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프로그레시브 록

Progressive rock
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프로그레시브 록
기타명
  • 아트록
  • 고전적인 암석
  • 프로그
  • 심포닉 록
스타일리시한 기원
문화적 기원1960년대 중후반, 영국
파생형
하위 장르
퓨전 장르
기타 토픽

프로그레시브 록(progressive rock)은 주로 영국에서[9] 1960년대 중후반까지 발전하여 1970년대 초반에 정점을 찍은 광범위한 장르의 록 음악입니다[8]. 처음에는 "프로그레시브 팝(progressive pop)"이라고 불렸던 이 스타일은 재즈, 포크 또는 클래식 음악과 더 자주 관련된 악기 및 작곡 기술을 선호하여 표준 팝 전통을 포기한 사이키델릭 밴드의 출현이었습니다. 가사는 더 시적이고, 기술은 새로운 소리에 활용되었고, 음악은 "예술"의 조건에 접근했으며, 무대가 아닌 스튜디오는 종종 춤보다는 듣기 위한 음악을 만드는 음악 활동의 초점이 되었습니다.

프로그레시브 록은 형식주의와 절충주의 사이의 지속적인 움직임을 포함하는 스타일, 접근 방식 및 장르의 융합을 기반으로 합니다. 프로그레시브 록의 범위는 역사적인 수용으로 인해 때로는 긴 솔로, 긴 앨범, 판타지 가사, 웅장한 무대 세트와 의상, 기술에 대한 강박적인 헌신에 국한됩니다. 이 장르는 종종 높은 문화와 낮은 문화가 합쳐진 것으로 인용되지만, 그들의 작품에 문자 그대로의 고전적인 주제를 어느 정도 포함시킨 예술가는 거의 없으며, 에머슨, 레이크 & 파머, 르네상스와 같은 소수의 그룹만이 의도적으로 고전 음악을 모방하거나 참조했습니다.

이 장르는 1960년대 중반에 음반사들이 아티스트에게 더 많은 창의적인 통제권을 할당할 수 있었던 경제 호황과 동시에 두 용어 모두에 일반적인 의미를 부여한 "팝"과 "록" 사이의 새로운 저널리즘 부문과 일치했습니다. 1970년대 초중반에는 높은 수준의 인기를 보였으나 곧 빛이 바랬습니다. 전통적인 통념에 따르면 펑크 록의 증가가 이러한 현상을 일으켰지만 몇 가지 요인이 추가로 감소의 원인이 되었다고 합니다.[10] 음악 비평가들은 종종 그 개념들을 "가식적"[11]이라고 부르고 그 소리들을 "우아하고" "과대하게"라고 부르곤 했습니다. 1970년대 후반 이후, 진보적인 암석은 다양한 형태로 파편화되었습니다. 몇몇 밴드들은 1980년대까지 (라인업의 변화와 더 컴팩트한 곡 구조가 있음에도 불구하고) 상업적인 성공을 거두거나 교향곡 팝, 아레나 록 또는 뉴 웨이브로 건너갔습니다.

진보적인 특징을 보인 초기 그룹을 소급하여 "프로토프로그"라고 설명합니다. 1960년대 후반에 시작된 캔터베리 장면은 관악기 사용, 복잡한 화음 변화 및 긴 즉흥 연주를 강조한 프로그레시브 록 밴드의 하위 집합을 나타냅니다. Rock in Opportion은 1970년대 후반부터 더 전위적이었고 캔터베리 스타일과 결합하여 전위적인 프로그를 만들었습니다. 1980년대에 새로운 하위 장르인 네오프로그는 파생적이고 혁신이 부족하다는 비난을 받기도 했지만 상업적으로 약간의 성공을 거두었습니다. 포스트 프로그레시브는 1970년대 중반 이후 대중 음악과 아방가르드의 새로운 발전을 끌어냅니다.

정의 및 특징

추가 정보: 프로그레시브 뮤직

범위 및 관련 용어

참고 항목: 프로그레시브 팝 및 아트 록

프로그레시브 록(progressive rock)이라는 용어는 '아트 록(art rock)', '클래식 록(classical rock)', '심포닉 록(symphonic rock)'과 동의어입니다.[12] 역사적으로, "아트 록"은 적어도 두 종류의 관련된, 그러나 구별되는 록 음악을 묘사하기 위해 사용되었습니다.[13] 첫 번째는 일반적으로 이해되는 프로그레시브 록이고, 두 번째 사용법은 모더니즘적이고 아방가르드적인 접근법을 선호하여 사이키델리아와 히피 카운터 컬처를 거부한 그룹을 말합니다.[13][nb 1] 두 용어의 유사점은 둘 다 록 음악을 새로운 수준의 예술적 신뢰성으로 끌어올리려는 대부분의 영국 시도를 설명한다는 것입니다. 그러나 아트 록은 실험적이거나 전위적인 영향을 미칠 가능성이 더 높습니다.[9] "Prog"는 1990년대에[15] 속기 용어로 고안되었지만 나중에 이전 가능한 형용사가 되었고, 또한 가장 인기 있는 1970년대 밴드가 그린 것보다 더 넓은 팔레트를 제안했습니다.[16]

프로그레시브 록은 스타일, 접근 방식, 장르의 융합을 기반으로 아방가르드 예술, 클래식 및 포크 음악, 공연 및 감동적인 이미지와 연결되는 광범위한 문화적 공명을 활용합니다.[17] 비록 1960년대 후반에 단방향 영어 "프로그레시브" 스타일이 등장했지만, 1967년에 이르러 프로그레시브 록은 느슨하게 연관된 다양한 스타일 코드를 구성하게 되었습니다.[18] "progressive" 레이블이 도착했을 때, 이 음악은 "progressive rock"이라고 불리기 전에 "progressive pop"이라고 불렸고,[19][nb 2] "progressive"라는 용어는 표준 대중 음악 공식과 결별하려는 광범위한 시도를 나타냅니다.[21] 많은 추가적인 요소들이 "프로그레시브" 레이블을 획득하는데 기여했습니다: 가사는 더 시적이었고, 기술은 새로운 소리에 활용되었고, 음악은 "예술"의 조건에 접근했고, 일부 화성 언어는 재즈와 19세기 클래식 음악에서 수입되었습니다. 앨범 형식은 싱글을 능가했습니다. 그리고 무대가 아닌 스튜디오. 음악 활동의 중심이 되었고, 종종 춤이 아닌 듣기 위한 음악을 만드는 것을 포함했습니다.[22]

프로그레시브 록을 정의하는 가장 좋은 방법 중 하나는 그것이 이질적이고 골치 아픈 장르라는 것입니다. 1970년대 초중반의 가장 눈에 띄는 밴드만을 기반으로 한 특성화를 남기는 순간 명확해지는 공식입니다.

– Paul Hegarty and Martin Halliwell[17]

장르 비평가들은 종종 긴 솔로, 과도한 앨범, 판타지 가사, 웅장한 무대 세트와 의상, 기술에 대한 강박적인 헌신에 대한 고정관념으로 그 범위를 제한합니다.[23] 프로그레시브 록은 종종 높은 문화와 낮은 문화의 융합으로 인용되지만, 그들의 작품에 문자 그대로의 고전적인 주제를 어느 정도 포함시킨 예술가는 거의 없으며,[24] 단지 소수의 그룹만이 의도적으로 클래식 음악을 모방하거나 참조했습니다.[17] 작가 에밀리 로빈슨(Emily Robinson)은 "프로그레시브 록(progressive rock)"에 대한 좁은 정의가 1960년대 후반에 "밥 딜런(Bob Dylan)에서 롤링 스톤스(Rolling Stones)에 이르기까지 모든 사람에게 적용되었다"는 용어의 느슨한 적용에 대한 조치였다고 말합니다. 장르의 기준에 대한 논쟁은 2010년대까지 이어졌고, 특히 프로그 전용 인터넷 포럼에서 더욱 그러했습니다.[15]

음악학자 폴 헤가티와 마틴 할리웰에 따르면, 빌 마틴과 에드워드 매컨은 프로그레시브 록에 관한 주요 책을 저술하면서 비평가들이 제공하는 프로그레시브 록의 특성을 효과적으로 받아들였습니다... 그들은 대부분 무의식적으로 그렇게 합니다."[23] 학계의 존 S. 코트너(John S. Cottner)는 진보적인 록은 클래식 음악이 록으로 지속적이고 명백하게 동화되지 않고는 존재할 수 없다는 마칸(Macan)의 견해에 이의를 제기합니다.[18] 작가 케빈 홈 허드슨(Kevin Holm-Hudson)은 "프로그레시브 록은 주류 그룹에서 듣는 것과 비공감적인 비평가들이 암시하는 것보다 훨씬 더 다양한 스타일"이라고 동의합니다.[25]

예술과 사회이론과의 관계

참고 항목: 형식주의(음악)와 음악에서의 절충주의

음악에 대한 초기 언급에서 "진보"는 부분적으로 진보 정치와 관련이 있었지만 1970년대 동안 이러한 의미는 사라졌습니다.[15] Holm-Hudson은 "프로그레시브 뮤직"에 대해 "유럽 예술 음악뿐만 아니라 다른 문화 영역(동인도, 켈트, 포크, 아프리카 등)에서 파생된 장르와 전략에 대한 명시적이고 암묵적인 언급 사이를 지속적으로 이동하므로 형식주의와 절충주의 사이의 지속적인 미적 움직임을 포함한다"고 썼습니다.[26][nb 3] 코트너는 또한 프로그레시브 록이 형식적 요소와 절충적 요소를 모두 포함한다고 말합니다. "그것은 음악적 요소(내부적 요소)와 음악적 요소(내부적 요소)의 조합으로 구성되어 있으며, 다른 요소는 음악적 요소 또는 사회적 요소(없는 요소)[28]로 구성되어 있습니다."

"프로그레시브 음악"과 관련하여 로큰롤을 개념화하는 한 가지 방법은 프로그레시브 음악이 로맨틱과 클래식 음악의 뿌리를 거슬러 올라가면서 장르를 더 큰 복잡성으로 밀어 넣었다는 것입니다.[29] 사회학자 폴 윌리스(Paul Willis)는 다음과 같이 믿고 있습니다. "우리는 '진보적인' 음악이 로큰롤을 따랐고, 그것이 다른 방법일 수 없었다는 것에 대해 결코 의심하지 말아야 합니다. 로큰롤은 해체로, 프로그레시브 음악은 재구성으로 볼 수 있습니다."[30] 저자 윌 로마노(Will Romano)는 "바위 자체가 진보적인 아이디어로 해석될 수 있습니다. 아이러니하게도, 그리고 꽤 역설적이게도, 1960년대 후반부터 1970년대 중후반까지의 고전적 시대인 '프로그레시브 록'은 기술의 폭발적이고 탐구적인 소리만을 소개하고 있을 뿐만 아니라... 그러나 전통적인 음악 형태(클래식과 유럽의 민속)와 (종종) 포스트모더니즘을 암시하는 페이시치 작곡 스타일과 인공적인 구성(개념 앨범)을 형성합니다."[31]

역사

연대순 가이드는 프로그레시브 록의 타임라인을 참조하십시오.

1966-1970: 기원

프로그레시브 록의 초기 동의어 관점에서 본 프로그레시브 록의 기원에 대한 추가 정보: 프로그레시브 팝 §의 기원과 아트 록 §의 기원

배경 및 뿌리

참고 항목: 프로그레시브 재즈

1966년, 영국과 미국의 록 음악가들 사이의 사회적, 예술적 서신 교환의 수준은 비틀즈, 비치 보이스, 버드와 같은 밴드들에게 극적으로 가속화되었습니다. 그들은 배양된 음악의 요소들과 록의 고유한 전통을 융합했습니다.[32] 프로그레시브 록은 1960년대의 "프로그레시브" 팝 그룹을 기반으로 하며, 그들은 비틀즈와 야드버즈와 같은 인도 라가, 동양의 멜로디, 그레고리오 성가와 같은 다양한 음악 스타일과 로큰롤을 결합했습니다.[33] 비틀즈의 폴 매카트니는 1967년에 다음과 같이 말했습니다: "우리 [밴드]는 항상 12개의 바에 대해 약간 지루했기 때문에, 우리는 다른 것에 대해 생각하려고 했습니다. 그리고 딜런, 후, 비치 보이즈가 왔습니다... 우리는 모두 막연하게 같은 종류의 일을 하려고 노력하고 있습니다."[34] 록 음악은 재즈의 초기 시도와 유사하게 진지하게 생각하기 시작했습니다(스윙이 밥에 자리를 내주면서 관객들에게 성공하지 못한 움직임). 이 시기에 대중가요는 3분간의 러브송을 넘어서는 새로운 가능한 표현 수단의 신호탄을 쏘아 올리기 시작했고, 이는 대중의 귀를 기울이는 '지하'와 '건물'의 교차점으로 이어졌습니다.[35][nb 4]

헤가티와 할리웰은 비틀즈, 비치 보이스, 도어스, 프리티싱스, 좀비, 버드, 감사한 죽음, 핑크 플로이드를 "프로그레시브 록의 선구자일 뿐만 아니라 초기에 프로그레시브 록의 본질적인 발전"이라고 말합니다.[37] 음악학자 월터 에버렛(Walter Everett)에 따르면 비틀즈가 그들의 앨범 러버 소울(Rubber Soul, 1965)과 리볼버(Revolver, 1966)에 수록한 "실험적인 음색, 리듬, 성조 구조 및 시적 텍스트"는 "1970년대 초에 진보적인 록을 만들 젊은 밴드 군단을 격려했습니다."[38] 딜런의 시, The Mothers of Invention의 앨범 Freak Out! (1966), 비틀즈의 병장. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)는 프로그레시브 록의 발전에 모두 중요했습니다.[9] 필 스펙터의 프로듀싱은 녹음 스튜디오를 사용하여 그렇지 않으면 결코 달성할 수 없는 음악을 만들 수 있는 가능성을 소개했기 때문에 핵심적인 영향을 미쳤습니다.[39][40] Brian Wilson이 Rubber Soul에[41] 대한 답으로 의도했던 Beach Boys' Pet Sounds(1966)도 마찬가지이며[vague], 그들이 Sgt를 만들 때 비틀즈에게 영향을 미쳤습니다. 후추.[42][43]

딜런은 초현실주의자들과 프랑스 상징주의자들에 대한 매혹과 1960년대 초 뉴욕 예술계에 대한 몰입을 통해 록에 문학적 요소를 도입했습니다.[44] 도어스, 스테펜울프, 3월의 아이데스와 같이 문학에서 따온 이름을 가진 밴드들의 유행은 그들 자신을 고급 문화와 일치시키는 록 음악의 또 다른 신호였습니다.[45] 딜런은 또한 록과 포크 음악 스타일을 혼합하는 데 앞장섰습니다. 그 뒤를 이어 Byrds와 같은 포크 록 그룹들이 그들의 초기 사운드를 비틀즈의 것에 기반을 두었습니다.[46] 차례로, 버드의 보컬 하모니는 예스의 사람들에게 영감을 주었고,[47] 페어포트 컨벤션과 같은 영국 포크 록 밴드들은 기악적인 미덕을 강조했습니다.[48] 인크레더블 스트링 밴드와 셜리와 돌리 콜린스와 같은 이러한 예술가들 중 일부는 세계 음악과 초기 음악에서 차용한 악기를 사용함으로써 영향력이 있음이 입증되었습니다.[49]

펫사운드와 병장. 후추

주요 기사: 펫사운드와 병장. 페퍼의 론리 하츠 클럽 밴드

많은 그룹들과 음악가들이 이 발전 과정에서 중요한 역할을 했지만, 비치 보이스와 비틀즈에 지나지 않습니다. [그들은] 조화, 악기(따라서 음색), 지속 시간, 리듬 및 녹음 기술의 사용으로 확장을 가져왔습니다. 이들 원소 중 처음과 마지막은 진행암의 발달로 가는 길을 터주는 데 가장 중요했습니다.

– Bill Martin[50]

펫사운드와 병장. 페퍼는 서정적인 통일성, 확장된 구조, 복잡성, 절충주의, 실험주의, 그리고 클래식 음악 형태에서 파생된 영향력을 지닌 프로그레시브 록 장르의[51][52] 시작으로, 이전에는 댄스 음악으로 여겨졌던 록이 음악이 된 전환점으로 간주됩니다.[53][50] 펫사운드와 병장 사이. Pepper, The Beach Boys는 밴드의 홍보 담당자인 Derek Taylor에 의해 "포켓 심포니"라고 별명 지어진 싱글 "Good Vibrations" (1966)를 발표했습니다. 이 노래는 이국적인 악기들의 절충적인 배열과 몇 가지 분리된 키와 모달 시프트를 포함했습니다.[54] 팝매터스의 스콧 인터랜트(Scott Interrante)는 프로그레시브 록과 사이키델릭 운동에 대한 영향력은 "과장할 수 없다"고 썼습니다.[55] 마틴은 이 노래를 비틀즈의 병장의 "A Day in the Life"에 비유했습니다. 페퍼는 "프로그레시브 록이 춤을 추기 어려운 이유"를 보여준다는 점에서.[56]

병장님도. 페퍼는 "일회용" 팝과 "진지한" 록 사이의 경계를 메우기 시작한 여러 앨범에 앞서, 성공적으로 대안적인 청소년 문화에[57] 대한 확립된 "상업적" 목소리를 내었고, LP 레코드가 싱글과 같거나 더 큰 중요성을 가진 창조적인 형식으로 등장하는 지점을 표시했습니다.[58][nb 5] 몇몇 프로그레시브 록 밴드의 베테랑인 빌 브루포드(Bill Bruford)는 병장이 이렇게 말했습니다. 페퍼는 무엇이 가능한지에 대한 음악가들의 생각과 음악에서 무엇이 받아들여질 수 있는지에 대한 청중들의 생각을 모두 변화시켰습니다.[60] 그는 다음과 같이 믿었습니다: "비틀즈, 혹은 비틀즈가 했던 것을 했던 다른 누군가가 없었다면, 진보적인 록은 없었을 것이라고 추측하는 것이 옳습니다."[61] 병장의 여파로. Melody Maker와 같은 잡지는 "pop"과 "rock" 사이에 선을 그었고, 따라서 "rock and rock"(현재 1950년대 스타일을 지칭)에서 "roll"을 제거했습니다. 미국인들이 점점 더 제트로 툴, 패밀리, 에덴의 동쪽, 반데르그라프 제너레이터, 킹 크림슨과 같은 그룹에 "진보적"이라는 형용사를 사용함에 따라 "록"으로 남아있는 유일한 예술가들은 "라디오 프렌들리" 기준과 거리가 먼 작곡 형식의 최전선에 있다고 간주되는 사람들일 것입니다.[62]

원시 및 사이키델리아

주요기사 : 프로프로그, 사이키델릭락, 애시드락
참고 항목: 록 오페라와 캔터베리 장면

AllMusic에 따르면 "프로그 록은 1967년 영국의 사이키델릭계에서 나오기 시작했는데, 구체적으로 니스, 프로콜 하럼, 무디 블루스(Days of Future Passed)[63]가 이끄는 클래식/심포닉 록의 한 변종이었습니다." 새로운 저렴한 녹음 장비의 가용성은 환각제 LSD가 일반적으로 사용되는 런던 지하 장면의 부상과 동시에 발생했습니다. 핑크 플로이드(Pink Floyd)와 소프트 머신(Soft Machine)은 미들 어스(Middle Earth)와 UFO 클럽(UFO Club)과 같은 장소에서 밤새 열리는 행사에서 하우스 밴드 역할을 했고, 그곳에서 사운드 텍스처와 긴 형태의 노래를 실험했습니다.[64][nb 6] 많은 사이키델릭, 포크 록 및 초기 프로그레시브 밴드는 BBC 라디오 1 DJ 존 필의 노출의 도움을 받았습니다.[67] 런던 무대에서 두각을 나타내고 영국 음악가 밴드와 함께 녹음한 지미 헨드릭스(Jimi Hendrix)는 록 음악에서 기타의 기교와 기이함을 향한 유행을 시작했습니다.[68] 나중에 클라우드로 개명된 스코틀랜드 밴드 1-2-3은 1966년에 결성되었고 1년 후 런던 클럽에서 공연을 시작했습니다. Mojo의 George Knemeyer에 따르면, "어떤 사람들은 [그들이] Yes, The Nice and Family와 같은 프로 록커들에게 중요한 영향을 미쳤다고 주장합니다."[69]

1960년대 후반 교향 록 아티스트들은 싱글 "Nights in White Satin" (Moody Blues, 1967)과 "A White Shade of Pale" (Procol Harum, 1967)을 포함하여 약간의 차트 성공을 거두었습니다.[70] 무디 블루스(Moody Blues)는 런던 페스티벌 오케스트라(London Festival Orchestra)와 함께 "Days of Future Passed"를 녹음하면서 교향곡 록의 인기를 확립했고, 프로콜 하룸(Procol Harum)은 특히 1969년 앨범 "A Tyle Dog(짠내 나는 개)"에서 [importance of example(s)?]더 다양한 어쿠스틱 악기를 사용하기 시작했습니다.[71] 고전적인 영향은 때때로 제프 벡의 "벡의 볼레로"와 니스의 아르스 롱가 비타 브레비스의 일부와 같은 고전 작품을 각색하거나 영감을 받은 작품의 형태를 취했습니다. 후자는 "Rondo"와 "America"와 같은 트랙과 함께 완전히 기악적인 음악에 대한 더 큰 관심을 반영합니다. 페퍼 병장과 데이즈 병장은 둘 다 여러 악장으로 구성된 노래 사이클과 스위트룸에 대한 증가하는 경향을 나타냅니다.[71]

포커스는 재즈 스타일의 화음과 불규칙한 비박 드럼을 나중의 록 기반 리프에 통합하고 아티큘레이션했으며 블러드, 스웨트 앤 티어스, 시카고 등 재즈 스타일의 호른 섹션을 포함한 여러 밴드가 등장했습니다. 이들 중, 마틴은 특히 시카고 II의 "Ballet for a Girl in Buchannon"과 같은 곡조와 확장된 작곡에 대한 실험으로 시카고를 강조합니다.[72] 재즈의 영향은 소프트 머신과 카라반과 같은 캔터베리 밴드와 함께 교통, 콜로세움, 이프와 같은 영국 밴드의 음악에 나타났습니다. 캔터베리 장면 밴드는 관악기의 사용, 복잡한 화음의 변화, 긴 즉흥 연주를 강조했습니다.[73] 마틴은 1968년에 "Full Blow Progressive Rock"은 아직 존재하지 않았지만, 나중에 음악의 중심에 서게 될 세 밴드가 앨범을 발표했다고 말합니다. 제트로 툴, 카라반 및 소프트 머신.[74]

《크림슨 왕의 법정》(1969)
매칸은 킹 크림슨의 앨범이 "성숙한 프로그레시브 록 장르의 모든 요소를 보여줍니다... [그리고] 후에 진보적인 록 밴드들에게 강력한 음악적 영향력을 행사했습니다."[75]
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1968년 카라반의 셀프 타이틀 데뷔 LP의 라이너 노트에 등장한 "프로그레시브 록"이라는 용어는 클래식 음악 기법을 사용하여 록 음악이 사용할 수 있는 스타일과 개념을 확장한 밴드에 적용되기 시작했습니다.[76][77] 니스, 무디 블루스, 프로콜 하럼, 핑크 플로이드는 모두 현재 프로그레시브 록이라고 불리는 요소들을 포함했지만, 얼마 지나지 않아 결성된 여러 밴드만큼 장르의 완전한 본보기를 보여주지는 못했습니다.[78] 제트로 툴(Jethro Tull), 킹 크림슨(King Crimson), 예스(Yes), 제네시스(Genesis), 밴더그라프 제너레이터(Van der Graf Generator), ELP(ElP), 젠틀 자이언트(Gentle Giant), 바클레이 제임스 하베스트(Barclay James Harvest), 르네상스(Renaissance) 등 장르의 거의 모든 주요 밴드가 1968년에서 1970년 사이에 데뷔 앨범을 발매했습니다. 이것들 중 대부분은 포크 록 앨범으로 밴드의 성숙한 사운드가 무엇이 될지 거의 알 수 없었지만 킹 크림슨의 인 더 코트 오브 더 크림슨 킹(1969)과 예스의 셀프 타이틀 데뷔 앨범(1969)은 초기에 장르의 완전히 형성된 예였습니다.[75][nb 7]

1970~1980년대

성수기(1971~1976)

참고 항목: 크라우트록
핑크 플로이드는 프로그레시브 록 시대 전체에서 가장 많이 팔린 앨범인 The Dark Side of the Moon (1973)을 공연했습니다.[79]

이 장르의 주요 밴드 대부분은 1971년에서 1976년 사이에 가장 비평가들의 호평을 받은 앨범을 발표했습니다.[80] 이 장르는 1970년대 초에 높은 수준의 상업적 성공을 경험했습니다. 제트로 툴(Jethro Tull), ELP(ELP), 러시(Rush), 예스(Yes), 핑크 플로이드(Pink Floyd)를 합해 미국 차트 1위에 오른 4장의 앨범을 만들었으며, 그들의 앨범 중 16장이 톱 10에 올랐습니다.[81][nb 8] 영화 엑소시스트의 주제로 사용된 마이크 올드필드의 관 모양의 종 (1973)은 1,600만 장이 팔렸습니다.[86]

에머슨, 레이크 & 파머는 1970년대 가장 상업적으로 성공한 프로그레시브 록 밴드 중 하나였습니다. 그들은 1992년에 여기서 공연하는 것을 볼 수 있습니다.

프로그레시브 록은 해외에서 감상하게 되었지만 대부분 유럽, 특히 영국의 현상으로 남아있었습니다. 거기에 참여한 미국 밴드는 거의 없었고, 스타캐슬과 해피 더 맨과 같은 장르의 가장 순수한 대표자들은 그들만의 지리적 지역에 국한되어 있었습니다.[87] 이것은 적어도 부분적으로 미국과 영국의 음악 산업 차이 때문입니다.[58][nb 9] 미국 음악가들은 블루스 배경 출신인 반면, 유럽인들은 클래식 음악에 기반을 두는 경향이 있기 때문에 문화적 요인도 관련되었습니다.[90]

북미 프로그레시브 록 밴드와 아티스트들은 종종 토드 런드그렌의 유토피아와[91] 러시의 복잡한 편곡, 스피릿의 절충적인 사이키델리아,[92] 캡틴 비욘드의 하드 록, 캔자스의 서던 록팅 프로그, 프랭크 자파의 재즈 퓨전, 리턴 투 포에버와 같은 하이브리드 스타일을 나타냈습니다. 전 악기 딕시 드렉의 절충적인 융합.[93][94][95][96][97][text–source integrity?] 영국의 프로그레시브 록은 영국의 헤비 메탈 밴드가 가장 큰 인기를 얻은 지리적 지역에서 가장 큰 미국 성공을 거두었습니다. 관객들의 겹침은 두 스타일의 요소들을 결합한 보스턴, 캔자스, 스틱스와 같은 아레나 록 밴드들의 성공으로 이어졌습니다.[93]

프로그레시브 록은 미국보다 더 빨리 유럽 대륙에서 인기를 얻었습니다. 이탈리아는 1970년대 초 강력한 이탈리아 프로그레시브 록 씬이 발전하기 전까지 록 음악에 전반적으로 관심이 없었습니다.[98][nb 10] 프로그레시브 록은 1960년대 후반 유고슬라비아에서 등장하여 1970년대 후반까지 유고슬라비아 록 씬을 지배했습니다.[100][101] 영어 가사를 쓴 포커스(Focus)와 골든 이어링(Golden Earring)과 같은 네덜란드 밴드와 피터 해밀(Peter Hammill)과 피터 신필드(Peter Sinfield)가 각각 영어 가사를 쓴 이탈리아인 르 오르메(Le Orme)와 PFM을 제외하고, 유럽 그룹 중 자국 밖에서 성공한 그룹은 거의 없었습니다.[102] 일부 유럽 밴드들은 영국 밴드의 스타일 파생 모델로 연주했습니다.[103][verification needed][nb 11]

독일의 "코스미셰 음악" 장면은 국제적으로[105] "크라우트록"이라는 꼬리표를 붙이게 되었고, 프로그레시브 록 장르의 일부 또는 완전히 독특한 현상으로 자주 인용됩니다.[106] 칼하인츠 스톡하우젠 밑에서 공부한 두 명의 멤버가 포함된 캔과 같은 크라우트록 밴드는 음악적 어휘가 낭만주의 시대에 더 기울어진 영국의 프로그레시브 록 밴드보다 20세기 클래식 음악에 더 강한 영향을 받는 경향이 있었습니다.[107] 프로그레시브 록의 교향곡적인 다양성에 대한 열정이 거의 없는 밴드들 사이에서도 이들 그룹의 많은 영향력은 매우 컸습니다.[108]

프로그레시브 소울
본문: 프로그레시브 소울

이와 동시에, 아프리카계 미국인 대중 음악가들은 프로그레시브 록의 개념적인 앨범 중심의 접근법을 이끌어냈습니다. 이것은 1970년대에 블랙 팝에서 새로운 세련된 음악성과 야심찬 서정성에 영감을 준 프로그레시브 소울 운동으로 이어졌습니다.[109] 이 음악가들 중에는 Sly Stone, Stevie Wonder, Marvin Gaye, Curtis Mayfield, 그리고 George Clinton이 있었습니다.[110] 개발에 대해 논의하면서 빌 마틴은 원더(Talking Book, Innervisions, Songs in the Key of Life), 워(All Day Music, The World Is a Ghetto, War Live), 아이슬리 브라더스(3 + 3)의 1970년대 앨범을 인용하면서, 더 후의 프로그레시브 록 영향을 받은 후아 유(Who Are You, 1978)도 소울 변형에서 파생되었다고 언급합니다.[111] 타임즈지의 도미닉 맥스웰은 원더의 1970년대 중반 앨범들을 "형식을 밀고 나가면서 항상 진심이 넘치고, 야망이 넘치고, 들을 수 있는 최고 수준의 프로그 소울"이라고 평가했습니다.[112]

감소 및 단편화

참고 항목: 펑크 록과 심포닉 팝

1970년대 후반의 정치적, 사회적 트렌드는 장르의 발전과 인기를 이끌었던 1970년대 초반의 히피 태도에서 벗어났습니다. 펑크 냉소주의의 대두는 프로그레시브 록 가사로 표현된 유토피아적 이상을 유행하지 않게 만들었습니다.[113] 훌륭한 악기를 구입하는 비용과 그것들을 연주하는 법을 배우는 데 드는 시간 투자가 록의 에너지와 즉각성을 가로막는 장벽으로 여겨지면서, Virtuosity는 거부되었습니다.[114] 음반회사가 사라지고 대형 미디어 대기업으로 합병되는 등 가요계에도 변화가 있었습니다. 실험적인 음악을 홍보하고 개발하는 것은 수익성 있는 시장 틈새 시장을 파악하고 공략하는 데 관심을 집중하는 이 대기업들의 마케팅 전략에 포함되지 않았습니다.[115]

크림슨 왕의 로버트 프립은 이 운동이 "비극적으로 방향을 틀었다"고 믿었습니다.[116]

킹 크림슨, 예스, ELP, 제네시스 등 프로그레시브 록의 가장 성공적인 네 밴드는 1970년대 중반에 활동을 중단하거나 대대적인 인사 변화를 겪었습니다.[116] 마칸은 1974년 9월 킹 크림슨의 해체를 특히 중요하다고 언급하며, 이 시점을 "장르의 모든 영국 밴드가 사라졌어야 했다"고 언급했습니다.[117] 밴더그래프 제너레이터, 젠틀 자이언트, U.K.를 포함한 더 많은 주요 밴드들이 1978년에서 1980년 사이에 해체되었습니다.[118] 1970년대 중반까지 많은 밴드들이 록의 맥락에서 실험할 수 있는 한계에 도달했고 팬들은 확장된 서사적인 구성에 지쳤습니다. Hammond, Minimoog, Mellotron의 소리는 철저히 탐구되었고, 그들의 사용은 진부해졌습니다. 녹음을 계속한 밴드들은 종종 그들의 소리를 단순화했고, 1970년대 후반부터 장르는 단편화되었습니다.[119] 로버트 프립의 의견에 따르면, 일단 "프로그레시브 록"이 새로운 기반을 덮지 않고 반복되고 모방되는 일련의 관습이 되면서 장르의 전제는 "프로그레시브"가 중단되었습니다.[120]

음반사들이 그들의 아티스트들에게 투자하고, 그들에게 실험의 자유를 주고, 그들의 콘텐츠와 마케팅에 대한 제한된 통제권을 주는 시대는 1970년대 후반으로 끝이 났습니다.[121] 기업의 예술가들과 레퍼토리 스태프들은 이전에 예술가들의 소유였던 창작 과정에 점점 더 많은 통제력을 행사했고,[122] 기성 활동들은 더 단순한 화성과 노래 구조와 미터의 변화가 적은 음악을 만들어야 한다는 압박을 받았습니다. Supertramp, 10cc, Alan Parsons Project, Electric Light Orchestra와 같은 다수의 교향 팝 밴드들은 오케스트라 스타일의 편곡을 팝 싱글을 강조하는 동시에 가끔 탐험의 사례를 허용하는 맥락으로 가져왔습니다. 제트로 툴(Jethro Tull), 젠틀 자이언트(Gentle Giant), 핑크 플로이드(Pink Floyd)는 아레나 록 스타일에서 더 단단한 사운드를 선택했습니다.[5]

이 시대에 형성된 새로운 프로그레시브 록 밴드는 거의 없었고, 음반사들이 그들과 계약하는 데 관심이 없다는 것을 알게 된 사람들.[123] 단명한 슈퍼그룹 U.K.는 멤버들이 명성을 쌓았기 때문에 주목할 만한 예외였습니다; 그들은 이전의 아티스트들과 스타일적으로 비슷하고 장르를 발전시키기 위해 거의 노력하지 않은 두 개의 앨범을 제작했습니다.[124] 여러 유럽 기타리스트들이 헤비 메탈에 프로그레시브 록 접근법을 도입하고 프로그레시브 메탈의 기초를 닦았기 때문에 이 시기에 장르의 유산 중 일부는 다른 스타일에 영향을 미쳤다는 것입니다. UFO의 마이클 솅커(Michael Schenker)와 스콜피언스(Scorpions)에서 솅커를 대신한 울리 존 로스(Uli Jon Roth)는 기타리스트들이 사용할 수 있는 모달 어휘를 확장했습니다.[125][further explanation needed] 로스는 클래식 작곡가들이 바이올린을 사용하는 방식으로 기타를 사용하려는 의도로 클래식 음악을 공부했습니다.[126] 마지막으로 네덜란드 태생으로 고전적인 훈련을 받은 알렉스(Alex)와 에디 반 헤일런(Eddie Van Halen)은 반 헤일런(Van Halen)을 결성하여 1980년대 음악에 영향을 미친 획기적인 타악기 연주, 탭핑 및 크로스 피킹 기타 연주를[127] 선보였습니다.[128]

상업화

1980년대 초까지 프로그레시브 록은 스타일로서 거의 죽은 것으로 여겨졌는데, 이는 주요 프로그레시브 그룹 중 일부가 더 상업적인 사운드를 개발했다는 사실에 의해 강화된 아이디어입니다. ... 지금은 진보적인 그룹들의 음악에서 나온 것은 예술 음악의 중요한 환기였습니다.

– John Covach[12]

일부 기성 아티스트들은 더 단순하고 상업적으로 실행 가능한 음악으로 나아갔습니다.[129][verification needed][12] Journey, Kansas, Styx, GTR, ELO 및 Foreign과 같은 아레나 록 밴드는 프로그레시브 록 밴드로 시작했거나 장르와 밀접한 관련이 있는 멤버를 포함했습니다. 이 그룹들은 노래의 복잡성과 관현악 스타일의 편곡을 일부 유지했지만, 관계와 같은 전통적인 주제를 선호하여 서정적인 신비주의에서 벗어났습니다.[130] 이러한 무선 친화적인 그룹은 "프로그라이트"라고 불립니다.[131] 제네시스는 성공적인 팝 활동으로 변신했고, 1982년에는 프로 슈퍼그룹 아시아(Yes, King Crimson, ELP의 멤버로 구성됨)가 1위 앨범을 냈고,[132] 재결성된 Yes는 비교적 주류인 90125 (1983)를 발표했는데, 이 앨범은 그들의 유일한 미국 1위 싱글인 "Owner of a Lonely Heart"를 산출했습니다. 1980년대까지 진보적인 접근 방식을 유지하면서 성공적인 밴드 중 하나는 1979년 말 The Wall을 발표한 핑크 플로이드(Pink Floyd)였습니다. 펑크 분노를 프로그레시브 록으로 불러들인 이 앨범은 [133]큰 성공을 거두었고 나중에 핑크 플로이드 – 더 월(The Wall)로 촬영되었습니다.[nb 12]

포스트펑크 및 포스트프로그레시브

주요 기사: Post-punk 및 Post-progressive
참고 항목: 뉴웨이브 음악

펑크와 프로그레시브 록은 일반적으로 생각되는 것과 꼭 반대되는 것은 아니었습니다. 두 장르 모두 상업주의를 거부하고 펑크 밴드는 음악적 발전의 필요성을 보았습니다.[141][nb 13] 작가 도일 그린은 포스트 펑크가 "일종의 '프로그레시브 펑크'"[146]로 등장했다고 언급했습니다. 포스트 펑크 아티스트들은 비틀즈나 밥 딜런과 같은 1960년대 록 아티스트들의 높은 문화적 언급과 록을 "진보적", "예술" 또는 "스튜디오 완벽주의"로 정의하는 패러다임을 거부했습니다.[147] 펑크 록과 달리 펑크의 에너지와 회의감을 예술학교 의식, 다다이스트 실험주의, 분위기 있고 주변적인 사운드스케이프와 균형을 이룹니다. 세계 음악, 특히 아프리카와 아시아의 전통도 주요한 영향을 미쳤습니다.[148]

프로그레시브 록의 영향은 일부 포스트 펑크 아티스트의 작품에서 느껴졌지만 클래식 록이나 캔터베리 그룹을 모방하지 않고 록시 뮤직, 킹 크림슨, 크라우트록 밴드, 특히 캔을 모방하는 경향이 있었습니다.[149][verification needed][nb 14] 퍼그레시브 록과 펑크 록 모두에서 차용한 [151]Punction of Luxury의 음악은 영향력 있는 펑크 팬진 Snifin' Glue Mark Perry의 설립자가 이끄는 Alternative TV는 투어를 하고 Gong offshoot Here & Now와 함께 스플릿 라이브 앨범을 발표했습니다.[152]

Talking Heads의 Jerry Harrison(왼쪽)과 David Byrne, 1970년대 후반

"포스트 프로그레시브"라는 용어는 1970년대 프로그레시브 록 스타일에서 분리되면서 원래의 원칙으로 돌아가는 프로그레시브 록을 의미하며 [153]1978년 이후에 위치할 수 있습니다.[154] 마틴은 록시 뮤직의 브라이언 에노를 하위 장르의 가장 중요한 촉매제로 인정하며, 1973-77년 그의 프로듀싱은 프로그레시브 록의 측면과 뉴 웨이브와 펑크에 대한 선견지명을 결합했다고 설명합니다.[155] 1978-79년경 펑크와 같은 태도와 미학으로 표면화된 뉴웨이브는 마틴에 의해 "진보적"과 "펑크"를 곱한 것으로 특징지어졌습니다.[156] 장르의 밴드들은 펑크들보다 프로그레시브 록에 덜 적대적인 경향이 있었고, 프립과 에노가 토킹 헤드스에 참여했고, 예스가 릭 웨이크먼과 존 앤더슨을 팝 듀오 더 버글스로 대체한 것과 같은 크로스오버가 있었습니다.[156]

1981년 킹 크림슨이 개혁을 했을 때, 그들은 새로운 포스트 프로그레시브 스타일을 "창안"한 앨범인 "Scipline"을 발표했습니다.[157] 새로운 킹 크림슨 라인업에는 기타리스트이자 보컬리스트인 아드리안 벨류(Adrian Bleew)가 참여했으며, 토킹 헤드스(Talking Heads)와 함께 라이브 연주를 하고 1980년 앨범 'Remain in Light'의 피처링을 맡았습니다.[158][159] Martin에 따르면, Talking Heads는 또한 "펑크한 긴급함과 태도, 프로그레시브 록의 정교함과 창조성의 완벽한 합성인 일종의 뉴웨이브 음악"을 만들었습니다. 그 이후로 더 재미있는 록은 분명히 '포스트 토킹 헤드즈' 음악이지만, 이것은 포스트 프로그레시브 록이라는 것을 의미합니다."[155]

네오프로그

주요 기사: 네오프로그

프로그레시브 록 밴드의 두 번째 물결은[160] 1980년대 초에 나타났고 그 이후로 별도의 "neo-prog" 하위 장르로 분류되었습니다.[161] 주로 키보드를 기반으로 한 이 밴드들은 복잡한 음악적 구조와 서정적인 구조로 확장된 작곡을 연주했습니다.[162] 이 밴드들 중 몇몇은 Marillion, IQ, Pendragon, Pallas를 포함한 주요 음반사들에 의해 계약되었습니다.[163] 이 장르의 주요 공연 대부분은 1983년에서 1985년 사이에 데뷔 앨범을 발매하고 1970년대에 프로그레시브 록을 홍보하는 데 중요한 역할을 했던 홍보 담당자 키스 굿윈과 같은 매니저를 공유했습니다.[164] 이전 10년 동안의 밴드들은 많은 잠재적 청중을 제공하는 두드러진 반문화 운동 기간에 등장하는 이점이 있었지만, 네오 프로그 밴드들은 상대적으로 틈새 인구에 국한되어 있고 추종자를 끌어들이기가 어려웠습니다. 오직 마릴리온과[165] 사가만이[166] 국제적인 성공을 경험했습니다.

네오 프로그 밴드들은 피터 가브리엘 시대의 제네시스를 그들의 "주요 모델"로 사용하는 경향이 있었습니다.[167] 그들은 또한 펑크, 하드 록, 펑크 록의 영향을 받았습니다.[168] 장르의 가장 성공적인 밴드인 마릴리온은 다른 보컬 스타일을 사용하고 더 많은 하드 록 요소를 포함했으며 [169]카멜과 핑크 플로이드를 포함한 밴드의 영향을 많이 받았음에도 불구하고 제네시스와 유사하다는 비난에 특히 시달렸습니다.[170][171] 저자 폴 헤가티와 마틴 할리웰은 10년 전의 밴드들이 재즈와 고전적인 요소들로부터 새로운 스타일을 창조했던 것처럼, 네오 프로그 밴드들이 프로그레시브 록 요소들로부터 새로운 스타일을 창조하는 것만큼 프로그레시브 록을 표절하는 것이 아니라고 지적했습니다.[172] 작가 에드워드 매칸은 이 밴드들이 적어도 부분적으로는 혁신에 대한 추진보다는 과거의 스타일을 보존하려는 향수에 의해 동기부여가 되었다고 지적하면서 반박합니다.[173]

1990년대~2000년대

제3파동

2007년 호저나무 공연

1990년대에 두 번째 세대의 네오 프로그 밴드라고도 할 수 있는 프로그레시브 록 밴드의 세 번째 물결이 나타났습니다.[160] 10년 전부터 20년 전까지 밴드 스타일을 따르는 그룹을 설명하기 위해 진보적이라는 용어를 사용한 것은 다소 논란의 여지가 있는 것으로, 실험과 진보의 정신의 모순으로 여겨져 왔습니다.[174][175] 이 새로운 밴드들은 부분적으로 개인용 컴퓨터 기반의 녹음 스튜디오를 이용할 수 있어서 음반 제작 비용이 절감되었고, 인터넷은 주류 밖의 밴드들이 광범위한 청중들에게 더 쉽게 다가갈 수 있게 해주었기 때문에 도움이 되었습니다.[176] 프로그레시브 록 전문 음반 매장이 대도시에 등장했습니다.[174]

1980년대의 단편적인 음악은 1990년대의 진보적인 록 그룹에 주요한 영향을 미쳤습니다.[174] Flower Kings, Spock's Beard and Glass Hammer와 같은 새로운 밴드 중 일부는 1970년대 스타일의 교향곡 프로를 연주했지만 최신 사운드를 사용했습니다.[177] 그들 중 다수는 이전 그룹이 비닐 LP의 한계를 늘렸던 방식으로 CD의 한계를 탐구하기 시작했습니다.[178]

프로그레시브 메탈

본문: 프로그레시브 메탈
드림씨어터의 "계절의 변화"
프로그레시브 록과 헤비 메탈의 요소를 결합한 드림 시어터의 멀티 파트 스위트
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프로그레시브 록과 헤비 메탈은 비슷한 타임라인을 가지고 있습니다. 둘 다 라디오 방송과 비평가들의 지지가 부족했음에도 불구하고 1970년대 초에 큰 성공을 거두기 위해 1960년대 후반 사이키델리아에서 출현했지만, 1970년대 중후반에 희미해졌고 1980년대 초에 부활을 경험했습니다. 각 장르는 이 시기에 스타일의 파편화를 경험했고, 영국 헤비 메탈의 새로운 물결(특히 아이언 메이든)에서 온 많은 메탈 밴드들은 진보적인 록 영향을 보여주었습니다.[179] 프로그레시브 메탈은 퀸즈르 ÿ셰의 1988년 콘셉트 앨범인 Operation:(오퍼레이션:)으로 성숙기에 이르렀습니다. Mindcrime, 추상적인 가사와 킹 크림슨 같은 질감이 특징인 보이보드의 1989년 Nothingface, 그리고 드림 시어터의 1992년 이미지와 단어.[180]

프로그레시브 록 요소는 다른 금속 하위 장르에 나타납니다. 블랙 메탈은 기독교의 가치에 의문을 제기하는 것이 중요한 주제이기 때문에 정의상 개념적입니다.[181] 그것의 내장 보컬은 때때로 마스토돈, 머드베인, 오페스와 같이 진보적인 것으로 분류될 수 있는 밴드들에 의해 사용됩니다.[182] 심포닉 메탈은 초기 프로그레시브 록에서 관현악 구절을 향한 경향의 확장입니다.[183] 프로그레시브 록은 포스트 록,[184] 포스트 메탈 및 아방가르드 메탈,[185] 수학 록,[186] 파워 메탈 및 네오 클래식 메탈과 같은 장르의 핵심 영감으로도 작용했습니다.[187]

신프로그

네오프로그와 혼동하지 않기 위해서입니다.

뉴 프로그는 장르를 부활시킨 2000년대 프로그레시브 록 밴드의 물결을 묘사합니다. Entertainment Weekly의 Evan Serpick에 따르면, "Dillinger Escape Plan, Lightning Bolt, Cohed and Cambria, 그리고 Mars Volta와 같은 성공적인 이야기들은 레드 제플린과 킹 크림슨과 같은 70년대 거대 기업들의 더 무겁고 더 공격적인 버전처럼 들리는 믿을 수 없을 정도로 복잡하고 창의적인 음악을 만듭니다."[188]

2010년대

프로그레시브 뮤직 어워드는 2012년 영국 잡지 프로그가 장르의 확립된 활동을 기리고 새로운 밴드를 홍보하기 위해 시작했습니다. 그러나 시상식에 참석하는 영예의 주인공들은 초청을 받지 않습니다. 왜냐하면 홍보자들은 "3주 동안 지속되지 않는" 행사를 원하기 때문입니다.[189][full citation needed]

2020년대

장르로서의 프로그레시브 록은 2020년대까지 Yes, Marillion, Porcupine Tree 및 Magenta와 같은 기존 밴드와 Riverse와 같은 최근 주목받는 밴드가 스타일을 중심으로 새로운 음악을 생성하면서 계속됩니다.[citation needed]

축제

많은 유명한 프로그레시브 록 밴드들이 1960년대 말과 1970년대 초에 영국에서 열린 대형 록 페스티벌에서 처음으로 노출되었습니다. 킹 크림슨은 1969년 하이드 파크 무료 콘서트에서 롤링 스톤스를 지지하기 위해 65만 명으로 추정되는 군중 앞에 처음으로 주요 공연에 등장했습니다.[190] 에머슨, 레이크 & 파머는 1970년 아일 오브 와이트 페스티벌(Ashle of Wight Festival)에서 데뷔했으며 슈퍼트램프(Supertramp), 패밀리(Family), 제트로 툴(Jethro Tull)도 출연했습니다.[191] 제트로 툴은 1969년 뉴포트 재즈 페스티벌에도 참석했는데, 이 페스티벌은 록 밴드들을 초대해 공연을 한 첫 해였습니다. 호크윈드는 1970년대 내내 많은 영국 축제에 등장했지만 가끔 초대받지 않고 나타나 행사 주변에 무대를 세우고 무료로 연주했습니다.[192]

1979년 슈퍼트램 공연
2003년 두어 페스티벌에서 공연중인 킹 크림슨

1990년대 이 장르에 대한 새로운 관심은 진보적인 록 페스티벌의 발전으로 이어졌습니다.[174] 1993년 그렉 워커(Greg Walker)와 데이비드 오버스트리트(David Overstreet)가 주최한 프로그페스트(ProgFest)는 UCLA의 로이스 홀(Royce Hall)에서 처음 열렸으며, 스웨덴의 앵글라고르드(Englagård), 영국의 IQ(IQ), 퀼(Quill), 시타델(Cadel) 등이 출연했습니다. CalProg는 2000년대 초반 캘리포니아 위티어에서 매년 개최되었습니다.[194] North East Art Rock Festival,[176] 즉 NEARfest는 1999년에 펜실베니아의 Bethlehem에서 첫 번째 행사를 개최했고 2012년의 NEARfest Apocialpse까지 매년 매진된 콘서트를 개최했는데, 이 콘서트는 헤드라이너 U.K.와 르네상스가 출연했습니다.[195]

다른 축제로는 노스캐롤라이나 채플힐에서 매년 열리는 ProgDay (가장 오래 지속되고 유일한 야외 프로그레시브 음악 축제), 플로리다 사라소타에서 매년 열리는 Rites of Spring Fest (RoSfest), 조지아 애틀랜타에서 열리는 The Rogue Independent Music Festival, 멕시코 멕시코 멕시코 멕시코 멕시코 애틀랜타에서 열리는 Baja Prog, 조지아 애틀랜타에서 열리는 ProgPower USA 등이 있습니다. 네덜란드 바를로의 ProgPower Europe과 2017년 첫 행사를 개최한 뉴저지주 Rahway의 ProgStock.[196]

접수처

이 장르는 수년 동안 비평가들의 찬사와 비평을 모두 받았습니다. 프로그레시브 록은 이고르 스트라빈스키와 벨라 바르토크의 클래식 음악과 평행한 것으로 묘사되어 왔습니다.[193] 록의 경계를 확장하려는 이러한 열망은 주류 록과 팝에 대한 일부 음악가들의 무시와 결합되어 비평가들을 실망시켰고 엘리트주의에 대한 비난으로 이어졌습니다. 지적이고 환상적이며 비정치적인 가사, 록의 블루스 뿌리를 피하는 것은 많은 비평가들이 록 음악에서 중요하게 여기던 바로 그 것들을 포기한 것이었습니다.[197] 프로그레시브 록도 록의 성숙을 하나의 장르로 나타냈지만, 비평가들 사이에서는 록이 청소년기에 근본적으로 묶여 있고 남아 있어야 한다는 의견이 있어 록과 성숙은 상호 배타적이었습니다.[198] 그들의 음악의 복잡성에 대한 비판은 일부 밴드들이 훨씬 더 복잡한 음악을 만들도록 자극했습니다.[nb 15]

대부분의 록이 그러했듯이,[202] 여성 가수들은 진보적인 포크 밴드에서 더 잘 대표되었는데,[203] 그들은 그들이 자주 순회하고 밴드 멤버들을 공유했던 진보적인 록 밴드들보다[204] 더 넓은 범위의 보컬 스타일을 보여주었습니다.[205]

영국과 유럽 관객들은 일반적으로 클래식 음악 공연과 관련된 공연장 행동 프로토콜을 따랐고, 다른 형태의 록에 대한 관객들보다 그들의 행동에 더 유보적이었습니다. 이것은 미국 투어 중에 음악가들을 혼란스럽게 했는데, 그들은 미국 관객들이 주의를 덜 기울이고 조용한 통로에서 폭발하기 쉽다는 것을 발견했기 때문입니다.[206]

높은 문화를 향한 이러한 열망은 주로 남부 잉글랜드 출신의 상류층과 중산층, 화이트칼라, 대학 교육을 받은 남성들에 의해 만들어진 음악으로서의 프로그레시브 록의 기원을 반영합니다. 음악은 청취자들이 음악가들의 기교를 높이 평가하는 미국을 [207]제외하고는 결코 노동자 계층 청취자들의 관심을 반영하지 않았거나 수용되지 않았습니다.[208] 프로그레시브 록의 이국적이고 문학적인 주제는 1970년대 말 영국의 젊은이들과 특히 관련이 없는 것으로 여겨졌는데, 당시 영국은 경제가 좋지 않았고 파업과 부족이 잦았습니다.[209] 심지어 킹 크림슨의 리더인 로버트 프립은 프로그레시브 록 가사를 "자신의 삶에서 본질적인 경험의 일부를 우회하고 있는 일부 영국인 반쪽 재치의 철학적 구불구불한 길"이라고 일축했습니다.[210] 킹 크림슨, 핑크 플로이드, 반데르 그라프 제너레이터와 같이 더 어두운 가사가 유토피아주의를 피했던 밴드들은 덜 비판적인 불쾌감을 경험했습니다.[211]

2002년 핑크 플로이드 기타리스트 데이비드 길모어(David Gilmour)는 "저는 프로그레시브 록(progressive rock)이라고 부르는 대부분의 음악을 별로 좋아하지 않았습니다. 저는 그루초 마르크스와 같습니다. 저는 회원이 될 만한 어떤 클럽에도 가입하고 싶지 않습니다."[212] 2014년, 피터 가브리엘은 "프로그가 아마도 가장 조롱받는 음악 장르였음에도 불구하고, 오늘날과 같이 음악의 규칙을 거부하기 위해 장벽을 허물고자 노력하는 많은 비범한 음악가들이 있었습니다. 그 당시에는 정말 선구적이었습니다. 우리는 항상 그것을 맞추지는 못했지만, 그것이 효과가 있을 때 우리는 사람들을 움직이게 하고 마법이 일어날 수 있었습니다. 저는 이 모든 것을 성장의 매우 건강한 부분으로 보고 있습니다."[213]

제트로 툴의 리더인 이안 앤더슨은 이렇게 말했습니다.

저는 1969년에 나온 프로그레시브 록이라는 원래 용어를 아직도 좋아합니다. 하지만 그것은 작은 "p"와 작은 "r"이 있었습니다. 반면에 Prog Rock은 웅장함과 위풍당당함이라는 서로 다른 함축적 의미를 가지고 있습니다. 대부분의 것이 음악가와 청취자 모두에게 꽤 좋은 경험이었다고 생각합니다. 약간 부풀려진 것도 있지만, 대부분의 음악의 경우, 그것은 절대적으로 눈에 띄었습니다.[214]

수년간 음악 팬들은 프로그레시브 록이 죽었다고 선언했지만,[215] 그 장면은 여전히 많은 하위 장르로 활동하고 있습니다.[216]

프로그레시브 록 아티스트 목록

주요 기사: 프로그레시브 록 아티스트 목록

참고 항목

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메모들

  1. ^ 1970년대 록 음악에서 "예술" 설명자는 일반적으로 "공격적으로 전위적인" 또는 "가식적으로 진보적인"을 의미하는 것으로 이해되었습니다.[14]
  2. ^ 1967년경부터 "팝 뮤직"은 두 용어 모두에 일반적인 의미를 부여하는 부문인 "록 뮤직"이라는 용어에 반대하여 점점 더 많이 사용되었습니다.[20]
  3. ^ 형식주의는 확립된 외부 구성 체계, 구조적 통일성, 개별 예술 작품의 자율성에 대한 선점을 말합니다. 절충주의는 형식주의와 마찬가지로 스타일 합성, 즉 통합에 대한 선호를 의미합니다. 그러나 형식주의적 경향과는 달리 절충주의는 역사적, 현대적 스타일과 전자 미디어 사이의 불연속성을 배경으로 하며 때로는 매우 다른 음악 장르, 관용구 및 문화 코드를 동시에 언급합니다. 비틀즈의 "Within You Without You"(1967), 지미 헨드릭스의 1969년 버전 "The Star-Spangled Banner"가 그 예입니다.[27]
  4. ^ 앨런 무어(Allan Moore)는 다음과 같이 말합니다. "비록 이 역사가 대략 연대순으로 일련의 스타일을 제공하는 것처럼 보이지만, 우리가 대중가요라고 부르는 것에는 단일하고 선형적인 역사가 없다는 것이 지금쯤은 분명해질 것입니다. ... 가끔 주변에만 있는 것처럼 보일 때가 있습니다. 때때로 관객들은 중심으로 이끌립니다. 이런 일이 있었던 가장 두드러진 시기는 1960년대 초중반으로, 나이, 계층, 문화적 배경에 상관없이 거의 모든 사람들이 비틀즈의 음악을 들은 것 같습니다. 하지만 1970년에 이르러 이 독백적인 입장은 다시 무너졌습니다. 에드가 브로튼 밴드의 '아파체 드롭아웃'과 에디슨 라이트하우스의 'Love grows'는 모두 1970년 미들랜즈/런던의 강력한 연결로 발매되었으며, 둘 다 같은 라디오 방송국에서 들을 수 있었지만 매우 다른 미학에 따라 운영되고 있었습니다."[36]
  5. ^ LP 판매량은 1969년에 처음으로 싱글 판매량을 추월했습니다.[59]
  6. ^ 비틀즈의 멤버 존 레논은 적어도 하나의 그러한 행사인 14시간 테크니컬러 드림이라고 불리는 해프닝에 참석한 것으로 알려져 있습니다.[65] 폴 매카트니는 인디카 갤러리와의 인연으로 지하와 깊은 인연을 맺었습니다.[66]
  7. ^ 그들은 또한 일반적으로 교향곡 록의 첫 번째 세계적인 표준 보유자로 인정받고 있습니다.[70]
  8. ^ 툴은 11개의 골드 앨범과 5개의 플래티넘 앨범을 기록했습니다.[82] 핑크 플로이드의 1970년 앨범 아톰 하트 마더는 영국 차트에서 1위를 차지했습니다. 그들의 1973년 앨범 The Dark Side of the Moon은 Syd Barrett이 그들의 작곡가였을 때 사용되었던 더 구조화된 종류의 작곡과 그들의 확장된 작곡을 결합시켰으며,[83] 2년 이상을 차트의[84] 정상에서 보냈고 15년 동안 빌보드 200 앨범 차트에 머물렀습니다.[85]
  9. ^ 1967년 BBC 라디오 1이 시작되기 전까지 대중 음악 녹음이 공식 라디오 방송국에서 방송 시간을 제한했던 영국에서는 라디오 방송이 덜 중요했습니다.[58] 영국 관객들은 클럽에서 밴드를 듣는 것에 익숙해져 있었고, 영국 밴드들은 투어를 통해 자신들을 지탱할 수 있었습니다. 미국 청중들은 라디오에서 새로운 음악을 처음 접했고, 미국의 밴드들은 성공을 위해 라디오 방송을 해야 했습니다.[88] 라디오 방송국들은 프로그레시브 록의 더 긴 형태의 구성을 싫어했고, 이는 광고 판매를 방해했습니다.[89]
  10. ^ 반데르그라프 발전기는 자국에서보다 훨씬 더 인기가 많았습니다. 제네시스는 영국과 미국의 컬트 추종자들에 국한되었던 시기에 유럽 대륙에서 크게 성공했습니다.[99][importance of example(s)?]
  11. ^ 이것은 ELP 스타일의 오르간 트리오인 Triumvirat에서 들을 수 있습니다; 강한 크림슨 왕의 영향력을 가진 Ange와 Celeste.[103] 다른 사람들은 국가적인 요소들을 그들의 스타일에 도입했습니다: 스페인의 트리아나는 플라멩코 요소들을 도입했고, 스웨덴의 Samla Mammas Manna와 같은 그룹들은 각각의 나라의 민속 음악 스타일로부터 이끌어냈고, Il Balletto di Bronzo, Rustichelli & Bordini와 같은 이탈리아 밴드들은, 영국인들보다 더 노골적으로 감정적인 접근법으로 기울었습니다.[104]
  12. ^ 핑크 플로이드는 상업적인 성공과 비평적인 성공의 조합을 반복할 수 없었습니다. 그들의 유일한 후속작인 파이널 컷은 몇 년 후에[134] 나올 예정이었고 본질적으로 더 월을 위해 거부되었던 대부분의 재료로 구성된 로저 워터스의 솔로 프로젝트였기[135] 때문입니다.[136] 밴드는 나중에 워터스 없이 재결합했고 밴드의 1970년대 후반 작업에서 경시되었던 많은 진보적인 요소들을 복원했습니다.[137] 이 버전의 밴드는 매우 인기가 있었지만 [138]그들의 이후 앨범에 대한 비판적인 의견은 덜 호의적입니다.[139][140]
  13. ^ Sex Pistols의 프론트맨인 조니 로튼은 "나는 핑크 플로이드를 싫어한다"라고 쓰인 티셔츠를 입은 것으로 유명하지만,[123] 그는 밴더그래프 제너레이터,[142] 캔,[143] 그리고 수년 후 핑크 플로이드 자신들에 대해 존경심을 나타냈습니다.[144] 브라이언 에노(Brian Eno)는 펑크(punk)와 뉴 웨이브(new wave) 밴드가 영국 밴드보다 더 실험적이고 덜 개성적이라는 것을 발견했기 때문에 뉴욕에서 접근하는 것에 대한 선호를 표현했습니다.[145]
  14. ^ 눈물 폭발의 줄리안 코프는 크라우트록 장르인 크라우트록 샘플러의 역사를 썼습니다.[150][importance of example(s)?]
  15. ^ 네, 'Tales from Topographic Oceans[199]'와 'The Gate of Delirium'[200]은 모두 그러한 비판에 대한 응답이었습니다. 45분짜리 싱글 트랙으로 구성된 자체 풍자적인 컨셉 앨범인 Jethro Tull's Thick As a Brick은 이전 Aqualung을 컨셉 앨범으로 분류하는 것에 대한 밴드의 의견 불일치에서 비롯되었습니다.[201]

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원천

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서지학

추가읽기

라이브러리 리소스정보
프로그레시브 록
  • 행운아, 제리. 프로그레시브 록 파일. 온타리오주 벌링턴: Collector's Guide Publishing, Inc(1998), 304페이지, ISBN 1-896522-10-6(페이퍼백). 프로그레시브 록의 역사뿐만 아니라 장르의 주요 밴드와 언더그라운드 밴드의 역사에 대한 개요를 제공합니다.
  • 행운아, 제리. 프로그레시브 록 핸드북입니다. 온타리오주 벌링턴: Collector's Guide Publishing, Inc.(2008), 352페이지, ISBN 978-1-894959-76-6(페이퍼백). 수백 개의 프로그레시브 록 밴드를 리뷰하고 그들의 녹음 목록을 나열합니다. 또한 Progressive Rock Files와 유사한 업데이트된 개요를 제공합니다.
  • 스나이더, 찰스. 프로그레시브 록의 딸기 브릭 가이드, 3판. 일리노이주 시카고: 킨들다이렉트퍼블리싱(2020) 572쪽, ISBN 978-0-578-48980-3(페이퍼백) 밴드 역사, 음악적 시놉시스 및 비평적 해설이 포함된 프로그레시브 록에 대한 진정한 레코드 가이드는 모두 타임라인의 역사적 맥락에서 제시됩니다.
  • 그루터기, 폴. 음악의 모든 것: 프로그레시브 록의 역사. 런던: Quartet Books Limited(1997), 384페이지, ISBN 0-7043-8036-6(페이퍼백). 미국과 유럽 그룹에 대한 약간의 논의와 함께 영국 밴드에 초점을 맞춘 프로그레시브 록의 역사에 대한 현명한 이야기. 처음부터 1990년대 초반까지 데려다 줍니다.
  • 와인가든, 마크 Yes Is the Answer: (그리고 다른 프로 록 테일즈). Barnacle Book/Rare Bird Books(2013), 280페이지, ISBN 978-0-9854902-0-1 장르 방어.
  • 이판티스, 바실리오스. Prog Rock은 정말 진보적인가요? CreateSpace Independent Publishing Platform(2020), 119페이지, ISBN 978-1548614416 장르의 진화와 미래를 탐구합니다.