장식(아트)

건축과 장식 예술에서, 장식은 건물이나 사물의 일부를 장식하는 데 사용되는 장식이다.비석 조각과 장식 예술에서의 그와 동등한 요소들과 같은 큰 비유적 요소들은 용어에서 제외된다; 대부분의 장신구들은 인물을 포함하지 않으며, 만약 존재한다면 그것들은 전체적인 규모에 비해 작다.건축장식은 돌, 나무 또는 귀금속을 조각하거나 석고 또는 점토로 형성하거나 표면에 도색 또는 감명을 가하여 장식할 수 있다.기타 응용예술에서는 물체의 주요 재료 또는 페인트나 유리 에나멜 등의 다른 재료를 사용할 수 있다.

도예, 가구, 금속세공 등 건축과 응용예술에 다양한 장식양식과 모티브가 개발되고 있다.장식이 존재의 주된 근거가 될 수 있는 직물, 벽지 및 기타 물건에서는 패턴 또는 디자인이라는 용어가 사용될 가능성이 높다.장식에 사용되는 다양한 모티브는 기하학적 모양과 무늬, 식물, 그리고 인간과 동물의 형상을 모티브로 한다.유라시아와 지중해 세계 전역에 걸쳐 3,000년 이상 식물성 장식의 풍부하고 연계된 전통이 있었다; 세계의 다른 지역의 전통적인 장식은 전형적으로 기하학적 그리고 동물의 모티브에 더 의존한다.

1941년 ^[1]에세이에서 건축사학자 존 서머슨 경은 이것을 "표면 변조"라고 불렀다.최초의 장식과 장식은 종종 다른 재료의 장식이 없어진 도자기 위에 단순한 표시로 선사시대 문화로부터 살아남는다.도공의 바퀴가 사용된 곳에서, 기술은 어떤 종류의 장식을 매우 쉽게 만들었다; 직물은 또한 장식이나 무늬에 매우 쉽게 적응하는 또 다른 기술이며, 어느 정도 그 형태를 결정한다.장식은 고대 이집트 건축에서부터 20세기 모더니즘 건축의 명백한 장식 부족에 이르기까지 기록된 역사의 시작부터 문명에 뚜렷이 나타나 왔다.

장식물은 장식되지 않은 물건도 충족시킬 수 있는 기능을 가지고 있다는 것을 암시한다.사물이 그러한 기능을 가지고 있지 않고 조각이나 그림 같은 예술 작품으로만 존재하는 경우에는 주변 요소를 제외하고는 이 용어가 사용될 가능성이 적다.최근 몇 세기 동안 미술과 응용 예술 또는 장식 예술(건축 제외)의 구별이 적용되어 왔으며, 장식 예술은 주로 후자의 ^{[citation needed]}특색으로 보인다.

역사

많은 문화에서 예술의 역사는 날카로운 반응이 더 평범한 형태로 돌아오기 전에, 그리고 그 후에 장식이 점차 증가하는 일련의 파도와 같은 경향을 보여준다.그 패턴은 켈스기와 다른 필사본의 고도로 장식된 섬나라 예술이 유럽 대륙에 영향을 미쳤던 후기 로마 유럽 예술에서 특히 뚜렷하지만, 고전적으로 영감을 받은 카롤링거와 오트톤의 예술이 그것을 대체했다.장식품은 로마네스크와 고딕 시대에 증가했지만, 르네상스 초기 양식에서는 다시 고전적인 영향을 받아 크게 감소했습니다.북방 매너리즘의 또 다른 증가 시기인 바로크와 로코코는 19세기 후반 나폴레옹 3세 양식, 빅토리아 시대의 장식 예술과 그에 준하는 예술과 공예 운동과 모더니즘에 의해 결정적으로 축소되기 전에 신고전주의와 낭만주의 시대에 의해 견제되었다.

유라시아의 장식 형태에 대한 자세한 연구는 알로이스 리글이 1893년 형식주의 연구 Stilfragen: Grundlegen zu einer Geschichte der Cornostik (스타일의 문제: 장식 역사의 기초)에서 시작되었고, 그는 그 과정에서 쿤스트울렌에 ^[2]대한 영향력 있는 개념을 개발했다.리글은 고대 이집트 예술과 다른 고대 근동 문명에서부터 이슬람 미술의 아라베스크에 이르기까지 형식주의적인 연속성과 장식적인 식물 형태의 발전을 추적했다.오늘날 Kunstwollen의 개념은 소수의 추종자를 가지고 있지만,^[3] 형태 발달에 대한 그의 기본적인 분석은 오늘날 알려진 광범위한 사례들에 의해 확인되고 다듬어졌다.제시카 로슨은 최근 리글이 다루지 않은 중국 미술을 대상으로 분석을 확대해 중국 장식의 많은 요소들을 같은 전통으로 거슬러 올라간다. 이 같은 배경은 몽골 침략 이후 중국 모티브를 페르시아 미술에 동화시키는 ^[4]데 도움이 된다.

장식 스타일은 독특한 형태의 장식을 발전시킨 특정 문화나 다른 문화에서 변형된 장식을 참고하여 연구될 수 있다.고대 이집트 문화는 틀림없이 그들의 건물에 순수한 장식을 추가한 최초의 문명이다.그들의 장식은 그 기후에서 자연계의 형태를 취하며, 기둥과 벽의 꼭대기를 파피루스와 야자수의 이미지로 장식한다.아시리아 문화는 이집트의 자료와 그 지역의 식물과 동물의 형상을 포함한 많은 원래의 주제로부터 영향을 받는 장식품을 생산했다.

고대 그리스 문명은 알렉산드로스 대왕의 정복과 동아시아로 모티브를 가져온 불교의 확대에 힘입어 유라시아 전역으로 확산된 많은 새로운 형태의 ^[5]장식품을 만들었다.서양에서는 고대 로마에서 라틴화된 형태의 그리스 장식이 약 1천 년 동안 지속되었고, 고딕 형식으로 대체된 후, 이탈리아 르네상스에 강력하게 부활하여 오늘날에도 널리 사용되고 있다.

로마 장식품

로마 제국의 장식은 대리석, 유리, 흑요석, 금을 포함한 다양한 스타일과 재료를 사용했다.로마의 장식, 특히 폼페이의 맥락에서, 학자 제시카 파워스는 그녀의 책 "폼페이의 집들에서의 그림 너머:벽장식들과 그 손님들"Powers는 만약 정보가 제공된다면, 관상용 물체를 따로 연구하는 대신, 사물들은 본래의 맥락에서 접근해야 한다고 주장한다.이 정보에는 작업이 발견된 위치, 근처에 위치하거나 발견된 다른 개체 또는 작업을 의뢰한 후원자가 포함될 수 있습니다.^[6] 제시카 파워스의 장에서는 주로 폼페이의 카사 데글리 아모리니 도라티에 대해 논의하는데, 폼페이의 집 중 가장 많은 18개의 벽장식이 발견되었다.폼페이 집의 내부 벽 장식은 일반적으로 ^[7]벽 높이의 약 6분의 1을 차지하는 다도가 있는 3개 이상의 부분으로 벽을 나누었다.벽 부분은 벽의 윗부분을 가로지르는 띠 모양의 프리즈로 연결된 넓은 필라스터로 나누어져 있을 것입니다.폼페이의 카사 데글리 아모리니 도라티에서 발견된 장식은 이 표준 스타일을 반영하여 분명히 재사용된 물건과 희귀하고 수입된 물건을 포함하고 있다.Casa Degli Amorini Dorati의 벽에 있는 패널들 중 몇 개는 1970년대 고고학 작업 중에 제거되었는데, 이것은 패널들이 발견되기 전에 다른 벽에 붙어 있었다는 것을 보여준다.제시카 파워스는 이 패널들이 집주인과 그들의 집에서 파손되거나 중고된 재료를 사용하려는 고객들의 의지를 보여주고 있다고 주장한다.게다가 장식용 벽판에 사용된 재료들은 폼페이가 아닌 그리스 동부와 이집트에서 나온 것으로 밝혀졌다.이것은 로마 제국을 가로질러 번성했던 정교한 무역로들을 가리키며, 집주인들은 그들의 집을 꾸미기 위해 폼페이의 외부에서 가져온 재료들을 사용하는 것에 관심이 있었다.

집뿐만 아니라 공공 건물과 사원은 로마의 장식 양식이 전시된 장소이다.로마 신전에서, 학자 오웬 존스가 그의 책 챕터인 로마 장식에서 언급했듯이, 장식의 사치스러운 사용은 자기 영화의 수단으로 작용했다.로마의 장식 기술에는 표면에 장식적인 스타일을 적용하는 표면 모형이 포함됩니다.이것은 대리석 ^[8]표면을 가진 일반적인 장식 양식이었다.하나의 일반적인 장식 스타일은 그리스에서 채택된 모티브인 아칸서스 잎을 사용한 것이다.아칸서스 잎과 다른 자연주의 모티브의 사용은 코린트 수도, 사원, 그리고 다른 공공 장소에서 볼 수 있다.

장식 프린트 및 패턴 북

몇몇 중세 노트들이 남아 있는데, 가장 유명한 것은 예술가와 장인들이 미래에 사용하기 위해 어떻게 디자인을 기록했는지 보여주는 빌라르 드 호네쿠르(13세기)의 노트들이다.인쇄물의 도착과 함께, 장식 인쇄물은 특히 독일에서 판화 제작자들의 생산물의 중요한 부분이 되었고, 모든 종류의 물건 제작자들에게 새로운 르네상스 스타일이 빠르게 확산되는 데 중요한 역할을 했다.로마의 실내 장식에서 파생된 건축과 그로테스크 스타일 모두 부활한 고전적인 장식들뿐만 아니라, 이것들은 이슬람 아라베스크를 유럽식으로 개조한 모레스케와 같은 새로운 스타일을 포함했다.

인쇄가 저렴해지면서, 하나의 장식 인쇄물은 세트로, 그리고 마침내 책이 되었다.16세기부터 19세기까지 유럽에서 패턴북이 출판되어 장식적인 요소를 접할 수 있게 되었고, 결국 전 세계 문화권에서 기록된 것을 포함하게 되었다.안드레아 팔라디오의 I quattro libri dell'architetura (건축에 관한 4권의 책) (베니스, 1570)^[9]는 고전 로마 건축의 그림과 팔라디오 자신의 디자인을 모티브로 한 그림 모두를 포함하였고, 건축에 대해 쓰여진 책 중 가장 영향력 있는 책이 되었다.나폴레옹은 이집트의 위대한 피라미드와 신전들을 이집트 기술 (1809)에 기록했다.오웬 존스는 1856년 이집트, 터키, 시칠리아, 스페인에서 온 장식의 색칠된 삽화와 함께 "장식의 문법"을 출판했다.그는 알함브라 궁전에 거주하면서 아라베스크, 서예, 기하학적 무늬를 포함한 이슬람 장신구의 화려한 디테일에 대한 그림과 석고 주물을 만들었다.클래식 건축에 대한 관심 또한 그랜드 투어를 여행하는 전통과 비트루비우스와 미켈란젤로의 작품에서 건축에 관한 초기 문학의 번역에 의해 가속화되었다.

19세기 동안, 장식의 수용 가능한 사용과 그것의 정확한 정의는 건축가들과 비평가들이 적절한 스타일을 찾으면서 서양 건축학계에서 미적 논쟁의 원인이 되었다.토마스 레버튼 도날드슨은 1847년에 "위대한 질문은 우리가 19세기의 독특하고, 개성 있고, 눈에 띄는 건축 양식을 가져야 하는가?"^[10]라고 물었다.1849년 매튜 디그비 와이어트가 파리의 샹젤리제에서 열린 프랑스 산업 박람회를 보았을 때, 그는 인조 청동과 ^[11]인조 우드그랑의 회반죽 장신구에 대해 현대적으로 인정받을 수 있는 용어로 반대했다.

내외부 모두 맛없고 수익성이 없는 장식품들이 많다...만약 각각의 단순한 소재가 그 자체의 이야기를 할 수 있도록, 그리고 건축의 선이 웅장한 감정을 이끌도록 배치되어 있다면, 그 엄청난 범위가 반드시 보장되어야 하는 "권력"과 "진실"의 질은 거의 감탄하지 않을 수 없었을 것이고, 그리고 그것은 매우 큰 비용 절감으로 이어질 것이다.

식민주의와 고고학의 새로운 발견을 통한 다른 문화와의 접촉은 부활주의자들이 이용할 수 있는 장식물의 레퍼토리를 확장시켰다.약 1880년 이후, 사진술은 장식의 세부사항을 인쇄물보다 훨씬 더 널리 이용할 수 있게 만들었다.

모던한 장식

현대의 방앗간 장신구는 나무, 플라스틱, 복합재 등으로 만들어져 있습니다.그것들은 많은 다른 색깔과 모양으로 나온다.순수하게 기능적인 구조물을 위해 장식물을 제거하는 것으로 생각되는 현대 건축은 건축가들에게 어떻게 하면 현대 ^[12]구조물을 적절히 장식할 수 있는지에 대한 문제를 남겼다.이 위기 인식으로부터 이용 가능한 경로는 두 가지가 있었다.하나는 새롭고 본질적으로 현대적인 장식적인 어휘를 고안해내려는 시도였다.이것은 루이 설리번과 그의 제자 프랭크 로이드 라이트, 또는 독특한 안토니 가우디가 선택한 길이었다.20세기 초에 유행했던 아르누보는 부분적으로 그런 "자연스러운" 장식 어휘를 발전시키기 위한 의식적인 노력이었다.

Christopher Dresser의 일부 디자인에서와 같이 보다 급진적인 루트는 장식품의 사용을 완전히 포기했다.당시 그러한 장식되지 않은 물건들은 예를 들어 핀란드의 아라비아 공장에서 생산되는 도자기들, 또는 전선의 유리 절연체들과 같은 많은 가공되지 않은 일상용품들에서 발견될 수 있었다.

후자의 접근법은 건축가 아돌프 루스가 1913년 영어로 번역한 그의 1908년 선언문에서 설명되었으며, 그는 장식과 범죄라는 제목의 논쟁에서 장식 부족이 선진 사회의 신호라고 선언했다.그의 주장은 장식이 경제적으로 비효율적이고 "도덕적으로 타락했다"며 장식을 줄이는 것은 ^[13]진보의 신호라는 것이었다.모더니스트들은 미국 건축가 루이스 설리번을 미적 단순화의 대부로 지목하기를 간절히 바랐으며, 그의 건축물의 피부를 잘 드러내는 복잡한 무늬 장식의 매듭을 일축했다.

1920년대와 1930년대에 걸친 르 코르뷔지에와 바우하우스의 작품과 함께, 장식적인 디테일의 부족은 현대 건축의 특징이 되었고 정직, 단순함, 그리고 순수함의 도덕적 미덕과 동등해졌다.1932년 필립 존슨과 헨리 러셀 히치콕은 이것을 "국제 스타일"이라고 불렀다.취향의 문제로 시작되었던 것이 미적 권한으로 바뀌었습니다.모더니스트들은 자신들의 방식을 건축할 수 있는 유일한 방법이라고 선언했다.미에스 반 데 로에의 고도로 발달된 전후 작품에서 양식이 정점에 달했을 때, 1950년대의 모더니즘의 교리는 너무 엄격해져서 에드워드 두렐 스톤과 에로 사리넨과 같은 뛰어난 건축가들도 미적 ^{[citation needed]}규칙에서 벗어난다는 이유로 조롱을 받고 효과적으로 따돌림을 당하게 되었다.

동시에, 장식에 대한 불문율도 심각한 문제가 되기 시작했다.1941년 존 서머슨은 "건축은 다소 어렵게 장식으로부터 자유로워졌지만 장식 공포에서 자유로워지지는 못했다"고 말했다.^[14]

장식과 구조 사이의 바로 그 차이는 미묘하고 아마도 제멋대로일 것이다.고딕 건축의 뾰족한 아치와 날아다니는 버팀목은 장식적이지만 구조적으로 필요하다. 피에트로 벨루시 스타일의 고층 빌딩의 화려한 리드미컬한 띠는 필수적이며, 적용되지는 않았지만, 확실히 장식적인 효과가 있다.게다가, 건축 장식은 규모를 설정하고, 진입을 알리고, 길찾기를 돕는 실용적인 목적에 도움이 될 수 있으며, 이러한 유용한 설계 전술은 금지되었다.그리고 1950년대 중반까지, 모더니즘의 거장 르 코르뷔지에와 마르셀 브로이어는 매우 표현력 있고 조각적인 콘크리트 작품을 만들어냄으로써 그들만의 규칙을 어기고 있었다.

장식에 대한 논쟁 1959년 시그램 빌딩, 데어 로에는 건물의 밖에 구조적으로 불필요한 수직 I-beams의 일련을 설치한 경우의 토론과 1984년 필립 존슨 장식 분홍색 화강암 신조지 왕조풍의 페디먼트, argumen과 그의 AT&T빌딩 맨해튼에서 생산에 의하여 정점에 도달했다.t이상사실상 종료되었습니다.돌이켜보면 비평가들은 AT&T 빌딩을 최초의 포스트모더니즘 건축물로 ^{[citation needed]}보고 있다.

「 」를 참조해 주세요.

• 응용 예술
• 예술 작품
• 청동과 놋쇠 장식품
• 브로케이드
• 활판 장식품:딩배츠

메모들

19세기 장식의 개요

• Dolmetsch, Heinrich (1898). The Treasury of Ornament. (s:de:Heinrich Dolmetsch)
• 오웬 존스 (1856년)장식의 문법.
• 마이어, Franz Sales,(1898), 장식 핸드북
• Speltz, Alexander (1915). The Coloured Ornament of All Historical Styles.

레퍼런스

• Lewis, Philippa; G. Darley (1986). Dictionary of Ornament. New York: Pantheon. ISBN 0-394-50931-5.
• 로슨, 제시카, 중국 장식품: 연꽃과 용, 1984년 대영박물관 출판물, ISBN 0-7141-1431-6
• Tabbaa, Yasser, 수니파 부흥기 이슬람 미술의 변혁, I.B.타우리스, 2002년, ISBN 1-85043-392-5, ISBN 978-1-85043-392-7, 구글북스
• 제임스 트릴링 장식의 언어
• 서양미술의 피터슨, 사라, 장식과 패턴: 르네상스와 매너리즘, 바로크, 로코코, 신고전주의, 역사주의, 전통역사주의, 19세기 개혁운동, 20세기, 그로브 미술사전, 1996년 편집