폴 세잔

Paul Cézanne
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폴 세잔
Photograph of Paul Cézanne
1899년 세잔
태어난(1839-01-19)1839년 1월 19일
엑상 프로방스
죽은1906년 10월 22일 (1906-10-22) (67세)
엑상 프로방스
휴식처생피에르 묘지
국적.프랑스어
교육아카데미 스위스
엑상마르세유 대학교
유명한페인팅
주목할만한 작품생 빅투아르 (1885–1906)
아포테오세 드 들라크루아 (1890–1894)
리도, 크루코네 콤포티에 (1893–94)
카드 플레이어 (1890–1895)
배더스 (1898–1905)
움직임.인상주의, 후기인상주의
상세잔 메달

Paul Cézanne (/seɪˈzæn/say-ZAN, UK also /sɪˈzæn/siz-AN, US also /seɪˈzɑːn/say-ZAHN,[1][2] 프랑스어 ɔ 세잔(, 1839년 1월 19일 ~ 1906년 10월 22일)은 프랑스의 후기 인상주의 화가로, 20세기 초의 아방가르드 예술 운동에 영향을 미쳤습니다. 세잔은 19세기 후기 인상주의와 20세기 초 입체파 사이의 다리를 형성했다고 합니다.

그의 초기 작품들이 여전히 낭만주의에 영향을 받고 있지만, Jas de Bouffan 시골집의 벽화와 사실주의와 같은 낭만주의에 의해 영향을 받고 있지만, 세잔은 인상주의 표현의 집중적인 조사를 통해 새로운 회화 언어에 도달했습니다. 그는 전통적인 관점에 대한 접근 방식을 바꾸고 작품 속 사물의 근본적인 구조와 예술의 형식적 특성을 강조함으로써 학예의 확립된 규칙을 깨뜨렸습니다. 세잔은 인상주의적인 색채 공간과 색채 변조 원리를 바탕으로 전통적인 디자인 방법의 갱신을 위해 노력했습니다. 세잔의 종종 반복적이고 탐색적인 붓 놀림은 매우 특징적이고 명확하게 인식할 수 있습니다. 그는 색의 평면과 복잡한 들판을 형성하기 위해 쌓이는 작은 붓질을 사용했습니다. 그 그림들은 세잔의 주제에 대한 집중적인 연구를 전달합니다. 앙리 마티스와 파블로 피카소는 모두 세잔이 "우리 모두의 아버지"라고 말했다고 합니다.

그의 그림은 현대 미술 비평에서 이해와 조롱을 불러일으켰습니다. 1890년대 후반까지 세잔의 작품을 발견한 사람은 카미유 피사로와 미술상이자 갤러리 소유주인 앰브로스 볼라드와 같은 동료 예술가들이었습니다. 1895년, 볼라드는 그의 파리 갤러리에서 첫 번째 개인전을 열었고, 이것은 그의 작품에 대한 더 넓은 조사로 이어졌습니다.[3]

삶과 일

초기와 가족

탄호이저 서곡: 예술가의 어머니와 누이, 1868, 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크

폴 세잔은 엑상 프로방스의 28 루 드 라오페라에서 밀라이너이자 나중에 은행가가 된 루이 오귀스트 세잔과 앤 엘리자베스 오노린 오베르의 아들로 태어났습니다. 그의 부모는 1844년 1월 29일 폴과 그의 여동생 마리(1841년생)가 태어난 후에야 결혼했습니다. 그의 막내 여동생 로즈는 1854년 6월에 태어났습니다. 세잔인은 Occitania의 Hautes-Alpes 코뮌인 Saint-Sauveur에서 왔습니다. 폴 세잔은 1839년 1월 19일 엑상 프로방스에서 태어났습니다.[4] 2월 22일, 그는 대부모로서 그의 할머니와 삼촌 루이와 함께 에글리세 드 라 마들렌 성당에서 세례를 받았고,[4][5][6][7] 후에 독실한 가톨릭 신자가 되었습니다.[8] 그의 아버지 루이 오귀스트 세잔 (1798–1886)[9][10]은 생 자차리 (Var) 출신으로 예술가의 일생 동안 번창했던 은행 회사 (Banque Cézanne et Cabassol)의 공동 설립자였으며, 그에게 그의 동시대 대부분이 사용할 수 없는 재정적인 보안을 제공하고 결국 많은 유산을 가져왔습니다.[11]

1860년 봄, 쁘띠 팔레

그의 어머니인 앤 엘리자베스 호너린 오버트(1814–1897)[12]는 "활발하고 낭만적이지만, 빨리 화를 냅니다.[13] 세잔이 인생에 대한 개념과 비전을 갖게 된 것은 그녀에게서였습니다.[13] 그는 또한 마리와 로즈라는 두 명의 여동생이 있었고, 그는 매일 초등학교에 다녔습니다.[4][14]

10살 때 세잔은 엑상에 있는 성 요셉 학교에 입학했습니다.[15] 같은 반 친구들은 작가 요아힘 가스케의 아버지인 후일 조각가 필립 솔라리와 앙리 가스케였는데, 그는 1921년에 그의 책 세잔을 출판했는데, 이것은 그의 삶에 대한 증거입니다. 1852년, 세잔은 엑상[16](현재의 콜레제 미그넷)에 있는 부르봉 대학에 입학하여, 에밀 졸라(Emile Zola)[11][14]와 친구가 되었고, 바일레(Baille)와 함께 "레 트로이스 인세파라블(Les Trois Inséparables)"로 알려진 세 친구가 되었습니다.[17] 그 때는 아마도 친구들이 호숫가에서 수영하고 낚시를 할 때 그의 인생에서 가장 자유로운 시간이었을 것입니다. 그들은 예술에 대해 토론했고, 호메로스와 버질을 읽었으며, 그들 자신의 시를 쓰는 것을 연습했습니다. 세잔은 종종 라틴어로 그의 구절을 썼습니다. 졸라는 그에게 시를 좀 더 진지하게 생각하라고 권했지만, 세잔은 시를 그저 취미로 여겼습니다.[18] 그는 6년 동안 그곳에 머물렀지만, 지난 2년 동안은 일일 학자였습니다.[19] 1857년, 그는 엑상에 있는 자유 시립 드로잉 스쿨에 다니기 시작했고, 그곳에서 그는 스페인 승려 조셉 기베르 밑에서 드로잉을 공부했습니다.[20]

전통적으로 그의 아들을 은행 세잔과 카바솔의 상속자로 보았던 권위주의적인 아버지의 요청에 따라, 폴 세잔은 1859년 엑상 프로방스 대학의 법학 교수진에 등록했고 법학 연구를 위한 강의에 참석했습니다. 그는 사랑받지 못한 공부로 2년을 보냈지만, 점점 그것들을 소홀히 했고, 연습문제를 그리고 시를 쓰는 것에 전념하기를 더 좋아했습니다. 1859년부터 세잔은 에콜 데신 다익센 프로방스(Ecole de d'Aix-en Provence)에서 저녁 과정을 수강했습니다. 그의 스승은 학문적인 화가 조셉 기베르 (1806–1884)였습니다. 1859년 8월, 그는 그곳에서 피겨 연구 과정에서 2등상을 수상했습니다.[21]

그의 아버지는 같은 해 Jas de Bouffan (바람의 집) 부동산을 구입했습니다. 이 부분적으로 버려진 전직 도지사의 바로크 저택은 이후 오랫동안 화가의 집이자 일터가 되었습니다.[22][23] 건물과 부동산 공원의 오래된 나무는 작가가 가장 좋아하는 주제 중 하나였습니다. 1860년, 세잔은 응접실의 벽을 칠할 수 있는 허가를 받았고, 봄, 여름, 가을, 겨울 (오늘날 파리의 쁘띠 팔레)의 네 계절의 대형 벽화를 만들었습니다. 이 겨울 그림은 잉그레스의 그림 주피터와 테티스를 포함한 1811년의 것으로, 당시에 그려졌고 그라네 미술관에 전시되어 있습니다.[24]

은행가 아버지의 반대를 무릅쓰고, 그는 자신의 예술적인 발전을 추구하기로 헌신했고 1861년에 엑을 떠나 파리로 향했습니다. 졸라는 그 당시 이미 수도에 살고 있었고, 세잔에게 주저하는 마음을 버리고 그곳으로 따라오라고 강력히 권했습니다. 결국, 그의 아버지는 세잔과 화해했고, 그가 은행 사업의 후계자로 파울을 찾는 희망을 포기하고 정규 수업을 시작하는 조건으로 그의 직업 선택을 지지했습니다. 세잔은 나중에 아버지로부터 40만 프랑의 유산을 상속받았는데, 이로 인해 경제적인 걱정은 모두 사라졌습니다.[25]

파리에서의 연구

상파울루 미술관 에밀 졸라, 1869-70, 상파울루 미술관에서 책을 읽고 있는 폴 알렉스

세잔은 1861년 4월에 파리로 이주했습니다. 에콜 데 보자르(Ecole des Beaux-Arts)에 지원했지만 거절당했기 때문에 파리에서 그가 설정한 높은 희망은 실현되지 않았습니다. 그는 무료 아카데미 스위스에 다녔고, 그곳에서 인생 그림 그리기에 전념할 수 있었습니다. 그곳에서 그는 10년 선배인 카미유 피사로와 그의 고향 엑사 출신의 아킬 엠페레르를 만났습니다. 그는 종종 루브르 박물관에서 미켈란젤로, 루벤스, 티티안과 같은 옛 거장들의 작품을 모방했습니다. 그러나 그 도시는 그에게 이질적인 곳으로 남아 있었고, 그는 곧 엑상 프로방스로 돌아갈 생각을 했습니다. 처음에 피사로와 세잔 사이에 형성된 우정은 1860년대 중반에 형성된 스승과 제자의 우정이었고, 피사로는 젊은 예술가에게 형성적인 영향을 미쳤습니다. 그 후 10년 동안 루베시엔과 퐁토이즈에서 함께 풍경화 여행을 하면서 동등한 사람들 사이의 협력적인 작업 관계로 이어졌습니다.

1868년 오르세 미술관 아킬레 엠페레르 초상화

졸라는 세잔의 미래에 대한 믿음이 흔들렸고, 그래서 6월에 그는 그들의 소꿉친구인 Baille에게 "폴은 여전히 내가 학교에서 알고 있던 훌륭하고 이상한 친구입니다. 그가 자신의 독창성을 잃지 않았다는 것을 증명하기 위해, 저는 그가 여기에 도착하자마자 그가 돌아오는 것에 대해 이야기했다는 것을 여러분에게 말해야 합니다."[26] 세잔은 졸라가 그의 친구를 격려하기 위해 그에게 그림을 그려달라고 부탁했던 졸라의 초상화를 그렸지만, 세잔은 그 결과에 만족하지 못하고 그 그림을 파괴했습니다. 1861년 9월, 에콜에서 거절당한 것에 실망한 세잔은 엑상 프로방스로 돌아와 아버지의 은행에서 다시 일했습니다.[27]

그러나 이미 1862년 늦가을에 그는 다시 파리로 이주했습니다. 그의 아버지는 월 150프랑이 넘는 지폐로 생계를 유지했습니다. 전통적인 에콜 데 보자르는 그를 또 거절했습니다. 그래서 그는 아카데미 스위스에 다시 참석하여 리얼리즘을 홍보했습니다. 이 시기에 그는 피사로, 클로드 모네, 피에르 오귀스트 르누아르, 알프레드 시슬리에 이어 많은 젊은 예술가들을 알게 되었습니다.

프랑스의 공식적인 예술 생활과 대조적으로, 세잔은 예술의 갱신을 위해 노력하고 품위 없는 현실의 묘사를 요구하는 구스타브 쿠르베와 외젠 들라크루아의 영향 아래 있었습니다. 쿠르베의 추종자들은 스스로를 "현실주의자"라고 불렀고, 1849년에 공식화된 그의 원칙인 "예술을 시궁창에 던져야 한다"를 따랐는데, 이것은 예술이 이상적인 높이에서 내려와 일상의 문제가 되어야 한다는 것을 의미합니다. 에두아르 마네는 분석적 관찰이 아니라 주관적 인식의 재현과 상징적 부담으로부터 회화적 대상의 해방으로 역사화와 결정적인 결별을 이루었습니다.

작가의 아버지, "L'Vénement" 읽기, 1866, 국립 미술관, 워싱턴 D.C.

1863년 마네, 피사로, 모네의 작품을 공식 살롱인 살롱 드 파리에서 제외한 것은 예술가들 사이에서 큰 분노를 불러일으켰고 나폴레옹 3세는 공식 살롱 옆에 "Salon des Refusés" (거부당한 사람들의 살롱)을 설치했습니다. 세잔의 그림들은 1863년 살롱 데 레퓨제의 첫 번째 전시회에서 전시되었습니다. 살롱은 1864년부터 1869년까지 매년 세잔의 제출을 거부했습니다. 그는 1882년까지 계속해서 살롱에 작품을 제출했습니다. 그 해 세잔의 친구인 화가 앙투안 길레메트는 살롱 심사위원이 되었습니다. 각 배심원들은 그의 학생 중 한 명의 사진을 보여주는 특권을 가졌기 때문에, 그는 세잔을 그의 학생으로 간주하고 살롱에서의 첫 참가를 확보했습니다. 그는 "Louis-Auguste Cézanne의 초상", "예술가의 아버지", "L'Vénement", 1866 (워싱턴 D.[28]C. 국립 미술관)을 전시했지만, 그림은 외딴 홀의 맨 위 줄에 조명이 제대로 켜지지 않은 곳에 걸려 있었고 주목을 받지 못했습니다. 이것은 그가 살롱에 처음이자 마지막으로 성공적으로 제출하는 것이었습니다.[29][30]

레페인트 레소프

2022년 신시내티 미술관의 수석 보존가인 세레나 우리가 이 그림을 포함하고 있던 전시회에서 그림을 제거하고 잠재적인 유지보수 요구사항을 조사했을 때, 1865년 '빵과 계란이 있는 정물' 아래에서 초상화가 발견되었습니다. 균열에서 특이한 패턴을 발견했고, "촉각에" 엑스레이를 찍었습니다.[31] 세잔은 거의 데이트를 하지 않았기 때문에, 그것은 화가에 의해 확실하게 날짜가 잡힌 최초의 초상화로 여겨집니다.[32] 박물관 큐레이터들은 그것이 자화상일 가능성이 높다고 믿고 있습니다; 만약 그렇다면 그것은 또한 정물화를 그렸던 그 해에 20대였던 그 화가의 초기 묘사들 중 하나일지도 모릅니다.[31]

1865년 여름, 세잔은 엑상으로 돌아갔습니다. 졸라의 데뷔 소설 La Confession de Claude가 출판되었고, 그것은 그의 어린 시절 친구인 세잔과 Baille에게 바쳐졌습니다. 1866년 가을, 세잔은 주로 정물화와 초상화인 팔레트 나이프 기법을 사용하여 일련의 그림들을 완성했습니다. 그는 1867년의 대부분을 파리에서 보냈고 1868년 후반기에는 엑상에서 보냈습니다. 1869년 초, 그는 파리로 돌아와 11살 연하의 책 바인더의 조수 마리-호르텐스 피케를 아카데미 스위스에서[33] 만났습니다.

레스타크 – 오베르쉬르오이즈 – 퐁토이즈 1870–1874

1870년 5월 31일, 세잔은 파리에서 열린 졸라의 결혼식에서 들러리를 섰습니다. 프로이센 전쟁 중에 세잔과 호르텐스 피케는 마르세유 근처의 레스타크라는 어촌 마을에 살았는데, 그곳의 지중해 분위기가 그를 매료시켰기 때문에 세잔은 나중에 그곳을 자주 방문하고 그림을 그렸습니다. 그는 군복무를 위해 징집을 피했습니다. 세잔은 1871년 1월 탈영병으로 비난받았지만, 그는 간신히 숨었습니다. 이 시기의 문서가 누락되어 더 이상 자세한 내용은 알 수 없습니다.[34]

파리 코뮌이 진압된 후, 부부는 1871년 5월에 파리로 돌아갔습니다. 폴 세잔과 호텐스 피케의 아들인 폴 필스는 1872년 1월 4일에 태어났습니다. 세잔의 어머니는 가족 행사의 당사자로 유지되었지만, 그의 아버지는 화를 감수하고 예술가로 살기 위해 아버지가 준 재정적 수당을 잃지 않기 위해 호텐스에 대해 알리지 않았습니다. 그 예술가는 아버지로부터 월 100프랑의 용돈을 받았습니다.[35]

세잔의 친구인 장애가 있는 화가 아킬레 엠페레르가 1872년 경제적 어려움으로 가족과 함께 파리로 피신했을 때, 그는 곧 친구를 떠났지만, 그렇지 않았다면 저는 다른 사람들의 운명에서 벗어나지 못했을 것입니다. 여기서 모두에게 버림받은 그를 발견했습니다. […] 졸라, 솔라리 그리고 다른 모든 것들은 더 이상 언급되지 않습니다. 그는 상상할 수 있는 가장 이상한 사람입니다."[36]

1872년 말부터 1874년까지 세잔은 오베르수르오이즈에서 그의 아내와 아이와 함께 살았고, 그곳에서 그는 후에 화가 빈센트 반 고흐의 의사가 된 의사이자 미술 애호가인 폴 가셰를 만났습니다. 가셰는 또한 야심찬 취미 화가였고 세잔이 작업실을 이용할 수 있도록 했습니다.

1872년, 세잔은 그의 친구 피사로로부터 오이세 계곡의 퐁토이즈에서 일하라는 초대를 받았습니다. Pissarro는 민감한 예술가로서 수줍음이 많고 짜증이 많은 세잔의 멘토가 되었습니다. 그는 그의 색상 팔레트의 어두운 색상을 외면하도록 설득할 수 있었고 그에게 "항상 세 가지 기본 색상(적색, 황색, 청색)과 그 즉각적인 편차로 그림을 그리세요."라고 조언했습니다. 또한, 그는 색상 톤 값의 그라데이션으로 인해 사물의 모양이 나타나는 선형 윤곽선을 피해야 합니다. 세잔은 인상주의 기법이 자신을 목표에 더 가깝게 만들고 있다고 느꼈고 친구의 조언에 귀를 기울였습니다. 피사로는 나중에 "우리는 항상 함께 있었지만 여전히 우리 각자는 중요한 것은 우리 자신의 감정을 혼자 유지했습니다."[37]라고 보고했습니다.

1874년 제1회 인상파 단체전

근대 올림피아, 1873-74, 오르세 미술관, 파리

파리의 젊은 화가들은 살롱 드 파리에서 그들의 작품에 대한 어떠한 지원도 보지 못했고 그래서 1867년에 만들어진 그들만의 전시회를 위한 클로드 모네의 계획을 채택했습니다. 1874년 4월 15일부터 5월 15일까지 인상파 화가들로 알려진 소시에테 익명의 예술가들, 페인트르, 조각가들, 판화가들의 첫 번째 집단 전시회가 열렸습니다. 이 이름은 모네가 단독으로 전시한 그림의 제목에서 유래했습니다. 풍자 잡지 르 샤리바리에서 비평가 루이 르로이는 이 단체를 "인상주의자"라고 묘사하여 이 새로운 예술 운동의 용어를 만들었습니다. 전시 장소는 Boulevard des Capucines에 있는 사진작가 Nadar의 스튜디오였습니다.

피사로는 세잔의 대담한 그림들이 전시회에 해를 끼칠 것을 우려하는 일부 회원들의 우려에도 불구하고 세잔의 참여를 밀어붙였습니다. 세잔은 그들의 스타일에 영향을 받았지만 그들과의 사회적 관계는 부적절했습니다. 그는 무례하고, 수줍어하고, 화가 나고, 우울증에 걸린 것처럼 보였습니다. 세잔 외에도 르누아르, 모네, 알프레드 시슬리, 베르테 모리조, 에드가 드가, 피사로 등이 전시되었습니다. 마네는 참여를 거부했습니다. 왜냐하면 세잔은 "드롤로 그림을 그리는 석공"이었기 때문입니다.[38] 특히 세잔은 오베르 근처의 풍경과 현대 올림피아와 같은 그의 그림으로 비평가들로부터 분노와 조롱을 불러일으키며 센세이션을 일으켰습니다.[39] 종종 비난을 받았던 마네의 1863년 그림 올림피아의 인용문으로 만들어진 '현대 올림피아'에서, 세잔은 더욱 과감한 묘사를 추구했고, 매춘부와 하인 외에도 그의 모습이 자화상으로 여겨지는 구혼자도 보여주었습니다.[40]

교수형에 처해진 남자의 집, 1873년 파리 오르세 미술관

그 전시회는 재정적인 실패를 증명했고, 최종 회계는 참가한 예술가들에게 각각 180프랑 이상의 적자를 보여주었습니다. 세잔의 교수형에 처해진 남자의 집은 팔릴 수 있는 몇 안 되는 사진들 중 하나였습니다. 수집가 도리아 백작은 300프랑에 그것을 샀습니다.[41]

빅토르 초케의 초상화, 1876-77

1875년, 세잔은 세관 검사관이자 미술 수집가인 빅토르 초케를 만났는데, 그는 르누아르의 중재로 그의 작품 중 세 점을 사서 그의 가장 충실한 수집가가 되었고, 그의 수수료는 약간의 재정적인 도움을 주었습니다. 세잔은 이 그룹의 두 번째 전시회에 참여하지 않았지만, 대신 1877년 세 번째 전시회에서 그의 작품 중 16점을 선보였고, 이는 결국 상당한 비판을 받았습니다. 평론가 루이 르로이(Louis Leroy)는 세잔의 초콜릿 초상화에 대해 "이 특이하게 생긴 머리, 오래된 부츠의 색상은 세상에 나오기 전에 임신한 여성에게 충격을 주고 자궁의 열매에 황열을 일으킬 수 있습니다."[42]라고 말했습니다. 그가 인상주의자들과 함께 전시한 것은 이번이 마지막이었습니다.[43] 또 다른 후원자는 그림의 대가로 물감과 캔버스를 제공함으로써 젊은 화가들을 지원한 그림 상인 줄리앙 "Père" Tanguy였습니다.

1878년 3월, 세잔의 아버지는 빅토르 초케의 생각 없는 편지를 통해 호텐스와 그들의 사생아 폴과의 오랜 숨겨진 관계를 알게 되었습니다. 그리고 나서 그는 월정액을 반으로 줄였고, 세잔은 졸라에게 도움을 요청해야 하는 재정적으로 긴박한 시기에 접어들었습니다.[44] 하지만 9월에 그는 마음을 먹고 그의 가족을 위해 400프랑을 주기로 결정했습니다. 세잔은 1880년대 초 루이-아우구스트가 그의 집인 바스티데 뒤 자스 드 부판에 그를 위한 스튜디오를 지을 때까지 파리 지역과 프로방스 사이를 계속해서 이주했습니다. 이것은 위층에 있었고, 창문을 확대하여 북광은 허용하지만 처마선을 방해하는 기능이 남아 있습니다. 세잔은 L'Estaque에 있는 그의 거주지를 안정시켰습니다. 그는 1882년에 그곳에서 르누아르와 함께 그림을 그렸고 1883년에 르누아르와 모네를 방문했습니다.[45]

1881년에 세잔은 폴 고갱, 피사로와 함께 폰토이즈에서 일했고, 세잔은 연말에 엑상으로 돌아갔습니다. 그는 나중에 고갱이 자신으로부터 "작은 감각"을 훔쳤다고 비난했고, 반면에 고갱은 중국 시리즈만을 그렸습니다.[46] 1882년 봄, 세잔은 1883년과 1888년에 방문한 마르세유 근처의 작은 어촌 마을인 레스타크에서 처음으로 르누아르와 함께 일했습니다. 처음 두 번의 숙박 중 하나는 레스탁에서 본 마르세유 만이었습니다.[47] 1885년 가을과 그 후 몇 달 동안, 세잔은 엑상 프로방스 근처의 작은 언덕 꼭대기 마을인 가르단에 머물렀고, 그는 면 형태가 이미 입체파 스타일을 예상하고 있는 여러 그림을 만들었습니다.

졸라와의 이별과 결혼

세잔과 에밀 졸라의 오랜 우호 관계는 이제 더욱 멀어져 갔습니다. 1878년에 세련되고 성공한 작가는 오베르스 근처의 메단에 호화로운 여름 집을 세웠는데, 세잔은 1879년부터 1882년과 1885년에 그를 반복적으로 방문했습니다. 그러나 그의 친구의 호화로운 생활 방식은 겸손하지 않은 삶을 살았던 세잔을 그 자신의 부족함을 인식하게 만들었고 그 자신을 의심하게 만들었습니다.[48]

한편 이 소꿉친구를 실패자로 여겼던 졸라는 1886년 3월, 로옹-마카르트의 소설 사이클에 나오는 그의 로마 œ프 르'르를 발표했는데, 그의 주인공인 화가 클로드 랑티에는 그의 목표를 이루지 못하고 자살했습니다. 소설과 전기의 유사점을 더욱 강조하기 위해 졸라는 성공한 작가 산도즈를 화가 란티에와 함께 작품에 배치했습니다. 모네와 에드몽 드 콩쿠르는 묘사된 가상의 화가 에두아르 마네를 보는 경향이 있었지만, 세잔은 많은 세부 사항에 반영되어 있음을 알게 되었습니다. 그는 자신과 관련된 것으로 추정되는 작품을 보내준 것에 대해 공식적으로 감사를 전했습니다. 오랫동안 두 소꿉친구 사이의 연락은 영원히 끊어진다고 생각했습니다.[49][50] 최근에 이를 반박하는 편지들이 발견되었습니다. 1887년의 편지는 그들의 우정이 적어도 얼마간은 지속되었음을 보여줍니다.[51][52]

붉은 드레스를 입은 세잔 부인 (Hortense Fiquet, 1850–1922), 캔버스에 기름, 116.5 × 89.5 cm, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관

1886년 4월 28일, 폴 세잔과 호텐스 피케는 그의 부모님이 지켜보는 가운데 엑상에서 결혼식을 올렸습니다. 호텐스와의 관계는 오래전부터 단절되어 있었기 때문에 사랑으로 합법화되지는 않았습니다. 세잔은 여자를 부끄러워하고 만지는 것을 두려워했는데, 어린 시절에 같은 반 친구가 계단에서 뒤에서 발로 차버린 트라우마에서 비롯되었습니다.[53] 오히려 이 결혼은 세잔이 매우 사랑했던 이제 열네 살 된 아들 파울의 합법적인 아들로서의 권리를 확보하기 위한 것이었습니다. 1880년대 초, 세잔 가문은 프로방스에 거주하면서 안정을 취했고, 그 이후로 해외에 잠시 머무는 것을 제외하고는 그곳에 머물렀습니다. 이 움직임은 파리 중심의 인상주의자들로부터 새로운 독립과 세잔의 고향 땅인 남부에 대한 현저한 선호를 반영합니다. 호텐스의 형은 몽타뉴 생 빅투아르의 집을 레스탁에 두고 있었습니다. 1880년부터 1883년까지 이 산의 연속된 그림들과 1885년부터 1888년까지 가르단의 다른 그림들은 때때로 "건설 시대"로 알려져 있습니다.[54]

긴장된 관계에도 불구하고, 호텐스는 세잔에 의해 가장 자주 묘사된 인물이었습니다. 1870년대 초부터 1890년대 초까지 26점의 호텐스 그림이 알려져 있습니다. 그녀는 격렬한 세션을 움직이지 않고 참을성 있게 견뎌냈습니다. 1886년 10월, 그의 아버지 세잔이 사망한 후, 그의 어머니와 여동생들은 자스 드 부판 영지를 포함한 그의 영지를 상속받아서, 세잔의 재정 상황은 훨씬 더 쉬워졌습니다. 그는 "아버지는 훌륭한 분이었다"며 "나에게 2만 5천 프랑의 수입을 남겼다"[55]고 회고했습니다. 1888년까지 가족은 이전 장원인 Jas de Bouffan에 있었고, 이는 새로운 편안함을 제공하는 건물과 건물이 없는 상당한 집이었습니다. 2001년 현재, 훨씬 축소된 부지를 가진 이 집은 현재 시 소유이며 제한적으로 일반에 공개되었습니다.[56]

1890년 Les XX 전시 및 1895년 파리에서의 첫 개인전

르물랭 수르 라 쿨뢰브레 à 퐁토이즈

세잔은 파리에서 살았고 점점 가족 없이 엑상에서 살고 있습니다. 르누아르는 1888년 1월 그곳에 그를 방문했고 그들은 자스 드 부판의 스튜디오에서 함께 일했습니다. 1890년, 세잔은 당뇨병에 걸렸고, 그 병은 그의 동료 인간들을 다루는 것을 더욱 어렵게 만들었습니다. Cézanne은 Hortense와의 어려운 관계가 안정될 수 있기를 바라는 마음으로 그녀와 그의 아들 Paul과 함께 스위스에서 몇 달을 보냈습니다. 그 시도는 실패했고, 그는 프로방스로 돌아왔고, 호텐스와 폴 필스는 파리로 갔습니다. 재정적인 필요로 인해 호텐스는 프로방스로 돌아왔지만, 각자의 거주지에 있었습니다. 세잔은 그의 어머니와 여동생과 함께 이사왔습니다. 1891년에 그는 가톨릭으로 전향했습니다.[57]

같은 해에 그는 브뤼셀에 있는 Les XX 그룹에서 그의 세 작품을 전시했습니다. 소시에테 데 빙트(Société des Vingt, 줄여서 Les XX 또는 Les Vingt)는 1883년경 페르낭 크노프, 테오 반 리셀베르헤, 제임스 엔소르, 안나 보흐 형제 등 벨기에에 거주하는 예술가 또는 예술가들이 설립한 협회입니다.

1899년 파리 쁘띠 팔레 암브로이즈 볼라드의 초상화

1895년 5월, 그는 피사로와 함께 듀랑 루엘 갤러리에서 열린 모네의 전시회에 참석했습니다. 그는 열정적이었지만 나중에 1868년을 쿠르베의 영향을 더 많이 받은 모네의 가장 강력한 시기로 확인했습니다. 세잔은 아카데미 스위스 출신의 동료 학생인 아킬 엠페레르와 함께 르 톨로네 마을 주변으로 가서 몽타뉴 생 빅투아르에 위치한 샤토 느와르에 거주했습니다. 그는 종종 그의 그림에서 산을 주제로 삼았습니다. 그는 인근 비베무스 채석장에 오두막을 빌렸습니다; 비베무스는 그의 그림의 또 다른 모티브가 되었습니다.

갤러리 소유주 지망생인 앰브로스 볼라드는 1895년 11월 세잔의 첫 번째 원맨쇼를 열었습니다. 그의 갤러리에서, 그는 세잔이 그에게 소포로 보낸 약 150점의 작품 중 50점을 전시했습니다. 볼라드는 1894년 드가와 르누아르를 만났고, 그는 자신의 작은 가게에서 마네의 묶음을 전시하고 있었고, 그들은 마네의 작품을 그와 교환했습니다. 볼라드는 또한 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르와 관계를 맺었으며, 같은 해에 유명한 페인트 딜러인 페레 탕귀와도 관계를 맺었습니다. 탕귀가 죽었을 때, 볼라드는 그 당시 아직 알려지지 않은 세 명의 예술가들, 즉 세잔, 고갱, 반 고흐의 작품들을 살 수 있었습니다. 세잔 그림의 첫 구매자는 모네였고, 뒤를 이어 드가, 르누아르, 피사로 그리고 후대의 미술 수집가들과 같은 동료들이 그 뒤를 이었습니다. 세잔의 작품 가격은 100배나 올랐고 볼라드는 언제나 그랬듯이 그의 주식으로 이익을 얻었습니다.[58]

1897년, 세잔 그림이 처음으로 박물관에 의해 구입되었습니다. 휴고 폰 추디(Hugo von Tschudi)는 베를린 국립 갤러리(Durand-Ruel Gallery)의 퐁투아즈(Pontoise) 근처에 있는 세잔의 풍경화 'The Mill on the Couleuvre'를 인수했습니다.

세잔의 어머니는 1897년 10월 25일에 사망했습니다. 1899년 11월, 그의 여동생의 주장에 의해, 그는 지금은 사실상 버려진 부동산인 "Jas de Bouffan"을 매각하고 엑상 프로방스의 Rue Boulegon 23번지의 작은 도시 아파트로 이사했습니다. 계획된 샤토 누아르 부동산의 매입은 실현되지 못했습니다. 그는 죽을 때까지 그를 돌보기 위해 가정부인 Mme Bremond를 고용했습니다.

세잔에게 경의를 표함

모리스 데니스, 옴마게 아 세잔

한편 예술계는 세잔의 작품에 대해 긍정적인 반응을 보였고, 피사로는 1899년 6월 파리에서 그의 영지에서 나온 초콜릿 컬렉션 경매에 대해 다음과 같이 썼습니다. 세잔은 매우 높은 가격에 팔릴 것이고 이미 4~5천 프랑으로 추정됩니다." 이번 경매에서 세잔화의 시세는 처음으로 달성됐지만 여전히 "마네, 모네 또는 르누아르의 그림에 비해 훨씬 낮다"[59]고 평가했습니다.

1901년 모리스 데니스는 파리와 브뤼셀에서 1900년 대형 그림 옴마쥬 아 세잔을 전시했습니다. 그림의 주제는 앰브로스 볼라드의 갤러리로, 이전에 폴 고갱이 소유했던 세잔의 그림 과일 그릇과 함께하는 정물화를 선보입니다. 작가 앙드레 지드(André Gid)는 1928년 옴마쥬 아 세잔(Hommage à Cézanne)을 인수하여 룩셈부르크 미술관에 기증했습니다. 현재 파리 오르세 미술관에 있습니다. 묘사된 사람들 중: 오딜론 레돈(Odilon Redon)은 폴 세루시에(Paul Sérusier)의 말을 듣고 왼쪽 전경에 있습니다. 또한 왼쪽에서 오른쪽으로 에두아르 뷔야르, 윗모자를 쓴 평론가 앙드레 멜레리오, 이젤 뒤의 볼라드, 모리스 데니스, 폴 랜슨, 케르 자비에 루셀, 파이프를 든 피에르 보나르, 그리고 맨 오른쪽에 화가의 아내 마르테 데니스가 묘사되어 있습니다.[60]

작년

1901년, 세잔은 엑상 프로방스 북쪽의 높은 지대에 위치한 외딴 도로인 체민 데 라우베스(Cemin des Lauves)를 따라 토지를 취득했고, 그의 필요에 따라 1902년 체민 데 라우베스에 스튜디오를 지었습니다. 그는 1903년에 그곳으로 이사를 갔습니다. 그가 Les Laubes 스튜디오에서 만든 The Bathers와 같은 큰 형식의 그림들을 위해, 그는 자연광이 흐를 수 있도록 지어진 벽에 길고 좁은 틈을 가지고 있었습니다. 그 해 졸라는 세상을 떠났고, 세잔은 소외감에도 불구하고 애도의 마음에 남겼습니다. 그의 건강은 나이가 들면서 나빠졌습니다. 당뇨병뿐만 아니라, 그는 노년기에 우울증을 앓았는데, 그것은 박해에 대한 망상이 있을 정도로 동료 인간에 대한 불신이 커지면서 나타났습니다.

'막장을 쓴 정물화' (1895)는 세잔이 기하학적 도형들 사이의 형태들의 간결한 압축과 동적인 긴장을 향한 증가하는 경향을 보여줍니다.

작가의 인지도가 높아졌음에도 불구하고 혐오스러운 보도자료가 등장했고 수많은 위협적인 편지를 받았습니다.[61] 세잔의 그림들은 엑상의 소규모 부르주아지들 사이에서 좋은 평가를 받지 못했습니다. 1903년 앙리 로슈포르는 졸라가 소장하고 있던 그림들의 경매를 방문하여 1903년 3월 9일 L'Intransigeant에 "미운 자를 위한 사랑"이라는 제목의 매우 비판적인 기사를 실었습니다.[62] 로슈포트는 "세잔이라는 초인상주의자"의 그림을 보았을 때 관객들이 웃음을 얼마나 경험했는지 설명합니다.[62] 엑상의 대중들은 분노했고, 여러 날 동안 세잔의 문 앞에 "그는 수치심을 느끼고 있었다"는 메시지와 함께 L'Intransigeant의 사본이 나타났습니다.[63] "저는 세상을 이해할 수 없고 세상은 저를 이해하지 못해서, 저는 세상에서 물러났습니다"라고 세잔 노인이 그의 코치에게 말했습니다.[64] 1902년 9월 세잔이 공증인에게 유언장을 기탁하자, 그는 아내 호텐스를 유산에서 제외하고 그의 아들 파울을 유일한 상속자로 선언했습니다. 호텐스는 어머니의 유품을 불태웠다고 합니다.[65]

동양 카펫 위에 세 개의 해골

1903년에 그는 새로 설립된 살롱 다 오토만(Salon d'Automne, 파리 가을 살롱)에서 처음으로 전시했습니다. 화가이자 미술 이론가인 에밀 베르나르(Emile Bernard)는 1904년 2월 한 달 동안 그를 처음 방문했고 7월에는 로시던트 잡지에 그 화가에 대한 기사를 실었습니다. 세잔은 동양의 카펫 위에 세 개의 두개골이 있는 바니타스 정물화 작업을 하고 있었습니다. 베르나르(Bernard)는 이 그림이 체류 기간 동안 매일 색과 형태가 변했다고 보고했지만, 첫날부터 완전해 보였습니다. 그는 나중에 이 작품을 세잔의 유산으로 간주하고 "사실 그의 작업 방식은 손에 붓을 들고 있는 반영이었습니다."[66]라고 요약했습니다. 그가 여러 차례 만들어낸 메모모리 정물에서는 세잔의 노년에 대한 우울증이 뚜렷했는데, 1896년 이후 그의 편지에는 "삶이 나에게 치명적으로 단조롭기 시작했다"는 등의 코멘트가 울려 퍼졌습니다.[67] 베르나르와의 편지 교환은 세잔이 사망할 때까지 계속되었습니다; 그는 1907년 프랑스 메르쿠레에서 그의 회고록 '기념품 서 폴 세잔'을 처음 출판했고, 1912년 그들은 책 형태로 나타났습니다.

1906년 개인 소장품, 세잔이 죽기 전 마지막으로 그린 그림, 가디너 발레리에의 초상화

1904년 10월 15일부터 11월 15일까지 살롱 다오토네(Salon d'Automne)의 모든 방에는 세잔의 작품들이 비치되어 있었습니다. 1905년 런던에서 전시회가 열렸고, 갤러리 볼라드는 6월에 그의 작품을 전시했고, 살롱 다오토네는 10월 19일부터 11월 25일까지 차례로 10점의 그림을 전시했습니다. 1902년 포크왕 박물관을 설립한 미술사가이자 후원자인 카를 에른스트 오스트하우스는 화가의 그림을 구입할 수 있기를 바라며 1906년 4월 13일 세잔을 방문했습니다. 그의 아내 Gertrud는 아마 세잔의 마지막 사진을 찍었을 것입니다.[68] 오스트하우스는 같은 해에 출판된 그의 작품 '세잔 방문'에서 그의 방문을 묘사했습니다.

이후의 성공에도 불구하고, 세잔은 겨우 그의 목표에 접근할 수 있었습니다. 1906년 9월 5일, 그는 아들 파울에게 이렇게 썼습니다: "마지막으로, 화가로서 나는 자연에 대해 더 잘 알고 있지만, 나는 항상 내 감정을 깨닫는 것이 매우 어렵다는 것을 말씀드리고 싶습니다. 저는 제 감각 앞에 펼쳐지는 강렬함에 도달할 수 없습니다. 저는 자연을 활기차게 하는 놀라운 풍부한 색을 가지고 있지 않습니다."[69]

죽음.

1906년 10월 15일, 세잔은 들판에서 일하던 중 폭풍에 휘말렸습니다.[70] 두 시간 동안 일한 후에 그는 집으로 돌아가기로 결심했습니다. 그러나 도중에 그는 쓰러져 의식을 잃었습니다. 그는 지나가던 세탁 카트 운전자에게 집으로 옮겨졌습니다.[70] 저체온증 때문에 그는 심각한 폐렴에 걸렸습니다. 그의 늙은 가정부는 순환을 회복하기 위해 팔과 다리를 문질렀고, 그 결과 그는 의식을 회복했습니다.[70] 다음날, 세잔은 그의 마지막 그림인 '정원사 발레리에의 초상'을 작업하기[71] 위해 정원으로 나갔고, 페인트 배달이 늦어지는 것을 안타까워하며 그의 페인트 딜러에게 조급한 편지를 썼지만, 나중에 그는 기절했습니다. 함께 일하는 발리에는 도움을 청했습니다. 그는 침대에 눕혀졌고, 그는 그것을 떠나지 않았습니다.[70] 그의 아내 호텐스와 아들 폴은 가정부로부터 전보를 받았지만, 그들은 너무 늦었습니다. 그는 며칠[70] 후 1906년 10월 22일 67세의 나이로 폐렴으로 사망했고, 그의 고향 엑상 프로방스의 생피에르 묘지에 안장되었습니다.[72]

세잔 작품의 주요 시기

세잔의 일과 삶에서 다양한 시기들이 정의되었습니다.[73]

암흑기, 파리, 1861년~1870년

살인사건, 1870년 리버풀 워커 아트 갤러리

세잔의 초기 "어두운" 시기는 프랑스 낭만주의와 초기 사실주의의 작품들에 영향을 받았습니다. 모델은 외젠 들라크루아와 구스타브 쿠르베였습니다. 그의 그림들은 짙은 물감의 도포, 높은 대비, 뚜렷한 그림자가 있는 어두운 색조, 순수한 검은색과 다른 색조들을 검정, 갈색, 회색 및 프로이센 파란색과 혼합하여 사용하는 것이 특징입니다. 때때로 약간의 흰색 점이나 녹색 및 빨간색 붓 놀림이 추가되어 밝게 빛나며 단색의 단조로움에 활기를 줍니다.[74] 이 시기의 그의 그림의 주제는 가족의 초상화 또는 악마적 에로틱 콘텐츠로 그의 충격적인 경험이 연상됩니다.1859년 엑상 프로방스(Ax-en-Provence)의 에콜 스페시알 데 데신(Ecole Spéciale de dessin)에서 그의 초기 수채화 및 스케치와 크게 다르며, 표현의 폭력성은 그의 후속 작품과 대조적입니다.[75]

1867년 피츠윌리엄 박물관 납치사건

1866-67년에 쿠르베의 예에서 영감을 받아 세잔은 팔레트 나이프로 일련의 그림을 그렸습니다. 그는 후에 이 작품들을 주로 초상화, uncouillarde("외모적인 정숙함을 나타내는 거친 단어")라고 불렀습니다.[76] 로런스 고잉(Lawrence Gowing)은 세잔의 팔레트 나이프 단계가 "현대 표현주의의 발명일 뿐만 아니라 부수적으로 그랬지만, 감정적 사정으로서의 예술에 대한 생각이 이 순간에 처음 등장했다"고 썼습니다.[76]

쿨라르데 그림 중에는 세잔이 "인상주의가 단편적인 것처럼 통일된" 스타일을 달성한 삼촌 도미니크의 초상화 시리즈가 있습니다.[77] 암흑기의 후기 작품들에는 여장(c.1867), 유괴(c.1867), 살인(c.1867-68)과 같은 몇몇 성적이거나 폭력적인 주제들이 포함되어 있는데, 이는 한 남자가 그의 여성 공범자에게 제압당한 여자를 칼로 찌르는 것을 묘사한 것입니다.[78]

인상주의 시대, 프로방스와 파리, 1870-1878

자스 드 부판의 수영장, 1876

카밀 피사로는 폰토이즈에 살았습니다. 그곳과 오베르에서 그와 세잔은 함께 풍경화를 그렸습니다. 그 후 오랫동안, 세잔은 자신을 피사로의 제자라고 표현했고, 그를 "아버지의 신"이라고 불렀고, "우리는 모두 피사로에서 유래했다"[79]고 말했습니다. 피사로의 영향으로 세잔은 어두운 색을 버리기 시작했고 그의 캔버스는 훨씬 더 밝아졌습니다. 그리고 그는 이제 [80]순수하게 기본 톤인 노란색, 빨간색, 파란색에 기초한 색상 팔레트를 사용했습니다. 그렇게 함으로써, 그는 무겁고, 종종 과중해 보이는 물감의 적용 기술에서 벗어나 나란히 놓인 붓 놀림으로 구성된 자신의 롤 모델들의 느슨한 그림 기법을 채택했습니다.

이 몇 년 동안 초상화와 구상화는 사라졌습니다. 세잔은 그 후에 환상적인 깊은 공간이 점점 더 명확하게 취소되는 풍경화를 만들었습니다. "객체"는 계속해서 볼륨으로 이해되고 기본적인 기하학적 모양으로 축소됩니다. 이 디자인 방식은 전체 사진 영역으로 옮겨집니다. 이제 그 회화적 제스처는 "거리"를 "물체" 자체와 유사한 방식으로 취급하여, 장거리 효과의 느낌을 줍니다. 이렇게 해서 세잔은 한편으로는 전통적인 화보 공간을 떠났지만, 다른 한편으로는 인상주의 화보 작품들의 해체된 인상에 맞섰습니다.

프로방스, 1878~1890년 성숙기

세잔이 인상주의 화풍에서 완전히 벗어난 "합성의 시기"가 이어졌습니다. 그는 표면을 대각선으로 페인트를 칠해 형태를 굳히고 원근적인 표현을 없애 그림의 깊이를 만들고 구도의 균형에 주의를 기울였습니다. 이 기간 동안 그는 풍경화와 인물화를 점점 더 많이 만들었습니다. 그의 친구 요아힘 가스케에게 보낸 편지에서 그는 이렇게 썼습니다: "색깔 있는 표면, 항상 표면! 표면의 영혼이 떨리는 알록달록한 장소, 각기둥의 따뜻함, 햇빛을 받는 표면의 만남. 팔레트에 음영을 넣어 표면을 디자인합니다. 이해해 주세요! […] 영역이 명확하게 표시되어야 합니다. 확실히 [...] 하지만 정확하게 분배되어야 하고, 서로에게 흘러야 합니다. 모든 것이 함께 놀면서도 대조를 만들어 내야 합니다. 음량이 중요합니다!"[81]

붉은 조끼를 입은 소년, 필라델피아 반스 재단

세잔이 1880년대 후반부터 그린 정물화는 그의 작품의 또 다른 초점입니다. 그는 모티프를 직선적인 시각으로 표현하는 것을 자제하고 대신 구성적인 측면에서 자신에게 맞는 차원으로 묘사했습니다. 예를 들어 배는 내부 균형과 흥미로운 구성을 달성하기 위해 오버사이즈 될 수 있습니다. 그는 스튜디오에서 준비를 했습니다. 과일 외에도 주전자, 냄비, 접시, 그리고 때때로 푸토가 있으며, 종종 흰색의 부풀어 오른 식탁보로 둘러싸여 있어 주제에 바로크한 화려함을 선사합니다. 관심을 끌어야 하는 것은 물체가 아니라 표면의 모양과 색상의 배열입니다.

Cézanne은 캔버스 전체에 퍼진 물감의 개별적인 두드림으로부터 구성을 발전시켰고, 이로부터 물체의 형태와 부피가 점차 증가합니다. 캔버스에 이러한 색상 조각들의 균형을 맞추기 위해서는 느린 과정이 필요했고, 그래서 세잔은 종종 오랜 시간 동안 그림을 작업했습니다.[82] 처음에는 가족이나 친구들만을 묘사했지만, 세잔의 더 나은 재정 상태는 그가 가장 잘 알려진 그림들 중 하나인 빨간 조끼를 입은 소년 (1888–1890)을 위해 미켈란젤로 디 로사라는 젊은 이탈리아인 전문 모델을 고용하도록 해주었습니다. 디 로사는 4점의 그림과 2점의 수채화로 표현되었습니다.[83]

프로방스, 1890년 ~ 1906년 최종 기간

1902년부터 1906년 사망할 때까지 엑상 프로방스에 있는 세잔의 작업실
해골의 피라미드, 1901, 죽음을 향한 극적인 사임은 세잔이 1898년과 1905년 사이에 그의 마지막 시기에 그들의 주제로 삼은 몇 점의 정물화들을 알려줍니다. 오늘날 두개골 자체는 엑상 프로방스 교외에 있는 세잔의 스튜디오에 남아 있습니다.

목욕하는 사람들의 주기와 같은 그의 후기 작품들 중 많은 것들이 풍경에서 자유롭게 발명된 인물들로 바뀌는 것이 특징입니다. 세잔은 목욕 장면을 주제로 약 140여 점의 그림과 스케치를 만들었습니다. 이 곳에서 여러분은 아르카디안 아이들에서 인간과 자연의 조화를 추구하는 고전 회화에 대한 그의 감탄을 발견할 수 있습니다. 지난 7년 동안 그는 필라델피아에 전시된 208 × 249 cm의 작품 중 가장 큰 작품인 "The Great Bathers" (Les Grandes Baigneus)의 세 가지 대형 버전을 만들었습니다. 세잔은 자연과 도형의 형태와 색의 상호작용과 구성에 관심을 가졌습니다. 당시 그의 그림들을 위해 그는 나체 모델들이 있는 것을 좋아하지 않았기 때문에 스케치와 사진을 템플릿으로 사용했습니다.[84]

Les jouurs de cartes (The Card Players), 1892–1895, 캔버스의 오일, 60 x 73 cm, Courtauld Institute of Art, London

세잔은 1890년과 1895년에 같은 사람이 다른 변형으로 표현된 다섯 가지 버전의 카드 플레이어(Les Jouures de cartes)를 그렸습니다. 카드 플레이어(The Card Players)를 위해 그는 자스 데 부판(Jas de Bouffan) 근처의 밭에서 일하는 농부와 일용직 노동자를 모델로 사용했습니다. 일상의 장면을 보여주더라도 장르적인 그림이 아닙니다. 모티브는 엄격한 색상과 형식의 법칙에 따라 구성됩니다.

몽타뉴 생 빅투아르 주변은 그의 말년에 가장 중요한 주제 중 하나였습니다. 나중에 Terrange des Paintres라고 불리는 그의 스튜디오 위의 관점에서 그는 산의 여러 풍경을 그렸습니다. 자연에 대한 정확한 관찰은 세잔의 그림의 전제조건이었습니다: "경관을 정확하게 그리기 위해서는 먼저 지질학적 층위를 인식해야 합니다."[85] 그는 총 30점 이상의 유화와 45점 이상의 산의 수채화를 그렸고, 1890년대에 친구에게 "예술은 자연과 평행한 조화"라고 썼습니다.[86]

세잔은 그의 후기 작품에서 수채화에 주로 관심을 두었는데, 그는 그의 방법의 구체적인 적용이 이 매체에서 특히 분명할 수 있다는 것을 깨달았기 때문입니다. 후기 수채화는 또한 그의 유화에도 영향을 미쳤는데, 예를 들어 목욕가들과의 연구(1902-1906)에서 색상 측면의 "빈 공간"으로 가득 찬 묘사가 완성된 것으로 보입니다.[87] 화가이자 미술 평론가인 로저 프라이는 그의 중요한 출판물인 세잔에서 1885년 이후 수채화 기술이 유화 물감으로 그의 그림에 강한 영향을 미쳤다는 것을 강조했습니다. 1914년 볼라드의 세잔 모노그래프와 1918년 줄리어스 마이어 그레페의 그림 포트폴리오에서 수채화를 바탕으로 10개의 팩시밀리로 편집된 수채화는 더 많은 이해 당사자들에게 알려졌습니다.[88] 간혹 스케치 앨범에 등장하는 옅은 색의 연필만 정성스럽게 색칠한 작품 옆에 서 있습니다. 많은 수채화는 캔버스에 구현된 것과 동일하며 자율적인 작품 그룹을 형성합니다. 주제 면에서는 풍경 수채화가 주를 이루고, 인물화와 정물화가 뒤를 이으며, 초상화는 그림이나 그림과 대조적으로 더 희귀합니다.[89]

방법

예술적 스타일

세잔의 초기 작품은 종종 풍경 속 인물과 관련이 있으며, 상상적으로 그려진 풍경 속의 크고 무거운 인물 무리의 그림들을 많이 포함하고 있습니다. 그의 경력 후반에, 그는 직접적인 관찰로부터 작업하는 것에 더 관심을 갖게 되었고, 점차 가볍고 통풍이 잘 되는 화풍을 발전시켰습니다. 그럼에도 불구하고, 세잔의 성숙한 작품에는 견고하고 거의 건축적인 화풍의 발전이 있습니다. 일생 동안 그는 자신이 찾을 수 있는 가장 정확한 방법으로 보는 세계를 물감으로 표현하는 진정한 관찰을 개발하기 위해 고군분투했습니다. 이를 위해 그는 구조적으로 그가 인식하는 모든 것을 간단한 형태와 색면으로 주문했습니다. "저는 인상주의를 박물관의 예술처럼 견고하고 지속적인 것으로 만들고 싶습니다."[90]라는 그의 진술과 "자연 이후" 푸신을 재현하고 있다는 그의 주장은 자연에 대한 관찰과 고전적인 구성의 영구성을 결합하려는 그의 열망을 강조했습니다.

Les Grandes Biagneus, 1898–1905; 푸시네크의 안정성과 기하학적 균형의 승리

옛 거장들과 마찬가지로, 세잔에게도 그림의 기본은 그림이었지만, 모든 작업의 전제조건은 대상에 대한 종속, 즉 눈이나 순수한 모습이었다: "화가의 모든 의도는 침묵해야 합니다. 그는 모든 편견의 목소리를 침묵시켜야 합니다. 잊어버려요! 잊어버려요! 침묵을 만들어요! 완벽한 메아리가 되십시오. […] 풍경이 비치고, 인간이 되고, 내 안에서 생각합니다. […] 저는 그녀와 함께 세상의 뿌리까지 올라갑니다. 우리는 발아합니다. 부드러운 흥분이 저를 사로잡고, 이 흥분의 뿌리에서 즙, 색이 올라갑니다. 저는 현실 세계에서 태어났습니다. 그렇군요! […] 그 그림을 그리기 위해서는 공예품을 사용해야 합니다. 하지만 무의식적으로 복종하고 전달할 준비가 된 보잘것없는 공예품을 사용해야 합니다."[91]

몽타뉴 생 빅투아르, 1904, 필라델피아 미술관

세잔은 유화와 수채화 외에도 1200점 이상의 그림을 그린 광범위한 작품을 남겼는데, 그의 일생 동안 스튜디오의 찬장과 폴더에 숨겨져 있다가 1930년대에야 수집가들의 관심을 끌기 시작했습니다. 그들은 그의 작품의 작업 자료를 형성하고 세잔의 상세한 스케치, 관찰 노트, 그리고 그림이 실현되는 과정에서 때때로 해독하기 어려운 단계의 흔적을 보여줍니다. 각각의 작품을 만드는 과정과 연결된 그들의 임무는 전체적인 구조와 그림 유기체 내의 객체 지정을 제공하는 것이었습니다. 고대에도 루브르 박물관의 골동품 조각품과 바로크 그림의 모형을 바탕으로 초상화와 인물화가 만들어졌는데, 이는 그에게 플라스틱 현상의 고립에 대한 명확성을 주었습니다. 따라서 그림의 흑백은 세잔의 색채 디자인에 필수적인 전제조건이었습니다.[92]

폴 세잔은 사물을 단순한 기하학적 모양으로 분해하기 시작한 최초의 예술가였습니다. 1904년 4월 15일 세잔의 말년에 만난 화가이자 미술 이론가인 에밀 베르나르에게 보낸 그의 많이 인용된 편지에서, 그는 "원통, 구체, 원뿔에 따라 자연을 다루고 물체의 각 면이 중심점으로 이어진다는 것을 전체적으로 바라본다.]"[93]세잔은 몽타뉴 생 빅투아르와 그의 정물화에서 자신의 그림 사상을 실현했습니다. 그의 그림 구상에서, 산조차도 땅 위로 솟아 있는 형태, 공간, 구조의 중첩으로 이해됩니다.[94]

에밀 베르나르(Emile Bernard)는 세잔의 독특한 작업 방식에 대해 다음과 같이 썼습니다: "그는 그림자 부분에서 시작했고, 한 점에서 두 번째, 더 큰 것, 그리고 세 번째, 그리고 세 번째, 이 모든 그림자들이 서로를 덮으면서 물체를 그들의 색으로 모델링할 때까지. 그때 비로소 조화의 법칙이 그의 작품을 인도하고 있다는 것과 이러한 변조가 그의 마음속에 미리 정해진 방향을 가지고 있다는 것을 알게 되었습니다."[95] 세잔에게 있어서, 이 미리 정해진 방향으로, 그림의 진짜 비밀은 조화와 깊이에 대한 환상의 맥락 속에 놓이게 됩니다. 1906년 4월 13일 엑상을 방문한 동안 수집가 카를 에른스트 오스트하우스에게 세잔은 사진에서 가장 중요한 것은 거리의 만남이라고 강조했습니다. 색상은 깊은 곳으로의 모든 도약을 표현해야 합니다.[96]

광학 현상

세잔은 자연적으로 발생하는 형태를 기하학적 본질로 단순화하는 것에 관심이 있었습니다. 그는 "원기둥, 구, 원뿔의 관점에서 자연을 다루고 싶었다."[97] (예를 들어 나무 줄기는 원기둥, 사과 또는 오렌지 구로 생각될 수 있습니다.) 또한 지각의 진실을 포착하려는 세잔의 열망은 양안시를 그래픽으로 탐구하도록 이끌었고, 동일한 현상에 대한 약간의 차이가 있지만 동시적인 시각적 인식을 통해 관찰자에게 이전의 원근법의 이상과는 다른 깊이의 미적 경험을 제공했습니다. 특히 일점적인 관점에서 볼 수 있습니다. 공간과 부피를 모델링하는 새로운 방식에 대한 그의 관심은 그의 시대의 입체적 집착과 히폴리트 테인의 공간 지각 이론을 읽는 것에서 비롯되었습니다.[98][99] 세잔의 혁신은 비평가들이 아픈 망막,[100] 순수한 시력,[101] 증기 철도의 영향과 같은 다양한 설명을 제안하게 만들었습니다.[102]

Aller surrel 모티브, 감각 및 실현

세잔은 그의 그림 과정을 묘사할 때 이러한 용어들을 사용하는 것을 선호했습니다. 우선 '모티프'가 있는데, 이 모티프는 그림의 표상적 개념을 의미했을 뿐만 아니라, 관찰하고 그림을 그리는 그의 지칠 줄 모르는 작업의 동기이기도 합니다. 알레르수르 모티프(Allersurle motif)는 그가 작업에 대한 그의 접근법이라고 불렀기 때문에, 따라서 예술가를 내면으로 움직이게 하고 그것을 그림으로 번역해야 하는 외부 대상과의 관계를 맺는 것을 의미했습니다.

센세이션은 세잔의 어휘에서 또 다른 핵심 용어입니다. 우선, 그는 "인상"의 의미에서의 시각적 지각, 즉 대상에서 나오는 광학적 감각 자극을 의미했습니다. 동시에, 그것은 지각된 것에 대한 심리적 반응으로서의 감정을 포함합니다. 세잔은 분명히 묘사될 대상을 그의 화가적인 노력의 중심에 두지 않았고, 그 감각을 깨닫는 것을 의미합니다: "자연에서 온 그림은 대상을 모방하는 것을 의미하는 것이 아니라, 그것의 감각을 깨닫는 것을 의미합니다." 세잔은 사물에서 발생하거나 자신의 시각을 추상화한 것이지만 사물과 감각 사이를 매개하는 매개체는 색이었습니다.

세잔은 세 번째 용어를 사용하여 화가의 실제 활동을 묘사했는데, 그는 끝까지 실패할 것을 우려했습니다. 여러 가지 것들이 동시에 "실현"되어야 했습니다: 처음에는 모든 다양성에서 모티프를, 다음에는 모티프가 그에게서 촉발시킨 감정, 그리고 마지막으로 다른 "실현"을 가져올 수 있는 그림 그 자체입니다. 따라서 "그림"은 "인상"과 "표현"의 서로 상반된 움직임을 하나의 제스처로 서로 통합시키는 것을 의미했습니다.[103] "예술에서의 실현"은 세잔의 사고와 연기에 있어서 핵심적인 개념이 되었습니다.

데이트 및 카탈로그 작성

세잔의 작품 카탈로그에서 때때로 창작 날짜가 더 길다는 것은 세잔이 사진과 거의 데이트를 하지 않더라도 정확한 날짜를 명확히 할 수 없다는 것을 의미하지는 않습니다. 특히 결과에 만족하기 전까지 몇 년은 아니더라도 몇 달 동안 사진 작업을 했기 때문입니다.[104] 화가 자신은 그의 그림들 중 많은 것들을 미완성으로 여겼는데, 왜냐하면 그림은 그에게 있어 결코 끝나지 않는 과정이었기 때문입니다.

비평가 지스타브 게프로이, 1895년 오르세 미술관

세잔의 작품 목록을 작성하는 것은 어려운 일로 밝혀졌습니다. 앰브로이즈 볼라드(Ambroise Vollard)는 그의 르누아르 카탈로그와 유사한 다중 볼륨 사진 앨범인 첫 번째 시도를 했습니다. 그러나 볼라드의 카탈로그는 결코 실현되지 않았습니다. 세잔의 아들의 장인인 조르주 리비에르는 1923년 (르 마 î트르 폴 세잔)에 화가의 전기를 출판했는데, 이 전기에는 화가의 많은 작품들의 연대순으로 주석이 달린 목록이 포함되어 있습니다. 미술상 Paul Rosenberg에 의해 구상된 최초의 완전한 카탈로그 레이즌은 1936년 Lionello Venturi에 의해 출판되었습니다. 두 권의 세잔: 손 아트, 손 오에브르는 추가 작품이 발견되고 새로운 장학금과 문서가 소개됨에 따라 보완이 필요하지만 50년이 넘는 기간 동안 작가의 작품에 대한 결정적인 카탈로그가 되었습니다. 애드리언 채푸이스 폴 세잔의 그림 – 카탈로그 레이손네는 1973년 런던에서 템즈와 허드슨에 의해 출판되었고, 그 예술가의 그래픽 작업의 고전적인 원천으로 남아있습니다.[105]

Lac d'Ancy, 1896, Courtauld Institute of Art, London

존 레왈드는 벤추리가 죽은 후에도 그의 일을 계속했습니다. Rewald는 Venturi의 계획된 보충제를 의도한 대로 실행되지 않은 자신의 연구와 결합하는 임무를 맡았습니다. 세잔의 작품들을 수년간 연구한 끝에, 레발트는 그가 그의 전임자의 많은 날짜들뿐만 아니라 그의 많은 귀속들에도 동의하지 않는다는 것을 발견했습니다. 그래서 그는 완전히 새로운 카탈로그 레이즌을 개발하기 시작했습니다.[105] 레발트의 폴 세잔 – 수채화: 카탈로그 레이슨네는 1983년에 런던의 템즈와 허드슨에 의해 645개의 삽화로 출판되었습니다. 사라진 그림들의 연대(Rewald는 오직 하나만 발견했습니다)와 Paysage나 Quelques pommes와 같은 그림 모티브의 부정확한 공식은 혼란을 야기했습니다. 벤추리의 초기 치료에서 레발트는 스타일 분석 없이 연대를 측정할 수 있는 모든 작품의 목록을 만들었습니다. 레발트는 그러한 분석을 비과학적이라고 거부했기 때문입니다. 그는 문서로 확인할 수 있는 세잔의 다양한 행방을 추적하면서 그의 명단을 이어갔습니다. 그의 접근법의 또 다른 계획은 특히 세잔의 동시대 사람들이라면 묘사된 사람들의 기억에 의존하는 것이었습니다. 그는 자신의 인터뷰를 바탕으로 연대순으로 과제를 했습니다. 확실하게 연대를 측정할 수 있는 작품 중에는 1895년으로 확인된 세잔의 '비평가 구스타브 게프로이의 초상'과 1896년 작가가 단 한 번 방문한 '안시 호수'가 있습니다.

레발트는 1994년에 사망했지만, 그의 일을 완전히 끝마치지 못했습니다. 의심스러울 때, 레발트의 경향은 배제하기 보다는 포함시키는 것이었습니다. 이 방법은 그의 가장 가까운 동료인 미술상 월터 필첸펠트의 아들 월터 필첸펠트 주니어와 제인 워먼에 의해 채택되었고, 그는 카탈로그를 완성하고 소개를 제공했습니다. 이 카탈로그는 1996년에 "폴 세잔의 그림: 카탈로그 레종네 – 리뷰"라는 제목으로 출판되었습니다. 레발트가 녹음하기를 원했던 954개의 작품이 포함되어 있습니다.[106] 필첸펠트, 워먼, 데이비드 내쉬는 온라인 카탈로그인 폴 세잔의 그림, 수채화, 드로잉 이후 최초로 작가 작품의 완전한 카탈로그를 제작했습니다. [3]

레거시

동시대의 친구들과 화가들의 증언

네, 세잔, 그는 우리 중 최고입니다![107]

— Claude Monet to Georges Clemenceau

세잔의 소꿉친구인 작가 에밀 졸라는 세잔의 인간적이고 예술적인 자질에 대해 회의적이었고, 일찍이 1861년에 "폴은 위대한 화가의 천재성을 가지고 있을지 모르지만, 그는 결코 실제로 화가가 될 천재성을 가지고 있지 않을 것입니다"라고 말했습니다. 아주 작은 장애물이 그를 절망에 빠지게 합니다."[108] 사실, 세잔의 자기 의심과 예술적 타협에 대한 거부, 그리고 사회적 양보에 대한 거부가 그의 동시대 사람들이 그를 이상한 사람으로 간주하도록 이끌었습니다.[109]

세잔의 작품들은 파리의 공식 살롱에 의해 수없이 거절당했고, 인상주의자들과 함께 전시되었을 때 미술 비평가들에 의해 조롱을 당했습니다. 그러나 세잔은 생전에 엑상에 있는 그의 작업실을 방문한 젊은 예술가들에 의해 거장으로 여겨졌습니다.[110] 그러나 인상주의자들의 모임에서 세잔은 특별한 인정을 받았습니다; 카미유 피사로, 피에르 오귀스트 르누아르, 클로드 모네, 에드가 드가 그의 작품에 대해 열정적으로 말했고 피사로는 "저는 우리가 그것에 대한 설명을 얻기까지 수세기가 걸릴 것이라고 생각합니다"[111]라고 말했습니다.

1904 살롱 다오토네 전경, 앰브로이즈 볼라드, 살 세잔의 사진(빅토르 초케, 바이네우스 등)

세잔의 초상화는 1874년 그의 친구이자 멘토인 피사로에 의해 그려졌고, 1901년 나비스 그룹의 공동 설립자인 모리스 데니스는 볼라드 갤러리의 예술가 친구들 사이에서 세잔의 그림 '과일이[112] 있는 정물'을 이젤에 보여주는 옴마쥬 아 세잔을 만들었습니다. 원래 폴 고갱이 소유했던 옴마쥬 아 세잔은 나중에 1928년까지 소유했던 프랑스 작가이자 데니스의 친구인 앙드레 지드에게 인수되었습니다. 지금 오르세 미술관에 전시되어 있습니다.

현대미술비평

1874년 4월부터 5월까지 파리에서 열린 첫 인상주의 합동 전시회는 광범위한 비판을 받았습니다. 에콜 드 보자르의 "이상"이 예술의 존재에 대한 증거였던 관객들과 예술 비평가들은 웃음을 터뜨렸습니다. 한 비평가는 모네가 자신의 그림들을 총에 싣고 화폭을 향해 쏘면서 그림을 그렸다고 주장했습니다. 한 동료가 세잔의 그림 앞에서 인도 춤을 추며 이렇게 외쳤습니다. "으악! […] 저는 걸어 다니는 인상, 복수의 팔레트 나이프, 모네의 '불바르 데 카푸치네스', '목매진 남자의 집', 세잔의 '현대의 올림피아'입니다. 휴! 휴![113]

1883년, 프랑스의 작가 요리스-칼 휴이스망스는 피사로에게 보낸 편지에서 세잔이 휴이스망스의 책 '현대판'에서 잠깐 언급되었을 뿐이라는 피사로의 비난에 대해 세잔의 모티프에 대한 견해가 난시에 의해 왜곡되었다고 제안했습니다: [...] 하지만 분명히 눈의 결함이 포함되어 있습니다, 나는 그도 알고 있다고 확신합니다." 5년 후, 라 크라바체 잡지에서, 그의 판단은 세잔의 작품들을 "이상하면서도 실제적"이고 "수준"이라고 묘사했을 때 더 긍정적이 되었습니다. 지정의[114]

미술상 앰브로스 볼라드(Ambroise Vollard)는 1892년 화가 탕귀(Tanguy)를 통해 세잔의 작품을 처음 접했는데, 탕귀는 그림 도구를 배달하는 대가로 몽마르트르(Montmartre)에 있는 루 클라우젤(Rue Clauzel)에 있는 자신의 가게에 전시했습니다. 볼라드는 답이 없었다고 회상했습니다: 가게는 거의 방문하지 않았고, "그 당시에는 'atroc적인 작품'을 값싸게도 사지 않고 비싸게 사는 것이 아직 유행하지 않았기 때문입니다." 탕귀는 화가의 작업실에 관심있는 사람들을 데리고 가기도 했는데, 그곳에서 작은 그림들과 100프랑의 큰 그림들을 40프랑이라는 고정된 가격에 살 수 있는 열쇠를 가지고 있었습니다.[115] 예술 저널(Journal des Artistes)은 민감한 독자들이 "법이 허용하는 악의 척도를 초과하는 이러한 억압적인 혐오"를 보고도 아프지 않을 것인지를 묻고 싶어하며 당시의 일반적인 어조를 반복했습니다.

예술평론가 구스타브 게프로이는 세잔의 작품을 공정하고 거리낌 없이 평가한 몇 안 되는 비평가 중 한 명입니다. 일찍이 1894년 3월 25일, 그는 저널에 세잔의 그림과 젊은 예술가들의 노력 사이의 현재의 관계에 대해 썼고, 세잔은 상징주의자들이 언급한 일종의 선구자가 되었고, 세잔의 그림과 고갱 사이에는 직접적인 연관이 있다고 썼습니다. 버나드와 빈센트 반 고흐까지. 1년 후, 1895년 볼라드 갤러리에서 열린 성공적인 전시회 이후, 지프로이는 다시 저널을 이끌었습니다: "그는 위대한 진실광이고, 불타고, 순진하고, 가혹하고 뉘앙스가 있는 사람입니다. 그는 루브르 박물관에 갈 것입니다." 이 두 연대기 사이에 세잔은 게프로이의 초상화를 그렸는데, 세잔은 그것에 불만을 품고 미완성으로 남겼습니다.[116]

유작전

1907년 두 명의 회고록이 사후에 그 예술가에게 경의를 표했습니다. 6월 17일부터 29일까지, 파리의 베른하임-준 갤러리는 세잔의 79개의 수채화를 보여주었습니다. 그 후 5대 살롱 다오토는 10월 5일부터 11월 15일까지 그랑 팔레의 두 방에 49점의 그림과 7점의 수채화를 전시하며 그에게 경의를 표했습니다. 방문객들 중에는 1910년에 최초의 세잔 전기를 쓴 미술사가 줄리어스 마이어-그레페, 해리 그라프 케슬러와 레이너 마리아 릴케가 포함되었습니다. 이 두 전시회는 조르주 브라크, 안드레 데랭, 바실리 칸딘스키, 앙리 마티스, 파블로 피카소와 같은 많은 예술가들에게 20세기 예술에 대한 중요한 통찰력을 심어주었습니다.[117][118]

1910년, 세잔의 그림들 중 일부는 런던의 마네와 후기 인상파 전시회(1912년에 이어 또 다른 하나)에서 전시되었습니다. 이 전시회는 영국 미술 애호가들에게 에두아르 마네, 조르주 쇠라, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 세잔의 작품을 소개하고 싶어 했던 그래프턴 갤러리의 화가이자 미술 평론가 로저 프라이에 의해 시작되었습니다. 프라이는 포스트 인상주의 스타일을 묘사하기 위해 그 이름을 사용했습니다. 비록 그 전시회가 비평가들과 대중들로부터 부정적인 평가를 받았지만, 그것은 현대 미술의 역사에서 중요한 의미가 있습니다. 프라이는 당시 관람객들이 아직 이를 이해할 수 없더라도 반 고흐, 세잔 등 예술가들이 자신들의 그림을 통해 개인적인 감정과 세계관을 표현하는 데 있어 걸어온 길의 남다른 가치를 인정했습니다.[119] 세잔의 미국에서의 첫 번째 전시회는 1910/11년 뉴욕의 갤러리 291에서 열렸습니다. 1913년에 그의 작품들은 뉴욕의 아모리 쇼에 전시되었습니다; 그것은 현대 미술과 조각의 획기적인 전시회였지만, 비록 그 전시회들 또한 비판과 조롱에 직면했습니다. 생전에 자신들의 미술학원에서조차 비판과 조롱을 받았던 이 예술가들은 오늘날 현대미술의 아버지로 평가받고 있습니다.

현대성에 대한 영향과 잘못된 해석

세잔! 세잔은 우리 모두의 아버지였습니다.

— Pablo Picasso[120]

일종의 소중한 그림의 신.

— Henri Matisse[121]

많은 "생산적인" 오해들이 작품들의 접수와 세잔의 추정된 의도에 숨겨져 있는데, 이는 현대 미술의 더 나아가 발전에 상당한 영향을 미쳤습니다.[122] 그를 다소 정당하게 언급하고 그들 자신의 그림 발명을 위해 그의 창의적인 접근법의 풍부함으로부터 개별적인 요소를 창조한 예술가들의 목록은 20세기의 거의 완전한 예술 역사를 보여줍니다. 일찍이 1910년에 기욤 아폴리나이어는 "신인 화가들의 대부분은 예술에만 관심이 있었던 이 진지한 화가의 후계자라고 주장합니다"[123]라고 말했습니다.

1906년 세잔이 사망한 직후 1907년 봄의 수채화 종합 전시회와 1907년 10월 파리의 살롱 다오토멘에서 열린 회고전에 자극을 받아 그의 작품에 대한 활발한 검토가 시작되었습니다.[124] 젊은 프랑스 예술가들 사이에서, 앙리 마티스와 앙드레 데랭이 세잔에 대해 가장 먼저 열정을 가지게 되었고, 피카소, 페르낭 레거, 조르주 브라크, 마르셀 뒤샹, 피에트 몽드리아가 그 뒤를 이었습니다.[125] 이 열정은 1949년 80세의 마티스가 세잔의 예술에 가장 큰 빚을 졌다고 말했듯이 지속되었습니다.[126] 브라크는 또한 세잔이 자신의 예술에 끼친 영향을 "시작"이라고 표현했고 1961년에 "세잔은 학습된 기계화된 관점을 외면한 최초의 사람이었습니다."[127]라고 말했습니다. 피카소는 "그는 나에게 유일한 주인이었고... 그는 우리에게 아버지 같은 존재였습니다. 우리에게 보호를 제공한 사람이었습니다."라고 인정했습니다.[128]

그러나 세잔의 전문가 괴츠 아드리아니(Götz Adriani)는 입체파들에 의한 세잔의 환영, 특히 1912년에 발표한 뒤 "큐비즘"(Du Cubisme)에서 세잔을 그들의 화법의 시작에 놓았던 알베르 글라이즈(Albert Gleizes)와 장 메칭거(Jean Metzinger)는 세잔이 자연을 관찰하면서 얻은 동기를 대부분 무시했기 때문에 자의적이었다고 지적합니다.[129] 이러한 맥락에서, 그는 1907년 에밀 베르나르의 출판된 논문을 언급하는 형식주의적인 오해를 지적하는데, 이 논문은 세잔이 그에게 "원통, 구체, 원뿔에 따라 자연을 다루라"고 조언한 1904년 편지를 언급합니다.[130] 이러한 종류의 더 많은 오해는 카지미르 말레비치의 1919년 텍스트 "예술의 새로운 시스템에 대하여"에서 찾을 수 있습니다.[131] 그의 인용문에서, 세잔은 자연의 경험을 입체적인 형태의 요소들을 향한다는 의미에서 재해석할 의도가 없었습니다; 그는 사진의 다양한 측면들 아래에서 물체 형태들과 그들의 채색에 대응하는 것에 더 관심이 있었습니다.

Mardi Gras (Pierrot et Arlequin), 1888, Pushkin Museum, Moscow

세잔이 모더니즘에 끼친 많은 영향의 예들 중 하나는 푸시킨 박물관의 1888년 그림 마르디 그라(Mardi Gras)인데, 이 그림은 그의 아들 폴이 그의 친구 루이 기욤과 함께 코메디아 델 아르테의 의상을 입고 있는 것을 보여줍니다. 피카소는 그의 핑크색 시대에 Harlequin 테마를 위해 그것에서 영감을 얻었습니다. 차례로, 마티스는 1909년 그의 그림 The Bathers에서 Philadelphia Museum of Art의 The Great Bathers 시리즈의 가장 고전적인 그림인 The Bathers의 주제를 차지했습니다.[132]

수많은 예술가들이 세잔의 작품에서 영감을 얻었습니다.[133] 화가 Paula Moderson-Becker는 1900년 파리에서 세잔의 그림들을 보았고, 이것은 그녀에게 깊은 인상을 주었습니다. 그녀가 사망하기 직전, 그녀는 1907년 10월 21일 클라라 웨스토프에게 편지를 썼습니다: "저는 요즘 세잔에 대해 많은 생각과 생각을 하고 있고, 그가 폭풍우나 주요 사건처럼 저를 강타한 서너 명의 화가 중 한 명입니다."[134] 폴 클레는 1909년 뮌헨 분리 독립운동에서 세잔의 그림을 본 후 "세잔은 나에게 탁월한 선생님이다"라고 일기에서 언급했습니다.[135] 화가 그룹 데어 블루 라이터는 프란츠 마르크가 엘 그레코와 세잔 사이의 친족 관계에 대해 보고했을 때 1912년 연감에서 그를 언급했습니다. 그의 작품은 새로운 회화 시대로 가는 관문으로 이해했습니다.[136] 다시, 1907년 살롱 다오토멘 회고전에서 세잔의 그림을 본 칸딘스키는 그의 1912년 논문 '예술의 영적인 것에 관한'에서 세잔을 언급하는데, 그의 작품에서 그는 "추상의 강한 울림"을 발견했습니다. 그의 믿음의 영적인 부분을 인식하고 그에게서 미리 결정된 그의 믿음의 영적인 부분을 발견했습니다.[137] 엘 리시츠키는 1923년경 러시아 아방가르드에 대한 자신의 중요성을 강조했고, 레닌은 1918년 세계 혁명의 영웅들을 위한 기념물을 세울 것을 제안했고, 쿠르베와 세잔이 영예의 대상에 올랐습니다.[138] 마티스 다음으로 알베르토 자코메티는 세잔의 표현 방식을 가장 광범위하게 다루었습니다. 아리스티드 마일롤은 1909년에 세잔 기념비를 세웠으나 엑상 프로방스 시의 거부로 실패했습니다.[139] 세잔은 또한 새로운 세대의 예술가들에게 중요한 권위자였습니다. 재스퍼 존스는 그를 듀샹, 레오나르도 다빈치와 함께 가장 중요한 롤모델로 묘사했습니다.

세잔에게서 영감을 받아, 알버트 글리제스와 장 메칭거는 다음과 같이 썼습니다.

세잔은 미술사의 방향을 바꾼 가장 위대한 사람 중 한 명입니다... 그로부터 우리는 물체의 색을 바꾸는 것이 구조를 바꾸는 것이라는 것을 배웠습니다. 그의 작품은 의심할 여지 없이 그림이 선과 색으로 사물을 모방하는 것이 아니라, 우리의 자연에 플라스틱의 형태를 주는 것이라는 것을 증명합니다. (Du Cubisme, 1912)[110][140]

빈센트 반 고흐와 폴 고갱의 작품과 함께, 세잔의 작품은 즉시성과 미완성성으로 야수파와 표현주의 이전에 마티스와 다른 사람들에게 비판적인 영향을 미쳤습니다.[141][142] 기하학적 단순화와 광학 현상에 대한 세잔의 탐구는 피카소, 브라크, 메칭거, 글라이즈, 그리즈 등의 사람들이 동일한 주제에 대해 훨씬 더 복잡한 관점을 실험하고 결국 형태의 파편화를 실험하도록 영감을 주었습니다. 따라서 세잔은 현대 미술의 발전에 지대한 영향을 미친 20세기의 가장 혁명적인 예술 탐구 영역 중 하나를 촉발시켰습니다. 피카소는 세잔을 "우리 모두의 아버지"라고 불렀고, 그를 "나의 유일무이한 주인님"이라고 주장했습니다. 에드가 드가, 피에르 오귀스트 르누아르, 폴 고갱, 카시미르 말레비치, 조르주 루오, 폴 클레, 앙리 마티스와 같은 다른 화가들은 세잔의 천재성을 인정했습니다.[110]

어니스트 헤밍웨이는 그의 글을 세잔의 풍경과 비교했습니다.[143][144] 그가 "이동 가능한 축제"에서 묘사한 것처럼, 저는 "세잔의 그림에서 무언가를 배우고 있었습니다. 그 이야기들이 그 이야기들을 담으려고 했던 차원들을 가질 수 있도록 하기에는 턱없이 부족합니다."

세잔의 그림 빨간 조끼를 입은 소년은 2008년 스위스 박물관에서 도난 당했습니다. 그것은 2012년 세르비아 경찰의 급습으로 회수되었습니다.[145]

세잔에 관한 영화

루브르 박물관, 2004. 장 마리 스트라우브(Jean-Marie Straub)와 다니엘 휘일렛(Danièle Huillet)이 세잔에 대해 촬영하고 감독한 것은 그의 숭배자 요아힘 가스케(Joachim Gasquet)가 물려준 사후에 발표된 화가와의 대화를 바탕으로 합니다. 영화는 세잔이 루브르 박물관에서 그의 동료 예술가들의 그림을 지나 걸어가는 것을 묘사합니다.[146]

2006년 세잔 사망 100주년을 맞아 폴 세잔과 그의 모티프인 라 몽타뉴 생 빅투아르에 관한 1995년과 2000년의 다큐멘터리 두 편이 다시 공개되었습니다. 세잔의 승리는 2006년 기념일을 위해 다시 촬영되었습니다.[147]

동기의 폭력, 1995. 알랭 자베르가 감독한 영화. 그의 고향 엑상 프로방스 근처의 산이 세잔의 주요 모티브가 됩니다. 그는 라 몽타뉴 생 빅투아르를 80번 이상 다른 시각과 다른 시기에 보여줍니다. 그 모티브는 자베르가 그의 영화에서 바닥까지 도달하는 강박관념이 됩니다.

세잔 – 화가, 2000. 엘리자베스 카프니스트의 영화. 화가 세잔, 그의 어린 시절, 졸라와의 우정, 인상주의와의 만남 등 열정과 평생의 예술적 탐색에 대한 이야기가 그려집니다.

세잔의 승리, 2006. 자크 데샹 감독의 영화. 데샹은 2006년 10월 세잔이 사망한 지 100주년을 전설의 기원을 추적하는 기회로 삼고 있습니다. 세잔은 미술사 올림푸스와 국제 미술 시장에 오르기 전에 거부와 이해에 직면했습니다.

2016년 영화 세잔과 나는 예술가와 에밀 졸라의 우정을 탐구합니다.[148]

세잔과 철학

프랑스 철학자 장 프랑수아 요타르(Jean-François Lyotard)는 그의 작품 Misère de la philosophie에서 세잔은 말하자면 여섯 번째 감각을 가지고 있다고 주장합니다: 그는 일반적인 인식으로 완성되기 전에 메이킹에서 현실을 감지합니다. 그래서 화가는 정상적인 언어로도, 일반적인 회화 기법으로도 표현할 수 없는 산악 풍경의 압도적인 품질을 보고 숭고함을 건드립니다. Lyotard는 다음과 같이 요약합니다. "산과 과일에 바치는 유화와 수채화의 불가사의함은 또한 외관의 소멸에 대한 깊은 감각과 가시적인 세계의 소멸 모두에서 비롯된다고 말할 수 있습니다."[149]

그림 그리는 방법에 대한 세잔의 양식적 접근과 믿음은 주로 현상학과 실존주의와의 연관성으로 유명한 프랑스 철학자 모리스 메를로퐁티에 의해 분석되고 쓰여졌습니다.[150] 메를로퐁티는 1945년 "Cézanne의 의심"이라는 제목의 에세이에서 세잔이 눈이 관찰하는 모든 복잡성을 포착하여 "살아있는 관점"을 얻기 위해 어떻게 그림 배열, 단일 뷰 관점 및 윤곽과 같은 고전적인 예술 요소를 포기했는지에 대해 논의합니다. 그는 자신이 그리고 있는 물건들에 대해 생각하기 보다는 그것들을 보고 감지하기를 원했습니다. 궁극적으로, 그는 "시력"도 "촉각"이라는 지점에 도달하고 싶었습니다. 각각의 획이 "공기, 빛, 물체, 구도, 인물, 윤곽, 스타일"을 포함할 필요가 있었기 때문에 그는 때때로 한 획을 내려놓는데 몇 시간이 걸리곤 했습니다. 정물화는 세잔에게 100번의 작업 시간이 걸렸을 수도 있고, 초상화는 150번의 작업 시간을 가져갔을 수도 있습니다. 세잔은 그가 그림을 그리는 동안 시간을 포착하고 있었지만, 한번 지나간 시간은 다시 돌아올 수 없다고 믿었습니다. 그가 그리고 있는 것을 둘러싼 분위기는 그가 그리고 있는 선정적인 현실의 한 부분이었습니다. 세잔은 "미술은 개인적인 인식이며, 나는 감각으로 구현하고 이해를 구하며 그림으로 정리할 것을 요청합니다."라고 주장했습니다.[151]

아트마켓

폴 세잔, 그린멜론과 함께하는 정물화

세잔의 작품 가치 상승은 1999년 5월 10일 뉴욕 소더비에서 6,050만 달러에 낙찰된 그의 그림 'Rideau', Cruchon et Compotier'의 경매를 통해 확인할 수 있으며,[152] 당시까지 그림 한 점에 지불된 가격 중 네 번째로 높은 가격이며, 당시 가장 비싼 정물화입니다.

세잔의 수채화 스틸 라이프 위드 그린 멜론(Still Life with Green Melon)은 2007년 5월 8일 경매에서 추정치인 1,800만 달러를 훨씬 웃도는 2,550만 달러에 팔렸을 때 종이에 관한 작품 기록을 세웠습니다.[153] 이전에 60년 동안 잃어버린 것으로 생각되었던 The Card Players 시리즈의 준비 수채화는 2012년 5월 1일 익명의 입찰자에게 1,910만 달러에 팔렸습니다.[154]

Cézanne's The Card Players의 다섯 가지 버전 중 하나는 2011년 카타르 왕실에 2억 5천만 달러(오늘날 3억 2천 520만 달러)에서 3억 달러(오늘날 3억 9천 30만 달러) 사이로 다양하게 추정되는 가격에 팔렸습니다. 둘 다 그 가격은 그 당시까지의 그림 중 최고 가격의 새로운 기록을 의미합니다. 이 기록적인 가격은 2017년 11월 레오나르도 다빈치의 살바토르 문디가 세웠습니다.[155][156] 카드 플레이어는 이제 Willem de Kooning의 인터체인지 판매 이후 역대 세 번째로 가장 비싼 그림입니다.

2022년 11월 8일, 뉴욕 크리스티에서 열린 폴 알렌(Paul Allen) 컬렉션 판매의 일환으로 라 몽타뉴 생 빅투아르(La Montagne Sainte-Victoire) 그림에 대해 1억 3천 8백만 달러가 지불되어 경매에서 그의 작품에 대한 가격에 새로운 기록을 세웠습니다.[157]

나치가 약탈한 예술품

2000년 프랑스 법원은 세잔의 "L'Estaque의 바다"에 대한 압류 명령을 내렸는데, 이는 룩셈부르크 박물관에서 열린 "From Fra Angelico to Bonnard: Rau Collection" 전시회의 일부로, 갤러리 소유주인 조세 베른하임-준으로부터 나치에 의해 약탈당했다는 주장 때문이었습니다.[158]

2020년에는 Buehrle 컬렉션의 Cézanne의 증거가 정밀 조사되었습니다.[159] Payage라는 이 그림은 이미 2015년 Schwarzbuch Bührle: Raubkunst für das Kunsthaus Zürich에서 잠재적으로 문제가 있다고 표시되었습니다.[160] Die Wocenzeitung에서 Keller는 Paysage의 증명이 "흰색으로 씻어졌다"고 말했습니다. "재단의 웹사이트에 있는 입증 자료에 대한 켈러의 반대 의견 중 하나는 전쟁 전 소유주인 베르톨드와 마사 노트만이 1939년 유대인 신분으로 독일을 탈출했다는 사실을 주목하지 않았다는 것입니다."[161]

2023년, 세잔의 후르츠 et pot de gingembre와 관련하여 Sydney Brown 박사가 설립한 재단인 Museum Langmatt의 상속인들과 Jacob Goldschmidt의 상속인들 사이에 막판 합의가 이루어졌습니다.[162] 이 거래는 유대인 미술상인 골드슈미트가 나치의 박해로 인해 이 작품을 판매한 사실이 밝혀지면서 크리스티가 중개했습니다.[163]

세잔의 프로방스

엑상 프로방스를 방문하는 사람들은 도심에서 5개의 표시된 산책로를 따라 세잔의 풍경 모티브를 발견할 수 있습니다. 그들은 Le Tholonet, Jas de Bouffan, Bibémus 채석장, River Arc 둑, Les Laubes 작업장으로 이어집니다.[164]

아틀리에 레 라우브스는 1954년부터 대중에게 공개되어 왔습니다. James Lord와 John Rewald가 시작한 미국의 한 재단은 114명의 기부자들이 제공한 기금으로 이것을 가능하게 했습니다. 그들은 이전 소유주인 마르셀 프로방스로부터 그것을 사서 엑스 대학으로 옮겼습니다. 1969년에 스튜디오는 Ax 시로 이전되었습니다. 방문객들은 세잔의 가구, 이젤과 팔레트, 그의 정물화에 등장하는 물건들, 그리고 몇몇 독창적인 그림들과 수채화들을 발견할 것입니다.

그들의 일생 동안, 엑스의 주민들 대부분은 그들의 동료 시민인 세잔을 조롱했습니다. 더 최근에는, 그들은 세계적으로 유명한 예술가의 이름을 따서 대학교 이름까지 지었습니다: 1973년에 폴 세잔 대학교에 법학, 정치학, 경영학, 자연과학, 기술과 함께 설립되었습니다. 2011년에 이 대학은 해체되어 엑상과 마르세유에 있는 다른 두 대학과 통합되어 엑상-마르세유 대학을 설립했습니다.

과거 그들이 그의 작품들을 거부했기 때문에, 엑상 미술관은 방문객들에게 그들의 도시의 아들인 세잔을 보여주기 위해 루브르 박물관의 그림들을 빌려야 했습니다. 1984년, 박물관은 바더스 시리즈의 모티프와 세잔 부인의 초상화를 포함하여 8점의 그림과 약간의 수채화를 받았습니다. 2000년에 또 다른 기부 덕분에, 세잔의 그림 9점이 현재 그곳에 전시되어 있습니다.[165]

갤러리

참고 항목: 폴 세잔의 그림 목록

풍경

정물화

초상화와 자화상

바더스

수채화

참고 항목

메모들

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참고문헌

더보기

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