미술

Fine art
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렘브란트의 두 개의 원이 그려진 자화상, c.1665–1669.켄우드 하우스, 런던
회화의 예술; 요하네스 베르메어; 1666–1668; 캔버스의 유화; 1.3×1.1m; 쿤스트히스토리시스 박물관(오스트리아 빈)
Babel 탑; Pieter Bruegel the Elder; 1563; 패널에 있는 기름: 1.14 × 1.55 m; 쿤스트 히스토리시스 박물관

유럽의 학문적 전통에서, 미술은 주로 미학이나 창조적 표현을 위해 개발되며, 장식 예술이나 응용 예술과 구별되는데, 이것은 또한 도자기나 대부분의 금속 세공과 같은 몇 가지 실용적인 기능을 제공해야 한다.이탈리아 르네상스에 발달한 미학 이론에서, 가장 높은 예술은 예술가의 상상력의 완전한 표현과 전시를 가능하게 하는 것으로, 예를 들어 찻주전자를 만들고 장식하는 것과 관련된 어떠한 실용적인 고려 사항에도 제약받지 않는다.예술작품을 만드는 것은 예를 [1]들어 가구와 같이 특별한 기술을 가진 다른 개인들 사이에 작업을 나누는 것을 포함하지 않는 것이 중요하다고 여겨졌다.미술계에서도 역사화가 정물화보다 높게 평가되는 등 필요한 창의적 상상력을 바탕으로 한 장르의 위계질서가 존재했다.

역사적으로, 5대 미술은 그림, 조각, 건축, 음악, 시이며 연극과 무용 [2]등의 공연 예술이었다.실제로 교육 외에서는 이 개념은 일반적으로 시각 예술에만 적용됩니다.옛 명화와 그림은 문학의 산문 형식이 시와 마찬가지로 회화와 관련된 형태로 포함되었다.오늘날, 미술로 간주될 수 있는 범위에는 일반적으로 영화, 사진, 비디오 제작/편집, 디자인 및 개념 [original research?][opinion]예술과 같은 추가적인 현대적 형태가 포함됩니다.

미술의 한 가지 정의는 "주로 심미적, 지적 목적을 위해 창조되었고 아름다움과 의미, 특히 그림, 조각, 그림, 수채화, 그래픽, 그리고 [3]건축으로 판단되는 시각 예술"이다.그런 의미에서 미술과 장식 예술 또는 응용 예술 사이에는 개념적인 차이가 있다(이 두 용어는 거의 같은 미디어를 다룬다).미술의 소비자에 관한 한, 미적 자질에 대한 인식은 보통 좋은 취향을 가지고 있다고 언급되는 세련된 판단을 필요로 했고, 이는 미술을 대중 예술과 [4]오락과 구별했다.

카지미르 말레비치, 블랙 스퀘어, 1915년, 리넨 유제, 79.5 x 79.5cm,[5] 모스크바 트레티아코프 갤러리.

"fine"이라는 단어는 문제가 된 작품의 질이 아니라 전통적인 서유럽 규범에 [6]따른 규율의 순수성을 나타낸다.실용적인 효용이 받아들여진 건축의 경우를 제외하고, 이 정의는 원래 "유용한" 응용 예술 또는 장식 예술과 공예품으로 간주되는 제품들을 제외했다.현대 관행에서, 이러한 구별과 제한은 근본적으로 무의미해졌다. 예술가의 개념이나 의도가 표현되는 [7]수단에 관계없이 우선권을 부여받기 때문이다.

비슷한 장르의 구별이 다른 문화, 특히 동아시아의 예술에도 적용될 수 있지만, 이 용어는 일반적으로 르네상스 이후의 서양 미술에만 사용된다."미술"의 집합은 "메이저 아트"라고도 불리며, "마이너 아트"는 장식 예술과 동일하다.이것은 전형적으로 중세와 고대 미술을 위한 것이다.

기원, 역사 및 개발

주요 기사:미술사
미술사
기간
지역
중동의 예술

아시아의 예술

유럽의 예술

아프리카의 예술

아메리카의 예술

호주의 예술

오세아니아 예술
종교
기술
종류들

몇몇 작가들에 따르면, 미술의 뚜렷한 범주의 개념은 서양에서 근대 초기 시대의 발명품이라고 한다.래리 샤이너는 '예술의 발명: 문화사'(2003)에서 이 발명을 18세기 이전 서양에 "전통적인 "예술의 체계"가 있었다. (다른 전통 문화들도 여전히 비슷한 체계를 가지고 있다.)그 제도에서 예술가나 장인은 숙련된 제작자 또는 실무자였고, 예술 작품은 숙련된 작업의 유용한 산물이었고, 예술에 대한 감상은 그들의 남은 삶에서의 역할과 일체적으로 연결되었다.다시 말해, "아트"는 "전쟁의 기술", "사랑의 기술", "의술"[8]과 같은 구절에서 살아남은 그리스어 "테크니" 또는 영어 "스킬"과 거의 같은 것을 의미했다.비슷한 생각이 Paul Oskar Kristeller, Pierre Bourdieu 및 Terry Eagleton에 의해 표현되었습니다(예:미학의 이데올로기)는 종종 발명의 요점이 이탈리아 르네상스에 더 일찍 놓이곤 하지만, 앤서니 블런트는 비슷한 개념인 아티 디 디 디 디 디 디지노라는 용어가 16세기 [9]중반에 이탈리아에서 생겨났다고 지적한다.

그러나 예술에 대한 이론적인 집필이 거의 남아있지 않은 고전 세계도 실제로는 비슷한 차이를 가지고 있었다고 주장할 수 있다.문헌에 보존된 예술가의 이름은 그리스 화가와 조각가이며, 조각된 보석의 조각가이기도 하다.이 그룹의 몇몇 사람들은 매우 유명했고, 그들이 죽은 후 수 세기 동안 복제되고 기억되었다.개인의 예술적 천재에 대한 숭배는 르네상스 시대의 이론적인 기초에서 "괜찮은"과 다른 예술 사이의 구별을 위한 중요한 부분이었고, 특히 대 플리니에 의해 기록된 바와 같이, 고전적인 선례를 따랐다.일부 다른 종류의 물건들, 특히 고대 그리스 도자기는 종종 그들의 제조자나 작업장의 주인이 그들의 제품을 홍보하기 위해 서명합니다.

빌럼 반 해크가 그린 캄파스페를 그린 아펠레스; 1630년경; 마우리츠후이스

"파인 아트"의 개념의 쇠퇴는 조지 쿠블러와 다른 사람들에 의해 1880년 경으로 거슬러 올라간다.1900년 경에 그것이 유행에 뒤떨어졌을 때, 민속 예술 또한 [10]중요한 것으로 여겨지게 되었다.마지막으로, 적어도 예술 이론에 관심이 있는 서클에서는, 「파인 아트」가 1920년 무렵에는, 산업 디자인의 주창자에 의해서 사용되지 않게 되었다.예술 작품과 유용한 물건에 대한 이중적인 판단 기준에 반대했다."[11]이것은 이론가들 사이였다; 예술 거래와 대중의 의견이 따라잡는 데 훨씬 더 오랜 시간이 걸렸다.그러나, 19세기 후반과 20세기 초반의 같은 시기에, 미술 시장의 가격 움직임은 정반대였고, 미술 작품들은 장식 예술 작품들보다 훨씬 더 앞서 있었다.티모시 길버트와 같은 예술가의 21세기 미술로서 자유 표현 능력과 문화 속 시대를 간파한 예술입니다.

미술품 거래에서 이 용어는 대략 1900년 이전의 물건에 대해 약간의 통화를 유지하고 있으며 경매 또는 경매소 부문 등의 범위를 정의하기 위해 사용될 수 있다.이 용어는 또한 대학, 학부 및 과정 이름에 나타나며 제3차 교육에서도 여전히 사용되고 있습니다.영어권에서는 이것이 대부분 북미에 있지만, 프랑스어의 beaux-arts나 스페인어의 bellas arts와 같은 다른 유럽 언어의 동등한 용어에 대해서도 마찬가지입니다.

문화적 관점

왕희지(王iz之), 건현(建uan), 1235년~1307년 전, 수필(묵, 색, 금); 91⁄8 x 361⁄2 인치;메트로폴리탄 미술관

유럽과 미국에서 종종 지배해온 예술과 장식 예술 또는 공예의 개념적 분리는 다른 모든 문화에서 공유되지 않는다.그러나 중국 전통 미술은 선비 신사의 산수화와 궁중 회화와 조각파의 장인을 중국 그림 내에서 구별하는 등 비슷한 구분이 있었다.비록 서양에서 공예품으로 보여지는 많은 것들, 특히 도자기, 옥 조각, 직조, 자수에도 높은 지위가 주어졌지만, 이것은 서양보다 일반적으로 훨씬 더 익명으로 남아 있는 이러한 물건들을 만든 노동자들에게는 결코 확장되지 않았다.일본과 한국의 미술에서도 비슷한 차이가 있었다.이슬람 미술에서는 일반적으로 서예, 건축가, 페르시아의 미니어처와 관련된 전통 화가에게 가장 높은 지위가 주어졌지만, 이들은 여전히 궁정 직원이었다.그들은 또한 서양에서 일어난 것보다 더 일관되게 페르시아의 가장 좋은 카펫, 건축 타일, 그리고 다른 장식 매체를 위한 디자인을 제공했습니다.

라틴 아메리카 미술은 20세기까지 유럽의 식민주의에 의해 지배되었고, 그 때 토착 미술은 사회주의 원칙에 입각한 공예품과 예술을 재결합시킨 구성주의 운동에서 영감을 받아 다시 부각되기 시작했다.아프리카에서 요루바 미술은 종종 정치적, 정신적 기능을 가지고 있다.중국의 예술과 마찬가지로, 요루바의 예술 또한 서양에서 일반적으로 공예품 생산으로 간주되는 것으로 종종 구성되어 있다.섬유와 같은 가장 존경받는 표현 중 일부는 이 범주에 속합니다.

시각 예술

이차원 작품

그림 그리기

주요 기사: 회화와 그림

미술품으로서의 그림은 평평한 표면에 페인트를 칠하는 것을 의미하며, 일반적으로 여러 가지 색을 사용한다.현존하는 선사시대 회화는 자연 암반 표면에 적용되었고, 벽화, 특히 프레스코 기법의 젖은 회반죽에 벽화가 최근까지 주요한 형태였다.나무 판넬이나 캔버스에 그려진 휴대용 그림은 서양에서 수 세기 동안 가장 중요했는데, 주로 템페라나 유화에서 그러했다.동양화는 종이를 더 많이 사용하였고, 동아시아에서는 단색의 수묵화와 수세화의 전통이 지배적이었다.책이나 화첩에 들어갈 예정인 그림은 서양의 조명 원고용이든 페르시아의 축소판이든, 터키에 상당하는 다양한 종류의 인도화든, "미니어처"라고 불린다.수채화는 종이 그림에서 서양판이다; 붓 없이 구아슈, 분필, 그리고 이와 유사한 매체를 사용한 형태는 실제로 그림의 한 형태이다.

그림은 시각예술의 주요 형태 중 하나이며, 화가들에게도 그림 기술이 필요하다.일반적인 악기는 흑연필, 펜과 잉크, 잉크 붓, 왁스 색연필, 크레용, 숯, 분필, 파스텔, 마커, 스타일러스 또는 실버포인트와 같은 다양한 금속을 포함합니다.그림에는 만화 그리기, 만화 만들기 등 여러 하위 범주가 있습니다.

모자이크

주요 기사:모자이크

모자이크는 테세레라고 불리는 작은 돌이나 유리 조각으로 형성된 이미지이다.그것들은 장식적일 수도 있고 기능적일 수도 있다.모자이크를 디자인하고 만드는 예술가는 모자이크 예술가 또는 모자이크 화가라고 불린다.고대 그리스와 로마인들은 사실적인 모자이크를 만들었다.신화적 소재, 또는 사냥이나 부유층의 다른 추구 장면은 [12]국경이 강하게 강조된 더 큰 기하학적 디자인의 중심축으로 인기가 있었다.4세기 이후의 초기 기독교 바실리카는 벽과 천장 모자이크로 장식되었다.모자이크로 장식된 가장 유명한 비잔틴 바실리카는 라벤나의 산 비탈레 대성당(이탈리아)과 이스탄불의 하기아 소피아 대성당(터키)이다.

판화

멜렌콜리아 1세, 1514년, 알브레히트 뒤러의 작품
주요 기사: 판화

인쇄 공정은 인쇄 공정으로 여러 번 복제할 수 있는 종이에 이미지를 만드는 것을 포함합니다.그것은 서아시아와 동아시아에서 수 세기 동안 중요한 예술 매체였다.서양에서는 판화, 목판화, 식각, 동아시아에서는 일본 우키요에 양식이 가장 중요한 판화 등이 주요 역사적 기술이다.19세기 석판 인쇄술과 사진술의 발명은 부분적으로 역사적 기술을 대체했다.오래된 인쇄물은 미술품인 올드 마스터 인쇄물과 인기 인쇄물로 나눌 수 있으며, 책 일러스트와 지도 등의 실용적인 이미지가 중간에 있습니다.

모노타이핑의 경우를 제외하고, 이 공정은 동일한 조각의 여러 개를 생산할 수 있으며, 이를 프린트라고 합니다.각 인쇄물은 사본이 아닌 원본으로 간주됩니다.그 배경에는, 다른 매체(예를 들면 그림)의 다른 예술 작품을 재현한 것이 아니고, 처음부터 인쇄로서 설계된 이미지라고 하는 것이 있습니다.개별 인쇄물은 인상이라고도 합니다.인쇄물은 하나의 원본 표면에서 만들어집니다. 전문 용어로는 매트릭스라고 합니다.매트릭스의 일반적인 유형에는 금속판, 보통 동판 또는 아연판, 석판 인쇄에 사용되는 석재, 목판용 목재 블록, 리노컷용 리놀륨 및 스크린 인쇄의 경우 직물이 포함됩니다.하지만 다른 종류들도 많이 있습니다.거의 동일한 인쇄물을 여러 개 편집본이라고 할 수 있습니다.현대에 와서는, 「한정판」으로 서명과 번호가 붙여져 있습니다.인쇄물은 예술가의 책으로서도 책 형태로 출판될 수 있습니다.1매의 인쇄는, 1매 또는 복수의 테크닉의 산물이 될 수 있습니다.

서예

주요 기사 : 서예

서예는 시각 예술의 한 종류이다.서예의 현대적 정의는 "표현적이고 조화롭고 능숙한 방법으로 기호에 형태를 부여하는 기술"[13]이다.현대 서예는 기능적인 손으로 쓴 글씨와 디자인에서부터 손으로 쓴 문장의 추상적인 표현이 글자의 [13]가독성을 손상시킬 수도 있고 손상시키지 않을 수도 있는 예술 작품까지 다양하다.고전 서예는 서예가가 이 모든 것을 만들 수 있지만 활자체나 비고전적인 손글씨와는 다르다. 글씨는 역사적으로 단련되었지만 유연하고 즉흥적으로 [14][15][16]쓰여졌다.

사진

주요 기사:파인 아트 사진

미술사진은 예술가의 창조적 비전을 충족시키기 위해 만들어진 사진을 말합니다.미술사진은 포토저널리즘이나 상업사진과는 대조적이다.포토 저널리즘은 주로 인쇄물과 디지털 미디어를 통해 이야기와 아이디어를 시각적으로 전달합니다.미술사진은 주로 예술가의 비전의 표현으로 만들어졌지만, 또한 특정한 명분을 발전시키는데 있어 중요했다.나체 묘사는 미술사진의 주요 주제 중 하나이다.

입체 작품

아키텍처

주요 기사:아키텍처

건축은 구조 엔지니어링 또는 건설 관리 구성요소와 대조적으로 특히 미적 구성요소가 스포트라이트를 받는 경우 종종 예술로 간주됩니다.건축 작품은 문화적, 정치적 상징이자 예술 작품으로 인식된다.역사적 문명은 주로 그들의 건축적 업적을 통해 알려져 있다.이집트의 피라미드와 로마 콜로세움과 같은 건물들은 문화적인 상징이고, 심지어 학자들이 다른 수단을 통해 과거의 문명에 대해 많은 것을 발견했을 때에도 대중의 의식에 중요한 연결고리이다.도시, 지역 및 문화는 계속해서 건축기념물과 동일시하고 있으며,[17] 이를 통해 알려져 있습니다.

도예

주요 기사도자기와 도자기

현대의 몇몇 예외들을 제외하고, 도자기는 미술로 간주되지 않지만, "미세 도자기"는 특히 고고학에서 유효한 전문 용어로 남아 있습니다."정품"은 종종 페인트칠, 성형 또는 다른 방법으로 장식된 고품질의 도자기로, 많은 시기 동안 인구의 다수가 사용하는 기본적인 공리주의 냄비인 "조제품"과 구별된다.

도자기 조각은 자기 조각처럼 실용적인 목적이 없는 경우에도 일반적으로 여러 가지 기술을 가진 참여자들이 참여하는 협업적이고 반산업적인 것이 특징입니다.

조각품

주요 기사: 조각

조각은 단단한 재료나 플라스틱 재료, 일반적으로 돌(바위 또는 대리석), 금속 또는 나무 모양을 만들어 내는 3차원 예술작품이다.조각에 의해 직접 만들어지는 조각도 있고 조립, 조립 및 소성, 용접, 성형 또는 주조되는 조각도 있습니다.조각은 성형되거나 변형될 수 있는 재료의 사용을 수반하기 때문에, 그것은 조형 예술 중 하나로 여겨진다.공공 미술의 대부분은 조각이다.정원 안에 있는 많은 조각품들은 조각 정원이라고 불릴 수 있다.

돌로 된 조각은 부패하기 쉬운 재료의 예술 작품보다 훨씬 더 잘 살아남고, 종종 고대 문화에서 살아남은 대부분의 작품들을 대표한다; 반대로, 나무로 된 조각의 전통은 거의 사라졌을지도 모른다.하지만, 대부분의 고대 조각은 밝게 칠해졌고,[18] 이것은 없어졌다.

개념 예술

마이클 크레이그-마틴의 오크 나무, 1973년
주요 기사:개념 예술

개념 예술은 작품에 관련된 개념이나 아이디어가 전통적인 미적, 물질적 관심사보다 우선하는 예술이다.1960년대 이 용어의 시작은 시각 예술과 관련된 전통적인 시각 기준을 무시하고 텍스트로 표현하는 아이디어 기반 예술의 엄격하고 집중적인 관행을 참조했다.하지만, 1990년대 동안 젊은 영국 예술가들과 터너상과의 연관성을 통해, 특히 영국에서, 그것의 인기 있는 사용은 그림과 [19]조각의 전통적인 기술을 실천하지 않는 모든 현대 미술의 동의어로 발전했다.

공연 예술

주요 기사 : 공연예술

음악

주요 기사:음악
표트르 일리치 차이코프스키 (1840–1893), 유명한 작곡가

음악은 매체가 시간에 맞춰 소리나게 정리된 예술 형태이자 문화 활동입니다.음악의 공통 요소는 음고(선율과 화음을 지배하는), 리듬(및 관련된 개념 템포, 미터, 그리고 조음), 역동성(시끄럽고 부드러움), 그리고 음색과 질감의 음질(때로는 음악 소리의 "색"이라고 불린다)이다.다른 스타일이나 유형의 음악은 이러한 요소 중 일부를 강조하거나 강조를 해제하거나 생략할 수 있습니다.

음악은 노래에서 랩에 이르는 광범위한 악기와 보컬 테크닉으로 연주된다; 오로지 보컬 곡들, 그리고 노래와 악기가 결합된 곡들이 있다.

이 단어는 그리스어 μοοοοα(무스어, "뮤즈의 예술")에서 유래했다.

바슬라프 니진스키가 라프레스미디둔 파우네에서 파우네를 추다(1912년)

춤

주요 기사:춤추다

춤은 일반적으로 리듬감 있는 신체의 움직임과 [20]음악을 가리키는 예술 형태이며, 표현, 사회적 상호작용의 한 형태로 사용되거나 영적 또는 공연적 환경에서 표현된다.춤은 또한 인간과 동물 사이의 비언어적 의사소통 방법(벌의 춤, 짝짓기 춤과 같은 행동 패턴), 무생물의 움직임("바람에 춤추는 나뭇잎") 및 특정 음악 장르를 묘사하기 위해 사용된다.스포츠에서, 체조, 피겨 스케이팅, 싱크로나이즈드 스위밍은 댄스 종목인 반면, 무술의 카타는 종종 춤에 비유된다.

극장

주요 기사:극장
런던 로열 오페라 하우스

현대 서양 연극은 드라마와 코미디를 포함한 사실주의가 지배하고 있다.또 다른 인기 있는 서양 형태는 뮤지컬 연극이다.그리스와 로마 드라마, 고전 영국 드라마(셰익스피어와 말로 포함), 프랑스 극장(몰리에르 포함)을 포함한 고전적인 형태의 연극은 오늘날에도 여전히 공연된다.또한 서양에서는 노나 가부키 같은 고전적인 동양 양식의 공연을 볼 수 있지만, 그 빈도는 낮습니다.

영화

주요 기사영화 예술 영화
인도 벵골 영화감독 사티아지트 레이

예술영화는 영화와 영화 분야를 예술형태로 아우르는 용어이다.예술 영화관은 그러한 영화를 보기 위한 장소, 보통 건물이다.필름은 카메라로 세계의 이미지를 기록하거나 애니메이션 기법이나 특수 효과를 사용하여 이미지를 만들어 냅니다.영화는 특정 문화에 의해 만들어진 문화 유물로, 이러한 문화를 반영하고, 그에 영향을 미칩니다.영화는 중요한 예술의 형태이자, 대중 오락의 원천이며, 시민들을 교육하거나 교육시키는 강력한 방법으로 여겨진다.영화의 시각적 요소들은 영화에 보편적인 의사소통 능력을 부여한다.몇몇 영화들은 더빙이나 대사를 번역하는 자막을 사용함으로써 세계적으로 인기 있는 영화가 되었다.

영화 촬영은 영화를 위해 사진 이미지를 기록할 때 조명과 카메라를 선택하는 분야입니다.카메라와 장면 요소가 모두 움직이면 많은 추가적인 문제가 발생하지만, 스틸 사진술과 밀접하게 관련되어 있습니다.

독립 영화 제작은 종종 할리우드나 다른 주요 스튜디오 시스템 밖에서 이루어진다.독립 영화(또는 인디 영화)는 주요 영화 스튜디오로부터 자금 조달이나 배급 없이 초기에 제작된 영화입니다.20세기 후반과 21세기 초 인디 영화계의 성장에는 창조적, 사업적, 기술적 이유들이 모두 기여했다.

시

주요 기사:시
바실리 마테, 시인 알렉산더 푸시킨의 초상(1899년)

시(詩)는 그리스어 "" make makepopo(시, "만드는 것")의 변형에서 유래한 문학으로, 언어의 미학적, 리듬적 특성(음향적 상징성, 발화미학, 미터기 등)을 사용하여 프로사이컬한 표면적 [21]의미에 더하여 또는 그 대신 의미를 환기하는 문학 형태이다.

다른.

  • 아방가르드 음악은 종종 공연 예술이자 예술로 여겨진다.
  • 전자 미디어 – 컴퓨터 등의 최신 기술을 제작에서 프레젠테이션까지 활용하기 때문에 아마도 최신 미술 매체일 것입니다.비디오, 디지털 사진, 디지털 판화, 인터랙티브 작품 등이 포함됩니다.
  • 퀼트 아트 및 "착용 가능한" 또는 "착용 가능한" 창작물을 포함한 직물은 종종 미술 전시의 일부처럼 미술품의 범주에 도달합니다.
  • 서양 미술은 종종 예술로 여겨지는 공연 예술이다.
  • 종이접기 – 지난 세기는 예술가와 과학자들의 공헌으로 접는 물질의 행동을 이해하는 것에 대한 새로운 관심을 목격했습니다.종이접기는 다른 예술과 다릅니다.그림은 물질을 더하고 조각은 뺄셈을 수반하지만 종이접기는 덧셈이나 뺄셈을 하지 않고 변형합니다.종이접기 예술가들은 기술과 우주선으로 혈통이 끝나면서 점점 더 그 시대에 전념하는 예술의 한계를 밀고 있다.그것의 계산적인 측면과 공유 가능한 품질은 21세기의 패러다임 예술로 만드는 퍼즐의 일부입니다.[22][23][24]

학술 연구

다음 항목도 참조하십시오.예술학교 목록

아프리카

주요 기사:아프리카의 예술

아시아

주요 기사:아시아의 예술
  • 일본 교토시립예술대학은 회화, 판화, 개념, 미디어 기획, 조각, 디자인(시각, 환경, 제품), 공예(세라믹스, 다이잉, 직조, 우루시 래커링), 예술과 보존의 과학 학위를 제공한다.
  • 도쿄예술대학 이 예술대학은 회화(일본어와 유화), 조각, 공예, 디자인, 건축, 인터미디어 아트, 미학, 미술사 학위를 제공한다.음악학교와 영화학교는 분리되어 있다.
  • 한국대학교 음악, 연극, 무용, 영화, 전통예술(국악, 무용, 공연예술), 디자인, 건축, 미술이론, 시각예술학과(그림, 조각, 사진, 3D 레이저홀로그래피, 비디오, 인터랙티브, 유리, 도예) 등이다.
  • 광저우 미술원은 광저우에 있는 중국 국립 대학으로, 미술 및 디자인 박사, 석사 및 학사 학위를 제공합니다.
  • 콜카타 미술 아카데미는 인도 서벵골 주 콜카타에 있는 미술 대학입니다.
  • 레바논 미술 아카데미는 1937년 베이루트에서 젊은 클래식 음악가들에 의해 설립된 명문 미술 대학으로 1988년 발라만드 대학과 합병되었습니다.ALBA는 탁월한 교육 전문성과 세계적인 강사와 [25]강사를 보유한 지역의 선구적 연구소로 평가받고 있다.

유럽

주요 기사유럽의 예술 및 유럽의 예술 대학 목록

남미

주요 기사:남미의 예술
  • 브라질: 브라질 예술 연구소에는 연극, 시각 예술, 산업 디자인 및 음악 [26]부서가 있습니다.

미국

주요 기사:미국의 시각 예술

미국의 미술학사 과정에는 미술학사, 미술학사 및/또는 미술석사(종래에는 해당 분야의 말단 학위)가 포함될 수 있습니다.그러나 일부 미국 교육기관에서는 명예학위가 아닌 미술박사 학위를 취득하기 시작했다.미국의 주요 예술대학:

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

  1. ^ 무뚝뚝, 48~55
  2. ^ Colvin, Sidney (1911). "Fine Arts" . In Chisholm, Hugh (ed.). Encyclopædia Britannica. Vol. 10 (11th ed.). Cambridge University Press. pp. 355–375.
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