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파워팝

Power pop
파워팝
스타일적 기원
문화적 기원1960년대 중반 - 1970년대 초, 미국과 영국
퓨전 장르
기타주제

파워 팝(Power pop)은 록 음악의 하위 장르이며, 후, 비틀즈, 비치 보이스, 버드와 같은 밴드의 초기 음악을 기반으로 한 팝 록의[1][2] 한 형태입니다.[3][4] 전형적으로 멜로디 훅, 보컬 하모니, 에너지 넘치는 연주, 그리고 동경, 절망 또는 자력갱생의 감각으로 뒷받침된 경쾌한 사운드 음악을 포함합니다. 펑크, 뉴 웨이브, 글램 록, 펍 록, 컬리지 록, 네오 사이켈리아 등 후기 스타일에서 가끔 영감을 얻기도 했지만, 이 사운드는 주로 1960년대 초에서 중반 사이의 팝과 록 전통에 뿌리를 두고 있습니다.

1960년대에 시작된 파워 팝은 주로 영국의 침략 시기에 성년이 된 미국 음악가들 사이에서 발전했습니다. 이 젊은 음악가들 중 많은 사람들은 팝의 "10대의 순수함"을 유지하기를 원했고 가식적이고 접근할 수 없다고 생각되는 더 새로운 형태의 록 음악에 저항했습니다. 이 용어는 1967년 후 기타리스트이자 작곡가인 피트 타운센드(Pete Townshend)가 그의 밴드의 음악 스타일을 설명하기 위해 만든 것입니다. 그러나 파워 팝은 비틀즈 스타일의 팝을 부활시키려는 1970년대 후반의 활동들과 함께 더 널리 알려지게 되었습니다.

1970년대 초 Badfinger, Raspberrys, Todd Rundgren의 발매는 파워 팝 사운드를 인지할 수 있는 장르로 굳힌 것으로 때때로 인정받고 있습니다. 파워 팝은 1970년대 후반 펑크와 뉴웨이브의 부상기에 상업적 정점에 도달했으며, 그 중에서 Cheap Trick, the Knack, the Romantics, Nick Lowe, Dave Edmunds, 그리고 Dwight Twilli가 가장 성공적인 사람들 중에 있었습니다. 이 장르의 가장 큰 히트곡인 "My Sharona" (The Knack, 1979)에 대한 대중적이고 비판적인 반발 이후, 음반 회사들은 일반적으로 파워 팝 그룹의 계약을 중단했고, 1970년대 밴드의 대부분은 1980년대 초에 해체되었습니다.

그 후 수십 년 동안 파워 팝은 약간의 상업적 성공을 거두면서도 일부 비평가들과 음악가들 사이에서 자주 조롱의 대상으로 남아있었습니다. 1990년대는 그들이 영향을 준 1980년대 음악 때문에 1960년대 예술가들에게 끌렸던 대체 밴드의 새로운 물결을 보았습니다. 그들의 전임자들만큼 성공적이지는 않았지만 젤리피쉬, 포시즈, 레드크로스, 틴에이저 팬클럽, 머티리얼 이슈는 비평적이고 컬트적인 좋아하는 사람들이었습니다. 1990년대 중반, 파워 팝 스타일의 하모니와 "팝펑크"라고 불리는 업템포 펑크 록을 결합한 오프슈 장르가 주류의 인기에 도달했습니다.

정의와 어원

특성.

위에서: 더 후 (1972), 비틀즈 (1964), 비치 보이스 (1964)

파워 팝은 귀에 쏙쏙 들어오는 멜로디 훅과 에너지 넘치는 분위기를 기반으로 한 좀 더 공격적인 형태의 팝 록입니다.[5] AllMusic은 이 스타일을 "Byrds의 울리는 기타가 좋은 척도로 던져진 후의 바삭바삭한 하드 록과 비틀즈와 비치 보이스의 감미로운 멜로디 사이의 교차"라고 설명합니다.[3] 사실상 이 장르의 모든 아티스트는 1960년대 중반 영국 침략 시대의 그룹과 관련된 노래 형태, 보컬 편곡, 코드 진행, 리듬 패턴, 악기 연주 또는 전반적인 사운드에 관여하는 백인 남성 음악가들로 구성된 록 밴드였습니다.[6]

파워 팝의 본질적인 특징은 경쾌한 사운드 편곡이 "좋지 않을까" (비치 보이즈, 1966), "릴리의 그림" (후, 1967)과 같은 조형 작품과 유사한 "애원", "오래" 또는 "절망"의 감각에 의해 뒷받침된다는 것입니다. 이는 "오늘 밤", "내일 밤", "토요일 밤" 등을 가리키는 예상치 못한 화성 변화 또는 가사로 달성될 수 있습니다.[7] 파워 팝은 고전적인 팝 공예에 대한 존경심과 아이러니가 부족한 것으로도 유명했습니다.[8] 음악 저널리스트 폴 레스터(Paul Lester)는 1960년대 트로피의 재구성으로 인해 최초의 포스트모던 음악 장르 중 하나가 될 수 있다고 주장했습니다.[9]

범위 및 인식

더 후즈 피트 타운센드는 1967년 5월 그들의 최신 싱글 "Pictures of Lily"를 홍보하는 인터뷰에서 이 용어를 만들었습니다.[10][11] 그는 "파워 팝은 우리가 연주하는 것, 즉 스몰 페이스가 연주하던 것, 그리고 내가 선호했던 '재미, 재미, 재미' 시절 비치 보이스가 연주했던 그런 팝입니다."[12]라고 말했습니다. 그 이후 파워 팝 연속체에서 다른 밴드들이 뒤따랐음에도 불구하고, 이 용어는 1970년대 후반 새로운 웨이브 음악이 등장하기 전까지 대중화되지 않았습니다.[11] 봄프 잡지의 편집자인 그레그 쇼는 파워 팝(당시 "파워 팝"으로 쓰였습니다)에 대해 쓴 수많은 음악 비평가들 중 가장 유명했습니다. 이것은 10년 전의 "펑크 록"이라는 용어와 유사한 발전을 반영했습니다. 이러한 점에 비추어 볼 때, "Are We Not New Wave?"(2011)의 저자인 Theo Cateforis는 파워 팝의 장르로서의 "인식과 공식화는 결코 유기적이지 않았다"고 썼습니다.[13]

파워 팝으로 분류해야 할 것에 대해 팬들 사이에 상당한 논쟁이 있습니다.[10] 쇼는 1978년 이 장르를 팝과 펑크의 하이브리드 스타일로 묘사하면서 코드화한 공로를 인정받았습니다. 그는 나중에 "아쉽지만, 메이저들이 펑크에 대한 안전한 대안으로 보기를 희망하며 절뚝거리는 이류 밴드들에 의해 이 용어가 끊어졌습니다"[14]라고 썼습니다. 음악 저널리스트 존 M. 보락(John M. Borack)은 또한 2007년 저서 "쉐이크 썸 액션 – 파워 팝의 궁극적인 가이드"(Shake Some Action – The Ultimate Guide to Power Pop)에서 이 레이블이 브리트니 스피어스(Britney Spears), 그린 데이(Green Day), 베이 시티 롤러(The Bay City Rollers), 데프 레파드(Def Leppard)와 관련하여 사용되고 있다고 언급했습니다.[15]

파워 팝은 비판적인 반응에 어려움을 겪었고, 때때로 십대 관객들과 연관된 얄팍한 스타일의 음악으로 여겨집니다. 이러한 인식은 1980년대 초 포스트 펑크 스타일을 마케팅하기 위해 이 용어를 사용한 음반사들에 의해 악화되었습니다.[16] 음악 평론가 켄 샤프(Ken Sharp)는 파워 팝을 "락앤롤의 로드니 데인저필드(Rodney Dangerfield of rock 'n' rock.)"라고 요약했습니다. 가장 존경 받는 아티스트인 후(Who), 비치 보이스(Beach Boys), 비틀즈(Beatles)를 직접 업데이트했지만 존경받지는 못했습니다."[10] 1996년, 싱어송라이터 토미 킨(Tommy Keene)은 1980년대 이후 이 용어에 대한 어떤 연관성도 "음반을 판매하지 않은 많은 밴드와 비교하면 질병과 같다"고 언급했습니다. 그런 꼬리표가 붙으면 당신은 역사입니다."[17] 음악가 스티브 알비니(Steve Albini)는 "파워 팝(power pop)이라는 용어를 사용할 수 없습니다. 귀에 쏙쏙 들어오는, 모의 묘사적인 용어들은 딜레탕트와 기자들을 위한 것입니다. 이 음악은 푸시를 위한 것이므로 중단되어야 한다고 생각합니다."[18] Posies의 Ken Stringfellow는 "팝이 의도적으로 빛이 나게 하는 일종의 미학이 있다"고 동의했습니다. 그라비타가 더 많은 것을 원했어요."[19]

원파

1960년대: 기원과 전조

참고 항목: 비틀즈, 비틀즈매니아, 록주의와 팝티미즘의 문화적 영향
비틀즈—"I Want to Hold Your Hand" (1963)
많은 예술가들이 손뼉치기, 울리는 기타, 보컬 하모니, 그리고 "I Want to Hand Your Hand"와 같은 노래들로부터 직접적인 낭만적인 가사와 같은 요소들을 그렸습니다.[20]
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파워 팝은 1960년대 후반 젊은 음악 팬들이 록 음악의 새로운 가식에 저항하기 시작하면서 비롯되었습니다.[4] 이 시기에 팝을 거부하는 "진지한" 아티스트들과 그들의 십대 소년 관객들을 끌어안는 "크레이지컬한 상업적인" 팝 행위 사이에 분열이 발생했습니다.[21] 칼 카페렐리(보락의 책에 쓴 글)는 "이 이야기는 1964년경 미국에서 비틀즈의 상업적 상승과 함께 시작됩니다"[1]라고 말한 반면, 그레그 쇼는 후를 파워 팝의 출발점으로 인정했습니다. 카페렐리는 또한 비틀즈를 "팝 밴드" 이상의 화신으로 인정했습니다.[22] The Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll에 따르면, 영국의 인베이젼 밴드들, 특히 비틀즈에 의해 처음 대중화된 머지비트 사운드와 "장밋빛 기타, 유쾌한 멜로디, 완벽한 보컬 하모니, 그리고 십대의 순수함의 일반적인 공기"는 1970년대 Raspberry, Big Star와 같은 파워 팝 밴드들에 주요한 영향을 미쳤습니다. Knack과 XTC.[23]

저는 팝 음악은 TV와 같아야 한다고 생각해요. 켜거나 끌 수 있고, 마음을 방해해서는 안 되는 음악이죠. [...] 단순히 있는 그대로의 "딸기 밭"을 좋아하는 것은 매우 어렵죠. 일부 예술가들은 음악적으로 접근할 수 없게 되고 있습니다.

—Pete Townshend, 1967[11]

피트 타운센드(Pete Townshend)가 이 용어를 만들었을 때, 그는 "I Can't Description" (1965)이나 "Substitute" (1966)와 같은 노래들이 비틀즈와 같은 다른 그룹들이 취하고 있는 변화하고 더 실험적인 방향들보다 더 접근하기 쉽다고 제안했습니다.[11] 그러나 이 용어는 WHO와 널리 동일시되지 않았으며,[24] 장르의 스타일적 요소가 더 잘 알려진 형태로 합쳐지기까지는 몇 년이 걸릴 것입니다.[7] A.V. 클럽의 노엘 머레이는 "사운드가 더 실행 가능해지고 널리 모방되면 장르의 뿌리를 로커빌리, 두왑, 걸그룹, 비틀즈, 버드, 비치 보이스, 킨크스, 후의 초기 음반으로 거슬러 올라가는 것이 더 쉬워졌습니다."[4]로버트[4] 힐번(Robert Hilburn)은 "비틀즈와 비치 보이스(Beatles and the Beach Boys)가 후자의 '캘리포니아 걸스(California Girls)'와 같은 기록에서 록 캐릭터와 순수 톱 40 본능을 혼합한 방식에서 키플라이(chiefly)"라는 장르를 추적했습니다.[25] 보락(Borack)은 "게러지 록에서 파워 팝까지 그다지 꼬이지 않은 선을 그리는 것도 꽤 쉽습니다."[26]라고 언급했습니다.

타운센드 자신은 비치 보이 칼 윌슨의 기타 작업에 많은 영향을 받았고,[27] 후의 데뷔 싱글 "I Can't Description"은 킨크스의 "You Really Got Me" (1964)에 빚을 졌습니다.[21] 로이 슈커(Roy Shuker)는 당시 미국의 대표적인 파워 팝 그룹을 버드(Birds), 토미 제임스(Tommy James)와 손델스(Shondells), 폴 리비어(Paul Revere)와 레이더스(Raders)로 구분했습니다.[16] 1960년대의 팝 파워에 있어서도 중요한 것은 데이브 클락 [28]파이브, 더 [29]크리에이션,[29] 더 이지비츠, 더 [4][16]무브 그리고 더 나즈였습니다.[10]

1970년대: 등장

1960년대 Nazz와 1970년대 솔로 가수로서 토드 런드그렌의 작업은 장르의 발전에 중요했습니다.[10]

1970년대에, 그 바위 장면은 많은 새로운 스타일로 조각났습니다. 예술가들은 초기 비틀즈 노래의 영향에서 멀어졌고, 비틀즈나 후를 영향으로 꼽은 사람들은 소수였습니다.[11] 폴 레스터의 설명에 따르면, "파워팝은 정말로 70년대 발명품입니다. 이 영화는 60년대를 그리워하는 젊은 음악가들에 관한 이야기입니다. 프로그와 히피 음유시인들에 대한 대안뿐만 아니라 글램의 사촌이기도 합니다."[9] 소설가 마이클 차본(Michael Chabon)은 1970년대 초 "2세대" 파워 팝이 등장하기 전까지는 이 장르가 진정으로 독자적인 것이 아니라고 믿었습니다.[7] 레스터는 "본질적으로 영국 침공에 대한 미국의 반응으로, 앵글로필레스가 처음으로 밴드에 참여하기에는 너무 어린 나이에 만든 것"이라고 덧붙였습니다.[9]

많은 파워 팝 팬들에게 Cafferelli에 따르면 1970년대 록의 "피어나고 무균 상태" 측면은 1970년 비틀즈의 해체로 인해 남겨진 공백을 나타냅니다.[22] 10년의 초반에서 중반 동안, 비틀즈 스타일의 팝의 전통을 이어온 단 몇 개의 악단만이 있었습니다. 어떤 사람들은 젊은 글램/글리터 밴드였고, 다른 사람들은 그들의 사운드를 업데이트하기를 거부하는 "60대 홀드오버"였습니다.[22] 후자의 범주에서 가장 유명한 그룹 중 하나는 비틀즈의 애플 레코드에 서명한 최초의 아티스트인 배드핑거였습니다. 비록 그들은 "Come and Get It" (1969), "No Matter What" (1970), 그리고 "Day After Day" (1971)로 세계적인 톱 10 차트 성공을 거두었지만, 그들은 음악 언론에서 비틀즈 모방자로서 비판을 받았습니다.[30] 카페렐리는 그들을 "파워팝의 가장 초기의 그리고 가장 훌륭한 공급업체 중 하나"라고 설명합니다.[30] 반대로 올뮤직은 Badfinger가 이 장르의 사운드를 확립한 그룹 중 하나였지만, Raspberry는 그 시대에 히트 싱글을 보유한 유일한 파워 팝 밴드였다고 말합니다.[3] 노엘 머레이는 배드핑거가 "장르가 실제로 존재하기 전에" 파워 팝이었던 "몇 가지 주요 노래"를 가지고 있다고 썼습니다.[4]

라즈베리 - "Go All-way" (1972)
"Go All The Way"는 종종 최고의 파워 팝 곡 중 하나로 칭송 받습니다. 그 음악은 비치 보이스 스타일의 하모니, 비틀즈 스타일의 멜로디, 그리고 후 스타일의 에너지를 끌어냅니다.[9]
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1972년 마그넷의 앤드류 얼스(Andrew Earles)에 따르면 파워 팝의 "연도 0"이었습니다. 그 해부터는 빅스타와 라즈베리의 등장, 토드 런드그렌의 Something/Anything?, 플래민 그루비의 "Shake Some Action" 녹음 등이 진행되었고, 또한 많은 차고 밴드들이 롤링 스톤즈를 모방하는 것을 중단했습니다.[10] Chabon은 또한 Raspberry, Badfinger, Big Star, 그리고 Rundgren의 "Can't I Just Tell You"와 "I Saw the Light"가 장르를 "발명"한 것으로 공을 세웠습니다.[7] 1978년 TV 공연에서 런드그렌은 "최신 음악 트렌드인 파워 팝"의 일환으로 "Can't I Just Tell You"를 소개했습니다.[31] 레스터는 이 곡의 스튜디오 녹음을 "압축의 마스터 클래스"라고 불렀고, 런드그렌은 "파워팝 불멸에 대한 그의 주장을 걸고 모든 공을 굴렸다"고 말했습니다.[9]

얼스는 라스베리가 싱글을 히트시킨 유일한 미국 밴드라고 밝혔습니다.[10] 머레이는 Raspberrys를 가장 대표적인 파워 팝 밴드로 인정하고 1972년 미국 톱 10 "Go All The Way"를 "무거운 아레나 록 후크부터 쿠킹하고 십대 소년에게 친근한 구절과 코러스까지 장르가 될 수 있는 모든 것에 대한 실질적인 템플릿"이라고 설명했습니다.[4] 카페렐리는 후속작인 《I Wanna Be With You》(1972)를 "아마도 결정적인 파워 팝 싱글"이라고 묘사했습니다.[32] 그러나 배드핑거처럼 라즈베리는 "비틀즈 클론"으로 조롱당했습니다.[33] 가수 에릭 카르멘(Eric Carmen)은 "1972년에는 비틀즈를 멀리서도 닮은 어떤 밴드에도 준비되지 않은 많은 사람들이 있었다"고 기억했습니다.[32] Raspberry는 1975년 카르멘이 솔로 활동을 하면서 해체되었습니다.[10]

1970-1980년대: 상업적 정점과 쇠퇴

1978년의 값싼 속임수

래즈베리의 전통을 따르는 파워 팝 밴드의 인지도 있는 움직임은 1970년대 후반에 나타나기 시작했는데,[3] 1960년대 부활주의 밴드로 여겨졌던 Cheap Trick, the Jam, the Romantics, Shoes, Flamin' Groovies와 같은 그룹들이 있습니다.[34] 이러한 새로운 밴드의 대부분은 1960년대 후반 AM 라디오의 영향을 받았으며, 이는 AOR와 프로그레시브 록 FM 라디오 포맷의 인기로 인해 급격한 쇠퇴를 겪었습니다.[35] 1977년에 이르러, 1960년대 음악과 문화에 대한 새로운 관심이 생겼고, 비틀즈 매니아 뮤지컬과 모드의 부활과 같은 예들이 있습니다.[36] AABA 형식과 더블 백 비트 또한 대중 음악에서 수년간 사용되지 않다가 돌아왔습니다.[37]

펑크 록과 새로운 물결의 출현에 자극을 받은 파워 팝은 1970년대 후반부터 1980년대 초반까지 다작하고 상업적으로 성공한 시기를 즐겼습니다.[10] 20년 동안 장르는 글램 록, 펍 록, 펑크, 뉴웨이브, 칼리지 록, 네오 사이키델리아와 유사하게 존재했으며 때때로 이와 같은 발전에서 파생되었습니다.[4] 올뮤직은 이 새로운 그룹들이 "그들의 짧고 기억하기 쉬운 노래들이 펑크 이후의 미학에 적합하기 때문에 새로운 물결과 함께 휩쓸었다"고 말합니다.[3] 대부분의 밴드들은 팝 음악이 1960년대 중반에 정점에 도달한 예술이며 때로는 "팝토피아"라고 불리는 예술이라고 믿으면서 새로운 물결을 특징짓는 불손, 냉소, 아이러니를 거부했습니다. 이로 인해 많은 비평가들은 파워 팝을 파생 작품으로 치부했습니다.[38]

결국, 가장 많이 팔린 음반을 가진 그룹은 Cheap Trick, The Knack, The Romantics, 그리고 Dwight Twillley인 반면, Shoes, The Records, The Neurs, 그리고 20/20은 컬트 팔로워들만 끌어 모았습니다.[3] 1978년 타임지에 기고한 글에서 제이 콕스는 닉 로우와 데이브 에드먼즈를 "파워 팝의 가장 뛰어난 공급자"로 꼽았고, 그는 "펑크 록의 잘 다듬어진 의붓 형제"라고 묘사했습니다. 에드먼즈는 다음과 같이 인용했습니다. "뉴 웨이브 이전에는 기타를 사서 밴드를 시작하는 작은 남자에게는 기회가 없었습니다. 우리가 하고 있는 것은 아이들의 음악, 정말로 4분의 4박자와 좋은 노래들입니다."[39] 싼 트릭은 밴드의 끊임없는 투어 일정과 무대 연극 덕분에 장르 역사상 가장 성공적인 연기가 되었습니다. 앤드류 얼스(Andrew Earles)에 따르면, 이 그룹은 1979년 'At Budokan'에 수록된 놀라운 일본에서의 수락과 'Surender'와 'I Want You To Want Me'를 히트시켰으며, 파워 팝을 아레나 수준으로 끌어올렸고, 이 장르가 결코 본 적이 없고, 다시는 볼 수 없을 정도의 성공을 거두었다고 합니다.[10]

파워 팝 밴드의 가장 큰 히트 차트는 1979년 8월부터 9월까지 빌보드 핫 100 차트에서 6주 동안 1위를 차지한 낵의 데뷔 싱글 "My Sharona"였습니다. 그러나, 그 해 여름 이 노래의 어디에나 있는 라디오 존재는 밴드에 대한 대중적이고 비판적인 반발을 낳았고, 이는 다시 파워 팝 장르에 대한 전반적인 반발로 이어졌습니다.[34] Knack이 그들의 상업적 추진력을 유지하는데 실패하자, 음반 회사들은 일반적으로 파워 팝 그룹들의 계약을 중단했습니다.[25] 1970년대 환경의 대부분의 밴드들은 1980년대 초에 해체되었습니다.[3]

이어지는 파도

1980년대 ~ 1990년대: 얼터너티브 록

포시즈, 2000

1980년대와 1990년대에 파워 팝은 레드 크로스(Red Kross)와 스폰지톤(Sponetones)과 같은 아티스트들과 함께 상업적으로 평범한 장르로 계속되었습니다.[40] XTC의 후기 기록들은 젤리피쉬와 애플 인 스테레오와 같은 밴드들에게도 시금석이 [41]된 반면, 빅스타는 R.E.M.과 대체자들과 같은 후기 밴드의 멤버들 사이에서 그 그룹의 업적에 존경을 표하는 열렬한 숭배자가 되었습니다.[42] 빅스타의 영향을 주로 받은 많은 밴드들이 파워 팝과 얼터너티브 록의 기풍과 사운드를 혼합했습니다. 올뮤직은 틴에이저 팬클럽, 머티리얼 이슈, 포시즈를 "비판적이고 컬트적인 인기"로 꼽았습니다.[3]

1991년 로스앤젤레스 타임즈의 크리스 윌먼은 젤리피쉬, 포시즈, 레드 크로스를 "걸레방아가 천재였던 시절을 회상하는 새로운 물결의 파워 팝 밴드"의 리더로 선정했습니다. 노래는 약 3분 길이였고, 듣는 사람을 "후크"하는 기억하기 쉬운 멜로디 구절인 훌륭한 후크입니다."[43] 젤리피쉬와 포지의 멤버들은 그들이 영향을 준 1980년대 음악 때문에 1960년대 예술가들에게 끌렸다고 말했습니다. 당시 이 운동이 주류의 성공을 거둘 수 있을지는 불확실했습니다. Hits 잡지의 편집자인 Karen Glauber는 "대중적인 생각은 이 밴드들이 '레트로'이거나 혹은 충분히 포스트모던적이지 않다는 것입니다. 왜냐하면 그들이 그루지기가 아니고 Posies가 시애틀 출신이고 머드허니처럼 들리지 않기 때문입니다."[43]라고 말했습니다.

Velvet Crush의 Ric Menck는 Nirvana가 "Matthew [Sweet]과 Posies and Material Issue와 같은 사람들이, 그리고 어느 정도, 우리가 대학 라디오 연극을 하는 것을 가능하게" 만들었다고 공을 세웠습니다.[17] 파워 팝이 "힙한 서클의 주목을 받음"에 따라, 많은 오래된 밴드들은 독립 레이블에서 발매된 새로운 자료를 녹음하기 위해 개혁했습니다. 시카고 레이블 더 누메로 그룹(The Numero Group)은 1979-1982년의 간과된 팝 트랙을 특징으로 하는 "Yellow Pills: Prefill"라는 편집 앨범을 발행했습니다. 나머지 10년 동안 올뮤직은 "독립적이고 풀뿌리적인 파워팝 밴드들의 이 그룹은 미국에서 작지만 헌신적인 컬트 추종자를 얻었습니다."[3]라고 썼습니다.

1990년대 ~ 2010년대 : 지속적인 관심

위저는 2019년 8월 펜실베이니아 베들레헴에서 Musikfest를 연기합니다.

파워 팝은 1990년대 이후 다양한 수준의 성공을 거두었습니다.[19] 1994년, 그린 데이와 위저는 파워 팝 하모니와 업템포 펑크 분위기를 융합한 얼터너티브 록 변종 장르인 팝 펑크를 대중화했습니다.[44] Louder Than War의 Sam Lambeth에 따르면, 파워 팝은 비판적인 조롱의 대상으로 남아 있으면서도 "잠적이고 흘러갔다"고 합니다. 그럼에도 불구하고, 그는 1990년대 후반 "포맷을 위한 또 하나의 새로운 시대"에 영감을 준 "매력적인 웰컴 주간 관리자(2003)와 완벽한 하나"를 언급하며 웨인의 파운츠를 인용합니다.[19] 그는 2017년 현재 "베스트 코스트, 슬ø페이스, 다이어트 긱, 두데 요크와 같은 밴드에서 파워 팝의 핵심 특성을 여전히 들을 수 있습니다."라고 쓰고 있습니다.

1998년, 머티리얼 이슈의 동명의 앨범의 이름을 딴 국제 팝 타도(IPO)는 파워 팝 밴드들을 위해 매년 축제를 열기 시작했습니다. 원래 로스앤젤레스에서 개최되었던 이 축제는 수년에 걸쳐 캐나다와 영국 리버풀을 포함한 여러 장소로 확장되었습니다(후회 행사에는 케이번 클럽에서의 공연이 포함되었습니다).[45] 2011년과 2013년에는 파워 팝과 펑크 록, 차고, 루츠 록에 중점을 둔 클래식 밴드와 떠오르는 밴드가 혼합된 파워 팝-A-라이시어스 음악 축제를 주최했습니다. 이 콘서트는 뉴저지주 애즈베리 파크의 애즈베리 레인과 뉴욕시의 케이크 가게에서 열렸습니다. 폴 콜린스와 그의 그룹 더 비트는 이틀간의 행사를 주 공연했습니다.[46]

참고 항목

참고문헌

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서지학

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