영화 산업

Film industry

영화 산업 또는 영화 산업은 영화 제작의 기술 및 상업 기관, 즉 영화 제작 회사, 영화 스튜디오, 촬영술, 애니메이션, 영화 제작, 각본, 사전 제작, 사후 제작, 영화제, 배급 및 배우로 구성됩니다. 비록 영화제작에 관련된 비용이 거의 즉시 영화제작에 집중하게 만들었지만, 저렴한 영화제작장비의 발전은 물론 영화산업 자체의 외부로부터 투자자본을 획득할 수 있는 기회의 확대, 독립적인 영화 제작이 발전할 수 있도록 했습니다.

2019년, 전 세계 박스 오피스 422억 달러의 가치가 있었습니다.[1] 흥행 수익과 홈 엔터테인먼트 수익을 포함하면 2018년 전 세계 영화 산업은 1360억 달러 규모입니다.[2] 할리우드는 세계에서 가장 오래된 국가 영화 산업이며, 박스 오피스 총 수익 면에서 가장 큽니다. 인도 영화는 2019년 기준으로 연간 2,446편의 장편 영화가 제작되는 등 제작 편수 면에서 가장 큰 국가 영화 산업입니다.[3]

현대 영화 산업

전 세계 연극 시장은 2019년 422억 달러의 박스오피스를 기록했습니다. 박스오피스 총 수입 기준 상위 3개 대륙/지역은 아시아 태평양 178억 달러, 미국과 캐나다 114억 달러, 유럽, 중동 및 북아프리카 103억 달러였습니다. 2019년 기준 박스오피스별 최대 시장은 미국, 중국, 일본, 대한민국, 영국, 프랑스, 인도 순으로 감소했습니다.[1] 2019년 기준으로 영화 제작 횟수가 가장 많은 국가는 인도, 나이지리아, 미국입니다.[4] 유럽에서는 이탈리아, 프랑스, 독일, 스페인 및 영국이 영화 제작의 중요한 중심지입니다.[5]

미국

할리우드 간판

흔히 할리우드라고 불리는 미국의 영화는 20세기 초부터 전 세계의 영화에 지대한 영향을 미치고 있습니다. 미국 영화관(할리우드)은 세계에서 가장 오래된 영화 산업이며 수익 면에서도 가장 큰 영화 산업입니다. 할리우드는 이 지역에 미국 영화 연구소, LA 영화 학교 및 NYFA와 같은 설립된 영화 연구 시설과 함께 미국 영화 산업의 주요 연결고리입니다.[6] 그러나 6개의 주요 영화 스튜디오 중 4개는 이스트 코스트 회사가 소유하고 있습니다. 메트로 골드윈 메이어, 20세기 폭스, 파라마운트 픽처스를 포함한 할리우드의 주요 영화 스튜디오들사운드 오브 뮤직 (1965), 스타워즈 (1977), 타이타닉 (1997), 아바타 (2009)와 같은 영화들을 [7][8]포함하여 세계에서 가장 상업적으로 성공한 영화들의 주요 원천입니다.

오늘날 미국의 영화 스튜디오는 매년 수백 편의 영화를 일괄적으로 제작하여 미국을 세계에서 가장 다작하는 영화 생산국 중 하나로 만들고 있습니다. 월트 디즈니 스튜디오를 소유한 유일한 월트 디즈니 컴퍼니남부 캘리포니아에 완전히 기반을 두고 있습니다.[9] 그리고 소니 픽처스 엔터테인먼트는 캘리포니아 컬버 시티에 본사를 두고 있지만 모회사인 소니 코퍼레이션은 일본 도쿄에 본사를 두고 있습니다. 대부분의 촬영은 현재[when?] 캘리포니아, 뉴욕, 루이지애나, 조지아, 노스캐롤라이나에서 진행되고 있습니다. 뉴멕시코, 특히 앨버커키와 산타페 지역은 촬영하기에 점점 더 인기 있는 주였습니다. 텔레비전 쇼 브레이킹 배드가 그곳에서 배경이 되었고, 노인위한 나라는 없다와 러스트와 같은 영화가 그곳에서 촬영되었습니다.[citation needed] 2009년에서 2015년 사이 할리우드는 지속적으로 연간 100억 달러(또는 그 이상)의 수익을 올렸습니다.[10] 공식적으로 오스카상으로 알려진 할리우드의 시상식인 아카데미 시상식은 매년 영화 예술 과학 아카데미(AMPAS)에서 개최되며 2019년 현재 3,000개 이상의 오스카상이 수상되었습니다.[11]

1911년 네스터 스튜디오

1911년 10월 27일, 네스토르 영화사는 할리우드 최초의 영구 영화 스튜디오를 설립했습니다. 캘리포니아 날씨로 인해 일년 내내 촬영이 가능했습니다. 1912년에 Universal Studios가 설립되어 Nestor와 Independent Moving Pictures (IMP)를 포함한 여러 다른 영화 회사들을 합병했습니다.

프랑스.

프랑스는 영화의 탄생지이며 예술 형식과 영화 제작 과정 자체에 중요한 기여를 한 많은 부분에 책임이 있습니다.[12] 누벨 바기스를 포함한 몇 가지 중요한 영화적 운동이 이 나라에서 시작되었습니다. 영화 산업이 특히 강한 것으로 유명한데, 이는 부분적으로 프랑스 정부가 제공하는 보호 덕분입니다.[12]

프랑스 영화는 때때로 외국의 영화와 얽혀 있습니다. 폴란드(로마 폴란스키, 에 ś로프스키, 안드레이 ż우와프스키), 아르헨티나(가스파르 노에, 에드가르도 코자린스키), 러시아(알렉산드르 알렉세이에프, 아나톨 리트바크), 오스트리아(미하엘 하네케), 조지아(젤라 바블루아니, 오타르 이오셀리아니) 등의 감독들이 프랑스 영화계에서 두각을 나타내고 있습니다. 반대로, 일부 프랑스 감독들은 미국의 뤽 베송, 자크 투르뇌르 또는 프란시스 베베르와 같은 다른 나라에서 경력을 쌓았습니다.

사실을 뒷받침하는 또 다른 요소는 거주자 1인당 영화관 수로 측정한 파리의 영화관 밀도가 세계에서 가장 높고,[13] 대부분의 "파리 시내" 영화관에서는 다른 곳의 "아트 하우스" 영화관에 한적한 외국 영화가 "주류" 작품과 함께 상영된다는 것입니다. 2000년 2월 2일, 필립 비난트(Philippe Binant)는 텍사스 인스트루먼트(Texas Instruments)가 개발한 DLP CINEMA 기술로 유럽 최초의 디지털 시네마 프로젝션을 파리에서 실현했습니다.[14] 파리는 또한 시 북쪽에 있는 주요 스튜디오인 Cité du cinéma와 영화에 전념하는 테마 파크이자 디즈니랜드와 파크 아스테릭스 뒤에 있는 도시 근처의 세 번째 테마 파크인 디즈니 스튜디오를 자랑합니다.[15]

2015년, 프랑스는 기록적인 300편의 장편 영화가 제작되었습니다.[16] 미국과 영국 영화는 2014년 전체 입장료의 44.9%에 불과했습니다. 이는 2014년 입학생의 44.5%(2015년 35.5%, 2016년 35.3%)를 차지한 국내 생산의 상업적 강점에 기인한 측면이 큽니다.[17] 2000년대 중반, 프랑스 영화 산업은 "국내 시장에서 발생하는 수익에서 예산의 약 80-90%를 회수하면서 유럽의 어떤 다른 나라보다 완전히 자급자족할 수 있는 것에 가깝다"고 묘사되었습니다.[18] 2018년 프랑스 영화는 4천만 명의 관람객(2017년 대비 52% 감소)과 함께 2억 3천 7백만 유로의 국제 박스오피스를 기록했으며, 이탈리아가 해외 시장 1위를 차지했습니다.[19]

중국

산둥성 취푸의 옛 중국영화관

중국의 영화홍콩의 영화대만의 영화와 함께 중국어 영화의 세 가지 뚜렷한 역사적 실루 중 하나입니다. 영화는 1896년에 중국에 소개되었고, 최초의 중국 영화인 딩쥔산은 1905년에 만들어졌으며, 영화 산업은 초기 수십 년 동안 상하이를 중심으로 이루어졌습니다. 중국은 세계에서 가장 큰 영화 스튜디오 중 하나인 헝뎬 월드 스튜디오의 본거지이며, 2010년에는 연간 제작되는 장편 영화 수 기준으로 세 번째로 큰 영화 산업을 가지고 있었습니다. 그 후 10년 동안 제작사들은 주로 외국인 소유였고, 국내 영화 산업은 번영하는 기업이자 극동 최대 도시인 상하이를 중심으로 이루어졌습니다. 1913년, 중국 최초의 독립적인 각본인 "어려운 커플"이 정정추장쉬천에 의해 상하이에서 촬영되었습니다.[20]

식스 제너레이션이[clarification needed] 국제적으로 알려짐에 따라 많은 후속 영화들은 국제적인 후원자들과의 합작 및 프로젝트였지만, 상당히 단호하게 저열하고 낮은[citation needed] 예산으로 남아있었습니다. 지아의 플랫폼(2000)은 기타노 타케시의 제작소에서 일부 자금을 지원받았으며,[21] 그의 스틸 라이프는 HD 비디오로 촬영되었습니다. 스틸 라이프는 2006 베니스 국제 영화제의 깜짝 추가이자 황금사자상 수상작입니다. 삼협 지역 주변의 지방 노동자들에 관한 스틸 라이프당시 비행단의 집(2004)과 약속(2005)을 제작했던 장이머우, 첸카이거 등 중국 5세대 감독들의 작품과 극명한 대조를 이룹니다. 그것은 국제적으로 유명한 스타가 없었고 대부분 비전문가들에 의해 연기되었습니다. 2012년에 이 나라는 박스 오피스 수입으로 세계에서 두 번째로 큰 시장이 되었습니다. 2014년 중국의 총 박스오피스는 ¥ 296억 달러(48억 2천만 달러)였으며, 국내 영화가 55%의 점유율을 차지했습니다. 중국은 또한 할리우드 스튜디오의 주요 비즈니스 허브가 되었습니다.[23][24]

2018년 중국의 총 박스오피스는 89억 달러였습니다. 2013년 중국의 총 박스오피스는 ¥ 218억 달러(36억 달러)로 박스오피스 수입 기준 세계 2위의 영화 시장입니다. 2014년 영화 산업에서 48억 달러로 증가했습니다. COVID-19 팬데믹으로 인해 2020년 중국은 북미를 제치고 세계 최대 흥행국으로 올라섰고, 이 지위를 달성한 첫 번째 국가가 되었습니다.[28] 중국은 2021년에도 이 지위를 유지했습니다. 하지만 2022년 북미는 다시 한 번 중국을 제치고 세계 박스오피스 최대 시장으로 올라섰습니다.[29]

인도

Raja Harishchandra (1913)의 한 장면 – 인도 최초의 장편 영화로 인정됩니다.

인도는 세계에서 가장 큰 영화 생산국이자 세계에서 두 번째로 오래된 영화 산업입니다.[30] 이 나라는 세계 영화 산업에서 가장 중요한 몇몇 도시들의 본거지입니다. 뭄바이(이전 봄베이)와 첸나이(마드라스). 2009년 인도는 셀룰로이드에 관한 총 2,961편의 영화를 제작했습니다. 이 수치에는 1,288편의 장편 영화가 포함되어 있습니다.[31] 인도는 세계에서 가장 큰 영화 제작국일 뿐만 아니라 가장 많은 입장객을 확보하고 있습니다.[32] 인도 영화 산업은 다국어이며 티켓 판매 면에서는 세계에서 가장 크지만 수익 면에서는 세계에서 세 번째로 큰데, 이는 주로 세계에서 가장 낮은 티켓 가격에 속하기 때문입니다.[33] 이 산업은 주로 거대한 영화 제작자인 인도 대중이 보고 있습니다.[citation needed] 인도 영화 산업은 또한 인접한 남아시아 국가에서 영화와 엔터테인먼트의 지배적인 원천입니다. 인도의 3대 영화 산업은 힌디어 시네마, 텔루구 시네마, 타밀 시네마입니다. 힌디어 영화 산업은 대부분 뭄바이(봄베이)에 집중되었고, 봄베이와 할리우드의 항구도시인 발리우드(Bollywood)로 통칭됩니다. 텔루구 영화관은 주로 하이데라바드에 집중되어 있으며 일반적으로 톨리우드라고 불립니다. 타밀 영화 산업. 콜리우드는 대부분 첸나이에 집중되어 있습니다.

인도는 주류 상업 영화 외에도 영화에 대한 다른 접근 방식인 병렬 영화를 제공합니다. 평행 영화 운동은 1950년대 무렵 서벵골에서 시작되었습니다. 이 운동은 처음에 벵골 영화가 주도했습니다. 그것은 나중에 인도의 다른 영화 산업에서 명성을 얻었습니다. 병렬 시네마는 대중적인 주류 시네마의 관습에서 벗어난 특정 유형의 영화에 지정된 포괄적인 용어입니다.병렬 영화는 수년 동안 다양한 형태를 취했습니다. 평행 영화와 관련된 영화 제작자는 사티아지트 레이, 미날 센, 리트윅 가탁입니다. 병렬 영화는 노래와 싸움 시퀀스와 같은 인기 있는 형식, 시골 환경에 대한 친화성, 메소드 배우의 사용 및 톤 다운된 색상 팔레트를 거부하는 것이 특징입니다. 병렬 영화의 가장 좋은 예는 아푸 3부작을 형성한 레이 – 패더 판찰리 (1955), 아파라지토 (1956), 그리고 아푸의 세계 (1959)의 가장 유명한 영화들입니다. 그러한 영화의 다른 예로는 Raincoat, Dhobi Ghat, Mithya가 있습니다.

인도 영화는 국내 시장뿐만 아니라 국제 시장에서도 인기를 얻었으며, Dangal은 해외 총 수입 2억 6천만 달러, Secret SuperstarBajrangi Bhaijaan은 총 수입 8,040만 달러, Baahubali: The Beginning and Baahubali 2: The Conclusion (텔루구 영화의 블록버스터 듀올로지)은 전 세계적으로 3억 7천만 달러 이상의 수익을 올렸습니다.[34] 인도에서는 400개 이상의 생산 주택과 32개의 기업 주택을 보유하고 있으며, 또한 600만 명 이상의 생계를 지원하고 있습니다.[35]

다른 가장 큰 영화 산업은 각각 고치, 벵갈루루, 콜카타, 뭄바이에 위치한 말라얄람 시네마, 칸나다 시네마, 벵갈리 시네마(서벵골의 영화관) 및 마라티 시네마입니다. 나머지 대부분은 인도 북부, 서부, 동부 및 남부에 걸쳐 있습니다(구자라티, 펀자브, 오디아, 보즈푸리, 아사메 시네마 포함). 하지만, 그 언어들이 사용되는 주들을 중심으로 한 지역 언어에는 인도 영화 산업의 몇 개의 작은 중심지가 있습니다. 인도 영화관은 인도 클래식 음악, 전국의 다양한 지역의 민속 음악, 인도 클래식 춤, 민속 춤 등과 같은 여러 예술 형식을 포함하고 있습니다. 발리우드, 할리우드, 톨리우드는 인도 영화 산업에서 가장 큰 비중을 차지하며 인도 아대륙 전역에서 시청되며 영국, 미국, 호주, 뉴질랜드, 동남아시아, 아프리카, 걸프 국가, 유럽 국가, 동아시아 및 중국에서 점점[when?] 인기를 얻고 있습니다. 세계에서 가장 큰 영화 스튜디오 단지는 인도 하이데라바드(Hyderabad)에 위치한 라모지 필름 시티(Ramoji Film City)로, 1996년에 문을 열었고 674ha(1,666에이커)에 달합니다. 47개의 사운드 스테이지로 구성되어 있으며, 기차역에서 사찰에 이르는 상설 세트가 있습니다.[36]

1986년까지 인도의 연간 영화 생산량은 연간 741편에서 연간 833편으로 증가하여 인도는 세계 최대의 영화 생산국이 되었습니다.[37] 2014년 현재 발리우드는 인도 순 흥행 수입의 45%를 차지하고 있으며, 타밀 영화관과 텔루구 영화관은 함께 36%를 차지하고 있으며, 나머지 지역 영화 산업은 인도 영화관의 21%를 차지하고 있습니다.[38] 2021년까지 텔루구 시네마(톨리우드)는 힌디어 시네마(발리우드)와 타밀 시네마(콜리우드)를 모두 제치고 박스오피스 면에서 인도 최대의 영화 산업으로 부상했습니다. 2023년, 발리우드는 다시 인도에서 가장 큰 영화 산업으로 부상했습니다.[39][40]

영국

윌리엄 프리즈 그린
런던 IMAX는 총 스크린 크기 520m로2 영국에서 가장 큰 시네마 스크린을 보유하고 있습니다.[41]

영국은 한 세기가 넘는 기간 동안 중요한 영화 산업을 해왔습니다. 영화 제작이 1936년에 사상 최고치를 기록했지만,[42] 영국 영화의 "황금기"는 보통 1940년대에 일어났다고 생각되는데, 이 시기에 데이비드 린,[43] 마이클 파월, (에머릭 프레스버거와 함께)[44] 캐롤 리드[45] 감독이 가장 높은 평가를 받은 작품을 제작했습니다. 매기 스미스, 로저 무어, 마이클 케인,[46]코네리,[47] 다니엘 데이 루이스, 게리 올드만, 케이트 윈슬렛과 같은 많은 영국 배우들이 세계적인 명성과 비평적인 성공을 거두었습니다.[48] 역대 최고의 흥행 수익을 올린 영화들 중 일부는 영국에서 만들어졌는데, 여기에는 세 번째와 네 번째로 높은 수익을 올린 영화 시리즈 (해리 포터제임스 본드)가 포함되어 있습니다.[49]

최초의 무빙 픽처는 1888년 루이스프린스에 의해 리즈에서 촬영되었고,[50][51] 셀룰로이드 필름으로 개발된 최초의 무빙 픽처는 1890년 특허를 취득한 영국 발명가 [52]윌리엄 프리즈 그린에 의해 1889년 런던 하이드 파크에서 제작되었습니다.

[when?] 세계에서 가장 높은 수익을 올린 상위 8개 영화 중 두 편은 영국의 역사적, 문화적 또는 창조적 차원을 가지고 있습니다. 타이타닉 (1997), 해리 포터와 죽음의 성물 Part 2 (2011), 반지의 제왕:귀환(2003)과 카리브해의 해적: 죽은 자의 가슴 (2005). 해리포터 영화 4편과 반지의 제왕 영화 1편, 그리고 이상나라앨리스의 팀 버튼 버전(2010), 그리고 가장 재정적으로 성공한[when?] 상위 20개 영화의 절반 이상이 상당한 영국적 차원을 가지고 있었습니다.[53][original research?]

영국의 영향은 이상한 나라앨리스 (1951), 피터 팬 (1953), 백명의 달마시안 (1961), 돌 의 검 (1963), 그리고 정글북 (1967)을 포함하는 디즈니 애니메이션 영화의 '잉글랜드 사이클'에서도 볼 수 있습니다.[54] 디즈니는 스코틀랜드와 영국에서 두 편의 영화를 제작함으로써 영국에 축적된 금융 준비금을 사용하는 수단으로 실사 영화에 처음 관심을 갖게 되었고, 교환 통제로 인해 송환될 수 없었습니다. 이것들은 모두 박스 오피스에서 성공한 보물섬 (1950)과 로빈 후드와 그의 메리 이야기 (1952)였습니다. 이 스튜디오는 1967년 월트 디즈니가 사망한 후 애니메이션 영화의 영국 원천 자료를 계속해서 그렸고, 만화 영화 로빈 후드 (1973), 구조자 (1976), 그리고 A에 그린 많은 디즈니 중 하나인 푸우 (1977)와 함께 만화 영화를 만들었습니다. A. 밀른의 등장인물들.

1970년대와 1980년대에, 영국 스튜디오들은 슈퍼맨 (1978), 에일리언 (1979), 배트맨 (1989)과 같은 영화에서 위대한 특수 효과로 명성을[citation needed] 얻었습니다. 이 명성 중 일부는 2001년의 촬영을 위해 모인 재능의 핵심에 기반을 두고 있습니다: 스페이스 오디세이 (1968). 그는 그 후 게리 앤더슨을 위해 시리즈와 장편 영화를 함께 작업했습니다. 브리스톨에 본사를 둔 Aardman Animations는 스톱 모션 애니메이션으로 유명합니다.

1998년 말, 채널 4는 영화를 보여주기 위해 특별히 고안된 채널인 무료 방송 영화 채널 필름 4를 출시했습니다. 오전 11시 BST부터 방송하며 유료방송 영화사 스카이시네마와 경쟁합니다.

런던에 본사를 둔 시각 효과 회사인 프레임스토어(Framestore)는 팀 웨버(Tim Webber)가 시각 효과 감독관을 맡고 있는 영화 다크 나이트(The Dark Knight, 2008)와 그래비티(Gravity, 2013)를 작업했으며, 그래비티와 관련된 새로운 기술을 완성하는 데 3년이 걸렸습니다.[55]

필리핀

필리핀의 영화는 1897년 8월 31일 마닐라의 살롱 데 페르티에라(Salón de Pertierra)에서 최초의 영화가 필리핀에 소개되면서 시작되었습니다. 이듬해에는 스페인 사람 안토니오 라모스가 뤼미에르 시네마토그래프를 이용해 처음으로 현지 장면을 촬영했습니다.[56] 대부분의 초기 영화 제작자와 제작자들이 부유한 진취적인 외국인과 외국인이었던 반면, 1919년 9월 12일, 인기 있는 음악극을 바탕으로 한 영화 달라강 부키드(시골 처녀)는 필리핀 영화 제작자 호세 네포무세노에 의해 만들어지고 상영된 첫 번째 영화였습니다.[57] "필리핀 시네마의 아버지"로 불리는 그의 작품은 필리핀에서 예술 형태로서 영화의 시작을 알렸습니다.[58]

폴란드

2012년 크라쿠프에서 열린 오프 플러스 카메라 영화제에서 안제이 하수인, 다니엘 올브릭스키, 보이치에흐 프조니악이 무대에 올랐습니다.

폴란드 영화의 역사는 영화 촬영의 역사만큼이나 길고, 폴란드 영화가 다른 여러 유럽 국가의 영화보다 상업적으로 이용 가능하지 않은 경향이 있음에도 불구하고 보편적으로 성과를 인정해 왔습니다.

제2차 세계 대전 이후, 공산주의 정부는 작가 기반의 국립 영화관을 건설했고, 수백 명의 새로운 감독들을 훈련시켰고, 그들이 영화를 만들 수 있도록 권한을 부여했습니다. 로만 폴라 ń스키, 크르지스토프 키에 ś로프스키, 아그니에스카 홀란드, 안제이 와즈다, 안제이 ż우와프스키, 안제이 뭉크, 저지 스코리모스키와 같은 영화 제작자들은 폴란드 영화 제작의 발전에 영향을 미쳤습니다. 최근 몇 년 동안 산업계는 재정이 영화 제작의 핵심이 되면서 생산자 주도로 이루어졌고, 모든 장르의 많은 독립 영화 제작자들과 함께 폴란드 제작사들은 미국 영화에 더 많은 영감을 받는 경향이 있습니다.

폴란드 영화학교이탈리아 신현실주의자들의 영향을 많이 받았습니다. 제2차 세계 대전과 독일 점령 기간 동안 폴란드 역사의 복잡성을 묘사하기 위해 1956년 10월 이후 폴란드의 자유주의적인 변화를 활용했습니다. 가장 중요한 주제 중 하나는 전 내무군 군인들의 세대와 전후 폴란드에서의 그들의 역할 그리고 독일 강제 수용소바르샤바 봉기와 같은 국가적 비극에 관한 것이었습니다. 정치적 변화로 인해 이 단체는 폴란드의 최근 역사에 대해 더 공개적으로 말할 수 있게 되었습니다. 그러나 1945년 이후 역사에 있어서는 여전히 검열의 지배가 강했고 동시대의 사건들에 대한 영화는 거의 없었습니다. 이것은 폴란드 영화 학교의 구성원들과 이탈리아의 신현실주의자들 사이의 주요한 차이점을 나타냅니다.

폴란드 영화학교는 폴란드인의 민족성을 강조한 최초의 학교이자, 중앙유럽에서 사회주의 리얼리즘의 공식적인 지침을 공개적으로 반대한 최초의 예술운동 중 하나였습니다. 운동의 구성원들은 집단성보다는 개인의 역할을 강조하는 경향이 있습니다. 이 운동에는 두 가지 경향이 있었습니다: 안제이 와즈다와 같은 젊은 감독들은 일반적으로 영웅주의에 대해 연구했고, 다른 그룹(가장 주목할 만한 것은 안제이 뭉크)은 아이러니, 유머 및 국가 신화의 해부를 통해 폴란드 캐릭터를 분석했습니다.

나이지리아

나이지리아의 영화관은 종종 비공식적으로 놀리우드(Nollywood)라고 불리는 나이지리아의 영화 산업을 말합니다. 나이지리아 영화 산업은 전 세계적으로 생산량 면에서 가장 큰 영화 산업이며 전체 수익 면에서 세 번째로 큽니다.[59][60] 나이지리아의 영화 그것의 역사는 일찍이 19세기 후반과 20세기 초 식민지 시대로 거슬러 올라갑니다. 나이지리아 영화 산업의 역사와 발전은 때때로 식민지 시대, 황금 시대, 비디오 영화 시대 그리고 떠오르는 뉴 나이지리아 영화의 네 가지 주요 시대로 분류됩니다.[61]

영화를 매개로 한 영화는 19세기 후반에 영화 기기를 엿보는 형태로 나이지리아에 처음 도착했습니다.[62] 이것들은 곧 20세기 초에 개선된 영화 전시 장치로 대체되었고, 1903년 8월 12일부터 22일까지 라고스의 글로버 기념관에서 첫 번째 세트의 영화가 상영되었습니다.[63][64] 나이지리아에서 만들어진 최초의 장편 영화는 제프리 바카스가 제작한 1926년의 팰러버(Palaver)입니다. 이 영화는 나이지리아 배우들이 말하는 역할을 맡은 최초의 영화이기도 합니다.[65][66] 1954년 현재 나이지리아에서는 이동식 영화관 밴이 최소 350만 명에게 상영되었으며, 나이지리아 필름 유닛에서 제작한 영화는 44개의 이용 가능한 영화관에서 무료로 상영되었습니다. 나이지리아 영화 유닛에 전적으로 저작권이 있는 최초의 영화는 샘 제바의 핀초(1957)입니다. 이것은 컬러로 촬영된 최초의 나이지리아 영화이기도 합니다.[67]

1960년 나이지리아가 독립한 후, 새로운 영화관이 설립되는 등 영화 사업이 급격히 확장되었습니다.[64] 그 결과 1960년대 후반부터 1970년대까지 극장에서 나이지리아 영화가 증가했는데, 특히 서부 나이지리아의 작품들은 휴버트 오군데(Hubert Ogunde)와 모세 올라이야(Moses Olaiya)와 같은 전 연극 종사자들이 대형 스크린으로 진출했기 때문입니다.[68] 1972년 야쿠부 고원은 외국인 소유주로부터 나이지리아인에게 총 300여 개의 영화관의 소유권을 이전할 것을 요구하는 원주민화령을 발표하였고, 이로 인해 더 많은 나이지리아인들이 영화와 영화에 적극적인 역할을 하게 되었습니다.[69] 1973년부터 1978년까지의 석유 붐은 또한 나이지리아에서 영화 문화의 자발적인 증진에 크게 기여했는데, 나이지리아의 증가된 구매력은 다양한 시민들이 영화관에 가고 가정 텔레비전 세트에 쓸 수 있는 가처분 소득을 갖게 했기 때문입니다.[citation needed] 몇 편의 보통 수준의 연기를 선보인 후, 웨일 아데누가 감독의 파파 아자스코(1984)는 3일 만에 약 61,000 ₦(약 2015년 ₦ 21,552,673)을 벌어들이며 최초의 블록버스터가 되었습니다. 1년 후, 모세 올라이야(Moses Olaiya)의 모세볼라탄(Mosebolatan, 1985)도 5일 만에 총 ₦ 107,000 파운드(약 2015년 ₦ 44,180,499)를 기록했습니다.

2000년대 초반에 나이지리아 사람들은 아프리카 매직과 같은 지역 언어(대부분 영어, 방언)로 지역 영화 전용 텔레비전 채널을 설립했습니다. 이러한 보호무역주의는 나이지리아 사람들뿐만 아니라 사하라 사막 이남의 아프리카 사람들도 나이지리아 영화와 문화에 익숙해질 수 있도록 해주었습니다. 시간이 지남에 따라 이것은 확장되었고 이번에는 이중 언어 야망(프랑스어, 영어)을 가진 여러 채널이 만들어졌습니다. 오늘날 이로코 TV와 같은 일부 스트리밍 플랫폼은 이미 놀리우드 산업의 발전을 높이기 위해 만들어졌습니다.

이집트

Bahiga_Hafez
바이가 하페즈(Bahiga Hafez, 1901-1983) 1920년대와 1930년대의 이집트 영화 제작자이자 배우
Mona_Zaki_2015
이집트 영화배우 모나 자키

이집트에서는 1896년부터 제한된 수의 무성 영화가 제작되었고, 1927년의 라일라가 최초의 장편 영화로 주목받았습니다. 카이로의 영화 산업은 소리가 나면서 지역 세력이 되었습니다. 1930년에서 1936년 사이에 다양한 작은 스튜디오에서 최소 44편의 장편 영화를 제작했습니다. 1936년, 산업가 탈라트 하브의 자금 지원을 받은 스튜디오 미스르는 할리우드의 주요 스튜디오들과 맞먹는 이집트의 대표적인 기업으로 떠올랐고, 이 회사는 30년 동안 이 역할을 유지했습니다.[70] 1908년 이후 MENA 지역에서 제작된 4,000편 이상의 단편 및 장편 영화 중 4분의 3 이상이 이집트 영화였습니다. 이집트 영화는 일반적으로 이집트 아랍어 방언으로 사용됩니다.[71][72]

카이로는 1976년부터 매년 국제영화제작자연맹이 공인하는 카이로 국제영화제(CIFF)를 개최하고 있습니다. 1996년, 이집트 미디어 제작 도시(EMPC)가 카이로 남쪽 10월 6일에 출범했지만, 2001년까지 29개 스튜디오 중 한 곳만 운영되었습니다.[73] 이전에 표현의 자유에 대한 장애물이었던 검열은 이집트 영화가 성적인 문제부터[74] 무거운 정부 비판에 이르기까지 대담하게 대처하기 시작한 2012년까지 현저하게 감소했습니다.[75]

1940년대, 1950년대, 1960년대는 일반적으로 이집트 영화의 황금기로 여겨집니다. 서양과 마찬가지로, 영화는 대중적인 상상력에 반응했고, 대부분은 예측 가능한 장르(해피엔딩이 일반적)에 속했고, 많은 배우들은 강하게 타이핑된 부분을 연기하는 것으로 경력을 쌓았습니다. 한 평론가의 말에 따르면, "대중 관객을 대상으로 한 이집트 영화가 이러한 전제 조건 중 하나라도 결여되어 있다면, 그것은 관객과의 불문율 계약에 대한 배신에 해당하며, 그 결과는 박스 오피스에서 드러날 것입니다."[76] 1990년대 이후 이집트의 영화는 각각 다른 방향으로 진행되었습니다. 소규모 예술 영화는 일부 국제적인 관심을 끌지만 국내에서는 관람객이 거의 없습니다. 인기 있는 영화, 종종 '거짓말!'과 같은 광범위한 코미디와 코미디언 모하메드 사드의 매우 수익성이 높은 작품들은 서구 영화에 끌리거나 점점 더 영화의 부도덕함을 경계하며 관객들을 붙잡기 위해 싸웁니다.[77]

이란

이란의 영화(페르시아어: سینمای ایران) 또는 페르시아의 영화는 매년 다양한 상업 영화를 제작하는 이란의 영화 및 영화 산업을 말합니다. 이란 예술 영화는 국제적인 명성을 얻었고 이제는 세계적인 추종자들을 누리고 있습니다.[78]

이란은 중국과 함께 1990년대 최고의 영화 수출국 중 하나로 칭송받아 왔습니다.[79] 일부 비평가들은 현재[when?] 이란을 예술적으로 세계에서 가장 중요한 국립 영화로 평가하고 있으며, 이는 지난 수십 년 동안 이탈리아의 신현실주의 및 유사한 운동과 비교를 불러일으키는 중요성을 가지고 있습니다.[78] 독일 영화 제작자 베르너 헤르조그는 이란 영화를 세계에서 가장 중요한 예술 영화관 중 하나로 칭송했습니다.[80] 눈에 띄는 것은 이란이 아카데미상을 2번 수상하고 3번이나 후보에 올랐다는 것인데, 이는 세계 영화 11위, 아시아 2위, 중동[81] 1위입니다.

일본

일본은 세계에서 가장 오래되고 큰 영화 산업 중 하나입니다. 2010년 기준으로 장편 영화 제작 수 기준으로 4번째로 많습니다.[82] 영화는 최초의 외국인 카메라맨이 도착한 1897년부터 일본에서 제작되었습니다.[citation needed]

아시아에서 제작된 최고의 영화들의 Sight & Sound 리스트에서, 일본 작품들이 상위 12개 중 8개를 차지했고, Tokyo Story (1953)가 1위를 차지했습니다.[citation needed] Tokyo Story는 또한 2012년 Sight & Sound 감독들의 역대 가장 위대한 영화 50편에 대한 투표에서 시민 케인을 제치며 1위를 차지했고,[83][84] Akira KurosawaSeven Samurai (1954)는 BBC가 43개국 209명의 비평가들을 대상으로 한 2018년 투표에서 역대 가장 위대한 외국어 영화로 선정되었습니다.[85] 일본은 아카데미 외국어영화상을 아시아 어느 나라보다 4번이나 수상했습니다(라쇼몬, 지옥의 문, 사무라이 I: 미야모토 무사시, 출발).[when?]

한국

한국의 영화(또는 한국 영화)라는 용어는 남북한의 영화 산업을 포괄합니다. 지난 세기 동안 한국 생활의 모든 측면과 마찬가지로, 영화 산업은 종종 조선 후기부터 한국 전쟁, 그리고 국내 정부의 간섭에 이르기까지 정치적인 사건들에 의해 좌우되었습니다. 오늘날[when?][citation needed] 두 나라 모두 비교적 견고한 영화 산업을 가지고 있지만, 한국 영화만이 광범위한 국제적인 찬사를 받았습니다. 북한 영화는 공산주의나 혁명적인 주제를 묘사하는 경향이 있습니다.

한국 영화는 1950년대 후반과 1960년대에 "골든 에이지"를 누렸습니다. 2005년까지 한국은 연간 극장당 상영할 수 있는 외국 영화의 수에 제한을 두는 법 때문에 극장에서[86] 수입 영화보다 더 많은 국내 영화를 보는 몇 안 되는 국가 중 하나가 되었습니다.[87] 극장에서는 2006년부터 1년에 73일 동안 한국 영화를 상영해야 합니다. 케이블 TV에서는 한미 FTA 이후 국내 영화 쿼터 25%가 20%로 줄어들게 됩니다.[88] 대한민국의 영화관은 2015년 ₩ 8,840억의 총 흥행 수입을 기록했으며, 전체 입장객의 52%인 1,113,000,000명의 입장객을 기록했습니다.

홍콩

장자, 아내시험하다 (1913) 첫 홍콩 장편 영화로 인정받음

홍콩은 중국어권(세계 디아스포라 포함)과 동아시아 전반의 영화 제작 중심지입니다. 수십 년 동안 이 회사는 세계에서 세 번째로 큰 영화 산업이었고 (인도와 미국에 이어) 두 번째로 큰 영화 수출국이었습니다.[89] 1990년대 중반부터 시작된 산업 위기와 1997년 7월 홍콩이 중국의 주권으로 복귀했음에도 불구하고 홍콩 영화는 독특한 정체성을 상당 부분 유지하고 있으며 세계 영화 무대에서 계속해서 중요한 역할을 하고 있습니다. 많은 영화 산업과 달리 홍콩은 보조금이나 수입 쿼터를 통한 정부의 직접적인 지원을 거의 누리지 못했습니다. 코미디와 액션과 같은 군중을 즐겁게 하는 장르에 초점을 맞추고 공식, 속편 및 리메이크에 크게 의존하면서 항상 철저하게 상업적인 영화였습니다. 일반적으로 상업 영화관의 심장은 고도로 발달된 별 시스템이며, 이 경우 대중 음악 산업과 상당히 겹친다는 특징이 있습니다.

튀르키예

터키 영화 시장은 범유럽권에서 국민 영화가 미국 영화를 정기적으로 능가하는 유일한 시장으로 눈에 띕니다.[90] 2013년에는 120만 명의 관람객을 확보했고 87편의 장편 영화가 개봉했습니다.[91] 2004년에서 2014년 사이에 비국적 유럽 시장에서 발생한 약 1,290만 명의 관객이 유럽(튀르키예 포함)에서 터키 영화에 대한 총 입장료의 7%에 불과했습니다. 이는 이러한 데이터를 이용할 수 있는 30개 유럽 시장 중 세 번째로 낮은 점유율이었고, 터키 영화의 국내 시장 의존도가 높다는 것을 분명히 보여주며, 이는 폴란드와 러시아 영화가 공유하는 특징입니다.[92]

2014년, K ış 우이쿠수 (겨울잠)가 칸 영화제 최우수 영화상을 수상했습니다. 2013년에도 튀르키예는 2억 유로가 조금 넘는 네덜란드에 이어 박스오피스 1위를 차지했으며, 상위 6개 시장과 뚜렷한 격차를 보이며 스웨덴과 스위스를 앞서는 유럽의 8대 박스오피스 1위를 차지했습니다. 시장들은 모두 5억 4,000만 유로(스페인)에서 10억 유로 이상의 GBO를 기록했습니다. 독일과 러시아 연방.[94] 튀르키예에서 영화관 가는 것은 비교적 저렴합니다. 2013년 튀르키예의 평균 영화 티켓 가격은 4.0유로였으며, 이는 유럽에서 가장 낮은 평균 티켓 가격(유로화 기준)으로 추정되며, 크로아티아, 루마니아, 리투아니아 또는 불가리아와 같은 몇몇 중앙동유럽 시장(환율 적용)보다 약간 저렴합니다.

이스라엘

영화는 1948년 독립 이전부터 이스라엘에서 만들어졌습니다.[96] 이 산업은 경제적으로 상대적으로 작지만 이스라엘 영화는 중동의 어느 나라보다 아카데미 외국어 영화상 후보에 많이 올랐습니다. 정부는 제작비 보조금을 제공함으로써 이스라엘에서 외국 기업들이 영화를 찍을 수 있도록 유치하려고 시도하고 있습니다.[97]

파키스탄

파키스탄의 영화관 또는 간단히 파키스탄 영화관(Urdu: پاکستانی سنیما)은 파키스탄의 영화 산업을 의미합니다. 파키스탄에서 촬영된 대부분의 장편 영화는 국문인 우르두어로 되어 있지만 영어, 공용어, 푼자비어, 파슈토어, 발로치어, 신디어 등의 지역 언어로 된 영화도 포함될 수 있습니다. 라호르는 파키스탄 영화의 진원지로 묘사되어 왔으며, 라호르와 할리우드의 혼성어로 "롤리우드"라는 용어가 생겨났습니다.

방글라데시가 분리되기 전 파키스탄에는 3개의 주요 영화 제작 센터가 있었습니다. 라호르, 카라치, 다카. 무함마드 지아울하크 정권, VCR, 영화 불법복제, 유흥세 도입, 초보수적인 법리에 기초한 엄격한 법이 산업 성장의 걸림돌이었습니다.[98] 한때 번성했던 파키스탄의 영화관은 1980년대에 갑자기 붕괴되었고 2000년대에 이르러 "한 때 연간 평균 80편의 영화를 제작하던 산업이 이제는 거의 영화를 제작하지도 못하는 데 어려움을 겪고 있습니다." 그러나 카라치의 텔레비전 산업의 호황으로 더 큰 개인 소유의 미디어 하우스가 생겨났고 2010년대 초 파키스탄 영화 산업의 부활로 이어졌습니다. 카라치는 현재 우르두어, 영어, 신디어 파키스탄 영화를 제작하는 파키스탄 영화산업의 가장 큰 제작 중심지입니다. 라호르는 현재 (대부분 펀자브 영화) 페샤와르에 이어 두 번째로 큰 영화 제작사이며, 대부분 파슈토 영화가 생산됩니다. 영화도 이슬라마바드(우르두 영화와 영어 영화)와 퀘타(발로치 영화)에서 아주 작은 규모로 제작되고 있습니다.파키스탄 영화들은 걸프 국가들, 영국-유럽, 미국-북미 및 극동과 같은 지역 영화 및 국제 시장에서 시장을 확보하고 있습니다. 많은 파키스탄 영화들이 오스카 외국어 영화 부문에 진출했습니다. The Day Shall Dawn (1959), The Veil (Gunghat) (1963), Zinda Bhaag (2013), Dukhtar (2014), Moor (2015), Mah-e-Mir (2016), Saawan (2017), Cake (2018), Lal Kabootar (2019). 두 편의 파키스탄 다큐멘터리 영화가 최고의 다큐멘터리 영화로 오스카 상을 수상했는데, 이것은 세이브 페이스 (2012)와 강 속의 소녀 (2016)입니다. 파키스탄 영화, 특히 우르두어 영화는 가족 드라마, 로맨스, 사랑 이야기, 코미디, 스릴러, 사회 문제, 정치 문제를 중심으로 전개됩니다. 현대 시대에 몇몇 파키스탄 영화들은 쿠다 케이 리예 (신의 이름으로), , 베르나, 진다 바그, 로드-웨딩, 오판, 케이크, 티파트러블, 랄 카부타르, 마흐-미어, 무어, 마울라 자트의 전설 등 국제적인 찬사를 받았습니다.

펀자브 영화는 주로 로맨스, 가족 드라마, 액션을 주제로 한 반면 파슈토 영화는 액션과 부족 간의 불화를 중심으로 다루고 있습니다.

주요 영화상으로는 럭스 스타일 어워드, ARY 필름 어워드, 나이거 어워드, 내셔널 필름 어워드 등이 있습니다.

방글라데시

방글라데시의 영화방글라데시 다카에 본사를 둔 벵골어 영화 산업입니다. 이 산업은 종종 1970년대 초부터 중요한 영화 산업이었습니다. "할리우드"라는 단어는 다카와 할리우드라는 단어의 혼성어입니다. 방글라데시 영화의 지배적인 스타일은 1947년부터 1990년까지 발전하여 오늘날까지 대부분의 영화를 특징으로 하는 멜로드라마 영화입니다. 영화는 1898년 Bradford Bioscope Company에 의해 방글라데시에서 소개되었습니다. 1913년에서 1914년 사이에 픽쳐 하우스라는 이름의 첫 제작사가 문을 열었습니다. 1928년 이 지역에서 처음으로 제작된 영화는 '수쿠마리'(The Good Girl)라는 제목의 짧은 무성영화였습니다. 첫 번째 장편 영화 라스트 키스는 1931년에 개봉되었습니다. 1971년 방글라데시가 파키스탄에서 분리된 이후, 다카는 방글라데시 영화 산업의 중심지이며 수익, 제작 및 관객의 대부분을 차지했습니다. 1960년대, 1970년대, 1980년대 그리고 1990년대 전반은 방글라데시 영화의 황금기였습니다. 최초의 벵골어 장편 장편 영화인 얼굴과 가면은 1956년에 제작되었습니다.[99][100] 타렉 마수드의 2002년 영화 마티르 모이나는 칸 영화제에서 수상한 최초의 방글라데시 영화가 되었습니다.

인도네시아

2011년 11월 5일 인도네시아 바탐섬 농사의 10헥타르 부지에 동남아시아에서 가장 큰 영화 스튜디오가 소프트 오픈되었습니다. 무한프레임웍스(IFW)는 싱가포르에 본사를 둔 회사(바탐섬 폐쇄)로, 인도네시아 사업가이자 영화 제작자인 마이크 윌루안이 지분 90%를 소유하고 있습니다.[101] 2010-2011년, 외국 영화에 적용되는 부가가치세의 상당한 증가로 인해 영화관들은 더 이상 오스카 수상 영화를 포함한 많은 외국 영화를 접할 수 없었습니다. 외국 영화에는 서부의 주요 박스 오피스와 세계의 다른 주요 영화 제작자가 포함됩니다. 이로 인해 국가 경제에 막대한 파급 효과가 발생했습니다. 이로 인해 무허가 DVD 구매가 증가한 것으로 추정됩니다. 그러나 저작권을 침해하는 DVD도 획득하는 데 더 오랜 시간이 걸렸습니다. 현지에서 상영되지 않은 외국 영화를 보기 위한 최소 비용은 100만 루피아였습니다. 싱가포르행 비행기 티켓이 포함되어 있기 때문에 미화 100달러에 해당합니다.[102]

말레이시아

말레이시아의 영화관영어, 타밀어, 말레이어, 북경어, 광둥어로 촬영된 말레이시아에서 제작된 장편 영화로 구성되어 있습니다.

말레이시아는 개별 텔레비전 방송국의 자체 제작과는 별도로 연간 약 60편의 장편 영화를 제작하고 있으며, 연간 300~400편의 텔레비전 드라마와 시리즈를 제작하고 있습니다. 말레이시아는 또한 말레이시아 영화제로 알려진 매년 국가 수준의 영화 시상식을 개최합니다. 말레이시아에는 약 150개의 영화관과 시네플렉스가 있으며, 현지 영화뿐만 아니라 외국 영화도 상영하고 있습니다.

트리니다드 토바고

트리니다드 토바고의 영화 부문은 1950년대 후반에서 1960년대 초에 나타나기 시작했고 1970년대 후반에는 장편 영화와 텔레비전 모두 소수의 지역 제작물이 있었습니다.[103] 트리니다드 토바고에서 제작된 최초의 장편 영화는 인도 감독/작가/프로듀서 하반스 쿠마르의 옳고 그름(1970)이었습니다. 각본은 트리니다드 극작가 프레디 키순이 썼습니다.[104] 20세기의 나머지 부분은 이 나라에서 몇 편의 장편 영화가 더 제작되는 것을 보았는데, (1974)은 브루스 패딩턴에 의해 "트리니다드 토바고에서 제작될 가장 중요한 영화 중 하나이자 카리브해 영화의 고전 중 하나"로 선정되었습니다.[105] 이 영화는 거의 전적으로 트리니다드인 출연진과 제작진이 등장한 최초의 영화 중 하나였습니다.[106] 2000년대에 트리니다드 영화 제작이 증가했습니다. 이반 터블(2004), 시스타 갓(2006), 나는 산타나: 영화 (2012)와 신은 파이터를 사랑합니다 (2013)는 국내와 국제적으로 개봉되었습니다. 시스타 갓은 2006 토론토 국제 영화제에서 세계 초연을 했습니다.[107]

트리니다드 토바고 영화사는 영화 산업의 발전을 위해 2006년에 설립된 국가 기관입니다. 트리니다드 토바고는 다양한 위원회와 조직에 의해 조직된 많은 영화제를 개최합니다. 여기에는 트리니다드 토바고 영화사가 주관하는 중등학교 단편영화제와 스마트폰 영화제가 포함됩니다. 또한 매년 열리는 트리니다드 토바고 영화제가 있는데, 이 영화제는 9월 말에 2주 동안 열립니다.

네팔

네팔 영화는 그리 긴 영화 역사를 가지고 있지는 않지만, 그 나라의 문화 유산에서 그 산업이 차지하는 위치가 있습니다. 그것은 종종 'Nepali Chalchitra'(영어로 "Nepali films"로 번역됨)라고 불립니다. "Kathmandu"와 "Hollywood"의 혼성어로 "Kollywood"와 "Kollywood"라는 용어도 사용되지만 "Kollywood"는 타밀 영화를 지칭하는 데 더 자주 사용됩니다.[citation needed] 차카 판자는 네팔 영화계에서 역대 최고 수익을 올린 영화로 꼽혀왔고 코히노르는 두 번째로 높은 수익을 올린 영화로 꼽혀왔습니다. 네팔 영화 블랙 헨(2015)과 카그베니(2006)는 국제적인 찬사를 받았습니다.[citation needed] 네팔 장편 영화 하얀 태양(Seto Surya)이 2016년 제27회 싱가포르 국제 영화제(SGIFF)에서 최우수 영화상을 수상했습니다.

역사

The Story of the Kelly Gang(호주, 1906; 80 min.)의 스틸.

Lesfrères Lumière는 1895년 12월 28일 파리에서 시네마토그래프와 함께 첫 번째 프로젝션을 발표했습니다. 19세기 말에서 20세기 초의 프랑스 영화 산업은 세계에서 가장 중요한 산업이었습니다. 오귀스트(Auguste)와 루이 뤼미에르(Louis Lumière)는 1895년 파리에서 시네마토그래피(cinématography)를 발명했으며, 많은 역사가들은 파리의 라 시오타트(L'Arrivée d'un train engare de La Ciotat)를 영화 제작의 공식적인 탄생으로 여깁니다. 최초로 제작된 장편 영화는 1906년 호주의 무성 영화 켈리 갱(The Story of the Kelly Gang)으로, 멜버니언스인 댄 배리(Dan Barry)와 찰스 테이트(Charles Tait)가 감독하고 제작한 네드 켈리(Ned Kelly)가 이끄는 악명 높은 갱단의 이야기입니다. 그것은 80분 동안 계속해서 달렸습니다.[108]

1910년대 초, 영화 산업은 D.W. 그리피스의 '국가탄생'으로 완전히 등장했습니다. 또한 1900년대 초에 뉴욕과 뉴저지의 영화 제작 회사들은 날씨가 좋고 날이 길기 때문에 캘리포니아로 이사하기 시작했습니다. 당시에는 전등이 존재했지만, 필름을 제대로 노출시킬 만큼 강력한 조명은 없었고, 영화 제작에 가장 적합한 조명원은 자연광이었습니다. 온화하고 건조한 기후 외에도 개방된 공간과 다양한 자연 경관으로 인해 국가에 끌렸습니다.

영화산업 소개

1900년, 샤를 파테는 파테-프레레스 브랜드로 영화 제작을 시작했고, 페르디난드 제카는 실제로 영화를 만들기 위해 고용되었습니다. 1905년까지 파테는 세계에서 가장 큰 영화사였습니다. 레옹 가우몽은 1896년 앨리스 가이의 감독을 받으며 영화 제작을 시작했습니다.[109]

American Mutoscope 외에도 미국에는 수많은 소규모 생산자가 있었고, 그들 중 일부는 신세기에 장기적인 존재감을 확립했습니다. 이런 소규모 제작자 중 한 명인 아메리칸 비타그래프는 브루클린에 스튜디오를 지었고, 1905년에 사업을 확장했습니다.

영화만을 상영한 최초의 성공적인 상설 극장은 1905년 피츠버그에서 개관한 니켈로디언(The Nickelodeon)이었습니다.[110] 그때쯤에는 최소 30분 동안 진행되는 프로그램을 채울 수 있는 몇 분 길이의 영화가 충분히 있었고, 현지 관객이 지루해지면 매주 변경할 수 있었습니다. 미국의 다른 전시업체들도 빠르게 그 뒤를 따랐고, 2년 안에 이러한 니켈로디언은 미국 전역에서 8,000대가 가동되었습니다. 미국의 경험은 1906년 이후부터 영화의 제작과 전시에 있어서 전세계적인 붐으로 이어졌습니다.

영화관은 20세기 초에 카바레와 다른 극장들처럼 인기 있는 오락 장소와 사회적 중심지가 되었습니다.[111]

1913년 바이오그래프 스튜디오 출시 포스터

1907년에는 영화를 위한 영화관이 미국, 영국, 프랑스 전역에 문을 열었습니다. 영화들은 피아니스트가 제공한 음악의 반주와 함께 자주 상영되었지만, 더 많은 음악가들이 있을 수 있습니다. 가장 큰 도시 중 일부에는 더 큰 영화관도 몇 개 있었습니다. 처음에는 프로그램에 포함된 대부분의 영화가 파테 영화였지만, 미국 회사들이 생산을 늘리면서 이것은 상당히 빠르게 바뀌었습니다. 이 프로그램은 몇 편의 영화로 구성되었으며 쇼는 약 30분 동안 진행되었습니다. 보통 하나의 개별 필름을 포함하고 있던 최대 길이 1,000피트(300m)의 필름 릴은 이 시기에 영화 제작 및 전시의 표준 단위가 되었습니다. 프로그램은 일주일에 두 번 이상 변경되었지만 몇 년 후에는 일주일에 다섯 번까지 변경되었습니다. 일반적으로 영화관은 도시의 확립된 엔터테인먼트 지구에 설치되었습니다. 1907년 파테는 영화를 완전히 팔기보다는 영화 교류를 통해 영화관에 임대하기 시작했습니다.[112]

모든 주요 미국 영화 제작 회사들 간의 특허에 대한 소송은 계속되었고, 1908년 말에 그들은 그들의 특허를 모아서 미국 영화 사업을 통제하는 데 사용할 신탁을 형성하기로 결정했습니다. 해당 회사는 파테, 에디슨, 바이오그래프, 비타그래프, 루빈, 셀리그, 에사나이, 칼렘, 유럽 영화의 주요 수입사인 클라인 광학 회사였습니다. 미국의 유일한 필름 스톡 제조업체인 조지 이스트먼 회사도 영화 특허 회사(MPPC)라고 불리는 이 회사의 일부였으며 이스트먼 코닥은 회원들에게 필름 스톡만 공급하기로 합의했습니다. 영화 배급 및 프로젝션에 대한 라이선스료는 모든 배급사 및 전시사에서 추출하였습니다. 신탁의 일부였던 제작사들은 허가를 받은 출품사들의 프로그램을 채우기에 충분한 제작 쿼터(2릴, 즉 가장 큰 것은 1주일, 작은 것은 1주일에 1릴)를 배정받았습니다. 그러나 시장은 그보다 더 컸습니다. 6,000개의 전시업체가 MPPC와 계약했지만 2,000개의 다른 업체는 계약하지 않았기 때문입니다. 소수의 거래소(즉, 배급사)는 MPPC 밖에 머물렀고, 1909년에 이러한 독립적인 거래소는 즉시 새로운 영화 제작 회사에 자금을 지원하기 시작했습니다. 1911년까지 독립 전시자들의 모든 쇼를 계획할 수 있는 충분한 독립 영화와 외국 영화가 있었고, 1912년에는 독립 영화가 시장의 거의 절반을 차지했습니다. MPPC는 미국 시장 전체를 장악하려는 계획에서 사실상 패배했고, 이제 막 MPPC에 대항하기 시작한 정부의 반독점 조치는 그것을 패배시키기 위해 실제로 필요하지 않았습니다.[112]

할리우드 이전인 20세기 초, 미국의 영화 산업은 주로 뉴욕시에서 허드슨 강 건너 뉴저지주 포트 리에 기반을 두고 있었습니다.[113][114][115] 따뜻한 기후, 이국적인 위치, 뛰어난 철도 접근성, 저렴한 노동력으로 인해 겨울 본부가 필요한 플로리다 잭슨빌에 영화 제작자들이 매료되어 "세계의 겨울 영화 수도"라는 칭호를 얻었습니다.[116] 뉴욕에 본사를 둔 칼렘 스튜디오는 1908년 잭슨빌에 영구 스튜디오를 처음 열었습니다.[117] 그 다음 10년 동안 메트로 픽처스 (후에 MGM), 에디슨 스튜디오, 마제스틱 필름스, 킹비 필름스, 빔 코미디 컴퍼니, 노먼 스튜디오, 가우몽 스튜디오루빈 제조 회사를 포함한 30개 이상의 무성 영화 회사가 마을에 스튜디오를 설립했습니다.[citation needed] 테크니컬러로 제작된 최초의 영화이자 미국에서 제작된 최초의 장편 컬러 영화인 The Gulf Between도 1917년 잭슨빌에서 촬영되었습니다.

잭슨빌은 아프리카계 미국인 영화 산업에 특히 중요했습니다. 이와 관련하여 주목할 만한 인물은 오스카 미쇼링컨 영화사의 맥락에서 흑인 배우들이 출연하는 일련의 영화를 만든 유럽계 미국인 프로듀서 리차드 노먼입니다.[116] "국가탄생"과 같은 특정한 백인 영화에서 제공되는 분해적인 부분과는 대조적으로, 노먼과 그의 동시대 사람들은 그가 "다른 역할을 훌륭하게 가정"했다고 부르는 아프리카계 미국인들을 포함하는 긍정적인 이야기를 만들기 위해 노력했습니다.[118][119]

그러나 잭슨빌의 대부분이 보수적인 주민들은 거리의 자동차 추격, 모의 은행 강도 및 공공 장소에서의 화재 경보, 심지어 때때로 폭동과 같은 초기 영화 산업의 특징에 반대했습니다. 1917년 보수적인 민주당의 존 W. 마틴(John W. Martin)은 그 도시의 영화 산업을 길들이는 강령으로 시장으로 선출되었습니다.[116] 그 무렵 남부 캘리포니아윌리엄 셀리그D와 같은 영화 개척자들의 이동 덕분에 주요 영화 제작 중심지로 부상하고 있었습니다.W. 그리피스 지역으로. 이러한 요인들은 잭슨빌이 주요 영화 대상지가 되는 것을 빠르게 확정지었습니다.[citation needed]

1913년까지 대부분의 미국 영화 제작이 여전히 뉴욕을 중심으로 이루어졌지만 토마스 A의 독점으로 인해 이루어졌다는 점도 업계가 서부로 이동하게 된 요인 중 하나입니다. Edison, Inc.의 영화 특허와 그것을 보존하려는 합법적인 시도로, 많은 영화 제작자들은 1909년 Selig를 시작으로 남부 캘리포니아로 이주했습니다.[120][121] 햇살과 풍경은 최초의 카우보이 스타 G.M. Anderson ("Broncho Billy")와 Tom Mix(톰 믹스)와 함께 주요 미국 영화 장르를 형성하게 된 웨스턴의 제작에 중요했습니다. 셀리그는 배우들이 동물들에 의해 위협을 받거나 구해지는 등 일련의 이국적인 모험을 위해 동물원의 (대단히) 야생 동물을 사용하는 것을 개척했습니다. 칼렘 컴퍼니는 영화 제작진들을 미국과 해외의 장소들로 보내 그들이 실제로 일어났어야만 했던 장소들에서 이야기들을 촬영했습니다.[122] 칼렘은 또한 1912년부터 루스 롤랜드가 서부극에서 주연을 맡으면서 여성 액션 히로인을 개척했습니다.[123][better source needed]

프랑스에서 파테는 지배적인 위치를 유지했고, 여전히 Gaumont와 영화 붐을 충족시키는 것으로 보이는 다른 새로운 회사들이 그 뒤를 이었습니다. 접근 방식이 다른 영화사가 바로 필름다아트였습니다. 영화 예술은 1908년 초에 진지한 예술적 성격의 영화를 만들기 위해 설립되었습니다. 그들이 선언한 프로그램은 최고의 극작가, 예술가, 배우들만을 사용하여 영화를 만드는 것이었습니다.[124] 이들 중 첫 번째는 앙리 3세의 궁정을 배경으로 한 역사적 소재인 기즈 공작 암살 사건(L'Assassinat du Duc de Guise)이었습니다. 이 영화는 코메디 프랑세즈의 주연 배우들을 사용했고, 카밀 생상스가 쓴 특별한 동반 악보가 있었습니다. 다른 프랑스 전공자들도 그 뒤를 따랐고, 이 물결은 세련된 관객을 겨냥한 예술적 가식을 가진 영화를 "예술 영화"로 영어로 묘사하는 계기가 되었습니다. 1910년까지 프랑스 영화사들은 2개 혹은 심지어 3개의 릴에 달하는 영화를 만들기 시작했지만, 대부분은 여전히 한 릴의 길이였습니다. 이러한 경향은 이탈리아, 덴마크, 스웨덴에서 나타났습니다.[125]

1909년 영국에서 시네마토그래프법은 영화 산업을 특별히 규제한 최초의 주요 입법이었습니다. 영화 전시회는 종종 임시 장소에서 열렸고 필름에 인화성이 높은 질산셀룰로오스를 사용하여 조명 조명과 결합하여 상당한 화재 위험을 초래했습니다. 이 법은 무엇보다도 투사기를 내화 울타리 안에 넣어야 하는 엄격한 건축 법규를 명시했습니다.[126]

베를린 근교의 바벨스베르크 스튜디오는 세계 최초의 대규모 영화 스튜디오(1912년 설립)이자 할리우드의 전신이었습니다. 여전히 매년 글로벌 블록버스터를 제작하고 있습니다.

독일 베를린 근처의 바벨스베르크 스튜디오는 1912년에 설립된 세계 최초의 대규모 영화 스튜디오였으며, 20세기 초에 여러 개의 대형 스튜디오를 설립하여 할리우드의 전신이 되었습니다.

할리우드

할리우드 지역 최초의 영화 스튜디오인 네스터 스튜디오1911년크리스티데이비드 호슬리를 위해 설립했습니다. 다른 이스트코스트 스튜디오는 이미 로스앤젤레스로 생산을 옮겼습니다. 시간이 지나면서 할리우드는 영화 산업과 매우 밀접한 연관을 맺게 되었고, "할리우드"라는 단어는 이제 미국 영화 산업 전체를 지칭하는 구어체로 사용됩니다.

1913년 세실 B. DeMilleJesse Lasky와 협력하여 The Squaw Man (1914)이 만들어진 할리우드에 스튜디오 시설이 있는 헛간을 임대했습니다. 지금은 할리우드 헤리티지 박물관의 위치입니다.

찰리 채플린 스튜디오는 1917년에 지어졌습니다. 이 사이트는 또한 클링 스튜디오(Kling Studios)가 슈퍼맨 TV 시리즈에 사용했으며, 레드 스켈튼(Red Skelton)은 CBS TV 버라이어티 쇼사운드 스테이지를 사용했으며, CBS는 그곳에서 TV 시리즈 페리 메이슨(Perry Mason)을 촬영했습니다. 허브 알퍼트의 A&M 레코드와 티후아나 브라스 엔터프라이즈도 소유하고 있습니다. 그것은 현재 머펫본거지인 짐 헨슨 컴퍼니입니다. 1969년 로스앤젤레스 문화유산위원회는 그것을 역사문화기념물로 지정했습니다.

유명한 할리우드 사인은 원래 "할리우드 랜드"라고 읽었습니다. 1923년 할리우드 위의 언덕에 새로운 주택 개발을 광고하기 위해 설립되었습니다. 1949년 할리우드 상공회의소가 개입하여 마지막 네 글자를 제거하고 나머지 글자를 수리했습니다. 등록상표로 할리우드 상공회의소의 허가 없이는 사용할 수 없습니다.

제1회 아카데미 시상식은 1929년 5월 16일에 열렸습니다.

1927년부터 1948년 사이의 기간은 "할리우드 스튜디오 시스템", 즉 할리우드황금기로 여겨집니다. 1948년 역사적인 법원 판결에서, 대법원은 영화 스튜디오가 극장을 소유할 수 없고 그들의 스튜디오와 영화 배우들의 영화만을 상영할 수 없다고 판결했고, 따라서 할리우드 역사의 시대는 막을 내렸습니다.

인도의 영화

Raja Harishchandra (1913)의 한 컷, 발리우드의 첫 번째 영화.

발리우드(Bollywood)는 인도 마하라슈트라주 뭄바이(구 봄베이)에 본사를 둔 힌디어 영화 산업입니다. 이 용어는 종종 인도 영화 산업 전체를 가리키는 데 잘못 사용되지만, 이는 여러 언어로 된 영화를 생산하는 다른 제작 센터를 포함하는 인도 영화 산업의 일부에 불과합니다.[127] 발리우드는 인도에서 가장 큰 영화 생산지이자 세계에서 가장 큰 영화 생산 중심지 중 하나입니다.[128][129][130]

발리우드는 공식적으로 힌디어 영화라고 불립니다.[131] 언어적으로 볼리우드 영화는 힌디어우르두어의 화자들이 상호 이해할 수 있는 힌두스타어를 사용하는 경향이 있는 반면,[132][133][134] 현대 발리우드 영화는 점점 더 힌디어의 요소를 통합하고 있습니다.[132]

하리산드라 사하람 바타브데카르(H. S. 바타브데카르)가 감독하고 제작한 레슬링 선수들(1899)과 남자와 그의 원숭이들(1899)은 모두 단편 영화였던 인도 영화 제작자들에 의해 만들어진 최초의 두 영화였습니다. 그는 또한 M.M. Bownergree 경의 착륙이라는 제목의 첫 다큐멘터리 및 뉴스 관련 영화를 감독하고 제작한 최초의 인도 영화 제작자였습니다.

1930년대와 1940년대는 격동의 시기였습니다. 인도는 대공황, 제2차 세계대전, 인도 독립운동, 그리고 분단의 폭력으로 인해 큰 타격을 입었습니다. 대부분의 발리우드 영화들은 당황하지 않고 도피적이었지만, 어려운 사회적 문제들을 다루거나 인도 독립을 위한 투쟁을 그들의 계획의 배경으로 삼는 영화 제작자들도 많았습니다.[135]

1937년 알람 아라의 명성을 얻은 아르데쉬르 이라니는 힌디어로 첫 번째 컬러 영화인 Kisan Kanya를 만들었습니다. 그 다음 해, 그는 또 다른 컬러 영화, 대인도의 버전을 만들었습니다.

인도의 독립 이후, 1940년대 말에서 1960년대 초까지를 영화 역사가들은 힌디어 영화의 "황금 시대"로 여깁니다.[136][137][138] 이 시기에 주요 인물을 정의하는 데에는 라지 카푸어, 구루 더트,[139] 메흐부브 칸,[140][141][142] 딜립 쿠마르가 포함되었습니다.[143][144]

1970년대는 "발리우드"라는 이름이 생겨나고 [145][146]상업적인 발리우드 영화의 본질적인 관습이 확립된 때였습니다.[147] 이에 핵심은 여러 장르(액션, 코미디, 로맨스, 드라마, 멜로, 뮤지컬)의 요소를 결합한 마살라 영화 장르의 등장이었습니다. 마살라 영화는 1970년대 초 나시르 후세인([148]Nasir Hussain)과 시나리오 작가 듀오 살림-자베드(Salim-Javed)에 의해 개척되어 발리우드 블록버스터 형식을 개척했습니다.[147]

Tollywood는 인도의 벵골어 영화 산업입니다. 1898년 Royal Bioscope Company에 의해 Matilal Sen, Deboki Lal Sen 및 Bholanath Gupta와 함께 시작되었습니다. 배우들의 라이브 극장 공연을 결합한 벵골 산업은 영화적 언어가 서양 무성 영화와 극히 다른 Bioscope 형식으로 소리를 드라마의 중요한 부분으로 사용한 것이 눈에 띄었습니다. 뒤이어 엘핀스톤 바이오스코프 컴퍼니의 잠셰지 프람지 마단이 마단 극단을 장악했습니다. 1923년 아버지가 사망한 후 JJ 마단은 마단 극장의 상무이사가 되었고 1920년대 말 마단 극장은 127개의 극장을 소유하고 국가 박스 오피스의 절반을 장악하면서 절정에 이르렀습니다. 마단 극장은 1918년 최초의 벵골인 소유의 제작사인 인도 브리티시 필름사를 시작한 디렌드라 나트 강글리와 같은 20년대 벵골 스타들의 작품과 비슷한 1937년까지 많은 인기 있고 획기적인 영화를 제작했습니다. 산업의 성장은 1930년대부터 1940년대까지 다양한 영화가 만들어 졌습니다. 많은 인쇄물이 화재로 소실되었습니다. 1937년부터 1947년까지 영화의 인쇄물과 기록은 크게 파괴되었지만, 벵골의 이 시기는 인도 독립 투쟁에 가장 큰 영향을 미친 인도의 정치 영화 시대였습니다. 1947년 이후, The Industry는 Agradoot라는 이름으로 영화를 만든 창의적인 스튜디오 시스템 협력자들의 새로운 시대를 보았습니다. 이것은 우탐 쿠마르와 수치트라 센과 같은 스타들이 매혹적인 스크린 존재감과 가라앉은 연기로 관객들을 매료시킨 상업 영화와 뮤지컬의 르네상스를 보았습니다. 리트윅 가탁(Ritwick Ghatak), 사티아짓 레이(Satyajit Ray), 타판 신하(Tapan Sinha), 미날 센(Mrinal Sen), 리투파르노 고쉬(Rituparno Ghosh) 등은 비교할 수 없을 정도로 세계 영화에 영향을 미친 다른 주목할 만한 감독들이었습니다. 이 산업의 이름은 할리우드에 대한 건방진 헌사 역할을 하기도 했던 Tollygunge라는 장소의 이름을 따서 만들어졌습니다.

카이로

이집트 영화 야히엘 허브(1938)의 홍보 스틸
이집트 영화 '아내, 총감독' 홍보 스틸 (1966)

이집트의 영화관은 MENA 지역의 할리우드로 알려진 카이로에 기반을 둔 영화 산업의 번창을 의미합니다.[149] 1896년 이집트에서 제한된 수의 무성 영화가 제작되었고, 1927년 라일라가 최초의 장편 영화로 주목받았습니다. 카이로의 영화 산업은 소리가 나면서 지역 세력이 되었습니다. 1930년에서 1936년 사이에 다양한 작은 스튜디오에서 최소 44편의 장편 영화를 제작했습니다. 1936년, 산업가 탈라트 하브의 자금 지원을 받은 스튜디오 미스르는 할리우드의 주요 스튜디오들과 맞먹는 이집트의 대표적인 기업으로 떠올랐고, 이 회사는 30년 동안 이 역할을 유지했습니다.[150]

역사학자들은 이집트에서 영화의 시작을 결정하는 데 동의하지 않습니다. 어떤 사람들은 이집트에서 첫 번째 영화가 상영된 1896년이라고 말하고, 다른 사람들은 1907년 6월 20일에 케디브 아바스 힐미 2세가 알렉산드리아의 무르시 아불-아바스 연구소를 방문한 것에 대한 짧은 다큐멘터리 영화로 시작한다고 말합니다. 1917년, 모하메드 카림 감독은 알렉산드리아에 제작사를 설립했습니다. 이 회사는 1918년 초 알렉산드리아 시에서 상영된 두 편의 영화 "죽은 꽃들"과 "베두인을 기려라"를 제작했습니다.

1976년부터 매년 카이로 국제 영화제를 개최하고 있으며, 국제 영화 제작자 협회의 승인을 받았습니다.[151] 또 다른 12개의 축제가 있습니다. 1908년 이후 MENA 지역에서 제작된 4,000편 이상의 단편 및 장편 영화 중 4분의 3 이상이 이집트 영화였습니다.[71][152][153] 이집트 영화는 일반적으로 이집트 아랍어 방언으로 사용됩니다. 이후 이집트에서 제작된 영화는 4,000편이 넘는데, 이는 아랍 전체 제작물의 4분의 3에 해당합니다. 역사가 사미르 카시르(Samir Kassir)는 특히 미스르 스튜디오(Misr Studios)가 "그들의 기복에도 불구하고, 카이로를 할리우드와 봄베이에 이어 세계 영화 산업의 세 번째 수도로 만들었지만 이탈리아의 시네시타(Cinecita)보다 앞섰습니다."라고 언급했습니다.[154] 이집트는 영화 제작 분야에서 중동에서 가장 생산성이 높고 미디어 시스템이 가장 발달한 나라입니다.[155]

놀리우드

놀리우드는 원래 나이지리아 영화 산업을 가리키는 소리켓입니다.[156] 그 용어의 기원은 뉴욕 타임즈의 한 기사로 거슬러 올라가는 2000년대 초반으로 거슬러 올라갑니다.[157][158] 의미와 맥락이 진화해온 역사로 인해 용어에 대한 명확한 정의나 합의된 정의가 없어 여러 논란의 대상이 되고 있습니다. "Nollywood"라는 용어의 기원은 불분명합니다. 조나단 헤인즈(Jonathan Haynes)는 이 단어의 가장 초기 사용법을 뉴욕 타임즈(New York Times)의 매트 스타인글래스(Matt Steinglass)의 2002년 기사에서 추적하여 나이지리아 영화를 묘사하는 데 사용되었습니다.[157][158] 찰스 아이그웨(Charles Igwe)는 노리미츠 오니시(Norimitsu Onishi)가 2002년 9월 뉴욕 타임즈(New York Times)에 기고한 기사에서 이 이름을 사용했다고 언급했습니다.[159][160] 이 용어는 언론에서 나이지리아 영화 산업을 지칭하는 데 계속 사용되며, 그 정의는 나중에 미국의 주요 영화 중심지인 "나이지리아"와 "할리우드"라는 단어의 혼성어로 가정됩니다.[161][162][163][63]

어떤 영화들이 놀리우드로 여겨지는지에 대한 정의는 항상 논쟁의 대상이 되어 왔습니다. 알렉스 이잉호(Alex Eyengho)는 놀리우드를 "영어, 요루바, 하우사, 이그보, 잇세키리, 에도, 에픽(Efik), 아이조(Ijaw), 우르호보(Urhobo) 또는 300개가 넘는 나이지리아 언어 중 어느 것이든 나이지리아 영화 산업에서 일어나는 활동의 총체"라고 정의했습니다. 그는 또한 "놀리우드의 역사적 궤적은 독립 이전이후 나이지리아에서부터 시작되었으며, 휴버트 오군데 추장, 아마타 추장, 바바 살라, 에이드 러브, 에디 우보마 등의 연극적(무대)과 영화적(셀룰로이드) 노력으로 시작되었습니다."라고 말했습니다.[162] 나이지리아 영화 산업의 영향은 종종 비공식적으로 놀리우드로 언급되며 모든 아프리카 국가에 영향을 미칩니다.

2013년 말까지 영화 산업은 ₦ 1조 7,200억 달러(41억 달러)의 기록적인 수익을 기록한 것으로 알려졌습니다. 2014년 기준, 이 산업은 ₦ 8,539억 달러 (51억 달러)의 가치가 있어 미국과 인도에 이어 세계에서 번째로 가치 있는 영화 산업이 되었습니다. 나이지리아 경제에 약 1.4% 기여했습니다. 이는 양질의 영화 제작 수가 증가하고 보다 공식적인 배급 방식이 증가했기 때문입니다.[164][165]

경제학

네덜란드에서 할인된 DVD 가정용 비디오 필름 출시

영화 스튜디오의 수익성은 적절한 영화 프로젝트를 선택하고 올바른 경영진과 크리에이티브 팀(캐스팅, 감독, 시각 디자인, 스코어, 사진, 의상, 세트 디자인, 편집 및 기타 여러 전문 분야)을 참여시키는 데 결정적으로 좌우되지만, 또한 영화 홍보에 대한 적절한 규모와 접근 방식을 선택하는 데 크게 좌우됩니다. 디지털 권리 관리(DRM), 정교한 회계 관행보조 수익원 관리와 같은 기술을 통해 영수증을 관리합니다. 극단적으로 영화를 중심으로 하는 주요 미디어 프랜차이즈의 경우 영화 자체가 총 프랜차이즈 수익에 대한 많은 큰 기여 중 하나의 큰 구성 요소일 수 있습니다.

영화 산업은 심하게 요동치는 "비선형 프로세스"에 의해 주도되는 잔인하게 경쟁적인 승자독식 시장입니다.[166] 흥행 수익은 매우 성공한 소수의 영화에 매우 집중되어 있으며, 영화 산업 점유율 또한 운 좋게도 그러한 영화를 만들 수 있을 정도로 영화 스튜디오에 매우 집중되어 있습니다.[166] 그러나 시장은 "극도로 변동성이 큰" 시장이며, 어떤 순간에 누가 시장의 승자가 될 것인지, 또는 그들의 지배력이 얼마나 오래 지속될 것인지를 미리 예측하는 것은 불가능합니다.[166] 지배적인 영화와 영화 스튜디오는 "극적으로 그리고 자주 장소를 바꿉니다."[166]

통계

영화 제작 편수별 최대 산업

다음은 특별한 언급이 없는 한 유네스코 통계연구소에 따르면 제작된 장편영화(소설, 애니메이션, 다큐멘터리) 수 기준 상위 12개국의 목록입니다.[3]

순위 나라 영화들 연도
1 India 인도 1,691 2022[167]
2 United States 미국 1,361 2022[168]
3 Mexico 멕시코 1,289 2022[169]
4 Japan 일본 634 2022[170]
5 Spain 스페인 320 2022[171]
6 France 프랑스. 287 2022[172]
7 Italy 이탈리아 273 2022[173]
8 United Kingdom 영국 220 2022[174]
9 Germany 독일. 192 2022[175]
10 China 중국 174 2022[176]
11 Brazil 브라질 173 2022[177]
12 South Korea 대한민국. 106 2022[178]

흥행 수익 기준 최대 시장

MPA(Motion Picture Association)의 THEE Report 2022에 따르면, 다음 국가들은 총 박스오피스 수익 측면에서 가장 큰 박스오피스 시장입니다.[179]

순위 나라 흥행수입
(억 US$)[180]
연도
세계 33.90 2023
1 United States 미국&캐나다 9.07 2023
2 China 중국 7.71 2023
3 Japan 일본 1.50 2023[181]
4 India 인도 1.48 2023[182]
5 United Kingdom 영국 & 아일랜드 1.36 2023
6 France 프랑스. 1.35 2023
7 Germany 독일. 1.01 2023
8 South Korea 대한민국. 0.97 2023
9 Mexico 멕시코 0.94 2023
10 Australia 호주. 0.67 2023
11 Italy 이탈리아 0.55 2023
12 Spain 스페인 0.54 2023

박스오피스 입장객 수 기준으로 가장 큰 시장

다음 국가들은 2019년 판매된 티켓 수 기준으로 가장 큰 흥행 시장입니다.[183]

순위 나라 입학인원
(티켓 millions)
연도
1 India 인도 981 2022[184]
2 United States 미국 714 2022[185]
3 China 중국 712 2022[186]
4 Mexico 멕시코 181 2022[187]
5 France 프랑스. 152 2022[188]
6 Japan 일본 152 2022[170]
7 United Kingdom 영국 128 2022[189]
8 South Korea 대한민국. 112 2022[190]
9 Brazil 브라질 95 2022[191]
10 Germany 독일. 73 2022[192]

비평

검열

경제 검열은 기업, 산업 또는 국가가 수익성을 보장하기 위해 조치를 취할 때 발생하며, 일반적으로 경제적 영향력을 행사하는 그룹을 기쁘게 하기 위해 콘텐츠를 자체 검열합니다. 그 그룹은 개인에 대한 보이콧이나 특정 제품에 대한 정부의 금지 또는 세금 부과와 같은 본질적으로 정치적일 수 있습니다. 이 도구는 순수한 정치적 검열보다 정부의 경계를 넘어서는 광범위한 범위를 갖는 경향이 있습니다. 그 예로는 할리우드가 독일 관객들에게 접근을 유지하고 국내에서 반유대주의자들을 화나게 하는 것을 피하기 위해 1930년대 대부분 동안 나치에 대한 부정적인 묘사를 자체 검열하거나, 주요 스튜디오가 중국 관객들에게 접근을 유지하기 위해 1997년 이후 중국이나 여당에 대한 부정적인 묘사를 자체 검열하는 것이 있습니다.[193]

은밀한 광고

네이티브 광고고전적인 선전보다 더 미묘한 방법으로 설득하기 위해 고안된 정보입니다. 미국에서 흔히 볼 수 있는 현대적인 예는 코파간다인데, 텔레비전 쇼는 부분적으로 장비를 빌리고 거리를 차단하여 보다 쉽게 장소에서 촬영할 수 있도록 도움을 받기 위해 비현실적으로 평평한 법 집행의 묘사를 보여줍니다.[194] 마피아의 이미지를 불태우는 것을 포함하여 연예계에서 다른 평판 세탁 혐의가 제기되었습니다.[195]

담배 업계가 스크린에서 흡연을 장려하는 등 제품 배치도 비판의 대상이 되어 왔습니다.[196] 질병통제센터는 흡연이 포함된 영화에 자동으로 'R' 등급이 부여되면 10대 흡연자의 18%가 흡연을 시작하지 않을 것이며, 이로 인해 100만 명의 생명을 구할 수 있다고 밝혔습니다.[197]

참고 항목

각주

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외부 링크