관현악 재즈

Orchestral jazz

관현악 재즈는 1920년대 뉴욕에서 발전한 재즈 장르다[citation needed]. 플레처 헨더슨과 듀크 엘링턴과 같은 이 장르의 초기 혁신자들은 모든 재즈 역사에서 가장 높이 평가되는 음악가, 작곡가, 편곡가들을 포함한다. 재즈의 리듬과 기악적 특성이 오케스트라의 규모와 구조와 융합되면서, 오케스트라 재즈가 등장하기 이전의 음악적 장르와 구별되게 되었다. 그것의 발전은 재즈의 대중화와 함께 재즈의 예술적 형식으로서의 비판적 정당화에 기여했다.

역사

관현악 재즈는 초기 뉴올리언스 재즈에서 발전했다. 1920년대 이전에 이 장르를 개척한 흑인 음악가들이 1920년대 초 뉴올리언스에서 시카고와 뉴욕으로 이주하면서 재즈를 북쪽으로 가져왔고, 때마침 할렘의 아프리카계 미국인 이웃이 이 장르의 문화 중심지가 되었다.

뉴욕에서는 엔터테인먼트와 예술 산업이 번창하고 재즈가 어울리는 집을 찾으면서 문화 경관의 중요한 부분이 되었다. 그러나 댄스 열풍과 맞물려 발전한 빅 밴드의 폭넓은 인기가 있기 전에, 재즈는 일반적으로 다소 조잡한 음악의 다양성으로 여겨졌다. 음악평론가 리처드 해들록은 다음과 같이 쓰고 있다.

"20대에는 대부분 재즈를 댄서들에게 에너지 넘치는 배경이라고 여겼다. 음악에서 보다 심오한 가치를 추구하는 소수의 사람들은 폴 화이트맨의 음악 작품을 받아들이는 경향이 있었다. 진지하게 받아들일 만한 유일한 [1]재즈로서

그러나 1920년대에 나타난 운동은 부분적으로 폴 화이트맨의 음악적 영향력에 힘입은 바 있다. 이 운동은 화이트맨이 먼저 교향 재즈로 상상한 관현악 재즈가 될 더 양식적이고 형식적인 다양한 재즈로 이어졌다.

재즈의 이러한 양식화는 뉴올리언스 재즈의 리듬과 기악 사운드가 결합된 클래식 유럽 작곡의 요소들을 가지고 있었다. 관현악 재즈는 여러 가지 이유로 남부 전임자와 음악적으로 구별되었는데, 악단이 더 커져서 일정한 음량이 풍부할 뿐만 아니라 음악도 구조적으로 더 정교했다. 뉴올리언스 재즈는 집단 즉흥 연주와 표준 곡조의 자발적 재해석이라는 특징이 있는 반면, 재즈 오케스트라는 자신이 처형된 공연에 앞서 작곡하고 편곡한 헤드 편곡을 연주했다. 초창기 재즈의 바쁘고 소란스러운 스타일은 관현악 재즈의 비교 억제와 같은 종류의 대중적 매력을 지니지 못했다. 특히 측정된 리듬의 구현이 그 대중적 매력의 상당 부분을 차지했다. 뉴올리언스 재즈를 연상시키는 2비트 그루브는 웰먼 브라드의 베이스 혁신으로 스윙시대로의 전환기에 교체되었다. 그가 베이스의 "걷는 스타일"을 사용한 것은 바의 4박자를 재즈 표준으로 만들었고, 나아가 이 리듬은 관객들이 원하는 춤에 도움이 되었다.

빅밴드 계측기의 상승은 상업적 생존능력과 마찬가지로 예술적 경향과 많은 관련이 있었다. 상당한 기술적 발전은 1920년대 음악 산업을 변화시켰고, 음악의 대량 소비를 증가시켰다. 축음기와 음반은 표준 생활 아이템이 되었다; 녹음된 음악의 대중화를 나타내는 것은 1927년에만 거의 1억 개의 음반이 팔렸다는 사실이다.[2] 미리 짜여진 음악은 특별히 상업적인 매력이 있었는데, 왜냐하면 관객들은 그들이 구매한 음반에서 라이브로 연주하는 노래를 본 적이 있기 때문이다. 게다가, 음악적 혁신과 재즈에 대한 노출은 확실히 혁신적이었다. 전에는 결코 같은 범위의 미국 관객들에게 도달하지 못했다. 음반뿐만 아니라 방송 라디오의 확산에 의해 도움을 받은 음악의 상업적 이용가능성을 고려할 때, 재즈의 대중화를 위한 플랫폼이 만들어졌다. 그러나 재즈의 대량 소비는 동시에 관객들에게 그것의 발전에 역효과를 주었고, 소비자의 요구는 관현악 재즈가 전통적으로 접근하기 쉬운 대중음악과 유사한 구조를 채택했다는 것을 지시한다.

폴 화이트맨, 플레처 헨더슨, 돈 레드맨

20대 초반의 "재즈의 왕"은 덴버 출신의 고전적으로 훈련된 음악가인 폴 화이트맨이었다. 휘트먼은 뉴욕 팔라이스 로얄에서 사교 밴드 리더로 활동하기 전에 덴버 심포니 오케스트라와 샌프란시스코 심포니 오케스트라에서 모두 바이올린을 연주했다. 그의 고전적인 훈련은 그가 "모던 뮤직"에 접근하는 방식에 상당한 영향을 미쳤다; 가장 유명한 것은 1924년 휘트먼의 애올리언 홀에서의 공연이 그가 개척하는 데 도움을 준 변신을 보여주었다. 조지 거슈윈의 유명한 작곡과 함께 이 주목할 만한 쇼를 마무리하는 것 (그리고 아마도 심포닉 재즈의 가장 좋은 예) 랩소디 인 블루, 화이트맨의 공연은 종종 재즈가 민속 음악에서 예술 형식으로 도래했음을 나타내는 행사로 인용된다.[3] 화이트맨이 보여준 쇼맨십과 혁신은 그에게 "재즈의 왕"이라는 모니커를 주었지만, 이 타이틀과 관련하여 많은 논란이 있었다. 백인으로서 화이트맨이 유래에 있어서 이론의 여지가 없는 아프리카계 미국인이라는 음악 장르에 대한 자본화는 많은 비평가들로 하여금 그의 예술적 추구의 진위를 의심하게 만들었고, 심지어 착취적이라고까지 간주하게 만들었다. 그러나 많은 Whiteman의 동시대인들은 흑백으로 그를 칭찬했고 그의 영향력을 나타내면서 그의 성공을 모방하고 싶어했다.

필쳐 헨더슨과 돈 레드먼이 협연하여 관현악 재즈 발전에 가장 중요한 공헌을 한 것은 거의 틀림없이 화이트맨의 동시대의 두 사람이었다. 비록 피아노 연주자인 헨더슨은 당시의 많은 다른 밴드 리더들의 명성을 얻지 못했지만, 그럼에도 불구하고 레드맨과의 협연은 관현악 재즈의 발전, 특히 화이트맨의 교향곡 편곡에서 빅 밴드의 궁극적인 우세로 이행하는 데 엄청난 영향을 미쳤다.

레드먼의 뉴올리언스 및 시카고 재즈곡 편곡은 비교적 체계적이지 않은 폴리포닉 재즈 곡에서 관현악 재즈의 훨씬 더 광범위한 소모적인 동음이의 작곡으로 전환을 나타내는 재즈의 음악적 잠재력을 재상상상했다. 통화-응답과 같은 다른 구조 기법들은 Redman's의 사전 데이트를 위한 Whiteman의 배열에서 명백했다. 그러나 Redman이 그의 재즈 작곡의 기본 구조로서 통화-응답의 사용을 그의 가장 중요한 업적 중 하나로 간주된다.[4] 그가 아르페게이티드 화음, 단면 포인트와 대위점, 키 시그니처와 리듬의 변화, 복잡한 하모니를 레이어링한 것은 레드만의 음악적 작곡에 대한 미묘한 이해력을 보여준다.[5] Redman은 또한 밴드 구조에 대한 독특한 감각을 가지고 있었는데, 그 유산은 여전히 다음과 같이 남아 있다.

"아르랑게르로서 레드만이 이룬 큰 업적은 갈대(색소폰과 클라리넷), 트럼펫, 트롬본, 리듬 섹션 등 4개의 인터랙티브 섹션으로 구성된 큰 유닛으로 밴드를 대했던 것이다. 1924-34년에 걸쳐 이 오케스트라는 평균 15명의 음악가로 성장했다: 전형적으로 트럼펫 3개, 트롬본 2~3개, 갈대 5개, 그리고 4개의 리듬(피아노, 베이스 또는 튜바, 밴조 또는 기타, 드럼)이다. 이 기본적인 빅밴드 계측기는 수많은 변화에도 불구하고 지금도 변함이 없다." 페이지 텍스트.[5]

계측기 편차는 성능 편차에도 허용되었다. 음악의 가용성의 증가와 맞물린 중요한 경향 중 하나는 20-30년대의 댄스 열풍이었다. 그 시대의 가장 성공적인 밴드는 관객들의 춤에 대한 욕구를 수용하는 밴드였다.[6] 예를 들어 헨더슨의 밴드는 20대 초반에 로즈랜드 볼룸에서 연주를 시작했다; 그의 레퍼토리는 "핫 재즈" 작품뿐만 아니라 로즈랜드 후원자들의 욕망에 대한 경의를 표하는 왈츠도 포함했다.[2] 헨더슨이 청중들을 배려한 것은 뉴욕시를 추월하고 있는 다양한 재즈 연주에서 오락의 중요성을 지적한다(그러나 헨더슨은 듀크 엘링턴과 같은 다른 연주자들과 같은 정도의 쇼맨십을 가지고 있다고는 생각되지 않았으며, 어떤 사람들은 그의 쇼맨십 부족을 그의 쇼맨십의 탓으로 돌린다).그가 겪은 상업적 투쟁의 주된 이유.[5] 밴드의 레퍼토리의 다양성은 대부분의 공연에 팝과 재즈 기준을 통합하는 것을 의미했고, 이 두 장르를 모두 공연한 사람들이 유기적으로 융합하는 것을 허용하기도 했다.

그러나 Whiteman이 방대한 양의 대중음악을 쓰고 공연한 반면, 1929년 주식시장 붕괴의 경제적 압박에 시달린 후 거의 독점적으로 그렇게 한 반면, Henderson's와 같은 다른 대형 밴드들은 스윙시대로 전환되었다.

이러한 전환을 통해 헨더슨과 레드먼은 음악적 혁신에 대한 접근법을 화이트맨의 접근법과는 상당히 구별되게 되었는데, 이는 재즈 전통에 확고히 뿌리를 두고 있는 접근법이었다. 구체적으로, 이 듀오는 재즈에 매우 필수적인 즉흥성과 기교를 독특한 음악 장르로 활용했다. 휘트먼의 자체 홍보담당자가 재즈 솔리스트의 날은 끝났다고 선언한 반면, 레드먼의 편곡은 편곡된 구절과 즉흥 연주 사이의 균형을 유지하며 당대 최고의 음악적 재능을 선보였다. 헨더슨의 밴드는, 다양한 시기에, 몇몇 최고의 재즈 솔로 가수들을 포함한, 다양한 명장들을 특징으로 했다. 여기에는 헨더슨이 영입한 인상적인 밴드 동료들 중 몇 명만을 꼽을 수 있는 루이 암스트롱, 콜먼 호킨스, 로이 엘드리지, 베니 카터, 레스터 영, 추 베리 등이 포함됐다. 1927년 헨더슨과 레드만이 만만치 않은 협업을 끝낸 후, 헨더슨은 결국 1931년에 작곡을 시작했다. 그는 오래된 재즈 레코드를 필사하여 완전한 오케스트라에 채점함으로써 작곡의 요소들에 익숙해졌다.[5]

듀크 엘링턴

재즈와 대중음악이 탠덤에서 진화하면서 장르는 분리된 영역에서 이동했고 스윙음악의 대중화와 더욱 밀접하게 연결됐다. 대형 밴드들은 30대 초반부터 시작된 스윙시대를 맞아, 크게 조율된 상업적 재즈의 절정을 상징했다. 이 다양한 재즈는 청취자들을 춤추게 하기 위한 것이기 때문에 그 어느 때보다도 상업적으로 소화가 잘 되었다.

그러나 이러한 재즈의 대중화는 희석이나 단점이 있는 현상이 아니었다. 실제로 20, 30대의 빅밴드는 화이트맨과 헨더슨 모두의 유산을 실현하는 데 필요한 출구를 제공했다. 이것은 아마도 가장 다작의 재즈 작곡가, 그리고 아마도 미국의 모든 음악사, 즉 듀크 엘링턴의 경력에 가장 잘 표현되었을 것이다. 엘링턴은 제임스 P가 완성한 피아노 연주도 접목시켰다. 20대 중반의 존슨, 스트레이드라고 불리는 스타일.

엄청난 음악적 감각으로 널리 알려진 엘링턴의 작곡 경력은 14세에 시작되었다. 그는 계속해서 엄청나게 다양한 음악을 작곡하고, 수천 개의 음반에 찍히고, 거의 50년 동안 공연할 것이다. 그의 별명인 "듀크"에 대한 존경심에서 알 수 있듯이, 엘링턴은 그의 부드러움과 재치로 높은 평가를 받는 유명한 무대 존재감을 가지고 있었다. 그러나 엘링턴은 쇼맨 이상이었고, 엄청난 음악가로서의 명성은 과분하지 않았다. 그의 특히 기발한 작곡의 한 예는 그의 히트곡인 블랙 앤 탄 판타지에 대한 다음과 같은 설명이다.

그는 "엘링턴의 작품은 작고 간과된 동굴 탐험가들이 인종적으로 분열된 사회를 용서했다는 생각에 대한 반응으로 해석됐다"고 말했다. 'Black and Tan Fantasy'는 마일리 특유의 12바 블루스와 엘링턴의 16바 멜로디를 대조한다. 방정식의 검은 부분인 마일리의 테마는 어머니에게서 배운 영적(生的)을 바탕으로 했다. 엘링턴은 1920년대에 남아있던 래그타임 전통에 끌리는 황갈색 부분이야 이 두 변종이 쇼팽의 유명한 '장난의 행진'[4] 테마의 기후적 환기 속에서 합쳐지면서 이 작품은 한 시대의 환상을 불러일으킨다."페이지 텍스트

엘링턴의 작곡의 미묘함은 듣기에 좋고 즐길 수 있을 뿐만 아니라 사려 깊고 복잡했던 음악적 예술을 단번에 만들어낸다. 엘링턴이 재즈에 기여한 공로는 헤아릴 수 없을 정도로 많지만, 20년대 중반에 얻은 명성으로도 알 수 있듯이, 이 장르는 관현악 재즈를 정점으로 끌어올린 그에게 가장 큰 빚을 지고 있다. 헨더슨과 레드먼이 대형 오케스트라와 함께 아주 매끄럽게 시도했음에도 불구하고, 엘링턴만큼 재즈 요소를 활용할 수 있는 아티스트는 없었다. 엘링턴의 많은 작곡은 그의 밴드의 특정 멤버들을 위해 쓰여졌고, 그들의 개인적인 재능을 부각시키고 그들의 입력에 의존하여 그의 음악을 함양했다. 궁극적으로 엘링턴의 경력은 재즈 시대와 스윙 시대라고 불리는 재즈의 황금시대의 정점으로 흔히 인용된다. 이러한 시대를 통합하는 것은 상당 부분 듀크 엘링턴의 엄청난 경력에 의해 이루어진 관현악 재즈의 지속성과 발전이다.

음악적 스타일과 악기

뉴올리언스와 시카고 스타일의 재즈에서 관현악 재즈로의 가장 두드러진 변화는 다성음악에서 동음이의어로의 전환, 계측의 일반적인 확대, 집합적인 즉흥보다는 미리 짜여진 작곡에 대한 더 큰 강조를 포함했다. 1930년 이전에는 큰 밴드가 트럼펫, 트롬본, 색소폰 또는 클라리넷으로 구성되었고, 리듬 섹션은 튜바, 밴조, 피아노, 드럼으로 구성되었다. 초기 빅 밴드들은 전통적인 재즈 2비트 그루브를 중심으로 구성된 32bar 인기곡이나 12bar 블루스를 주로 연주했지만, 빅 밴드 장르가 진화하면서 4bit의 스윙 리듬이 가장 큰 변화가 되었다. 이것은 부분적으로는 리듬 섹션의 계측의 변화, 현악 베이스의 통합, 밴조를 위한 기타의 대체 등의 기능이었다. 마지막으로, 앙상블의 연주를 조직한 음악 편곡은 머리 편곡을 이용한 "리프 어프로치"에 바탕을 두고 있었다. 머리 배열은 아프리카계 미국 음악의 전형적인 콜 앤드 리액션을 사용한다. 각 관현악 섹션은 다른 섹션의 구절에 반응하면서 특정 리프를 조화시킨다.[4] 그러므로 관현악 재즈곡들은 이러한 긴장감을 통해 논리적으로 진행되었고, 계층화된 연주라는 조화로운 의사소통에 의해 구축되고 해제되었다.

뮤지션

관현악 재즈의 발전과 혁신, 대중화에 20, 30대의 유명한 재즈 뮤지션들이 중요한 역할을 했다. 여기에는 폴 화이트먼(복합체, 바이올린), 루이 암스트롱(트럼펫, 코넷, 보컬), 빅스 비더벡(코넷, 피아노), 레드 니콜스(복합체, 코넷), 듀크 엘링턴(복합체, 피아노), 제임스 P 등이 포함됐다. Johnson (composer, piano), Fletcher Henderson (composer, piano), Don Redman (composer, arranger), Eubie Blake (composer, lyricist, piano), Cootie Williams (trumpet), Wellman Braud (bass), Benny Goodman (bandleader, clarinet), Andy Kirk (bandleader, saxophone, tuba), and Mary Lou Williams (composer, piano), to name some of the most important.

20세기 중반 이후 새로운 기술이 등장하자, 몇몇 기악가들이 전국 라디오 및 텔레비전 네트워크에서 교향악 앙상블과 재즈 오케스트라와의 라이브 공연을 통해 이러한 노력을 계속하였다. 이 그룹에는 존 세리 시니어(복합체, 아코디언, 피아노)[7][8]가 포함되었다.

참조

  1. ^ Hadlock, Richard (1980). The World of Count Basie. New York: C. Scribner and Sons.
  2. ^ Jump up to: a b 데파, 칩 재즈 시대의 목소리: 빈티지 재즈맨 8인의 프로필. Urbana: 일리노이 대학 출판부, 1990.
  3. ^ 하울랜드, 존 루이스. 엘링턴 업타운: 듀크 엘링턴, 제임스 P. 존슨, & 콘서트의 탄생 재즈 앤 아버: 2009년 미시간 대학 출판부.
  4. ^ Jump up to: a b c 기딘스, 게리, 그리고 스콧 노블스 드보 재즈. 재즈. 뉴욕: W.W. Norton, 2009.
  5. ^ Jump up to: a b c d 해들록, 리처드 재즈계의 거장들. 뉴욕: 맥밀런, 1965년.
  6. ^ 춤춰, 스탠리. 베이시 백작의 세계. 뉴욕: C. 스크리브너의 아들들, 1980년.
  7. ^ Settel, Irving (1967) [1960]. A Pictorial History of Radio. New York: Grosset & Dunlap. p. 146. LCCN 67-23789. OCLC 1475068. (사진 참조)
  8. ^ Who Who Who Who Who In Music International 1958 출판사: Who Who Is Who In Music International, Chicago, Il. 음악 인터내셔널에서 누가 누구인가? 전기 파일 #B11719. 현재 출판사로 영국 케임브리지의 국제 전기 센터를 참조하십시오.