그는 생전에 "뒤늦게나마 [54]충격적인 비난과 학대를 받았다"고 말했습니다.

1913년 4월 6일 디 자이트에서 캐리커처한 바첸콘체르트

쇤베르크는 Drei Satiren Op. 28의 [55]세 번째 텍스트로 사용했던 시 "Der neue Klassizismus" (그가 신고전주의를 경멸하고, 비스듬히 스트라빈스키를 "Der kleine Modernsky"라고 언급한)에서 이고르 스트라빈스키의 새로운 신고전주의 경향을 비판했습니다.

쇤베르크가 12음으로 작곡한 일련의 기법은 20세기 중후반 동안 미국과 유럽 음악가들 사이에서 가장 중심적이고 논쟁적인 이슈 중 하나가 되었습니다.1940년대를 시작으로 현재에 이르고 있는 피에르 불레즈, 칼하인츠 스톡하우젠, 루이지 노노, 밀턴 배빗과 같은 작곡가들은 점점 더 급진적인 방향으로 쇤베르크의 유산을 확장시켰습니다.미국의 주요 도시들(예: 로스앤젤레스, 뉴욕, 보스턴)은 뉴욕의 바빗과 프랑스계 미국인 지휘자이자 피아니스트인 자크 루이 모노와 같은 옹호자들과 함께 역사적으로 중요한 쇤베르크 음악 공연을 해왔습니다.쇤베르크의 학생들은 미국의 주요 대학에서 영향력 있는 교사였습니다.USC, UCLA, CalArts의 Leonard Stein, Oberlin의 Richard Hoffmann, Columbia의 Patricia Carpenter, 그리고 하버드의 Leon Kirchner와 Earl Kim.쇤베르크와 관련된 음악가들은 미국의 현대 음악 공연 연습에 지대한 영향을 끼쳤습니다(예: 뉴잉글랜드 음악원의 루이 크라스너, 유진 레너, 루돌프 콜리시; 줄리아드 학교의 에두아르트 슈퇴이어만과 펠릭스 갈리미르).유럽에서 한스 켈러, 루이지 로뇨니 [그것], 르네 라이보위츠의 작품은 쇤베르크의 음악적 유산을 독일과 오스트리아 밖으로 퍼뜨리는 데 상당한 영향을 미쳤습니다.그의 제자이자 후에 음악 교수가 된 조수 막스 도이치 또한 [56]지휘자였습니다.쇤베르크는 2013년 말 사후에 발표된 스위스 로망데 관현악단과 함께 3개의 "명작"을 녹음했습니다.이 녹음에는 각 [57]곡에 대한 Deutsch의 짧은 강의가 포함되어 있습니다.

비평

1920년대에 에른스트 크레네크는 이름이 알려지지 않은 현대 음악의 특정 상표(아마도 쇤베르크와 그의 제자들)를 "그의 스튜디오에 앉아 그가 노트를 적는 것에 따라 규칙을 발명하는 개인의 자화자찬"이라고 비판했습니다.쇤베르크는 이 말에 화를 내며 크레네크가 "[58]청취자로서 오직 창녀만을 바란다"고 대답했습니다.

앨런 숀(Allen Shawn)은 쇤베르크의 생활 환경을 고려할 때, 그의 작품은 보통 듣기보다는 방어적이며,[59] 그것을 둘러싼 이념을 떠나 그것을 경험하기는 어렵다고 지적했습니다.리처드 타러스킨은 쇤베르크가 "시적 오류"라고 부르는 것을 저질렀고, 예술 작품에서 가장 중요한 것은 그것의 제작, 제작자의 투입이며, 청자의 즐거움이 작곡가의 주요 목적이 [60]되어서는 안 된다는 확신을 주장했습니다.타루스킨은 또한 다른 예술가들에 대한 그의 영향력, 기술적 혁신의 과대평가, 그리고 구조와 공예의 문제에 대한 비판의 제한이라는 측면에서 작곡가로서의 쇤베르크의 가치를 측정하려는 생각들을 비판하면서 다른 접근법들을 통속적인 [61]것으로 비하합니다.

일반인과의 관계

1977년, 크리스토퍼 스몰은 "많은 음악 애호가들은 심지어 오늘날에도 쇤베르크의 [62]음악에 어려움을 느낀다"고 관찰했습니다.스몰은 작곡가가 죽은 지 반세기 만에 짧은 전기를 썼습니다.니컬러스 쿡에 의하면, 스몰 이후 약 20년 후에 글을 쓰면서, 쇤베르크는 이러한 이해력의 부족을 생각했습니다.

그들은 음악의 역사는 관객들이 항상 낯선 것에 저항한다는 것을 보여주었지만, 시간이 지나면서 그들은 그것에 익숙해지고 그것을 감상하는 것을 배웠다고 말했습니다...쇤베르크 자신은 그의 말대로 식료품점의 소년들이 그들의 라운드에서 연속적인 음악을 휘파람을 불 때를 고대했습니다.만약 쇤베르크가 정말로 그의 말을 믿었다면(그리고 이것에 대해 확실히 확신하기는 어렵습니다), 그것은 음악 역사상 가장 가슴 아픈 순간들 중 하나입니다.왜냐하면 연재주의는 인기를 얻지 못했기 때문입니다. 그와 그의 동시대 사람들이 기다리고 있던 친숙화 과정은 결코 [63]일어나지 않았습니다.

벤 얼(2003)은 쇤베르크가 전문가들로부터 존경을 받고 "수세대의 학생들"에게 학위 과정을 가르쳤음에도 불구하고 대중들에게 사랑받지 못하고 있음을 발견했습니다.40년 이상의 옹호와 "비전문가 청중들에게 이 어려운 레퍼토리에 대한 설명에 전념하는 책"의 제작에도 불구하고, 특히 "이런 종류의 음악을 대중화하려는 영국의 시도는 이제 안전하게 [64]실패했다고 말할 수 있습니다."라고 생각됩니다.

스티븐 월시는 쇤베르크의 거의 동시대적이고 비슷하게 선구적인 작곡가 드뷔시의 2018년 전기에서 "창의적인 예술가가 급진적이고 대중적이 되는 것"은 불가능하다는 생각을 문제 삼습니다.월시는 "쇤베르크는 [65]태어난 지 거의 1세기 반이 지나도록 음악이 레퍼토리에 들어가지 않은 현대 역사상 최초의 '위대한' 작곡가일 것입니다."라고 끝을 맺습니다.

토마스 만의 소설 닥터 파우스터스

Thomas Mann의 소설 Doctor Faustus (1947)의 주인공인 Adrian Leverkün은 Arnold Schoenberg의 혁신과 비슷한 12음 기법을 사용하는 작곡가입니다.쇤베르크는 이에 불만을 품고 소설이 [66]출간된 후 만과 편지를 주고받기 시작했습니다.

니체에 기반을 두고 있을지도 모르는 레버쿤은 악마에게 자신의 영혼을 팔아넘깁니다.작가 숀 오브라이언(Sean O'Brien)은 "히틀러의 그늘에서 쓰여진 독토르 파우스터스는 나치즘의 발흥을 관찰하지만, 정치사와의 관계는 [67]비스듬하다"고 말합니다.

성격과 음악외적인 관심사양

아놀드 쇤베르크, 자화상, 1910

쇤베르크는 상당한 능력을 가진 화가였는데, 그의 작품들은 프란츠 마르크와 바실리 칸딘스키의 [68]작품들과 함께 표현주의 그룹인 Der Blaue Reiter의 [69]동료들로서 충분히 전시할 수 있을 정도로 충분히 훌륭하다고 여겨졌습니다.1908년부터 1910년까지 "그는 약 65개의 [70]오일로 구성된 총 에워브의 3분의 2를 실행했습니다.

그는 호팔롱 캐시디 영화에 관심이 있었는데, 폴 불레와 데이비드 와그너(2002-v-vii)는 이 영화를 좌파 시나리오 작가들의 것으로 돌렸습니다. 이는 그가 군주주의자가 된 [71]"부르주아"라는 쇤베르크의 진술에 비추어 볼 때 다소 기묘한 주장입니다.

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참고 항목

참고문헌

메모들

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원천

추가열람

외부 링크

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