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앨범 시대

Album era
대중 음악
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음반 시대는 1960년대 중반부터 2000년대 중반까지 영어권 대중음악의 시대였으며, 음반은 음반 표현과 소비의 지배적인 형태였다.[1][2]그것은 주로 3개의 연속적인 음악 녹음 포맷에 의해 추진되었다: 33 ropm 롱 플레이 레코드, 오디오 카세트, 그리고 콤팩트 디스크.미국과 영국의 록 뮤지션들은 그들의 영향력과 활동영역을 참고로 앨범 록 시대라고 불리기도 하는 이 시대의 선두에 서곤 했다.음반 시대라는 용어는 녹음 아티스트의 앨범 발매를 둘러싼 마케팅과 심미적 시기를 가리키는 말로도 쓰인다.

20세기 초에 개발된 LP 앨범은 원래 클래식 음악과 더 부유한 성인 소비자들을 위해 판매되었다.하지만, 싱글은 여전히 음악 산업을 지배했고, 결국 LP 형식이 사운드 트랙, 재즈, 그리고 일부 팝 음반에 더 많이 사용되었던 1950년대에 로큰롤 연주자들의 성공을 통해 이루어졌다.1960년대 중반에 이르러 비틀즈가 예술적으로 야심차고 가장 잘 팔리는 LP를 출시하기 시작했을 때, 더 많은 락과 팝이 뒤따랐고, 그 산업은 그들의 문화적 가치를 증명하는 동안 앨범을 채택하여 엄청난 성공을 거두었다.그 후 10년 동안, LP는 젊은 층에게 있어 기본적인 예술 단위이자 널리 인기 있는 아이템으로 떠올랐으며, 특히 록과 소울 양쪽의 진보적인 음악가들에 의해 고용된 컨셉 앨범의 아이디어를 이용하여 종종 마케팅되었다.

1970년대 말, LP 앨범은 판매량 감소를 경험했고 싱글 앨범은 펑크 록, 디스코, MTV의 뮤직비디오 프로그래밍의 발달로 다시 강조되었다.음반업계는 LP를 CD로 점차 대체하고, 음반 판매량이 급증한 이후 20년 동안 히트곡들을 더 적게 발매하며, CD 앨범의 가격을 부풀리는 등 이러한 추세에 맞서 싸웠다.주요 팝 스타들의 성공은 음반사들 사이에서 확장된 롤아웃 모델의 개발로 이어졌고, 매력적인 리드 싱글을 중심으로 앨범을 마케팅하고, 관심을 끄는 뮤직 비디오, 새로운 상품, 언론 보도, 그리고 지원 콘서트 투어를 개발했다.여성들과 흑인 뮤지션들은 주로 백인 남성들과 록 지향적인 캐논 음악가들 사이에서 비판적인 인정을 계속 받았으며, 떠오르는 힙합 장르는 앨범 기반 표준을 자체 개발했다.1990년대 가요계는 대체 록과 컨트리 뮤직 붐이 일어나 CD 판매량을 기준으로 1999년 150억 달러의 매출 정점을 이루었다.그러나 냅스터와 같은 파일 공유 네트워크의 개발은 소비자들이 인터넷을 통해 디지털로 CD 트랙을 복사하고 공유할 수 있게 되면서 포맷의 실행 가능성을 훼손하기 시작했다.

21세기 초에는 음반 판매량이 급감하고, 일반적으로 싱글에 초점을 맞춘 음반 활동이 많아지면서 음악 다운로드 및 스트리밍 서비스가 대중적인 유통 수단으로 등장하여 사실상 앨범 시대가 막을 내렸다.비판적 패러다임도 록에서 벗어나 2000년대 음반 판매량을 석권한 팝과 도시음악에서 제작되는 보다 혁신적인 작품으로 전환했다.깜짝 발매가 인기 전략으로 떠오를 정도로, 대중적인 대중적 행동은 그들의 앨범을 진지하게 마케팅하는 것을 계속하였다.전세계적으로 음악 판매량이 더 감소하는 동안, 이 CD는 일본과 같은 일부 국가들에서 인기를 유지했는데, 이는 부분적으로, 이 CD의 성공이 주요 영어 행위의 세계적인 지배에서 점점 멀어지는 것을 나타내는 일본의 인기 있는 아이돌 가수들을 둘러싼 마케팅과 팬덤 때문이다.2010년대 말까지, 콘셉트 앨범은 문화적으로 적절하고 비판적으로 성공적인 개인 내러티브로 재조명되었다.한편, 팝과 랩 아티스트들은 디지털 시대의 주문형 소비자 문화를 활용한 미니 마케팅으로 가장 많은 앨범 스트림을 얻었으며, 이는 COVID-19 대유행과 음악 산업에 미치는 영향에 의해 더욱 급진화되었다.

프리 히스토리

참고 항목: 음악에서는 1940년대, 음악에서는 1950년대
축음기의 LP 레코드

20세기 초의 기술 발전은 녹음된 음악이 만들어지고 판매되는 방식에 일대 변화를 가져왔다.LP 이전에, 녹음된 음악의 표준 매체는 셸락으로 만들어진 78rpm의 축음기 레코드로, 한 면당 3분에서 5분 정도의 용량을 특징으로 했다.[3]용량 제한은 레코딩 아티스트의 작곡 과정에 제약을 가하는 반면, 쉘락의 취약성은 사진 앨범을 닮은 빈 책자에 이러한 레코드를 포장하도록 유도했고,[3] 일반적으로 갈색 색의 포장지를 덮개로 했다.[4]기록적인 생산에 폴리염화비닐이 도입되면서 비닐 레코드는 소음이 적고 내구성이 좋아졌다.[3]

1940년대 상업용 및 가정용 레코딩 시장은 경쟁사인 RCA 빅터와 컬럼비아 레코드가 장악했으며 수석 엔지니어인 피터 칼 골드마크가 12인치 롱플레이(LP) 비닐 레코드의 개발을 주도했다.[3]이 포맷은 33˚[5]rpm의 속도로 최대 52분, 즉 한 쪽당 26분까지 녹음을 저장할 수 있으며, 홈 재생 시스템을 위해 고안된 작은 테이프의 "microgroove" 스타일러스로 재생이 가능했다.[3]1948년 컬럼비아에 의해 공식적으로 소개된 LP는 사진 앨범과 같은 78개의 포장을 의미하는 "레코드 앨범"으로 알려지게 되었다.[3]컬럼비아의 또 다른 혁신은 앨범 재킷 커버에 그래픽과 타이포그래픽 디자인을 추가한 것인데, 레이블의 아트 디렉터인 알렉스 스타인위스가 소개했다.LP 판매에 긍정적인 영향을 미친 음악 산업은 1950년대까지 일러스트레이션 앨범 커버를 표준으로 채택했다.[4]

초기 팝 앨범 아티스트 프랭크 시나트라(c.1955)

원래 이 앨범은 클래식 음악을 듣는 사람들을 위해 주로 판매되었고,[6] 첫 번째 발매된 LP는 Nathan Milstein과 뉴욕의 필하모닉-심포니 오케스트라가 만든 멘델스존: E Minorial in Violin and Op. 64 (1948)이었다.[7]영화 사운드트랙, 브로드웨이 쇼 캐스트 녹음, 재즈 뮤지션, 그리고 프랭크 시나트라와 같은 일부 팝 가수들은 곧 더 긴 새로운 포맷을 활용했다.특히 듀크 엘링턴, 마일즈 데이비스, 데이브 브루벡과 같은 재즈 아티스트들은 그 능력이 어떻게 그들이 그들의 작곡을 콘서트 길이 편곡과 즉흥 연주로 녹음할 수 있게 해주었는지에 대해 LP를 선호했다.[7]뮤지컬 키스미(1949)의 브로드웨이 오리지널 캐스팅 녹음은 발매 첫 달 만에 10만장이 팔렸고 남태평양(앨범 차트 63주 1위)과 함께 LP에 더 많은 관심을 모았고, 마이 페어 레이디의 브로드웨이 캐스팅 녹음은 100만장이 팔린 최초의 LP가 됐다.[8][9]그러나 1950년대와 1960년대까지 45rpm 7인치 싱글 판매는 여전히 음악 산업의 1차 시장으로 여겨졌고, 음반은 2차 시장으로 남아 있었다.엘비스 프레슬리와 같은 유명한 락앤롤 연주자들의 경력은 주로 단일 판매에 의해 주도되었다.[6]

1960년대: 록 시대의 시작

1960년대 비틀즈의 음악, 콘셉트 앨범 및 문화적 영향 참조

1964년 비틀즈의 미국 진출은 음악 작가 앤 파워스와 조엘 휘트번에게 '클래식 앨범 시대'[10] 또는 '록 앨범 시대'[11]를 예고한 것으로 평가받고 있다.마르셀 다니시는 그의 대중문화 간결한 사전에서 "이 앨범은 음악적, 미적, 정치적 주제와 함께 1960년대 반문화 운동의 핵심 측면이 되었다.이로부터 이 시대가 '앨범 시대'로 불리며 '콘셉트 앨범'이 등장했다.다니시는 비틀즈의 1965년 앨범 Rubber Soul을 이 시대의 첫 번째 콘셉트 앨범 중 하나로 꼽는다.[12]미디어학자인 로이 슈커에 따르면 1960년대 콘셉트 앨범이 개발되면서 "이질적인 곡들의 모음곡에서 개별 곡들이 서로 얽혀 있는 하나의 주제를 담은 서사 작품으로 앨범이 바뀌었다" "주제로 통일되어 악기, 작곡, 서사, 서정적인 곡이 될 수 있다"[13]고 한다.반면, 대중문화사학자 짐 컬런은 이 컨셉 앨범이 A.V.와 함께 "때로는 록 시대의 산물로 추정되기도 한다"[14]고 말한다. 클럽 작가 노엘 머레이는 시나트라의 1950년대 LP인 'Wee Small Hours'(1955년)가 '테마틱하게 연결된 노래'[15]로 일찌감치 형태를 개척했다고 주장한다.마찬가지로, 윌 프리드왈드는 레이 찰스가 1960년대 초에 주제적으로 통합된 앨범을 발매하여 R&B의 주요 LP 아티스트로 성장시켰으며, 1962년에는 컨트리 사운드와 웨스턴 뮤직에서 많이 팔린 모던 사운드로 정점을 찍었다.[16]

음악사학자 빌 마틴에 따르면 1965년 12월 발매된 러버 소울은 대중음악의 '터닝 포인트'로, 처음으로 '노래보다는 앨범이 예술적 연출의 기본 단위가 됐다'[17]고 한다.작가 데이비드 하워드는 러버 소울의 "팝의 지분이 성층권으로 올라갔었다"면서 "갑자기 훌륭한 싱글보다는 필러 없이 훌륭한 앨범을 만드는 데 더 큰 의미가 있었다"[18]고 입을 모은다.1966년 1월 빌보드 잡지는 미국 러버 소울의 오픈 판매(9일 동안 120만 부)를 LP 포맷으로 쏠리는 10대 음반 구매자들의 증거로 언급했다.[19]영국의 산업규범과 부합하는 한편, Ruber Soul에 대한 히트 싱글의 부족은 자급자족적인 예술적 표현으로 미국에서 앨범의 정체성을 더했다.[20][21]

비틀즈(1964)는 음반 시대를 예고한 음악사학자들로부터 공로를 인정받았다.

비틀즈의 예를 따라 1966년 롤링 스톤즈의 후폭풍, 비치 보이스의 펫 사운즈, 밥 딜런의 블론드 온 블론드 온 블론드, 비틀즈만의 리볼버, 후즈 어 퀵 원 등 여러 록 앨범이 발표되었다.[22][nb 1]음악 저널리스트 매트 스노우는 이 5개의 발매물과 오티스 레딩의 1965년 LP 오티스 블루를 함께 인용, "앨범 시대가 도래했고, 히트 싱글이 여전히 중요하긴 했지만, 그들은 더 이상 팝의 가장 중요한 돈 스핀너이자 예술적 진술이 아니었다"[24]고 증거한다.존 파렐레스에 따르면, 음악 산업은 엄청난 이익을 얻었고, 그 시대의 록 음악가들 때문에 그것의 경제적 정체성을 재정립했다고 한다. 그는 그들 스스로를 "즉흥적인 히트 싱글의 공급자들보다 더 많은 것으로 보기 시작했다."[25]영국 음악 산업의 경우 러버 소울과 후폭풍의 상업적 성공이 LP 시장을 보다 부유하고 성인 음반 구매자들의 영역으로 재확립하려는 시도를 좌절시켰다.1966년 초부터, 그곳의 음반 회사들은 록 공연보다 성인 위주의 연예인들을 홍보하는 정책을 중단했고, 증가하는 LP에 대한 수요에 맞추기 위해 그들의 저매도 아티스트들을 위한 예산 앨범을 채택했다.[22]

비틀즈의 1967년 앨범 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band는 Rolling Stone의 부 편집장 Andy Greene이 피치포크의 Scott Plagenhoef가 반사한 "앨범 시대의 시작"[26]을 기념하는 것으로 확인되었다.[27] Greene는 "앨범의 빅뱅이었다"[26]고 덧붙인다.척 에디(Chuck Eddy)는 병장(SGT)으로 시작하는 '하이 앨범 시대'를 일컫는다. 후추.[28]1967년 5월에 발매된 이 앨범은 미국에서 록에 대한 헌신적인 비판과 팝 앨범을 유효한 문화 작품으로 포지셔닝하려는 지식인들이 등장하면서 동시에 발매되었다.[29]음악사학자 사이먼 필로는 평단의 호평과는 별개로, "음반의 [상업적] 성공이 앨범 중심의 록시대로 이어져 대중음악이 경제적으로 어떻게 작동했는지를 근본적으로 재구성했다"[30]고 쓰고 있다.창의적인 야망을 강화합니다, 병장님. 페퍼는 문폴드 슬리브에 작사 시트로 포장되어, 현재 음악가들이 예술계의 동료들에게 그들의 LP 슬리브를 디자인하도록 의뢰하고 그들의 앨범을 음반사에 발매하기 위해 발표하는 트렌드의 전형이다.[21]그레그 코트가 병장이 말했다. 페퍼는 "듣는 사람들이 더 이상 3분짜리 싱글로 밤을 비틀지 않고 20분 연속 앨범 편으로 자신을 잃고 아티스트가 이끄는 여정을 하면서 앨범 위주 록을 제작하고 소비할 수 있는 템플릿을 선보였다"[31]고 소개했다.음악적 심미성이 응집돼 있어 콘셉트 앨범으로 평가받는 경우가 많다.[13]

클래식 앨범 시대는 이 무렵부터 시작되고 싱글을 들을 때와 매우 다른 방식으로 음악을 캐논한다.그리고 그것이 음악이 계속 울려 퍼지는 강력한 이유인데, 그 앨범은 마치 음악을 배경으로 한 소설과도 같기 때문이다.그것은 우리가 아이들과 공유하는 형태, 우리가 가르치는 형태, 그리고 우리가 수집하는 형태다.

— Ann Powers (2017)[32]

병장님이 앞장선다. 1967년 Pepper는 미국과 영국에서 번성하는 음악 장면에서 예술적으로 혁신적이고 유명한 록 앨범의 생산량이 더 많았다.These were often accompanied by popular singles and included the Stones' Between the Buttons (with the two-sided single "Ruby Tuesday"/"Let's Spend the Night Together"), Cream's Disraeli Gears (featuring the band's most well-known song "Sunshine of Your Love"), and the Who's The Who Sell Out, which included hits like "I Can See for Miles" in the f상업주의와 라디오를 풍자한 컨셉 앨범의 [32]레임워크한편, 지미 헨드릭스의 「Purple Haze」(1967년)는 「앨범 록 시대의 단신」으로 발매되었다고 데이브 마쉬는 전했다.[33]Danesi는 1968년 비틀즈의 화이트 앨범을 병장과 함께 인용한다. 그 시대의 출현에 따른 후추.[12]슈커는 후속 콘셉트 앨범으로 <발명의 어머니들>의 <We're Only in the Mothers for the Money>(1967), <Kinks>의 <대영제국의 쇠퇴>(1969)를 꼽으면서, <Prety Things's S.F. Sorrow>(1969)와 <Who's Tommy(1969)와 같은 록 오페라의 일부 형식을 언급했다.[13]

1967년 롤링 스톤즈

Neil Strauss에 따르면, "앨범 록 시대"는 1960년대 후반에 시작되었고 궁극적으로 록 아티스트와 비 록 아티스트 모두의 LP 레코드를 포괄했다.[34]론 윈에 따르면 싱어송라이터 겸 멀티 악기 연주자인 아이작 헤이스는 1969년 앨범 '핫 버터드 소울'로 소울 음악을 '컨셉 앨범 시대'에 진입시키는 데 일조했는데, 이 앨범은 상업적으로 성공하고, 장르에 더 많은 실험적인 구조와 편곡을 도입했다.[35]에서 나는 ManILoveYou의 아테나 지금,(1968년)에(1967년)그는 stablished 말하는 마음에 들지 말라 또한 영혼 나라 가수 중에 로버트 Christgau는 장르의"몇몇 믿을 만한 long-form 예술가들"(오티스 블루 그의"먼저 위대한 앨범" 되는 것과)[36]은 물론 아레사 프랭클린과 4"고전적인"LP판의 애틀랜틱 레코드에 대한 그녀의 시리즈로, 레딩을 언급한다. "ae"기공과 귀에 거슬리는 노래들"의 미적 표준.이 시리즈는 Christgau에 의해 같은 10년 동안 비틀즈, 스톤즈, 딜런이 운영한 것과 유사하게 "proficial"과 앨 그린과 의회-Funkadelic의 후속 운영과 비교된다.[37]롤링스톤즈의 4집 앨범은 1960년대 후반 거인연주회(1968년)와 렛 잇 블리딩(1969년)으로 시작해 스티키핑거즈(1971년)와 메인 생트에서의 망명(1972)으로 마무리하는 등 문화사학자 잭 해밀턴이 "대중음악의 지속적인 창작봉중 하나"[38]라고 칭할 정도로 높이 평가받고 있다.

1970년대: LP의 황금시대

참고 항목: 1970년대 음악
핑크 플로이드(1973)가 LP 시대의 대표적인 상업적 성공작 <달의 다크 사이드>를 공연하고 있다.

1960년대 중반부터 1970년대 후반까지는 LP의 시대와 앨범의 '황금시대'가 있었다.BBC 4의 '앨범들이 세상을 지배할 때'(2013년)에 따르면 "이 시절은 음악 산업이 헐리우드보다 더 커지기 위해 폭발했던 [39]시기였다"면서 "앨범 시대는 록 가수가 히트곡의 길이보다 더 관심을 기울일 가치가 있는 아티스트라는 개념을 깨우쳤다"고 이후 파렐레스는 관측했다."공연자들은 탑 40에 어디에도 없던 시절에도 팬들에게 생생한 존재가 될 수 있었고, 킨크스부터 마이클 잭슨, 스팅에 이르기까지 1960년대와 1970년대 일부 공연자들의 충성도가 형성되었다."[40]1970년대에 등장한 사람들 중에는 파워스가 "노래로 세상을 정립하는 것뿐만 아니라 영원한 인격체로 살기 위해 커리어의 아크 위에서 장수의 형식 자체를 더욱 강력하게 사용한 것"이라고 부르는 브루스 스프링스틴이 있었다.[41]

진보적인 록과 소울 뮤지션들은 1970년대에 고도로 개념적인 앨범 지향적인 접근법을 이용했다.[42]핑크 플로이드는 특히 1973년 앨범 The Dark Side of the Moon을 통해 향후 10년간 록의 기준을 재창조하는 LP를 주제적으로 그리고 복잡하게 제작했다.[43]음악가 겸 프로듀서인 브라이언 에노는 록시 뮤직, 데이비드 보위, 토크 헤드, U2의 앨범뿐만 아니라 솔로 음반으로 앨범 시대를 정점을 찍으며 점진적으로 실험적으로 록에 대한 접근으로 형식을 철저히 활용한 다작 작업을 통해 등장했다.[44]소울 레이블 모타운에서 베리 고디의 리더쉽 아래, 싱어송라이터인 마빈 게이(Marvin Gaye)와 스티비 원더(Stevie Wonder)는 일반적으로 하나의 중심 장르였던 앨범에 보다 진지하게 접근할 수 있는 창조적인 통제권을 부여받았고, 10년이 지나면서 두 사람의 혁신적인 LP가 연이어 출시되었다.[45]그들의 혁신적인 작업에서, Gaye와 Wonder는 피치포크의 Marc Hogan이 앨범 시대 동안 주로 백인 남성인 "록스머프 캐논"이 될 것이라고 관측한 몇 안 되는 예외였는데, 이 중 하나는 여성 및 흑인 음악가들의 작품을 크게 배제한 것이었다.[46]

스티비 원더, 그 시대의 혁신적인 예술가들 중 한 명

에릭 올슨에 따르면 핑크 플로이드는 '앨범 록 시대의 가장 괴상하고 실험적인 멀티 플래티넘 밴드'였고, 레게 아티스트 밥 말리는 '미국이나 영국 출신이 아닌 록 시대의 유일한 우뚝 솟은 인물'이었다.[47]1970년 작 조니 미첼 LP 레이디스 오브 더 캐년 앨범은 일반적으로 앨범 시대의 가장 중요한 음반 중 하나로 여겨진다.[48]앨리스 쿠퍼와 키스의 파괴자(1976)의 1970년대 앨범을 작업한 밥 에즈린의 작품도 이 시대부터 주목받는다.음악 저널리스트 제임스 캄피온이 쓴 것처럼 1970년대 앨범 시대는 그의 영화적 접근법에 딱 들어맞았다.마치 두 사람이 중간 휴식 시간을 갖고 연극을 하는 것처럼 양면성을 가진 그것의 형식은 스토리텔링에서 결정적인 호를 가능하게 한다.[49]LP 음반과 함께 8트랙 테이프는 이 시기에 미국에서 인기를 끌었던 또 다른 형식이었다.[39]

캄피온은 1970년대 LP 미학을 상세히 설명하면서 10년 동안 젊은이들에게 이상적인 형식을 만들어준 문화적, 환경적 요인을 그의 마음에서 파악한다.그는 턴테이블과 헤드폰에 의해 청취자들에게 제공되는 "화려한 분위기"를 묘사하고 있는데, "그들은 복잡한 스테레오 패닝, 분위기 있는 소리, 다층적인 발성 요령으로 개발했다"고 한다.[49]워렌 제인스는 LP 트랙의 빈틈없는 시퀀싱을 "앨범 시대 가장 인지도가 낮은 예술"로 여긴다.[50]당시 레크리에이션 약물과 무드 램프의 인기는 더 집중적인 청취 경험을 위한 추가적인 설정을 제공했는데, "이것은 듣는 사람을 각 노래에 열광하게 했다: 한 곡이 어떻게 다른 곡으로 흘러들어가는지, 그들의 연결적인 서정적인 내용, 그리고 계기의 결합"이다.[49]

1969년 교내에서 예스 LP를 듣고 있는 로도스 대학생, c. 1970

캠피온은 1970년대에 성장한 사람들이 앨범 청취에서 더 큰 가치를 발견했다고 설명했다. 그 이유는 다른 가정용 오락기구에 대한 접근이 제한적이기 때문이다. "그들 중 많은 사람들은 가족용 텔레비전이나 부엌용 라디오를 통제할 수 없었다.이것은 침실이나 위층 소굴의 우선순위를 정하는 것으로 이어졌다."캄피온은 이 설정을 "헤드폰 드림케이프 안에 틀어박혀 12인치 작품 구석구석을 연구하며 작가가 의도하든 아니든 서정적인 서브텍스트를 깊이 파고드는 시대 청취자들을 위한 '상상 캡슐'이라고 설명한다.만화책의 공포와 공상과학 판타지, 이미지뿐만 아니라 광고, 선전, "미국의 웅장함 약속"을 인용한 캄피온에 따르면, 당시의 다른 문화적 영향도 청취 경험을 알렸다.그의 분석에서 캠피온은 다음과 같이 결론짓는다. "마음의 극장에 앉아있는 것처럼...그들은 록앤롤 영웅들의 장난기 어린 나불나불에 기꺼이 참가하였다."[49]파렐레스는 "성공적인 노래는 연주자에 대한 이미지와 환상에 의해 일종의 서사가 된다"면서 "청중의 애정과 매력은 히트곡, 즉 히트곡에서 가수로 넘어갔다"고 말했다.es, Parelles에 따르면.[40]

팝의 초기에는 로큰롤이 3분간의 테이크-잇-리-잇-리-잇 구간으로 소비되도록 설계되었기 때문에 판단이 더 간단했다.형식으로서의 LP의 상승은, 그들이 말하듯이, 예술적 실체로서, 우리가 한 때 가장 예술을 비약했던 것을 어떻게 인지하고 기억하는지를 복잡하게 만들었다.이 앨범은 70년대 토템-브라이어 구성이 10년 후까지 컴백한다는 것을 증명할 수 있을 것이다.하지만 70년대에는 기본적인 음악 단원으로 남을 것이다.

— Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981)[51]

호건에 따르면 병장과 함께. 후추가 그 원동력을 제공하면서 1970년대까지 '개념 앨범'이라는 아이디어는 '예술'이라는 핑계를 대며 수천만 장의 음반을 팔았다.호건은 The Dark Side of the Moon과 같은 앨범이 이러한 추세를 주도했다고 언급하면서 "1970년대 중반까지 음반 판매량이 급증했다"고 말했다.[46]월드북 백과사전에 따르면 1974년 "미국에서 음반과 테이프의 달러 매출은 사상 최대인 22억 달러에 달했다"고 하며 팝과 록 음반은 전체 음반 판매량의 3분의 2를 차지했다.그러나 이 책은 올해 들어 기록적인 가격 상승에 일부 기여하고 있으며, 실제 LP 판매량은 2억 8천만 부에서 2억 7천 6백만 부로 줄었으며, 테이프 판매량은 1억 8백만 부에서 1억 1천 4백만 부로 증가했다고 지적했다.음반사들이 팝과 록에 집중하면서 클래식, 재즈, 쉬운 듣기 등 다른 장르의 발매는 시장에서 소외됐다.이 시기 많은 재즈 아티스트들이 음반 판매량을 늘리기 위해 팝 친화적인 곡으로 크로스오버 LP를 녹음했다.[52]

호건에 따르면 1977년까지 앨범 판매량이 감소하기 시작했다고 한다.[46]파렐레스는 1970년대 후반 펑크록과 디스코의 발달로 인해 이러한 감소가 나타났다고 말했다. "펑크는 짧고 시끄러운 노래에 초점을 맞추었다.디스코는 노래가 몸을 움직이는 물리적 순간에 집중했다고 말했다.[40]크리스트가우 역시 "단독 미학이 디스코와 펑크로 재탄생하기 시작했다"고 말해 '하이 앨범 시대'[53]가 끝났음을 시사했다.다른 분석에서, 역사학자 매튜 레스탈은 이 시기에 인기 있는 행위들이 그들의 이전 앨범에 주어졌던 높은 수준의 성공을 유지하기 위해 고군분투하는 것을 관찰했다.레스탈은 엘튼 존의 블루 무브스(1976년)와 플리트우드 맥의 투스크(1979년)의 실망스러운 수용을 거론하며 "이들은 위대한 앨범 시대의 녹음 아티스트들이 어떻게 기대의 지평선의 수명을 다했는지 극적으로 보여주는 사례"라고 말했다.[54]

1980-90년대: 경쟁 형식, 마케팅 전술

참고 항목: 1980년대 음악 및 1990년대 음악

1970년대 말 LP 음반 판매량 감소는 음악 산업이 영화 산업의 상업적 부활과 아케이드 비디오 게임의 인기로 인한 경쟁에 직면하면서 LP 주도의 '황금시대'[39]가 막을 내린 것이다.[46]MTV의 뮤직 비디오 프로그래밍의 성공은 1980년대와 1990년대 초반의 싱글 포맷을 다시 강조하였다.Pareles에 따르면, "1970년대 앨범 록 시대 이후, MTV는 히트 싱글을 대중 마케팅 도구로 유명하게 만드는 것을 도왔으며, 음반 구매자들의 소비 습관에 영향을 미쳤다는 것이 곧 명백해졌다.[40]

줄리앙 경매에서 엘비스 프레슬리, 프린스, 마돈나, 리니드 스카이너드, 브루스 스프링스틴의 플래티넘 레코드

마이클 잭슨과 마돈나와 같은 1980년대의 팝 스타들은 MTV에 싱글이나 뮤직비디오를 발표함으로써 그들의 앨범에 대한 관심을 불러일으킬 수 있었다.이는 수 주, 수개월에서 1년 이상에 이르는 오랜 기간 동안 앨범의 마케팅 모멘텀을 이끌어내기 위한 현대적인 앨범 출시로 이어졌다."시간이 흐르면서, 전기 그리고 궁극적으로는 예산으로) 구운 무언의 체크 리스트를major-label 팝 앨범을 발매하게 되었습니다", 불 뚜레 기자 저스틴 Curto 낙관적인 리드 싱글로 이 모델에 있는 요소를 인용하고 있는 스포트 라이트를 뮤직 비디오, 언론 보도는, 새로운 상품,고 이를 지원할 투어 콘서트 발표 글을 쓴다.[55]히트곡을 독점적으로 연주하는 MTV와 같은 아웃렛에 의존하는 음반 회사들은 즉각적인 상업적 성공과 시장성을 달성하기 위해 음반 활동에 더 많은 압력을 가했다."1980년대와 1990년대는 음반 판매량을 최고로 끌어올린 반면, 공연자 자신은 반짝반짝 빛나고 소진되는 경향을 보였다"고 Parelles 연대기처럼 말했다.[40]

1980년대의 전환기에 비평가들은 처음에 그들의 계층적 LP 캐논의 개념에서 펑크 싱글의 상승을 조화시키기 위해 애썼다.하지만, The Clash의 London Calling (1979년)과 다른 펑크 LP들은 곧 가장 위대한 앨범의 순위에서 인정을 받았다.10년이 흐르면서, Prince, Kate Bush, Public Enemy는 앨범 시대의 주로 백인 남성들과 락 지향적인 캐논에서 추가적인 예외로 떠올랐다.[46]힙합 가수들도 10년 후 성공적인 앨범 시리즈를 통해 그에 상응하는 비판적 지위를 얻었다.1986년 5월 300만 부 이상이 팔린 런-DMC의 라이징 헬을 시작으로 비스티 보이즈 라이선스 투 일(1986년), 부기 다운 프로덕션의 범죄 마인드(1987년), 공공 적의 요! Bum Rush the Show(1987년), Eric B. & Rakim's Payed in Full(1987년).붐박스 작가 토드 "스테레오" 윌리엄스에 따르면, 이것은 1980년대 후반부터 1990년대 후반까지 힙합 자체의 "앨범 시대"뿐만 아니라 "힙합 앨범이 대부분의 장르의 위대한 인물들이 평가받을 수 있는 측정 스틱이 될 것"이라고 말했다.[56]이러한 앨범 시대의 후기에 급속히 발전하는 경향에 대응하여, 이전의 「팝/락」음악을 「클래식 록」 형식으로 분류하는 등, 장르와 포맷이 명칭을 바꾸거나 재편성되는 경우가 많았다.[54]

1984년에 출시되어 LP의 변위를 촉진시킨 휴대용 디스크맨 CD 플레이어

1980년대 동안, 앨범 포맷은 먼저 카세트의 출현으로 음반 시장의 지배를 공고히 했다.[39]PC Mag 칼럼니스트 John C에 따르면. 드보락은 1979년 소니 워크맨이 등장하면서 급조된 트렌드인 "앨범 시대는 좋은 곡 하나만 수록 너무 많은 앨범을 냈기 때문에 카세트는 사용자가 직접 믹스 작업을 할 수 있게 했다"고 설명했다.[57]1984년 휴대용 디스크맨 플레이어와 함께 이 CD의 도입은 1980년대 음악 산업의 표준 앨범 포맷으로 LP의 변위를 시작했다.[57][34]호건에 따르면 "80년대 카세트와 CD가 보급되면서 홈 테이핑과 쉬운 곡 건너뛰기로 앨범이 해체됐다"[46]고 한다.1987년, 음악 산업은 잭슨, U2, 브루스 스프링스틴, 프린스, 폴 사이먼, 휘트니 휴스턴, 스팅, 본 조비, 데프 레퍼드와 같은 마케팅 성공으로 부각되어 CD의 인기로 인해 가장 수익성이 높은 한 해를 보냈다.[58]순 단위 판매는 실제로 감소했지만,[58][59] 1987년 9월 Christgau는 CD가 LP 레코드를 앞지르고 카세트가 LP 레코드를 앞지르고 있으며 카세트가 CD에 의해 결국 교체될 것이라고 보고했다.[57]1988년, 10년간의 발전에 대응하여 사회학자인 사이먼 프리스는 "기록의 시대"와 "우리가 알고 있는 팝 음악"[46]의 종말이 임박했다고 예측했다.

CD로의 전환에서, 예를 들어, 과거의 잘 알려진 앨범들은 원래 레코드 레이블에 의해 형식에 의해 재발행되었고, 또는 원본이 폐간되었을 때 앨범의 소유권이 이전된 라벨에 의해 재발행되었다.[34]1987년에 비틀즈의 완전한 스튜디오 카탈로그의 재발표는 특히 베이비부머 세대의 소비자들 사이에서 인기를 끌었는데, 그들은 또한 두 편의 고전 록 영화인 척 베리 헌정 하일!의 관객이기도 했다. 안녕! 록큰롤과 리치 발렌스의 전기영화 라밤바(La Bamba) - 그리고 엘비스 프레슬리 작곡은 그의 사망 10주년을 기념한다.[58]그러나 "단순한 감독뿐 아니라 법적, 계약적 문제 때문에" 많은 오래된 작품들이 디지털 재출시를 위해 간과되었다고 스트라우스는 설명한다.[34]대신에, 그러한 음반들은 종종 재발견되고 수집되어 북미 힙합 프로듀서들이 자신들의 음반들을 샘플로 샘플링할 희귀한 소리를 찾고 있는 상자 발굴 관행을 통해 수집되었다.1980년대 힙합 크레이터, 미디어 및 문화 이론가 Elodie A에 대한 그녀의 설명.로이는 중고품 가게와 자동차 트렁크 판매, 즉 원치 않는 자본주의적 잉여금의 보관소를 따라가다 보면 결국 대량생산된 LP 음반은 이제 우아함과 유행에서 벗어났다고 쓰고 있다.이러한 발전은 또한 물질문화학자 폴 마틴이 음악 발표와 같은 "달성 가능하고, 저렴하며, 호소력 있는" 아이템과 대량 생산에 대한 속성에 일반적으로 관심이 있는 것으로 묘사하는 "대중 수집가"의 현상에 기여했다.[60]

LP가 CD에 대한 선호도가 떨어지자 힙합 프로듀서들은 이를 샘플링 소스로 용도 변경해 음반 수집 발전에 기여했다.

파렐레스에 따르면 1980년대까지 "개별곡은 팝 유닛으로 돌아왔다"고 하자, 음반회사들은 싱글이 피처링한 앨범을 구매하도록 소비자들을 압박하기 위한 수단으로 히트 싱글을 발매하는 것을 자제하기 시작했다.[40]1980년대 말까지, 7인치 비닐 싱글 판매량은 감소하고 있었고, 거의 전적으로 카세트 싱글로 대체되었고, 이 둘 중 어느 것도 궁극적으로 앨범만큼 잘 팔리지 않았다.[39]1990년대에 앨범 생산은 급증했고, Christgau는 10년 동안 매년 약 3만 5천 장의 앨범을 발매했다.[61]1991년, Nirvana의 앨범 Nevermind가 비판적인 찬사를 받으며 발매되었고 전 세계적으로 3,000만 장 이상이 판매되어 가요계에 대체 록 붐이 일었다.[46]Garth Brooks와 Shania[62] Twain이 이끄는 동시 컨트리 음악 붐은 1994년과 1995년에 각각 7천 5백만 장 이상의 컨트리 앨범이 팔리면서 절정에 달했고,[63] 그 무렵에는 특히 Dr. Dre와 Snoop Dogg와 같은 논란이 많은 갱스터 랩의 성공으로 랩 시장도 빠르게 증가하고 있었다.[64]한편, 적어도 미국에서 소비자에게 음악을 한 곡씩 전달하는 것은 거의 존재하지 않았고,[65] 1998년 빌보드는 올해의 주요 히트곡 중 몇 곡이 소비자들에게 싱글로 발매되지 않자 Hot 100 싱글 차트에 수록하기 위한 물리적 싱글의 요건을 끝냈다.[66]1999년 음악 산업 전체는 음반 판매 수익 150억 달러로 상업적 정점에 도달했는데, 대부분 CD에서 나왔다.[67]

네버마인드는 1995년 스트라우스가 '앨범 록 시대'가 여전히 유효했다고 썼지만,[28] 에디가 '하이 앨범 시대'의 대략적인 종말로 인용하고 있다.[34]또 다른 "종말점"으로, 비평가들은 종종 라디오헤드의 전자적 영향을 받은 1997년 앨범 "OK Computer"를 이름 붙였다고 말한다. 이 앨범은 이후 수십 년 동안 어떤 "기타 기반의 전체 길이" 작품과 비교할 수 없는 주류와 비판적 성공의 이중 수준을 달성하면서 록 음악의 경계를 발전시켰다고 한다.[46]한편, 코트는 업계와 예술가들 사이에서 청렴도가 떨어지는 것을 관찰했다.그는 1990년대를 거치면서 소비자들이 비닐 음반보다 제작비가 덜 드는 CD음반 가격을 올려 착취당했고, 상당히 저음질의 음악으로 가동시간이 길었다고 제안했다.그는 음반 시대 초반부터 이상을 지키려 했던 일부 녹음 행위는 인정하면서도 CD 붐의 이익을 위해 대부분이 아티스트와 스토리텔러로서의 책임을 포기하고 관대한 녹음 관행을 받아들였다고 말했다.[31]

2000년대: 디지털 시대의 쇠퇴, 팝과 도시로의 전환

참고 항목: 음악 산업의 2000년대
2006년 아이팟 미니로 음악을 듣는 젊은 커플

2000년대 초, Kot는 시카고 트리뷴지에 33인치 RPM LP 형식의 가짜 부고를 출판했다.그 속에서, 그는 LP가 "비디오 게임, 케이블 텔레비전, 인터넷, 그리고 앨범 구매자로 알려진 것의 관심 범위를 괴롭히는 전세계적인 미디어의 폭발적 폭발적 증가뿐만 아니라 MP3 다운로드, 영화 사운드트랙, CD 셔플러에 의해 쓸모없게 되었다"[31]고 주장했다.1999년 인터넷 피어투피어 파일 공유 서비스 냅스터는 인터넷 사용자들이 CD에 있는 디지털 파일로부터 복사한 MP3 형식의 단일 노래를 쉽게 다운로드 받을 수 있도록 했다.[68]2000년 냅스터가 부상한 가운데 데이비드 보위는 한 인터뷰에서 음반 시대는 음악계의 피할 수 없는 디지털 음악 파일 수용으로 끝날 것이라고 전망했다.[69][nb 2]2001년 초 냅스터 사용은 전 세계적으로 2640만 명의 사용자로 정점을 찍었다.[70]비록 냅스터가 저작권 위반으로 그 해 말에 문을 닫았지만, 몇 개의 다른 음악 다운로드 서비스가 그 자리를 대신했다.[71]

2001년에는 애플사의 아이튠즈 서비스가 도입되었고, 그 해 말에 아이팟(소비자 친화적인 MP3 플레이어)이 출시되었고, 곧 비슷한 법적 대안이 나올 것이다.이는 불법 파일 공유의 지속적인 증가와 함께, 향후 3년 동안 물리적[65] 포맷으로 녹음된 음악 판매의 급격한 감소로 이어졌다.[72]어셔는 2004년 말까지 약 6억 6천 7백만 장의 앨범을 판매했으며, 어셔는 8백만 장의 앨범을 판매했으며,[72] 어셔의 성공에 힘입어 10년 동안 팝의 상업적 우위를 점한 바 있다.[73]에미넴과 50센트는 지난 10년 동안 계속된 랩 붐의 주요 성공 사례들 중 하나이다.[64]고백과 에미넴의 에미넴 쇼(2002)는 둘 다 미국 음반산업협회에 의해 다이아몬드 인증을 받을 것이며, 10년 말까지 각각 1,000만 부씩 판매될 것이다.[73]

카니예 웨스트(2007)는 10년 동안 중요한 힙합 프로듀서 겸 앨범 아티스트로 떠올랐다.[74]

가장 혁신적이고 문화적으로 관련성이 높은 음반도 R&B, 힙합, 팝이라는 도시 장르에서 제작되고 있었는데, 여기에는 카니예 웨스트와 단젤로의 앨범과 팀발란드와 넵튠즈의 프로듀싱도 포함된다.비평가들에게 이 작품들은 록 기타를 기반으로 한 전통으로 앨범시대를 규정했던 또 다른 형태의 예술 팝 음반으로, 라디오헤드의 전자 록 이후 앨범 키드 A(2000년)에게 주어지는 정통적인 찬사에 의해 더욱 복잡해졌다.2000년대 초반 가장 호평을 받았던 록 음반 OK Computer의 획기적인 판매량에 미치지 못하면서 'Throke Is This It', 'White Stripe's White Blood Cells'(2001), 인터폴의 'Turn on the Brights(2002)'처럼 오래된 사운드가 자주 재방영되거나 단순히 라디오헤드의 방대한 제작 및 마케팅 예산이 부족했다.아케이드 화재의 장례식(2004년).이러한 발전은 록의 상업적, 문화적 위신을 떨어뜨리고 그 후 몇 년 동안 록시즘에서 팝티미즘으로 중요한 패러다임이 전환되는 결과를 가져왔다.[46]

한편, 음반 업계의 음반 판매 능력은 DVD, 비디오 게임, 싱글송 다운로드와 같은 해적판과 경쟁 매체들로부터 여전히 위협에 직면했다.닐슨 사운드스캔의 2004년 자료에 따르면, 디지털 트랙은 아이튠즈 같은 온라인 판매업체로부터 각각 약 99센트에 1억 4천만 장 이상이 팔렸으며, 소비자들이 고가 앨범보다 개별 곡을 다운로드 받는 것을 선호한다는 것을 보여주었다.[72]2006년에는 디지털 음악 소비자들이 앨범보다 싱글을 19대 1로 사들이는 등 CD 판매량이 처음으로 단일 다운로드로 수적으로 앞섰다.[65]2009년까지 앨범 판매량은 1999년 이후 절반 이상 감소해 146억 달러에서 63억 달러로 감소했다.[75]또한 이때까지 댄스팝은 40대 라디오의 지배적인 장르로 도시음악을 계승했고,[73] 이 시기 리한나와 같은 팝 아티스트들은 앨범 판매 대신 디지털 싱글로 그들의 경력을 쌓았다.[76]베테랑 록은 앨범 판매량 하락을 통해 젊은 층보다 더 잘 성장했는데, 그 형식에 여전히 애착을 갖고 있는 충실한 추종자들 때문이다.맷 스노우는 라이브 쇼가 결과적으로 그들의 가장 큰 수익원이 되었음을 언급하며 "앨범 시대의 아이들, U2는 그들의 창의성의 핵심 진술로서 앨범을 멈추지 않을 것"이라고 말했다.[67]

2013년 폐업한 영국 웨이크필드의 한 HMV 레코드 가게

2000년대 들어 디지털 미디어가 부상하면서, 실제 앨범의 '인기 수집가'는 '디지털'과 '전자' 수집가로 전환되었다.그런 수집가들 중 로이는 디지털 파일의 취약한 저장 수명을 거론하며 "장기적으로 수집품을 보존할 충분한 보관 지식이나 도구를 갖추지 못했다"고 주장할 수 있다고 말한다.[60]동시에, 물리적 음악 매장의 소멸은 물리적 음악 발매의 온라인 마켓플레이스로 발전하기 전에 음악 데이터베이스로 시작한 음악 리뷰 데이터베이스 AllMusic, 스트리밍 서비스 Spotify, Discogs를 포함한 웹사이트들이 앨범 수집의 도메인으로 부상할 수 있도록 했다.[77]

앨범의 죽음이라는 문구는 쇠퇴기에 미디어에서 사용되었는데, 대개는 그것을 인터넷 공유와 다운로드,[78][79] 음악 청취자들의 변화하는 기대감 탓으로 돌렸다.[80]캐피톨-EMI의 COO 제프 켐플러는 2007년 "앨범 중심의 캠페인을 추구하는 아티스트가 줄어들 것"이라고 밝혔고, 미디어 연구원인 아람 신레이치는 MP3 플레이어로 재생목록을 듣는 소비자들로 인해 앨범의 죽음을 직설적으로 예측했다.[65]몇 년 후 캘리포니아의 엔터테인먼트 로펌인 마나트, 펠프스 & 필립스의 리 필립스는 앨범 시대가 끝났다고 믿고 음반회사들이 스트리밍의 불가피성을 음악 유통의 바람직한 수단으로 인식하지 못하고 냅스터와 함께 해결책에 대해 협력하지 않은 것에 대해 비난했다.[81]

2010년대-현재: 포스트 앨범 시대와 스트리밍 시대

참고 항목: 음악 산업 및 깜짝 앨범의 2010년대
2010년 Spotify에 재생 목록을 표시하는 스마트폰.스트리밍 서비스는 10년 동안 음악 소비를 위한 지배적이고 재정의된 플랫폼이 되었다.

존 카라마니카[83], 케빈 화이트헤드 등 2010년대 가요계 인사들과[82] 작가들은 앨범 역사상 이 시기를 '포스트 앨범 시대'라고 표현했다.[84]10년 동안 레코드 레이블은 일반적으로 Spotify나 Pandora Radio와 같은 스트리밍 플랫폼에 투자했으며, 앨범보다는 큐레이션된 플레이리스트와 개별 트랙에 초점을 맞춘 전략이었다.[2]특히 스포티파이는 2010년대 동안 음악 소비를 위한 지배적이고 재정의된 플랫폼이 되었다.Deserret News에 대해 지난 10년 동안 Court Mann은 "Spotify와 Apple Music과 같은 서비스는 당사의 [음악] 라이브러리를 개인용 하드 드라이브, iPod, CD에서 벗어나 클라우드로 이동시켰다"고 말했다.우리 음악은 점점 자급자족하고 사적으로 변하고 있다."[85]2011년 미국에서의 순 앨범 판매량은 2004년 이후 처음으로 증가했는데, 일부 작가들은 이를 아델의 2011년 잠자는 사람 21명(2012년 1월까지 580만 대, CD 300만 장 이상 판매)[86] 탓으로 돌렸으나, 다음 해에는 다시 하락세를 이어갔다.[73]소비자들이 앨범을 버리면서, 더 많은 가수들이 싱글 앨범 발매에 집중했는데, 이는 비평가들이 그들의 예술적 잠재력을 약화시키고 많은 히트곡들을 만들어냈다고 느끼는 경향이다.[87]그러나 포맷의 지배 시대 동안 주로 앨범에 대한 리뷰를 썼던 비평가들도 싱글곡에 대한 리뷰를 하기 시작했다.[28]

가디언의 피터 로빈슨은 앨범 포맷이 상업적으로 "죽은" 상태였지만 U2, 1975년 테일러 스위프트, 케이티 페리 같은 유명 아티스트들이 여전히 스스로 정의한 "앨범 시대" 안에 작품을 선보였다고 말한다.그러한 예술가들은 보위, 마돈나, 펫샵 보이즈와 같은 과거 행위들에 의해 테마로 된 앨범 캠페인 스타일로 그들의 프로젝트의 미적 수명을 제시했다.[88]카니예 웨스트, 아케이드 파이어, 레이디 가가 등 비주얼 아트와 대중적 설정을 활용한 실패작들을 전략에서 인용한 독수리 작가 린제이 졸라즈(Lindsay Zoladz)는 "가가의 지나친 ARTPOP 캠페인은 J를 특징으로 삼았다"고 전했다.에프쿤스 조각과 그녀가 '세계 최초의 플라잉 드레스인 VOLANTS'를 공개한 기자회견; 다프트 펑크는 VH1 클래식 앨범 - 누구도 듣기도 전에 Random Access Memory를 기념하는 esque 프로모션 장소들을 끝도 없이 녹음했다. 그리고 나서 페리는 금빛 18륜차를 타고 LA 거리를 운전하는 것을 잊을 수 있었다.캐티 페리 프리즘 10-22-13을 외치고는, 기막히게, 크래커 배럴 치즈의 10톤짜리 벽돌처럼 보였다고?"[89]그럼에도 불구하고, 스위프트는 10년 동안 앨범 시대 캠페인의 선도적인 애착이 있고 꼼꼼한 기획자로 남아 커토의 의견으로는 이 전략의 독특한 예술을 창조했다.[55]

비욘세(2016년)는 2010년대 깜짝 앨범 전략을 대중화했다.

2010년대 중반까지, 인기 있는 음반 가수들은 이 깜짝 앨범을 발매 전략으로 받아들였고, 일부분은 인터넷 유출을 막기 위한 방법으로 사전 발표와 홍보가 거의 없이 앨범을 발매했다.이 전략은 라디오헤드와 보위가 선점했지만 2013년 비욘세가 자작 앨범으로 대중화하면서 2015년 졸라즈에게 '현재의 깜짝 앨범 시대'로까지 이어졌다.[89]이듬해 이 가수는 레모네이드 앨범으로 이 전략을 반복했고, 쿠르토의 설명대로 다시 한번 "Zeitgeist가 단 하룻밤 만에 잡힐 수 있다"고 증명했다.[55]그러나 졸라드즈는 계속해서 전문 비평가와 캐주얼 리스너들이 기습 공개와 이들을 둘러싼 소셜미디어 뉴스 사이클과 연계된 상태를 유지하지 못하는 '집단 피로'를 보도했다.그녀는 또한 싱글 트랙 발매로 시간이 지남에 따라 더 많은 인기를 끌 수 있는 드레이크의 능력에 주목했고, 따라서 디지털 시대의 "즉각적인 만족과 장기적인 기대 둘 다에 대한 욕구"[89]를 마스터할 수 있었다.2010년대 후반은 비슷하게 힙합 앨범 발매에 대한 최소한의 마케팅을 지향하는 경향이 있었는데, 소셜 미디어 포스트의 형태로 발표되어 커버 아트, 트랙 리스트 또는 발매 날짜만 기껏해야 몇 주 전에 공개되었다.[55]

다른 비평가들은 여전히 이 앨범을 21세기에 실행 가능한 컨셉트로 믿었다.2003년에 Wired 잡지는 Christgau에게 이 앨범이 "죽어가는 예술 형태"인지에 대해 논하는 기사를 쓰도록 했다. "예술가들이 순회하는 한, 그들은 나머지 머천트들과 함께 노래 컬렉션을 할 것이고, 그 컬렉션들은 예술가들이 할 수 있는 한 예술적으로 받아들여질 것이다."라고 결론지었다.2019년, CD와 디지털 다운로드 매출이 급감하고, 피지컬 앨범 형식의 '죽음'에 대한 이론이 여전히 지속되면서, 크라이스토는 본래의 전제가 더욱 유효하다는 것을 알게 되었다."컴퓨터가 사라지기 때문에" 그는 그해 Pazz & Jop 음악 여론조사에 동반한 에세이에서 "현재 적절한 녹음장비의 저렴함이 다양한 수준의 음악가들이 앨범 제작에 접근할 수 있게 만든다고 설명했다.프로페셔널한 행위에 대해 그는 "노래를 쓰는 것은 그들의 DNA에 있고, 만약 노래가 조금이라도 좋다고 하면 후세를 위해 녹음하는 것은 곧 거부할 수 없게 된다"고 말했다.[90]

청취자들이 그것을 듣기 위해 앨범을 구입할 필요가 없었던 2010년대의 소위 포스트 앨범 시대에도, 그 산업은 여전히 앨범으로부터 옮겨가지 않았는데, 왜냐하면 대부분의 부분적으로는 롤아웃의 관련 없는 요소들, 즉 머치, 투어, 관심-이러한 요소들이 여전히 음반 레이블과 다른 중간 상인들의 돈을 벌기 때문이다.

— Justin Curto (Vulture, 2020)[55]

앤 파워스는 2019년 앨범에 대한 한 해의 끝자락 에세이에서 그 해는 그 포맷이 죽은 것이 아니라 '금속성' 상태로 발견되었다고 슬레이트를 위해 썼다.그녀의 관찰에서 많은 음반 작가들은 친밀감, 교차성, 흑인 생활, 여성 사이의 경계, 죽음과 관련된 슬픔과 같은 자전적 서술과 개인적인 주제를 중심으로 콘셉트 앨범에 활력을 불어넣었다.브리트니 하워드의 제이미, 라파엘 사디크의 지미 리, 랩소디의 이브, 제니 루이스의 온 더 라인, 닉 동굴의 고스틴 등의 앨범을 꼽았다.[91]동시대에 글을 쓰면서, 예술과 문화 저널리스트인 Michelle Zipkin은 앨범이 여전히 "음악 창작과 예술성의 필수적이고 적절하며 유명한 요소"라고 믿었다.그는 2010년대 최고의 찬사를 받은 음반들을 집계한 '메타크리트릭(Metacritic)'의 표를 인용, 다양한 아티스트들의 음악성과 종종 슬픔, 인종 관계, 정체성 정치 등 진지한 주제를 제시하며 "오늘 앨범은 변화하는 산업에 접근하는 신선한 방법을 제공한다"[2]고 덧붙였다.

2019년까지 스위프트는 유일한 아티스트 '아직 CD를 파는 사람'으로 남았고, 음반 아티스트들이 정당한 보상을 받지 못해 스트리밍 서비스를 아직 수용하지 못했다고 쿼츠는 전했다.로스앤젤레스 타임즈 비평가 미카엘 우드는 이 점을 상세히 설명하면서 "스팟티파이의 음악을 멀리하면서, 그녀의 충실한 청중들이 그녀의 노래와 앨범을 헌신적인 행동으로 생각하도록 만들었고, [아리아나] 그란데와 같은 젊은 가수들이 생겨나 스트리밍 애호가로자로 자리매김했다"고 말했다.하지만, 스위프트는 2019년 앨범 Lover를 발매하기 위해 모든 주요 스트리밍 서비스를 이용했는데, Quartz는 "마지막으로 살 CD가 될 것 같다"고 말했고, "아마 CD의 최종 사망 노트"라고 말했다.[92]

국제동향

2010년대 중반까지 물리적 CD와 비닐 판매가 전 세계 음악 매출의 39%를 차지했다.미국 내 총 음악 판매량(매출 기준으로 세계 최대 음악 시장) 중 25% 미만이 물리적 복제품이었고, 프랑스와 영국은 이 같은 통계에서 모두 약 30~40%를 기록했다.그러나 이 수치는 독일에서는 약 60%, 일본은 약 75%로 매년 음반 판매액이 2,540억 달러(약 24억4,000만 달러) 이상인 세계 2위의 시장을 가지고 있으며, 대부분 CD 형태로 판매되고 있다.Quartz 저널리스트 Moon Keat Loui에 따르면, 두 나라는 "물리적 사물"에 대한 그들 문화의 상호 호감 때문에 물리 음악 판매에서 세계를 이끌었다.[93]

일본 산업은 특히 CD 포맷을 선호했는데, 그 이유는 부분적으로 CD의 제조, 유통, 가격 통제가 용이하기 때문이다.2016년 일본은 6000여 개의 물리적 음악 매장이 있어 미국(약 1900여 개), 독일(약 700개)을 세계 대부분에서 앞서고 있다.2000년 이후 일본에서 광대역 인터넷이 보급되었음에도 불구하고 소비자들은 미국 시장의 68%에 비해 일본 전체 음악 수입의 8%를 차지하는 다운로드 및 스트리밍 소비로의 변화에 저항해왔다.서구 국가들의 독신자들이 10년 이상 고색창연한 동안, 그들을 위한 일본의 시장은 주로 아이돌 연예인, 보이 밴드, 걸그룹의 엄청난 인기 때문에 견뎠다.이들 공연자를 둘러싼 팬덤을 활용한 음반회사와 마케팅 대행사들은 아티스트 이벤트 티켓과 함께 한 앨범의 다양한 판을 발매하고, 아티스트 인기 경연대회를 향한 팬 투표로 CD-싱글 구매를 집계하는 등 홍보 요령으로 CD의 상품화 측면을 악용했다.로널드 테일러 재팬타임즈 특파원에 따르면, 음악에서 벗어나 좋아하는 아이돌과의 연결성이라는 팬 경험으로 초점이 옮겨졌다고 한다.[93]

세계 베스트셀러 앨범(5x20 올 더 베스트!!)을 낸 일본 보이그룹 아라시.2019년에[94]

음반시장에서 일본이 보여준 특이한 소비자 행태는 찰스 다윈의 진화론에서 비롯된 사업개념인 갈라파고스 신드롬의 한 예였다.루이에 따르면, 이 책은 이 나라의 혁신적이지만 고립주의적인 성격이 어떻게 "세계가 거의 잊어버린 기술에 대한 사랑"을 낳았는지 설명하고 있다.세계적인 음악 분석가 마크 멀리건은 CD의 지속적인 상업적 인기에 대해 일본의 구매력과 소비자 수요는 남성 밴드 아라시와 싱어송라이터 후쿠야마 마사하루와 같은 베테랑 아이돌을 따라갈 가능성이 높은 고령화 인구 가운데 집중된 반면, 상대적으로 집중도는 낮았다고 설명했다.디지털과 스트리밍 서비스에 적응한 젊은이들그러나 2010년대 중반에는 디지털 음악과 구독 판매도 증가해 국내에서는 물리적인 구매에서 벗어난 추세를 보였다.[93]

국제음반산업연맹(IFPI)은 2019년 세계 10위권 음반시장 중 일본, 중국, 한국, 호주로 보고하면서 중남미, 아시아, 아프리카 등 서구 외곽 시장이 전반적으로 부상하고 있다고 언급했다.이 보고서는 또한 세계적으로 인기 있는 영어 행위의 지배에서 벗어나 BTS와 J Balvin과 같은 문화 전반에 걸친 어필로 지역의 성공을 향한 변화를 관찰했는데, 이는 부분적으로 좀 더 열린 소비자 문화와 아티스트와 청취자 사이의 사회적 연결에 기인했기 때문이다.서구의 최고 음반사들이 계속해서 주요 음반사들의 전통적인 역할에 의존하는 동안, 다른 사람들은 스포티파이, 애플 뮤직 같은 디지털 서비스 제공업체들을 이용하여 그들의 음반을 자체 발매하거나 독립 배급사와 제휴하여 발매했다.[95]

유행병기

참고 항목: 2020년대 음악 및 COVID-19 유행병이 음악 산업에 미치는 영향

2020년 음반 발매를 COVID-19 대유행과 관련 사회적 거리 두기에 의해 방해받았다.[55]3월 6일과 12일 사이, 일부 유행병으로 인해 앨범 판매량이 6% 감소했다.그 달 말, 아마존은 더 필수적이라고 여겨지는 품목들에 우선 순위를 매기기 위해 미국 공급자들로부터 들어오는 음악 CD와 비닐 레코드의 선적을 잠정 중단했다.[2]유행병의 물리적 소매업자와 유통 시스템의 폐쇄는 특히 베테랑 녹음 행위에 영향을 미쳤다. 그들의 팬이 나이가 더 많고 여전히 CD와 비닐 레코드를 구입할 가능성이 더 높기 때문이다.결과적으로, 윌리 넬슨과 알리샤 키스와 같은 전통적인 롤아웃 모델을 여전히 고수하고 있는 많은 그러한 행위들은 그들의 앨범 발매를 지연시켰다.[96]롤링 스톤 저널리스트 엘리아스 라이트는 3월에 전개된 상황에 대해 다음과 같이 설명했다.

스트리밍 서비스에는 매일 수만 개의 새로운 트랙이 등장하기 때문이다.홍수를 극복하려면 비디오는 몇 달 전에 찍어야 하고, TV 출연은 짜야 하고, 스트리밍 서비스 큐레이터들은 구애를 받아야 하고, 언론 기회는 봉쇄되어야 하고, 투어 날짜와 라디오 방송국 방문과 음반 가게 출연이 줄을 서야 한다.이러한 요소들이 없다면, 예술가들은 관심도 없고, 알지 못하거나, 단순히 압도하는 대중에게 음악을 방출하는 위험을 감수한다.그리고 지금 현재, 거의 모든 프로파일링 선택사항들은 접근 불가능해.[97]

앨범 시대의 롤아웃에 오랫동안 집착해 온 테일러 스위프트는 2020년에 앨범을 대신해서 깜짝 발매했다.

몇몇 주요 팝 스타들은 대유행 기간 동안 그들의 출시 전략을 재구상했다.테일러 스위프트는 2020년 7월과 12월 각각 앨범 'Facilic'과 'Evermore'를 깜짝 발표해 생애 처음으로 제대로 된 롤아웃 캠페인을 포기하고 여러 번의 판매와 스트리밍 기록을 세웠다.랩 발매 전략에 더욱 고무된 아리아나 그란데는 비슷한 최소한의 발표와 홍보로 앨범 포지션(2020)을 발매했다.대유행 동안 두 아티스트의 성공은 더 많은 기성 팝 스타들이 케이티 페리, 레이디 가가, 그리고 두아 리파를 포함한 전통적인 앨범 발매를 계획하는 동안 이루어졌다.[55]키스는 또한 대유행으로 인해 무기한 연기된 후 그녀의 앨범 알리샤를 깜짝 발매했다.[98]동시에, 랩 앨범은 릴 우지 Vert, Bad Bunny, DaBaby와 같은 랩퍼들이 앨범 차트 1위를 차지하면서, 이 시대의 더 많은 주문형 소비자 및 스트리밍 문화로부터 더 많은 혜택을 받았다.[55]

2020년은 미국에서 2,750만 장이 팔리며 MRC 데이터 역사상 가장 성공적인 한 해(1991년 이후)로 기록되었다.빌보드는 2021년 6월, 대유행으로 인해 몇 년 만에 처음으로 순 피지컬 앨범 판매량이 증가했다고 보도했다.팝과 힙합/R&B 아티스트들은 미국 비닐 시장에서 그 어느 때보다 많은 매출을 올렸으며, 록 음반은 시장 전체 매출의 절반 이상을 차지했음에도 불구하고 감소세를 겪었다.올해의 비닐 판매 1위에는 2021년 발매된 CD와 비닐 앨범의 판매를 모두 에버모어가 주도한 해리 스타일즈, 빌리 에일리쉬, 켄드릭 라마, 스위프트 등이 포함됐다.[99]

대유행의 음악 발매 동향에 대해 보도하면서, 작가들은 그들이 패러다임 변화 기간 동안 음악가들과 음악가들에게 더 큰 연결성을 제공함과 동시에 두 그룹에게 주요 레이블을 희생시키면서 힘을 실어준다고 관찰했다.[55]그러나 음악 웹진 컬트르의 올리버 트라이온은 음악 산업은 여전히 전세계에서 가장 수익성이 높은 시장 중 하나로 남아 있으며, 노래의 간결성 증가, 아티스트들 간의 장르적 차별성 감소, 응용과 같은 전자 음악 기술의 혁신 등 스트리밍 시대의 변화 추세에 자본화했다고 주장한다.음악에 있어서의 인공지능의 이온도트라이온은 2021년 전개에 대해 "세계 시장에서 지역 발매가 상승하고 '세대 음악'은 문맥상 재생목록의 결과로 상승할 것"이라고 전망한 반면, 일반적으로 앨범은 "포스트 앨범 시대가 두드러지면서 계속 감소할 것"이라고 전망했다.[100]

참고 항목

메모들

  1. ^ 음악 저널리스트 게리 그래프는 각각 "일부 히트 싱글이 아닌 응집력 있고 개념적인 작품"을 구성했기 때문에 앨범 시대의 가능한 출발점으로 밥 딜런의 61번 고속도로 재방문(1965)과 블론드 온 블론드 온 블론드(1966)를 지목한다.[23]
  2. ^ 보위는 2002년 뉴욕타임스와의 인터뷰에서 "몇 년 안에 왜 레이블에 올라가고 싶은지조차 모르겠다"고 말했다. 왜냐하면 같은 방식으로 라벨과 유통 시스템에 의해 작동될 것 같지 않기 때문이다.우리가 지금까지 음악에 대해 생각했던 모든 것의 절대적 변혁은 10년 안에 일어날 것이고, 그 어떤 것도 그것을 막을 수 없을 것이다."[69]

참조

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외부 링크

  • Albummism – 앨범 관련 콘텐츠 전용 온라인 매거진