아시아의 영화

Cinema of Asia
다음에 대한 시리즈 일부
아시아의 문화

아시아 영화관(Asian cinema)은 아시아 대륙에서 제작된 영화 산업과 영화를 가리킨다. 그러나 미국과 같은 나라에서는 동아시아, 동남아시아, 남아시아의 영화만을 가리키는 말로 자주 쓰인다. 서아시아 영화는 이집트의 영화관과 함께 중동 영화의 일부로 분류되기도 한다. 중앙아시아의 영화관은 종종 중동이나 과거 소비에트 중앙아시아 시대에 구소련의 영화관과 함께 분류된다. 북아시아는 시베리아 러시아 영화가 지배하고 있어 유럽 영화의 일부로 간주되고 있다.

동아시아 영화관은 일본 애니메이션 산업, 홍콩의 액션 영화 등 일본, 중국, 홍콩, 대만, 한국의 영화관이 대표적이다.[1] 남아시아 영화는 인도의 영화관, 파키스탄의 영화관(펀자비, 우르두 영화관 포함), 방글라데시의 영화관(벵갈리 영화관), 네팔의 영화관으로 대표된다. 동남아시아 영화관은 필리핀, 태국, 인도네시아 등 동남아시아 국가의 영화관으로 대표된다. 중앙아시아와 남부 코카서스의 영화관은 이란 영화관과 타지키스탄의 영화관으로 대표된다. 서아시아 영화관은 아랍 영화관, 이란 영화관, 이스라엘 영화관(유대 영화관과 중복될 수 있음), 터키 영화관으로 대표된다.

역사

필름의 전구체

주요 기사: 필름의 전구체

이란의 샤흐리 속타에서 발견된 5,200년 된 토기 그릇에는 염소의 모습이 옆구리를 따라 그려져 있다. 이것은 초기 애니메이션의 한 예라고 여겨진다.[2][3][4]

기원전 500년경 중국의 철학자 모티는 어두운 방의 반대편 벽에 있는 작은 구멍을 통해 외부로부터의 역광이 비치는 현상을 곰곰이 생각해 보았다. 그림자극은 한나라 때 처음 등장했고 이후 아시아 전역에서 인기를 얻었다. 서기 180년경, 팅환( ting huan)은 중국에서 초기의 조에트로프를 만들었다.

1021년 이라크 과학자 알하센은 모티(Mo-Ti)가 기술한 것과 같은 광학 원리를 실험하여, 그 결과를 그의 광학책에 기록하였는데, 이것은 카메라 옵스쿠라에 대한 최초의 명확한 설명과[5] 정확한 분석을 제공하였다.[6] 넓은 지역에 여러 개의 다른 광원이 배치되어 있는 그의 램프 실험은 야외에서 카메라 옵스큐라로 실내 스크린에 전체 이미지를 투사하는 데 성공한 첫 번째 실험이었다.[7]

무성영화시대

아시아의 첫 단편 영화들은 1890년대에 제작되었다. 일본에서 제작된 최초의 단편영화로는 1898년부터 제작된 베이크 지조(스푸크 지조)와 신인노 소세이(시체의 부활)가 있다.[8] 최초의 인도 단편 영화도 1898년 히랄랄 센 감독이 연출한 <페르시아의 꽃>이 제작되었다.[9]

1900년대 초 이스라엘의 무성 영화는 헛간, 카페, 기타 임시 구조물에서 상영되었다.[10] 1905년 네브 테제덱의 유대인 동네 자파로에 카페 로렌츠가 문을 열었다. 1909년부터 로렌츠 가족은 카페에서 영화를 상영하기 시작했다. 1925년, 케셈 시네마가 잠시 동안 그곳에 수용되었다.[11] 첫 번째 동아시아 장편 영화는 일본의 시오바라 타스케의 인생 이야기(1912년)이다. 이어 인도 영화의 아버지로 꼽히는 다다사헵 팰케의 장편 무성영화인 시대극 라자 하리쉬찬드라(1913년)가 뒤를 이었다. 그 후 10년 동안 인도 영화의 생산량은 1년에 평균 27편이었다.[12]

1920년대에 신생 소비에트 영화관은 가장 획기적으로 혁신적이었다. 거기서 특히 편집의 수완은 이야기를 진전시키는 이전의 역할을 뛰어넘어 앞으로 밀려나왔다. 세르게이 아이젠슈타인은 소위 변증법이나 지적 몽타주의 기법을 완성시켰는데, 이 기법은 비선형적이고 종종 격렬하게 충돌하며 이미지는 사상을 표현하고 시청자의 감정적이고 지적인 반응을 유발한다.

초기음력시대

사운드 영화는 1930년대부터 아시아에서 제작되기 시작했다. Notable early talkies from the cinema of Japan included Kenji Mizoguchi's Sisters of the Gion (Gion no shimai, 1936), Osaka Elegy (1936) and The Story of the Last Chrysanthemums (1939), along with Sadao Yamanaka's Humanity and Paper Balloons (1937) and Mikio Naruse's Wife, Be Like A Rose! (Tsuma Yo Bara No Yoni, 1935), which was one of the first J미국에서 극장 개봉을 위한 아판 영화. 그러나 검열이 증가하면서 이토 다이스케 감독 등의 좌편향 영화도 공격을 받기 시작했다. 1920년대와 1930년대에 일본 사운드 반바지가 몇 벌 만들어졌지만, 일본의 첫 장편 토키는 '미나토키 시스템'을 사용한 후지와라 요시에 노 후루사토(1930년)였다. 1935년 오즈 야스지로도 신예주의 장르의 전조로 여겨지는 도쿄의 안여관을 연출했다.

아르데시르 이란은 1931년 3월 14일 인도 최초의 토킹 영화인 알람 아라를 개봉하였다. 인도에서 '토키'가 시작된 이후 몇몇 영화배우들은 많은 관심을 받았고 연기를 통해 편안한 수입을 얻었다. 사운드 기술이 발전함에 따라 1930년대는 인도 영화계에서 인드라 사바, 데비 데바니 등의 뮤지컬이 인도 영화의 노래와 춤의 시작을 장식하면서 음악의 성장을 보았다.[13] 스튜디오는 첸나이, 콜카타, 뭄바이와 같은 주요 도시들을 가로질러 등장했는데, 이는 1935년까지 영화 제작이 확립된 공예품이 되면서, 전국의 관객들을 간신히 사로잡았던 데브다스의 성공이 그 예였다.[14]

골든 에이지

1940년대 중반까지 제2차 세계대전이 종식된 데 이어 1940년대 후반부터 1960년대까지를 아시아 영화의 '황금시대'로 꼽히고 있다.[15][16][17] 오주 야스지로의 '늦은 봄'(1949년)과 '도쿄 스토리'(1953년) 등 역대 아시아 영화 중 평론가들로부터 호평을 받은 작품들이 이 시기에 다수 제작됐다. Akira Kurosawa's Rashomon (1950), Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) and Throne of Blood (1957); Kenji Mizoguchi's The Life of Oharu (1952), Sansho the Bailiff (1954) and Ugetsu (1954); Satyajit Ray's The Apu Trilogy (1955–1959), The Music Room (1958) and Charulata (1964); Guru Dutt's Pyaasa (1957) and Kaagaz Ke Phool (1959); and Fei Mu's Spring in 작은 마을(1948년), 라즈 카푸어의 아와라(1951년), 미키오 나루세의 떠다니는 구름(1955년), 메흐부브 칸의 어머니 인도(1957년), 리트위크 가타크의 수바르르나레카(1962년).[15][16]

1950~60년대 일본 영화의 '황금시대' 때 성공작으로는 라쇼몬(1950), 구로사와 아키라의 '세븐 사무라이'(1954), '숨은 요새'(1958)를 비롯해 오즈 야스지로(1953), 혼다 고질라(1954) 등이 있다.[18] 이 영화들은 세계 영화에 지대한 영향을 끼쳤다. 특히 구로사와의 '7인 사무라이'는 '장엄한 7인'(1960), '별을 뛰어넘는 전투(1980)' 등 서양 영화로 여러 차례 리메이크됐고, 숄레이(1975), 차이나 게이트(1998) 등 발리우드 영화에도 영감을 줬다. 라쇼몬은 '인기'(1964년)로도 리메이크되었고, '라쇼몬 효과' 스토리텔링 방식으로 영화에 영감을 주었는데, '안다 날'(1954년), '평범한 용의자'(1995년), '히어로'(2002년) 등이 있다. 히든 요새는 조지 루카스의 스타워즈(1977년)의 배경이 되기도 했다. 일본의 뉴 웨이브는 1950년대 후반에 시작되어 1960년대까지 계속되었다. 이 시기의 다른 유명한 일본 영화 제작자들로는 미조구치 겐지, 나루세 미키오, 이나가키 히로시, 오시마 나가사가 있다.[16] 이후 일본 영화는 1960년대부터 1980년대까지의 뉴 할리우드 운동의 주요 영감 중 하나가 되었다.

1950~60년대 인도 영화의 '골든 에이지' 기간 동안 연간 200편의 영화를 제작하고 있었고, 인도 독립 영화들은 국제 영화제를 통해 더 큰 인지도를 얻었다. 어느 가장 유명한 것은 Apu 3부작(1955–1959) 호평을 받은 벵골인 영화 감독 사티야지트 레이의 영화들을 세계 영화를 아키라 Kurosawa,[19]마틴 Scorsese,[20][21]제임스 Ivory,[22]압바스 키아로스타미, 엘리아 카잔, 프랑수아 Truffaut,[23]스티븐 Spielberg,[24][25][26]카를로스 Saur 같은 감독들과 지대한 영향력을, 보냈었다.A,[27]장 뤽 Godard,[28]이사오 Takaha.ta,[29] Gregory Nava, Ira Sachs[30], Wes Anderson 그리고 Danny Boyle은[31] 그의 영화 스타일에 영향을 받았다. 애틀랜틱 월간지의 마이클 스라고우에 따르면, "중기 이후 미술가옥이 침수된 젊은 성인극은 아푸 3부작의 엄청난 빚을 지고 있다"[32]고 한다. 수브라타 미트라의 바운스 조명의 촬영기술도 아푸 3부작에서 비롯된다.[33] 사티아지트 레이의 성공은 1950년대와 1960년대에 절정에 달했던 '병렬 시네마' 운동의 성립으로 이어졌다. 이 시기의 다른 유명한 인도 영화 제작자들로는 구루 더트,[16] 리트윅 가타크,[15] 미스터리날 센, 비말 로이, K. 아시프, 메부브 칸이 있다.[34]

중국의 영화관은 1940년대 후반에 '황금시대'를 경험했다. 1946년 차이추성은 롄화라는 이름을 '롄화 영화 협회'로 부활하기 위해 상하이로 돌아왔다.[35] 이것은 차례로 쿤룬 스튜디오가 되었고, 이 시대의 가장 중요한 중국 스튜디오 중 하나가 되었으며, 고전 작품인 "Meryads of Lights"(1948), "The Spring River Flows East"(1947), 그리고 까마귀와 참새(1949)를 내놓았다.[36] 혁명 직전 페이 무 감독의 영화인 원화의 로맨틱 드라마 봄 인 더 스몰 타운(1948년)은 중국 영화 평론가들에게 중국 영화 역사상 가장 중요한 영화 중 하나로 평가되는 경우가 많은데, 2004년 홍콩영화상(Hong Kong Film Awards)[37]이 이 영화를 역대 최고의 중국어로 선정했다.

말레이시아의 영화관에도 1950년대와 1960년대 전후의 '황금시대'가 있었다. 이 시기에는 말레이시아에서 영화 제작의 스튜디오 시스템이 도입되었고 할리우드와 홍콩의 신흥 영화관, 특히 인도와 일본 영화 산업에서 황금기를 경험하고 있는 영향들이 유입되었다.[38][39]

대한민국 영화관도 1950년대 후반과 1960년대 후반에 이규환 감독의 춘향전(1955년) 리메이크에 크게 성공한 것을 시작으로 '황금시대'를 경험했다.[40][41] 그 해에도 저명한 김기영 감독의 양산성 석방이 그의 생산적인 경력의 시작을 알렸다. 영화 제작의 질과 양 모두 1950년대 말에 급속히 증가했다. 이병일의 1956년 코미디 시지브은날(The Wedding Day)과 같은 한국 영화가 국제상을 받기 시작했다. 연 5편만 제작된 1950년대 초반과 대조적으로 1959년 대한민국에서는 111편이 제작됐다.[42] 1960년에는 김기영 감독의 하녀와 유현목 감독의 '무목적 총알'의 제작이 있었는데, 이 두 작품 모두 역대 최고의 한국 영화에 이름을 올렸다.[43]

1950년대 후반과 1960년대 역시 필리핀 영화계의 '골든 에이지'로서 예술적이고 성숙한 영화의 출현과 영화제작자들 사이에서 영화적 기법이 현저하게 향상되었다. 스튜디오 시스템은 매년 많은 영화가 만들어지고 여러 명의 현지 인재들이 해외에서 인정을 받기 시작하면서 국내 영화계에서 열광적인 활동을 일으켰다. 이 시대의 필리핀 초대 감독으로는 제라르도 데 레온, 그레고리오 페르난데스, 에디 로메로, 램베르토 아벨라나, 시리오 산티아고 등이 있었다.[44][45]

1960년대는 종종 파키스탄 영화의 '황금시대'로 언급된다. 이 시기에 많은 A스타가 소개되어 은막의 전설이 되었다. 흑백이 구식화되면서 파키스탄은 첫 컬러 영화가 등장했고, 첫 번째 컬러 영화는 1960년대 초 문시 딜의 아즈라, 첫 번째는 자히르 레한의 상암(첫 번째 장편 컬러 영화), 그리고 첫 번째 컬러 영화인 말라(첫 번째 컬러 영화)가 소개되었다. 1961년, 이웃 인도의 봄베이 시를 원작으로 한 정치 영화 봄베이 월라는 국가들간의 긴장이 고조되자 개봉되었다.[46] 1962년 샤히드(마티르)는 은막에서 팔레스타인 문제를 선언하고 즉각적인 히트를 치면서 영화 제작자들의 태도에 변화가 생겼다.[citation needed]

1960년대는 캄보디아 영화의 황금시대였다. 몇 개의 제작사가 설립되었고 전국에 더 많은 영화관이 지어졌다. 이 시대 캄보디아에서는 300편이 넘는 영화가 제작되었다.[47] 당시 많은 크메르어 영화들이 그 나라들에서 호평을 받았다.[48] 이 시기 캄보디아의 고전 영화로는 차 림쿤과 삽베스의 리아 해이 두옹 다라(굿바이 두옹 다라)와 포스 캉(스네이크 왕의 아내), 리분 임의 안유일 스리 안(크메르 후 앙코르) 등이 있다.

1966년에 260만 명의 이스라엘 사람들이 5천만 번 이상 극장에 갔다. 텔레비전 방송이 시작된 1968년부터 극장은 폐쇄되기 시작했으며, 처음에는 주변, 그 다음엔 대도시에서 폐쇄되었다. 330개의 독립형 극장이 철거되거나 멀티플렉스 극장으로 재설계되었다.[10]

근대

60년대 후반과 70년대 초반에 이르러, 일본 영화는 스튜디오 시스템의 붕괴로 심각한 영향을 받기 시작했다. 일본 영화가 상대적으로 시계가 낮은 시대로 빠져들면서 홍콩의 영화는 그 자체의 극적인 르네상스에 들어갔는데, 액션, 역사, 영적 관심사가 뒤섞인 우시아의 발전이라는 부작용이 컸다. 이 시기에 몇몇 주요 인물들이 홍콩에서 등장했는데 아마도 가장 유명한 것은 1966년 <나와 함께 가자>가 이후 많은 홍콩 영화 발전에 중요한 영향을 끼친 후 왕이었을 것이다. 그 직후인 1970년대에 미국에서 태어난 브루스 리는 세계적인 아이콘이 되었다.

1969년부터 이란 뉴 웨이브는 이란 영화의 성장을 이끌었고, 이후 1980년대와 1990년대에 국제적인 찬사를 받게 될 것이다. The most notable figures of the Iranian New Wave are Abbas Kiarostami, Jafar Panahi, Majid Majidi, Bahram Beizai, Darius Mehrjui, Mohsen Makhmalbaf, Masoud Kimiay, Sohrab Shahid-Saless, Parviz Kimiavi, Samira Makhmalbaf, Amir Naderi, and Abolfazl Jalili. 뉴웨이브 이란 영화의 특징들, 특히 키아로스타미의 작품들은 일부 사람들에 의해 포스트모던으로 분류되었다.[49]

1970년대에도 1971년 방글라데시 독립에 이어 방글라데시 영화가 설립되었다. 독립 후 방글라데시에서 제작된 최초의 영화 중 하나는 1973년 벵골 영화관에서 사티아지트 레이와 미스터리날 센의 위상에 버금가는 호평을 받은 리트윅 가타크 감독의 티타시 에크티 나디르 나암(티타스라고 불리는 강)이다. 방글라데시의 또 다른 대작으로는 미타의 '라티알'(공격수)이 1975년 최고의 영화였다. 'Lathial'은 최우수 영화로 첫 번째 국민상을 받았고, mita는 최우수 감독상을 받았다.

In the cinema of India, the 1970s saw a decline in 'Parallel Cinema' and the rise of commercial Hindi cinema in the form of enduring masala films, a genre largely pioneered by screenwriter duo Salim–Javed, with films such as the Mumbai underworld crime drama Deewaar (1975) and the "Curry Western" movie Sholay (1975), which solidified Amitabh Bachch주연 배우로서의 지위 Commercial cinema further grew throughout the 1980s and the 1990s with the release of films such as Mr. India (1987), Qayamat Se Qayamat Tak (1988), Tezaab (1988), Chandni (1989), Maine Pyar Kiya (1989), Baazigar (1993), Darr (1993), Hum Aapke Hain Koun..! (1994) and Dilwale Dulhaniya Le Jayenge (1995).[50] 이때쯤에는 힌디어 봄베이(현 뭄바이) 영화산업을 가리키는 발리우드라는 말이 생겨났다. 1990년대와 2010년대 사이에 가장 성공한 인도 배우는 아미르 칸, 악샤이 쿠마르, 살만 칸, 샤 루크 칸이다.

1980년대 동안, 독립 영화 제작의 부상과 애니메이션의 눈부신 성공에 힘입은 일본 영화는 국제적인 컴백을 하기 시작했다. 동시에, 마오쩌둥 이후의 새로운 세대의 중국 영화 제작자들이 세계적인 주목을 받기 시작했다. 에드워드 양과 허우샤오셴을 중심으로 한 또 다른 영화 제작진이 "대만 신파"로 알려진 것을 출시했다.

1980년대는 홍콩 액션 영화의 황금기로도 꼽힌다. 성룡은 프로젝트 A(1983년)를 시작으로 정교하고 위험한 묘기와 슬랩스틱 유머를 새롭게 강조하여 무술 영화 장르를 재창조했다. 존 우는 《A Better Tomorrow》(1986년)를 시작으로 트라이애드를 바탕으로 한 '영웅적 유혈' 장르를 시작했다. 홍콩 뉴웨이브도 이 기간 중 츠이 하크 등 영화인들이 주축이 되어 일어났다.

1980년 이후 서구에서 동아시아 영화의 인기가 높아지면서 서구 관객들은 다시 이 산업의 많은 영화제작자들과 스타들과 친숙해지고 있다. 주윤발과 장쯔이와 같은 이 핵심 플레이어들은 서양 영화에서 일하면서 "크로스오버"를 했다. 다른 영화들은 영화의 개봉보다는 DVD 판매를 통해 서구의 성공을 거두면서, 더 많은 영화들이 "문화"적인 매력을 지니고 있음에도 불구하고, 그들의 영화의 국제적인 성공을 통해 널리 알려지게 되었다.

현대 시대에 이스라엘 영화는 21세기 들어 전 세계 영화제에서 여러 편의 이스라엘 영화가 수상하는 등 흥행의 물결이 일고 있다. Prominent films of this period include Late Marriage (Dover Koshashvili), Broken Wings, Walk on Water and Yossi & Jagger (Eytan Fox), Nina's Tragedies, Campfire and Beaufort (Joseph Cedar), Or (My Treasure) (Keren Yedaya), Turn Left at the End of the World (Avi Nesher), The Band's Visit (Eran Kolirin) Waltz With Bashir (Ari Folman), and Ajami. 2011년, 이방인 노 모어는 단편 다큐멘터리 부문 오스카상을 수상했다.[51] 2020년 《기생충》은 제92회 판에서 아카데미 작품상을 수상한 최초의 비영어 영화가 된다.[52]

메모들

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참고 항목

참조