페퍼 병장의 론리 하츠 클럽 밴드

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
페퍼 병장의 론리 하츠 클럽 밴드
The Beatles, holding marching band instruments and wearing colourful uniforms, stand near a grave covered with flowers that spell "Beatles". Standing behind the band are several dozen famous people.
스튜디오 앨범 by
방출된1967년 5월 26일 (1967-05-26)
녹음된1966년 12월 6일 ~ 1967년 4월 21일
스튜디오EMI와 리젠트 사운드, 런던
장르.
길이39:36
라벨.
프로듀서조지 마틴
비틀즈 연표
비틀스 올드디 모음집
(1966)
페퍼 병장의 론리 하츠 클럽 밴드
(1967)
비틀즈
(1968)
비틀즈 북미 연표
리볼버
(1966)
페퍼 병장의 론리 하츠 클럽 밴드
(1967)
마법의 신비 여행
(1967)

페퍼 병장의 Lonely Hearts Club Band는 영국의 밴드 비틀즈의 여덟 번째 스튜디오 앨범입니다. 1967년 5월 26일 개봉,[nb 1] 병장. 페퍼는 음악학자들에 의해 대중음악에서 사운드 작곡, 확장된 형태, 사이키델릭 이미지, 레코드 슬리브 및 프로듀서의 역할을 발전시킨 초기 개념의 앨범으로 간주됩니다. 이 앨범은 즉각적인 세대를 초월한 영향을 미쳤고 패션, 마약, 신비주의, 낙관주의와 권한 부여와 같은 그 시대의 젊은이 문화의 수많은 시금석과 관련이 있었습니다. 비평가들은 이 음반이 작곡, 제작 및 그래픽 디자인의 혁신, 대중 음악과 하이 아트 사이의 문화적 격차를 해소하고 현대 젊은이들반문화의 관심을 반영한 것에 대해 찬사를 보냈습니다.

1966년 8월 말, 비틀즈는 투어에서 영구적으로 은퇴하고 그 후 3개월 동안 개인의 이익을 추구했습니다. 11월에 런던으로 돌아오는 비행기에서 폴 매카트니병장의 추동을 형성한 에드워드 군악대와 관련된 노래에 대한 아이디어를 얻었습니다. 후추 콘셉트. 이 프로젝트를 위해 그들은 이번에 그들의 이전 앨범인 리볼버로 표시된 기술 실험을 절대적인 완성 기한 없이 계속했습니다. 세션은 11월 24일 EMI 스튜디오에서 비틀즈의 젊은 시절에서 영감을 얻은 작곡으로 시작되었지만 EMI의 압력 이후 1967년 2월 더블 A 사이드 싱글로 발매된 곡 "Strawberry Fields Forever"와 "Penny Lane"이 LP에서 제외되었습니다. 그 후 이 음반은 허구적인 병장의 공연으로 느슨하게 개념화되었습니다. 타이틀곡 녹음 후 착안한 아이디어인 페퍼 밴드.

영국 사이키델리아의 핵심 작품, 병장. 페퍼는 최초의 아트 록 LP 중 하나이며 프로그레시브 록의 시조로 여겨집니다. 보드빌, 서커스, 뮤직홀, 아방가르드, 서양 및 인도 클래식 음악을 포함한 다양한 스타일적 영향을 통합합니다. 프로듀서 조지 마틴(Geoff Emerick)과 엔지니어 제프 에머릭(Geoff Emerick)의 도움으로 많은 녹음이 음향 효과와 테이프 조작으로 채색되었습니다. "Lucy in the Sky with Diamonds", "Being for the Benefit of Mr. Kite!", "A Day in the Life"에서 예시되었습니다. 4월 21일에 녹음이 완료되었습니다. 비틀즈가 유명인사들과 역사적인 인물들의 테이블 앞에서 포즈를 취하고 있는 모습을 묘사한 이 커버는 팝 아티스트피터 블레이크와 잰 하워스가 디자인했습니다.

페퍼 병장의 발표는 팝 문화에 있어서 결정적인 순간이었고, 앨범 시대1967년 사랑의 여름을 예고하는 한편, 그것의 접수는 대중 음악에 대한 완전한 문화적 정당성과 진정한 예술 형태로서의 매체에 대한 인정을 성취했습니다. 영국과 미국에서 같은 트랙 리스트로 발매된 첫 번째 비틀즈 앨범은 영국 레코드 리테일러 차트에서 27주, 미국 빌보드LPs 차트에서 15주 동안 1위를 했습니다. 1968년 그래미 어워드에서 이 상을 받은 최초의 록 LP올해의 앨범을 포함하여 4개의 그래미 어워드를 수상했습니다. 2003년에는 "문화적, 역사적 또는 미학적으로 중요한" 것으로 의회 도서관에 의해 국립 음반 등록부에 등재되었습니다. 롤링 스톤 잡지가 발행한 최고의 앨범과 영국의 "Music of the Millennium" 여론 조사를 포함하여, 그것은 여러 비평가들과 청취자들의 투표에서 최고의 앨범으로 1위를 차지했습니다. 2011년 현재 전 세계적으로 3,200만 부 이상이 판매되었습니다. 이 앨범은 역사상 가장 많이 팔린 앨범 중 하나로 남아 있으며 2018년에도 여전히 영국에서 가장 많이 팔린 스튜디오 앨범이었습니다. 앨범의 리믹스 확장판은 2017년에 발매되었습니다.

배경

우리는 비틀즈가 되는 것에 질렸습니다. 우리는 그 망할 네 의 걸레걸레걸레걸레걸레걸레걸레걸레걸레걸레걸레걸 우리는 소년이 아니었고, 우리는 남자였습니다... 그리고 우리 자신을 단지 공연자가 아닌 예술가로 생각했습니다.[2]

Paul McCartney

1965년 말, 비틀즈는 라이브 공연에 싫증이 났습니다.[3] 존 레논의 의견에 따르면, 그들은 "4개의 밀랍인형을 보낼 수 있습니다. 그리고 그것은 군중을 만족시킬 것입니다. 비틀즈 콘서트는 더 이상 음악과 아무 상관이 없습니다. 그것들은 단지 피비린내 나는 부족의 의식일 뿐입니다."[4] 1966년 6월, 리볼버 앨범을 마친 지 이틀 후, 이 그룹은 서독에서 시작된 투어를 위해 출발했습니다.[5] 함부르크에 있는 동안 그들은 익명의 전보를 받았습니다: "도쿄에 가지 마세요. 목숨이 위태롭습니다."[6] 이 위협은 특히 비틀즈의 신성한 일본 부도칸 공연장에서의 계획된 공연에 반대하는 등 일본의 종교 및 보수 단체들 사이에서 투어를 둘러싼 논란에 비추어 심각하게 받아들여졌습니다.[6] 추가 예방 조치로 35,000명의 경찰이 동원되어 장갑차를 타고 호텔에서 콘서트장으로 이송된 이들을 보호하는 임무를 맡았습니다.[7] 그리고 나서 비틀즈는 필리핀에서 공연을 했는데, 그곳에서 그들은 영부인 이멜다 마르코스를 방문하지 않았다는 이유로 시민들에 의해 위협을 받고 사람들의 손을 받았습니다. 그 그룹은 그들의 매니저인 Brian Epstein에게 지치고 사기를 떨어뜨리는 일정을 고집한 것에 대해 화가 났습니다.[8]

1966년 8월 마지막 투어를 하던 중 디스크자키 짐 스태그와 함께한 이 그룹은

비틀즈가 "예수보다 인기가 많다"는 레논의 발언이 미국에서 출판되면서 밴드는 미국의 성경 벨트에서 논란과 시위에 휩싸였습니다.[9] 공개 사과로 긴장이 완화되었지만 1965년 그룹의 기록적인 참석자 수에 비해 티켓 판매가 감소한 8월 미국 투어와 수준 이하의 공연이 마지막임이 입증되었습니다.[10] 저자 니콜라스 샤프너는 다음과 같이 말합니다.

비틀즈에게 이러한 콘서트를 연주하는 것은 그들이 추구하는 새로운 방향과 너무 멀리 떨어져 있는 특성이 되어 있었기 때문에 방금 출시된 리볼버 LP에서 단 한 곡의 곡도 시도되지 않았으며, 그들의 편곡은 두 개의 기타 베이스와 드럼 무대 라인업에 의해 부과된 한계로 대부분 재현할 수 없었습니다.[11]

비틀즈가 영국으로 돌아오면서, 그들이 헤어지기로 결정했다는 소문이 돌기 시작했습니다.[12] 조지 해리슨은 엡스타인에게 그가 밴드를 떠난다고 알렸지만, 그는 더 이상의 투어가 없을 것이라는 확신에 머물도록 설득되었습니다.[9] 그 그룹은 3개월 동안 휴식을 취했고, 그 기간 동안 개인의 관심사에 집중했습니다.[13] 해리슨은 라비 샹카르[14] 지도 아래 6주 동안 인도를 여행하며 힌두 철학에 대한 관심을 키웠습니다.[15] 그들의 라이브 공연이 헛된 것이 되었다는 것을 인정한 비틀즈의 마지막 사람이었던 [16]매카트니는 비틀즈의 프로듀서 조지 마틴과 영화 패밀리 웨이[17] 사운드트랙을 작업했고 비틀즈의 투어 매니저 중 한 명인 말 에반스함께 케냐에서 휴가를 보냈습니다.[18] 레논은 영화 '전쟁에서 이긴 방법'에 출연했고 인디카 갤러리에서 열린 전시회 등에 참석해 미래의 아내 요코 오노를 만났습니다.[19] 링고 스타는 아내 모린과 아들 과 함께 시간을 보내기 위해 휴식기를 사용했습니다.[20]

영감과 구상

밴드 동료들 없이 런던에 있는 동안 매카트니는 처음으로 환각제 LSD(또는 "산")를 복용했는데, 그는 레논과 해리슨의 주장에 저항했고 스타는 그것의 인식을 높이는 효과를 경험했습니다.[21][22] 저자 조나단 굴드(Jonathan Gould)에 따르면, LSD로의 시작은 매카트니에게 그룹의 다음 프로젝트인 병장을 정의하는 "확장적인 새로운 가능성"을 제공했다고 합니다. 페퍼의 론리 하트 클럽 밴드. 굴드는 매카트니가 동료의 압력에 굴복함으로써 레논이 그의 작곡 파트너에게 사이키델릭 가이드 역할을 할 수 있게 되었고, 그렇게 함으로써 비틀즈의 경력 초기부터 명백했던 것보다 둘 사이의 더 긴밀한 협력을 촉진했다고 덧붙였습니다.[23] 레논은 1966년 9월 스페인 남부에서 영화 '내가 어떻게 전쟁에서 이겼는가'를 촬영하는 동안 깊은 내성적인 모습을 보였습니다. 그와 비틀즈의 미래에 대한 그의 불안은 새 앨범의 "Strawberry Fields Forever"[25]에 반영되었습니다.[24] 런던으로 돌아오면서 레논은 매카트니가 속해 있던 도시의 예술 문화를 받아들이고 [26]칼하인츠 스톡하우젠, 존 케이지, 루치아노 베리오와 같은 아방가르드와 전자 음악 작곡가들에게 그의 밴드 동료의 관심을 공유했습니다.[27][28]

11월, 그와 에반스가 케냐에서 돌아오는 동안, 매카트니는 결국 병장의 추진력을 형성하는 노래에 대한 아이디어를 얻었습니다. 후추 콘셉트.[14] 그의 아이디어는 에드워드 시대의 군악대와 관련이 있었는데, 에반스는 빅 브라더와 지주회사 그리고 퀵실버 메신저 서비스와 같은 현대 샌프란시스코 기반 그룹의 스타일로 이름을 발명했습니다.[29][nb 2] 1967년 2월, 매카트니는 새 앨범이 가상의 밴드의 공연을 나타내야 한다고 제안했습니다.[31] 이 분신 그룹은 비틀즈의 이미지에서 벗어나 음악적으로 실험할 수 있는 자유를 줄 것입니다.[32] 마틴은 세션 초반에는 이 개념이 논의되지 않았지만,[33] 이후 앨범에 "자신만의 삶"을 주었다고 회상했습니다.[34][nb 3]

병장의 일부. 페퍼블루스, 모타운, 그리고 다른 미국의 인기 있는 음악적 전통에 대한 비틀즈의 일반적인 몰입을 반영합니다.[37] 작가 이안 맥도널드는 1966년 말 경쟁자들의 최근 작업을 검토할 때 비틀즈가 가장 중요한 LP를 비틀즈의 러버 소울에 대응하여 밴드의 리더인 브라이언 윌슨이 만든 비치 보이즈의 펫 사운드로 식별했다고 썼습니다.[38] 매카트니는 "하모닉 구조"와 펫 사운드에 사용된 악기의 선택에 깊은 인상을 받았고, 이러한 요소들이 비틀즈가 비치 보이스가 가졌던 것보다 "더 멀리 나갈 수 있다"고 생각하도록 격려했다고 말했습니다.[39] 그는 펫사운즈병장의 주요 음악적 영감으로 지목했습니다. 페퍼는 자신이 추구하는 전위적인 품질이 부족하다고 느꼈지만 "(우리는) 몇 가지 아이디어를 발견했다"[40]고 덧붙였습니다.[41] '발명의 어머니들'의 'Freak Out!'병장에게 영향을 준 것으로 지목되고 있습니다. 후추.[42] 전기 작가 필립 노먼(Philip Norman)에 따르면, 매카트니는 녹음 시간 동안 "이것은 우리의 괴짜입니다!"[43]라고 반복적으로 말했습니다. 음악 저널리스트 쳇 플리포(Chet Flippo)는 매카트니가 프리크 아웃(Freak Out)을 들은 후 콘셉트 앨범을 녹음하는 데 영감을 받았다고 말했습니다.[42]

인도 음악은 병장의 또 다른 시금석이었습니다. 주로 레논과 해리슨을 위한 페퍼.[44] 1967년 인터뷰에서 해리슨은 비틀즈의 지속적인 성공이 그들이 음악적으로 계속 발전하도록 격려했으며, 그들의 지위를 감안할 때, "우리는 표준 팝 아이디어에 순응하지 않고 우리를 기쁘게 하는 일들을 할 수 있습니다. 우리는 대중음악 뿐만 아니라 모든 음악에 참여하고 있습니다."[45] 매카트니는 비틀즈의 알레고가 "B.B.B.를 조금 할 수 있을 것"이라고 상상했습니다., 약간의 스톡하우젠, 약간의 알버트 에일러, 약간의 라비 샹카르, 약간의 펫 사운드, 약간의 문."[46] 그는 비틀즈가 "베리오가 하는 일을 꼭 좋아하지는 않았지만" 당시의 다른 작곡가들과 비슷한 "푸싱 프론티어"로 간주했습니다.[47]

녹음 및 제작

기록이력

A colour image of a large room with a piano in the middle
애비 로드 스튜디오 2, 병장의 거의 모든 선로가 있는 곳입니다. 후추[48] 기록되었습니다.

세션은 1966년 11월 24일 EMI 스튜디오(이후 애비 로드 스튜디오)의 스튜디오 투(Studio Two)에서 시작되었으며, 이는 비틀즈가 9월 이후 처음으로 함께 모인 것으로 기록되었습니다.[49] 거의 무한대에 가까운 녹음 예산의 호화로움을 제공했고, 절대적인 완료 기한이 [50]없는 밴드는 오후 7시에 시작하는 개방형 세션을 예약하고 원하는 만큼 늦게 작업할 수 있도록 했습니다.[38] 그들은 "Strawberry Fields Forever"로 시작했고, 12월 6일에 열린 첫 번째 세션인 "When I'm Sixt-Four"와 "[51]Penny Lane"으로 주제적으로 연결된 두 곡의 다른 노래들로 이어졌습니다.[52]

〈Strawberry Fields Forever〉와 〈Penny Lane〉은 1967년 2월 EMI와 엡스타인이 마틴에게 싱글을 압박한 후 더블 A 사이드로 발매되었습니다.[53] 영국에서 1위에 오르지 못하자 영국 언론사들은 "비틀즈 정상 등극 실패", "4년 만에 처음", "버블이 터졌는가"[54] 등의 헤드라인을 장식하며 그룹의 흥행 질주가 끝났을 것이라고 추측했습니다. 이전에 발행된 싱글에 대한 밴드의 접근 방식에 따라 이 곡들은 병장에서 제외되었습니다. 후추.[55] 마틴은 나중에 이 두 곡을 탈락시키기로 한 결정을 "내 직업 인생에서 가장 큰 실수"라고 묘사했습니다.[56] 자신과 밴드가 유례없이 55시간의 스튜디오 녹음 시간을 보낸 'Strawberry Fields Forever'는 그의 판단에 따라 "앨범 전체의 의제를 정했습니다.[57] 그는 "기록적인 기록이 될 것"이라고 설명했습니다. 라이브로 공연할 수 없었던 곡들은 스튜디오 프로덕션이 되도록 설계되었으며 그 차이가 있었습니다."[58] 매카트니는 "이제 우리의 공연은 그 기록입니다"라고 선언했습니다.[58]

음악 신문들이 우리를 따돌리기 시작했어요 [병장님] 때문이죠 페퍼] 녹음하는 데 5개월이 걸렸고, 저는 비틀즈가 어떻게 말라갔는지를 신문에서 본 기억이 납니다. 그리고 저는 앉아서 손을 비비며 "기다려"라고 말했습니다.[59]

Paul McCartney

음악학자 월터 에버렛에 따르면 병장. 페퍼는 비틀즈의 지배적인 창조력으로 매카트니의 위세의 시작을 알립니다. 그는 자신의 작곡 녹음에 대한 통제력을 높이면서 앨범의 절반 이상의 자료를 썼습니다.[25][nb 4] 올바른 사운드를 얻기 위한 노력으로 비틀즈는 매카트니의 노래 "Getting Better"의 수많은 리메이크를 시도했습니다. 기본 트랙을 다시 녹음하기로 결정했을 때 스타는 스튜디오로 소환되었지만 곧이어 리듬에서 보컬 추적으로 초점이 전환되면서 취소되었습니다.[61] 앨범에 수록된 베이스 기타의 많은 부분이 앞에서 섞였습니다.[62] 마지막으로 베이스 부분을 오버더빙하는 것을 선호하는 매카트니는 노래의 백 트랙을 녹음할 때 다른 악기를 연주하는 경향이 있었습니다. 이 접근법은 그에게 멜로디적으로 모험적인 베이스 라인을 고안할 시간을 주었습니다 - 그는 특히 애완동물 사운드에 대한 윌슨의 작업에서 존경했던 특징 중 하나 - 그리고 노래의 마지막 편곡을 보완했습니다.[63][nb 5] 매카트니는 일부 곡에서 전기 기타 외에 피아노, 그랜드 피아노, 로레이 오르간 등의 건반 악기를 연주했고, 마틴은 호너 피아노, 하프시코드, 하모니움 등에 다양하게 기여했습니다.[66] 레논의 노래들도 비슷하게 건반 악기를 선호하는 경향을 보였습니다.[25][nb 6]

A colour image of the façade of a brick building that is painted white
2005년 애비 로드 스튜디오(구 EMI 스튜디오)

세션 동안 리드 기타리스트로서의 해리슨의 역할은 제한적이었지만 에버렛은 "앨범에 대한 그의 기여는 여러 면에서 강력하다"고 생각합니다.[70] 그는 인도 악기를 시타르, 탐부라, 스웜맨달의 형태로 제공했고,[71][72] 마틴은 그가 새로운 소리를 위해 노력한 비틀즈 중 가장 헌신적이었다고 인정했습니다.[73][nb 7] 스타는 톰톰에 느슨한 송아지 가죽 머리를 채택함으로써 드럼 키트가 이전에 플라스틱 머리로 달성한 것보다 더 깊은 음색을 갖게 되었습니다.[70] 리볼버[75]마찬가지로 비틀즈는 특히 클래식에서 영감을 받은 편곡을 위해 세션 음악가를 점점 더 많이 사용했습니다.[39] 노먼은 매카트니의 몇몇 곡에서 레논의 두드러진 보컬이 "그들의 분위기를 크게 향상시켰다"고 언급하며, 특히 "Lovely Rita"를 언급했습니다.[76]

1967년 4월 20일, 음반의 마지막 오버더빙을 마친 지 한 시간 만에, 그룹은 해리슨의 "Only a Northern Song"으로 돌아갔고, 그들은 2월에 녹음한 기본 트랙을 녹음했습니다.[77] 비틀즈는 애니메이션 영화 옐로우 서브마운틴에 포함시키기 위해 유나이티드 아티스트에 공급하기로 계약한 4개의 신곡 중 첫 번째 곡으로 제출하기 전에 임의의 사운드와 악기를 오버더빙했습니다.[78] 작가 마크 루이스슨의 설명에서, 그것은 "궁금한" 세션이었지만 비틀즈의 "녹음에 대한 엄청난 욕구"를 보여주는 세션이었습니다.[77] 병장 시절. 페퍼 세션스는 또한 1월 28일과 2월 4일 라운드하우스 극장에서 열린 밀리언 볼트 라이트 앤 사운드 레이브를 위해 맥카트니가 주도하는 실험적인 곡인 "Carnival of Light"를 녹음했습니다.[79] 이 음반은 4월 21일 런아웃 그루브에 포함된 무작위 소음과 목소리를 녹음한 후 개가 들을 수 있지만 대부분의 사람의 귀에는 들리지 않는 고음을 녹음하여 완성되었습니다.[80]

스튜디오 분위기와 사건들

비틀즈는 축하하는 분위기를 녹음 세션에 주입하려고 했습니다.[81] EMI 내부의 밋밋한 모습에 싫증이 난 그들은 5개의 빨간 형광관이 마이크 스탠드에 고정된 장치,[82] 용암 램프, 빨간 암실 램프, 그리고 그들이 곧 포기한 스트로보스코프를 포함한 사이키델릭 조명을 스튜디오 공간에 도입했습니다.[83] 해리슨은 나중에 이 스튜디오가 병장을 위한 밴드의 클럽하우스가 되었다고 말했습니다. 페퍼;[84] 데이비드 크로스비, 믹 재거, 도노반은 그들을 방문한 음악가 친구들 중 한 명이었습니다.[70][nb 8] 밴드 멤버들은 또한 사이키델릭 패션으로 변장하여 [83]한 세션 트럼펫 연주자가 그들이 새로운 영화를 위한 의상을 입었는지 궁금해하게 만들었습니다.[87] 마약 복용은 세션 중에 널리 퍼졌고,[83] 마틴은 나중에 이 그룹이 "무엇인가를 갖기 위해" 훔칠 것이라고 회상했습니다.[88][nb 9]

"A Day in the Life"의 오케스트라 오버더빙을 위한 2월 10일 세션은 런던 아방가르드 장면의 전형적인 해프닝으로 무대에 올랐습니다.[93][94] 비틀즈는 수많은 친구들을[95] 초대했고 세션 연주자들은 화려한 드레스 소품으로 보강된 공식적인 디너웨어를 입었습니다.[96][97] NEMS 직원 토니 브람웰(Tony Bramwell)이 감독하는 진행은 7대의 휴대용 카메라로 촬영되었으며 [98]밴드는 일부 촬영을 수행했습니다.[99] 이 행사 이후, 이 그룹은 이 앨범을 기반으로 텔레비전 스페셜을 만드는 것을 고려했습니다.[95] 각각의 곡들은 다른 감독이 연출한 클립으로 표현될 예정이었지만,[100] 병장의 녹음 비용이 들어갔습니다. 페퍼(Pepper)는 EMI에 이 아이디어를 금지했습니다.[101][nb 10] 3월 15일 "Within You Without You" 세션에서 스튜디오 투(Studio Two)는 벽에 인도 카펫을 깔고 조명을 어둡게 하고 향을 피워 인도인의 기분을 돋보이게 했습니다.[103] 레논은 그 세션을 손님들 중 "400명의 인디언 친구들"과 함께하는 "멋진 스윙 이브닝"이라고 묘사했습니다.[104]

비틀즈는 완성된 앨범의 아세테이트 디스크첼시킹스 로드에서 떨어진 미국 가수 카스 엘리엇의 아파트로 가져갔습니다.[105] 그곳에서 아침 6시에 열린 창틀에 스피커를 설치하여 풀 볼륨으로 재생했습니다. 이 그룹의 친구이자 전 언론사 직원인 데릭 테일러는 이웃 주민들이 창문을 열고 비틀즈의 미공개 음악이라고 이해되는 것을 불평하지 않고 들었다고 기억했습니다.[106]

기술적 측면

A colour image of a grey recording machine
EMI의 Studer J37 4트랙 테이프 레코더 중 하나로, Sgt를 녹음하는 데 사용되는 기계입니다. 후추

주변 음악에 관한 그의 책인 앰비언트 센추리: 말러에서 모비까지, 마크 프렌더가스트(Mark Prendergast)는 병장을 봅니다. 비틀즈의 스톡하우젠과 케이지에 대한 "오마주"로서의 페퍼는 "풍부하고 테이프로 조작된 소리"가 전자적이고 실험적인 작곡가 피에르 셰퍼의 영향을 보여준다고 덧붙였습니다.[107] 마틴은 병장님을 떠올렸습니다. 페퍼는 "리볼버에서 자연적으로 성장"하여 "거의 지속적인 기술 실험의 시대"를 의미합니다.[108] 이 음반은 런던의 상업 스튜디오에서 1967년 말까지 8트랙 테이프 녹음기가 작동하지 않았기 때문에 4트랙 장비를 사용하여 녹음되었습니다.[109] 비틀즈의 이전 앨범들과 마찬가지로, 병장. 페퍼 레코딩은 한 레코더의 1~4개 트랙을 혼합하여 마스터 4트랙 기계에 더빙하는 기술인 리듀스 믹싱을 광범위하게 사용하여 엔지니어가 그룹에 가상 멀티트랙 스튜디오를 제공할 수 있도록 했습니다.[110] EMI의 Studer J37 4트랙 기계는 높은 품질의 녹음으로 인해 공정과 관련된 소음 증가를 최소화했기 때문에 혼합을 줄이기에 매우 적합했습니다.[111] "A Day in the Life"의 오케스트라를 녹음할 때 마틴은 비틀즈의 백트랙을 연주하는 4트랙 녹음기를 오케스트라의 오버더빙을 녹음하는 다른 녹음기와 동기화했습니다. 엔지니어 Ken Townsend는 두 기계 사이의 50 Hz 제어 신호를 사용하여 이를 달성하는 방법을 고안했습니다.[112]

녹음의 각 단계를 들어보면, 일단 첫 번째 트랙을 마치면, 그들이 여전히 무엇을 찾고 있는지 확인하기 어려운 경우가 많습니다. 너무 완벽하게 들립니다. 종종 복잡하고 층층이 잘 쌓인 마지막 버전이 초기의 단순한 멜로디를 익사시킨 것처럼 보입니다. 하지만 그들은 그것이 옳지 않다는 것을 알고 있습니다, 비록 그들이 그것을 말로 표현하지는 못합니다. 각각 10시간씩 같은 노래를 갉아먹는 그들의 헌신은 인상적입니다.[113]

Hunter Davies, 1968

"Strawberry Fields Forever"의 제작은 특히 복잡했는데, 서로 다른 템포피치로 기록된 두 가지 테이크의 혁신적인 스플라이싱이 포함되었습니다.[114][115] 에머릭은 리볼버 녹음 중에 "우리는 불가능한 것을 하라는 요청을 받는 데 익숙해져 있었고, 비틀즈의 어휘에는 '아니오'라는 단어가 존재하지 않는다는 것을 알고 있었습니다."라고 기억합니다.[116] 병장의 주요 특징. 페퍼(Pepper)는 마틴(Martin)과 에머릭(Emerick)이 자유롭게 신호 처리를 사용하여 녹음의 소리를 형상화한 것으로, 다이내믹 레인지 압축, 리버브(reverb) 및 신호 제한 적용을 포함합니다.[117] 레슬리 스피커를 통해 음성과 악기를 실행하는 등 비교적 새로운 모듈 효과 장치가 사용되었습니다.[118] 직접 주입, 음정 조절양음향을 포함한 여러 혁신적인 생산 기술이 녹음에 눈에 띄게 등장합니다.[37] "병장님"의 베이스 파트. Pepper's Lonely Hearts Club Band"는 직접 주입(DI)을 통한 비틀즈 녹음의 첫 번째 예로, 타운센드는 전기 기타를 녹음기에 직접 꽂는 방법으로 고안했습니다.[119] 케네스 워맥이 생각하기에, 이 앨범의 타이틀곡에 DI를 사용한 것은 "매카트니의 베이스가 더 풍부한 질감과 음조의 명료함을 제공했다."[119]

혼합 중 일부는 테이프 레코더를 사용하여 동시에 두 배의 소리를 내는 시스템인 ADT(Automatic Double Tracking)를 사용했습니다. ADT는 1966년 리볼버 세션에서 타운센드에 의해 발명되었으며 특히 비틀즈는 더블 리드 보컬을 녹음해야 하는 것에 대한 기술적인 대안에 대한 열망을 정기적으로 표현했습니다.[120] 또 다른 중요한 효과는 비틀스가 리볼버에 광범위하게 사용한 기술인 바리스피딩이었습니다.[118] Martin은 "Lucy in the Sky with Diamonds"를 병장의 테이프 속도에 가장 많은 변화를 준 것으로 꼽습니다. 후추. 레논의 보컬을 녹음하는 동안 테이프 속도는 초당 50 사이클에서 45 사이클로 줄었고, 이는 정상 속도로 재생될 때 더 높고 더 얇은 트랙을 만들어냈습니다.[121] 앨범의 타이틀곡은 댐핑클로즈마이크를 사용하여 스타의 드럼 키트 녹음을 강화했습니다. MacDonald는 새로운 녹음 기법의 공을 비틀스의 다른 혁신과 함께 미국의 엔지니어들이 곧 표준 관행으로 채택할 "3차원" 사운드를 만드는 것으로 돌리고 있습니다.[122]

런아웃 그루브에 무작위 횡설수설하는 것과 같은 예술적인 실험은 앨범의 결정적인 특징 중 하나가 되었습니다.[123] 페퍼 병장은 일반적으로 경계 지점으로서 트랙들 사이에 놓이는 순간적인 간격 없이 마스터링된 최초의 팝 앨범이었습니다.[124] 노래를 함께 블렌딩한 두 개의 크로스페이드를 사용하여 연속적인 라이브 공연의 느낌을 주었습니다.[125][nb 11] 앨범의 스테레오 믹스와 모노럴 믹스가 모두 준비되었지만 비틀즈는 그들이 덜 중요하다고 생각하는 스테레오 믹스 세션에 최소한으로 참여하여 마틴과 에머릭에게 작업을 맡겼습니다.[127] Emerick은 다음과 같이 회상합니다: "우리는 모노 믹스에 3주를 소비했고, 스테레오에 3일을 소비했습니다."[128] 대부분의 청취자들은 결국 스테레오 버전만 들었습니다.[129] 그는 이 그룹이 LP를 만드는데 700시간을 소비한 것으로 추정하고 있는데, 이는 제작비가 400파운드에 달했던 비틀즈의 첫 번째 앨범인 Please Please Me의 30배가 넘는 금액입니다.[130] 병장의 최종 비용. 페퍼는 약 25,000파운드(2021년 483,000파운드에 해당)였습니다.[131]

대역 동역학

작가 로버트 로드리게스(Robert Rodriguez)는 레논(Lennon), 해리슨(Harrison), 스타(Starr)가 매카트니(Mcartney)의 밴드 내 아이디어가 제공하는 창조적 자유를 받아들였지만, "다양한 정도의 열정을 가진 컨셉과 일치했다"고 썼습니다.[132] 스튜디오 직원들은 레논이 병장 시절만큼 "이렇게 행복해 보인 적이 없었다"고 회상했습니다. 고추 세션.[133] 그러나 1969년 배리 마일스와의 인터뷰에서 레논은 우울했고 매카트니가 "자신감이 넘쳤지만 살인을 겪고 있다"고 말했습니다.[134] 레논은 앨범의 컨셉에 대한 자신의 견해를 설명했습니다: "폴은 '쇼를 보러 오라'고 말했지만, 나는 그러지 않았습니다. 나는 '나 오늘 뉴스 봤어, 아이고'라고 했어요.[135]

에버렛(Everett)은 세션 동안 스타를 "대단히 지루했다"고 묘사하고, 드러머는 나중에 "병장에 대한 가장 큰 기억"이라고 한탄합니다. 페퍼... 저 체스를 배우나요?"[70] 비틀즈 앤솔로지(The Beatles Anthology)에서 해리슨은 매카트니의 가상의 그룹 개념에 거의 관심이 없으며, 인도에서의 경험 후 "내 마음은 여전히 밖에 있었습니다... 그 시점에서 저는 '뚱뚱한' 사람이 되는 것에 흥미를 잃고 있었습니다."[136] 해리슨은 Rubber SoulRivolver를 녹음하는 것을 즐겼기 때문에 병장에 대한 그룹의 접근 방식이 마음에 들지 않는다고 덧붙였습니다. 페퍼는 "조립 과정"이 되어 "많은 시간 동안 폴이 피아노를 치고 링고가 템포를 유지하는 것으로 끝났고, 우리는 밴드로서 연주하는 것이 많이 허용되지 않았습니다."[92]

루이스슨이 보기에 병장님. 페퍼는 이 그룹의 마지막 통합 노력을 나타내며, 앨범이 완성된 직후 악화되어 1968년 비틀즈("White Album"이라고도 함)의 발매로 완전히 사라진 응집력을 보여줍니다.[137] 마틴은 1987년 병장을 만드는 내내 그 사실을 떠올렸습니다. 페퍼, "그 당시 모든 비틀즈와 우리 사이에는 매우 좋은 정신이 있었습니다. 우리 모두는 우리가 대단한 일을 하고 있다는 것을 의식했습니다." 그는 매카트니가 이 프로젝트를 효과적으로 이끌었고 때로는 그의 밴드 동료들을 짜증나게 하기도 했지만, "폴은 페퍼에 대한 존의 기여를 높이 평가했습니다. 양적인 면에서는 대단하지 않았지만 질적인 면에서는 엄청났습니다."[138]

노래들

개요

음악학자들 사이에서 앨런 무어는 병장이 이렇게 말합니다. 페퍼는 주로 록과 팝 음악으로 구성되어 있고, 마이클 한난과 나프탈리 와그너는 그것을 다양한 장르의 앨범으로 보고 있습니다; 한난은 그것이 "다양한 음악과 연극 장르"를 특징으로 한다고 말합니다.[139] Hannan과 Wagner에 따르면, 그 음악은 로큰롤, 보드빌, 빅 밴드, 피아노 재즈, 블루스, 챔버, 서커스, 뮤직 홀, 아방가르드, 그리고 서양과 인도의 클래식 음악의 양식적인 영향을 통합합니다.[140] 바그너는 이 음반의 음악이 고전과 사이키델리아의 "직관적으로 대립되는 미학적 이상"을 조화시켜 두 형태의 "심리학적 종합"을 달성한다고 느낍니다.[141] 음악학자 존 코바흐(John Covach)는 병장에 대해 설명합니다. "진보적인" 후추.[142]

우리는 LP를 냄비와 약물로 가득 채운 것이 아니라 효과가 있었습니다. 우리는 좀 더 의식적으로 그것을 막기 위해 노력하고 있었습니다. "내가 산이 좀 있었어, 아가야, 너무 그루비해"라고 말하지는 않겠지만, 리볼버병장 사이에 무슨 일이 생긴 것 같은 느낌이 들었습니다. 후추.[92]

John Lennon, 1968

작가 조지 케이스에 따르면, 병장의 모든 노래가. 페퍼는 1967년 팝 음악에 대한 LSD의 영향력의 정점을 찍으면서 현대 청취자들에게 약물에 영감을 받은 것으로 인식되었습니다.[143] 음반 발매 직전, BBC는 "I't love you on"이라는 문구 때문에 "A Day in the Life"를 영국 라디오에서[144] 금지했고,[145] BBC는 "약물 복용에 대한 허용적인 태도를 장려할 수 있다"고 말했습니다.[146] 비록 레논과 매카트니는 그 당시 이 노래에 대한 어떤 약물 관련 해석도 부인했지만, 매카트니는 나중에 이 대사가 약물이나 성을 언급했다고 제안했습니다.[147] 많은 사람들이 제목이 LSD의 암호라고 믿었기 때문에 "다이아몬드가 있는 하늘의 루시"의 의미는 추측의 대상이 되었습니다.[148] "연씨의 이익을 위해!"에서 "말 헨리"에 대한 언급은 헤로인에 대한 두 가지 일반적인 은어를 포함합니다.[149] 팬들은 Henry the Horse가 마약상이었고 "Fixing a Hole"은 헤로인 사용에 대한 언급이었다고 추측했습니다.[150] 다른 이들은 "친구들의 도움으로"의 "I get high", "Lovely Rita"의 "take some tea" - 대마초 사용의 은어인 "Lovely Rita", "When I'm Sixt-Four"의 "The weeds"와 같은 가사에 주목했습니다.[151]

작가 쉴라 화이트리는 병장을 귀인으로 삼고 있습니다. 약물 문화뿐만 아니라 형이상학화훼 세력 운동의 비폭력적 접근에 대한 페퍼의 근본 철학.[152] 음악학자 올리버 줄리엔은 이 앨범을 "1960년대의 사회적, 음악적, 보다 일반적으로 문화적 변화"의 구현체로 보고 있습니다.[153] 무어에 따르면, 이 앨범의 주요 가치는 "동시대의 거의 어떤 것보다 더 생생하게, 자신만의 시간과 장소를 포착할 수 있는" 능력입니다.[154] 휘틀리는 이 음반에 "사랑의 여름을 앞두고 영국의 역사적인 스냅샷을 제공한다"고 공을 돌렸습니다.[155] 여러 학자들이 병장에 대한 분석에 해석학적 전략을 적용했습니다. 순수함의 상실과 환상 또는 환상에 대한 과몰입의 위험을 가장 두드러진 주제로 파악한 페퍼 가사.[156]

사이드 원

페퍼 병장의 론리 하츠 클럽 밴드

페퍼 병장피트 오케스트라가 몸을 푸는 소리와 콘서트를 기다리는 관객들의 목소리가 합쳐진 10초를 시작으로 타이틀곡으로 시작해 마치 라이브 공연처럼 앨범에 대한 착각을 불러일으킵니다.[159][nb 12] 매카트니는 병장의 20주년 기념 재회 콘서트에 참석한 관객들을 환영하며 행사의 달인 역할을 하고 있습니다. 레논이 이끄는 페퍼의 밴드는 관중들의 따뜻한 반응에 감사의 메시지를 노래합니다.[157] 워맥은 이 가사가 아티스트와 청중 사이의 네 번째 벽을 연결한다고 말합니다.[162] 그는 역설적으로 가사가 "록 콘서트 밴터의 무분별한 수사를 예시한다"고 주장하는 반면, "팝 앨범이 아티스트와 청중 사이에 진정한 상호 연결을 일으킬 수 있다는 바로 그 개념을 조롱한다"고 주장합니다.[162] 그가 보기에, 혼합된 메시지는 아이러니하게도 그들의 팬들로부터 거리를 두면서 동시에 그들에게 대안으로서 "게스팅"하는 역할을 합니다.[162]

이 노래의 5마디 다리는 프랑스의 호른 4중주단에 의해 채워집니다.[163][164] 워맥은 이 음반이 왜곡된 전기 기타와 함께 브라스 앙상블을 사용한 것을 록 퓨전의 초기 사례로 보고 있습니다.[162] 맥도널드는 이 트랙을 노래가 아닌 서곡으로 묘사하고 "에드워드 버라이어티 오케스트라의 융합"과 현대적인 하드 록으로 묘사하며 동의합니다.[163][nb 13] 한난은 이 트랙의 비정통적인 스테레오 믹스를 "앨범의 전형"이라고 설명하며, 구절 중에는 리드 보컬이 오른쪽 스피커에 있지만 코러스와 미드 에이트 중에는 왼쪽에 있습니다.[166] 매카트니는 노래가 끝날 무렵 의식의 달인으로 돌아와 빌리 시어스(Billy Shears)라는 분신의 등장을 알립니다.[167][119]

"내 친구들의 작은 도움으로"

타이틀 곡은 할리우드 볼에서 열린 비틀즈 콘서트에서 녹음된 팬들의 비명 소리 속에서 "With a Little Help from My Friends"로 나누어집니다.[168] 빌리 시어스 역에서 스타는 워맥이 "타이틀 트랙의 아이러니한 거리와 극명한 대조를 이루는" 요소를 부여한 바리톤 리드 보컬에 기여합니다.[168] 이 곡은 레논과 매카트니가 스타의 목소리에 맞는 제한된 음역으로 의도적으로 작곡했습니다. 가사는 스타가 청중들에게 곡조가 맞지 않는 노래를 부르면 떠날 것인지 묻는 것으로 시작하여 질문의 주제에 중점을 둡니다.[169][170] Lennon, McCartney, Harrison은 그들의 밴드 동료에게 우정과 진정한 사랑의 의미에 대한 질문을 던집니다;[168] 마지막 구절에 의해, Starr는 명백한 대답을 합니다.[171] 맥도날드의 생각에 가사는 "공동체적이고 개인적인 것"입니다. 모든 사람들이 참여할 수 있는 포괄적인 제스처를 의미합니다."[172] 에버렛(Everett)은 병장의 발매 이후 팝 음악에서 주요 핵심 이중 악장을 사용하는 것이 일반화되었다고 언급합니다. 후추.[171]

"다이아몬드가 있는 하늘의 루시"

"Lucy in the Sky with Diamonds"라는 제목에 LSD에 대한 숨겨진 언급이 포함되어 있다는 광범위한 의심에도 불구하고, Lennon은 그것이 그의 네 살짜리 아들 Julian이 그린 파스텔 그림에서 파생되었다고 주장했습니다. Lewis Carroll 1871년 소설 Through the Looking-Glass의 환각적인 챕터가 노래의 분위기에 영감을 주었습니다.[175] 맥도날드에 따르면, "가사는 사이키델릭한 경험을 명시적으로 재현합니다."[148]

1절은 워맥이 "강 위에서 배에 탄 자신을 상상하라"는 대사를 통해 "명령의 형태로 된 초대"라고 특징짓는 것으로 시작하여, "귤 나무", "바위에 있는 말 사람들", "신문 택시"를 포함한 상상의 이미지로 계속됩니다.[174] 음악적 후원에는 Lowrey 오르간에서 McCartney가 연주한 구절이 포함되며, ADT로 처리되어 셀레스테처럼 들립니다.[176][174] 해리슨은 또한 인도의 카얄 가수와 함께하는 사랑이 연주자의 스타일로 레논의 보컬을 두 배로 늘리는 리드 기타 파트를 제공했습니다.[177][104] 음악 평론가 팀 라일리(Tim Riley)는 이 트랙을 "앨범에서 물질 세계가 텍스트와 음악적 분위기에 의해 신화 속에 완전히 흐려지는 순간"이라고 말합니다.[178]

"Getting Better"

맥도날드는 "Getting Better"가 병장의 "가장 활기찬 성과"를 담고 있다고 생각합니다. 후추.[179] 워맥은 이 곡의 "드라이빙 록 사운드"를 앨범의 명백한 사이키델릭 소재와 구별하여 크레딧을 올립니다. 그것의 가사는 듣는 사람에게 "현재를 잘 살고 번창함으로써 과거를 찬탈"하도록 영감을 줍니다.[174] 그는 그것을 레논과 매카트니의 공동 작곡, 특히 레논이 매카트니의 코러스 "It can'[181]t can's no borse"[180]라는 대사를 추가한 것을 강력한 예로 꼽습니다: "It's generating anyways". Lennon의 가사 기고에는 "나는 내 여자에게 잔인했었다"는 여성 동료들과 폭력을 행사한 것에 대한 고백도 포함되어 있습니다.[181] 워맥의 생각에, 이 노래는 듣는 사람이 말하는 사람의 본보기를 따르고 "그들만의 분노에 찬 방식을 바꾸라"고 격려합니다: "내가 못되게 굴었지만, 나는 내 장면을 바꾸고 있고 나는 내가 할 수 있는 최선을 다하고 있습니다."[181]

"구멍 고치기"

'구멍 고치기'는 마음을 자유롭게 방황하게 하고 자의식적 불안감에 대한 부담 없이 창의력을 발휘하고 싶은 매카트니의 바람을 다루고 있습니다.[182][nb 14] 워맥은 이 가사를 "사람들 사이에서 화자의 정체성 탐색", 특히 개인을 사회 전체와 차별화하는 "의식과 연결에 대한 요청"으로 해석합니다.[181] 맥도날드는 이 트랙을 "정신이 없고 내성적인 트랙"으로 특징짓고, 이 동안 매카트니는 "더 몰두한 것"을 선호하여 "평범한 디자인"을 포기합니다.[184] 그는 해리슨의 일렉트릭 기타 솔로가 트랙에 잘 어울리는 것으로 언급하며, 이별을 전하며 분위기를 사로잡습니다.[184] 워맥은 매카트니가 엘비스 프레슬리의 "We're Gonna Move"에 수록된 "빗물이 새어 들어오는 지붕의 구멍"이라는 가사를 각색한 것에 주목합니다.[185]

"그녀는 집을 떠납니다"

레논의 가사에 영감을 준 1843년 파블로 판케 서커스 로얄 포스터 "연씨의 이익을 위해!"

에버렛이 보기에, "She's Leaving Home"의 가사는 "의견이 맞지 않는 사람들 사이의" 소외 문제, 특히 세대 차이로 서로 멀리 떨어져 있는 사람들 사이의 소외 문제를 다룹니다.[186] 매카트니의 이야기는 부모의 통제에서 벗어난 한 젊은 여성의 곤경을 자세히 묘사하고 있으며, 데일리 메일에 실린 10대 가출에 관한 기사에서 영감을 받았습니다.[187] 레논은 부모의 고뇌와 혼란을 전달하는 조연을 제공합니다.[188] 병장의 첫 번째 트랙입니다. 기타와 드럼의 사용을 피하는 후추로 하프가 있는 현 노넷만 특징입니다.[189][nb 15] 음악사학자 도일 그린(Doyle Greene)은 매카트니가 런던 아방가르드 씬에 흡수된 것을 감안할 때, 이 앨범의 곡들 중 "1960년대 후반 중산층의 삶의 위기"와 놀랍게도 보수적인 정서에 대한 언급을 다룬 첫 번째 곡으로 보고 있습니다.[193]

"연씨의 이익을 위해!"

레논은 "딸기 밭 포에버" 홍보 영화 촬영 당일 켄트의 골동품 가게에서 구입한 1843년 파블로 판케의 서커스 포스터에서 "연씨의 이익을 위해!"라는 가사를 각색했습니다.[194] Womack은 이 트랙을 인쇄 소스와 음악의 효과적인 혼합으로 보는 반면,[195] MacDonald는 이 트랙을 "작가의 장난스러운 쾌락주의의 즉흥적인 표현"이라고 설명합니다.[196] 레논이 "톱밥 냄새를 맡을 수 있을 정도로 생생한 서커스 분위기를 자아내는 임무를 맡은 마틴과 에머릭은 하모니움, 하모니카, 칼리오페스의 무작위로 조립된 녹음으로 구성된 사운드 콜라주를 만들었습니다.[197] 에버렛은 이 곡이 에드워드 이미지를 사용한 것이 앨범의 타이틀 곡과 주제적으로 연관되어 있다고 말합니다.[198] 굴드는 또한 "미스터 카이트!"를 비록 쇼 비즈니스와 지금은 완전히 다른 환경의 공연자와 쇼에 초점을 맞추고 있지만 LP의 오프닝 모티브로 돌아가는 것으로 보고 있습니다.[199][nb 16]

사이드 투

"당신 없이 당신 안에"

우리는 대중을 따돌리려는 것이 아닙니다. 사람들을 다른 취향으로 이끌기 위해 약간의 노력을 하는 것이 전체 아이디어입니다.[201]

George Harrison, 1967

해리슨의 힌두스타니 클래식 음악에서 영감을 받은 "Within You Without You"는 힌두교 베다의 가르침에 몰입한 그의 모습을 반영하며, 시타르, 타블라, 딜루바, 탐부라와 같은 음악 형식과 인도 악기는 바잔으로 알려진 힌두교의 헌신적인 전통을 회상합니다.[202] 해리슨은 런던에 기반을 둔 아시아 음악 서클인도 음악가들과 함께 이 노래를 녹음했습니다. 다른 비틀즈들은 이 녹음에서 연주하지 않았습니다.[203] 그와 마틴은 그 후 인도 음악의 전형적인 슬라이드와 벤딩을 모방한 서양의 현악 편곡 작업을 했습니다.[204][205] 이 곡의 음정은 서부의 믹솔리디아 모드와 유사한 동부 하마즈 음계에서 유래되었습니다.[205]

맥도날드는 "Within You Without You"를 "그들의 디스코그라피에서 비틀즈의 주요 사운드로부터 가장 멀리 떨어진 것"으로 간주하고, 가사의 서구적 유물론에 대한 거부를 통해 LP의 "양심"을 대변하는 작품으로 간주합니다.[206] 워맥은 그것을 "분명히, 이 앨범의 윤리적인 영혼"이라고 부르고 "우리의 사랑으로 우리는 세상을 구할 수 있었다"는 대사를 곧 사랑의 여름에 영감을 준 비틀즈의 이상주의의 간결한 반영으로 봅니다.[207] 이 곡은 EMI 아카이브의 테이프에서 흘러나온 웃음소리와 함께 끝납니다.[126] 일부 청취자들은 이것을 이 노래를 조롱하는 것으로 해석했지만 해리슨은 "이것은 슬픈 음악이 5분 후에 발표된 것입니다... 어쨌든 관객들이 페퍼 중사의 쇼를 듣는 것처럼 들으셔야 했습니다. 그게 앨범 스타일이었어요."[208]

《내가 예순네 살 때》

맥도널드는 매카트니의 〈When I'm Sixt-Four〉를 조지 폼비의 영국 음악당 스타일을 크게 차용한 곡으로 묘사하면서 삽화가 도널드 맥길의 해변 엽서 이미지를 불러옵니다.[210] 희소 배열에는 클라리넷, 차임 및 피아노가 포함됩니다.[211] 무어는 이 곡을 래그타임과 팝의 합성으로 보고, 인도 클래식과 팝을 혼합한 "Within You Without You" 이후의 위치는 앨범의 소재의 다양성을 보여준다고 덧붙였습니다.[212] 그는 매카트니의 성악 전달과 녹음이 반음계를 사용함으로써 음악당 분위기가 강화된다고 말합니다. 이는 스콧 조플린의 "래그타임 댄스"와 요한 슈트라우스의 "블루 다뉴브"에서 찾을 수 있는 화성 패턴입니다.[213] 트랙에는 바리스페딩이 사용되어 매카트니를 더 젊게 보이게 하기 위해 음정을 반음계로 높였습니다.[214] 에버렛은 가사의 주인공이 때때로 론리 하츠 클럽 밴드와 연관되어 있다고 언급하지만, 그의 생각에 이 노래는 주제적으로 앨범의 다른 사람들과 연결되어 있지 않습니다.[215]

러블리 리타

워맥은 '러블리 리타'를 앞선 트랙과 극명하게 대비되는 '풀틸트 사이키델리아'의 작품으로 설명합니다.[216] 굴드는 매카트니가 미국에서 여성 교통 관리인을 뜻하는 용어가 미터 하녀라는 사실을 알고 영감을 얻었다고 회상한 것을 인용하면서, 스윙잉 런던과 군복에 대한 동시대적인 시크함을 불러일으키는 만남의 축하라고 생각합니다.[217] 맥도날드는 이 노래를 "영혼을 북돋아주고 자기 흡수를 분산시키는 삶에 대한 뜨거운 관심으로 가득 찬" 권위에 대한 풍자로 간주합니다.[218] 이 편곡에는 빗과 종이로 된 카주 4중주,[218] 마틴의 피아노 독주, 비틀즈가 헐떡이며 신음하는 소리와 기타 발성된 소리에 빠져드는 코다가 포함됩니다.[219] 굴드가 보기에 이 트랙은 "페퍼 밴드의 레퍼토리에서 쇼 스톱퍼: 앨범의 그 어떤 것보다 록앤롤의 정신에 더 가까운 재미있고 섹시하며 외향적인 노래"를 나타냅니다.[220]

굿모닝 굿모닝

레논은 켈로그의 플레이크의 텔레비전 광고를 보고 영감을 받아 "Good Morning Good Morning"을 썼는데, 이 광고는 그가 이 노래의 후렴구를 위해 각색한 것이었습니다. 이 곡은 A에서 우울한 믹솔리디안 모드를 사용하는데, 에버렛은 이 모드를 "안일함에 대한 레논의 불만을 완벽하게 표현했다"고 평가합니다.[221] 그린에 따르면, 이 노래는 "더 '아방가르드'한 교외 생활에 대한 전복적인 연구"를 제공함으로써 "She's Leaving Home"과 극명한 대조를 이룹니다.[222] 타임 시그니처는 5/4, 3/4 및 4/4에 걸쳐 다양하며,[223] 배치에는 Sounds Inc.의 구성원으로 구성된 혼 섹션이 포함됩니다.[224] 맥도날드는 그가 "인간 농장의 진흙탕, 혼란, 비도덕성을 통해 혐오스러운 캔터"라고 생각하는 트랙에서 공격적인 느낌을 전달하는 요소 중 "롤릭" 브라스 악보, 스타의 드럼 및 매카트니의 "교감적인 사이비 인도 기타 솔로"를 강조합니다.[225] 일련의 동물 소음은 레논의 요청에 따라 페이드아웃 중에 나타나는데, 이는 연속적인 각 동물이 이전의 소음을 겁먹거나 삼킬 수 있도록 하기 위한 것입니다.[226] 닭이 [227][228]탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁탁

"페퍼 병장의 론리 하츠 클럽 밴드 (Repise)"

"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)"는 앨범의 마지막 부분에 대한 곡으로 이어집니다. 이 곡은 비틀즈의 로드 매니저인 닐 애스피널(Neil Aspinall)이 "병장님"이라고 제안한 후 작곡되었습니다. 페퍼"는 앨범의 오프닝을 열었고, 가상의 밴드는 거의 마지막에 등장할 것입니다.[229] 비틀즈 4명이 모두 부른 [230]은 타이틀곡에서 브라스 부분을 생략하고 템포가 빨라졌습니다.[231] 해리슨이 리드 기타를 연주하는 것은 병장의 드문 예입니다. 그룹이 일반적인 무대 악기로 기본 트랙을 라이브로 녹음하는 후추 세션.[232] 맥도널드는 비틀즈의 흥분이 녹음에서 가시적으로 번역된 것을 발견하고,[229] 이는 다시 주변의 군중 소음으로 강화됩니다.[232]

"인생의 하루"

병장님의 마지막 화음. 페퍼는 어쿠스틱 기타 연주에 대한 청중들의 박수와 무어가 "지금까지 쓰여진 가장 끔찍한 곡 중 하나"라고 부르는 곡의 시작 속에서 부분을 반복합니다.[234] "A Day in the Life"는 레논의 4절, 다리, 두 개의 알레토릭 오케스트라 크레센도, 매카트니가 작사하고 노래한 보간된 중간 부분으로 구성되어 있습니다. 첫 번째 크레센도는 세 번째 절과 중간 부분 사이에서 세 번째 절의 역할을 하며, "꿈의 순서"라고 불리는 다리로 이어집니다.[234] Lennon은 Lancashire 마을 Blackburn의 포트홀에 대한 Daily Mail 보고서와 같은 신문에 비틀즈의 친구이자 기네스 계승자인 Tara Browne의 죽음에 관한 기사에서 영감을 얻었습니다.[235][236]

마틴에 따르면, 레논과 매카트니는 오케스트라를 사용하기로 한 결정에 동등한 책임이 있다고 합니다.[237] 마틴은 레논이 "세상의 끝과 같은 것까지, 아무것도 아닌 것에서 완전히 비슷한 것까지, 엄청난 발전"을 요청했고,[238] 매카트니는 케이지와 스톡하우젠으로부터 영감을 얻음으로써 이 아이디어를 실현했다고 말했습니다.[239] 워맥은 스타의 연주를 "기록상 가장 독창적인 드럼 파트 중 하나"라고 설명합니다.[240] 트랙과 앨범을 마무리하는 우레와 같은 피아노 화음은 레논, 스타, 매카트니, 에반스가 세 대의 피아노로 동시에 E장조 화음을 녹음함으로써 제작되었고 마틴은 하모니움으로 사운드를 보강했습니다.[241]

라일리는 이 곡을 "페퍼 판타지의 서곡"으로 묘사하면서 "평행적인 일상의 우주"를 소개함으로써 "페퍼랜드"에 대한 환상을 깨뜨렸습니다.[242] 맥도날드는 이 트랙을 "삶 자체에 대한 환멸이 아니라 일상적인 인식의 한계에 대한 환멸의 노래"라고 설명합니다.[236]

"A Day in the Life"가 끝날 때, 15킬로헤르츠의 고주파음이 들립니다; 그것은 레논의 제안으로 개들을 짜증나게 할 의도로 추가되었습니다.[243][nb 17] 그 다음에 뒤에서 뒤에서 나오는 웃음소리와 무작위 횡설수설하는 소리들이 레코드의 동심원의 런아웃 홈으로 눌러지고, 자동 바늘 리턴 장치가 장착되지 않은 레코드 플레이어에서는 끝없이 자신에게 되돌아옵니다. Lennon은 "Be high"라고 말하는 것을 들을 수 있고, 이어서 McCartney는 "절대 다른 방법이 될 수 없습니다"라고 대답합니다.[245][nb 18]

개념.

워맥에 따르면 병장과 함께요 페퍼의 오프닝 곡 "비틀즈는 그들의 예술을 무대에 올릴 수 있는 인공적인 텍스트 공간을 제조합니다."[119] 타이틀곡의 리프레시는 기후적인 "A Day in the Life"의 직전인 사이드 2에 등장하여 프레이밍 장치를 만듭니다.[229] Lennon과 Starr의 관점에서, 단지 첫 두 곡과 반복만이 개념적으로 연결되어 있습니다.[25] 1980년 인터뷰에서 레논은 자신의 작곡은 병장과는 아무 상관이 없다고 말했습니다. 후추 컨셉, "병장님. 페퍼는 첫 번째 콘셉트 앨범이라고 불리는데 아무데도 안 들어가는... 우리가 효과가 있다고 말했기 때문에 효과가 있습니다."[248]

맥팔레인이 보기에 비틀즈는 "개별 트랙을 통합하기 위한 명백한 노력으로 가장 중요한 주제 개념을 사용하기로 선택했습니다."[249] 에버렛은 이 앨범의 음악적 통일성이 결과를 가져온다고 주장합니다. 특히 C, E, G와 관련된 주요 영역 간의 동기적 관계에서."[245] 무어는 녹음의 "공통적인 화성 패턴과 떨어지는 멜로디의 사용"이 전체적인 응집력에 기여한다고 주장하며, 이를 그는 서술적 통일성이라고 표현하지만, 반드시 개념적 통일성이라고 설명하지는 않습니다.[250] 맥팔레인(MacFarlane)도 이에 동의하며, 리프레시를 제외하고는 음반이 순환 형식과 일치하는 멜로디 및 고조파 연속성이 부족하다고 제안합니다.[251]

1995년 인터뷰에서 매카트니는 병장 시절 녹음된 첫 세 곡의 배경에는 리버풀의 어린 시절 테마가 있었다고 회상했습니다. 페퍼 세션은 앨범 전체적인 개념으로 공식화된 적이 없지만, 그는 프로젝트 전반에 걸쳐 "장치" 또는 근본적인 주제의 역할을 했다고 말했습니다.[38] 맥도날드는 병장 전체에서 비틀즈의 육성에 대한 시사점을 찾아냅니다. "무시하기에는 너무 설득력 있는" 후추. 여기에는 전후 북부 음악당 전통의 환기, 북부 공업 도시와 리버풀 학교 시절에 대한 언급, 루이스 캐럴에서 영감을 받은 이미지(레논이 가장 좋아하는 어린 시절 독서를 인정함), (매카트니가 세프턴 파크를 방문하면서 익숙한) 공원 밴드 스탠드 공연 스타일에 금관악기를 사용하고,[252] 앨범 커버의 꽃꽂이는 꽃시계와 유사합니다.[253] 노먼은 부분적으로 동의합니다; 그는 "많은 면에서, 이 앨범은 서커스와 박람회장 효과로 어린 시절과 리버풀을 주제로 하였으며, 주요 창작자들의 [매카트니와 레논의] 피로 가득했던 전통적인 북부 음악 홀의 분위기를 이어갔습니다."라고 말합니다.[254][nb 19]

포장

전면커버

팝 아티스트 피터 블레이크와 잰 하워스병장을 위해 앨범 커버를 디자인했습니다. 후추.[255] 블레이크는 "만약 그들이 공원에서 콘서트를 했다면, 커버는 콘서트를 막 본 군중들과 함께 콘서트가 끝난 직후 그들을 지켜보고 있는 그룹의 사진이 될 수 있다는 아이디어를 제안했습니다."라고 컨셉을 회상했습니다. 그는 "만약 우리가 판지를 잘라내어 이것을 한다면, 그것은 그들이 원하는 누구에게나 마법 같은 무리가 될 수 있습니다"라고 덧붙였습니다.[256] 매카트니에 따르면, 블레이크와 하워스가 디자인한 잉크 드로잉을 그가 직접 제공했다고 합니다.[257][nb 20] 표지는 로버트 프레이저예술 감독을 맡았고 마이클 쿠퍼가 사진을 찍었습니다.[255]

LP 앞면에는 비틀스가 병장으로 등장하는 컬러풀한 콜라주가 포함되어 있습니다. 페퍼의 론리 하츠 클럽 밴드, 유명인들의 실물 크기 판지 컷아웃 그룹과 함께 서 있습니다.[259] 해리슨이 인도를 방문하는 동안 변장으로 처음 성장한 후, 비틀즈는 각각 무거운 콧수염을 자랑합니다.[15] 콧수염은 히피 스타일 트렌드의 영향력이 점점 커지고 있음을 반영한 반면, 굴드의 설명에서 그룹의 의상은 "군대 패션으로 영국의 유행을 부추겼습니다."[260] 표지의 중앙에는 비틀즈가 페어그라운드 아티스트 조 에프그레이브가 앨범 제목의 문구를 그린 베이스 드럼 뒤에 서 있는 모습이 묘사되어 있습니다. 드럼 앞에는 "비틀즈"를 나타내는 꽃들이 줄지어 있습니다.[261] 이 그룹은 런던의 극장 고객 M. Berman Ltd.에서 제작한 새틴 데이-글로 컬러의 군복을 입고 있습니다. 비틀즈 옆에는 마담 투소(Madame Tussauds)로부터 차용한 비틀즈 시대의 양복과 걸레톱 헤어컷을 입은 밴드 멤버들의 밀랍인형이 있습니다.[262] 녹음이 우거진 가운데 동양의 신들인 부처님과 락슈미의 조각상들이 있습니다.[263]

커버 콜라주에는 57장의 사진과 9장의 왁스 작품이 포함되어 있습니다.[264] 작가 이안 잉글리스(Ian Inglis)는 "'높은' 문화와 '낮은' 문화 사이의 전통적인 장벽이 침식되고 있는 사회의 증가하는 민주화를 전달한 탁아소를 "10년의 문화 지형에 대한 지침서"로 보고 있습니다.[264] Case는 대중문화의 "예전의 아방가르드와의 연속성"을 가장 노골적으로 보여주는 것으로 인용하고 있습니다.[265][nb 21] 마지막 그룹에는 작곡가 칼하인츠 스톡하우젠과 밥 딜런, 바비 브린과 같은 가수들, 영화배우 말론 브란도, 타이론 파워, 토니 커티스, 말린 디트리히, 매 웨스트, 마릴린 먼로, 예술가 오브리 비어들리, 권투선수 소니 리스턴, 축구선수 앨버트 스터빈스가 포함되었습니다. 코미디언 스탠 로렐올리버 하디, 작가 H.G. 웰스, 오스카 와일드, 루이스 캐롤, 딜런 토마스, 그리고 철학자이자 과학자인 칼 마르크스, 알버트 아인슈타인, 지그문트 프로이트, 칼도 포함되었습니다.[264] 해리슨은 자아실현 펠로우십 전문가 마하바타 바바지, 라히리 마하사야, 스리 육테스와르, 파라마한사 요가난다를 선택했습니다.[266] 롤링 스톤스는 밴드에 대한 환영 메시지가 새겨진 셔츠를 입은 인형으로 대표됩니다.[265][267]

논란을 우려한 EMI는 마하트마 간디를 위해 아돌프 히틀러예수 그리스도, 해리슨의 이미지를 요청한 레논의 요청을 거절했습니다.[72] 매카트니는 왜 비틀즈가 엘비스 프레슬리를 음악가들 사이에 포함시키지 않았느냐는 질문을 받았을 때, "엘비스는 너무 중요했고 다른 사람들보다 훨씬 뛰어났습니다"라고 대답했습니다.[268][269] 스타는 블레이크에게 "다른 사람들이 뭐라고 하든 나는 괜찮다"고 말하면서 콜라주에 대한 제안을 하지 않은 유일한 비틀이었습니다.[270] 커버 아트의 최종 비용은 거의 3,000파운드(2021년 58,000파운드)였으며, 이는 일반적으로 앨범 커버 비용이 약 50파운드(2021년 1,000파운드)에 달하는 시기에 비해 사치스러운 금액이었습니다.[271]

후면 커버, 게이트 폴딩 및 컷아웃

A colour image of four men in brightly coloured suits of cyan, magenta, yellow and orange
페퍼 병장의 안쪽 문짝. 매카트니는 왼쪽 소매에 O.P.P.라는 이니셜이 새겨진 배지를 달고 있습니다. 매카트니는 비틀즈가 캐나다에서 투어를 할 때 이 배지를 획득했습니다.[268][272][nb 22]

1967년 3월 30일 쿠퍼와의 포토 세션에서는 뒷면 커버와 내부 게이트 폴드도 제작되었으며, 잉글리스는 이를 "분명하고 즉각적인 따뜻함을 전달합니다..."라고 설명합니다. 이는 그러한 이미지의 전형적인 무균과 인위적인 것과 거리를 두고 있습니다."[261] 매카트니는 내부 게이트 폴드 이미지를 비틀즈의 "아이 메시지"에 대한 관심의 예로 떠올리며 "그래서 마이클 쿠퍼의 내부 사진으로 우리 모두는 '이제 이 카메라를 보고 정말 사랑한다고 말해! 정말로 사랑을 느끼려고 노력하고; 정말로 이것을 통해 사랑을 주세요!' ... [그리고] 여러분이 그것을 본다면 여러분은 눈에서 큰 노력을 볼 수 있을 것입니다."[275] 레논의 설명에서 쿠퍼의 밴드 사진에는 "약물을 먹고 있는 두 사람과 그렇지 않은 두 사람"이 표시되어 있습니다.[268]

앨범의 가사는 뒷면 커버에 전체로 인쇄되었는데, 이것은 처음으로 록 LP에서 이루어졌습니다.[276] 이 레코드의 안쪽 소매에는 네덜란드 디자인 팀 더 풀(The Fool)이 처음으로 표준 백서를 벗어던지고 마룬, 레드, 핑크, 화이트의 추상적인 패턴을 선호하는 예술 작품이 포함되어 있습니다.[261][nb 23] 보너스 선물로 블레이크와 하워스가 디자인한 판지 컷아웃 시트가 포함되었습니다. 이것들은 엽서 크기의 병장 초상화로 구성되었습니다. 페퍼(아마도 영국 육군 장교 제임스 멜빌 배빙턴의 사진을 기반으로 [278]하지만 전면 커버에 사용된 레논의 집에서 온 조각상과 유사한 것으로 언급됨), 가짜 콧수염, 병장 줄무늬 두 세트, 옷깃 배지 두 개, 새틴 유니폼을 입은 밴드의 스탠드업 컷아웃.[271] 무어는 이러한 아이템들이 포함됨으로써 팬들이 "밴드에 있는 척"하는 데 도움이 되었다고 쓰고 있습니다.[279]

풀어주다

라디오 미리보기 및 런칭 파티

이 음반은 5월 12일 해적 라디오 방송국 라디오 런던에서, 5월 20일 케니 에버렛에 의해 BBC 라이트 프로그램의 쇼 Where It's At에서 공식적으로 프리뷰되었습니다.[280] 에버렛은 "A Day in the Life"를 제외한 앨범 전체를 연주했습니다.[144] 에버렛의 방송 전날, 엡스타인은 런던 중심부 벨그라비아에 있는 자신의 집에서 음악 기자들과 디스크 기수들을 위한 런칭 파티를 주최했습니다.[281][282] 이 행사는 팝 홍보의 새로운 계획이었고 앨범 발매의 의미를 더했습니다.[283] Melody Maker 기자는 그것을 첫 번째 "귀를 기울이는" 것이며 비틀즈의 혁신에 대한 열망을 전형적으로 보여주는 것이라고 설명했습니다.[284]

비틀즈 앳 더 병장. 1967년 5월 19일 브라이언 엡스타인의 집에서 열린 페퍼 출시 파티

이 파티는 거의 1년 만에 처음으로 언론과의 그룹 교류를 기념했습니다.[285][286] NME의 Norrie Drummond는 그 기간 동안 그들이 "사실상 소통"했다고 썼고, 전국 신문은 밴드가 "신상적이고 비밀스럽고 배타적"이라고 불평했습니다.[286] 참석한 일부 기자들은 비틀즈의 등장, 특히 레논과 해리슨의 등장에 충격을 받았습니다.[287] 밴드 멤버들의 보헤미안 복장이 이전의 이미지와 극명한 대조를 이루었기 때문입니다.[285] 음악 저널리스트 레이 콜먼(Ray Coleman)은 레논이 "해저하고, 늙고, 병들고" 분명히 마약의 영향을 받고 있는 것처럼 보였다고 회상했습니다.[288] 전기 작가 하워드 소네스(Howard Sounes)는 비틀즈의 존재를 영국 왕실의 모임에 비유하며, 레논이 매카트니의 손을 흔드는 모습을 담은 행사 사진(오른쪽에서 재현)[289]을 강조합니다.

5월 26일 병장. 페퍼는 예정일인 6월 1일보다 앞서 영국에서 출시되었습니다.[290] 이 밴드의 여덟 번째 LP인 [291]이 앨범은 영국과 미국 버전의 트랙 목록이 정확히 동일한 최초의 비틀즈 앨범이었습니다.[83] 미국 개봉은 6월 2일에 이루어졌습니다.[290] 캐피톨 레코드의 이 앨범의 광고는 비틀즈와 병장을 강조했습니다. 페퍼의 밴드는 하나였고 똑같았습니다.[292]

대중의 반응

페퍼 병장은 피터 라베졸리가 "더 높은 의식과 대안적 세계관에 대한 탐색이 임계 질량에 도달한 서양의 분수령 순간"이라고 부르는 한 해 동안,[293][294] 청취자들에게 '사랑의 여름'의 사운드트랙으로 널리 인식되었습니다.[295] 롤링 스톤지랭던 위너는 다음과 같이 회상했습니다.

1815년 빈 회의 이후 가장 가까운 서구 문명은 병장이 된 주간입니다. 페퍼 앨범이 나왔어요. 유럽과 미국의 모든 도시에서 라디오 방송국들은 [그것]을 재생했고 모두들 귀를 기울였습니다... 잠시 동안, 적어도 젊은 사람들의 마음속에는 회복할 수 없는 서구의 단편적인 의식이 통일되었습니다.[296]

라일리에 따르면, 이 앨범은 "그 어느 때보다 더 큰 규모의 팝이라는 공통된 경험을 통해 사람들을 하나로 모았습니다."[297] 맥도날드의 설명에 따르면, "거의 종교적인 경외심이 LP를 둘러싸고 있었다"고 합니다. 그는 그것의 영향이 세대를 초월하고 시대를 규정하는 것으로, "젊고 나이든 사람들이 똑같이 매료되었기 때문"이라고 말합니다. 전 세계에 걸쳐 영감을 준 "정신적인 떨림"은 "한 시대정신에서 다른 시대정신으로 분해된 것이나 다름없습니다." 그가 보기에 병장님. 페퍼는 환각제에 익숙하지 않은 청취자들에게 "문화적인 '컨택 하이' 같은 것이 가능하다면 여기서 일어난 일"일 정도로 환각제 경험을 효과적으로 전달했습니다.[298][nb 24] 1967년 10대였던 음악 저널리스트 마크 엘렌(Mark Ellen)은 친구의 집에서 음반의 일부를 들은 후, 그가 방문한 다음 집에서 연주하는 나머지를 들은 것을 회상하며, 마치 음반이 "하나의 거대한 단셋(One giant Dansette)"에서 공동적으로 나오는 것처럼 생각합니다. 그는 가장 주목할 만한 것은 비틀즈가 "엄청나고 수수께끼"가 되었을 때 등을 돌렸던 어른들이 그것을 받아들인 것이며, 세련된 "의식의 달인"으로 재 캐스팅된 이 그룹이 이제 "그들이 풍자하려고 했던 바로 그 가족이 좋아하는 것"이 되었다고 말합니다.[299][nb 25]

피터 도겟(Peter Doggett)은 그의 책 "Electric Shock"에서 병장을 묘사합니다. 1964년 2월 비틀즈의 미국 텔레비전 데뷔와 1980년 12월 레논의 살해 사이에 일어난 "가장 큰 팝 해프닝"인 반면,[301] 노먼은 다음과 같이 썼습니다: "인생을 통해 여전히 행복한 랜드마크에 익숙했던 한 세대 전체는 항상 그들이 언제 어디서 처음으로 그것을 연주했는지 정확하게 기억할 것입니다..."[302][302] 음반의 영향은 6월 16일부터 18일까지 샌프란시스코 남쪽 카운티 박람회장에서 열린 사랑의 여름의 두 번째 행사인 몬테레이 국제 페스티벌에서 느껴졌습니다.[303][304] 페퍼 병장은 키오스크와 스탠드에서 연주됐고, 축제 스태프들은 레논의 가사 '모두에게 화려한 시간이 보장된다'가 적힌 배지를 달았습니다.[45]

미국의 라디오 방송국들은 그들의 정규 스케줄을 중단시켰고, 종종 처음부터 끝까지 앨범을 거의 쉬지 않고 재생했습니다.[305] 자작곡이라는 정체성을 강조하며 당시[306][307] 싱글로 발표되거나 스핀오프 EP로 발매된 곡은 없었습니다.[308] 대신 비틀즈는 6월[309] 25일 아워 월드 위성 방송에서 4억 명으로 추정되는 관객들 앞에서 이 노래를 공연한 후 7월에 "All You Need Is Love"를 싱글로 발표했습니다.[310] 사회 음악학자 사이먼 프리스(Simon Frith)에 따르면, 이 국제 방송은 병장에 대한 대중의 포옹 속에서 "비틀스의 복음적 역할"을 확인하는 역할을 했다고 합니다. 후추.[311] 영국에서 아워 월드는 6월 중순 매카트니가 LSD를 복용했다고 거듭 인정한 데 따른 분노를 잠재우기도 했습니다.[312] Norman의 설명에서, 이 인정은 McCartney가 병장 이후에 얼마나 "불굴의" 감정을 느꼈는지를 나타냅니다. 페퍼;[313] 밴드의 마약 복용 사실을 대중에게 알리고[314] 앨범과 마약의 연관성을 확인했습니다.[315][nb 26]

영업실적

페퍼 병장은 6월 10일부터 1968년 2월까지 23주 연속 레코드 리테일러 앨범 차트(현재 영국 앨범 차트)에서 1위를 차지했습니다.[319] 이 음반은 영국에서 판매된 첫 7일 동안 25만 장이 팔렸습니다.[290][nb 27] 이 음반은 1967년 7월 1일부터 10월 13일까지 15주 동안 미국 빌보드 LP 차트에서 1위를 차지했고, 113주 연속 200위권을 유지했습니다.[323] 또한 다른 많은 국가의 차트에서 1위를 차지했습니다.[324]

발매 3개월 만에 250만 부 판매,[325] Sgt. 페퍼 초기 상업적 성공은 이전의 모든 비틀즈 앨범의 그것을 능가했습니다.[150] 영국에서는 1967년과[326] 10년 동안 가장 많이 팔린 앨범이었습니다.[327] 전 캐피톨 임원 데이비드 크로네마이어가 2009년에 발표한 수치에 따르면, 뮤즈와이어 잡지에 발표한 추정치에 따르면,[328] 이 음반은 1967년 12월 31일까지 미국에서 2,360,423장, 10년 말까지 3,372,581장이 팔렸습니다.[329]

현대 비평적 수용

1967년 늦봄 페퍼 병장도착은 서양 문화사에서 가장 적절한 순간에 이루어졌습니다: 주류 언론은 마침내 "록"의 세계가 장르의 낮은 기원을 초월하는 지속적인 걸작을 만들어 낼 수 있다는 생각에 따뜻해졌습니다. "록 저널리즘"이라고 불리는 새롭고 합법적인 틈새 시장이 자체적으로 발전하는 동안... [E]모든 사람들은 비틀즈가 성공하기를 원했습니다 – 그리고 리드하기를. 바람은 그들의 등 뒤에 있었고, 그들은 그것을 알고 있었습니다.[330]

– Beatles biographer Robert Rodriguez, 2012

병장의 석방. 페퍼헌신적인 록 비평의 출현과 함께 평론가들이 팝 음악, 특히 비틀즈의 작품에서 예술성을 인정하고 음반을 세련된 예술적 진술로 식별하려는 시기와 일치했습니다.[331][332] 미국에서 이 접근법은 "Strawberry Fields Forever" / "Penny Lane" 싱글에 의해 강화되었고,[333] 레너드 번스타인의 텔레비전 프로그램인 "Inside Pop"에 의해 예시되었습니다. 1967년 4월 CBS에 의해 방송된 록 레볼루션.[331] 비틀즈의 싱글이 발표된 후, 작가 버나드 겐드론의 설명에서 타임, 뉴스위크 및 문화 주류의 다른 출판물들이 점점 더 "비틀즈에 대한 황홀한 승인"의 목소리를 내면서 "담론적 광풍"이 뒤따랐습니다.[333]

병장에 대한 현대적인 리뷰의 대부분. 페퍼는 긍정적이었고, 음반은 광범위한 비평가들의 찬사를 받았습니다.[334] 샤프너는 "빌리지 보이스"의 톰 필립스가 LP를 "지금까지 발행된 음반 중 가장 야심차고 성공적인 음반"이라고 불렀을 때 이러한 공감대를 적절하게 요약했다고 말했습니다.[335] 영국의 팝 프레스 중에서 레코드 미러피터 존스는 이 음반이 "시끌벅적하고 가슴 아프고 다시 돌아온, 더 똑똑하고 훌륭하다"고 말했고, 디스크와 뮤직 에코 리뷰어는 "아름답고 강력한 음반, 독특하고 영리하며 놀라운 음반"이라고 평가했습니다.[336] The Times에서 William Mann병장을 묘사했습니다. 페퍼는 "팝 음악의 거장"[337]으로서 음악적 발전이 매우 컸기 때문에 "5년 전에 팝송에서 생각할 수 있었던 유일한 트랙"은 "내 친구들의 작은 도움으로"였다고 언급했습니다.[338] 리볼버를 완전히 감상한 최초의 영국 비평가들 [339]중 한 명이었던 그라모폰 잡지의 피터 클레이튼은 새 앨범이 "비틀즈가 하는 거의 모든 것과 같다, 기괴하고, 멋지고, 비뚤어지고, 아름답고, 신나고, 도발적이고, 격앙되고, 동정심 있고, 조롱하고" 그는 결론을 내리기 전에 "기록에 많은 전자적 속임수"를 발견했습니다: "하지만 그것은 중요한 것이 아닙니다. 상상력, 뺨, 그리고 기술의 조합이 이것을 그렇게 보람 있는 LP로 만드는 것입니다."[340] 윌프리드 멜러스는 뉴 스테이츠맨에 대한 리뷰에서 이 앨범이 팝 음악을 순수 예술 수준으로 끌어올린 것을 칭찬했고,[337] 타임즈 연극 평론가인 케네스 타이난은 이 앨범이 "서양 문명의 역사에서 결정적인 순간"이라고 말했습니다.[341] 뉴스위크 크롤병장에게 전화를 걸었습니다. 페퍼는 "명작"이며 그 가사를 에디스 시트웰, 해롤드 핀터, T. S. 엘리엇의 문학 작품, 특히 그가 엘리엇의 "황무지"에 비유한 "A Day in the Life"와 비교했습니다.[342] 뉴요커는 비틀즈와 듀크 엘링턴과 짝을 이루어 "오락이 예술로 미끄러지는 그 특별한 영역에서" 활동하는 예술가들이었습니다.[343][344]

당시 잘 알려진 몇 안 되는 미국의 록 평론가 중 한 명이자 리볼버의 또 다른 초기 챔피언인 리차드 골드스타인뉴욕 타임즈에 신랄한 비평을 썼습니다.[345] 는 병장의 특징을 나타냈습니다. 페퍼는 "때묻은" 아이이자 "특수 효과의 앨범, 눈부시지만 궁극적으로 사기를 치는" 앨범이었고,[346][347] 비틀즈가 "클로스터드 작곡가"가 되기 위해 진정성을 희생한 것에 대해 비판적이었습니다.[348] 그는 "A Day in the Life"를 바그너의 작품에 비유하며 감탄했지만,[349] 골드스타인은 이 곡들이 "음이 의미를 추월한다"는 서정적인 내용이 부족하다고 말했고, 이는 그가 메아리잔향과 같은 제작 효과의 형태로 "자세를 취하고 덧입히는" 미학이라고 비난했습니다.[350] 거의 외로운 반대의 목소리로서 그는 자신의 견해에 대해 널리 비난 받았습니다.[351][nb 28] 나흘 후, 골드스타인이 1966년부터 유명 칼럼니스트가 된 빌리지 보이스는 필립스의 매우 호의적인 리뷰를 게재함으로써 불만의 "말벌집"에 대응했습니다.[353] 샤프너에 따르면, 골드스타인은 7월에 '보이스'에 대한 리뷰를 작성하는 것을 포함한 [351]자신의 의견을 정당화하기 위해 "수개월 동안 바쁘게 지냈다"고 합니다.[354][nb 29]

Goldstein의 비평에 응답한 논평가들 [356]중에 작곡가 Ned RomemThe New York Review of Books에 비틀즈가 모차르트와 비슷한 "천재의 마법"을 가지고 있다고 공을 돌리고 병장을 특징지었습니다. "노래의 황금 르네상스"의 전조가 되는 후추.[335] 타임지는 음악학자들과 아방가르드 작곡가들의 말을 인용하여 비틀즈의 작곡 기준을 슈베르트슈만과 동일시하고 밴드의 작업을 전자 음악으로 파악했습니다.[357][150] 문학평론가 리처드 포이리에는 '파당평론[358]'지에 비틀즈에 대한 찬사를 기고하며 "병장의 말을 듣는 것. 페퍼 앨범은 단순히 대중음악의 역사가 아니라 금세기의 역사를 생각합니다."[341] 1967년 12월 에스콰이어에 기고한 칼럼에서 로버트 크라이스트가우는 병장을 묘사했습니다. 후추는 "리볼버보다 더 복잡하지만 더 실질적이지 않은 통합"입니다. 그는 골드스타인이 "기대 이상의 피해자"가 되었다고 제안했고, 그의 주요 실수를 "모든 필터와 리버브, 오케스트라 효과와 오버덥이 그의 귀를 막고 아래에 있는 것들을 들을 수 있게 해주었다"고 설명했습니다.[359]

사회문화적 영향

현대의 청춘과 반문화

병장님을 따라서. 지하 언론이자 주류 언론인 페퍼는 비틀즈를 "라이프스타일 혁명가"일 뿐만 아니라 청소년 문화의 지도자로 널리 알렸습니다.[360] 무어의 설명에 따르면, 이 앨범은 "다른 사람들이 그 세대를 위해 (어떤 방식으로든) 말한 것으로 보입니다."[361] 1967년 7월 뉴욕 타임즈 기사에서 언급된 한 교육자는 음악 연구의 주제와 그날의 젊은이들과의 관련성에 대해 다음과 같이 말했다고 보도되었습니다. "만약 여러분이 젊은이들이 생각하고 느끼는 것을 알고 싶다면... 비틀즈보다 더 명확하게 그들을 대변하거나 그들에게 말하는 사람을 찾을 수 없습니다."[362]

히피 "플라워 파워" 버스(2004년 사진). 페퍼 병장은 1967년의 화훼강 이념을 전달했습니다.[363]

페퍼 병장은 반체제 문화에 의해 많은 축하의 초점이 되었습니다.[364] 미국 비트 시인 알렌 긴스버그는 이 앨범에 대해 "히틀러의 종말과 폭탄의 종말 이후, 기쁨의 탄성, 기쁨의 재발견, 그리고 살아있는 것이 무엇인지에 대해"라고 말했습니다.[365] 미국의 심리학자이자 반문화 인사인 티모시 리어리는 비틀즈를 "새로운 세계 질서의 아바타"[366]라고 칭하고, 평화적인 의제를 바탕으로 한 문화적 변화의 필요성을 강조함으로써, LP가 "옛 방식이 끝났다는 느낌을 주는 목소리를 주었다"고 말했습니다.[155][nb 30] 작가 마이클 프론타니(Michael Frontani)에 따르면 비틀즈는 대중음악을 하듯이 반문화의 생활방식을 합법화했으며 1967년 말 롤링 스톤 잡지를 창간할 때 이러한 문제에 대한 얀 웨너(Jann Wenner)의 범위의 기초를 형성했습니다.[368] 앨범 출시 파티에서 아프가니스탄 양가죽 코트를 입은 레논 외에도 "아프간"은 히피들 사이에서 인기 있는 옷이 되었고, 서양인들은 점점 더 아프가니스탄의 히피 산책로에서 코트를 찾았습니다.[369]

매카트니의 LSD 인정은 록 음악과 마약의 연관성을 공식화했고, 미국의 종교 지도자들과 보수주의자들로부터 경멸을 받았습니다.[370] 스피로 애그뉴 부통령은 "내 친구들의 도움으로"에서 언급된 "친구들"은 "약물로 분류된 것"이라고 주장했습니다. 미국 의회의 조사를 촉발시킨 고조된 국가적 논쟁의 일환으로,[371] 그는 1970년[372] 비틀즈와 다른 록 아티스트들의 음악을 통해 미국 청소년들이 마약 복용에 "세뇌"당하는 문제를 해결하기 위한 캠페인을 시작했습니다.[373] 역사가 데이비드 시모넬리(David Simonelli)에 따르면, 이 앨범의 명백한 약물 암시는 듣는 사람들이 사이키델리아를 "얻고" 낭만주의 예술성의 엘리트 개념과 일치시킬 수 있는 능력을 기반으로 처음으로 청소년 운동 내 계층 구조에 영감을 주었습니다.[374][nb 31] 해리슨은 인터뷰 진행자에게 "Within You Without You"의 메시지를 LSD 경험과 분리하고 싶어했습니다. "환약과는 상관이 없습니다... 그것은 단지 당신 자신의 머릿속에, 깨달음입니다."[204]

이 음반은 1967년 "March on the Pantagon"에서 베트남 전쟁 시위자들에게 반향을 일으켰습니다.

비틀즈의 병장으로서의 프레젠테이션. 페퍼의 밴드는 영국과 미국의 많은 젊은이들이 자신의 정체성을 재정립하려는 시기에 반향을 일으켰고, 마음을 바꾸는 약물의 변형력을 지지하는 커뮤니티에 끌렸습니다.[81] 샌프란시스코의 하이트-애쉬베리 지역에서, 반문화의 중심지로 인정받는 병장.[375] 음악 저널리스트 앨런 클레이슨(Alan Clayson)에 따르면, 장난꾸러기 메리 밴드(Merry Band of Picksters)와 같은 길거리 사람들이 "비틀 리딩"을 제공하면서 페퍼는 "인생의 코드"로 여겨졌습니다.[376] 미국의 사회운동가인 애비 호프만은 이 음반이 1967년 10월 모베베트남 전쟁 반대 집회 동안 미 국방부의 공중부양을 시도한 것에 대한 그의 영감이라고 생각합니다.[377] 버드의 데이비드 크로스비(David Crosby)는 이후 1970년까지 앨범의 강력한 감정이 베트남 전쟁을 막기에 충분하지 않았다고 놀라움을 표했습니다.[378]

페퍼 병장은 프랭크 자파(Frank Zappa)가 1968년에 발표한 '마더스 오브 이노베이션'의 앨범 'We're Only in It for the Mothers for the Money'에 실린 반문화와 꽃의 힘에 대한 패러디를 통해 이를 알렸습니다.[379][380] 음악평론가 그릴 마커스(Greil Marcus)에 따르면 1968년까지 병장. 페퍼는 미국 생활의 정치적, 사회적 격변의 감정적 배경에서 얕게 보였습니다.[381] 사이먼 프리스(Simon Frith)는 1967년 'The History of Rock' 개요에서 병장이 다음과 같이 말했습니다. 페퍼는 청소년 운동의 중심에 있는 낙관주의와 권한 이양 의식을 전달함으로써 "올해를 정의"했습니다. 그는 벨벳 언더그라운드의 "The Velvet Underground & Nico"가 비틀즈의 메시지와 "탈출을 제공하지 않는다"는 것과 극명한 대조를 이루는 앨범으로 1970년대에 "The Sex Pistols, 새로운 정치적 공격, 거리의 폭동"으로 대표되는 문화적 풍토에서 더욱 관련성이 높아졌다고 덧붙였습니다.[311] 1987년 Q 잡지에 대한 리뷰에서 찰스 샤어 머레이병장이 다음과 같이 주장했습니다. 1989년 대중음악 백과사전에서 콜린 라킨은 "그것은 60년대 후반 신화와 아이콘화의 중심 기둥으로 남아있다"[382]고 말하고 있습니다: "그것은 팝아트, 화려한 패션, 마약, 그리고 60년대 청소년 문화의 구성 요소들을 포함하는 단순한 팝 앨범이 아니라 문화적 아이콘으로 밝혀졌습니다. 즉각적인 신비주의와 부모의 통제로부터의 자유."[383]

대중음악의 문화적 정당성

케빈 데트마르(Kevin Dettmar)는 옥스퍼드 영국 문학 백과사전에서 병장이 이렇게 썼습니다. 페퍼는 "대중적인 성공과 비평가들의 찬사를 합쳐 20세기 예술에서 유례를 찾을 수 없었습니다. 미학적이고 기술적인 걸작이 이렇게 인기를 누린 적은 없었습니다."[384] 록 프레스와 보다 문화적으로 엘리트적인 출판물로부터 받은 수준의 관심을 통해, 이 음반은 대중 음악에 대한 완전한 문화적 정당성과 진정한 예술 형태로서의 매체에 대한 인정을 얻었습니다.[337][385] 라일리는 팝이 1964년에 "최소한 어려운 날의 밤에" 이 인가를 받았기 때문이라고 말합니다.[386] 그는 앨범의 발매 시기와 리셉션이 "병장님"을 보장한다고 덧붙였습니다. 페퍼는 유명한 작품들이 더 큰 의미와 상관없이 종종 가정하는 일종의 대중영합적인 찬사를 받았습니다. 바로 비틀즈의 '모나리자'입니다."[387] 1968년 3월 제10회 그래미 어워드에서 병장. 페퍼는 4개 부문에서 상을 수상했습니다.[388] 올해의 앨범, 최고의 컨템포러리 앨범, 최고의 엔지니어링 레코딩, 비클래식, 최고의 앨범 커버, 그래픽 아트.[389] 올해의 앨범 부문에서 이 상을 받은 것은 록 LP가 처음이었습니다.[390][391]

당시 비틀즈를 진지한 음악가로 합법화하는 데 도움을 준 인정받는 작곡가들 중에는 루치아노 베리오, 아론 코플랜드, 존 케이지, 네드 로렘, 레너드 번스타인이 있었습니다.[392] Rodriguez에 따르면, 과장된 요소가 병장에 대한 찬사 중 일부를 수반했습니다. 페퍼는 특히 로렘, 번스타인, 타이난의 극찬과 함께 "마치 모든 비평가들이 비틀즈의 새로운 방향에 대한 가장 호화로운 포용을 위해 다른 비평가들을 능가하려고 노력하는 것처럼"했습니다.[393][nb 32] 겐드론이 보기에, 문화적 승인은 타임뉴스위크가 비틀즈의 예술성을 인정하고 록 비평의 새로운 분야를 주도한 후, 그들의 "낮은 중간자"에 해당하는 것들 위에 자리 잡으려는 미국의 "하이브로우" 해설자들(로렘과 포이리에)을 대표했습니다.[395] 겐드론(Gendron)은 이 담론을 6개월 동안 "고풍의" 작곡가와 음악학자들이 비틀즈에 대한 확실한 평가를 열기 위해 "조슬(jostl[ed])"한 담론으로 설명합니다.[396][nb 33]

이 음반이 문학과 학술지에 실린 관심 외에도, 미국의 재즈 잡지인 Down BeatJazz는 모두 처음으로 록 음악을 다루기 시작했고, 후자는 결과적으로 Jazz & Pop으로 이름을 바꾸었습니다.[400] 게다가 병장님을 따라서요. 보그, 플레이보이, 샌프란시스코 크로니클과 같은 설립된 미국 출판물인 페퍼는 보통 재즈 비평을 위한 용어로 록을 예술로서 논의하기 시작했습니다.[401] 1969년 롤링스톤스에 기고한 마이클 라이던(Michael Lydon)은 평론가들이 팝의 음악적 발전에 걸맞게 "새로운 비평"을 창안해야 했다고 말했습니다. "글을 쓰는 것은 음악에 대한 적절한 반응이어야 합니다. 예를 들어, 병장에 대해 쓰는 것입니다. 페퍼, 병장님만큼 좋은 글을 쓰시려고 노력하셔야 했어요. 후추. 왜냐하면, 물론 그 기록을 아름답게 만든 것은 그것이 당신 안에서 만들어낸 아름다운 반응이었기 때문입니다. 만약 당신의 서면 응답이 당신의 청취 응답에 충실했다면, 그 글은 그 기록과 동등한 창조물로서 그 자체로 서 있을 것입니다."[402]

샤프너 병장은 "진지한" 작곡가들의 수용을 통해. 페퍼는 젊은이들의 취향과 일치하는 것으로 보이고 싶어하는 단호한 중년의 미국 청중들의 야망을 만족시켰고, 그 후 모든 주요 록 LP들에게 동일한 수준의 비평적 분석이 주어졌습니다.[335] 1977년, LP는 엘리자베스 2세의 실버 주빌리의 일환으로 지난 25년간 최고의 영국 음악을 기념하기 위해 BPI가 개최한 [403] 번째 Brit Awards에서 최고의 영국 앨범상을 수상했습니다.[404] 1987년 EMI가 비틀스의 카탈로그를 CD로 발행했을 때, 병장. 페퍼는 전용 발매를 제공하는 유일한 앨범이었습니다.[405] EMI는 "콤팩트 디스크로 발매된 음반 중 가장 중요한 음반"이라고 홍보했습니다.[406]

대중음악의 발전

산업 및 시장 변화

[병장 때문에. 페퍼] 사람들은 앨범을 만드는 데 1년을 쓸 수 있다고 생각하기 시작했고, 앨범을 단순한 음악적 구성이 아닌 음향적 구성으로 생각하기 시작했습니다. 그 아이디어는 단순히 라이브 공연을 재현하는 것이 아니라 그 자체로 하나의 공연으로서 하나의 레코드를 점차 형성하고 있었습니다.[407]

– Producer and EMI engineer Alan Parsons

줄리엔은 병장을 묘사합니다. 페퍼는 "영국 사이키델리아의 걸작"이라며 "녹음실이 작곡 도구로 변신한 전형"이라고 말해 '대중음악이 축음기 작곡의 시대로 접어든 순간'을 알립니다.[408] 많은 행위들이 앨범의 사이키델릭 사운드를[409] 모방하고 제작 기법을 모방하여 제작자의 역할을 빠르게 확장시켰습니다.[410] 이와 관련하여, 레논과 매카트니는 마틴이 앨범 제작에 있어서 그의 역할에 대해 너무 많은 관심을 받았고,[411] 비틀즈가 그들의 오랜 프로듀서에 대해 분개하기 시작했다고 불평했습니다.[412][nb 34]

1987년 롤링 스톤의 앤서니 드커티스(Anthony DeCurtis)는 병장을 묘사했습니다. 페퍼는 "로큰롤에 혁명을 일으킨" 앨범으로,[413] 음악 저널리스트 앤디 그린과 스콧 플라겐호프는 앨범 시대의 시작을 알렸습니다.[414][415] 발매 후 몇 년 동안, 간단한 로큰롤은 확장된 형태에 대한 관심으로 대체되었고, 음악 산업 역사상 처음으로 음반 판매량이 싱글 음반 판매량을 앞질렀습니다.[416] 굴드의 설명에 따르면 병장. 페퍼는 "1956년 엘비스 현상과 1963년 비틀매니아 현상으로 촉발된 초기 팝 폭발을 훨씬 능가하는 방식으로 음반 사업의 미학과 경제성에 혁명을 일으킬 앨범 포맷 록에 대한 대중의 열광의 폭발 촉매제"였습니다.[417] 음반회사 경영진들이 기존 공식을 무시한 새로운 행위의 매력에 눈이 멀었지만, 음악 산업은 빠르게 10억 달러 규모의 기업으로 성장했습니다.[418]

음악평론가 그렉 코트병장이 이렇게 말했습니다. 페퍼는 "더 이상 청취자들이 3분짜리 싱글 모음으로 밤을 비틀지 않고 연속 20분짜리 앨범 측면에서 자신을 잃고 아티스트가 이끄는 여정을 떠나는 앨범 중심의 록을 만들기 위한 템플릿"을 소개했습니다.[419] 무어가 보기에, 이 음반은 학생들이 점점 더 이 장르를 받아들이고 음반 회사들이 이 새로운 시장을 목표로 하는 레이블을 출시하면서 "노동자 계층의 뿌리에서 대학 서킷의 후속 위치로 록의 재편성"을 예고하는 데 "중대한" 것이었습니다.[420] 병장의 또 다른 결과로. 페퍼, 미국 레코드 회사들은 롤링 스톤스, 킨크스, 도노반과 같은 영국의 주요 공연자들의 앨범 내용을 더 이상 변경하지 않았으며, 그들의 LP는 아티스트의 의도된 구성으로 발매되었습니다.[421]

앨범과 예술성

시모넬리에 따르면 병장님. 페퍼(Pepper)는 록 음악가들, 특히 영국인들이 팝스타보다는 아티스트로서의 자기 정체성을 위해 노력할 수 있는 기준을 세웠고, 이를 통해 낭만주의 전통에서와 같이 모든 상업적 관심사를 희생시키면서 창의적인 비전이 지배했습니다.[422] 미국에서 이 앨범은 핑크 플로이드인크레더블 스트링 밴드와 같은 영국 그룹들에게 길을 열어주었고, 그들의 작업은 병장의 절충적이고 신비주의적이며 도피주의적인 특성을 반영했습니다. 후추.[418]

비틀즈의 예에 따라, 많은 활동들이 그들의 앨범을 만드는데 스튜디오에서 수개월을 보냈고, 예술적인 미학에 중점을 두었고, 비평가들의 승인을 얻기를 희망했습니다.[409] 병장의 영향을 받은 여러 LP 중. Pepper were Jefferson Airplane's After Bathing at Baxter's, the Rolling Stones' Their Satanic Majesties Request[324] and the Moody Blues' Days of Future Passed, all released in 1967;[423] and the Zombies' Odessey and Oracle, the Small Faces' Ogdens' Nut Gone Flake[424] and the Pretty Things' S.F. Sorrow, all issued the following year.[425] 이후 모든 록 앨범은 Sgt에 대해 측정되었습니다. 후추.[409] 웨너는 사타닉 여왕의 요청에 대해 언급하면서 "후 병장"을 언급했습니다. 비틀스만큼 혁명적인 '진보적', '중대한', '다른' 앨범을 내려고 노력하는 후추 함정. 하지만 그것은 이루어질 수 없었습니다. 왜냐하면 오직 비틀즈만이 비틀즈의 앨범을 낼 수 있기 때문입니다."[426]

가디언지는 이 앨범이 칼라 블리에게 미친 영향을 "댄스 음악 역사상 50개의 주요 사건" 중 하나로 봤습니다.[427] 블리는 병장에 대한 음악적 반응을 만드는 데 4년을 보냈습니다. 1971년[425] 발매된 아방재즈 트리플 앨범인 에스컬레이터 오버 더 힐(Escaler Over the Hill[428])은 록, 인도재즈 퓨전, 챔버재즈를 결합한 앨범입니다.[427] 로저 워터스병장을 인용했습니다. 1973년 핑크 플로이드가 앨범 The Dark Side of the Moon을 만들 때 페퍼는 영향을 주었습니다. "저는 레논, 매카트니, 해리슨으로부터 우리의 삶에 대해 쓰고 우리가 느낀 것을 표현하는 것이 괜찮다는 것을 배웠습니다. 그 어떤 기록보다도 저와 제 세대는 우리가 원하는 것을 무엇이든 할 수 있도록 허락했습니다."[425][nb 35]

이후 수십 년 동안 음악 활동은 그들의 주요 예술 작품을 "우리 병장"이라고 불렀습니다. 후추.[429] 이와 관련하여 모조지프린스 오브 더 월드 어라운드 인 어 데이(1985), 티어스피어스 오브 러브(1989), 스매싱 펌킨스멜론 콜리와 무한 슬픔(1995), 라디오헤드오케이 컴퓨터(1997), 오아시스의 비 히어 나우(1997), 플라밍 립스소프트 게시판(1999)을 "좋거나 나쁘거나…"하는 앨범으로 인정합니다. 병장이 없었더라면 존재하지 않았을 것입니다. 후추.[430] 존 해리스는 2007년 모조를 위해 쓴 글에서 앨범의 영향력은 2004년 그린 데이의 앨범 American Idoty의 야심찬 노래 사이클에서 그날스 바클리의 "아이덴티티 게임"에 울려 퍼지며, 그 점에서 데이먼 앨번웨인 케인과 같은 모험적인 음악가들에게 주어졌다고 말했습니다. 그리고 특히 가장 중요한 예술가들이 "progress"하고 아마도 "영향력, 경험, 그리고 야망이 우리의 마음을 날려버릴 수 있는 어떤 것으로 합쳐지는 분수령으로 ascend"할 것이라는 관객들의 기대 속에서.

스타일리시한 전개

페퍼 병장은 미국 애시드 록(또는 사이키델릭 록) 씬의 밴드에 큰 영향을 미쳤습니다.[431] 라베졸리는 1967년 인도 클래식 음악이 서구에서 받아들여지는 데 핵심적인 요소로 보고 있으며, 장르는 사이키델릭 음악에 완전히 흡수되었습니다.[432][nb 36] 페퍼 병장은 앨범의 자의식적인 가사, 스튜디오 실험, 기존 3분 트랙의 장벽을 확장하려는 노력으로 인해 프로그레시브 록을 탄생시킨 것으로 일반적으로 인정받고 있습니다.[434] 아톰 하트 마더와 같은 핑크 플로이드 음반에 영향을 미쳤을 뿐만 아니라, 로버트 프립이 킹 크림슨을 결성할 때 영감을 주는 원천이었습니다.[428] 밴드의 1969년 데뷔병장에 대한 경의를 표하기 위한 것이었습니다. 후추.[425]

맥팔레인은 주제적 통일성에 대한 우려에도 불구하고 병장은 이렇게 쓰고 있습니다. 페퍼는 "대중음악에서 최초의 진정한 개념의 앨범으로 널리 여겨지고 있습니다."[249] 작가 Martina Elicker에 따르면, 이전의 예들에도 불구하고, 그것은 병장이었습니다. 비평가와 청취자들에게 "팝 앨범의 기초가 되는 개념과 통합된 구조"라는 개념을 친숙하게 하여 "콘셉트 앨범"[435]이라는 용어를 유래시킨 후추. 병장까지. 페퍼, 음악가들은 그들의 컨셉 앨범에서 점점 더 문학적이고 사회학적인 주제들을 탐구했고 그것의 반체제적인 정서를 채택했습니다.[436] 그것은 또한 The Who's double album Tommy와 뮤지컬 Jesus Christ Superstar와 같은 락 오페라 작품에 영감을 주었습니다.[425]

작가 케어스 윈 존스(Caries Wyn Jones)는 펫 사운드(Pet Sounds)와 병장을 찾습니다. 예술 록의 시초로 후추.[437] 도일 그린이 그 병장이라고 하더군요 페퍼는 비틀즈가 공식적인 노래 구조 안에서 후자를 제시했음에도 불구하고 "대중 음악과 아방가르드/실험 음악의 집합에서 중요한 위치"를 제공합니다.[438] 그는 또한 밴드가 보통 모더니즘으로 여겨지지만, 자의식적인 예술성, 아이러니와 패스티치의 통합을 통해 앨범이 "결정적인 포스트모더니즘의 순간으로 들릴 수 있다"고 말하고, "분명히 록 음악이 고모더니즘과 반대되는 포스트모더니즘으로 진입한 것을 표시했다"고 말합니다.[439] 1970년대에 글램 록 액트는 비틀즈가 지그 스타더스트를 가장했을 때 데이비드 보위[440]포함하여 분신 페르소나를 사용하는 것을 공동 반대했습니다.[441]

그래픽 디자인

잉글리스는 병장의 중요성에 대한 거의 모든 설명이 있다고 말합니다. 페퍼는 이 표지의 "음악과 예술, 시간과 공간 사이의 전례 없는 일치"를 강조합니다.[442] 이 표지는 음반 예술을 비평적 분석을 위해 존경받는 주제로 높이는 데 도움을 주었고, 이후 "대중 음악의 구조와 문화"가 그 이전의 방식으로 지적 담론을 정당화할 수 있습니다. 페퍼 – "화려한 자만심"처럼 보였을 것입니다.[443] 는 다음과 같이 적습니다. 페퍼] 표지는 시각적, 미적 특성이 획기적인 것으로 평가되어 왔으며, 혁신적이고 상상력이 풍부한 디자인으로 찬사를 받았으며, 그래픽 디자인 산업을 대중 음악으로 확장하는 데 초기 원동력을 제공한 것으로 인정받고 있습니다. 그리고 예술과 팝 사이의 연관성을 분명히 하는 데 큰 책임이 있는 것으로 인식됩니다."[443]

페퍼 병장은 런던의 부티크 샵에서 채택한 밀리터리 스타일 패션의 인기 있는 유행에 기여했습니다.[444] LP가 발매된 후, 록 활동은 커버 아트에 더 많은 배려를 주었고 점점 더 그들의 앨범 아트워크와 음반의 음악적 진술 사이에 주제적인 연결고리를 만들려고 노력했습니다.[409][nb 37] 라일리는 이 커버를 "팝 아트가 제작한 가장 잘 알려진 작품 중 하나"라고 설명하는 반면,[448] 노먼은 "역대 가장 유명한 앨범 커버"라고 부릅니다.[449] 비틀즈의 1968년 자칭 더블 LP는 평범한 흰색 소매로 화이트 앨범으로 알려지게 되었고,[450] 밴드는 이 앨범을 사이키델릭 이미지와 병장에게서 영감을 받은 앨범 커버의 물결과 대조적으로 선택했습니다. 후추.[451] 1990년대 후반, BBC는 병장을 포함시켰습니다. 페퍼 커버는 20세기 예술과 디자인의 영국 걸작 목록에 있으며 빨간색 전화 박스, 메리 퀀트미니스커트, 미니 모터카보다 앞서 있습니다.[271]

소급감정

전문가 등급
리뷰 점수
원천순위
올뮤직[452]
데일리 텔레그래프[453]
대중음악 백과사전[454]
뮤직하운드 록5/5[455]
붙여넣기89/100[456]
피치포크10/10[415]
Q[382]
롤링 스톤 앨범 가이드[457]
스푸트니크 음악5/5[458]
빌리지 보이스A[459]

비록 처음에 음반에 대한 리차드 골드스타인의 비판에 동의한 비평가들은 거의 없었지만, 1980년대 초반까지 많은 비평가들이 그의 감정을 감상하게 되었습니다.[341] 1979년 그의 책 Strand: 사막 섬을 위한 로큰롤, 그릴 마커스 병장은 묘사했습니다. 후추는 "장난스럽지만 작위적"이고 "그 시대를 위한 데이글로 묘비"입니다.[460][dubious ] 마커스는 이 음반이 "전 세계적인 찬사를 받은" 동시에 "그들만의 자만심"을 가지고 있다고 믿었습니다.[461][nb 38] 펑크 록 저널리즘의 소위 "대부"로 불리는 레스터 뱅스는 1981년에 "골드스타인의 많은 악평이 옳았습니다... 이 음반이 거의 혼자서 로큰롤을 파괴할 수 있는 힘을 가지고 있다고 예측했습니다"라고 썼습니다.[464] 그는 다음과 같이 덧붙였습니다: "60년대 로큰롤은 스스로를 '예술의 형태'로 생각하기 시작했습니다. 로큰롤은 '예술의 형태'가 아니라, 로큰롤은 내장의 밑바닥에서부터 날것의 통곡입니다."[465]

1976년 《빌리지 보이스》에 기고한 글에서, Christgau는 1967년부터 "시대적인 것으로 추정되는 예술 작품"을 다시 검토한 결과, 병장이 이 사실을 발견했습니다. 페퍼는 "역사의 단일 지점에 대해 비정상적으로 구체적인 웅변으로 말하는 의미에서 날짜가 지정된" 한 해의 문화적으로 중요한 음악 속에서 "순간에 구속된" 것으로 나타났습니다. Christgau는 이 앨범의 "좋은 노래 12곡과 진실"에 대해 "아마도 너무 정확하게 연주되었을 것이지만 불평하지는 않을 것입니다."라고 말했습니다.[459] 사이먼 프리스(Simon Frith)는 1981년 평가에서 병장에 대해 설명했습니다. 페퍼는 "모두를 즐겁게 할 수 있는 마지막 위대한 팝 앨범, 마지막 LP"입니다.[466]

후속 세대에 대한 비판적 평가 중 일부가 불만을 품을 수밖에 없었습니다. 어떤 사람들은 밴드 내에서의 밴드 개념의 진부함, 정교한 스튜디오의 속임수, 매카트니의 노래들의 지배(일상적이지만 가벼운 사람과 부르주아로 부당하게 간주됨), 조지 해리슨의 가상 동결, 그리고 영원히 걸려드는 레논의 유일한 에피소드적 관심에 대해 불평했습니다.[467]

– Chris Ingham, 2006

1987년 비틀즈의 카탈로그가 CD로 입수 가능해지자, 리볼버가 밴드의 최고 작품으로 자리매김한 것을 중심으로 비판적인 공감대가 형성되었고, 화이트 앨범은 병장을 능가하기도 했습니다. 많은 비평가들의 평가에는 후추가 있습니다.[468] 병장에 관한 그의 특집기사에서. 페퍼 40주년 기념일모조에게 존 해리스는 그것이 "지진적이고 보편적인" 영향을 미쳤고 1967년과 그 후의 동일시가 되면서 앨범은 "잔인을 위한 패션"이 일상화되었다고 말했습니다.[469][nb 39] 그는 레논의 죽음 이후 매카트니에 대한 일반적인 혐오감과 결합되어 1970년대 동안 베이비세대가 "향수에 찬 자만심"으로 후퇴한 것과 앨범을 동일시했기 때문에 이를 아이콘 클래스 때문이라고 설명했습니다.[469] 해리스는 1985년 NME의 베스트 앨범 목록에서 잡지의 이전 여론 조사에서 1위를 차지한 후 빠진 것을 예로 들며 1974년 다음과 같이 썼습니다.

결코 보편적으로 타락한 것은 아니지만... 페퍼 병장은 아직 완전히 회복되지 않은 상태에서 장기간 구타를 당했습니다. 베스트 비틀 앨범에 정기적으로 도전하고 추월당했습니다... 그것은 펑크 이후 오랜 기간 동안의 몰락으로 비틀즈의 어떤 기록보다 더 큰 고통을 겪었고, 심지어 밴드의 브릿팝 시대의 부활조차도 불가사의하게도 그것의 지위를 향상시키지 못했습니다.[471]

2004년 롤링 스톤 앨범 가이드에 실린 롭 셰필드(Rob Sheffield)는 병장을 묘사했습니다. 페퍼는 "4개의 트랙과 풍부한 상상력, 그리고 한두 개의 약물만 있는 녹음실에서 아티스트들이 어디까지 갈 수 있는지에 대한 폭로"일 뿐만 아니라 "작곡이 아닌 소닉의 걸작"이기도 합니다.[472] Rough Guides에 대한 리뷰에서 Chris Ingham은 앨범의 반대자들은 일반적으로 매카트니의 지배적인 역할, 스튜디오 혁신에 대한 의존, 그리고 납득할 수 없는 개념에 대해 "40분 동안 헤드폰 아래에서 기꺼이 사라지는 두 쌍의 귀가 있는 한... 페퍼 병장은 앞으로도 상당한 주문을 할 것입니다."[467] 2009년 리마스터링된 앨범에 대한 리뷰 중에 데일리 텔레그래프의 닐 매코믹은 다음과 같이 썼습니다. "그것의 영향을 과대평가하는 것은 불가능합니다. 60년대의 현대적인 관점에서 그것은 완전히 충격적이고 독창적이었습니다. 음향 혁신이 주류에 통합된 시점에서 돌이켜보면, 비록 당시보다 약간 더 가볍고 덜 응집력이 떨어지긴 했지만, 그것은 여전히 놀랍고 다채롭고 전혀 있을 것 같지 않은 팝 클래식으로 남아 있습니다."[453] 페이스트의 글을 쓴 마크 켐프는 이 앨범이 "아방 록 천재의 폭발"이지만 "록에서 가장 과대평가된 앨범 중 하나"라고 말했습니다.[456]

BBC 뮤직 평론가 Chris Jones에 따르면, 병장은. 페퍼는 오랫동안 "하이퍼볼의 눈사태"에 휩싸였고, 앨범은 "총합이 전체보다 크기 때문에..." 지속적인 품질을 유지하고 있습니다. 이 사람들은 단지 노래를 녹음하는 것이 아니라, 그들이 계속해서 이 음반을 만들기 위한 것들을 발명하고 있었습니다."[473] 비록 가사, 특히 매카트니의 가사는 "그들의 미국 동료들의 전투성과는 거리가 먼 것이었지만, 그는 "혁명적인 것은 귀를 감싸고 듣는 사람을 다른 영역으로 돌려 보내는 소닉 카펫이었습니다"라고 계속합니다.[474] 올뮤직의 스티븐 토마스 얼와인(Stephen Thomas Erlewine)은 이 음반이 리볼버 "이전에 들어보지 못한 수준의 정교함과 두려움 없는 실험"을 개선한 것이며 다양한 음악 스타일을 결합한 작품이지만 "다양성이 강요된 것 같지는 않다"고 생각합니다. 그는 결론을 내립니다: "병장 이후에. 페퍼, 따라야 할 규칙이 없었습니다. 록 밴드와 팝 밴드는 좋든 나쁘든 무엇이든 시도할 수 있었습니다."[452]

유산

공개적이고 비판적인 인지도 향상

로큰롤 명예의 전당에 오른 존 레논의 의상

페퍼 병장은 21세기까지 엄청난 인기를 유지하면서도 수많은 판매 기록을 깼습니다.[475] 2019년 4월 현재 영국에서 510만부의 인증 판매를 기록하고 있습니다. 페퍼는 영국 차트 역사상 세 번째로 많이 팔린 앨범이자 영국에서 가장 많이 팔린 스튜디오 앨범입니다.[476] 이 음반은 1997년 RIAA가 1100만 장의 판매를 인증한 미국에서 가장 상업적으로 성공한 음반 중 하나입니다.[477] 2000년까지 병장님. 페퍼는 세계적으로 가장 많이 팔린 앨범 20위 안에 들었습니다.[478] 2011년 기준으로 전 세계적으로 3,200만 장 이상이 팔렸고, 역대 가장 많이 팔린 앨범 중 하나가 되었습니다.[479]

페퍼 병장은 많은 "베스트 앨범" 목록에서 1위를 차지했습니다.[480] 1978년 Paul Gambaccini의 저서 "Critical's Choice:"에서 1위로 투표되었습니다. Christgau와 Marcus를 포함한 약 50명의 영미 비평가와 방송인들의 제출물을 기반으로 한 Top 200 Albums,[481][482] 그리고 다시 1987년판.[483] 이 앨범은 또한 롤링 스톤 선정한 "지난 20년간 최고의 앨범 100장"에서 1위를 차지했습니다.[484] 1994년, 이 앨범은 콜린 라킨의 역대 1000 앨범에서 1위를 차지했습니다.[485][nb 40] HMV채널 4가 실시한 1998년 "Music of the Millennium" 여론조사와 [489]영국 전역에서 60만 명을 대상으로 실시한 다음 해 확대 조사에서 역대 최고의 앨범으로 선정되었습니다.[490][491] 이 음반은 다른 비평가들의 여론 조사에서 등장한 것 중 2004년 Q의 "세상을 바꾼 음악"에서 3위, 2005년 같은 잡지의 "역대 가장 위대한 사이키델릭 음반 40장"에서 5위를 차지했습니다.[492]

1993년 병장. 페퍼그래미 명예의 전당에 헌액되었고,[492] 10년 후에는 의회 도서관국가 기록 등록부에 추가하기 위해 선택한 50개의 음반 중 하나가 되었으며, 이 작품을 "문화적, 역사적 또는 미학적으로 중요한" 것으로 기렸습니다.[493] 2003년 롤링 스톤은 잡지의 "역대 가장 위대한 음반 500장" 목록에서 1위를 차지했으며,[494] 2012년 개정 목록에서 유지한 순위를 "비틀스가 녹음 아티스트로 활동한 8년의 정점"이라고 설명했습니다.[495][nb 41] 편집자들도 병장님이라고 했습니다. 페퍼는 "역대 가장 중요한 록앤롤 앨범"이었고,[495] 준 스키너 소이어스는 2006년 자신의 에세이 "Read the Beatles"에서 다음과 같이 덧붙입니다. "이 앨범은 대중 음악 역사상 가장 유명한 앨범으로 불렸습니다. 그것은 확실히 가장 많이 쓰여진 것 중 하나입니다. 그것은 아직도 쓰여지고 있습니다."[498] 2020년 9월에 발행된 롤링 스톤의 세 번째 목록에서 병장. 후추는 24번에 나와요.[499]

2006년 병장님. Pepper타임지가 선정한 역대 최고의 앨범 100개 중 하나로 선정되었습니다.[500] 케빈 데트마르(Kevin Dettmar)는 그 해에 이 음반을 "아주 간단하게, 지금까지 녹음된 가장 중요하고 영향력 있는 로큰롤 음반"이라고 설명했습니다.[384] 이 앨범은 크리스 스미스의 2009년 저서 101 Albums That Changed Popular Music에 수록되어 있으며, 스미스는 이 앨범의 지속적인 상업적 성공, 영감을 준 풍부한 모방 작품, 그리고 "음악 역사상 정의적인 순간"이라는 지속적인 인식으로 인해 포함을 위한 가장 "분명한" 선택 사항 중 하나를 강조합니다.[501] 2014년 NME기사 "가장 믿을 수 없는 25장의 앨범"에서 에밀리 바커는 병장을 묘사했습니다. 후추는 "칼레이도스코픽"과 "그 이후 거의 일치하지 않는 오케스트라 바로크 팝 명작"입니다.[502]

개작, 헌사 및 기념일 프로젝트

"병장"으로 활약하는 프렌치 혼 연주자들. 2005년 라이브 8 런던에서 페퍼의 밴드"

병장. 고추 신화는 노란 잠수함의 줄거리로 재창조되었습니다. 애니메이션 영화에서 비틀즈는 페퍼랜드로 여행을 가서 병장을 구출합니다. 악당들의 페퍼 밴드, 블루 메니즈.[503] 이 앨범은 1974년 오프브로드웨이 뮤지컬 에 영감을 주었습니다. 톰 오호건 감독이 연출한 페퍼의 론리 하츠 클럽 밴드 온 더 로드와 1978년 영화 병장.[504] 로버트 스티그우드가 프로듀싱한 페퍼의 론리 하츠 클럽 밴드.[469] 2012년 7월, 선수들은 병장을 맡았습니다. 런던 올림픽 개막식에서 비틀스의 앨범에 경의를 표하기 위한 페퍼 유니폼.[505]

페퍼 병장은 2007년 3월호 Mojo와 2009년 라이브 앨범인 Sgt[506]포함하여 많은 헌정 앨범의 주제가 되었습니다. '싸구려 속임수'의 페퍼 라이브.[492] 그 밖의 헌사 기록에는 병장이 포함되어 있습니다. 1988년 NME가 발표한 멀티 아티스트 자선 모음집인 페퍼 노우 마이 파더; 빅 대디의 1992년 앨범 Sgt. 무어가 1997년까지 비틀즈의 LP에 대한 모든 해석 중 "가장 대담한" 것으로 인정하는 페퍼와 2014년에 발매된 Flaming Lips의 Without My Fends.[507][508] BBC 라디오 2 방송 병장. 2007년 6월 페퍼 40주년.[509] 이 프로그램에는 EMI의 오리지널 4트랙 녹음 장비를 사용하여 Emerick이 프로듀싱한 Oasis, Killers, Kaiser Chieps와 같은 아티스트의 새로운 버전의 노래가 포함되었습니다.[510][511]

1987년 CD 발매는 상당한 미디어의[481][406] 관심을 끌었고, 이 앨범을 사랑의 여름의 중심에 위치시킨 그라나다 TV 다큐멘터리 "It Twenty Ago Today"와 동시에 출시되었습니다.[512][513] 재발행은 영국 앨범 차트에서[512] 3위로 정점을 찍었고 빌보드 CD 차트에서도 1위를 차지했습니다.[514] 이 앨범의 25주년은 사우스 뱅크 쇼 마틴의 TV 다큐멘터리 "The Making of Sgt"를[515] 발표하면서 지켜졌습니다. 살아남은 세 명의 비틀즈 인터뷰가 포함된 페퍼.[516][nb 42] 비록 30주년을 위한 공식적인 캠페인은 없었지만, BBC 라디오 2는 영국에서 페퍼 포에버를 방송했고, 미국 전역의 약 12,000개 학교는 1997년 6월 2일에 이 음반에 대한 라디오 스페셜을 들었습니다.[519] 라디오 2의 2007년 6월 프로젝트 외에도, 40주년 기념일은 리즈 대학이 영국과 미국 해설가들의 회의를 개최하여 앨범의 사회적, 문화적 영향력의 정도를 논의한 것으로 기념되었습니다.[510]

런던 페퍼 병장 50주년 기념 광고판

2017년 5월 26일 병장. 페퍼의 론리 하츠 클럽 밴드앨범의 50주년 기념으로 6개의 디스크 박스 세트로 재발행되었습니다.[520] 첫 번째 CD에는 자일스 마틴후속 믹스다운이 아닌 1세대 테이프를 사용하여 만든 앨범의 새로운 스테레오 리믹스가 포함되어 있습니다.[521] 애플 군단은 TV 다큐멘터리 병장을 제작했습니다. 기념일을 기념하기 위한 페퍼의 음악 혁명[522]전 세계 도시에서 포스터, 광고판 및 기타 장식으로 축하되기도 했습니다.[523] 리버풀에서 기념일은 앨범의 13곡 각각에 헌정된 행사들을 포함하는 3주간의 문화 축제의 초점이었습니다.[524] 축제의 일환으로, 마크 모리스병장의 노래 중 4곡에 페퍼랜드의 안무를 맡았습니다. 에단 아이버슨이 편곡한 페퍼와 페니 레인, 그리고 아이버슨이 작곡한 6곡의 오리지널 작곡,[525] 그리고 해리슨이 장르에 흡수한 것을 인정하여 인도 음악의 새벽부터 새벽까지 기념식이 열렸습니다.[524][526] 병장 50주년 기념판. 페퍼는 영국 앨범 차트에서 1위를 했습니다.[475]

트랙리스트

조지 해리슨의 〈Within You Without You〉를 제외한 모든 곡은 레논-매카트니가 작곡했습니다. 마크 루이스온과 이안 맥도널드의 트랙 길이와 리드 보컬.[527]

사이드 원
No.제목리드 보컬길이
1.페퍼 병장의 론리 하츠 클럽 밴드매카트니2:00
2."내 친구들의 작은 도움으로"2:42
3."다이아몬드가 있는 하늘의 루시"레논3:28
4."Getting Better"매카트니2:48
5."구멍 고치기"매카트니2:36
6."그녀는 집을 떠납니다"매카트니 with 레논3:25
7."연씨의 이익을 위해!"레논2:37
총길이:19:36
사이드 투
No.제목리드 보컬길이
1."당신 없이 당신 안에"해리슨5:05
2.내가 예순네 살 때》매카트니2:37
3.러블리 리타매카트니2:42
4.굿모닝 굿모닝레논2:42
5."페퍼 병장의 론리 하츠 클럽 밴드 (Repise)"레논, 매카트니, 해리슨, 스타1:18
6."인생의 하루"레논 위드 매카트니5:38
총길이:20:02

인사

마크 루이스슨과 이안 맥도널드에 따르면,[528] 특별한 언급이 없는 한:

비틀즈

추가 음악가 및 제작

  • Sounds Inc. – "Good Morning Good Morning"의 색소폰, 트롬본 및 프렌치 혼
  • 닐 아스피날 – 탐부라, 하모니카
  • Geoff Emerick오디오 엔지니어링; 테이프 루프, 음향 효과[nb 43]
  • Mal Evans – 셈, 하모니카, 알람 시계, 마지막 피아노 E 코드
  • 조지 마틴 – 프로듀서, 믹서, 테이프 루프, 음향 효과; 《구멍 고치기》의 하프시코드, 하모늄, 로우레이 오르간, 글로켄슈필, 멜로트론[532], 《미스터 카이트의 이익을 위해!》의 해먼드 오르간, 《Getting Better》의 피아노, 《Lovely Rita》의 피아노 독주, 마지막 하모늄 화음.
  • 세션 음악가 – "Sgt"의 4개의 프렌치 호른 페퍼의 론리 하츠 클럽 밴드": 닐 샌더스, 제임스 W. Martin과 McCartney가 편곡하고 지휘한 Buck, John Burdy, Tony Randall, Shila Bromberg가 연주한 하프, 그리고 "She's Leaving Home"의 현악 섹션, Mike Leander가 편곡하고 Martin이 지휘한 Tabla, Natwar Soni의 Tabla, Anna Joshi와 Amrit Gajjar의 Dilrubas, 그리고 "With You Without You"의 Buddadev Kansara의 Tambura,[533] 8개의 바이올린과 4개의 첼로를 해리슨과 마틴이 편곡하고 지휘한 클라리넷 트리오: 로버트 번스, 헨리 맥켄지, 프랭크 레이디, 마틴과 매카트니가 편곡하고 지휘한 "굿모닝 굿모닝"의 색소폰, 그리고 현악기를 포함한 40개의 오케스트라. 마틴, 레논, 매카트니가 편곡하고 마틴, 매카트니가 지휘한 《A Day in the Life》의 브라스, 목관, 타악기.

차트

주간 차트

인증 및 판매

병장에 대한 인증 및 판매.
지역 인증 인증단위/판매
아르헨티나(CAPIF)[585] 2x 플래티넘 120,000^
아르헨티나(CAPIF)[585]
1987년 CD호
3x 플래티넘 180,000^
호주(ARIA)[586] 4x 플래티넘 280,000^
브라질 (친무시카 브라질)[588] 골드 290,000[587]
캐나다 (뮤직 캐나다)[589] 8x 플래티넘 800,000^
덴마크(IFPI Danmark)[590] 3x 플래티넘 60,000
프랑스(SNEP)[591] 골드 100,000*
독일(BVMI)[592] 플래티넘 500,000^
이탈리아(FIMI)[593]
2009년 이후의 매출
플래티넘 50,000
일본 208,000[543]
뉴질랜드(RMNZ)[594] 6x 플래티넘 90,000^
영국(BPI)[595] 18x 플래티넘 5,400,000
미국(RIAA)[596] 11x 플래티넘 11,000,000^
요약
월드와이드 32,000,000[479]

* 인증만을 기준으로 한 매출 수치입니다.
^ 배송 수치는 인증만을 기준으로 합니다.
인증만을 기반으로 한 매출+스트리밍 수치.

참고 항목

메모들

  1. ^ 작가 앨런 J. 위너에 따르면, 앨범의 의도된 발매일인 6월 1일은 이후 수십 년 동안 "전통적으로 관찰"되었지만, 실제 발매일은 5월 26일이었습니다.[1]
  2. ^ 매카트니는 에반스가 식사를 하면서 "소금과 후추"를 요청하는 것을 잘못 들은 것에서 제목에 대한 아이디어가 나왔다고 말했습니다.[30]
  3. ^ 비틀즈는 엘비스 프레슬리가 그의 캐딜락 차를 투어에 보내기로 결정한 것에 대해 종종 농담을 했고,[35] 마틴과 매카트니 모두 그들의 자리에서 비슷한 투어를 하는 것으로 밴드를 상상했던 것으로 기억했습니다.[35][36]
  4. ^ 에머릭이 보기에 병장의 녹음. 페퍼는 매카트니가 비틀즈의 실질적인 프로듀서로 등장한 것을 기념하는데, 마틴은 새벽까지 계속되는 심야 세션이 끝날 무렵에 점점 더 자리를 비우고 있었기 때문입니다.[60]
  5. ^ 윌슨도 러버 소울에서 복잡한 베이스 연주에 깊은 인상을 받았습니다.[64] 매카트니는 나중에 자신과 윌슨, 모타운의 제임스 재머슨이 "그 당시 멜로디 베이스 라인을 하고 있었는데... 모두 서로가 한 일을 이해하고 있었다"고 말했습니다.[65]
  6. ^ "Strawberry Fields Forever"는 키보드 악기인 [67][68]Mellotron을 사용하여 키가 다양한 악기의 테이프 녹음을 유발하여 사용자가 이러한 음성을 사용하여 키보드 파트를 재생할 수 있도록 했습니다.[69]
  7. ^ 2017년 인터뷰에서 스타는 해리슨의 기타 공헌에 대해 이렇게 말했습니다: "사실 폴과 저는 둘 다 페퍼 병장의 [50주년] 기념 을 듣고 그 음반에서 조지의 기타 작업이 얼마나 중요한지 말할 때 그에 대해 이야기하고 있었습니다."[74]
  8. ^ 2월 24일 《Lovely Rita》의 오버더빙 세션에서 비틀즈의 게스트로는 크로스비와 도노반의 기타리스트 숀 필립스가 있었습니다.[85] 비틀즈 월간지에 실린 사진에는 레논, 매카트니, 해리슨, 크로스비가 마이크에 둘러앉아 있는 모습이 담겼으며,[86] 비트 인스트루멘탈의 보도에 따르면 그날 밤 크로스비의 참여로 백 보컬이 녹음되었다고 합니다.[85] 필립스는 나중에 이것을 지지했고 그는 비틀즈 세 명과 함께 백 보컬도 불렀다고 말했습니다.[86] 그러나 필립스의 회상은 다른 사람들에 의해 지지되지 않으며,[86] 대신 그룹 보컬은 3월 7일에 오버더빙되었습니다.[85]
  9. ^ 3월 21일 〈Getting Better〉의 보컬을 녹음하는 동안, 레논은 자신이 어퍼를 차지하려고 했을 때 실수로 LSD를 복용하여 [89]몸이 아프기 시작했습니다.[90] 마틴은 자신이 술에 취한 것을 모른 채 바람을 쐬기 위해 그를 건물 옥상으로 안내한 뒤 스튜디오로 돌아갔습니다. 그들이 레논이 철로가 없는 옥상에 혼자 있다는 것을 알았을 때, 해리슨과 매카트니는 레논을 회수하고 가능한 사고를 막기 위해 달려왔습니다.[91][92]
  10. ^ "Day in the Life" 촬영 이후, 음악 언론은 병장에 대한 아이디어를 종종 보도했습니다. 고추 TV 특집.[95] 비록 7월의 한 보고서는 이 계획이 폐기되었다고 말했지만, 그 때쯤에 비틀즈는 마법의 신비 투어를 만들기로 약속했습니다.[102]
  11. ^ "페퍼 병장"은 "내 친구들의 작은 도움으로"와 "병장"으로 교차 배치되었습니다. 페퍼 리프레시는 "A Day in the Life"로 크로스페이딩 되었습니다.[126]
  12. ^ 군중 소음은 EMI의 테이프 아카이브에서 모아졌습니다. 여기에는 Royal Albert HallQueen Elizabeth Hall에서 웅얼거리는 소리로 녹음된 청중 소리와 1961년 코미디 쇼 Beyond the Fringge에서 마틴이 웃음을 위해 녹음한 소리가 포함됩니다.[160] 오프닝 주변의 소리는 2월 10일 "A Day in the Life" 오케스트라 세션에서 포착되었습니다.[161]
  13. ^ 이 곡의 리드 기타 부분은 매카트니가 연주했고, 매카트니는 해리슨이 이전의 노력을 대체했습니다.[165]
  14. ^ 〈Fixing a Hole〉의 백 트랙은 비틀즈가 EMI 스튜디오에서 마지막 세션을 마련하지 못한 후 런던 중심부에 있는 리젠트 사운드 스튜디오에서 녹음되었습니다.[183]
  15. ^ 매카트니는 "She's Leaving Home"의 스트링 섹션을 마련하기 위해 마이크 리앤더를 고용했는데, 이는 마틴이 다른 아티스트의 세션을 제작하고 있었고 그를 바로 만날 수 없었기 때문입니다.[190] 마틴은 매카트니의 조급함에 매우 화가 났지만,[191] 악보를 쓰는 대로 어느 정도 사용하는 음악가들을 지휘했습니다.[192]
  16. ^ 4월 6일자 첫 번째 주행 순서에서 "연씨의 이익을 위해!"는 "내 친구들의 작은 도움으로"에 이어 세 번째 트랙으로 순서가 정해졌습니다.[200]
  17. ^ 레논은 당시 대부분의 음반 연주자들과 화자들이 1987년 CD 버전이 출시될 때까지 많은 청취자들이 들을 수 없었던 음색을 재현할 수 없다는 것을 몰랐습니다.[244]
  18. ^ 런아웃 그루브에 담긴 오디오를 역으로 재생하고 속도를 줄이면 매카트니는 스타와 해리슨이 키득거리는 모습을 배경으로 "슈퍼맨처럼 너를 괴롭히겠다"고 외치는 소리가 들립니다.[246] 작가 윌 로마노는 이런 식으로 병장을 언급합니다. 페퍼는 'Freak Out!'처럼 말도 안 되는 보컬로 마무리합니다.[247]
  19. ^ 노먼은 병장의 신원도 확인했습니다. 후추는 "다른 곳에서, 전례가 없고, 실제로 위험한 정도로 자랐습니다." 그는 이 조합의 결론을 내립니다: "그것의 엄청난 풍부함은 비틀즈가 투어를 포기한 것에 대해 그들의 팬들에게 보상하기를 바라는 의식적인 바람을 반영합니다. 녹음실에서 헤드폰 사이에 끼여 있던 그들은 동굴을 떠난 이후로 그 어느 때보다 더 신나고, 더 친밀한 라이브 쇼를 선보였습니다."[254]
  20. ^ 블레이크는 하워스가 군중을 상상의 청중으로 표현하기 위해 아이디어를 고안했다고 말했습니다. 블레이크에 따르면, 매카트니의 원래 생각은 비틀즈가 에드워드 시대의 응접실에서 그들의 영웅들의 초상화로 가득 찬 벽 앞에서 포즈를 취하는 것이었습니다.[258]
  21. ^ 잉글리스는 1970년 병장을 묘사한 조지 멜리(George Melly)를 의역하고 있습니다. "지하 세계의 축소판"으로서의 후추 덮개.[264]
  22. ^ 병장. 후추 덮개가 분석의 광란을 일으켰습니다.[273] 잉글리스는 대중음악에서 음반만큼 음반 예술이 주목을 받은 유일한 사례로 이를 꼽습니다. 그는 커버의 몇 가지 요소를 다음과 같이 언급합니다: 비틀즈는 무덤 주위에 서 있고, 매카트니의 머리 위에 있는 손은 "죽음의 상징"으로 간주되며, 뒷면 커버에서는 카메라를 외면합니다.[274]
  23. ^ 바보는 LP 커버 디자인도 제출했지만 비틀즈는 거절했습니다.[277]
  24. ^ 맥도널드는 조지프 록우드 EMI 회장이 "부자 연상의 여성"들이 바닥에 앉아 앨범의 노래를 부르기 시작한 저녁 파티에 참석했던 기억과 제퍼슨 에어플레인 기타리스트 폴 칸트너가 시애틀 호텔 로비에서 밤새 LP를 연주했던 모습을 100여 명의 팬들에게 들려준 것을 예로 들고 있습니다. 칸트너는 나중에 이렇게 말했습니다: "그 당시에 어떤 것이 전 세계를 뒤덮었고 그것은 르네상스로 폭발했습니다."[298]
  25. ^ 마일스는 킹스 로드를 따라 있는 "모든 상점"에서 이 음반이 연주되는 것을 들었고, 뉴욕의 가장 유행하는 지역에서도 마찬가지로 어디에서나 볼 수 있었다고 회상합니다. 그는 이 음반을 "그 여름과 그 겨울의 사운드트랙"으로 기억합니다. 당신은 그것에서 벗어날 수 없었을 뿐입니다."[300]
  26. ^ 매카트니의 동기를 의심했지만, 레논과 해리슨은 엡스타인과 함께 그들도 LSD를 복용했다고 발표함으로써 그들의 지지를 증명했습니다.[316][317] 지난 7월 비틀스 4명 모두 마리화나 합법화를 요구하는 청원서에 서명을 추가하고 타임즈지 전면 광고에 게재 비용을 지불했습니다.[318]
  27. ^ 6월 4일, 지미 헨드릭스 익스피리언스는 런던의 사빌 극장에서 "병장"을 공연하며 쇼를 시작했습니다. 후추.[320] 엡스타인은 당시 사빌을 임대했고,[321] 해리슨과 매카트니가 공연에 참석했습니다.[320] 매카트니는 그 순간을 묘사했습니다: "커튼이 다시 날아왔고 [헨드릭스]가 병장을 연기하며 앞으로 걸어왔습니다. 후추... 저는 그것을 제 경력의 큰 영광 중 하나로 삼았습니다."[322]
  28. ^ 무어에 따르면 골드스타인의 위치는 그 당시 단일 앨범 중 가장 많은 것으로 특징짓는 주로 긍정적인 현대 리뷰어 그룹 중에서 예외였습니다. 그는 재즈 애호가들이 쓴 것으로 추측되는 부정적인 편지들이 멜로디 메이커에 보내졌다고 덧붙였습니다.[352]
  29. ^ 이 곡에서 골드스타인은 비록 이 앨범이 비틀즈의 이전 작품들 중 최고와 동등하지는 않지만, 그는 이 앨범을 "주변 음악의 80% 이상"이라고 생각한다고 설명했습니다. 그는 또한 "작곡들이 그들의 음악적이고 서정적인 필수 요소들로 벗겨질 때" 그 제작 아래에서, LP가 그 그룹의 음악에 "개선이 없는 정교함"을 보여주었다고 말했습니다.[355]
  30. ^ 레어리는 1968년 자서전 하이 프리스트에서 병장의 가사를 각색했습니다. 페퍼는 사이키델릭 경험과 더 높은 의식을 향한 여정을 연관시킵니다.[367]
  31. ^ 1967년 8월, 비틀즈 북은 이 앨범이 "보통 팝 팬들에게 너무 앞선 것인지"에 대해 논의하는 기사를 출판했습니다. 한 독자는 "병장님"을 제외한 모든 노래가 불평했습니다. "페퍼"와 "When I'm Sixt-Four"는 "우리의 머리 위에" 있었고, "비틀즈는 그렇게 영리하게 굴지 말고 우리가 즐길 수 있는 곡조를 주어야 한다"고 덧붙였습니다.[300]
  32. ^ 1967년 11월 Down Beat 잡지에 실린 기사에서 존 가브리는 비틀즈가 록 음악에 익숙하지 않고 The Mothers of Invention과 The Who와 같은 경쟁자들의 발전을 모르는 작가들로부터 지나친 찬사를 받고 있다고 불평했습니다.[394]
  33. ^ 〈I Am the Walrus〉에 대한 레논의 가사는 의도적으로 말도 안 되는 것이었고 비틀즈의 작품에 대한 해설자들의 분석, 특히 〈Lucy in the Sky with Diamonds〉에 대한 해석을 혼란스럽게 하기 위한 것이었습니다.[397] 해리슨은 나중에 병장님이라고 말했습니다. 페퍼는 "음악사의 이정표이자 맷돌"이 되었습니다. 그가 보기에, "내가 좋아하는 노래의 반 정도가 있고 나머지 반은 참을 수 없기 때문에" 그 밴드의 이전 두 앨범의 옆에 희미해졌습니다.[398] 레논은 발매 후 몇 년 동안 공개적으로 앨범을 폄하했는데,[399] 이는 마틴과 다른 스튜디오 직원들의 기분을 상하게 한 반전이었습니다.[83]
  34. ^ 그룹은 타임이 병장을 언급한 것에 대해 특히 짜증이 났습니다. "조지 마틴의 새 앨범"[412]으로 페퍼. 몇 년 후 매카트니는 "우리는 그가 우리를 도와주는 것을 개의치 않지만 그의 앨범은 아닙니다. 그리고 그것에는 약간의 씁쓸함이 있을 것입니다."[73]
  35. ^ 병장님 말씀 듣고. 페퍼, 샌디 데니(Sandy Denny)는 포크 가수로서의 솔로 활동을 포기하기로 결정하고 밴드 페어포트 컨벤션(Fairport Convention)에 합류했습니다. 크로스비는 이전의 비틀즈 발매가 그에게 경쟁 본능을 불러일으켰을 수도 있지만, 병장과 함께 그에게 경쟁 본능을 불러일으켰을 수도 있다고 회상했습니다. 페퍼 "그들은 모든 사람들보다 훨씬 앞섰습니다... 하지만 그것은 영감을 주었습니다. 제가 하고 싶었던 것은 같은 자유를 가지고 제 음악에 접근하는 것이었습니다."[300]
  36. ^ 라베졸리는 병장을 인용합니다. 페퍼 그래미 올해의 앨범상 수상과 함께 인도에서 영향을 받은 앨범이 매년 그래미 어워드에서 록, 클래식, 재즈를 아우르는 부문에서 수상한 것은 샹카르와 바이올리니스트 예후디 메뉴힌(웨스트 이스트), 듀크 엘링턴(파 이스트 스위트)이 유일합니다.[433]
  37. ^ 이 작품의 단서들 때문에, 병장님. 페퍼는 1969년 말에 빌보드 LPs 차트에 복귀했는데, "폴은 죽었다"는 소문이 한창일 때였습니다.[445][446] 이 음모론에서 한 가지 논쟁은 비틀즈에서 매카트니가 윌리엄 시어스 캠벨, 즉 빌리 시어스라는 사람으로 대체되었다는 것입니다.[447]
  38. ^ Riley에 따르면 Rubber SoulRivolver는 "직관의 기적"이며 "병장"과 비교됩니다. 고추는 자만심이 강해요."[462] 는 병장을 묘사합니다. 페퍼는 "리볼버의 힘을 반영할 수밖에 없는 결함이 있는 걸작"입니다.[463]
  39. ^ 1998년 팝스타, DJ, 언론인들을 대상으로 한 멜로디 메이커의 여론조사에서 이 앨범은 역대 최악으로 뽑혔으며, 잡지의 편집장 마크 서덜랜드는 다음과 같이 논평했습니다: "이 여론조사는 사람들이 비틀즈가 최고의 록 밴드로서 그들의 목을 조르는 것에 진절머리가 났다는 것을 보여줍니다. 훌륭한 새로운 음악을 위한 길을 열어줄 때입니다." 조사 대상자 중 한 명인 음악가이자 저널리스트인 존 롭(John Robb)은 이 앨범을 "락앤롤의 낮은 수위"라고 선언하며 비틀즈의 콧수염을 이를 나타내는 것으로 강조했습니다.[470]
  40. ^ 4년 후 출간된 이 책의 두 번째 판에서 리볼버병장과 함께 1위에 올랐습니다. 페퍼가 2위를 차지했고 화이트 앨범이 그 뒤를 이었습니다.[486] 2000년에 출판된 제3판에서는 병장. 페퍼리볼버라디오헤드의 더 벤츠에 이어 3위를 차지했습니다.[487][488]
  41. ^ 에디터들은 앨범에 대한 영향력을 인정받아 펫사운드를 2위로 선정했습니다.[496] 1997년 비치 보이스의 CD 재발매에 대한 라이너 노트에서 마틴은 "펫 사운드 없이, 병장님. 후추는 절대 일어나지 않았을 것입니다... 페퍼펫사운드와 동등하게 하기 위한 시도였습니다."[497]
  42. ^ 병장의 제작. 페퍼는 1992년 9월 디즈니 채널을 통해 미국에서 처음 방송되었습니다.[516] 이 채널의 가족 이미지에 [517]맞춰 밴드 멤버들이 앨범 제작에 마약이 작용한 역할에 대해 언급한 내용을 방송에서 잘라내고 대체 영상으로 대체했습니다.[518]
  43. ^ Martin이 Emerick on Sgt에 대한 엔지니어의 신용을 확보하려는 노력에도 불구하고. 페퍼, EMI는 요청을 거절했습니다.[290] 그럼에도 불구하고 에머릭은 1968년 그래미 어워드 비클래식 최우수 엔지니어드 앨범상 수상자였습니다.[531]

참고문헌

  1. ^ 위너 1992, 페이지 31.
  2. ^ 마일즈 1997, 페이지 303.
  3. ^ Lewison 2010, p. 210.
  4. ^ 비틀즈 2000, 페이지 229.
  5. ^ 맥도날드 2005, 페이지 212.
  6. ^ a b Martin & Pearson 1994, p. 7.
  7. ^ Lewisson 2010, p. 211; Martin & Pearson 1994, p. 7.
  8. ^ 맥도날드 2005, 페이지 212-13.
  9. ^ a b 맥도날드 2005, 페이지 213.
  10. ^ 루이스온 2010, p. 230: 비틀즈의 최종 상업 공연; 터너 2016, p. 295, 299: 티켓 판매 감소, 1965년 기록적인 관객 수; 맥도날드 2005, p. 213: 서브파 공연.
  11. ^ 샤프너 1978, 페이지 58-59.
  12. ^ Julien 2008b, p. 1.
  13. ^ 굴드 2007, 페이지 367.
  14. ^ a b Julien 2008b, p. 2.
  15. ^ a b 에버렛 1999, 페이지 71.
  16. ^ Rodriguez 2012, 페이지 18.
  17. ^ Sounes 2010, 페이지 158-59.
  18. ^ 터너 2016, 364-65쪽.
  19. ^ Womack 2007, pp. 158, 160-61.
  20. ^ 해리 2000, 페이지 323, 333; 줄리엔 2008b, 페이지 2.
  21. ^ 굴드 2007, 페이지 388.
  22. ^ Rodriguez 2012, 페이지 54-56.
  23. ^ 굴드 2007, 388-89쪽.
  24. ^ 터너 2016, 페이지 332-33.
  25. ^ a b c d 에버렛 1999, 페이지 99.
  26. ^ Rodriguez 2012, p. 88.
  27. ^ 소운즈 2010, 165쪽.
  28. ^ Prendergast 2003, p. 193.
  29. ^ Womack 2007, p. 168.
  30. ^ "'You Gave Me The Answer' – Sgt. Pepper Special". Paulmccartney.com. 26 April 2017. Archived from the original on 14 August 2017. Retrieved 23 August 2017.
  31. ^ 무어 1997, 페이지 20-21.
  32. ^ Miles 1997, 페이지 303-04.
  33. ^ 터너 2016, 페이지 378.
  34. ^ 마틴 1994, p. 202.
  35. ^ a b Womack 2018, chap. 10.
  36. ^ Staff (17 May 2007). "Paul McCartney: 'Elvis influenced Sgt Pepper'". NME. Retrieved 12 January 2024.
  37. ^ a b 한난 2008, 62쪽.
  38. ^ a b c 맥도날드 2005, 페이지 215.
  39. ^ a b 바비욱 2002, p. 197.
  40. ^ 바비욱 2002, p. 204.
  41. ^ 비틀즈 2000, p. 253.
  42. ^ a b Julien 2008c, p. 160.
  43. ^ Julien 2008c, p. 158.
  44. ^ Reck 2008, 69쪽, 72-73쪽.
  45. ^ a b 필로 2015, p. 119.
  46. ^ 그린 2016, 페이지 19.
  47. ^ 루이스슨 2005.
  48. ^ Emerick & Massey 2006, pp. 184, 190.
  49. ^ 루이스슨 2010, 페이지 232.
  50. ^ Emerick & Massey 2006, p. 142.
  51. ^ 루이스슨 2005, 페이지 89.
  52. ^ 에버렛 1999, pp. 99, 100; 맥도날드 2005, pp. 212-223.
  53. ^ 무어 1997, 페이지 19-20.
  54. ^ 해리 2002, 714쪽.
  55. ^ 그린 2016, 34쪽, 42쪽.
  56. ^ 맥도날드 2005, 페이지 218fn.
  57. ^ 맥도날드 2005, 페이지 219: 55시간의 스튜디오 시간; 마틴 & 피어슨 1994, 페이지 13: "전체 앨범에 대한 의제 설정".
  58. ^ a b Julien 2008b, p. 6.
  59. ^ Martin & Pearson 1994, p. 111.
  60. ^ Emerick & Massey 2006, 페이지 163.
  61. ^ 데이비스 2009, 페이지 270.
  62. ^ 한난 2008, p. 52.
  63. ^ Emerick & Massey 2006, pp. 169–70; Miles 1997, p. 281: "가 펫 사운드에서 특히 존경하는 자질 중 하나."
  64. ^ 터너 2016, 페이지 44.
  65. ^ 마일즈 1997, 페이지 271.
  66. ^ 에버렛 1999, p. 104: "다이아몬드가 있는 루시"의 로우레이 오르간; 에버렛 1999, p. 106: "Getting Better"의 호너 피아넷, 에버렛 1999, p. 107: "구멍 고치기"의 하프시코드; 에버렛 1999, p. 110: "미스터 카이트의 이익을 위한 존재!"의 하모니움; 에버렛 1999, p. 120: "A Day in the Life"의 그랜드 피아노.
  67. ^ 커닝햄 1998, 127쪽.
  68. ^ Prendergast 2003, p. 83.
  69. ^ Rodriguez 2012, 109쪽, 191–93.
  70. ^ a b c d 에버렛 1999, 페이지 100.
  71. ^ 에버렛 1999, pp. 104, 106, 111.
  72. ^ a b 클레이슨 2003, 페이지 212.
  73. ^ a b Hertsgaard 1996, p. 172.
  74. ^ McCabe, Kathy (17 September 2017). "Ringo Starr: The voice behind the yellow submarine and tank engine returns on Give More Love". news.com.au. Archived from the original on 2 February 2019. Retrieved 2 February 2019.
  75. ^ Rodriguez 2012, p. 112.
  76. ^ Norman 2016, 페이지 263.
  77. ^ a b Lewison 2005, p. 109.
  78. ^ Win 2009, p. 102.
  79. ^ 맥도날드 2005, 페이지 224-25.
  80. ^ Lewison 2010, 페이지 252-53.
  81. ^ a b 굴드 2007, 페이지 387.
  82. ^ 하워드 2004, 28-29쪽.
  83. ^ a b c d e 루이스슨 2005, 114쪽.
  84. ^ Hertsgaard 1996, pp. 211, 392.
  85. ^ a b c Win 2009, p. 95.
  86. ^ a b c Runtagh, Jordan (29 May 2017). "Beatles' 'Sgt. Pepper' at 50: When Pink Floyd, David Crosby Visited 'Lovely Rita' Sessions". Rolling Stone. Retrieved 23 March 2020.
  87. ^ 커닝햄 1998, 148-49쪽.
  88. ^ 판례 2010, 47쪽.
  89. ^ Spitz 2005, pp. 670-71.
  90. ^ 마일즈 1997, 페이지 382.
  91. ^ Lewison 2005, p. 104.
  92. ^ a b c 비틀즈 2000, 페이지 242.
  93. ^ 해리스 2007, 페이지 76.
  94. ^ 소운즈 2010, 페이지 166.
  95. ^ a b c 루이스슨 2005, 페이지 96.
  96. ^ Hertsgaard 1996, p. 8.
  97. ^ 굴드 2007, 387-88쪽.
  98. ^ 잉함 2006, p. 166.
  99. ^ 커닝햄 1998, p. 151.
  100. ^ Harris 2007, p. 82.
  101. ^ 그린 2016, 37-38쪽.
  102. ^ Win 2009, p. 88.
  103. ^ 라베졸리 2006, 페이지 179.
  104. ^ a b 비틀즈 2000, 페이지 243.
  105. ^ 엘렌 2002, p. 102.
  106. ^ 맥도날드 2005, 페이지 249.
  107. ^ Prendergast 2003, p. 190.
  108. ^ Martin & Pearson 1994, p. 78: "지속적인 기술 실험"; Martin & Pearson 1994, p. 82: Pepper 병장은 "리볼버에서 자연적으로 성장"했습니다.
  109. ^ Emerick & Massey 2006, p. 191.
  110. ^ Lewisohn, Mark (2009). Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Media notes). Apple/EMI Records. p. 29.
  111. ^ 바비욱 2002, p. 199.
  112. ^ 루이스슨 2010, 페이지 244.
  113. ^ Davies 2009, 273-74쪽.
  114. ^ 맥도날드 2005, 페이지 217-20.
  115. ^ 하워드 2004, 27-28쪽.
  116. ^ Emerick & Massey 2006, 페이지 139.
  117. ^ Kimsey 2008, p. 133.
  118. ^ a b Emerick & Massey 2006, p. 190.
  119. ^ a b c d Womack 2007, p. 170.
  120. ^ Lewison 2010, p. 216.
  121. ^ Martin & Pearson 1994, p. 105.
  122. ^ 맥도날드 2005, 페이지 233-34.
  123. ^ Julien 2008b, p. 7.
  124. ^ Womack 2007, pp. 170-171.
  125. ^ Julien 2008c, p. 162; Lewison 2010, p. 251.
  126. ^ a b Lewison 2010, p. 251.
  127. ^ Lewison 2010, p. 252.
  128. ^ Scapelliti 2007, p. 100.
  129. ^ 한난 2008, 40쪽.
  130. ^ Davies 2009, p. 262: Please Please Me의 녹음 비용은 400파운드(2021년 7,724파운드에 해당)입니다. Lewisson 2010, p. 253: 그들은 병장을 녹음하는데 700시간을 보냈습니다. 후추.
  131. ^ Martin & Pearson 1994, p. 168.
  132. ^ Rodriguez 2012, 페이지 206–07.
  133. ^ Hertsgaard 1996, pp. 212, 396.
  134. ^ Miles (2019) [September 1969]. "John Lennon/Yoko Ono Interview". Rock's Backpages. Retrieved 5 June 2020.
  135. ^ Northcutt 2006, p. 137.
  136. ^ 비틀즈 2000, 241쪽, 242쪽.
  137. ^ 루이스슨 2010, 페이지 237.
  138. ^ Loder, Kurt (18 June 1987). "The Beatles' 'Sgt. Pepper': It Was Twenty Years Ago Today ..." Rolling Stone. Retrieved 14 November 2018.
  139. ^ Hannan 2008, p. 61: "앨범은 매우 다양한 음악 및 연극 장르로 구성되어 있습니다"; Moore 1997, p. 18, p. 70-79: 락 앤 팝; Wagner 2008, p. 76: "병장의 다장르적 성격" 후추.
  140. ^ Hannan 2008, pp. 61-62: 음악 홀과 블루스; Wagner 2008, p. 76; 로큰롤, 보드빌, 빅 밴드, 피아노 재즈, 챔버, 서커스, 아방가르드, 서양 및 인도 클래식 음악.
  141. ^ 바그너 2008, 76쪽, 89-90쪽.
  142. ^ Covach 1997, p. 31.
  143. ^ 판례 2010, 47-48쪽.
  144. ^ a b 마일즈 2001, 페이지 265.
  145. ^ "Sold on Song Top 100: 38. 'A Day in the Life'". BBC Radio 2. Archived from the original on 22 December 2006. Retrieved 31 December 2006.
  146. ^ Ezard, John (29 December 1967). "BBC and Film Board give order to play down on drug scenes". The Guardian. p. 3.
  147. ^ 글라우저 2011, p. 29: "A Day in the Life"에 대한 가사에서 불법 약물에 대한 의도적인 언급에 대한 레논과 매카트니의 동시기 부정; 무어 1997, p. 60: 멜로디 메이커에서 매카트니의 즉각적인 부정; 마일스 1997, p. 325: 매카트니는 나중에 이 대사가 불법 약물이나 성행위를 모호하게 언급하기 위해 의도적으로 작성되었다고 제안했습니다.
  148. ^ a b 맥도날드 2005, 페이지 240.
  149. ^ Whiteley 2008, 18-19쪽.
  150. ^ a b c 스피츠 2005, 페이지 697.
  151. ^ 무어 1997, 페이지 60.
  152. ^ Whiteley 2008, pp. 15, 22.
  153. ^ Julien 2008c, p. 166.
  154. ^ 무어 2008, 페이지 140.
  155. ^ a b Whiteley 2008, p. 22.
  156. ^ 무어 1997, 61-62쪽.
  157. ^ a b 굴드 2007, 397-98쪽.
  158. ^ 잉엄 2006, 197쪽.
  159. ^ 에버렛 1999, p. 101: 피트 오케스트라와 관객; 무어 1997, p. 23: 라이브 공연의 환상; 무어 1997, p. 27: 10초의 소개 분위기.
  160. ^ 루이스슨 2010, 페이지 248.
  161. ^ Lewison 2005, p. 101.
  162. ^ a b c d Womack 2007, p. 169.
  163. ^ a b 맥도날드 2005, 페이지 233.
  164. ^ 에버렛 1999, p. 101.
  165. ^ 맥도날드 2005, 페이지 233: (2차 출처); Martin & Pearson 1994, pp. 66–67: (주요 출처).
  166. ^ 한난 2008, 48쪽.
  167. ^ 굴드 2007, 페이지 398.
  168. ^ a b c Womack 2007, p. 171.
  169. ^ Hertsgaard 1996, 117-18 페이지.
  170. ^ 라일리 2002, p. 214.
  171. ^ a b 에버렛 1999, p. 103.
  172. ^ 맥도날드 2005, 페이지 247.
  173. ^ 한난 2008, p. 50.
  174. ^ a b c d Womack 2007, p. 172.
  175. ^ 맥도날드 2005, p. 240; Womack 2007, p. 172
  176. ^ Hertsgaard 1996, p. 215.
  177. ^ Lavezoli 2006, pp. 179-80.
  178. ^ 라일리 2002, 216쪽.
  179. ^ 맥도날드 2005, 페이지 241.
  180. ^ Hertsgaard 1996, p. 216.
  181. ^ a b c d Womack 2007, p. 173.
  182. ^ 마일즈 1997, 페이지 314-15.
  183. ^ Win 2009, p. 90.
  184. ^ a b 맥도날드 2005, 페이지 236.
  185. ^ Womack 2007, pp. 106-07.
  186. ^ 에버렛 1999, p. 107.
  187. ^ 에버렛 1999, 페이지 108.
  188. ^ Hertsgaard 1996, pp. 217-18.
  189. ^ 무어 1997, 페이지 37.
  190. ^ Lewison 2005, p. 103.
  191. ^ Hertsgaard 1996, 페이지 394-95.
  192. ^ 맥도날드 2005, 페이지 245.
  193. ^ 그린 2016, 페이지 26.
  194. ^ 맥도날드 2005, 페이지 237-38.
  195. ^ Womack 2007, p. 175.
  196. ^ 맥도날드 2005, 페이지 238.
  197. ^ 맥도날드 2005, 페이지 237–238; 무어 1997, 페이지 40.
  198. ^ 에버렛 1999, 페이지 110.
  199. ^ 굴드 2007, 페이지 404.
  200. ^ Hertsgaard 1996, 페이지 394.
  201. ^ Rodriguez 2012, p. 210.
  202. ^ Lavezoli 2006, pp. 177-78.
  203. ^ Lewisonh 2010, p. 248: 런던에 기반을 둔 인도 음악가들과 다른 비틀즈의 비참여; Lavezoli 2006, p. 178: Harrison이 "Within You Without You"에서 시타르와 탐부라를 부르고 연주하는 것, 그리고 아시아 음악 서클의 기여자들.
  204. ^ a b 잉함 2006, p. 199.
  205. ^ a b 에버렛 1999, 112쪽.
  206. ^ 맥도날드 2005, 페이지 243-44.
  207. ^ Womack 2007, p. 176.
  208. ^ 데이비스 2009, 페이지 321.
  209. ^ 한난 2008, 56쪽.
  210. ^ 맥도날드 2005, 페이지 220-21.
  211. ^ 맥도날드 2005, 페이지 220.
  212. ^ 무어 1997, 47쪽.
  213. ^ 무어 1997, 46쪽.
  214. ^ Emerick & Massey 2006, p. 137.
  215. ^ 에버렛 1999, 페이지 113.
  216. ^ Womack 2007, p. 177.
  217. ^ 굴드 2007, 페이지 409.
  218. ^ a b 맥도날드 2005, 페이지 239.
  219. ^ Lewison 2005, pp. 101, 104.
  220. ^ 굴드 2007, 페이지 408.
  221. ^ 에버렛 1999, 116쪽: "안일함에 대한 조의"; 무어 1997, 50쪽: A에서 우울한 믹솔리디안 모드.
  222. ^ 그린 2016, 페이지 26-27.
  223. ^ Womack 2007, pp. 177-78.
  224. ^ 에버렛 1999, 114-15쪽.
  225. ^ 맥도날드 2005, 페이지 235.
  226. ^ 에버렛 1999, 페이지 115.
  227. ^ Hertsgaard 1996, p. 220.
  228. ^ 샤프너 1978, 페이지 80.
  229. ^ a b c 맥도날드 2005, 페이지 248.
  230. ^ Lewison 2005, p. 107.
  231. ^ Womack 2007, p. 178.
  232. ^ a b Win 2009, p. 99.
  233. ^ Womack 2007, p. 181.
  234. ^ a b 무어 1997, p. 52.
  235. ^ 데이비스 2009, 페이지 276.
  236. ^ a b 맥도날드 2005, 페이지 229.
  237. ^ 에버렛 1999, 페이지 118.
  238. ^ 마틴 1994, 페이지 209.
  239. ^ Martin & Pearson 1994, p. 56.
  240. ^ Womack 2007, p. 179.
  241. ^ Womack 2007, p. 180.
  242. ^ 라일리 2002, 225쪽.
  243. ^ Womack 2007, p. 182.
  244. ^ Emerick & Massey 2006, p. 188.
  245. ^ a b 에버렛 1999, 페이지 122.
  246. ^ Julien 2008c, p. 164: 끝 노트 번호 11 참조.
  247. ^ 로마노 2010, 페이지 20.
  248. ^ 셰프 1981, 페이지 197.
  249. ^ a b 맥팔레인 2008, 페이지 33.
  250. ^ 무어 2008, p. 144.
  251. ^ MacFarlane 2008, pp. 33, 37.
  252. ^ Irvin, Jim (March 2007). "The Big Bang!". Mojo. p. 78.
  253. ^ 맥도날드 2005, 페이지 215fn.
  254. ^ a b Norman 2016, 페이지 261.
  255. ^ a b 잉글리스 2008, 페이지 92-95.
  256. ^ Humphries, Patrick (2002). "Picture Perfect". Mojo Special Limited Edition: 1000 Days That Shook the World (The Psychedelic Beatles – April 1, 1965 to December 26, 1967). London: Emap. p. 97.
  257. ^ Inglis 2008, p. 92: McCartney의 병장을 위한 디자인. 후추 덮개(2차 소스), Miles 1997, p. 333(1차 소스).
  258. ^ 엘렌 2002, p. 105.
  259. ^ Gould 2007, pp. 391–395: 병장. 페퍼 커버에는 비틀즈가 앨범의 타이틀곡에 언급된 상상의 밴드로 등장하며 많은 유명인들과 함께 서 있습니다(부차 소스). 비틀즈 2000, p. 248: 많은 유명인들과 함께 서 있습니다(주요 출처).
  260. ^ 비틀즈 2000, p. 236: 비틀즈에 대한 히피 스타일의 영향력 증가; 굴드 2007, p. 385: "군대 패션을 위해 영국의 유행을 촉진했습니다."
  261. ^ a b c 잉글리스 2008, 페이지 95.
  262. ^ Inglis 2008, p. 95; Sounes 2010, p. 169.
  263. ^ Reck 2008, p. 68.
  264. ^ a b c d 잉글리스 2008, 페이지 93.
  265. ^ a b 판례 2010, 46쪽.
  266. ^ 틸러리 2011, 81쪽.
  267. ^ 샤프너 1978, 85쪽.
  268. ^ a b c Fleming, Colin (30 March 2017). "Beatles' 'Sgt. Pepper' Artwork: 10 Things You Didn't Know". Rolling Stone. Retrieved 17 June 2020.
  269. ^ 해리 2002, 727쪽.
  270. ^ 잉글리스 2008, 페이지 94.
  271. ^ a b c 잉글리스 2008, 페이지 96.
  272. ^ Norman 2016, 페이지 405.
  273. ^ 굴드 2007, 391-95쪽.
  274. ^ 잉글리스 2008, 페이지 98-99.
  275. ^ Miles 1997, 344-45쪽.
  276. ^ 루이스온 2010, p. 236: 가사가 록 앨범에 전체로 인쇄된 최초의 경우; 잉글리스 2008, p. 96: 가사가 뒷면 커버에 인쇄되었습니다.
  277. ^ Clayson 2003, p. 211.
  278. ^ Marinucci, Steve (13 May 2017). "Who's the Real Sgt. Pepper? New Beatles Book Unveils Identity of Soldier Seen on Album Cover". Variety. Retrieved 31 August 2022.
  279. ^ 무어 1997, 57쪽.
  280. ^ 마일즈 2001, 페이지 264, 265.
  281. ^ Norman 2008, p. 496.
  282. ^ Wawzenek, Bryan (19 May 2017). "50 Years Ago: The Beatles Experience an Amazing Series of Pre-'Sgt. Pepper' Highs and Lows – All on a Single Day". Ultimate Classic Rock. Retrieved 10 June 2020.
  283. ^ 굴드 2007, 페이지 395.
  284. ^ Hutton, Jack (27 May 1967). "Beatles Listen-in". Melody Maker. p. 5.
  285. ^ a b Womack, Kenneth (9 May 2017). "Everything Fab Four: Celebrating the First Half-Century of 'Sgt. Pepper' Launch Parties". kennethwomack.com. Retrieved 10 June 2020.
  286. ^ a b Drummond, Norrie (27 May 1967). "Dinner with the Beatles". NME. pp. 2–3.
  287. ^ Spitz 2005, pp. 691-92.
  288. ^ 스피츠 2005, 페이지 692.
  289. ^ Sounes 2010, p. 176.
  290. ^ a b c d 에버렛 1999, p. 123.
  291. ^ 무어 1997, 페이지 19.
  292. ^ Rodriguez 2012, p. 197.
  293. ^ Scapelliti 2007, p. 104.
  294. ^ 잉함 2006, p. 42.
  295. ^ 라베졸리 2006, 페이지 6-7.
  296. ^ 라일리 2002, 205쪽.
  297. ^ 라일리 2002, 205-06쪽.
  298. ^ a b 맥도날드 2005, 페이지 249-50.
  299. ^ Ellen 2002, pp. 104–05.
  300. ^ a b c 해리스 2007, 87쪽.
  301. ^ Doggett 2015, 페이지 373.
  302. ^ Norman 2008, p. 497.
  303. ^ 굴드 2007, 페이지 418-19.
  304. ^ 필로 2015, 페이지 116-17, 119.
  305. ^ 맥도날드 2005, p. 249: 라디오 방송국이 정규 스케줄을 중단했습니다; 라일리 2002, p. 205: 일부는 처음부터 끝까지 앨범을 재생했습니다.
  306. ^ Simonelli 2013, p. 107.
  307. ^ Smith 2009, p. 48.
  308. ^ 엘렌 2002, p. 103.
  309. ^ 마일즈 2001, 페이지 270-71.
  310. ^ 그린 2016, 페이지 36.
  311. ^ a b Frith, Simon (1981). "1967: The Year It All Came Together". The History of Rock. pp. 4–8. 2018년 11월 18일 Wayback Machine에서 보관Rock's Backpages에서 사용할 수 있습니다(구독 필요).
  312. ^ Norman 1996, 페이지 294-95.
  313. ^ 노먼 2016, 페이지 280.
  314. ^ Hertsgaard 1996, p. 196.
  315. ^ Gendron 2002, p. 215.
  316. ^ Norman 2008, p. 499.
  317. ^ 굴드 2007, 페이지 430.
  318. ^ Hertsgaard 1996, p. 197.
  319. ^ "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, The Beatles" > "Chart Facts". Official Charts Company. Archived from the original on 20 August 2018. Retrieved 11 November 2018.
  320. ^ a b Womack 2014, p. 813.
  321. ^ Sounes 2010, p. 180.
  322. ^ 마일즈 1997, 페이지 347.
  323. ^ Hoffmann & Bailey 1990, pp. 281, 282.
  324. ^ a b 스미스 2009, 페이지 49.
  325. ^ Frontani 2007, p. 147.
  326. ^ a b Mawer, Sharon (May 2007). "Album Chart History: 1967". The Official UK Charts Company. Archived from the original on 17 December 2007. Retrieved 23 October 2019.
  327. ^ a b Mawer, Sharon (May 2007). "Album Chart History: 1969". The Official UK Charts Company. Archived from the original on 17 December 2007. Retrieved 23 October 2019.
  328. ^ Kronemyer, David (29 April 2009). "Deconstructing Pop Culture: How Many Records Did the Beatles Actually Sell?". MuseWire. Archived from the original on 12 March 2018. Retrieved 18 April 2020.
  329. ^ Kronemyer, David (25 April 2009). "How Many Records Did the Beatles Actually Sell?". Deconstructing Pop Culture. Archived from the original on 6 March 2016. Retrieved 23 June 2017.
  330. ^ Rodriguez 2012, 페이지 223.
  331. ^ a b Hamilton, Jack (24 May 2017). "Sgt. Pepper's Timing Was As Good As Its Music". Slate. Archived from the original on 3 November 2018. Retrieved 3 November 2018.
  332. ^ Rodriguez 2012, pp. 211, 223-24.
  333. ^ a b Gendron 2002, pp. 193-94.
  334. ^ 굴드 2007, 420쪽; 줄리엔 2008b, 8-9쪽; 무어 1997, 58-59쪽.
  335. ^ a b c 샤프너 1978, 페이지 83.
  336. ^ Rodriguez 2012, p. 208.
  337. ^ a b c Julien 2008b, p. 9.
  338. ^ Mann 2006, p. 96.
  339. ^ 터너 2016, 페이지 262.
  340. ^ Clayton, Peter (1 June 2017) [June 1967]. "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band (original Gramophone review from 1967)". Gramophone. Archived from the original on 5 November 2018. Retrieved 5 November 2018.
  341. ^ a b c 무어 1997, 59쪽.
  342. ^ Gould 2007, p. 420; Julien 2008b, p. 9
  343. ^ Frontani 2007, p. 148.
  344. ^ 로마노프스키 2006, 페이지 219.
  345. ^ Gendron 2002, p. 193: 잘 알려진 몇 안 되는 미국 록 비평가 중 한 명; Turner 2016, pp. 262–63: Revolver의 초기 챔피언; Schaffner 1978, p. 83: 신랄한 리뷰.
  346. ^ Rodriguez 2012, p. 214.
  347. ^ Goldstein 2006, pp. 98, 99.
  348. ^ Courrier 2009, pp. 176-77.
  349. ^ 필로 2015, 페이지 122-23.
  350. ^ Kimsey 2008, p. 130.
  351. ^ a b 샤프너 1978, 페이지 83-84.
  352. ^ 무어 1997, 57-58쪽.
  353. ^ Rodriguez 2012, p. 215.
  354. ^ Rodriguez 2012, pp. 212, 215.
  355. ^ Goldstein, Richard (20 July 1967). "I Blew My Cool Through The New York Times". The Village Voice. p. 14. Archived from the original on 21 February 2014. Retrieved 28 April 2014.
  356. ^ Gendron 2002, pp. 198-99.
  357. ^ Gendron 2002, pp. 195, 345.
  358. ^ Gendron 2002, p. 1.
  359. ^ Christgau 2006, p. 116.
  360. ^ Frontani 2007, p. 157.
  361. ^ 무어 1997, 68쪽.
  362. ^ Frontani 2007, p. 158.
  363. ^ Courrier 2009, p. 180.
  364. ^ "Sgt. Pepper at 40: The Beatles' masterpiece changed popular music". Pittsburgh Post-Gazette. 1 June 2007. Archived from the original on 6 January 2014. Retrieved 7 November 2013.
  365. ^ 판례 2010, 48쪽.
  366. ^ 그린 2016, 페이지 25.
  367. ^ Reising & LeBlanc 2009, pp. 91, 100.
  368. ^ Frontani 2007, pp. 125, 178-80.
  369. ^ Bonyhady, Tim (30 July 2021). "Friday Essay: How 'Afghan' coats left Kabul for the fashion world and became a hippie must-have". The Conversation. Retrieved 21 October 2021.
  370. ^ Roberts 2014, pp. 194-95.
  371. ^ Roberts 2014, pp. 195-96.
  372. ^ 샤프너 1978, 페이지 77.
  373. ^ Doggett 2015, p. 440.
  374. ^ Simonelli 2013, p. 114.
  375. ^ 샤프너 1978, 페이지 86.
  376. ^ Clays on 2003, pp. 217, 220.
  377. ^ Courrier 2009, p. 174.
  378. ^ Doggett 2015, p. 401.
  379. ^ Courrier 2009, pp. 179-81.
  380. ^ 그린 2016, 105쪽.
  381. ^ 무어 1997, 59-60쪽.
  382. ^ a b Murray, Charles Shaar (July 1987). "The Beatles: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". Q. Archived from the original on 19 March 2013. Retrieved 1 January 2013.
  383. ^ 2006년 종달새, 487쪽.
  384. ^ a b Dettmar 2006, 페이지 139.
  385. ^ Gendron 2002, pp. 162-63.
  386. ^ 라일리 2002, 페이지 229.
  387. ^ 라일리 2002, 229-30쪽.
  388. ^ 마일즈 2001, 페이지 294.
  389. ^ "10th Annual GRAMMY Awards". National Academy of Recording Arts and Sciences. Archived from the original on 15 April 2014. Retrieved 14 April 2014.
  390. ^ 글라우저 2011, 페이지 143.
  391. ^ Harrington, Richard (24 February 1993). "Grammy's One-Track Mind". The Washington Post. Archived from the original on 19 April 2019. Retrieved 24 January 2019.
  392. ^ Frontani 2007, pp. 155-56.
  393. ^ Rodriguez 2012, p. 212.
  394. ^ Rodriguez 2012, p. 216.
  395. ^ Gendron 2002, pp. 197-98.
  396. ^ Gendron 2002, pp. 1, 197.
  397. ^ 굴드 2007, 페이지 444.
  398. ^ Clayson 2003, 페이지 214-15.
  399. ^ 마일즈 2001, 페이지 267.
  400. ^ 굴드 2007, 420-21쪽.
  401. ^ 필로 2015, 페이지 122.
  402. ^ Lydon, Michael (19 April 1969). "Paul Williams Outlaw Blues: A Book of Rock Music". Rolling Stone.
  403. ^ Anon (22 February 2012). "Brit awards winners list 2012: Every winner since 1977". The Guardian. Archived from the original on 5 January 2016. Retrieved 3 February 2013.
  404. ^ Badman 2001, p. 214.
  405. ^ Badman 2001, pp. 388-89.
  406. ^ a b Petridis, Alexis (26 May 2017). "The Beatles: Sgt Pepper 50th Anniversary Edition review – peace, love and rock star ennui". The Guardian. Retrieved 14 June 2020.
  407. ^ Julien 2008c, p. 167.
  408. ^ Julien 2008a, p. xvii; Julien 2008c, pp. 166-67.
  409. ^ a b c d 호프만 & 베일리 1990, 페이지 281.
  410. ^ 하워드 2004, 페이지 31.
  411. ^ Hertsgaard 1996, pp. 172-73.
  412. ^ a b 굴드 2007, 페이지 489.
  413. ^ DeCurtis, Anthony (27 August 1987). "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". Rolling Stone. p. 46. Archived from the original on 5 April 2014. Retrieved 17 April 2014.
  414. ^ Kokenes, Chris (30 April 2010). "'A Day in the Life' lyrics to be auctioned". CNN. Archived from the original on 6 January 2014. Retrieved 11 April 2014.
  415. ^ a b Plagenhoef, Scott (9 September 2009). "The Beatles: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". Pitchfork. Archived from the original on 7 August 2011. Retrieved 10 August 2011.
  416. ^ 무어 1997, 페이지 72.
  417. ^ 굴드 2007, 페이지 418.
  418. ^ a b 샤프너 1978, 페이지 84.
  419. ^ Kot, Greg (20 June 1999). "R.I.P. 33 R.P.M." Chicago Tribune. Retrieved 10 March 2020.
  420. ^ 무어 2018, 페이지 65.
  421. ^ 샤프너 1978, 페이지 204-05.
  422. ^ Simonelli 2013, p. 108.
  423. ^ Courrier 2009, p. 178.
  424. ^ Harris 2007, pp. 87, 88.
  425. ^ a b c d e Chilton, Martin (9 June 2020). "The Influence of 'Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band'". uDiscover. Retrieved 16 June 2020.
  426. ^ Frontani 2007, p. 188.
  427. ^ a b Lewis, John (17 June 2011). "A History of Jazz: Carla Bley hears Sgt Pepper". The Guardian. Archived from the original on 7 December 2019. Retrieved 11 March 2019.
  428. ^ a b Hughes, Rob (22 July 2014). "Was the Beatles' Sgt. Pepper a Signpost to Prog?". Prog. Archived from the original on 21 December 2019. Retrieved 17 June 2020.
  429. ^ a b 해리스 2007, 89쪽.
  430. ^ Black, Johnny; Eccleston, Danny (March 2007). "'It's Our Sgt. Pepper!'". Mojo. p. 86.
  431. ^ Nagelberg 2001, p. 8.
  432. ^ Lavezoli 2006, pp. 6-7, 180.
  433. ^ 라베졸리 2006, 페이지 63.
  434. ^ 무어 1997, pp. 18, 70-79; 무어 2018, p. 64: 프로그레시브 록의 기원은 "비틀스 병장의 발매로 특징지어집니다. 1967년 페퍼의 Lonely Hearts Club Band"; Moore 2018, p. 69: "프로그레시브 록의 시작은 일반적으로 비틀즈 병장으로 거슬러 올라갑니다. 페퍼의 론리 하츠 클럽 밴드.
  435. ^ 엘릭커 2001, p. 231.
  436. ^ Hoffmann & Bailey 1990, pp. 281–82.
  437. ^ 존스 2016, 페이지 49.
  438. ^ 그린 2016, 28-30쪽.
  439. ^ 그린 2016, 페이지 30-31.
  440. ^ 맥도날드 2005, 페이지 232.
  441. ^ De Lisle, Tim (14 May 2017). "The Beatles' 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' at 50: Why It's Still Worth Celebrating". Newsweek. Retrieved 16 June 2020.
  442. ^ 잉글리스 2008, p. 101.
  443. ^ a b 잉글리스 2008, p. 102.
  444. ^ Whiteley 2008, p. 11.
  445. ^ 샤프너 1978, 페이지 127.
  446. ^ Spitz 2005, p. 844.
  447. ^ 터너 2016, 페이지 368.
  448. ^ 라일리 2002, 페이지 212.
  449. ^ Norman 2016, 페이지 264.
  450. ^ 샤프너 1978, 페이지 113.
  451. ^ Frontani 2007, p. 172.
  452. ^ a b Erlwine, Stephen Thomas. "The Beatles Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". AllMusic. Archived from the original on 3 December 2018. Retrieved 3 December 2018.
  453. ^ a b McCormick, Neil (7 September 2009). "The Beatles – Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, review". The Daily Telegraph. Archived from the original on 4 November 2011. Retrieved 23 October 2011.
  454. ^ 2006년의 종달새, 489쪽.
  455. ^ Graff & Durchholz 1999, p. 87.
  456. ^ a b Kemp, Mark (8 September 2009). "The Beatles: The Long and Winding Repertoire". Paste. p. 59. Archived from the original on 23 October 2013. Retrieved 6 January 2013.
  457. ^ Sheffield 2004, p. 51.
  458. ^ Ponton, Jared (8 August 2010). "The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (staff review)". Sputnikmusic. Archived from the original on 11 September 2012. Retrieved 23 October 2011.
  459. ^ a b Christgau, Robert (20 December 1976). "Christgau's Consumer Guide to 1967". The Village Voice. p. 69. Archived from the original on 22 February 2017. Retrieved 22 June 2013.
  460. ^ 마커스 2007, p. 258: "그 시대를 위한 하루-글로 묘비"; 라일리 2002, p. 205: "장난스럽지만 작위적".
  461. ^ 마커스 2007, 페이지 248.
  462. ^ 라일리 2002, 204-05쪽.
  463. ^ 라일리 2002, p. 203.
  464. ^ Kimsey 2008, p. 122.
  465. ^ Kimsey 2008, p. 135.
  466. ^ Simonelli 2013, p. 106.
  467. ^ a b 잉함 2006, 47쪽.
  468. ^ Quantick, David (24 May 2017). "The Beatles – Sgt. Pepper's ... 50th Anniversary Edition album review". loudersound.com. Retrieved 9 June 2020.
  469. ^ a b c 해리스 2007, 페이지 74.
  470. ^ "Sgt Pepper scorned by new stars". BBC News. 9 December 1998. Archived from the original on 31 July 2017. Retrieved 10 June 2014.
  471. ^ Harris 2007, pp. 72, 74.
  472. ^ Sheffield 2004, p. 53.
  473. ^ Womack 2014, p. 818.
  474. ^ Jones, Chris (2007). "The Beatles Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band Review". BBC Music. Archived from the original on 15 November 2018. Retrieved 4 November 2018.
  475. ^ a b Ghoshal, Somak (21 June 2017). "On World Music Day, A Salute to These Guys Who Made History 50 Years Ago". HuffPost. Archived from the original on 27 September 2018. Retrieved 3 October 2018.
  476. ^ Copsey, Rob (11 April 2019). "The best-selling albums of all time on the Official UK Chart". Official Charts Company. Archived from the original on 2 October 2019. Retrieved 23 October 2019.
  477. ^ "Top 100 Albums". Record Industry Association of America. Archived from the original on 24 September 2014. Retrieved 11 September 2017.
  478. ^ Smith 2009, p. 47.
  479. ^ a b "Back in the Day: Sgt. Pepper taught the band to play". Euronews. 1 June 2011. Archived from the original on 26 July 2014. Retrieved 21 April 2014.
  480. ^ Smith 2009, p. 46.
  481. ^ a b 호프만 & 베일리 1990, 페이지 282.
  482. ^ Leopold, Todd (7 March 2007). "A really infuriating top 200 list". The Marquee at CNN.com. Archived from the original on 22 June 2018. Retrieved 5 June 2017.
  483. ^ 존스 2016, 페이지 144.
  484. ^ 에버렛 1999, 페이지 124.
  485. ^ Jones 2016, p. 145.
  486. ^ 존스 2016, 페이지 147.
  487. ^ "Radiohead gun for Beatles' Revolver". BBC News. 3 September 2000. Archived from the original on 6 October 2014. Retrieved 24 April 2014.
  488. ^ 존스 2016, 148쪽.
  489. ^ Anon (31 January 1998). "Spin of the Century". The Irish Times. Retrieved 25 June 2020.
  490. ^ Badman 2001, pp. 586, 640.
  491. ^ Wells, Matt (9 November 1999). "How Robbie headed Amadeus in the race to be music's man of the millennium". The Guardian. Retrieved 22 June 2020.
  492. ^ a b c Womack 2014, p. 819.
  493. ^ "The National Recording Registry 2003". Library of Congress. 2003. Archived from the original on 4 November 2014. Retrieved 19 November 2007.
  494. ^ 존스 2016, 149쪽.
  495. ^ a b "500 Greatest Albums of All Time" > "1. The Beatles, 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band'". Rolling Stone. 31 May 2012. Retrieved 22 June 2020.
  496. ^ 존스 2016, 57쪽.
  497. ^ Crowe, Jerry (1 November 1997). "'Pet Sounds Sessions': Body of Influence Put in a Box". Los Angeles Times. Archived from the original on 13 April 2014. Retrieved 9 April 2014.
  498. ^ Goldstein 2006, p. 97.
  499. ^ "The 500 Greatest Albums of All Time". Rolling Stone. 22 September 2020. Retrieved 22 September 2020.
  500. ^ "The All-Time 100 Albums". Time. 2007. Archived from the original on 9 November 2007. Retrieved 20 November 2007.
  501. ^ Smith 2009, pp. xii-xiv.
  502. ^ Barker, Emily (14 February 2014). "25 Albums With the Most Incredible Production". NME.com. Archived from the original on 6 May 2016. Retrieved 7 May 2016.
  503. ^ Frontani 2007, pp. 174-75.
  504. ^ 샤프너 1978, p. 171.
  505. ^ "Opening ceremony of the London 2012 Olympics". The Globe and Mail. 27 July 2012. Retrieved 14 June 2020.
  506. ^ 무어 1997, 페이지 67.
  507. ^ 무어 1997, 67-68쪽.
  508. ^ Lynch, Joe (22 October 2014). "Flaming Lips, 'With a Little Help From My Fwends': Track-By-Track Review". Billboard. Archived from the original on 22 August 2015. Retrieved 28 June 2020.
  509. ^ "Sgt Pepper Recreated". BBC Radio 2. Retrieved 28 June 2020.
  510. ^ a b "It Was 40 Years Ago Today: Britain salutes Beatles' 'Sgt Pepper's'". The Sydney Morning Herald. 1 June 2007. Retrieved 28 June 2020.
  511. ^ Vozick-Levinson, Simon (9 April 2007). "Defending the 'Sgt. Pepper' Cover Project". Entertainment Weekly. Retrieved 28 June 2020.
  512. ^ a b Badman 2001, p. 388.
  513. ^ Jensen, Gregory (15 May 1987). "TV Show Analyses the Beatles Era". United Press International. Retrieved 20 March 2018.
  514. ^ 호프만 & 베일리 1990, 페이지 283.
  515. ^ Clays on 2003, pp. 436–37.
  516. ^ a b Badman 2001, pp. 479, 484.
  517. ^ Willman, Chris (25 September 1992). "TV Review: Fab Foray into Making of 'Sgt. Pepper'". Los Angeles Times. Retrieved 30 June 2020.
  518. ^ Badman 2001, p. 479.
  519. ^ Badman 2001, pp. 569, 570.
  520. ^ Deriso, Nick (4 April 2017). "Release Date and Formats Revealed for Beatles Expanded 'Sgt. Pepper' Reissue". Ultimate Classic Rock. Archived from the original on 21 May 2017. Retrieved 18 May 2017.
  521. ^ Titlow, John Paul (19 May 2017). "How The Beatles' 'Sgt. Pepper' Was Retooled To Sound Fresh 50 Years Later". Fast Company. Archived from the original on 20 May 2017. Retrieved 20 May 2017.
  522. ^ "Sgt. Pepper's Musical Revolution". PBS. Archived from the original on 14 September 2017. Retrieved 21 September 2017.
  523. ^ Sesto, Gino (20 June 2017). "50th Anniversary of Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band Celebrated World Wide". Dash Two. Archived from the original on 21 September 2017. Retrieved 21 September 2017.
  524. ^ a b Kennedy, Maev (23 March 2017). "Liverpool gears up to celebrate Sgt Pepper's 50th birthday". The Guardian. Retrieved 12 June 2020.
  525. ^ Jennings, Luke (28 May 2017). "Beatles with a touch of Broadway shuffle". The Guardian. Archived from the original on 24 December 2019. Retrieved 9 March 2019.
  526. ^ "Liverpool Philharmonic Presents: George Harrison 'Within You Without You' The Story of The Beatles and Indian Music". liverpoolphil.com. 5 June 2017. Archived from the original on 15 June 2017. Retrieved 13 June 2017.
  527. ^ Lewisson 2010, p. 350; MacDonald 2005, pp. 220-250.
  528. ^ Lewisson 2010, pp. 232-53, MacDonald 2005, pp. 215-50.
  529. ^ Howlett, Kevin (2017). Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (50th Anniversary Deluxe Version) (booklet). Apple Records.
  530. ^ Elwood, Philip (3 June 1967). "The Beatles: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Capitol SMAS 2653)". San Francisco Examiner. Rock's Backpages에서 이용 가능합니다(구독 필수).
  531. ^ Womack 2014, p. 256.
  532. ^ Howlett, Kevin (2017). Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (50th Anniversary Deluxe Version) (book). The Beatles. Apple Records.
  533. ^ "Uncredited Indian musicians on Beatles' album 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' found". The Times of India. Press Trust of India. 10 June 2017. Archived from the original on 22 August 2018. Retrieved 13 June 2017.
  534. ^ a b c Kent, David (1993). Australian Chart Book 1970–1992. St Ives, NSW: Australian Chart Book. ISBN 0-646-11917-6.
  535. ^ "RPM Top Albums/CDs – Volume 7, No. 21, Jul 22, 1967". Library and Archives Canada. 17 July 2013. Archived from the original on 13 April 2015. Retrieved 8 April 2015.
  536. ^ Nyman, Jake (2005). Suomi soi 4: Suuri suomalainen listakirja (in Finnish). Helsinki: Tammi. ISBN 951-31-2503-3.
  537. ^ "VG Lista – Album Top 40". norwegiancharts.com. Archived from the original on 29 December 2011. Retrieved 16 November 2010.
  538. ^ "Swedish Charts 1966–1969/Kvällstoppen – Listresultaten vecka för vecka > Juni 1967 > 20 Juni" (PDF). hitsallertijden.nl (in Swedish). Archived (PDF) from the original on 5 March 2018. Retrieved 31 January 2014. 참고: Kvällstopen은 앨범과 싱글을 하나의 차트에 통합하여 판매합니다. 페퍼 병장의 론리 하츠 클럽 밴드는 1967년 6월 20일부터 2주 동안 5위로 정점을 찍었지만 가장 높은 순위를 기록한 LP였습니다.
  539. ^ "The Beatles – Full official Chart History". Official Charts Company. Archived from the original on 12 May 2016. Retrieved 13 May 2016.
  540. ^ "Billboard 200". Billboard. Archived from the original on 15 November 2010. Retrieved 16 November 2010.
  541. ^ "Search: The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (ASP) (in German). Media Control. Retrieved 1 May 2010.
  542. ^ "The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (ASP) (in Dutch). dutchcharts.nl. Archived from the original on 7 December 2013. Retrieved 1 May 2010.
  543. ^ a b Oricon Album Chart Book: Complete Edition 1970–2005. Roppongi, Tokyo: Oricon Entertainment. 2006. ISBN 4-87131-077-9.
  544. ^ "The Beatles > Artists > Official Charts". UK Albums Chart. Archived from the original on 13 March 2013. Retrieved 1 May 2013.
  545. ^ "Top Compact Disks (for week ending June 27, 1987)" (PDF). Billboard. 27 June 1987. p. 42. Retrieved 23 July 2020.
  546. ^ "Album Top 50". australian-charts.com. Archived from the original on 26 October 2010. Retrieved 16 November 2010.
  547. ^ "The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (ASP) (in French). ultratop.be. Retrieved 15 January 2022.
  548. ^ "De 14 a 20 de Setembro 2009". Associação Brasileira dos Produtores de Discos (in Portuguese). Archived from the original on 28 September 2011. Retrieved 16 November 2010.
  549. ^ "The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (ASP). danishcharts.dk. Retrieved 12 October 2012.
  550. ^ "Album Top 50". finnishcharts.com. Archived from the original on 4 January 2010. Retrieved 16 November 2010.
  551. ^ "Album Top 20". italiancharts.com. Archived from the original on 14 December 2011. Retrieved 16 November 2010.
  552. ^ ザ・ビートルズ"リマスター"全16作トップ100入り「売上金額は23.1億円」 [All of the Beatles' "Remastered" Albums Enter the Top 100: Grossing 2,310 Million Yen In One Week] (in Japanese). oricon.co.jp. 15 September 2009. Archived from the original on 9 March 2013. Retrieved 3 March 2014.
  553. ^ "Album Top 40". charts.nz. Archived from the original on 21 May 2017. Retrieved 16 November 2010.
  554. ^ "VG Lista – Album Top 40". norwegiancharts.com. Archived from the original on 27 December 2011. Retrieved 16 November 2010.
  555. ^ "Portuguese Charts: Albums – 38/2009". portuguesecharts.com. Archived from the original on 12 October 2012. Retrieved 16 November 2010.
  556. ^ "Album Top 100". spanishcharts.com. Archived from the original on 8 October 2012. Retrieved 16 November 2010.
  557. ^ "The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (ASP) (in Swedish). swedishcharts.com. Archived from the original on 25 December 2013. Retrieved 1 May 2013.
  558. ^ "UK Albums Chart". Official Charts Company. Retrieved 16 November 2010.
  559. ^ "Australiancharts.com – 비틀즈 – 병장 '페퍼스 론리 하트 클럽 밴드'. 홍메디앙. 2017년 6월 3일 회수.
  560. ^ "Austriancharts.at – 비틀즈 – 병장 페퍼스 론리 하츠 클럽 밴드"(독일어). 홍메디앙. 2017년 6월 8일 회수.
  561. ^ "울트라톱.be – The Beatles – Sgt. 페퍼스 론리 하츠 클럽 밴드"(네덜란드어). 홍메디앙. 2017년 6월 2일 회수.
  562. ^ "울트라톱.be – The Beatles – Sgt. 페퍼스 론리 하트 클럽 밴드"(프랑스어). 홍메디앙. 2017년 6월 2일 회수.
  563. ^ "On The Charts: June 5, 2017". FYIMusicNews. Retrieved 5 June 2017.
  564. ^ "체코 앨범 - 톱 100" ICHNS IFPI. 참고: 차트 페이지에서 22를 선택합니다.올바른 차트를 검색하기 위해 "CZ ALBUMSTOP 100"이라는 단어 외에 2017년 ýden. 2017년 6월 6일 회수.
  565. ^ "Danishcharts.dk – 비틀즈 – 병장 페퍼의 론리 하츠 클럽 밴드. 홍메디앙. 2017년 6월 7일 회수.
  566. ^ "Dutchcharts.nl – 비틀즈 – 병장 페퍼스 론리 하츠 클럽 밴드"(네덜란드어). 홍메디앙. 2017년 6월 2일 회수.
  567. ^ "비틀즈: 페퍼스 병장 론리 하츠 클럽 밴드" (핀란드어). Musiikkituotajat IFPI 핀란드. 2017년 6월 4일 회수.
  568. ^ "Offiziellecharts.de – 비틀즈 – 병장 페퍼스 론리 하츠 클럽 밴드"(독일어). GfK 연예 차트. 2017년 6월 2일 회수.
  569. ^ "Irish Albums Chart: 3 June 2017". Irish Recorded Music Association. Retrieved 3 June 2017.
  570. ^ "Album – Classifica settimanale WK 22 (dal 2017-05-26 al 2017-06-01)" (in Italian). Federazione Industria Musicale Italiana. Archived from the original on 25 January 2018. Retrieved 6 June 2017.
  571. ^ 2017년 6월/ "Oricon Top 50 Albums : 2017년 6월 12일" (일본어) 오리콘. 2017년 6월 10일 회수.
  572. ^ "Top Album – Semanal (del 09 de Junio al 15 de Junio)" (in Spanish). Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas y Videogramas. Archived from the original on 11 July 2017. Retrieved 11 July 2017.
  573. ^ "NZ Top 40 Albums Chart". Recorded Music NZ. 5 June 2017. Archived from the original on 14 June 2017. Retrieved 2 June 2017.
  574. ^ "VG-lista – Topp 40 Album uke 22, 2017". VG-lista. Retrieved 3 June 2017.
  575. ^ "Officjalna list a sprzeda ż :: OLS - 공식 소매 판매 차트" 올리스. 폴란드 축음기 산업 협회. 2017년 6월 8일 회수.
  576. ^ "Portuguese Charts: Albums – 22/2017". Hung Medien. Archived from the original on 1 August 2017. Retrieved 1 August 2017.
  577. ^ 2017/6/40/ "Official Scottish Albums Chart Top 100" 공식 차트 회사. 2017년 6월 3일 회수.
  578. ^ "Top 100 Albumes — Semana 22: del 26.05.2017 al 01.06.2017" (in Spanish). Productores de Música de España. Archived from the original on 24 August 2017. Retrieved 7 June 2017.
  579. ^ "Swedishcharts.com – 비틀즈 – 병장 '페퍼스 론리 하트 클럽 밴드'. 홍메디앙. 2017년 6월 3일 회수.
  580. ^ "Swisscharts.com – 비틀즈 – 병장 '페퍼스 론리 하트 클럽 밴드'. 홍메디앙. 2017년 6월 7일 회수.
  581. ^ 2017/6/7502/ "Official Albums Chart Top 100" 공식 차트 회사. 2017년 6월 3일 회수.
  582. ^ Caulfield, Keith (4 June 2017). "Bryson Tiller Notches His First No. 1 Album on Billboard 200 Chart With 'True to Self'". Billboard. Archived from the original on 4 June 2017. Retrieved 5 June 2017.
  583. ^ Billboard – Top Pop Albums of 1967. Retrieved 3 May 2013.
  584. ^ Billboard – Top Pop Albums of 1968. p. 230. Retrieved 3 May 2013.
  585. ^ a b "Discos de oro y platino" (in Spanish). Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas. Archived from the original on 6 July 2011. Retrieved 16 September 2012.
  586. ^ "ARIA Charts – Accreditations – 2009 Albums" (PDF). Australian Recording Industry Association.
  587. ^ "O sargento Pimenta faz 20 anos". Jornal do Brasil (in Portuguese). 1 June 1987. p. 37 – via National Library of Brazil. Sgt. pepper's que toca em cinco paginas desta edicao, e o terceiro mais vendido (290 mil). Perde Abbey Road (390 mil) e para Help (320 mil)
  588. ^ "Brazilian album certifications – The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (in Portuguese). Pro-Música Brasil.
  589. ^ "Canadian album certifications – The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". Music Canada.
  590. ^ "Danish album certifications – The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". IFPI Danmark. Retrieved 29 March 2023.
  591. ^ "French album certifications – The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (in French). Syndicat National de l'Édition Phonographique.
  592. ^ "Gold-/Platin-Datenbank (The Beatles; 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band')" (in German). Bundesverband Musikindustrie.
  593. ^ "Italian album certifications – The Beatles – Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band" (in Italian). Federazione Industria Musicale Italiana. Retrieved 4 March 2019. "Anno" 드롭다운 메뉴에서 "2019"를 선택합니다. 병장을 선택합니다.'필트라' 분야의 페퍼의 론리 하츠 클럽 밴드. "Sezione" 아래의 "Album e Compilition"을 선택합니다.
  594. ^ "Latest Gold / Platinum Albums". Radioscope. 17 July 2011. Archived from the original on 24 July 2011.
  595. ^ "British album certifications – The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". British Phonographic Industry. Retrieved 2 February 2021.
  596. ^ "American album certifications – The Beatles – Lonely Hearts Club Band". Recording Industry Association of America.

서지학

추가읽기

외부 링크