리얼리즘 (아트)

Realism (arts)
그 외의 용도는, 리얼리즘(동음이의)을 참조해 주세요.
1854년 봉쥬르, 무슈 쿠르베 씨구스타브 쿠르베의 사실주의 그림

예술에서의 사실주의는 일반적으로 주제를 인위적으로 표현하지 않고 추측적인 허구와 초자연적인 요소를 피하면서 진실되게 표현하려는 시도이다.이 용어들은 동의어가 아니지만 자연주의와 종종 상호 호환되게 사용된다.서양 미술의 시각적 표현과 관련된 생각으로서 자연주의는 가능한 한 왜곡이 적은 사물을 묘사하고자 하며 르네상스 [1]유럽의 선형 원근법과 환상주의의 발전과 관련이 있다.사실주의는 자연주의적 표현과 초기 학문적 예술의 이상화로부터의 이탈을 전제로 하지만, 1848년 프랑스 혁명의 여파로 프랑스에서 시작된 특정한 예술 역사 운동을 말한다.구스타브 쿠르베와 같은 예술가들이 평범하고 추악하거나 추잡한 것을 이용하면서, 사실주의는 일반인에 대한 새로운 관심과 [2]좌파 정치의 부상으로부터 동기를 부여받았다.현실주의 화가들은 18세기 후반부터 프랑스 문예계를 지배하게 된 낭만주의를 뿌리내렸다.

19세기 유럽에서 자연주의 또는 자연주의 학파는 어느 정도 인위적으로 현실주의의 분리된 하위 운동을 나타내는 용어로 세워졌으며, 그것은 정치와 사회적 이슈의 회피에 의해 부모로부터 자신을 구별하려고 시도(완전히 성공적이지는 않음)했고, 감각에 따라 반과학적 기초를 선언하는 것을 좋아했다."자연학자"를 자연사 연구자로 삼은 것은 당시 생물과학이 일반적으로 알려졌기 때문이다.

베리스모의 오페라 스타일, 문학 리얼리즘, 연극 리얼리즘, 이탈리아 네리얼리즘 영화 등 다른 예술에서 리얼리즘을 요구하는 다양한 움직임이 있었다.

시각 예술

1434년 얀 반 아이크가 그린 아르놀피니 초상화의 볼록거울의 사실주의 또는 환상적 상세

형용사로 사용될 때, "현실적"은 주제와 관련된 "현실적" 예술과 구별된다.마찬가지로,[3][4] "환멸적"이라는 용어는 구성물의 시각적 외관의 정확한 렌더링을 언급할 때 사용될 수 있습니다.그림에서 자연주의는 장면과 사물의 외관을 정확하고 상세하고 정확하게 표현하는 것이다.그것은 마메시스 또는 환상주의라고도 불리며 15세기 로버트 캄핀, 얀 반 에이크 그리고 다른 화가들의 초기 네덜란드 그림에서 특히 두드러진다.19세기에 구스타브 쿠르베와 같은 사실주의 미술 운동 화가들은 시각적인 외관의 완전하고 세심한 묘사로 특별히 주목받지 못했다; 쿠르베의 시대에는 종종 훌륭한 기술과 인공적인, 또는 상상된 장면으로 묘사되었다.장황한 장면사실주의를 시각적인 외모에 대한 세심한 관심이 아니라 그림의 움직임으로 정의하는 것은 소재의 선택과 처리이다.

이상화에 저항하는 현실주의 또는 자연주의

프란시스코 고야, 스페인의 카를 4세와 그의 가족, 1800-01

사실주의 또는 주제의 솔직하고 이상적이지 않은 묘사를 의미하는 스타일로서의 자연주의는 전형적이거나 일상적인 것을 다루는데 헌신하지 않고 어떤 유형의 주제를 묘사하는데 사용될 수 있다.고전 미술의 일반적인 이상주의에도 불구하고, 이것 역시 고전적인 선례를 가지고 있었는데, 이것은 르네상스와 바로크에서 그러한 취급을 옹호할 때 유용하게 사용되었습니다.알로페스의 데메트리오스는 기원전 4세기 조각가로서 그의 작품은 이상적인 아름다움보다 사실주의를 선호한다고 알려져 있었고, 고대 로마 공화국 동안 정치인들은 그리스 이상주의를 선호했지만 초상화에 진실된 묘사를 선호했다.고야의 스페인 왕족 초상화는 중요한 인물에 대한 솔직하고 노골적인 묘사에서 일종의 절정을 상징한다.

에일리프 페테르센, 연어 피셔, 1889년

기독교 미술의 반복적인 경향은 종교 인물의 인간성, 무엇보다도 그리스도와 그의 수난에 강조된 "현실주의"였다.예배 문학의 트렌드에 따라, 이것은 중세 후기에 발달했는데, 어떤 나무 조각들은 특히 그리스도가 그를 대신해서 겪은 고통에 대해 명상하도록 시청자를 자극하기 위해 상처와 피로 뒤덮인 그리스도를 묘사하는 데 있어 그로테스크한 모습으로 탈선했다.이것들은 특히 독일과 중앙 유럽에서 발견되었다.르네상스가 진정된 후, 비슷한 작품들이 바로크, 특히 스페인 조각에 다시 나타났다.

르네상스 이론가들은 자연의 관찰과 이상화된 형태, 전형적으로 고전적 모델이나 다른 예술가들의 작품 사이의 올바른 균형에 대해 수 세기 동안 논쟁을 벌였다.모두 자연의 중요성을 인정했지만, 많은 사람들은 자연이 아름다운 것만을 포함하기 위해 다양한 정도로 이상화되어야 한다고 믿었다.레오나르도 다빈치는 자연에 대한 순수한 연구를 옹호한 사람이었고, 인간의 모습과 다른 [5]것들로 모든 종류의 형태를 묘사하기를 원했다.레온 바티스타 알베르티는 전형적인 [6]이상주의자였고 미켈란젤로와 같은 다른 사람들은 가장 아름다운 사람의 선정을 지지했다- 그는 그러한 [7]이유로 초상화를 만드는 것을 거부했다.

앙리 비바, 1905–06년, 마틴 아 빌뇌브(물가에서), 캔버스에 기름, 151.1 x 125.1cm.

17세기에 이탈리아에서는 카라치의 상대적인 "고전적 이상주의"와 카라바기스티의 "자연주의" 스타일 또는 카라바조의 추종자들 사이의 대조를 중심으로 논쟁이 계속되었다. 카라바조의 추종자들은 마치 현대 이탈리아 도시의 뒷골목을 배경으로 한 것처럼 종교적인 장면을 그리고 "자연주의자"를 자기 설명으로 사용했다.ption. 벨로리는 카라바조의 이른 죽음 이후 수십 년 동안 그의 스타일을 지지하지 않은 채 "자연주의자의 이름으로 찬양하는 사람들"(자연주의자)[8]을 가리킨다.

19세기 동안, 자연주의는 사실주의 예술가에게 동기를 부여하는 정치적 기반이 부족했지만 유럽 예술에서 광범위하게 정의된 운동으로 발전했다.이 용어의 창시자는 프랑스 미술 비평가 쥘 앙투아느 카스타냐리였는데, 1863년 그는 "자연주의 학파는 예술은 모든 단계와 모든 수준에서 생명의 표현이며, 예술은 최대한의 힘과 강도로 자연을 재현하는 것이 유일한 목표이며,[9] 그것은 과학과 균형을 이루고 있다"고 발표했다.에밀 졸라는 소설에서의 그의 목표에 대해 비슷한 과학적 강조를 가지고 이 용어를 채택했다.많은 자연주의 그림들은 인상주의와 비슷한 범위의 주제를 다루었지만, 더 촘촘하고 전통적인 화풍을 사용하며,[9] 종종 더 우울한 날씨의 풍경화들을 사용했다.

"다양한 리얼리즘을 위해 무차별적으로 계속 사용되었습니다"라는 용어는 종종 인상주의나 후기 모더니즘 운동에서 벗어나 학문적인 예술이 아닌 예술에 대한 캐치올 용어로 사용되었습니다.프랑스 바르비종 학파와 뒤셀도르프 학파의 후기 시대, 그리고 20세기 미국의 지역주의는 영국 회화에 거의 사용되지 않지만 종종 "자연주의자"로 묘사되는 운동이다.일부 최근의 미술사학자들은 쿠르베나 인상파 중 한 명에게 라벨을 [9]요구함으로써 혼란을 심화시켰다.

환상주의

1853-55년 레이튼 경의 시마뷰의 기념 마돈나는 그림에서 환상주의의 오랜 전통이 끝났지만, 같은 시기 쿠르베의 작품이라는 점에서 현실주의자는 아니다.

사물의 시각적 외관을 점점 더 정확하게 표현하는 것의 발전은 예술에서 오랜 역사를 가지고 있다.인간과 동물의 해부학적 구조, 원근법 및 거리의 효과, 빛과 색의 상세한 효과 등의 요소를 포함한다.유럽의 구석기 시대 미술은 놀라울 정도로 사실적인 동물 묘사를 이루어 냈고 고대 이집트 미술은 매우 효과적인 묘사가 매우 광범위하고 일관되게 만들어질 수 있도록 양식화와 이상화를 모두 포함하는 규약을 발전시켰다.고대 그리스 예술은 해부학의 표현에 큰 발전을 이룬 것으로 일반적으로 인식되고 있으며, 그 이후로도 영향력 있는 모델로 남아 있다.그리스 화가들이 판넬이나 벽에 그린 원본 작품은 남아있지 않지만, 문학적인 설명과 남아 있는 파생 작품들의 말뭉치(대부분 모자이크 형태의 그라에코-로마 작품들)를 보면 환상이 그림에서 높이 평가된 것이 분명하다.기원전 5세기 제우시스가 그린 포도를 쪼아먹는 새들에 대한 대 플리니의 유명한 이야기는 전설일 수도 있지만 그리스 회화의 열망을 보여준다.

로마화는 형태, 빛, 색채의 정확성뿐만 아니라 가까운 물체보다 작은 먼 물체를 표현하고, 원근법으로 방의 지붕이나 벽과 같은 규칙적인 기하학적 형태를 표현하는 비과학적이지만 효과적인 지식을 보여준다.이러한 환상적 효과의 진보는 결코 이상주의의 거부를 의미하지 않는다; 그리스 신들과 영웅들의 조각상들은 비록 유명한 못생긴 소크라테스의 머리와 같은 다른 작품들이 이러한 이상적인 미의 기준 아래로 떨어지도록 허용되었지만, 정확하고 아름다운 형태로 표현하려고 시도한다.로마의 초상화는, 그리스의 영향을 많이 받지 않을 때, 베리스마라고 불리는 주제에 대한 진실한 묘사에 대한 더 큰 헌신을 보여준다.

그리스도의 세례의 기본 페이지인 "Hand G"(Jan van Eyck?), 토리노-밀란 시간.성령의 비둘기가 하늘에 떠 있는 1425년 경의 진보된 환상 작품.

고대 후기의 예술은 표현력에 대한 환상주의를 거부하기로 유명하며, 기독교가 엘리트들의 예술에 영향을 미치기 시작할 무렵에는 이미 잘 진행되고 있는 변화이다.서양에서는 중세 후기와 르네상스 초기까지 환상의 기준이 다시 도달하기 시작했고, 15세기 초 네덜란드에서 처음, 그리고 1470년대 경 이탈리아에서 빛의 매우 미묘하고 정확한 효과를 가능하게 하는 유화의 새로운 기술의 발달에 의해 도움을 받았다.아주 작은 붓과 여러 겹의 페인트와 유약을 사용하여 그렸습니다.원근법을 표현하는 과학적 방법은 15세기 초 이탈리아에서 개발되어 점차 유럽 전역으로 퍼져 나갔고, 해부학의 정확성은 고전 예술의 영향을 받아 재발견되었다.고전 시대와 마찬가지로, 이상주의는 여전히 표준으로 남아 있었다.

그림 속 산수의 정확한 묘사는 초기 네덜란드/초기 북르네상스 및 이탈리아 르네상스 그림에서도 발전되어 왔으며, 17세기 네덜란드 황금시대 그림에서 다양한 날씨 조건과 자연광의 정도를 매우 정교하게 묘사하는 기술로 매우 높은 수준으로 올라갔습니다.초기 네덜란드 회화의 또 다른 발전 이후, 1600년 무렵 유럽 초상화는 그림이나 조각 모두에서 매우 잘 닮을 수 있었다. 비록 그 대상들은 종종 특징들을 부드럽게 하거나 인위적인 자세를 취함으로써 이상화 되었다.정물화와 다른 작품에서의 정물화는 환상화를 발전시키는데 상당한 역할을 했다, 비록 그들은 네덜란드의 꽃 회화의 전통에서 오랫동안 "현실주의"가 부족했지만, 사계절의 꽃들이 전형적으로 사용되었고, 개별 그림에서 구성품을 조립하는 습관에서 또는 하나의 그림으로 사용되었다.고의적인 관례; 꽃병에 꽃다발을 진열하는 것은 그들이 영향을 준 현대의 꽃꽂이에 가깝지만, 꽃들이 한 번에 하나씩 전시되는 17세기 습관과는 완전히 달랐다.흥미롭게도, 착시화의 발전을 이끌었던 정물화도 큐비즘에서의 포기에도 똑같이 중요했다.

일상적 소재의 묘사로서의 사실주의 또는 자연주의

목판, Simon Bening이 쓴 "Labours of the Months"(월간 노동) 세트의 축소판, 1550년 경

예술에서 일상적인 소재의 묘사 또한 오랜 역사를 가지고 있지만, 종종 그것은 구성의 가장자리에 짜여지거나 더 작은 규모로 보여진다.이것은 부분적으로 예술이 비싸고, 대개 특정한 종교적, 정치적 또는 개인적인 이유로 의뢰되었기 때문에 상대적으로 적은 공간이나 노력만 그러한 장면에 할애할 수 있었다.중세 조명 원고의 여백에 있는 드로르에는 때때로 일상생활의 작은 장면들이 포함되어 있으며, 원근법의 발달은 야외를 배경으로 한 많은 장면에서 큰 배경 영역을 만들어 내면서 그들의 일상생활을 돌아다니는 작은 인물들을 포함시킴으로써 더 재미있게 만들 수 있었다.중세 및 초기 르네상스 미술의 관습은 보통 현대 복장에 신성하지 않은 인물들을 나타냈기 때문에, 고대를 배경으로 한 종교적 또는 역사적 장면에서도 이에 대한 조정이 필요하지 않았다.

초기 네덜란드 그림은 플랑드르의 부유한 상인들만큼 초상화의 사회적 규모를 낮췄고, 특히 얀 반 에이크의 아르놀피니 초상화(1434년)와 로버트 캄핀의 메로데 알타피스와 같은 종교적 장면에서 종종 매우 상세한 디피(c1427년경)를 포함한다.사랑스럽게 묘사된 물건들로 가득 찬 중산층 실내의 여러 곳그러나 이러한 물건들은 적어도 대부분 그 자체로 현실주의에 대한 어떠한 헌신도 약화시키는 복잡한 의미와 상징성을 지닌 층을 가지고 있기 때문에 그곳에 있다.중세 후기 미술에서 많은 예들이 몇 시간의 책으로부터 살아남은 달의 노동 주기는 종종 풍성한 풍경 배경에서 계절에 걸쳐 다른 일을 하는 농부들에 초점을 맞추고, 풍경 미술의 발전과 일상의 노동자 계급의 묘사 둘 다에서 중요하다.

Annibale Carracci, 정육점, 1580년대 초

16세기에는 특히 식료품 시장과 부엌에서 일하는 사람들의 장면을 대형 그림에서 묘사하는 패션이 있었다: 많은 경우 음식은 노동자들만큼 두드러진다.예술가들은 본질적으로 매너리즘적인 스타일로 작업한 네덜란드의 피터 아르트센과 그의 조카 요아힘 베우켈레어를 포함했고, 1580년대 이탈리아에서는 바르톨로메오 패소티와 함께 아주 평범한 스타일을 사용한 젊은 아니발레 카라치를 포함했다.피터 브루겔 대제는 농민생활의 큰 파노라마 장면을 개척했다.이러한 장면들은 17세기 유럽 전역에 나타난 풍속화에서 작품 장면의 인기의 서막으로 작용했고, 네덜란드 황금시대 그림은 그러한 장면의 여러 다른 하위 장르, 이탈리아의 밤보키안티(대부분 저지대 국가 출신이지만), 스페인의 보데고네 장르, 그리고 소개되었다.유세페 드 리베라와 벨라스케스가 그린 역사 그림으로 이상화되지 않은 농민들을 그린 작품입니다.프랑스의 르 나인 형제와 아드리앙 브루어, 대 테니어 다비드 테네시 등 많은 플랑드르 화가들은 소작농들을 그렸지만, 마을 사람들은 거의 그리지 않았다.18세기에는 일하는 사람들의 작은 그림들이 인기를 끌었고, 주로 네덜란드의 전통을 그리고 특히 여성을 주인공으로 했다.

특히 판화의 형태로 일반인을 묘사한 많은 예술은 희극적이고 도덕적인 것이었지만, 소재의 단순한 가난이 상대적으로 도덕적인 메시지의 일부였던 것 같지는 않다.19세기 중반부터 이것은 바뀌었고, 가난한 사람들의 삶의 어려움이 강조되었다.이러한 추세가 시골에서 유럽 대부분 도시로의 대규모 이주와 겹쳤음에도 불구하고, 화가들은 여전히 가난한 시골 사람들을 그리는 경향이 있었고, 주로 구스타브 도레와 같은 삽화가들이 도시 빈민가의 참상을 보여주었다.붐비는 도시의 거리 풍경은 인상파 화가들과 관련 화가들, 특히 파리를 보여주는 화가들에게 인기가 있었다.

중세 원고 조명가들은 종종 기술을 묘사해 달라는 요청을 받았지만, 르네상스 이후에도 그러한 이미지는 책 일러스트와 판화에서 계속되었지만, 해양 회화는 더비의 조셉 라이트 같은 몇몇 화가들에 의해 그려진 초기 산업 혁명까지 미술에서 대부분 사라졌다.그리고 필립 제임스 드 루터부르.이러한 소재들은 아마 잘 팔리지 않았을 것이고, 19세기 후반까지는 철도 장면 말고는 눈에 띄는 산업의 부재가 있었다.그 때, 일반적으로 산업가들에 의해, 혹은 산업 도시의 기관들에 의해, 종종 대규모로, 그리고 때로는 준영웅적 대우를 받기 시작했다.

20세기 초의 운동인 미국의 사실주의는 이런 의미에서 현실주의를 사용하는 많은 현대 운동 중 하나이다.

현실주의 운동

주요 기사 : 리얼리즘 (아트 무브먼트)

현실주의 운동은 19세기 중반에 낭만주의와 역사 회화에 대한 반작용으로 시작되었다.현실주의 화가들은 '실제'의 삶을 묘사하는 것을 선호했고, 평범한 환경에서 실제 활동을 하는 일반인들을 작품의 소재로 삼았다.주요 대표주자는 구스타브 쿠르베, 장프랑수아 밀레, 오노레 도미에, 장밥티스트 카밀 [11][12][13]코로였다.이전에 메트로폴리탄 미술관의 유럽화학과였던 로스 피노키오에 따르면, 현실주의자들은 에밀 졸라, 오노레 드 발자크, 구스타브 플로베르 [14]등의 동시대의 자연주의 문학과 일치하면서 평범한 현대 생활의 존재를 묘사하는 겉치레 없는 세부사항을 사용했다.

프랑스 현실주의 운동은 다른 모든 서구 국가들에 동등하게 존재했고, 다소 늦게 발전했다.특히 1860년대 결성돼 1871년부터 전시를 기획한 러시아의 페레드비즈니키(Peredvizhniki)는 일리야 레핀, 바실리 페로프, 이반 시슈킨 등 현실주의자들이 대거 포함돼 러시아 미술에 큰 영향을 미쳤다.영국에서는 Hubert von Herkomer와 Luke Fildes와 같은 예술가들이 사회 문제를 다루는 사실주의 그림으로 큰 성공을 거두었다.

문학.

주요 기사: 문학적 사실주의

"현실의 충실한 표현"[15]으로 광범위하게 정의되는 문학 운동으로서의 사실주의는 "객관적 현실"에 기초한다.그것은 주로 중산층이나 하층사회에서 낭만적인 이상화나 [16]드라마화 없이 일상적인 활동과 삶을 보여주는 데 초점을 맞추고 있다.Kornelije Kvas에 따르면, "현실의 현실적 구성과 재구성은 자연과학, 심리학,[17] 사회적 법칙의 세 가지 원칙을 위반하지 않고 우리가 통상적으로 생각하는 현실의 개념과 유사한 논리적 구조를 형성한다.그것은 장식이나 해석 없이 그리고 "세속적이고 경험적인 [18]규칙에 따라" 3인칭 객관적인 현실에서 존재하는 것으로 간주되는 주제를 묘사하려는 일반적인 시도로 간주될 수 있다.이와 같이, 이 접근법은 본질적으로 그러한 현실이 인간의 개념적 계획, 언어적 관행 및 신념으로부터 독립되어 있다는 믿음을 내포하고 있으며, 따라서 예술가는 이 '현실'을 충실하게 나타낼 수 있다(또는 알 수 있다).이안 와트가 말했듯이, 현대의 사실주의는 "진실은 개인이 감각을 통해 발견할 수 있다는 위치에서 출발한다" 그리고 "그것은 데카르트와 로크에서 유래했고 18세기 [19]중반 토마스 리드에 의해 최초의 완전한 공식화를 받았다"고 말한다.

이전의 낭만주의 시대는 산업 혁명의 가치에 대한 반작용이기도 했지만, 현실주의는 낭만주의에 대한 반작용이었고, 이러한 이유로 그것은 또한 일반적으로 "전통적인" "부르주아적 현실주의"[20]라고 경멸적으로 언급되기도 했다.빅토리아 시대 문학의 몇몇 작가들은 [21]사실주의 작품을 만들었다."부르주아 현실주의"의 경직성, 관습, 그리고 다른 한계들은 후에 모더니즘으로 명명되었다; 1900년경부터, 모더니즘 문학의 원동력은 19세기 부르주아 사회 질서와 세계관에 대한 비판이었고, 그것은 반국가주의, 반자유주의 그리고 반부르크로 대항했다.eois [20][22][23]프로그램

극장

주요 기사:연극적 사실주의

연극적 사실주의는 산업혁명과 [24][25]과학시대의 분파로 19세기 유럽 드라마에서 처음 등장했다고 한다.현실주의[26][27] 극장의 근간으로 사진의 발명을 구체적으로 꼽은 사람도 있는가 하면 현실과 [28]밀접하게 일치하는 물리적 세계의 표현과 같은 극적인 형태의 원리로 증명된 현실주의와 드라마 사이의 연관성이 훨씬 더 오래되었다고 보는 사람도 있다.

연극에서 현실주의의 성취는 평범한 삶의 사회적, 심리적 문제에 주의를 기울이는 데 있었다.드라마에서 사람들은 자신보다 더 큰 힘의 희생자로 등장하는데, 이는 개인이 빠르게 가속하는 [29]세계에 직면하기 때문이다.이러한 선구적인 극작가들은 그들의 캐릭터를 평범하고, 무능력하고, 그들의 곤경에 대한 해답에 도달하지 못하는 것으로 표현하는데 두려워하지 않았다.이런 종류의 예술은 인간의 눈으로 보는 것을 표현한다.예를 들어, 안톤 체코프는 사실적인 연극성의 [30]수사적이고 설득력 있는 특징을 드러내면서, 굴절되지 않은 삶의 조각을 재현하기 위해 카메라 작품을 사용했다.토마스 포스틀웨이트와 같은 학자들은 19세기와 20세기에 걸쳐 멜로드라마적이고 현실적인 형태와 기능의 결합이 많이 있었고, 이는 멜로드라마적 요소가 현실적인 형태로 존재하는 방식으로 증명될 수 있었고 그 반대도 [31]마찬가지였다고 언급했다.

미국에서는 연극사학자들이 1870년대 후반과 1880년대 [32]초반에 사실주의를 향한 최초의 자극을 확인하면서 드라마 속 리얼리즘이 허구적 리얼리즘보다 약 20년 앞서 있었다.그것의 발전은 또한 윌리엄 딘 하웰스와 헨리 제임스의 사실주의 대변인, 그리고 그것의 미학적 [32]원리의 대표자로서의 역할을 한 덕분이다.

연극에 대한 현실적인 접근은 [24]2차 세계대전 이후 허무주의와 부조리로 무너졌다.

영화

다음 항목도 참조하십시오.네오레즘(예술), 시적 사실주의, 사회주의적 사실주의

이탈리아의 네오레즘은 제2차 세계대전 이후 이탈리아에서 발달한 사실주의 요소를 접목한 영화 운동이었다.주목할 만한 네리얼리즘은 비토리오 데 시카, 루치노 비스콘티, 로베르토 로셀리니를 포함한다.현실주의 영화는 일반적으로 사회적 이슈에 [33]초점을 맞춘다.영화에는 두 가지 유형의 리얼리즘이 있다: 이음새 없는 리얼리즘과 심미적인 리얼리즘.이음새 없는 리얼리즘은 [33]서사적 구조와 영화 기법을 사용하여 진실성을 유지하기 위해 "현실 효과"를 만들어 내려고 합니다.1930년대 프랑스 영화제작자들이 처음 요구했고 1950년대 앙드레 바쟁에 의해 장려된 미학적 사실주의는 "영화는 보여주는 것을 의미하도록 고정될 수 없다"는 것을 인정한다. 따라서, 이러한 영화 제작자들은 시청자들이 그녀의 모습을 확실히 하기 위해 로케이션 촬영, 자연광 그리고 비전문 배우들을 사용한다.영화를 바탕으로 한 자신의 선택이지 '독해'[33]로 조작되는 것이 아니다.지크프리드 크라카우어는 또한 사실주의가 [34]영화의 가장 중요한 기능이라고 주장한 것으로 유명하다.

심미적으로 사실적인 영화 제작자들은 보는 사람이 [33]보는 것의 조작을 줄이기 위해 긴 샷, 깊은 포커스, 그리고 눈높이의 90도 샷을 사용합니다.제2차 세계대전 이후 이탈리아의 네오레즘 영화 제작자들은 1960년대에 등장한 프랑스와 이탈리아의 기존 현실주의 영화 방식을 취하여 정치적 지향적인 영화를 만들기 위해 사용했다.프랑스 영화 제작자들은 1960년대에 장 루흐의[33] 시네마 베리테와 다큐멘터리 영화와 같은 정치적 성향의 사실주의 영화를 만들었고, 1950년대와 1960년대에는 영국,[33] 프랑스, 독일의 새로운 영화 제작 물결이 "생활의 슬라이스" 영화 (예: 영국의 싱크대 드라마)를 제작했다.

오페라

주요 기사:베리스모

베리스모는 피에트로 마스카니, 루게로 레온카발로, 움베르토 지오르다노, 프란체스코 실레아, 자코모 푸치니와 같은 이탈리아 작곡가들과 연관된 낭만 이후 오페라 전통이었다.그들은 에밀 졸라, 구스타브 플로베르, 헨리크 입센과 같은 영향력 있는 19세기 후반 작가들의 자연주의를 오페라에 도입하려고 했다.이 새로운 스타일은 냉철하고 결점이 있는 하층민 주인공들을[35] 주인공으로 하는 리얼한 드라마를 선보였고, 어떤 이들은 그것을 사실적인 [36]사건의 고조된 묘사라고 묘사했다.비록 어떤 기록이 주세페 베르디의 루이사 밀러와 라 트라비아타를 [37]베리스모의 첫 번째 동요로 여겼지만, 일부는 그것이 1890년에 마스카니의 카발레리아 루스티카나의 첫 공연으로 시작되었고, 1900년대 초에 [38]절정에 달했다고 주장했다.이어 리온카발로의 파글리아치가 불륜, 복수, 폭력을 주제로 [35]다루었다.

Verismo는 또한 영국에 도착했는데, 그곳에서는 극작가 W. S. 길버트와 작곡가 Arthur Sullivan (1842년–[36]1900년)의 빅토리아 시대 연극 파트너십이 있었다.구체적으로, 그들의 연극 이오란테는 환상적 요소를 포함했지만 귀족의 현실적인 표현으로 여겨진다.

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메모들

  1. ^ Sarah Dillon and Amy Raffel (October 2014). "Italian Renaissance Art (1400–1600)". Art History Teaching Resources. AHTR. Retrieved 6 November 2021.
  2. ^ "Metropolitan Museum of Art". Metmuseum.org. 2014-06-02. Retrieved 2014-07-15.
  3. ^ Stremmel, Kerstin, 리얼리즘, 2004년 6-9페이지, Taschen, ISBN 3-8228-2942-0, 978-3-8228-2942-4
  4. ^ 피노키오, 로스"19세기 프랑스 리얼리즘"'헤일브룬 미술사 연대표'에서요뉴욕:메트로폴리탄 미술관, 2000–온라인 (2004년 10월)
  5. ^ 무뚝뚝한, 30~32세, 그리고 레오나르도에 관한 짧은 장 전체가
  6. ^ 무뚝뚝, 14~20
  7. ^ 무뚝뚝, 59~64
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레퍼런스

추가 정보

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외부 링크

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