정물, 정물화

Still life
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장로 얀 브루겔(1568–1625), 부케(1599).정물화의 초기 예로는 네덜란드 르네상스 화가들의 꽃 그림이 있었다.정물화(바니타스 포함)는 특정 장르로서 네덜란드 미술의 황금시대(ca. 1500년대~1600년대)에서 가장 큰 비중을 차지했다.
후안 산체스 코탄, 스틸 라이프 with Game Fowl, 야채 및 과일(1602), 뮤소 델 프라도 마드리드

정물(pillal: still life)은 대부분 무생물인 주제를 묘사하는 예술 작품으로, 일반적으로 자연물(음식, 꽃, 죽은 동물, 식물, 바위, 조개 등)이나 인공물(음용 안경, 책, 보석, 동전, 파이프 등)을 묘사한다.[1]

중세 시대와 고대 그레코로만 미술에 기원을 둔 정물화는 16세기 후반까지 서양화에서 뚜렷한 장르와 전문성으로 떠올랐으며, 그 후로도 그 의미가 남다르다.정물화 형식의 한 가지 장점은 화가가 그림의 구성 내에서 요소의 배열을 실험할 수 있는 자유를 많이 허용한다는 것이다.정물화는 특정 장르로서 16~17세기의 네덜란드 그림에서 시작되었으며, 영어 정물화는 네덜란드어 스틸벤에서 유래한다.특히 1700년 이전의 초기 정물화는 종종 묘사된 물건과 관련된 종교적, 우화적 상징성을 포함하고 있었다.후기 정물 작품은 영상과 음향뿐만 아니라, 발견물, 사진, 컴퓨터 그래픽과 같은 다양한 미디어와 기술로 제작된다.

이 용어는 죽은 동물, 특히 게임에 대한 그림을 포함한다.살아있는 것은 동물 예술로 간주된다. 비록 실제로 그것들은 종종 죽은 모델에서 그려졌지만 말이다.식물과 동물을 소재로 사용하기 때문에 정물 카테고리는 동물학적으로, 특히 식물 일러스트레이션과 공통점을 공유하기도 한다.그러나 시각적 예술이나 미세한 예술로 이 작품은 단순히 주제를 정확하게 설명하기 위한 것이 아니다.

여전히 삶은 장르의 서열 중 가장 낮은 계층을 차지했지만, 구매자들에게는 엄청난 인기를 끌었다.독립된 정물화 주제뿐만 아니라 정물화는 정물화 요소가 두드러진 다른 형태의 그림, 대개 상징적인 그림, "표면적으로 '생명의 슬라이스'[2]를 재현하기 위해 다수의 정물화 요소에 의존하는 이미지"를 포괄한다.관람자를 속여서 장면이 진짜라고 생각하도록 하려는 트롬프-릴칠 그림은 정물화의 특화된 유형으로 보통 무생물이고 비교적 평평한 물체를 보여준다.[3]

선행과 발전

바티칸 박물관의 물고기, 가금류, 대추, 야채와 함께 2세기 모자이크에 여전히 살고 있다.
유리 그릇의 과일과 꽃병.이탈리아 나폴리 나폴리 국립고고고박물관 폼페이(AD70년경)의 로마 벽화

정물화는 종종 고대 이집트 무덤의 내부를 장식한다.그곳에서 묘사된 음식물과 다른 물건들이 사후세계에서 실제가 되어 고인이 사용할 수 있게 될 것이라고 믿어졌다.고대 그리스 꽃병 그림도 일상적인 물건과 동물을 묘사하는 데 뛰어난 기술을 보여준다.페이라이코스는 플리니 장로가 모자이크판 생존과 폼페이 지방 벽화의 패널 화가로 언급하고 있다: "이발소, 자갈매기 노점, 아치, 식자재, 유사한 주제들"[4]이다.

비슷한 정물화, 보다 단순하게 의도적인 장식이지만 현실적인 관점으로 폼페이, 헤르쿨라네움, 빌라 보스코레일에서 발굴된 로마 벽화와 바닥 모자이크에서도 발견되었는데, 그 중에는 후에 유리 그릇의 친숙한 모티브가 포함되어 있다.부유한 로마인들의 집에서 발견되는 "엠블마"라고 불리는 장식 모자이크는 상류층이 즐기는 음식의 범위를 보여주었고, 또한 환대의 표시와 계절과 삶의 축하의 역할도 했다.[5]

16세기에 이르러 음식과 꽃은 다시 계절과 오감의 상징으로 나타나게 될 것이다.또한 로마 시대부터 시작되는 것은 그림에서 두개골을 죽음의 상징으로 사용하고 지구상 잔존하는 전통이며, 종종 수반되는 구절인 옴니아 모르스(죽음은 모든 것을 평등하게 만든다)[6]와 함께 사용한다.이러한 바니타스 이미지는 1600년 전후의 네덜란드 화가들을 시작으로 지난 400년간의 미술사를 통해 다시 해석되었다.[7]

정물화의 리얼리즘에 대한 대중적 감상은 고대 그리스 전설인 Zeuxis와 Parrhasius와 관련이 있는데, 이들은 한 때 가장 실제와 같은 물체를 만들기 위해 경쟁했다고 전해지는 것으로 역사가 가장 일찍 트롬펠칠 그림을 묘사한 것이다.[8]고대 로마 시대에 플리니 장로가 기록했듯이, 수 세기 전의 그리스 화가들은 이미 초상화, 장르화, 정물화의 예술에 있어서 진보되어 있었다.그는 페이라이코스를 지목했다. "예술성은 극소수만이 능가한다...그는 이발소와 제화공들의 노점, 당나귀, 야채 등을 그렸으며, 그 때문에 '속한 대상의 화원'이라고 불리게 되었는데, 이 작품들은 모두 매우 유쾌하여 다른 많은 화가들의 가장 위대한 회화 작품들보다 더 높은 가격에 팔렸다.[9]

중세 및 초기 르네상스

한스 멤링 (1430–1494), 꽃병 (1480), 마드리드 티센 보네미사 (Museo Tyssen-Borenemisza, Museo Tysen-Borenemisza, 마드리드)일부 학자들에 따르면 꽃병은 종교적 상징성으로 가득 차 있다고 한다.[10]

1300년까지, 지오토와 그의 제자들을 시작으로, 정물화는 일상적인 사물들을 묘사하는 종교적인 벽화 위에 가상의 틈새의 형태로 되살아났다.[11]중세시대와 르네상스를 거치면서 여전히 서양 미술에서의 삶은 주로 기독교 신앙의 대상과 부속물로 남아 있었고, 종교적이고 우화적인 의미를 소집했다.이것은 특히 북유럽 화가들의 작품에서 사실이었는데, 그들은 매우 세밀한 광학적 사실주의와 상징성에 매료되어 그들의 그림의 전체적인 메시지에 아낌없이 큰 관심을 기울이게 되었다.[12]얀 반 에이크와 같은 화가들은 종종 정물적인 요소를 아이콘그래픽 프로그램의 일부로 사용했다.[citation needed]

중세 말기에 정물적인 요소들, 주로 꽃을 피웠지만 동물들과 때로는 무생물들이 조명을 받은 원고들의 경계에서 점점 더 사실적으로 그려졌고, 더 큰 이미지의 화가들이 사용했던 모델과 기술적 진보들을 발전시켰다.원고를 위한 미니어처를 만드는 화가들과 특히 초기 네덜란드 그림에서는 그림 판넬들 사이에 상당한 중첩이 있었다.1440년경 위트레흐트에서 만들어졌을 법한 '클레브스의 캐서린의 시간'은 이러한 경향의 두드러진 예들 중 하나로, 특정 지점의 텍스트나 주요 이미지를 보완하기 위해 선택된 동전과 어망을 포함한 엄청난 범위의 사물을 특징으로 하는 국경선이 있다.플랑드르 워크숍은 세기의 후반에 국경 요소의 자연주의를 더욱 심화시켰다.고딕 밀플뢰르 태피스트리는 식물과 동물의 정확한 묘사에 대한 일반적 관심이 증가하는 또 다른 예다.레이디와 유니콘의 세트는 가장 잘 알려진 예로서, 1500년경 파리에서 디자인되었다가 플랑드르어로 짜여졌다.[citation needed]

잔 반 에이크와 다른 북유럽 예술가들에 의한 유화 기법의 발달은 유색의 건조, 혼합, 층화 특성이 느리기 때문에 이런 초현실적인 방식으로 일상적인 유물을 그릴 수 있게 했다.[13]가장 먼저 종교적인 의미로부터 벗어난 것 중에는 자연에 대한 안절부절못하는 조사의 일환으로 과일에 대한 수채화 연구 (1495년경)를 만든 레오나르도 다 빈치와 동식물도 정밀하게 색칠한 그림을 그린 알브레히트 뒤러도 있었다.[14]

페트루스 크리스투스가 금장사를 방문하는 신랑 신부의 초상화는 종교적인 내용과 세속적인 내용 모두를 묘사하는 과도기적인 정물화의 전형적인 예다.메시지에서는 대부분 우화적이지만, 부부의 모습은 사실적이고 보여지는 물체(코인, 그릇 등)는 정확하게 칠해져 있지만, 금공인은 사실 성(St)을 묘사한 것이다.엘렉티우스와 그 물건들은 매우 상징적이다.또 다른 비슷한 유형의 그림은 인물과 잘 차려진 음식상이 결합된 가족 초상화인데, 이것은 인간의 경건함과 하나님의 풍요에 대한 감사를 상징한다.[15]이 무렵 민간의 일탈 그림 셔터 바깥쪽에 인물(비우화적 의미는 아님)으로 이혼한 단순한 정물화가 그려지기 시작하고 있었다.[9]자율적인 정물화를 향한 또 다른 발걸음은 1475년경 세속적인 초상화의 뒷면에 꽃병을 그려 넣은 것이었다.[16]자코포 데 바르바리는 최소한의 종교적인 내용을 담고 있는 트롬페-릴' stillil 정물화 초기의 서명이자 연대를 거친 그림들 중 파트리지와 건틀츠(1504년)와 함께 한 걸음 더 나아갔다.[17]

후기 르네상스

요아힘 부켈라르 (1533–1575), 키친 장면, 마사와 마리의 집에 예수가 있는 장면 (1566), 171 × 250 cm (67.3 × 98.4 in)이다.

16세기

참고 항목:네덜란드와 플랑드르 르네상스 시대의 그림

비록 1600년 이후의 대부분의 정물화는 비교적 작은 그림이었지만, 이 장르의 발전에 결정적인 단계는 대부분 "원조 정물"의 앤트워프(Antwerp)를 중심으로 한 전통이었는데, 이 전통은 인물과 종종 동물과 함께 정물 재료를 크게 보급하는 것을 포함하고 있는 큰 그림이었다.이는 성가 기빙알름(1551·현 웁살라)이 있는 '미트 스톨'이 여전히 깜짝 놀랄만한 그림으로 활자를 소개한 피터 아어르센의 발전이었다.또 다른 예로 아에르센의 조카 요아힘 부켈라르(1568년)의 '도살장'이 있는데, 생고기를 사실적으로 묘사한 반면, 배경 장면은 술취와 나태함의 위험성을 전한다.피터 아어르센과 그의 조카 요아힘 부켈라르가 개발한 매우 큰 부엌이나 시장 풍경은 전형적으로 정물화와 살찐 플랑드르 부엌데기를 가진 풍부한 음식을 묘사하고 있다.멀리서도 작은 종교 장면이 연출되거나, 사계절과 같은 테마가 덧붙여져 화제를 높일 수 있다.이러한 종류의 대규모 정물화는 남북 분단 이후 플랑드르 회화에서 계속 발전하였으나 네덜란드 회화에서는 드물게 볼 수 있다. 이 전통의 다른 작품들은 "merry company" 형태의 장르 회화를 예상한다.[18]

이러한 형식의 그림에서는 점차 종교적인 내용이 축소되었고, 도덕적인 교훈은 하위 컨텍스트로 계속되었다.[19]비교적 소수의 이탈리아 작품들 중 하나로, 1583년 같은 주제를 다룬 안니발레 카라치의 <도살장>은 이 시기의 다른 "주방과 시장" 정물화가 그랬던 것처럼 도덕적인 메시지를 제거하기 시작한다.[20]빈첸초 캄피는 아마도 1570년대에 이탈리아에 앤트워프 스타일을 소개했을 것이다.이 전통은 다음 세기까지 계속되었는데, 루벤스의 여러 작품들은 주로 프란스 스나이더스와 그의 제자 얀 피트와 같은 전문가 명인들에게 정물 및 동물 원소를 하청했다.16세기 후반에 이르러 자율적인 정물화가 진화하였다.[21]

미켈란젤로 메리시 다 카라바조, 과일바스켓(1595–96), 캔버스에 기름, 31 × 47 cm

16세기에는 자연계에 대한 관심이 폭발하고 신대륙과 아시아의 발견을 기록한 호화로운 식물 백과사전이 탄생하는 것을 목격했다.그것은 또한 과학적 삽화의 시작과 표본의 분류를 촉진시켰다.자연물체는 어떤 종교나 신화적 연관성과는 별개로 개별적인 연구 대상으로 인식되기 시작했다.이 시기에도 초기의 한방치료 과학이 시작되었는데, 그것은 이 새로운 지식의 실질적인 연장이었다.게다가, 부유한 후원자들은 동물과 광물 표본의 수집품을 쓰기 시작했고, 호기심으로 가득 찬 광범위한 캐비닛을 만들었다.이 표본들은 사실성과 참신함을 추구하는 화가들의 본보기가 되었다.조개, 곤충, 이국적인 과일, 꽃 등이 수집되고 거래되기 시작했으며 정물화에서는 튤립(터키에서 유럽으로 수입)과 같은 새로운 식물들이 기념되었다.[22]

원예의 폭발은 유럽에 대한 광범위한 관심의 대상이었고 예술가는 수천 점의 정물화를 제작하기 위해 그것을 이용했다.일부 지역과 법정은 특별한 관심을 가지고 있었다.예를 들어 감귤의 묘사는 이탈리아 피렌체 메디치 궁정의 특별한 열정이었다.[23]자연 표본이 유럽 전역에 이렇게 크게 보급되고 자연 삽화에 대한 관심이 고조되면서 1600년경 현대 정물화가 거의 동시에 탄생하게 되었다.[24][25]

세기가 바뀔 무렵 스페인의 화가 후안 산체스 코탄은 야채를 그린 극도의 평온한 그림으로 스페인 정물화를 개척한 뒤 1603년 40대에 수도원에 들어가 종교적인 주제를 그렸다.[citation needed]

16세기 그림

17세기

자코포 다 엠폴리(Jacopo Chimenti), 정물(C. 1625)

안드레아 사키와 같은 17세기 초의 저명한 학자들은 장르의 그림과 정물화가 위대한 그림으로 여겨질 수 있는 "그라비타스"를 지니고 있지 않다고 느꼈다.프랑스 고전주의의 역사학자, 건축가, 이론가인 안드레 펠리비앙이 1667년에 발표한 영향력 있는 공식은 18세기 장르의 위계 이론의 고전적인 표현이 되었다.

Celui quiet parfaitement des pa paes est au-dessus d'un autre ne fait quee, des fleur ou des coquilles.Celuiqui peint(animaux vivants. 더하기 존중할 만한 que ceuxqui 완벽한représentent que(choses 훼이 &, 산 무브망,& 좋라 figure 드l'homme. 르 플러스parfait ouvrage 드 신 sur 라 떼레,il. 특정aussi que celui qui se rend l'imitateur 드 신 계란peignantdes 수치 humaines,. 많은 플러스 우수한 quetous도. autres...[26]

완벽한 풍경을 연출하는 사람은 과일, 꽃, 해산물만 생산하는 다른 사람보다 낫다.살아있는 동물을 그리는 사람은 움직임 없이 죽은 것만을 나타내는 사람보다 더 존경받을 만하고, 인간이 세상에서 가장 완벽한 하나님의 작품인 만큼, 인간의 형상을 나타내는 하나님의 모사자가 되는 사람도 다른 모든 사람보다 훨씬 뛰어나다는 것이 확실하다..."

네덜란드와 플랑드르 회화

추가 정보:네덜란드의 황금 시대 그림과 플랑드르 바로크 그림
윌렘 칼프 (1619–1693), 캔버스에 기름 묻힌 J. 폴 게티 박물관
피터 클라즈 (1597–1660), 악기가 있는 정물 (1623

정물화는 16세기 마지막 분기에 하위국가에서 별개의 범주로 발전했다.[27]정물화라는 영어 용어는 네덜란드어 stilleven에서 유래한 반면, 로망스어(그리스어, 폴란드어, 러시아어, 터키어)는 죽은 자연을 의미하는 용어를 사용하는 경향이 있다. 15세기 초 네덜란드 그림은 판넬 페인팅과 조명이 들어오는 원고 모두에서 매우 착시적인 기법을 발달시켰으며, 그 경계선은 종종 특징으로 한다.꽃, 곤충, 그리고 클레브스의 캐서린 아워스와 같은 작품에서 매우 다양한 사물들을 정교하게 전시했다.조명이 켜진 원고가 인쇄된 책에 의해 대체되었을 때, 후에 같은 기술들이 과학적인 식물 삽화에 배치되었다; 낮은 국가들은 식물학과 그것의 예술 묘사 모두에서 유럽을 이끌었다.플랑드르 미술가 조리스 호에프나겔(1542–1601)은 루돌프 2세 황제를 위해 수채화와 구아체화, 기타 정물화를 만들었으며, 1600년에 플랑틴이 출판한 한스 콜레르트의 플로릴기움 등 (당시 손으로 직접 색칠한) 책에 대한 삽화가 많이 새겨져 있었다.[28]

약 1600여 점의 유화화들이 열풍을 일으켰다; 카렐 판 맨더는 몇몇 작품을 직접 그렸고, 코넬리스 반 할렘과 같은 다른 북방 매너리즘 예술가들도 그렇게 했다고 기록한다.이들에 의해 살아남은 꽃 조각은 알려지지 않았지만, 많은 것들이 남네덜란드에서 활동중인 장로인 얀 브뤼겔과 암브로시우스 보스차르트라는 선도적인 전문가들에 의해 살아남는다.[29]

북부의 예술가들은 오랫동안 그들의 주요 요소였던 종교적인 우상화를 제작할 수 있는 제한된 기회를 발견했지만 - 종교적인 주제의 이미지는 네덜란드 개혁 개신교 교회에서 금지되었다 - 상세한 사실주의와 숨겨진 상징의 북부 전통은 추르크를 대체하고 있던 성장하는 네덜란드 중산층에게 어필했다.네덜란드의 주요 예술 후원자로서 h와 state.여기에 네덜란드 원예 마니아, 특히 튤립이 더해졌다.이 두 가지 꽃의 관점은, 심미적인 대상으로서 그리고 종교적 상징으로서 합쳐져서, 이런 종류의 정물 생활을 위한 매우 강력한 시장을 만들었다.[30]정물화는 대부분의 네덜란드의 예술 작품과 마찬가지로 일반적으로 오픈마켓이나 딜러, 또는 그들의 스튜디오에서 예술가들에 의해 판매되었고, 거의 의뢰되지 않았다. 따라서 예술가들은 대개 주제와 정리를 선택했다.[31]이러한 정물화의 종류는 매우 인기가 많았기 때문에 네덜란드 화화의 기법의 많은 부분이 1740년 제라드 드 라이레스(Gerard de Lairese)의 Groot Schilderboeck에 의해 성문화되었는데, 이 책은 색채, 배열, 붓질, 표본 준비, 조화, 구성, 원근법 등에 관한 폭넓은 조언을 해주었다.[32]

꽃의 상징성은 기독교 초기부터 발전해 왔다.가장 흔한 꽃과 그 상징적인 의미는 장미(Virgin Mary, transence, Venus, Venus, love), 백합(Virgin Mary, 처녀성, 여성 유방, 마음의 순수성, 정의감), 튤립(보여짐, 신성한 사랑, 헌신), 바이올렛(겸손), 콜럼바인(융단), 양귀비(권, 수면, 죽음) 등이다.곤충에 대해서는 나비는 변혁과 부활을, 잠자리는 과도함을 상징하며, 개미는 열심히 일하고 수확에 대한 관심을 상징한다.[33]

플랑드르와 네덜란드의 예술가들은 또한 고대 그리스 정물 전통인 트롬프-라길, 특히 그들이 베드리게르제(bedriegertje)라고 부르는 자연이나 미메시스(mimesis)의 모방을 확장하고 부활시켰다.[8]이러한 정물화 외에도 네덜란드 화가들은 '주방과 시장' 그림, 조식·식탁 정물화, 바니타스 그림, 우화 수집화 등을 식별해 별도로 개발했다.[34]

가톨릭 남부 네덜란드에서는 화랑화라는 장르가 개발되었다.1607년–1608년경에 앤트워프 예술가 장 브루겔 장로와 헨드릭 반 발렌은 무성한 정물 화환으로 둘러싸인 이미지(대개 헌신적인)로 구성된 이 그림들을 만들기 시작했다.그 그림들은 정물화와 인물화가라는 두 전문가들 사이의 합작품이었다.다니엘 세거스는 이 장르를 더욱 발전시켰다.원래 헌신적인 기능을 제공하던 화란화는 매우 인기가 많아졌고 집의 장식으로 널리 사용되었다.[35]

정물생활의 특별한 장르는 소위 '프론티유벤'('정물생활'을 위한 더치)이었다.이 화려한 정물화는 1640년대 안트워프에서 프란스 스나이더스와 아드리아엔 판 위트레흐트 같은 플랑드르 화가들에 의해 발전되었다.그들은 다양한 물체, 과일, 꽃, 죽은 게임의 다양성을 묘사하여 풍요를 강조하는 정물화를, 종종 살아있는 사람이나 동물과 함께 그렸다.그 스타일은 곧 네덜란드 공화국의 예술가들에 의해 채택되었다.[36]

특히 이 시기에는 과일과 꽃, 책, 스타튜트, 꽃병, 동전, 보석, 그림, 악기와 과학 기구, 군 휘장, 훌륭한 은, 수정 등의 호화로운 배열들이 삶의 불결함을 상징적으로 상기시키는 바니타스 그림들이 인기를 끌었다.게다가 두개골, 모래시계, 주머니 시계, 촛불이 꺼지거나 페이지가 돌아가는 책은 감각적 쾌락의 덧없음에 대한 도덕적인 메시지 역할을 할 것이다.종종 몇몇 과일과 꽃들 자체가 같은 점을 강조하기 위해 상하거나 퇴색하기 시작하는 모습을 보이곤 했다.[citation needed]

온티비제스 또는 "아침 그림"으로 알려진 또 다른 형태의 정물화는 상류층이 즐길 수 있는 진미의 문자 그대로의 표현과 식탐을 피하도록 종교적으로 상기시켜주는 것이다.[37]1650년경 사무엘 판 후그스트라텐은 벽걸이 그림 중 하나인 트롬프-라킬 정물화를 그렸는데, 이 그림은 19세기 미국에서 매우 인기 있는 정물화의 일종이다.[38]또 다른 변형으로는 화가 공예의 모든 도구를 전시한 코넬리스 노르베르투스 기스브레히트의 그림 "과일 조각이 있는 화가의 이젤"과 같이 주어진 직업과 관련된 사물들을 묘사하는 트롬프-릴 스틸이 있다.[39]또한 17세기 전반에는 '오감', '4대륙', '사계절'과 같이 우화적인 형태로 표본들을 크게 배열하여 그린 그림도 인기를 끌었는데, 이는 적절한 자연물과 인간이 만든 물건에 둘러싸인 여신이나 우화적인 모습을 보여준다.[40]바니타스 그림의 인기와 이러한 다른 형태의 정물화는 곧 네덜란드에서 플랑더스와 독일, 그리고 스페인과[41] 프랑스까지 퍼져나갔다.

네덜란드의 정물 생산량은 엄청났고, 특히 북유럽에 널리 수출되었다; 영국은 거의 그 어떤 것도 생산하지 않았다.게오르크 플레겔은 수치 없는 순수한 정물화의 선구자였고 캐비닛, 찬장, 진열장 등에 디테일한 물체를 배치하고 동시에 다중 뷰를 생성하는 구성적 혁신을 일으켰다.[42]

네덜란드, 플랑드르, 독일, 프랑스 그림

남유럽

디에고 벨라스케스(Diego Velazquez, Old Woman Friending Eggers, 1618), (스코틀랜드의 국립 갤러리)는 보데곤의 가장 초기 사례 중 하나이다.[43]

스페인 미술에서 보데곤은 승자, 게임, 음료와 같은 팬트리 아이템을 묘사한 정물화로서, 종종 단순한 돌판 위에 배치되기도 하고, 또한 하나 이상의 형상이 있지만, 일반적으로 부엌이나 선술집에서 설정되는 중요한 정물화 요소들을 그린 그림이기도 하다.바로크 시대를 시작으로 17세기 2/4분기에 스페인에서 이러한 그림이 유행하게 되었다.정물화의 전통은 오늘날 벨기에와 네덜란드(당시 플랑드르와 네덜란드의 화가)인 현대 로우 국가들에서 시작되었고 훨씬 더 인기가 있었던 것으로 보인다.북부의 정물에는 많은 하위 유전자가 있었다; 아침식사는 트롬펠라실, 꽃다발, 바니타스에 의해 증강되었다.[citation needed]

스페인에서는 이런 종류의 물건을 찾는 손님이 훨씬 적었지만, 아침식사의 한 종류는 테이블 위에 놓여진 음식과 식기류 몇 가지 물건을 특징으로 하여 인기를 얻게 되었다.보데고네라고도 불리는 스페인의 정물화는 엄격했다.화려한 옷감이나 유리로 둘러싸인 풍성한 연회가 종종 펼쳐지는 네덜란드 정물화와는 달랐다.스페인 그림의 게임은 종종 가죽이 벗겨지기를 기다리는 평범한 죽은 동물이다.과일과 야채가 익지 않았다.배경은 황량하거나 평범한 나무의 기하학적 블록으로, 종종 초현실주의적인 공기를 만들어낸다.네덜란드와 스페인의 정물화가 모두 도덕적 목적이 내재된 경우가 많았지만, 일부에서는 스페인 고지의 황량함과 유사하다고 생각하는 긴축정책은 네덜란드 정물화의 관능적 쾌락, 연약함, 사치를 배척하는 것으로 보인다.[44]

프란시스코 데 수르바란, 보데곤 또는 스틸 라이프 위드 도예 항아리 (1636), 뮤소 델 프라도, 마드리드
호세파 데 아얄라 (Josefa de Oobbidos), 스틸 라이프 (1679년), 산타렘, 시립 도서관

이탈리아 정물화(이탈리아어로 나투라 모르타, '죽은 자연'이라 칭함)가 인기를 얻고 있음에도 불구하고 역사적으로 역사, 종교, 신화 등을 소재로 한 '거대한 태도' 회화보다 덜 존경을 받았다.반면에, 성공한 이탈리아 정물 작가들은 그들의 시대에 충분한 후원자를 찾았다.[45]게다가, 여성 화가들은 거의 없이, 보통 정물화를 선택하거나 그림 그리는 것에 제한을 받았다; 조반나 가르조니, 로라 베르나스코니, 마리아 테레사 반 티엘렌, 그리고 페데 갈리지아 등이 주목할 만한 예들이다.[citation needed]

다른 장르의 많은 이탈리아 작가들도 정물화를 그렸다.특히 카라바조는 자신의 영향력 있는 자연주의 형식을 정물화에 적용했다.그의 과일 바구니 (c. 1595–1600)는 눈 높이에 정확하게 렌더링되고 설정된 순수한 정물 생활의 첫 번째 예 중 하나이다.[46]명백하게 상징적이지는 않지만, 이 그림은 페데리코 보로미오 추기경이 소장하고 있었고 종교적인 이유와 미적인 이유 둘 다로 인정받았을 것이다.얀 브루겔은 추기경을 위해 자신의 라지 밀라노 부케(1606)도 그렸다며 '뚱뚱한 투티 델 나투렐'(전부 자연에서 만든 것)을 그렸고, 추가 작업에 추가 비용을 청구했다고 주장했다.[47]이것들은 추기경이 소장하고 있는 많은 정물화들 가운데 하나인데, 그가 소장하고 있는 많은 골동품들 이외에도 있었다.다른 이탈리아 정물화 중에서도 베르나르도 스트로치의 '더 쿡'은 네덜란드식으로 표현된 '주방신'으로, 요리사의 세밀한 초상화와 그녀가 준비하고 있는 게임새의 모습이다.[48]비슷한 방식으로 렘브란트의 희귀한 정물화 중 하나인 '죽은 공작새를 가진 작은 소녀'는 비슷한 교감적인 여성 초상화와 게임 새의 이미지를 결합시켰다.[49]

가톨릭 이탈리아와 스페인에서는 순수 바니타스 그림이 드물었고, 정물화가 훨씬 적었다.남유럽에서는 카라바조의 부드러운 자연주의를 더 많이 고용하고 북유럽 스타일에 비해 초현실주의를 덜 강조한다.[50]프랑스에서는 정물화가(자연 모테)가 네덜란드의 바니타스 그림과 스페인의 여분의 배치를 빌려 북부와 남부의 학교 모두에 영향을 받았다.[51]

이탈리아 갤러리

18세기

루이스 멜렌데스(1716–1780), 사과, 포도, 멜론, 빵, 주그, 보틀과 함께한 스틸 라이프

18세기는 17세기 공식을 대대적으로 다듬어 생산량이 감소했다.로코코 스타일의 꽃 장식은 도자기, 벽지, 직물, 조각된 목재 가구에 훨씬 더 흔해졌고, 그래서 구매자들은 대조적인 형상을 갖기 위해 그들의 그림을 선호했다.한 가지 변화는 프랑스 화가들 사이에서 새로운 열정으로, 현재 가장 주목할 만한 화가들의 상당 부분을 차지하고 있는 반면, 영국인들은 수입에 만족하고 있었다.장바티스트 샤르딘은 작고 단순한 음식물과 물건들의 조립체를 둘 다 네덜란드 골든 에이지의 거장 위에 지은 가장 미묘한 스타일로 그렸으며, 19세기 작곡에 큰 영향을 끼치게 되었다.죽은 게임 피사체는 특히 사냥용 하숙에서 인기가 있었다; 대부분의 전문가들은 살아있는 동물 피사체를 그렸다.장바티스트 오드리는 모피와 깃털의 질감을 단순 배경과 함께 뛰어난 렌더링, 종종 라임으로 닦은 라임으로 닦은 라더 벽의 흰색이 그들을 돋보이게 했다.[citation needed]

18세기경에는 정물화의 종교적·우화적 함축적 의미가 퇴색되고 부엌 식탁화가 다양한 색과 형태의 계산된 묘사로 진화하여 일상 음식을 전시하는 경우가 많았다.프랑스 귀족들은 예술가를 고용하여 그들의 식탁을 장식한 풍만하고 사치스러운 정물화 대상자들의 그림을 실행시켰는데, 네덜란드 전임자들의 도덕적인 바니타스 메시지도 없었다.로코코에 대한 인공적인 사랑은 프랑스에서 트롬페-l'œil (프랑스어: "trick the eye") 그림에 대한 감상 증가로 이어졌다.장바티스트 샤르딘의 정물화는 네덜란드식 리얼리즘부터 부드러운 조화까지 다양한 기법을 사용하고 있다.[52]

앤 밸러이어-코스터의 작품의 대부분은 17세기와 18세기 사이에 개발된 것처럼 정물화의 언어에 바쳐졌다.[53]이 세기 동안 정물화의 장르는 계층적 사다리에 가장 낮게 놓였다.Vallayer-Coster는 그녀의 그림에 대한 매력을 이끌어냈다.그것은 왕립 아카데미와 그녀의 그림을 구입한 수많은 수집가들의 관심을 끌었던 "그녀의 구성의 크고 장식적인 선들, 그녀의 색채와 시뮬레이션된 질감의 풍부함, 그리고 그녀가 자연스럽고 인위적인 다양한 물체를 묘사하면서 성취한 환상주의의 위업"[53]이었다.예술과 자연 사이의 이러한 상호작용은 네덜란드, 플랑드르, 프랑스의 정물 생활에서 꽤 흔했다.[53]그녀의 작품은 장바티스트-시메온 샤르딘뿐만 아니라 17세기 네덜란드의 거장들의 분명한 영향력을 드러냈는데, 그의 작품은 훨씬 더 높이 평가되어 왔으나, 밸레이어-코스터의 스타일을 다른 정물화가들에 비해 돋보이게 한 것은 장식적인 구성 구조로 표현적 환상주의를 결합시키는 그녀만의 독특한 방식이었다.[53][54]

18세기 말엽과 프랑스 군주제의 몰락은 발레이어-코스터의 정물화 '시대'의 문을 닫고 그녀의 새로운 스타일의 꽃들을 열어주었다.[55]이것이 그녀의 경력의 하이라이트였고 그녀가 가장 잘 알려진 것이라고 주장되어 왔다.하지만, 이 꽃 그림이 그녀의 경력에 헛된 것이라는 주장도 제기되었다.그럼에도 불구하고, 이 수집품에는 석유, 수채, 구아체 등의 꽃 연구가 포함되어 있었다.[55]

19세기

빈센트 반 고흐(1853–1890), 해바라기 또는 꽃병 15개(1888), 국립 갤러리(런던)
앙투안 볼론, 1885–1875–85의 버터 봉우리

특히 아카데미의 중심적 역할을 했던 아카데미에 프랑세즈라는 유러피안 아카데미가 부상하면서 여전히 삶은 호의에서 벗어나기 시작했다.학회는 그림의 예술적 가치가 주로 그 주제에 기초하고 있다고 주장한 "장르의 히에르치" (또는 "주제의 히에르치")의 교리를 가르쳤다.학계에서 가장 높은 형태의 그림은 역사적, 성서적 또는 신화적 의의의 이미지로 구성되었고, 정물화 주체는 예술적 인식의 가장 낮은 순서로 강등되었다.존 컨스터블이나 카밀 코롯과 같은 일부 예술가들은 자연을 미화하기 위해 정물적인 삶을 사용하는 대신, 그러한 목적을 위해 풍경화를 선택했다.[citation needed]

신고전주의가 1830년대에 쇠퇴하기 시작했을 때, 장르와 초상화는 현실주의적이고 낭만적인 예술 혁명의 초점이 되었다.그 시대의 많은 위대한 예술가들은 그들의 작품 속에 정물적인 삶을 포함했다.프란시스코 고야, 구스타브 쿠르베트, 외젠 들라크루아스의 정물화는 강한 감정적 물결을 전하며, 정확성에 대한 관심이 적고 분위기에 더 관심이 많다.[56]비록 샤르딘의 초기 정물화 주제를 본떠 그린 것이지만, 에두아르 마네의 정물화는 강한 톤으로 인상주의로 향하고 있다.앙리 판틴 라투르는 보다 전통적인 기법을 사용하여 정교한 꽃 그림으로 유명했고 수집가들의 정물화를 거의 독점적으로 그리며 생계를 유지했다.[57]

그러나, 유럽의 학술적 위계질서가 마지막으로 쇠퇴하고, 인상주의 화가와 후기 인상주의 화가들의 부상에 이르러서야 그 기법과 색채 조화가 주제적인 문제에 대해 승리를 거두었고, 여전히 삶은 다시 한 번 예술가들에 의해 열성적으로 행해졌다.클로드 모네는 초기 정물생활에서 판타인 라투르의 영향을 보여주지만, 피에르 오귀스트 르누아르도 밝은 주황색 배경과 함께 <부케와 부채가 있는 정물생활>(1871년)에서 무시한 어두운 배경의 전통을 깬 첫 번째 인물 중 하나이다.인상주의자의 정물화에는 꼼꼼하게 세밀한 붓놀림처럼 우화적이고 신화적인 내용이 전혀 없다.인상주의자들은 그 대신 넓고 톡톡 튀는 붓놀림, 톤 값, 색상 배치의 실험에 초점을 맞췄다.인상파 화가들과 후기 인상파 화가들은 자연의 색채 구성에서 영감을 받았으나 자연에 대해 그들만의 색채 조화로 재해석했는데, 이것은 때때로 놀랄 정도로 부자연스러운 것으로 증명되었다.고갱이 말했듯이, "컬러에는 그들만의 의미가 있다."[58]당시 '조감도 과일 전시'로 조롱했던 구스타브 카유보떼의 '스탠드 위에 진열된 과일'처럼 타이트한 크롭과 고각도를 사용하는 등 원근법 변화도 시도되고 있다.[59]

빈센트 반 고흐의 "해바라기" 그림은 가장 잘 알려진 19세기 정물화 중 하나이다.반 고흐는 정물화 역사에 기억에 남을 만한 공헌을 하기 위해 대부분 노랗고 다소 평평한 렌더링의 톤을 사용한다.그림판과 함께 하는 그의 정물화(1889)는 반 고흐가 자신의 파이프, 간단한 음식(아이온), 영감을 주는 책, 형으로부터 온 편지 등 사생활의 많은 아이템을 그린 정물화 형태의 자화상이다.그는 또한 열린 성경, 촛불, 책 (1885년)으로 정물화를 그린 바니타스 그림을 그렸다.[58]

레볼루션 시대 미국에서는 해외에서 훈련받은 미국 작가들이 미국 초상화와 정물화에 유럽 스타일을 적용했다.찰스 윌슨 필은 미국의 저명한 화가 일가를 설립했고, 미국 미술계의 주요 지도자로서 유명한 자연 호기심의 박물관은 물론 예술가 양성회를 설립하기도 했다.그의 아들 라파엘 팰리는 존 F도 포함된 초기 미국 정물화가 그룹 중 한 명이었다. 프란시스, 찰스 버드 킹, 그리고 존스턴.[60]19세기 후반까지 마틴 존슨 헤이드는 미국판 서식지 또는 바이오톱 그림을 소개했는데, 이 그림은 꽃과 새를 야외 시뮬레이션 환경에 배치했다.[61]미국의 트롬페-릴 그림도 이 시기 동안 번성했는데, 존 하벨, 윌리엄 마이클 하넷, 존 프레데릭 페토에 의해 만들어졌다.페토는 향수를 불러일으키는 벽걸이 그림에 특화했고 하넷은 친숙한 사물을 통해 미국인의 삶에 대한 화보적 축하에서 최고 수준의 초현실주의를 달성했다.[62]

19세기 그림

20세기

앙리 마티스, 제라늄과 함께하는 스틸 라이프(1910), 독일 뮌헨 피나코텍 데 모데르네
Jean Metzinger, Fruit and a Jug on a Table (1916), 캔버스 위의 기름과 모래, 115.9 x 81cm, 보스턴 미술관

20세기의 첫 40년은 예술적 흥성과 혁명의 예외적인 시기를 형성했다.아방가르드 운동은 비구상적이고 완전한 추상화를 향한 행진에서 빠르게 진화하여 겹쳤다.다른 대표 예술뿐만 아니라 정물적인 삶도 잭슨 폴록의 드립 그림에서 예시된 총체적 추상화가 인식 가능한 모든 내용을 없앤 세기 중반까지 계속 진화하고 조정했다.[citation needed]

세기는 예술에 있어서 몇 가지 경향으로 시작되었다.1901년, 폴 고갱은 11년 전에 죽은 친구 반 고흐에 대한 경의를 표하는 해바라기와 함께 정물화를 그렸다.피에르 보나르드, 에두아르 뷔야르드 등 레스나비스로 알려진 이 단체는 고갱의 조화 이론을 들고 일본 목판화에 영감을 받은 요소들을 정물화에 추가했다.프랑스 화가 오딜론 레돈도 이 시기에 주목할 만한 정물화, 특히 꽃을 그렸다.[63]

앙리 마티스는 정물화의 렌더링을 밝은 색으로 채워진 대담하고 평평한 윤곽보다 훨씬 더 크게 줄였다.그는 또한 관점을 단순화하고 멀티컬러 배경을 소개했다.[64]가지와 함께 하는 정물화 같은 그의 정물화에서, 그의 물체 테이블은 다른 색깔의 무늬들이 방의 나머지를 채우는 가운데 거의 없어진다.[65]모리스 드 블라민크와 안드레 데랭과 같은 파우비즘의 다른 주창자들은 정물생활에서 순수한 색과 추상성을 더욱 탐구했다.[citation needed]

Paul Cézanne은 정물생활에서 기하학적 공간조직에서의 그의 혁명적 탐험을 위한 완벽한 수단을 발견했다.세잔느에게 있어, 정물화는 삽화나 모방적인 기능에서 벗어나 색, 형태, 선의 요소를 독립적으로 보여주는 것으로, 추상적인 예술을 향한 주요한 단계였다.게다가 세잔의 실험은 20세기 초 큐비스트 정물화의 발달로 직결되는 것으로 볼 수 있다.[66]

세잔의 평면과 축의 이동을 적응시킨 큐비스트들은 파우베스의 색상 팔레트를 진압하고 대신 순수한 기하학적 형태와 평면으로 물체를 해체하는 데 초점을 맞췄다.1910년에서 1920년 사이, 파블로 피카소, 조르주 브라크, 후안 그리스와 같은 입체파 화가들은 종종 악기를 포함한 많은 정물적인 작품들을 그리며, 거의 처음으로 정물화를 예술적 혁신의 선두에 올려놓았다.피카소의 타원형 "의자 캐닝이 있는 스틸 라이프"(1912년)와 같은 최초의 합성 큐비스트 콜라주 작품에서도 정물화가 주제였다.이러한 작품에서 정물체는 겹치고 서로 섞이면서 식별 가능한 2차원 형태를 간신히 유지하고, 개별적인 표면 질감을 상실하며, 배경과 합쳐져 전통적인 정물과는 거의 정반대의 목표를 달성한다.[67]페르난드 레거의 정물적인 삶은 풍부한 백색 공간과 색상이 뚜렷하게 정의되고 겹치는 기하학적 형상의 사용을 도입하여 보다 기계적인 효과를 만들어냈다.[68]

큐비스트들의 우주 평탄화를 거부하면서 마르셀 뒤샹을 비롯한 다다운동의 회원들은 급진적으로 다른 방향으로 나아가 3-D "준비된" 정물 조형물을 만들었다.정물화의 상징적 의미를 회복하기 위한 일환으로 퓨처리스트와 초현실주의자들은 인식 가능한 정물화를 꿈의 경관에 배치했다.조안 미로의 정물화에서 물체는 무중력 상태로 나타나 가볍게 제안된 2차원 공간에 떠다니며, 산조차도 단순한 선으로 그려진다.[66]이 시기 이탈리아에서는 조르지오 모란디가 정물화가로서 일상의 병과 주방 기구들을 묘사하는 다양한 접근법을 탐구했다.[69]디테일하지만 모호한 그래픽으로 잘 알려진 네덜란드 예술가 M. C. 에셔는 네덜란드 전통 식탁 정물화의 최신판인 스틸 라이프와 스트리트(1937년)를 만들었다.[70]영국에서 엘리어트 호지킨은 매우 세밀한 정물화를 위해 템파화를 사용하고 있었다.[citation needed]

20세기 미국 예술가들이 유럽의 모더니즘을 알게 되자 미국의 리얼리즘과 큐비스트에서 파생된 추상화가 결합되어 정물화 주제를 해석하기 시작했다.이 시기의 미국 정물화 작품으로는 조지아 오키프, 스튜어트 데이비스, 마스덴 하틀리의 그림과 에드워드 웨스턴의 사진이 대표적이다.오키프의 초밀착형 꽃 그림은 꽃잎과 잎의 물리적 구조와 정서적 하위 텍스트 모두를 유례없는 방식으로 드러낸다.[citation needed]

멕시코에서는 1930년대부터 Frida Kahlo를 비롯한 예술가들이 그들만의 초현실주의 브랜드를 만들어 정물화 속에 토착 음식과 문화적 모티브를 담아냈다.[71]

1930년대에 시작된 추상적 표현주의는 형식과 색채의 생동감 있는 묘사로 정물화를 심각하게 줄였고, 1950년대까지 총체적 추상화가 예술계를 지배했다.그러나 1960년대와 1970년대의 팝아트는 그 흐름을 뒤집고 새로운 형태의 정물화를 만들어냈다.많은 팝 아트(앤디 워홀의 "캠프의 수프 캔들"과 같은)는 정물적인 삶을 바탕으로 하지만, 그것의 진정한 주제는 육체적인 정물 그 자체보다는 대표되는 상업적인 제품의 상품화된 이미지인 경우가 가장 많다.로이 리히텐슈타인의 '금붕어 볼과 함께하는 스틸 라이프'(1972)는 마티스의 순수한 색상과 워홀의 팝 아이콘그래피를 결합했다.웨인 티에보우드의 점심 식탁(1964)은 한 가족의 점심 식사가 아니라 표준화된 미국 음식의 조립 라인을 그린다.[72]

재스퍼 존스를 비롯한 네오다 운동은 존스의 페인팅 브론즈(1960), 바보의 집(1962)에서와 같이 자신의 브랜드인 정물화를 창조하기 위해 듀샹의 일상 생활 용품들을 입체적으로 표현한 것으로 되돌아갔다.[73]추상주의자로 시작한 아비그도르 아리카는 피에트 몬드리안의 교훈을 다른 작품과 마찬가지로 정물주의로 통합시켰고, 오래된 마스터 전통에 다시 연결시키면서도 한 세션과 자연광에서 일하는 근대주의 형식주의를 이룩했고, 이를 통해 종종 주제가 놀라운 시각으로 나타났다.[citation needed]

20세기 정물화 발전에 큰 공헌을 한 것은 세르게이 오키포프, 빅토르 테테린, 에브게니아 안티오바, 게보르크 코티안츠, 세르게이 자하로프, 타이시아 아포니나, 마야 코피체바 등 러시아 화가들이다.[74]

이와는 대조적으로, 1970년대 포토레알리즘의 상승은 물체, 이미지, 상업적 제품의 융합에 대한 팝의 메시지 일부를 유지하면서 환상적 표현을 재인증했다.이런 점에서 대표적인 것이 돈 에디와 랠프 고잉스의 그림이다.[citation needed]

20세기 그림

21세기

완전한 합성, 컴퓨터가 만들어낸 정물, 2006년 (길레스 트랜에 의해)

20세기와 21세기 동안 정물화의 개념은 전통적인 2차원 미술 형태의 그림을 넘어, 조각, 공연, 설치와 같은 3차원 미술의 형태로 확장되었다.일부 복합매체 정물화 작품들은 발견물, 사진, 비디오, 소리 등을 채용하고 있으며 심지어 천장에서 바닥까지 쏟아져 나와 갤러리 안의 방 전체를 채운다.영상을 통해 정물화가들은 시청자를 작품에 접목시켰다.컴퓨터 시대부터 컴퓨터 예술과 디지털 예술에 이어 정물화의 개념에도 디지털 기술이 포함되었다.컴퓨터가 만들어낸 그래픽은 잠재적으로 정물화가들에게 이용 가능한 기법을 증가시켰다.3D 컴퓨터 그래픽과 3D 사실적 효과를 가진 2D 컴퓨터 그래픽을 사용하여 합성 정물화 이미지를 생성한다.예를 들어 그래픽 아트 소프트웨어에는 투명 레이어에 2D 벡터 그래픽이나 2D 래스터 그래픽에 적용할 수 있는 필터가 포함되어 있다.시각 예술가들은 필터를 사용하지 않고 수동으로 사실적인 효과를 나타내기 위해 3D 효과를 복사하거나 시각화했다.[citation needed]

참고 항목

메모들

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외부 링크

  • 위키미디어 커먼스의 정물화 관련 매체