신고전주의

Neoclassicism
기타 용도는 신고전주의(동음이의)를 참조하십시오.
큐피드의 키스로 부활한 프시케; 안토니오 카노바; 1787; 대리석; 155cm×168cm; 루브르
조각 갤러리의 찰스 타운리; 요한 조파니; 1782; 캔버스의 기름; 높이: 127cm, 폭: 102cm; 타운리 홀 미술관과 박물관 (영국 번리)

신고전주의(Neo-Classicism)는 장식, 시각 예술, 문학, 연극, 음악, 건축 분야의 서양 문화 운동으로 고전 고대의 예술과 문화에서 영감을 얻었다.신고전주의는 폼페이와 헤르쿨라네움 재발견 당시 요한 요아힘 빙켈만의 저서에 힘입은 바가 크지만, 유럽 미술계 학생들이 그랜드투어를 마치고 이탈리아에서 그리스-로마 사상으로 귀국하면서 유럽 전역으로 확산됐다.ls.[1][2] 주요 신고전주의 운동은 18세기 계몽시대와 맞물려 19세기 초반까지 지속되어 낭만주의와 경쟁했다.건축양식은 19세기, 20세기, 21세기까지 계속되었다.

시각예술의 유럽 신고전주의는 1760년경 당시 지배적이었던 로코코 스타일에 반대하여 시작되었다.로코코 건축은 우아함, 장식, 비대칭을 강조하며, 신고전주의 건축은 로마와 고대 그리스 예술의 미덕으로 여겨졌던 단순함과 대칭의 원칙에 바탕을 두고 있으며, 16세기 르네상스 고전주의에서 보다 직접적으로 파생되었다.각각의 "네오" 고전주의는 이용할 수 있는 가능한 고전들 중에서 일부 모델을 선택하고 다른 모델들은 무시한다.1765년부터 1830년까지의 신고전주의 작가들과 이야기꾼들, 후원자들과 수집가들, 예술가들과 조각가들은 피디아스 세대의 아이디어에 경의를 표했지만, 그들이 실제로 수용한 조각 사례들은 헬레니즘 조각들의 로마 모조품일 가능성이 더 높았다.그들은 고대 그리스 예술과 고대 후기 작품들을 모두 무시했다.고대 팔미라의 '로코코' 예술은 우드의 '팔미라의 유적'에 새겨진 판화를 통해 발견으로 다가왔다.심지어 그리스는 방문조차 거의 하지 않은 오스만 제국의 거친 뒷골목이었기 때문에, 그리스 건축에 대한 네오라기주의자들의 감상은 그림과 판화를 통해 중재되었고, 이것은 그리스 건축물을 미묘하게 매끄럽게 하고 규칙화 하고, "수정"하고, 항상 의식적으로 복원하는 것은 아니었다.

건축과 장식 예술에서 신고전주의의 두 번째 단계인 엠파이어 양식은 나폴레옹 시대에 파리에 문화의 중심이 있었다.특히 건축에서뿐만 아니라 다른 분야에서도, 신고전주의는 19세기 초가 한참 지난 후, 20세기, 심지어 21세기까지 주기적으로 부활주의의 물결을 이루며, 특히 미국과 러시아에서 힘을 발휘했다.

역사

신고전주의는 고전시대에서 [3]직접 영감을 받은 많은 스타일과 고대의 정신을 부활시킨 것으로, 계몽시대의 철학과 다른 분야의 발전과 일치하고 반영하며, 처음에는 이전의 로코코 [4]양식의 지나친 것에 대한 반작용이었다.이 운동은 종종 낭만주의의 반대되는 부분으로 묘사되지만, 이것은 특정 예술가나 작품을 고려할 때 지속 가능하지 않은 경향이 있는 지나치게 단순화된 것이다.후기 신고전주의의 주요 옹호자로 여겨지는 잉그레스 사례는 특히 이것을 [5]잘 보여준다.그 부흥은 정식 고고학의 [6][7]확립으로 거슬러 올라갈 수 있다.

요한 요아힘 빙켈만, 종종 "고고학의 [8]아버지"라고 불린다.

요한 요아힘 빙켈만의 글은 건축과 시각 예술 모두에서 이 운동을 형성하는데 중요했다.그의 저서 회화와 조각에 있어서의 그리스 작품의 모방에 관한 생각(1750)과 고대 그리스와 로마 미술을 명확하게 구별하고, 성장에서 성숙, 그리고 모방 또는 퇴폐의 궤적을 추적하면서 그리스 미술의 시대를 정의한 최초의 책이다.t는 오늘날까지 계속 영향을 미치고 있다.빙켈만은 예술"고귀한 단순함과 조용한 웅장함"[9]를 겨냥해야 하고, 그것 그는 우리가 "자연 이상으로 가장라 아름다운 뭔가, 즉 유일한 아니고 그 아름다움의 플라톤은 고대의 통역관 우리에게 가르쳐 준 이미지는에 의해 창조된에서 온 특정한 이상적인 형태를 이루고 있다 말했다 그리스 예술의 이상을 칭찬했다 믿었다. mi나홀로.이 이론은 서양 미술에서 새로운 것과는 거리가 멀었지만, 그리스 모델을 면밀히 베끼는 것을 강조했습니다: "우리가 위대해지거나 이것이 가능하다면, 모방할 수 없는 것은 고대인들을 모방하는 것입니다."[10]

그랜드 투어의 등장과 함께,[11] 유럽 전역에 신고전주의 부흥을 확산시키는 많은 위대한 컬렉션의 토대를 마련한 고물 수집의 유행이 시작되었다.각 예술에서의 "신고전주의"는 "고전적" 모델의 특정한 규범을 암시합니다.

영어에서 "신고전주의"라는 용어는 주로 시각 예술에 사용된다; 상당히 일찍 시작된 영문학에서의 유사한 운동은 아우구스투스 문학이라고 불린다.수십 년 동안 지배적이었던 이것은 시각예술의 신고전주의가 유행할 때쯤에는 쇠퇴하기 시작하고 있었다.용어는 다르지만 프랑스 문학도 상황은 비슷했다.음악에서 고전음악이 발달한 시기로, "신클래시즘"은 20세기 발전에 사용된다.그러나 크리스토프 윌리발드 글룩의 오페라는 그의 출판된 악보 알케스테(1769)의 서문에서 구체적으로 설명되었으며, 이는 장식을 없애고, 그리스 비극에 맞춰 합창의 역할을 증가시키며, 보다 단순한 무단조 멜로디 [12]라인을 사용함으로써 오페라를 개혁하는 것을 목표로 했다.

안톤 라파엘 멩스; 파리의 심판; 1757년경; 캔버스의 기름; 높이: 226cm, 폭: 295cm, 캐서린 대왕이 스튜디오에서 구입;에르미타주 박물관(러시아 상트페테르부르크)

"신고전주의"라는 용어는 19세기 중반까지 발명되지 않았고, 그 당시에는 "진정한 스타일", "개혁적", "부활적"이라는 용어로 묘사되었다. 그것은 상당히 다양한 것으로 여겨졌다.고대 모델은 분명히 훨씬으나 문장은 또한 르네상스 시대의 상생과 프랑스 특히 루이스 14세의 나이로 프랑스의 지배적인 군사적, 정치적 위치는 심각한 쇠퇴 시작했다 이에 대한 상당한 향수 개발한 더 고귀한 엄격한 바로크에 대한 반품으로 간주되는 것은 불가능했다.[13]잉그레스가 그린 나폴레옹의 대관식 초상화는 후기 앤틱 영사 디프티흐와 카롤링거 시대의 부흥기를 빌려 비평가들의 반감을 샀다.

신고전주의는 건축, 조각, 장식 예술에서 가장 강했고, 같은 매체의 고전적 모델들은 상대적으로 많고 접근하기 쉬웠다; 조각에서 발견된 빈켈만의 글쓰기의 특징을 보여주는 고대 회화의 예들은 부족했다.윈켈만은 폼페이와 허큘라네움에서 발견된 최초의 큰 로마 회화의 지식의 전파에 관여했고, 개빈 해밀턴을 제외한 대부분의 동시대 사람들과 마찬가지로 그들로부터 감명을 받지 않았으며, 그의 시대 [14]회화의 쇠퇴에 대한 플리니의 언급을 인용했다.

회화에 관해서라면, 그리스화는 완전히 없어졌다.신고전주의 화가들은 부분적으로는 바닥 부조 프리즈, 모자이크, 도자기 그림을 통해, 그리고 부분적으로는 라파엘 시대의 르네상스 전성기, 네로의 도무스 아우레아, 폼페이와 헤르쿨라네움의 프레스코, 그리고 니콜라스 푸시인에 대한 새로운 찬양을 통해 상상력을 되살렸다.신 고전주의 회화는 다른 어떤 것보다 소재가 더 고전적이다.그리스와 로마 미술의 상대적 장점을 놓고 수십 년 동안 격렬하지만 종종 매우 잘못된 정보를 가진 논쟁이 벌어졌고, 윈켈만과 그의 동료 헬레니즘주의자들은 대체로 승리 편에 [15]섰다.

도장 및 판화

참고 항목: 카프리시오(아트)
호라티이의 맹세; 자크 루이 다비드; 1784; 캔버스의 기름; 3.3x4.27m[16]; 루브르

그것을 현대 관객들을 위한 신 고전 주의의 그림의이고 흥미로운 급진적인 자연을 되찾기 위해;심지어 작가라 향 그것을 하는 경향이 지금 안톤 라파엘 멩스의 야심 찬 문집 빌라 Albani,[17]에 그 예술가 누구에 의해서 케네스 클라크의 발언" 지루한"과"거의는 전적으로 우리에게 흥미 없는"—some 느낌을 주는 일은 어렵다.그의친구 윈켈만은 "그 자신의 가장 위대한 예술가이자 아마도 후대의 예술가"[18]라고 묘사했다.플랙 스먼의 도면에 지문이 되면서 프로필 대부분에서 한번, 그리고"유럽의 예술적 젊음을 발사했다"지만 지금"소홀히"[20]는 동안 한자의 코프먼의 역사 그림이 주로 por은 오디세이와 다른 과목들을 묘사하기 위해 매우 단순한 선을 긋는( 될 가장 순수한 고전 medium[19]생각)과 수치를 사용했다.traitist는 Fritz [21]Novotny에 의해 "부자연스러운 부드러움과 지루함"을 가진 것으로 묘사된다.로코코적 경박함과 바로크적 움직임은 사라졌지만 많은 화가들이 그 자리에 무엇인가를 놓으려고 애썼고, 플락스만이 사용했던 그리스 화병 외에 고대 역사 회화의 예가 없을 때, 라파엘은 윈켈만의 추천대로 대체 모델로 사용되는 경향이 있었다.

무미건조하다고 쉽게 표현할 수 없었던 다른 예술가들의 작품은 낭만주의의 측면과 일반적인 신고전주의 스타일을 결합했고, 두 악장의 역사의 일부를 형성했다.독일계 덴마크인 화가 아스무스 야콥 카르스텐스는 그가 계획한 거대한 신화 작품을 거의 완성하지 못했으며, 대부분의 그림과 색채 연구는 종종 "고귀한 단순함과 침착함"[22]이라는 윈켈만의 처방에 접근하는 데 성공했다.Carstens의 실현되지 않은 계획과 달리, Giovanni Battista Piranesi의 에칭은 수없이 많고 수익성이 높았으며, 유럽 전 지역으로 그랜드 투어에 참여했던 사람들에 의해 회수되었다.그의 주된 주제는 로마의 건물과 폐허였고, 그는 현대보다 고대의 것에 더 자극받았다.그의 많은 Vedute(관점)의 다소 불안한 분위기는 "억압적인 사이클로피 건축"이 "공포와 [23]좌절의 꿈"을 전달하는 카르세리 디 인벤지오네 ("상상의 감옥")의 16쇄에서 지배적이 된다.스위스 태생인 요한 하인리히 퓌슬리는 그의 경력의 대부분을 영국에서 보냈고, 그의 근본적인 스타일은 신고전주의 원칙에 바탕을 두고 있었지만, 그의 주제와 치료는 낭만주의의 "고딕" 변형을 더 자주 반영했고, 드라마와 흥분을 불러일으키려고 했다.

그림의 신고전주의는 1785년 파리 살롱에서 자크 루이 다비드의 호라티 선서가 선풍적인 성공을 거두면서 새로운 방향 감각을 얻었다.공화정의 미덕을 불러일으켰음에도 불구하고, 이것은 다윗은 로마에서 그림을 그릴 것을 고집한 왕실 정부의 위임이었다.David은 이상주의 스타일과 드라마틱하고 힘찬 스타일을 결합하는 데 성공했다.중앙의 원근도는 그림 평면에 수직이며, 뒤쪽의 어둑어둑한 아케이드에 의해 더욱 강조되며, 거기에 맞서 영웅적인 인물들이 오페라의 인공적인 조명과 무대, 그리고 니콜라스 푸생의 고전적인 색채의 기미가 있는 프리즈처럼 배치되어 있다.다비드는 빠르게 프랑스 예술의 리더가 되었고, 프랑스 혁명 이후 예술에 대한 정부의 많은 후원을 통제하는 정치가가 되었다.그는 나폴레옹 시대에 영향력을 유지하며 솔직하게 선전적인 작품에 눈을 돌렸지만, 부르봉 [24]유신 때 프랑스를 떠나 브뤼셀로 망명해야 했다.

데이비드의 많은 제자 중에는 신고전주의의 주류와 애매모호한 관계를 가진 성숙한 문체에도 불구하고 오랜 경력 내내 자신을 고전주의자로 본 장 오귀스트 도미니크 잉그레스, 그리고 그의 대담무쌍한 롬의 문체와는 구별하기 어려운 오리엔탈리즘과 트루바두르 문체로의 많은 전환이 있었다.그의 작품들이 항상 그림에 주는 고상함을 제외하고는 반동시대인그는 1802년부터 인상주의가 시작될 때까지 60년 이상 살롱에 전시했지만, 그의 스타일은 한번 형성되면 거의 [25]변하지 않았다.

조각품

세 가지 미덕; 안토니오 카노바; 1813년–1816년; 대리석; 높이: 1.82m; 에르미타주 박물관 (러시아 [31]상트페테르부르크)

신고전주의 회화가 고대 모형의 부족으로 고통 받았다면, 신고전주의 조각은 기원전 500년경에 시작된 "고전 시대"의 실제 그리스 조각의 예는 매우 적었지만, 가장 높이 평가되는 작품은 대부분 로마 [32]모조품이었다.대표적인 신고전주의 조각가들은 그들 자신의 시대에는 큰 명성을 누렸지만, 지금은 별로 평가받지 못하고 있습니다. 다만, 그의 작품은 주로 초상화였고, 매우 자주 흉상으로서, 이상주의로 시터의 성격에 대한 강한 인상을 희생하지 않았습니다.그의 스타일은 그의 오랜 경력이 이어지면서 더욱 클래식해졌고, 로코코적 매력에서 고전적 품격으로 다소 부드럽게 나아갔다.몇몇 신고전주의 조각가들과 달리 그는 시터들이 로마 드레스를 입거나 옷을 벗는 것을 고집하지 않았다.그는 계몽주의의 유명한 인물들을 대부분 묘사했고, 토마스 제퍼슨, 벤 프랭클린, 그리고 새로운 [33][34]공화국을 세운 다른 사람들의 흉상뿐만 아니라 조지 워싱턴의 동상을 제작하기 위해 미국을 여행했다.

안토니오 카노바와 데인 베르텔 토르발센은 둘 다 로마에 기반을 두고 있었고 초상화는 많은 야심찬 실물 크기의 인물과 그룹을 만들어 냈으며, 둘 다 신고전주의 조각에서 강한 이상화 경향을 대표했다.카노바는 가벼움과 우아함을 가지고 있는데, 여기서 소발센은 더 심하다; 차이는 각각의 [35]세 개의 우아함의 그룹에서 예시된다.이 모든 것들과 플락스만은 1820년대에 여전히 활동적이었고 낭만주의는 19세기 대부분 동안 신고전주의 버전이 지배적인 스타일로 남아있던 조각에 더디게 영향을 끼쳤다.

조각의 초기 신고전주의자는 스웨덴의 요한 토바이어스 [36]세르겔이었다.존 플락스만은 또한 조각가이거나 주로 그의 판화에 필적하는 양식이 심한 고전적인 부조를 제작했다. 그는 또한 몇 년 동안 조시아 웨지우드를 위해 신고전주의 도자기를 디자인하고 모델링했다.요한 고트프리드 샤도와 그의 아들 루돌프는 오스트리아의 프란츠 안톤 폰 자우너와 함께 독일의 대표적인 화가였다.[37]바로크 시대의 오스트리아 조각가 프란츠 자버 메슈미트는 정신적인 위기를 겪은 것으로 보이기 직전에 신고전주의로 눈을 돌렸고, 그 후 그는 시골로 은퇴하여 극단적인 [38]표정을 짓는 대머리 인물들의 매우 독특한 "성격 머리"에 전념했다.피라네시의 카르세리처럼, 이들은 20세기 초 정신분석 시대 동안 큰 관심을 누렸다.네덜란드의 신고전주의 조각가 마티유 케셀스는 토르발센과 함께 공부했고 거의 로마에서만 일했다.

전 1830년대부터 미국, 묘비 weathervanes의 지역에 있으며 figureheads,[39]유럽 신 고전 주의의 방법으로 거기에 채택되고 선적을 저장하고, 그것은 수십년 동안 대세를 열것이었으며, 허레이쇼 그리노, 해리엇 Hosmer, Hiram파워스 RandolphR의 조각 작품에서 보여 주는 것은 그것 나름의sculpture 전통이 없었다.ogers와 윌리엄 헨리 라인하트.

건축과 장식예술

주요 기사:신고전주의 건축, 루이 16세 양식, 다이렉토아르 양식, 엠파이어 양식, 아담 양식, 비더마이어 양식
Pierre-Bullet No.6(파리)의 호텔 구티에르, 날짜 불명, 건축가 불명
1840년 포츠담(독일), 프리드리히 빌헬름 클로제 그림 '에트루리아 방'

신고전주의 예술은 전통과 새로운 것, 역사와 현대, 보수와 진보가 [43]동시에 있었다.

신고전주의는 로마에서 수련한 프랑스 미술학도들과 빙켈만의 작품들에 영향을 받아 영국과 프랑스에서 처음 영향을 받았고 스웨덴, 폴란드, 러시아 등 다른 나라의 진보적인 사회에서도 빠르게 받아들여졌다.처음에 고전적인 장식은 캐서린 2세의 연인인 올로프 백작의 인테리어와 같이 익숙한 유럽 형태에 접목되었다. 이탈리아 건축가가 이탈리아인 스투카도리 팀과 함께 디자인한 것이다. 카메오 같은 고립된 타원형 메달과 신고전주의의 상징인 장식품들은 완전히 이탈리아 로코코코이다.

더 심각하고, 더 연구되고, 더 의식적으로 고고학적인 제2의 신고전 물결은 나폴레옹 제국의 전성기와 관련이 있다.프랑스에서 신고전주의의 첫 단계는 "루이 16세 스타일"로 표현되었고, 두 번째 단계는 "디렉토아르" 또는 "엠파이어"로 표현되었다.로코코 양식은 나폴레옹 정권이 공화주의 [according to whom?]성향을 가진 젊고 진보적인 도시 이탈리아인들에게 정치적 발언으로 받아들여진 새로운 고고학적 고전주의를 가져오기 전까지 이탈리아에서 인기가 있었다.

장식 예술에서 신고전주의는 파리, 런던, 뉴욕, 베를린에서 만들어진 엠파이어 가구, 오스트리아에서 만들어진 비더마이어 가구, 베를린에 있는 칼 프리드리히 싱켈의 박물관, 런던에 있는 존 소인 경의 영국 은행, 그리고 워싱턴 D.C.에 새로 지어진 "카피톨"에서 대표적이다.ases. 스타일은 국제적이었습니다; 스코틀랜드 건축가 찰스 카메론은 러시아 상트페테르부르크에 독일 태생의 캐서린 2세 대제를 위해 화려한 이탈리아 인테리어를 만들었습니다.피터스버그.

실내에서, 신고전주의는 폼페이와 허큘라네움에서의 재발견에서 영감을 얻어 진정한 고전적 인테리어를 발견했어요.이것들은 1740년대 후반에 시작되었지만,[44] 1760년대에야 폭넓은 독자를 얻었고, 엄격하게 통제된 첫 번째 호화판인 르 안티치타 디 에콜라노(Herculaneum)의 유통으로 이루어졌다.허큘라네움의 고미술품들은 바로크 양식의 가장 고전적인 내부 또는 윌리엄 켄트의 가장 "로마적인" 방들조차도 바실리카와 사원 외부 건축물을 기반으로 하고 있다는 것을 보여주었습니다. 그래서 현대인의 눈에 그들의 종종 과장된 외관은 창틀이 금으로 된 거울로 바뀌었고, 템플이 덮인 벽난로였습니다.efronts.새로운 인테리어는 진정한 로마적이고 진정한 인테리어 어휘를 재현하려고 했다.

이 스타일에 사용된 기술에는 낮은 프리제 같은 부조로 조각되거나 카메유("카메오"와 같은)의 단조로 그려진 더 평평하고 가벼운 모티브, 고립된 메달, 꽃병, 흉상, 부크라니아 또는 다른 모티브, 월계수 또는 리본에 매달린, 아마도 "폼페이" 빨강 또는 창백한 색조를 배경으로 가는 아랍 문양을 사용한 것이 포함된다.r 스톤 컬러프랑스의 스타일은 처음에는 궁정 스타일이 아닌 고트 그레크(Go"t grec, 그리스 스타일)였다. 루이 16세가 1774년 왕위에 올랐을 때, 그의 패션을 사랑하는 왕비인 마리 앙투아네트가 "루이 16세" 스타일을 궁정에 가져왔다.하지만, 로마 가구의 기본 형태를 사용하려는 실제 시도는 세기가 바뀔 때까지 없었고, 은세공들이 금속 세공보다 고대 도자기와 석각에서 더 많이 가져가는 것처럼 가구 제작자들은 고대 건축에서 더 많이 빌려왔다: "디자이너와 장인들이 연장을 가져간 것 같다...모티브를 한 매체에서 다른 매체로 옮기는 비뚤어진 즐거움"을 느낄 수 있습니다.[45]

1800년 말메종 성, 조제핀 황후를 위한 방, Directoire 스타일과 Empire 스타일 사이의 정점에 있다.

약 1800년부터 식각과 판화를 매개로 한 그리스 건축의 새로운 유입은 신고전주의인 그리스 부흥에 새로운 자극을 주었다.동시에 엠파이어 양식은 건축과 장식 예술에 있어서 더욱 거창한 신고전주의의 물결이었다.주로 로마 제국 양식을 바탕으로 프랑스 제1제국의 나폴레옹 통치에서 유래하고 이름을 따온 것으로 나폴레옹의 지도력과 프랑스 국가를 이상화하려는 의도였다.이 스타일은 독일어권에서는 부르주아적인 비더마이어 스타일, 미국에서는 [44]연방 스타일, 영국에서는 리젠시 스타일, 스웨덴에서는 나폴레옹 스타일과 일치합니다.미술사학자 휴 아너(Hugh Honor)에 따르면, "가끔 짐작되듯이, 신 고전주의 운동의 정점과는 거리가 먼 지금까지 제국은 다시 한번 빠른 쇠락과 변화를 단순한 골동품 부흥으로 기록했고, 그 명작에 영감을 준 모든 고상한 사상과 신념의 힘을 고갈시켰다."[46]이 스타일의 초기 단계는 영국에서는 아담 스타일, 프랑스에서는 루이 16세라고 불렸다.

신고전주의는 19세기 후반부터 영향력 있는 비평가들 [who?]사이에서 반근대적이거나 심지어 반동적인 것으로 여겨졌음에도 불구하고, 낭만주의나 고딕 양식의 부활과는 정반대인 19세기 이후까지 학술 예술에서 주요한 힘이 되었다.여러 유럽 도시의 중심, 특히 St. 페테르부르크와 뮌헨은 신고전주의 건축 박물관처럼 보이게 되었다.

19세기 내내 인기를 끌었던 18세기에 시작된 양식인 고딕 부흥 건축은 신고전주의와는 대조적이었다.신고전주의는 그리스와 로마의 영향을 받은 스타일, 기하학적 선과 질서에 의해 특징지어지는 반면, 고딕 부흥 건축은 종종 촌스럽고 "낭만적인" 외관을 가진 중세풍의 건축물에 중점을 두었다.

프랑스.

루이 16세 스타일(1760년-1789년)

주요 기사:루이 16세 스타일
앙주 자크[47] 가브리엘의 쁘띠 트리아농(프랑스 베르사이유), 1764년

그것은 로코코에서 고전주의로의 전환을 나타낸다.장신구를 상징으로 변형시킨 루이 14세의 고전주의와는 달리, 루이 16세 스타일은 장신구를 가능한 한 사실적이고 자연스럽게 표현한다. 즉 월계수 가지는 정말로 월계수 가지이고 장미도 마찬가지이다.주요 장식 원칙 중 하나는 대칭이다.인테리어에서 사용되는 색상은 흰색, 밝은 회색, 밝은 파란색, 분홍색, 노란색, 매우 밝은 라일락, 금색 등 매우 밝은 색입니다.과도한 장식은 [48]피한다.고대로의 회귀는 무엇보다도 직선으로의 회귀와 동의어이다: 엄격한 수직과 수평이 그날의 순서였다.때때로 반원이나 타원형을 제외하고는 독사형은 더 이상 용납되지 않았다.실내 장식은 또한 이러한 엄격함에 대한 취향을 존중했고, 그 결과 평평한 표면과 직각이 패션으로 돌아왔다.장식은 이러한 심각성을 중재하기 위해 사용되었지만, 그것은 절대 기본적인 선을 방해하지 않았고 항상 중심축을 중심으로 대칭적으로 배치되었다.그럼에도 불구하고, énistes는 종종 과도한 [49]강성을 피하기 위해 전각을 세웁니다.

루이 16세 스타일의 장식적인 모티브는 고대, 루이 14세 스타일, 그리고 자연에서 영감을 받았다.스타일의 특징 요소: 화살이 달린 칼집, 삽입 원반, 기요체, 쌍궁, 흡연 화로, 작은 모티브(로제트, 구슬, 오브), 매듭이 있는 리본에 매달린 트로피 또는 꽃 메달, 아칸서스 잎, 가드루닝, 인터레이스, 곡예, 코누코피아, 마스카론, 고대 우론, 고대 우롱이.n, 삼각대, 향수 버너, 돌고래, 숫양과 사자 머리, 키메라, 그리폰.그리스-로마 건축 모티브도 매우 많이 사용된다: 날갯짓, 필라스터(날갯짓과 물방울 없음), 물방울(뒤틀림과 물방울 없음), 기둥(때로는 고리꼴로 대체됨), 볼류트 코르벨, 구태(부조 및 트롬페일릴로 대체됨.[50]

  • Central pavilion of the École Militaire (Paris), 1752, by Ange-Jacques Gabriel[51]

    앙주 자크 가브리엘의[51] 에콜 밀리터리어의 중앙관, 1752년

  • Panthéon (Paris), 1758–1790, by Jacques-Germain Soufflot (1713-1780) and Jean-Baptiste Rondelet (1743-1829)[52]

    팡테옹 (파리), 1758년–1790년, 자크-제르맹 수플로 (1713년-1780년)와 장-밥티스트 론델레 (1743년-1829년)[52]

  • Hôtel de la Marine (Paris), 1761-1770, by Ange-Jacques Gabriel[53]

    Hotel de la Marine (파리), 1761년-1770년, 앙주-자크[53] 가브리엘의 작품

  • Commode of Madame du Barry; by Martin Carlin (attribution); 1772; oak base veneered with pearwood, rosewood and amaranth, soft-paste Sèvres porcelain, bronze gilt, white marble; 87 x 119 cm; Louvre[54]

    마르탱 칼랭(속성)에 의해; 1772; 배나무, 장미나무, 아마란스로 도색된 오크 베이스, 부드러운 페이스트의 세브르 도자기, 청동 금박, 흰 대리석; 87[54] x 119cm; 루브르

  • Hôtel du Châtelet (Paris), 1776[55]

    1776년 파리[55] 호텔 뒤 샤틀레

  • Stairway of the Grand Theater of Bordeaux (Bordeaux, France), 1777-1780, by Victor Louis[56]

    보르도 대극장 계단(프랑스 보르도), 1777-1780, 빅토르[56] 루이 작

  • Parisian corner cabinet; by Jean Henri Riesener; 1780–1790; oak, mahogany, marble, and ormolu mounts; 94.3 × 81.3 × 55.9 cm; Art Institute of Chicago (US)[57]

    파리의 코너 캐비닛; 장 앙리 리제너; 1780년-1790년; 참나무, 마호가니, 대리석 및 오르몰루 마운트; 94.3 × 81.3 × 55.9 cm; 시카고 예술원(미국)[57]

  • Large vase; 1783; hard porcelain and gilt bronze; height: 2 m, diameter: 0.90 m; Louvre

    큰 꽃병; 1783; 단단한 자기와 금동; 높이: 2m, 지름: 0.90m; 루브르

  • The Cabinet Doré of Marie-Antoinette at the Palace of Versailles (Versailles, France), 1783, by the Rousseau brothers[58]

    1783년 루소[58] 형제에 의한 베르사유 궁전(프랑스 베르사이유)의 마리 앙투아네트의 내각 도레

  • Roll-top desk of Marie-Antoinette; by Jean-Henri Riesener; 1784; oak and pine frame, sycamore, amaranth and rosewood veneer, bronze gilt; 103.6 x 113.4 cm; Louvre[59]

    마리 앙트와네트의 롤탑 책상; 장 앙리 리제너; 1784; 참나무와 소나무 프레임, 무화과, 아마란스와 로즈우드 베니어, 브론즈 금, 103.6 x 113.4cm; 루브르[59]

  • Writing table of Marie-Antoinette; by Adam Weisweiler; 1784; oak, ebony and sycamore veneer, Japanese lacquer, steel, bronze gilt; 73.7 x 81. 2 cm; Louvre[59]

    마리 앙투아네트의 필기대; 아담 바이스바일레; 1784; 참나무, 흑단 및 무화단판, 일본식 칠기, 강철, 청동금; 73.7 x 81.2cm; 루브르[59]

  • Ewer; 1784–1785; silver; height: 32.9 cm; Metropolitan Museum of Art

    이워; 1784-1785; 은; 높이: 32.9cm; 메트로폴리탄 미술관

  • Folding stool (pliant); 1786; carved and painted beechwood, covered in pink silk; 46.4 × 68.6 × 51.4 cm; Metropolitan Museum of Art

    접이식 의자(플랜트), 1786; 핑크색 실크로 덮인 너도밤나무 조각 및 도장; 46.4×68.6×51.4cm; 메트로폴리탄 미술관

  • Pair of vases; 1789; hard-paste porcelain, gilt bronze, marble; height (each): 23 cm; Metropolitan Museum of Art

    한 쌍의 꽃병; 1789; 경질 자기, 금동, 대리석; 높이 (각각): 23cm; 메트로폴리탄 미술관

  • Armchair (fauteuil) from Louis XVI's Salon des Jeux at Saint Cloud; 1788; carved and gilded walnut, gold brocaded silk (not original); overall: 100 × 74.9 × 65.1 cm; Metropolitan Museum of Art

    루이 16세의 Salon des Jeux at Saint Cloud; 1788; 조각 및 금도금된 호두, 금으로 장식된 비단(원본이 아님); 전체: 100 × 74.9 × 65.1 cm; 메트로폴리탄 미술관

Directoire 스타일(1789-1804)

주요 기사:Directoire 스타일

엠파이어 스타일(1804년-1815년)

주요 기사:엠파이어 스타일

미술을 비롯한 모든 생활 분야에서 기조를 잡은 혁명에서 벗어난 새로운 프랑스 사회를 대표한다.Jacquard 기계는 이 기간 동안 발명되었습니다(그때까지 매뉴얼로 바느질 시스템 전체를 혁신합니다).주요 색상 중 하나는 금동으로 장식된 빨간색이다.흰색, 크림, 보라색, 갈색, 블루, 짙은 빨강 등 밝은 색상과 금동 장식이 사용됩니다.실내 건축에는 금박 부조로 장식된 목재 패널이 포함됩니다(흰색 배경 또는 색 배경).모티브는 기하학적으로 배치되어 있습니다.벽은 회반죽과 벽지 천으로 덮여 있다.벽난로 맨틀은 하얀 대리석으로 만들어지며 모서리에 중석모양이 있거나 오벨리스크, 스핑크스, 날개 달린 사자 등 다른 요소들이 있다.벽난로 시계를 포함한 청동 물건들이 그들의 꼭대기에 놓여 있었다.문은 단순한 직사각형 패널로 구성되어 있으며, 폼페이우스에서 영감을 받은 중앙 인물로 장식되어 있습니다.엠파이어 직물은 블루 또는 갈색 바탕의 다마스크, 녹색, 핑크 또는 보라색 바탕의 새틴, 같은 색의 벨벳, 금이나 은으로 장식한 브로치, 면직물이다.이 모든 것들은 커튼, 특정 가구를 덮기 위한 인테리어, 쿠션이나 장식용으로 사용되었습니다. (가죽은 실내 [62]장식에도 사용됩니다.)

모든 엠파이어 장식은 루이 14세 스타일을 연상시키는 엄격한 대칭 정신에 의해 지배된다.일반적으로 좌우의 모티브는 세세한 부분까지 서로 일치하지만, 그렇지 않을 경우 각각의 모티브 자체가 어깨 위로 떨어지는 고풍스러운 머리, 대칭적으로 배열된 튜닉을 가진 승리의 정면 인물, 동일한 로제트 또는 백조 플란 등 전체적으로 대칭적이다.자물쇠 등루이 14세처럼 나폴레옹은 그의 통치와 관련된 일련의 엠블럼을 가지고 있었는데, 특히 독수리, 벌, 별, 그리고 보통 황제의 월계관 안에 새겨진 I와 N이라는 이니셜이 눈에 띄었다.사용된 모티브는 야자수 가지를 든 승리의 인물, 그리스 댄서, 나체 및 드레싱을 한 여성, 고로, 날개 달린 푸티, 아폴로, 에르메스, 고르곤, 백조, 사자, 황소, 말과 야수의 머리, 나비, 발톱, 날개 달린 키메라, 스핑크스, 부크라니아, 해마, 오크 화환 등이 있다.g 리본, 오르는 포도 덩굴, 양귀비 린소, 장미, 야자수 가지, 월계수.그리스-로마의 많은 것: 단단하고 평평한 아칸투스 잎, 팔메트, 콘누코피아, 구슬, 암포라, 삼각대, 침엽, 수성의 캐듀스, 꽃병, 헬멧, 불타는 횃불, 날개 달린 트럼펫 연주자, 그리고 고대 악기들(특히 거문고, 방울, 수금)이 있다.그들의 고풍스러운 유래에도 불구하고, 루이 16세 시대에 만연했던 플룻과 트리글리프는 버려졌다.이집트 부활의 모티브는 특히 이 시기 초에 흔하다: 스카랍, 연꽃 대문자, 날개 달린 원반, 오벨리스크, 피라미드, 네메를 쓴 형상, 맨발과 여성 이집트 머리장식.[63]

이탈리아

18세기 후반부터 19세기까지, 이탈리아는 많은 사회 경제적 변화, 몇 번의 외세의 침략, 그리고 1861년 이탈리아 통일을 야기한 격동의 리조르지멘토를 거쳤다.따라서, 이탈리아 예술은 스타일에 있어서 일련의 작고 큰 변화를 겪었다.

이탈리아의 신고전주의는 신고전주의로 알려진 일반적인 시기의 가장 초기의 현상으로 다른 국가적인 신고전주의보다 더 오래 지속되었다.그것은 1750년경 바로크 양식에 반하여 발전하였고 1850년까지 지속되었다.신고전주의는 폼페이의 재발견 시기 즈음에 시작되어 이탈리아 그랜드투어에서 그리스-로마의 이상을 재발견하고 예술계 학생들이 귀국하면서 유럽 전역으로 퍼져나갔다.이 작품은 18세기 후반 안토니오 카노바와 자크 루이 다비드 같은 예술가들이 파리로 이주하기 전에 활동했던 로마에 처음 중심을 두었다.카날레토와 지오반니 파올로 파니니 같은 베두트의 화가들도 그랜드 투어 동안 큰 성공을 누렸다.신고전주의 건축은 팔라디오의 르네상스 작품에서 영감을 받았고 루이지 반비텔리와 필리포 주바라에서 그 양식의 주요 해석자를 보았다.

고전주의 문학은 리소르지멘토 운동에 큰 영향을 미쳤다: 그 시대의 주요 인물들은 비토리오 알피에리, 주세페 파리니, 빈센초 몬티, 우고 포스콜로, 자코모 레오파디, 알레산드로 만조니 등이며, 그들은 또한 프랑스의 계몽주의에 영향을 받았다.거장 바이올리니스트 파가니니와 로시니, 도니제티, 벨리니의 오페라가 이탈리아 고전음악과 낭만음악의 무대를 장악했다.

프란체스코 하예즈의 예술과 특히 마키아이올리의 예술은 이탈리아가 통일되면서 종말을 고한 고전파와의 결별을 상징했다.신고전주의는 르네상스와 바로크 이후 모든 서양 예술로 확산된 이탈리아 태생의 마지막 양식이었다.

영국

주요 기사:아담 스타일과 웨지우드

아담 스타일은 아담과 제임스의 두 형제에 의해 창조되었는데, 아담은 1777년에 내부 장식이 있는 식각본을 출판했다.로버트 아담의 그림을 본떠 만든 실내 장식은 벽, 천장, 문, 그리고 다른 표면들이 직사각형, 원형, 정사각형으로 나뉘어져 있으며 가장자리에 회반죽과 그레코로만 모티브가 있다.사용된 장신구들은 페스툰, 진주, 에그-다트 띠, 메달, 그리고 고대 고전 시대에 사용된 다른 모티브들을 포함한다.항아리 모양의 돌병, 금박을 입힌 은그릇, 램프, 장신구 등은 모두 같은 영감의 원천인 고전적 고물을 가지고 있다.아담 스타일은 세련된 직사각형 거울을 강조하며, 그림처럼 액자에 넣거나(스타일화된 잎이 있는 액자), 또는 그 위에 페디멘트를 얹어 항아리나 메달을 받쳐줍니다.아담 미러의 또 다른 디자인은 베네치아의 창문처럼 생겼으며, 중앙의 큰 거울은 얇고 긴 두 개의 거울 사이에 큰 거울이 있다.또 다른 종류의 거울은 타원형 거울로 보통 페스툰으로 장식되어 있다.이 스타일의 가구는 루이 16세의 [68]가구와 비슷한 구조를 가지고 있다.

아담 양식 외에도, 장식 예술에 관한 한, 영국은 또한 에트루리아라고 불리는 도자기를 설립한 도자기 제조업자 조시아 웨지우드 (1730-1795)로 알려져 있다.쐐기목기는 재스퍼웨어라고 불리는 단단한 알갱이 모양의 석기로 만들어져 있습니다.웨지우드 꽃병은 보통 흰색과 배경 파란색의 두 가지 색상의 부조로 장식됩니다.

미국

주요 기사:페더럴

미국 대륙에서 건축과 실내 장식은 유럽에서 발달한 스타일에 큰 영향을 받았다.프랑스인의 취향은 남부 주(프랑스 혁명 이후 일부 이민자들이 이곳으로 이주했으며, 캐나다 인구의 대부분은 프랑스 출신이다)에서 두드러졌다.당시 미국인들의 실용적인 정신과 물질적인 상황은 인테리어를 전형적인 분위기로 만들었다.유럽의 영향을 받은 모든 미국 가구, 카펫, 식기, 도자기, 은식기, 그리고 때로는 이슬람, 터키, 또는 아시아의 모든 것들이 미국의 규범, 취향, 그리고 기능적 요건에 맞게 만들어졌다.미국에는 앤 여왕 시대와 치펜데일 시대가 있었다.그 자체의 양식인 연방 양식은 18세기와 19세기 초에 완전히 발전했고, 그것은 브리타닉 취향의 영향을 받아 번성했다.신고전주의의 충동에 따라 건축, 인테리어, 가구가 만들어졌다.그 스타일은 주마다 다른 수많은 특징을 가지고 있지만, 통일적이다.건축, 인테리어, 가구의 구조는 고전주의적이며 바로크와 로코코의 영향을 받는다.사용되는 모양에는 직사각형, 타원형 및 크레센트가 포함됩니다.벽과 천장의 스투코 또는 나무 패널은 클래식한 모티브를 재현합니다.가구는 꽃무늬 마켓과 청동 또는 [75]놋쇠 상감으로 장식되는 경향이 있다.

정원

영국에서, 아우구스투스 문학의 풍경 디자인은 아우구스투스 문학의 양식과 직접적으로 유사했다.그 연결고리는 알렉산더 포프의 작품에서 분명하게 나타난다.신고전주의 영국 정원의 가장 잘 남아 있는 예는 Chiswick House, Stowe House,[78] Stourhead입니다.

신고전주의와 패션

혁명적인 사교계 명사 테레사 탈리앙
1809년 앙투안 발레도의 초상화

패션에 있어서, 신고전주의는 프랑스 혁명 훨씬 이전부터 여성의 드레스의 훨씬 더 심플함과 오래 지속되는 흰색 패션에 영향을 미쳤지만, 그 후에야 프랑스에서 고대 스타일을 모방하려는 철저한 시도가 적어도 여성들에게 유행하게 되었다.고전 의상은 오랫동안 초상화에서 그리스 또는 로마 신화의 어떤 인물처럼 가장한 상류층 여성들에 의해 착용되어 왔다(특히 1780년대 젊은 모델 엠마, 레이디 해밀턴의 그러한 초상화의 발진이 있었다). 그러나 그러한 의상은 혁명 시대까지 앉아 있는 초상화와 가면 무도회, 그리고 아마도 초상화를 위해서만 착용되었다.다른 이국적인 스타일처럼, 집에서 옷을 벗는 것처럼.그러나 줄리엣 레카미에, 호세핀 드 보아르네, 테레사 탈리앙, 그리고 다른 파리의 트렌드 세터들의 초상화에 입었던 스타일도 공공장소에서 외출하기 위한 것이었다.탈리앙 부인을 오페라에서 보고 탈리랑은 "I n'est pas possible de s'exposer + somptue use!" ("더 이상 화려하게 옷을 벗을 수 없다.")라고 농담을 했다.혁명 직전인 1788년, 궁정 초상화가 루이제 비제 르 브룬은 여성들이 평범한 흰색 그리스 튜닉을 [79]입는 그리스 만찬을 열었다.가능한 한 컬과 함께 짧은 클래식 헤어스타일은 논란이 덜했고 매우 널리 채택되었고, 지금은 야외에서도 머리카락이 드러났습니다; 이브닝 드레스를 제외하고, 보닛이나 다른 덮개는 일반적으로 실내에서도 착용되었습니다.대신에 얇은 그리스 스타일의 리본이나 필렛이 머리를 묶거나 장식하는데 사용되었다.

매우 가볍고 헐렁한 드레스는 보통 흰색이고 종종 충격적일 정도로 맨 팔로 발목에서 몸통 바로 아래까지 수직으로 올라갔는데, 거기에는 종종 다른 색깔의 얇은 옷자락이나 넥타이가 강하게 강조되었다.그 모양은 나폴레옹 제1제국 이전에도 종종 엠파이어 실루엣으로 알려져 있지만, 그의 첫 번째 황후 조제핀 드 보아르네가 유럽 전역에 이 모양을 퍼뜨리는데 영향을 미쳤다.긴 직사각형의 숄이나 랩으로, 보통 붉은색이 밋밋하지만 초상화 테두리가 장식되어 있어 추운 날씨에도 도움이 되며, 앉았을 때 중간 부분에 걸쳐져 있는 듯한 자세가 [80]선호됩니다.19세기 초, 그러한 스타일은 유럽 전역에 널리 퍼졌다.

남성들을 위한 신고전주의 패션은 훨씬 더 문제가 있었고, 젊은 남성들을 위한 가발과 흰 헤어 파우더를 마침내 사용하는 짧은 스타일에서 중요한 역할을 한 머리 외에는 결코 사라지지 않았다.바지는 그리스와 로마인들에게 야만인의 상징이었지만 화가나 특히 조각가의 작업실 밖에서는 바지를 버릴 준비가 된 남자들이 거의 없었다.실제로 이 시기에는 앙시앵 레짐의 퀼롯이나 무릎 바지에 대한 순수한 바지, 즉 판탈룬의 승리를 볼 수 있었다.심지어 1792년 혁명이 한창일 때 정부의 요청에 따라 새로운 프랑스 "민족 의상"을 디자인했을 때에도, 무릎 위까지 내려오는 코트 아래에 꽤 꽉 끼는 레깅스가 포함되어 있었다.프랑스 혁명전쟁으로 유복한 젊은 층의 상당수가 군복무를 했고, 군복은 앞부분이 짧은 재킷을 강조해 몸에 딱 붙는 바지가 훤히 들여다보이게 되면서 근무하지 않을 때 자주 입었고, 민간 남성 스타일에 영향을 미쳤다.

바지의 문제는 현대 역사 그림을 만드는 데 있어 예술가들에 의해 장벽으로 인식되어 왔다; 현대 의상의 다른 요소들과 마찬가지로 그것들은 많은 예술가들과 비평가들에 의해 구제할 수 없을 정도로 추하고 영웅적이지 않은 것으로 여겨졌다.현대 장면에서 묘사하는 것을 피하기 위해 다양한 계략이 사용되었습니다.개빈 해밀턴의 제임스 도킨스와 로버트 우드 팔미라의 유적 발견 (1758)에서 두 신사 유물은 토가 같은 아랍의 예복을 입고 있다.존 싱글턴 코플리의 왓슨과 상어 (1778)에서 주인공은 나체로 보여질 수 있고, 구성은 보여지는 다른 8명의 남자들과 비슷하지만, 오직 한 사람만이 다리를 두드러지게 보여준다.그러나 미국의 코플리와 벤자민 웨스트는 바지가 메두사 뗏목에서 조심스럽게 피했지만 웨스트의 울프 장군의 죽음(1770)과 코플리의 피어슨 소령의 죽음(1781년 1월 6일)과 같은 작품으로 바지가 영웅적인 장면에서 사용될 수 있다는 것을 성공적으로 보여준 예술가들을 이끌었다.1819.

고전적으로 영감을 받은 남성 헤어 스타일은 아마도 가장 평범한 현대 남성 스타일의 선구자인 베드포드 크롭을 포함했는데, 베드포드 5대 공작인 프란시스 러셀이 헤어 파우더에 대한 세금에 대한 항의로 발명했다; 그는 친구들에게 그들이 하지 않을 것이라고 장담하며 그것을 채택하도록 격려했다.또 다른 영향력 있는 스타일(또는 스타일 그룹)은 프랑스의 '아 라 티투스'에 의해 티투스 주니우스 브루투스의 이름을 따왔다(실제로 종종 추측되는 것처럼 로마 황제 티투스는 아니다). 머리는 짧고 층이 있지만 왕관에 다소 쌓여 있고 종종 절제된 키프나 자물쇠가 늘어져 있다; 변형은 나폴레옹과 조지 4세 모두의 머리카락에서 익숙하다.영국으로부터.볼테르의 브루투스(아들 티투스의 처형을 명령하는 루시우스 주니우스 브루투스에 관한 이야기) 같은 작품에 출연하면서 그의 가발을 쓴 공동 배우 프랑수아 조제프 탈마가 이 스타일을 도입한 것으로 추정됐다.1799년 파리의 한 패션 잡지는 심지어 대머리 남성들조차 타이투스 [81]가발을 채택하고 있다고 보고했고, 그 스타일은 여성들도 착용했다고 1802년 저널 드 파리는 "고상한 여성의 절반 이상이 그들의 머리나 가발을 쓰고 있었다"[82]고 보도했다.

후기 신고전주의

워싱턴 국립미술관 서쪽 건물(1941년)
시리즈의 일부
고전주의
고전 고대
계몽 시대
20세기 신고전주의

미국 건축에서 신고전주의는 1890년 경-1917년 미국 르네상스 운동의 한 표현이었다; 이것의 마지막 표현은 보-아트 건축이었고, 그것의 마지막 큰 공공 프로젝트는 링컨 기념관이었고, 워싱턴 DC에 있는 국립미술관이었다.미국 자연사 박물관의 루즈벨트 기념관.이것들은 완성되었을 때 양식적인 시대착오적인 것으로 여겨졌다.영국령 라지에서 에드윈 루틴 경의 뉴델리 기념비적인 도시계획은 신고전주의의 일몰을 상징한다.제2차 세계대전은 신화적인 시대에 대한 가장 큰 갈망을 깨트린 것이었다.

프랑스의 오귀스트 페레와 같은 보수적인 모더니즘 건축가들은 공장 건물에서도 주상 건축의 리듬과 간격을 유지했다.콜로니드가 "반동적"이라고 비난받았을 때, 반복적인 프리즈 아래에 있는 건물의 필라스터 같은 홈이 패인 패널은 "진보적"으로 보였다.파블로 피카소 classicizing의 모티브들로 즉시 1차 세계 대전 이후 몇년 안에 그리고 전방에 1925년 파리 만국 박람회 데 장식 미술에 따른 아르데코 스타일은 신 고전 주의의 모티브에 명백히 그들을 표명하지 않고:É.-J. Ruhlmann 또는 Süe&의 바다:월면에 의한 심각한, 땅딸막한 commodes, 신선하면서 극도로 낮은 그린을 실험했다.-re모든 매체에서 소녀와 가젤의 화려한 프리즈, 그리스 라인을 재현하기 위해 휘장을 두르거나 비스듬히 자른 패셔너블한 드레스, 이사도라 던컨의 아트 댄스, 1950년에 지어진 미국 우체국과 카운티 법원 건물의 스트림라인 모데른 스타일, 그리고 루스벨트 10센트 동전.

신고전주의라고도 불리는 20세기 예술운동이 있었다.그것은 적어도 음악, 철학, 문학을 망라했다.제1차 세계대전이 끝나고 제2차 세계대전이 끝난 시점이었다. (음악적인 측면에 대한 정보는 20세기 고전음악과 음악의 신고전주의 참조).철학적 측면에 대한 자세한 내용은 Great Books를 참조하십시오.)

이 문학적 신고전주의 운동은 절제, 종교(특히 기독교), 반동적 정치 프로그램을 지지하는 다다의 극단적인 낭만주의를 거부했다.영국 문학에서 이 운동의 토대는 T. E. 헐미에 의해 마련되었지만, 가장 유명한 신고전주의자는 T. S. 엘리엇과 윈덤 루이스였다.러시아에서, 이 운동은 안나 아크마토바와 오십 만델슈탐을 주요 대표자로 하여 1910년에 아크메이즘이라는 이름으로 결정되었다.

음악에서

음악의 신고전주의는 20세기 운동이다; 이 경우, 고대 세계의 음악 자체가 아니라 그리스와 로마 주제에 대한 애정을 가진 17세기와 18세기의 고전과 바로크 음악 스타일이다.(20세기 초는 신고전주의 작곡가들이 주로 그린 바로크시대를 오늘날 우리가 고전시대라고 부르는 것과 구별하지 못했다.)이 운동은 20세기 전반기 후기 낭만주의와 인상주의의 붕괴된 색채주의에 대한 반작용으로, 핵심적인 음색을 완전히 버리려는 음악적 모더니즘과 병행하여 나타났다.그것은 문체의 청결과 단순성에 대한 욕구를 나타냈는데, 이것은 고전적인 절차의 상당히 불협화음을 허용했지만, 재구성된 유행과 동시에 과감한 리듬, 단호한 조화, 깔끔한 단면 형태를 선호하여 낭만주의의 거미줄과 인상주의의 희미한 빛을 날려버리려고 했다.발레와 체육에서 춤과 복장을 "무용"했다.

17-18세기 무용곡은 제1차 세계대전 전에 약간의 부활을 거쳤지만, 신고전주의자들은 수정되지 않은 디아토니즘에 완전히 만족하지 않았고, 현수막과 장식의 밝은 부조화, 17세기 모달 조화의 각진 특성, 그리고 역작의 활기찬 선을 강조하는 경향이 있었다.레스피기의 고대 공기와 춤(1917)은 신고전주의자들이 갈망했던 종류의 소리를 위한 길을 이끌었다.비록 과거의 음악 스타일을 차용하는 관행은 음악 역사를 통틀어 드물지 않았지만, 예술 음악은 음악가들이 새로운 종류의 작품을 만들기 위해 오래된 형태나 하모니와 결합된 현대적 기법을 사용해 왔다.주목할 만한 구성적 특징은 디아토닉 톤의 참조, 전통적인 형식(댄스 스위트, 콘체르티 그로시, 소나타 형식 등), 묘사적 또는 감정적 연관성에 의해 구속되지 않는 절대 음악의 개념, 가벼운 음악적 질감의 사용, 그리고 음악적 표현의 간결함이다.클래식 음악에서 이것은 1920년대와 1950년대 사이에 가장 두드러지게 인식되었다.이고르 스트라빈스키는 이 스타일을 사용하는 가장 잘 알려진 작곡가이다; 그는 바흐와 같은 관악기 옥텟(1923년)으로 음악 혁명을 효과적으로 시작했다.이 스타일을 잘 보여주는 작품으로는 하이든이나 모차르트의 교향곡 스타일을 연상시키는 프로코피예프의 클래식 교향곡 D번 1번이 있다.조지 발란친에 의해 혁신된 신고전주의 발레는 러시아 제국 스타일을 의상, 스텝, 이야기 면에서 탈클러터화시키는 동시에 기술 혁신을 도입했다.

러시아와 소련의 건축

러시아 모스크바에 있는 프란체스코 캄포레시에 의해 설계되어 1798년에 완공된 오스탄키노 궁전

1905-1914년 러시아 건축은 짧지만 영향력 있는 신고전주의 부흥기를 거쳤다; 이러한 경향은 알렉산드린 시대의 엠파이어 스타일의 재창조로부터 시작되었고, 빠르게 다양한 신르네상스, 팔라디안 그리고 현대화되었지만 인정받을 수 있는 고전주의 학교들로 확장되었다.이들은 이반 포민, 블라디미르 슈추코, 이반 졸토프스키 등 제1차 세계대전 전 창작의 정점에 도달한 1870년대에 태어난 건축가들에 의해 주도됐다.1920년대에 경제가 회복되었을 때, 이 건축가들과 그 추종자들은 주로 모더니즘적인 환경에서 계속 일했습니다; 몇몇 (졸토프스키)들은 고전적인 규범을 엄격하게 따랐고, 다른 (포민, 슈코, 일리야 골로소프)들은 그들만의 현대화된 [83]스타일을 개발했습니다.

아르한겔스코예 사유지

건축가들에 대한 탄압과 소련 궁전을 위한 국제적인 공모로 증명된 모더니즘의 공식 부인(1932년)과 함께, 신고전주의는 비록 유일한 선택은 아니지만 스탈린주의 건축의 선택 중 하나로 즉시 촉진되었다.그것은 현대의 아르데코(슈코)와 접한 보리스 이오판의 온건한 모더니즘 건축과 공존했다.또한 이 양식의 가장 순수한 예는 고립된 현상으로 남아 있는 졸토프스키 학파에 의해 만들어졌다.정치 개입은 구성주의 지도자들에게는 재앙이었지만 고전파 건축가들은 진심으로 환영했다.

신고전주의는 현대 건축 기술(철골조 또는 철근 콘크리트)에 의존하지 않고 전통적인 석조 건축에서 재현될 수 있었기 때문에 소련에게 쉬운 선택이었다.따라서 졸토프스키, 포민, 그리고 다른 오래된 거장들의 디자인은 엄격한 물질 배급 하에 외딴 마을에서 쉽게 복제되었다.제2차 세계대전 후 건축 기술의 향상으로 스탈린주의 건축가들이 고층 빌딩 건설에 도전할 수 있게 되었지만, 이러한 고층 빌딩들(문화 과학 궁전, 바르샤바 및 상하이 국제 컨벤션 센터)은 양식적으로는 고전적인 모델들과 거의 유사하지 않다.니키타 흐루쇼프가 고가의 스탈린식 건축물을 폐지한 1955년까지 신고전주의와 신르네상스는 덜 까다로운 주거 및 사무실 프로젝트를 지속했다.

21세기의 건축

주요 기사:새로운 클래식 아키텍처
2006년 셔머혼 심포니 센터

현대 건축이 지배하던 기간 동안 잠시 소강상태를 보인 후, 신고전주의는 다소 부활했다.

21세기의 첫 10년을 기점으로 현대 신고전주의 건축은 보통 신 고전주의 건축이라는 포괄적 용어로 분류된다.때때로 그것은 신역사주의 또는 [84]전통주의로 언급되기도 한다.또한, 많은 포스트모던 건축 작품들은 신고전주의, 안티고네 지구, 바르셀로나의 카탈로니아 국립극장에 대한 노골적인 언급을 포함하고 있다.포스트모던 건축은 때때로 기둥, 대문자 또는 팀파넘과 같은 역사적 요소를 포함한다.

지역 건축, 재료, 장인 정신을 고집하는 진정한 전통 건축은 전통 건축(또는 토속 건축)이라는 용어가 대부분이다.드라이하우스 건축상은 21세기 전통 또는 고전 건축 분야의 주요 공로자에게 수여되는 상으로 모더니즘 프리츠커상보다 [85]2배 높은 상금이 수여된다.

미국에서는 내슈빌에 있는 2006년 셔머혼 심포니 센터를 예로 들며 다양한 현대 공공건물이 신고전주의 스타일로 지어졌다.

영국에서는 많은 건축가들이 신고전주의 양식으로 활동한다.이들의 작업 예로는 두 개의 대학 도서관이 있습니다.다우닝 대학의 퀸랜 테리의 메이트랜드 로빈슨 도서관, 로버트 아담 아키텍트의 새클러 도서관.

「 」를 참조해 주세요.

메모들

  1. ^ Stevenson, Angus (2010-08-19). Oxford Dictionary of English. ISBN 9780199571123.
  2. ^ Kohle, Hubertus (August 7, 2006). "The road from Rome to Paris. The birth of a modern Neoclassicism". Jacques Louis David. New perspectives.
  3. ^ Irwin, David G. (1997). Neoclassicism A&I (Art and Ideas). Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-3369-9.
  4. ^ Honor, 17-25; Novotny, 21
  5. ^ Clark의 반복 테마: 19-23, 58-62, 69, 97-98(Ingres)Honor, 187-190; Novotny, 86-87
  6. ^ Lingo, Estelle Cecile (2007). François Duquesnoy and the Greek ideal. Yale University Press; First Edition. pp. 161. ISBN 978-0-300-12483-5.
  7. ^ Talbott, Page (1995). Classical Savannah: fine & decorative arts, 1800-1840. University of Georgia Press. p. 6. ISBN 978-0-8203-1793-9.
  8. ^ Cunningham, Reich, Lawrence S., John J. (2009). Culture and values: a survey of the humanities. Wadsworth Publishing; 7 edition. p. 104. ISBN 978-0-495-56877-3.
  9. ^ 의장, 57-62, 61 인용
  10. ^ 둘 다 '그림과 조각의 그리스 작품 모방에 관한 생각'의 첫 페이지에서 인용한 것이다.
  11. ^ Dyson, Stephen L. (2006). In Pursuit of Ancient Pasts: A History of Classical Archaeology in the Nineteenth and Twentieth Centuries. Yale University Press. pp. xii. ISBN 978-0-300-11097-5.
  12. ^ 명예, 21세
  13. ^ 명예, 11, 23-25
  14. ^ 명예, 44-46; 노보트니, 21
  15. ^ 의장, 43-62
  16. ^ a b Fortenberry 2017, 페이지 276.
  17. ^ Clark, 20(따옴표);Honor, 14; 그림의 이미지 (공정하게 말하면 멩스의 다른 작품들이 더 성공적)
  18. ^ Honor, 31-32 (따옴표 31개)
  19. ^ 의장, 113-114
  20. ^ 명예, 14세
  21. ^ 노보트니, 62세
  22. ^ 노보트니, 51-54
  23. ^ Clark, 45-58 (47-48 인용);의장, 50-57
  24. ^ Honor, 34-37; Clark, 21-26; Novotny,
  25. ^ Novotny, 39-47; Clark, 97-145; Honor, 187-190
  26. ^ Fortenberry 2017, 275페이지
  27. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 413. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  28. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 211. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  29. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 419. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  30. ^ Kessler, Erwin (2018). Tricolor (in English and Romanian). Vellant. p. 49. ISBN 978-606-980-055-3.
  31. ^ Fortenberry 2017, 페이지 278.
  32. ^ 노보트니, 378
  33. ^ 노보트니, 378~379
  34. ^ Chinard, Gilbert, ed., Houdon in America Arno PressNy, 1979, 1930년 존스 홉킨스 대학에서 출판된 책의 전재본
  35. ^ 노보트니, 379-384
  36. ^ 노보트니, 384-385
  37. ^ 노보트니, 388-389
  38. ^ 노보트니, 390-392
  39. ^ Gerdts, William H., American Neo-Classic Sculpture: The Marble Resuration, 뉴욕, 바이킹 프레스, 1973년 11페이지
  40. ^ ART ● Architecture ● Painting ● Sculpture ● Graphics ● Design. 2011. p. 313. ISBN 978-1-4454-5585-3.
  41. ^ Laneyrie-Dagen, Nadeije (2021). Historie de l'art pour tous (in French). Hazan. p. 264. ISBN 978-2-7541-1230-7.
  42. ^ Laneyrie-Dagen, Nadeije (2021). Historie de l'art pour tous (in French). Hazan. p. 265. ISBN 978-2-7541-1230-7.
  43. ^ Palmer, Alisson Lee. Historical dictionary of neoclassical art and architecture. p. 1.
  44. ^ a b 곤타
  45. ^ 명예, 110~111, 110 인용
  46. ^ 명예, 171~184, 인용된 171
  47. ^ 존스 2014, 페이지 273
  48. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 200, 201 & 202.
  49. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 71.
  50. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 72.
  51. ^ de Martin 1925, 11페이지
  52. ^ 존스 2014, 페이지 276
  53. ^ de Martin 1925, 13페이지
  54. ^ Jacquemart, Albert (2012). Decorative Art. Parkstone. p. 65. ISBN 978-1-84484-899-7.
  55. ^ Larbodière, Jean-Marc (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (in French). Massin. p. 105. ISBN 978-2-7072-0915-3.
  56. ^ de Martin 1925, 17페이지
  57. ^ "Corner Cabinet - The Art Institute of Chicago".
  58. ^ 드 마틴 1925, 페이지 61
  59. ^ a b Jacquemart, Albert (2012). Decorative Art. Parkstone. p. 61. ISBN 978-1-84484-899-7.
  60. ^ "ASTRONOMICAL CLOCK". madparis.fr. Retrieved 23 May 2021.
  61. ^ "Bergère du salon de Madame Récamier (OA 11384 à 11391), d'une paire avec OA 11386". collections.louvre.fr. Retrieved 23 May 2022.
  62. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 217, 219, 220 & 221.
  63. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 103 & 105.
  64. ^ 존스 2014, 페이지 275
  65. ^ a b 홉킨스 2014, 페이지 111
  66. ^ Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Symbols of Power • Napoleon and the Art of the Empire Style • 1800-1815. p. 209. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  67. ^ Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Symbols of Power • Napoleon and the Art of the Empire Style • 1800-1815. p. 32. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  68. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 253, 255 & 256.
  69. ^ a b 홉킨스 2014, 페이지 103
  70. ^ Bailey 2012, 페이지 226. 오류:: 2012
  71. ^ Fortenberry 2017, 페이지 274.
  72. ^ Farthing, Stephen (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta urbană (in Romanian). rao. p. 260. ISBN 978-606-006-392-6.
  73. ^ 홉킨스 2014, 페이지 104
  74. ^ "Covered Urn - Cleveland Museum of Art". 30 October 2018. Retrieved 6 May 2022.
  75. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 269, 270, & 271.
  76. ^ a b 호지 2019, 112페이지
  77. ^ 호지 2019, 페이지 31
  78. ^ Turner, Turner (2013). British gardens: history, philosophy and design, Chapter 6 Neoclassical gardens and landscapes 1730-1800. London: Routledge. p. 456. ISBN 978-0415518789.
  79. ^ 헌트, 244
  80. ^ 헌트, 244-245
  81. ^ 헌트, 243
  82. ^ 리펠지, 35세
  83. ^ "The Origins of Modernism in Russian Architecture". Content.cdlib.org. Retrieved 2012-02-12.
  84. ^ "Neo-classicist Architecture. Traditionalism. Historicism".
  85. ^ Driehouse Award for New Classical Architecture at Notre Dame SoA – 200,000달러 상당의 Driehouse Award와 50,000달러 상당의 Reed Award는 현대 건축 환경에서 가장 중요한 클래식함을 인정받고 있습니다.2014년 3월 7일 보유

레퍼런스

추가 정보

  • 브라운, 케빈(2017).예술가와 후원자: 앙시앙 정권 말기 브뤼셀의 궁정 예술과 혁명, 더치 크로싱, 테일러와 프란시스
  • 에릭센, 스벤드프랑스의 초기 신고전주의(1974년)
  • 프리들렌더, 월터(1952)David to Delacroix(독일어 원판, 1980년 전재)
  • Gromort, Georges, Richard Sammons (2001)의 입문 에세이.고전 건축의 요소 (예술과 건축의 고전 미국 시리즈)
  • 해리슨, 찰스; 폴 우드와 제이슨 가이거 (에드) (2000; repr.2003) Art in theory 1648–1815: 변화하는 생각의 선집
  • 하탑, 크리스토퍼, 팀 녹스(2010)의 서문.고전적 이상: 잉글리시 실버, 1760–1840, 호기 고양이.케임브리지:존 애덤슨 ISBN 978-0-9524322-9-6
  • 어윈, 데이비드(1966)영국의 신고전주의 예술: 영감과 맛에 관한 연구
  • 존슨, 제임스 윌리엄."신고전주의란 무엇인가?"영국학 저널, 제9권, 제1호, 1969년, 페이지 49-70 온라인.
  • 로젠블럼, 로버트(1967).18세기 후반 미술의 변천

외부 링크

Wikimedia Commons에는 신고전주의 관련 미디어가 있습니다.