음악 이론

음악 이론은 음악의 실천과 가능성을 연구하는 학문이다.옥스포드 음악의 동반자(Oxford Companion to Music)는 "음악 이론"이라는 용어의 세 가지 관련 용도를 설명한다.첫 번째는 음악 표기법(키 시그니처, 시간 서명, 리듬 표기법)을 이해하는 데 필요한 "리듬"이고, 두 번째는 고대부터 현재까지 음악에 대한 학자들의 견해를 배우는 것이고, 세 번째는 "음악의 과정과 일반적인 원리를 정의하는" 음악학의 하위 주제이다.이론에 대한 음악학적 접근은 "개인의 작업이나 공연이 아니라 이론이 만들어지는 ^[1]기본 재료를 시작점으로 삼는다는 점에서" 음악 분석과 다르다.

음악 이론은 음악가와 작곡가들이 다른 주제들 중에서 조율 시스템과 작곡 방법을 포함하여 어떻게 음악을 만드는지 기술하는 것과 자주 관련이 있다.음악을 구성하는 것에 대한 개념이 계속 확장되기 때문에(음악의 정의 참조), 더 포괄적인 정의는 침묵을 포함한 모든 소닉 현상을 고려하는 것일 수 있습니다.그러나 이것은 절대적인 지침은 아니다. 예를 들어 중세 유럽에서 흔했던 Quadrivium 교양 대학 커리큘럼의 "음악"에 대한 연구는 실제 음악 ^{[n 1]}연습과 거리를 두고 신중하게 연구된 추상적인 비율 체계였다.그러나 이러한 중세적 규율은 후세기에 튜닝 시스템의 기초가 되었고 일반적으로 음악 ^{[n 2]}이론의 역사에 대한 현대 학문에 포함되어 있다.

실용적 학문으로서의 음악 이론은 작곡가와 다른 음악가들이 음악을 만들 때 사용하는 방법과 개념을 포괄한다.이런 의미에서 음악 이론의 발전, 보존, 전승은 구전 및 쓰여진 음악 전통, 악기 및 기타 공예품에서 찾을 수 있다.예를 들어, 전 세계의 선사시대 유적지에서 온 고대 악기들은 그들이 만든 음악에 대한 세부사항과 그들의 제작자들이 사용했을 가능성이 있는 음악 이론의 일부를 드러낸다.전 세계의 고대와 살아있는 문화에서, 음악 이론의 깊고 긴 뿌리는 악기, 구전, 그리고 현재의 음악 제작에서 볼 수 있습니다.많은 문화들은 또한 쓰여진 논문과 음악 표기법과 같은 좀 더 공식적인 방법으로 음악 이론을 고려해왔다.음악에 대한 많은 실용적 논문이 다른 논문의 전통 안에 있기 때문에, 실용적 전통과 학문적 전통이 겹친다. 이는 학술적 글이 이전의 연구를 인용하는 것과 마찬가지로 정기적으로 인용된다.

현대 학계에서 음악 이론은 음악학의 하위 분야이며 음악 문화와 역사에 대한 광범위한 연구이다.어원적으로, 음악 이론이란 그리스어 ερ,α에서 온 음악을 숙고하는 행위이며, 이는 보는 것, 보는 것, 보는 것, 보는 것, 추측하는 것, 이론,^[3] 보는 것, 보는 것, 보는 것을 의미한다.이와 같이, 그것은 종종 음계와 음계, 자음과 불협화음, 그리고 리드미컬한 관계와 같은 추상적인 음악적 측면과 관련이 있다.또한 음악의 창작이나 연주, 오케스트레이션, 장식, 즉흥연주, 전자음 제작 ^[4]등 실용적인 측면에 관한 이론도 있다.음악 이론을 연구하거나 가르치는 사람은 음악 이론가입니다.미국이나 캐나다 대학에서 테뉴어 트랙 음악 이론가로 가르치기 위해서는 일반적으로 석사 또는 박사 수준의 대학 공부가 필요합니다.분석 방법에는 수학, 그래픽 분석, 특히 서양 음악 표기법에 의한 분석이 포함됩니다.비교, 설명, 통계 및 기타 방법도 사용됩니다.특히 미국의 음악 이론 교과서는 종종 다른 주제들 중에서 음악 음향의 요소들, 음악 기보법의 고려사항들, 그리고 음색 구성 기법들을 포함한다.

역사

선사 시대

보존된 선사시대 악기, 공예품, 그리고 예술품에서의 연주에 대한 이후의 묘사는 선사시대 문화에서 음계의 구조에 대한 단서를 줄 수 있다.구석기 플루트, 게디, 아나사지 플루트를 예로 들 수 있습니다.

고대

메소포타미아

현존하는 수메르와 아카드 점토판에는 이론적인 성질의 음악 정보, 주로 음정과 ^[5]음정의 목록이 포함되어 있습니다.학자인 샘 미렐만은 이 문서들 중 가장 오래된 것은 기원전 1500년 이전으로, 비슷한 음악 사상의 다른 문화에서 살아남은 증거보다 천 년 앞선 것이라고 보고한다.게다가 "모든 메소포타미아 문자(음악에 관한)는 그 문자들의 대략적인 연대에 따라 1,000년 ^[6]이상 사용되어 온 음악에 대한 용어의 사용에 의해 통합된다."

중국

중국 음악사와 이론의 대부분은 여전히 ^[7]불분명하다.

중국 이론은 숫자에서 출발하며, 주요 뮤지컬 숫자는 12, 5, 8이다.12는 저울을 구성할 수 있는 피치의 수를 의미한다.기원전 239년 경의 뤼시춘추는 링룬의 전설을 떠올리게 한다.황제의 명을 받들어 영륜은 굵고 균일한 12개의 대나무 길이를 수집했다.파이프처럼 불면서, 그는 그 소리가 듣기 좋다는 것을 발견하고 황종이라고 이름 붙였습니다.그리고 그는 봉황새가 노래하는 것을 들었다.수컷과 암컷 봉황은 각각 여섯 음을 불렀다.링룬은 봉황의 투구에 맞춰 대나무 파이프를 잘라 수컷 봉황에서 6개, 암컷 봉황에서 6개 등 12개의 피치를 두 세트로 제작했는데, 이것을 여류 ^[8]또는 나중에는 셰를류라고 불렀다.

기술적, 구조적 측면 외에도, 고대 중국 음악 이론은 음악의 본질과 기능과 같은 주제들을 논의한다.예를 들어, 악보 (기원전 1세기 및 2세기)는 사회적 맥락에서 음악을 이해하는 유교적 도덕 이론을 나타낸다.유학자-관료[...]에 의해 연구되고 시행된 이 이론들은 무색하게 만들었지만 경쟁적인 접근 방식을 지우지 않는 음악적인 유교를 형성하는데 도움을 주었다.음악이 인적, 물적 자원을 낭비했다는 모지(기원전 468년 경 376년 경)의 주장과 가장 위대한 음악은 소리가 없다는 노자의 주장이 그것이다."^[7]e 및 비취 펜던트의 소리").

인도

사마베다와 야주르베다 (기원전 1200년 경 – 1000년 경)는 인도 음악의 초기 증거 중 하나이지만, 제대로 말하면 이론이 없다.기원전 200년에서 200년 사이에 쓰여진 나티야 샤스트라는 음정( (rutis), 음계(Gramas), 자음과 불협화음, 멜로디 구조(Murchanas, modes?), 멜로디 유형(Jattis), 악기 ^[9]등을 논한다.

그리스

음악 이론에 관한 초기 보존된 그리스어 문서에는 두 가지 종류의 ^[10]작품이 있습니다.

• 악보, 음계, 자음과 불협화음, 리듬과 악곡의 종류를 포함한 그리스 음악 시스템을 기술하는 기술 매뉴얼
• 음악이 가장 높은 수준의 지식과 이해로 이어지는 보편적인 질서의 패턴을 드러내는 방법에 대한 논술.

이들 작품들 전에 피타고라스 (기원전 570년–기원전 495년), 필롤라오스 (기원전 470년–기원전 385년), 아치타스 (기원전 428–기원전 347년) 등을 포함한 여러 이론가들의 이름이 알려져 있다.

제1종(기술 매뉴얼)의 저작물은 다음과 같습니다.

• 캐논의 익명(오류적으로 유클리드에 귀속됨) 부문, 【αααμμαααααα 】, 기원전 ^[11]4~3세기.
• 스미르나의 테온, 플라톤의 이해에 유용한 수학, δv μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα δα μα μα μα μα μα μα μα μα α μα μα μα μα μα μα μα μα μα μα α α α
• 제라사의 니코마치, 고조파 해설서, ομο νμο ν ν 、 100 - 150 CE
• 클레오니데스, 고조파 입문, 【αα】, 【μο 】, 2세기 CE.
• Gaudentius, Harmonic Introduction, άμο οα γ 3 、 3d or 4세기 CE.
• Bacchius Geron, 『음악의 입문』, 【α의 입문】, 4세기 이후.
• Alypius, 음악개론, 【αα μο μο 】, 4-5세기.

두 번째 유형의 보다 철학적인 연구는 다음을 포함한다.

• 아리스토세누스, 하모닉 원소, μμοα, 375/360 기원전 320년 이후.
• 아리스토세누스, 리듬 요소, μμμα.
• 클라우디우스 프톨레마이오스, 하모닉스, 127-148 CE.
• 포르피리오스, 프톨레마이오스의 고조파에서, μα μα μα μα 232/3–c. 305 CE.

포스트클래식

중국

비파악기는 후에 84가지 ^[7]모드의 수, 당 이론으로 이어진 음악 모드의 이론을 가지고 있었다.

아랍 국가/페르시아 국가

중세 아랍 음악 이론가는 다음과 같다.^{[n 3]}

• 아부 유수프 야쿠브 알 킨디( bag Bagdad, 873 CE)는 알파벳의 첫 12자를 사용하여 오드의 다섯 줄에 12개의 프렛을 묘사하며 25도의 ^[12]반음계를 낸다.
• [Yayya ibn] 알 무나짐(바그다드, 856–912)으로, 피타고라스의 우드 튜닝과 아마 리하크-76 Alwsma에서 영감을 받은 8가지 모드의 시스템을 기술한 Risar f al al-musq("음악에 관한 협정")의 저자.
• 키타브 알-무시카 알-카비르('위대한 음악책')^[14]의 저자 아부나흐르 무하마드 알-파라비(페르시아, 872?-다마스, 950 또는 951 CE).
• 키타브 알-아그한의 저자 아부 알-파라즈 알-이스파하니로 알려진 알리 이븐 울-이스파한 (897–967).
• 아비센나(980년경–1037년)로 알려진 아부 알-우사인 이븐 압드-알라 이븐 소나(Abd-Allah ibn Snna)는 주로 그의 키타브 알-시파의 수학 섹션 12에 음악 이론의 기여가 있다.^[15]
• 1225년 카말 아다브 알 기나의 저자 알 카티브산 이븐 아이마드 이븐 '알리 알 카티브' ('음악 지식의 완성')가 베꼈다(이스탄불, 토프카피 박물관, 1727년).^[16]
• 사피 알딘 알 우르마위 (1216–1294 CE)는 키타부 알 아드와르 ("음악 순환의 조약")와 아르-리살라 아쉬-샤라피야 ("샤라프에게 보내는 편지")^[17]의 저자입니다.
• 무바락 샤흐 사피 알딘의 키타브 알 아드와르 해설자(대영박물관, 미스 823).^[18]
• 아논 LXI, 사피 알딘의 키타브 알 아드와르에 ^[19]대한 익명의 논평입니다
• Shams al-d-n al-Ddn al-Saydabwῑ Al-Dahab?) (14세기 CE(?)) 음악 이론가.Urj fiza fi'l-m'sq'의 저자.^[20]

유럽

로마 철학자 보에티우스의 라틴어 논문 De institutione musica (500년경, 음악의 기초로^[2] 번역됨)는 중세 유럽의 음악에 관한 다른 글들의 시금석이었다.보에티우스는 중세 동안 음악에 대한 고전적인 권위를 대표했는데, 그의 작품의 기반이 된 그리스 문장은 15세기까지 ^[21]후대의 유럽인들이 읽거나 번역하지 않았기 때문이다.이 논문은 주로 튜닝 시스템과 관련된 수학적 비율과 특정 모드의 도덕적 특성에 초점을 맞추면서 음악의 실제 연습과 거리를 신중하게 유지합니다.몇 세기 후, 평이한 ^[22]전통에서 음악의 실제 구성을 다룬 논문들이 등장하기 시작했다.9세기 말, 후크발드는 플레인 샹트를 녹음하는 데 사용되는 느메를 위해 보다 정확한 음높이 표기법을 연구했다.

귀도 다레초'는 1028년 폼포사의 미카엘에게 보낸 편지, "이그노토 칸투"^[23]에서 그는 음절과 음정을 묘사하기 위해 음절을 사용하는 관행을 소개했다.이것은 중세 말기까지 사용되었던 6진법 솔리제이션의 근원이었다.Guido는 또한 모드의 감정적 특성, 플레인찬트의 어구 구조, neumes의 시간적 의미 등에 대해 썼다.서양 ^[21]전통에서 다성음악에 대한 그의 장은 "이전 어떤 설명보다 실제 음악을 묘사하고 묘사하는 것에 더 가까워진다".

13세기 동안, 남성표기법이라 불리는 새로운 리듬체계는 1200년경 프랑스에서 개발된 고정된 반복 패턴의 관점에서 리듬을 기록하는 더 제한적인 방법, 이른바 리듬모드로부터 발전했다.초기 형태의 남성 표기법은 쾰른의 프랑코가 쓴 논문 Ars cantus mensurabilis ("측정된 성가의 예술")에서 처음으로 기술되고 성문화되었다.다른 음표 모양을 사용하여 서로 다른 지속시간을 지정함으로써, 스크라이버는 동일한 고정 패턴을 반복하는 대신 다양한 리듬을 포착할 수 있습니다. 각 음표 값은 짧은 값의 2~3배 또는 긴 값의 절반 또는 1/3과 동일하다는 점에서 비례 표기법입니다.르네상스 기간 동안 다양한 확장과 개선을 통해 변형된 이 같은 기보법은 오늘날 유럽 고전 음악에서 리듬 기보법의 기초를 형성한다.

현대의

중동 및 중앙아시아 국가

• 우즈베키스탄의 작가이자 음악 이론가인 Bqiqiy n Nyyin ((우즈베키스탄, 17세기 CE).잼자마 에 와흐닷이엠시큐의 저자.^[20]
• 프랑스 음악학자 프랑수아 로돌페 데를랑제 남작(튀니스, 1910–1932 CE).La musique arabe and Ta'rkhkh al-mssq- al-arabiya wa-usluluha wa-tatawwurtutuha (아라비안 음악의 역사, 그 원리 및 발전)의 저자

D'Erlanger는 아랍 음악 음계가 그리스 음악 음계에서 파생되었고,^[20] 아랍 음악은 점성술과 같은 아랍 문화의 특정한 특징과 연관되어 있다고 폭로한다.

유럽

• 르네상스

• 바로크 양식의

• 1750–1900
  • 1800년대에 서양의 음악적 영향력이 전 세계로 확산되면서, 음악가들은 서양 이론을 국제 표준으로 채택했지만, 텍스트와 구전 모두에서 다른 이론적 전통은 여전히 사용되고 있습니다.예를 들어, 아프리카의 고대와 현재 문화에서 독특한 길고 풍부한 음악적 전통은 주로 구전이지만, 음악 ^[24][25]이론의 구체적인 형태, 장르, 연주 연습, 튜닝, 그리고 다른 측면을 묘사합니다.
  • 신성한 하프 음악은 실제로 다른 종류의 음계와 이론을 사용한다.그 음악은 음계의 솔페지 "fa, sol, la"에 초점을 맞춘다.Sacred Harp는 또한 "모양 음표" 또는 음계의 특정 음절에 해당하는 음표를 포함하는 다른 표기법을 사용합니다.Sacred Harp 음악과 그 음악 이론은 1720년 토마스 심메스 목사에 의해 시작되었는데, 그는 그의 교회 구성원들을 ^[26]음표로 정확하게 돕기 위해 "음표로 노래하는" 시스템을 개발했습니다.

컨템포러리

음악의 기초

음악은 청각 현상으로 구성되어 있다; "음악 이론"은 그러한 현상이 음악에 어떻게 적용되는지를 고려한다.음악 이론은 멜로디, 리듬, 대위법, 형태, 음계, 튜닝, 간격, 자음, 불협화음, 듀레이션 비율, 피치 시스템의 음향, 작곡, 연주, 오케스트레이션, 즉흥 연주, 전자음 제작 ^[27]등을 고려한다.

피치

피치는 톤의 낮은 수준 또는 높은 수준입니다.예를 들어 중간 C와 높은 C의 차이입니다.음파를 생성하는 음파의 주파수는 정확하게 측정할 수 있지만, 자연 소스의 단일 음표는 대개 여러 주파수의 복잡한 혼합이기 때문에 음조의 인식은 더 복잡합니다.따라서, 이론가들은 종종 음을 객관적인 ^[28]소리의 측정이 아닌 주관적인 감각으로 묘사한다.

특정 빈도에 문자 이름이 할당되는 경우가 많습니다.오늘날 대부분의 오케스트라는 440Hz의 주파수에 콘서트 A(피아노 중앙 C 위의 A)를 할당합니다.이 할당은 다소 임의적입니다. 예를 들어 1859년 프랑스에서는 동일한 A가 435Hz로 조정되었습니다.그러한 차이는 악기 및 기타 현상의 음색에 현저한 영향을 미칠 수 있다.따라서, 오래된 음악의 역사적 정보에 입각한 연주에서는, 종종 그것이 쓰여진 시기에 사용된 튜닝과 일치하도록 튜닝이 설정됩니다.게다가, 많은 문화들은 종종 그것이 장르, 스타일, 기분 등에 따라 달라져야 한다는 것을 고려하면서 음높이를 표준화하려고 시도하지 않는다.

두 음의 음높이 차이를 음정이라고 합니다.가장 기본적인 음정은 같은 음의 두 음인 유니언이다.옥타브 간격은 서로 주파수의 두 배 또는 절반인 두 개의 피치입니다.옥타브의 독특한 특성은 음높이의 개념을 만들어냈다: 다른 옥타브에서 발생하는 동일한 문자 이름의 음높이는 옥타브의 차이를 무시함으로써 단일 "등급"으로 분류될 수 있다.예를 들어, 높은 C와 낮은 C는 같은 피치 클래스(모든 C를 포함하는 클래스)의 멤버입니다.^[29]

음조 시스템 또는 기질은 음정의 정확한 크기를 결정합니다.튜닝 시스템은 세계 문화권 내 및 문화권 간에 매우 다양합니다.서양 문화에서는 오랫동안 서로 다른 성질을 가진 여러 개의 경쟁적인 튜닝 시스템이 있었다.국제적으로 평등한 기질로 알려진 시스템은 오늘날 가장 일반적으로 사용되고 있습니다. 왜냐하면 이 시스템은 고정 조율 악기(예: 피아노)가 모든 키에서 허용 가능한 음조로 울릴 수 있는 가장 만족스러운 절충안으로 간주되기 때문입니다.

스케일 및 모드

메모는 다양한 축척과 모드로 배열할 수 있습니다.서양음악이론은 일반적으로 옥타브를 반음계라고 불리는 12개의 음계로 나누는데, 그 안에서 인접한 음 사이의 간격을 반음계 또는 반음계라고 부른다.이 12종 세트 중에서 음색을 선택하고 반음 패턴과 통음 패턴으로 배열하면 다른 ^[30]음계가 만들어집니다.

가장 흔히 볼 수 있는 음계는 7음 장조, 조화 단조, 멜로디 단조, 자연 단조입니다.음계의 다른 예로는 민요와 블루스에서 흔히 볼 수 있는 옥타토닉 음계와 펜타토닉 또는 오음 음계가 있다.비서양 문화에서는 옥타브의 균등하게 나누어진 12음 분할과 일치하지 않는 음계를 사용하는 경우가 많다.예를 들어, 고전적인 오스만, 페르시아, 인도 및 아랍 음악 시스템은 종종 '중립' 초(3개의 쿼터 톤) 또는 '중립' 삼분음(7개의 쿼터 톤) 단위로 쿼터 톤의 배수를 사용합니다. 이들은 보통 쿼터 톤 자체를 직접 ^[30]음정으로 사용하지 않습니다.

전통적인 서양 표기법에서, 작곡에 사용되는 음계는 보통 그 음계를 구성하는 음정을 나타내기 위해 처음에 키 서명으로 표시됩니다.음악이 진행됨에 따라 사용되는 음높이가 변화하여 다른 음계를 도입할 수 있습니다.음악은 다양한 목적을 위해 한 음계에서 다른 음계로 전환될 수 있으며, 종종 성악가의 음역을 수용할 수 있습니다.이러한 전이는 전체 피치 범위를 높이거나 낮추지만 원래 척도의 인터벌 관계를 유지합니다.예를 들어 C장조 키에서 D장조로 이행하면 C장조 스케일의 모든 피치가 한 톤씩 균등하게 상승한다.인터벌 관계는 변하지 않기 때문에, 청취자는 전치를 눈치채지 못할 수 있지만, 전치는 음악을 실행하는 악기 또는 음성의 범위와 비교하여 전체적인 피치 범위의 관계를 변화시키기 때문에 다른 품질은 눈에 띄게 변화할 수 있습니다.이것은 ^[31]종종 연주자들에게 기술적인 영향을 미칠 뿐만 아니라 음악의 전체적인 소리에 영향을 미칩니다.

서양의 음색에서 가장 많이 사용되는 건반의 상호관계는 5분의 1의 동그라미로 쉽게 알 수 있다.특정 구성에 대해 고유한 키시그니처도 고안될 수 있습니다.바로크 시대에는, 애정의 교리로 알려진 특정 키와의 감정적 연관성은 음악 이론의 중요한 주제였지만, 그 교리를 낳았던 독특한 색조의 키들은 동등한 기질의 채택으로 대부분 지워졌다.하지만, 많은 음악가들은 특정 키가 다른 키보다 특정 감정에 더 적합하다고 계속해서 느끼고 있다.인도의 클래식 음악 이론은 계속해서 건반을 감정 상태, 하루 중 시간, 그리고 다른 음악적인 개념과 강하게 연관시키고, 특히, 같은 기질을 사용하지 않는다.

자음과 불협화음

자음과 불협화음은 문화나 연령에 따라 크게 다른 간격의 소리의 주관적인 특성이다.자음(또는 일치)은 그 자체로 안정적이고 완전한 것처럼 보이는 구간 또는 화음의 품질입니다.불협화음(또는 불협화음)은 불완전한 느낌이 들어 자음 간격에 대해 "해결하고 싶다"는 점에서 반대입니다.불협화음 간격이 충돌하는 것 같습니다.자음간격은 같이 들으면 편할 것 같아요.일반적으로 완벽한 4분의 1, 5분위, 옥타브와 장조, 단조, 6분의 1이 모두 자음으로 여겨진다.다른 모든 것들은 ^[32]많든 적든 불협화음이다.

문맥과 다른 많은 측면은 명백한 부조화와 자음에 영향을 미칠 수 있습니다.예를 들어 드뷔시 서곡에서 장조는 안정적이고 자음으로 들릴 수 있는 반면, 바흐 푸가에서는 같은 음정이 불협화음으로 들릴 수 있다.커먼 프랙티스 시대에는 하위 3분의 1 또는 하위 5의 지원을 받지 않으면 완벽한 4분의 1은 부조화로 간주됩니다.20세기 초부터, 전통적으로 불협화음을 "높은" 보다 먼 자음으로 취급할 수 있는 "해방된" 불협화음의 개념은 더욱 널리 ^[32]받아들여지고 있다.

리듬

리듬은 소리와 침묵의 시간적 배열에 의해 만들어진다.미터기는 정기적인 펄스 그룹(측정 또는 막대)에서 음악을 측정합니다.시간 서명 또는 미터 서명은 측정치에 포함된 비트 수와 단일 비트로 카운트되거나 감지되는 필기 메모의 값을 지정합니다.

강세가 증가하거나 지속 시간 또는 조음 변화가 있으면 특정 톤이 강조될 수 있습니다.대부분의 음악 전통에는 주어진 음계를 강화하기 위해 비트의 규칙적이고 계층적인 악센트를 위한 관습이 있다.싱코페이트 리듬은 ^[33]비트의 예상치 못한 부분을 강조함으로써 이러한 관습과 모순된다.여러 가지 시그니처로 동시 리듬을 연주하는 것을 폴리리듬이라고 합니다.^[34]

최근 몇 년 동안, 리듬과 음계는 음악 학자들 사이에서 중요한 연구 분야가 되었다.최근 가장 많이 인용된 학자는 모리 예스턴,^[35] 프레드 레르달, 레이 재켄도프,^[36] 조나단 크레이머,^[37] 저스틴 ^[38]런던이다.

멜로디

멜로디는 하나의 ^{[citation needed]}존재로 인식되는 일련의 톤으로, 연속적으로 울리며, 일반적으로 긴장의 클라이맥스로 이동한 후 정지 상태로 해결됩니다.멜로디는 많은 음악에서 매우 중요한 측면이기 때문에, 그것의 구성과 다른 자질들은 음악 이론의 주요 관심사이다.

멜로디의 기본 요소는 음높이, 지속시간, 리듬, 템포입니다.멜로디의 음색은 보통 음계나 모드와 같은 음계에서 도출된다.멜로디는 수치, 동기, 준구, 선행구 및 후속구, 마침표 또는 문장으로 구성될 수 있다.마침표는 완전한 멜로디로 간주할 수 있지만, 일부 예에서는 두 마침표를 조합하거나 구성 요소의 다른 조합을 사용하여 더 큰 형식의 ^[40]멜로디를 만듭니다.

코드

음악에서 화음은 동시에 울리는 것처럼 들리는 ^{[41]: pp. 67, 359 [42]: p. 63} 세 개 이상의 음으로 이루어진 조화 세트이다.이것들은 실제로 함께 연주될 필요는 없다: 아르페지오와 끊어진 화음은 많은 실용적이고 이론적인 목적을 위해 화음을 구성할 수 있다.코드와 코드 시퀀스는 현대의 서양, 서아프리카,^[43] 오세아니아^[44] 음악에서 자주 사용되지만,^{[45]: p. 15} 세계의 많은 다른 지역의 음악에서는 사용되지 않습니다.

가장 자주 접하는 화음은 세 개의 뚜렷한 음표로 구성되어 있기 때문에 불리는 3개의 화음이다. 즉, 7번째 화음을 주기 위해 추가 음이 추가될 수도 있고, 확장된 화음이 추가될 수도 있다.가장 일반적인 화음은 장조와 단조의 삼합주, 그리고 증대와 감쇠의 삼합주이다.줄자, 줄자, 줄자, 줄자, 줄자, 줄자 등의 설명을 총칭하여 화음질이라고 합니다.화음은 또한 일반적으로 그 근음에 따라 분류된다. 따라서 예를 들어, 화음 C 장조는 음표 C에 구축된 주요 품질의 삼합회로 설명할 수 있다.화음은 음이 쌓이는 순서인 반전에 의해서도 분류할 수 있습니다.

일련의 화음을 화음 진행이라고 한다.어떤 화음이든 원칙적으로 다른 화음이 뒤따를 수 있지만, 어떤 화음의 패턴은 공통의 조화 속에서 키를 확립하는 것으로 받아들여져 왔다.이를 설명하기 위해 로마숫자(^[46]키노트에서 위쪽으로)를 사용하여 화음에 번호를 매긴다.또는을 나타내는 서양 음악에 chords[47]기록의 일반적인 방법으로 재래식 오선보보다 다른 로마 숫자, 무늬가 있는 베이스(는 바로크 시대에 사용되), 화음 편지(가끔 현대 음악학에 사용되), 화음 차트의 다양한 시스템은 일반적으로 앞서 시트를 대중 음악의 c의 순서 배치될 것인지에 사용하는 포함한다호르.ds: 음악가가 반주 코드를 연주하거나 솔로를 즉흥적으로 연주할 수 있도록 합니다.

하모니

음악에서, 하모니는 동시 피치(톤, 음표 또는 코드)^{[45]: p. 15} 의 사용이다.조화의 연구는 화음과 그 구성, 화음의 진행과 그것들을 ^[48]지배하는 연결의 원리를 포함한다.하모니는 종종 음악의 "수직적인" 측면, 즉 선율적인 선과 구별되는 "수평적인"^[49] 측면을 가리킨다고 한다.따라서 멜로디 라인의 인터위칭을 나타내는 카운터포인트와 독립된 개별 음성의 관계를 나타내는 폴리포니는 때때로 ^[50]하모니와 구별된다.

대중적이고 재즈적인 화음에서, 화음은 그 뿌리와 그 자질을 나타내는 다양한 용어와 문자로 명명된다.예를 들어 리드 시트는 C장조, D단조, G우성 7 등의 코드를 나타낼 수 있다.바로크, 로맨틱, 모던, 재즈 등 많은 종류의 음악에서 화음은 종종 "tensions"로 강화된다.장력은 저음을 기준으로 비교적 불협화음을 발생시키는 추가 코드 부재입니다.이것은 화음의 일부이지만 화음(1 3 5 7) 중 하나가 아닙니다.일반적으로 고전적인 일반적인 연습 기간에는 불협화음(장력이 있는 화음)이 자음 화음으로 "분해"된다.화음은 자음과 불협화음의 균형이 있을 때 보통 귀에 기분 좋게 들린다.간단히 말해서, 그것은 "긴장"과 "완화된" ^{[51][unreliable source?]}순간 사이에 균형이 있을 때 발생합니다.

음색

음색은 때때로 "색" 또는 "음색"이라고 불리며, 음색과 음량이 같을 때 우리가 한 악기와 다른 악기를 구별할 수 있게 해주는 주요 현상입니다. 종종 밝은, 둔한, 날카로운 등의 용어로 표현되는 목소리 또는 악기의 품질입니다.그것은 음악 이론에서 상당한 관심을 가지고 있는데, 특히 아직까지 표준화된 명명법이 없는 음악의 구성요소 중 하나이기 때문이다.그것은"...모든 것에 대한 psychoacoustician의 다차원 waste-basket 범주 음조나 음량 표시할 수 없는"[52]기 때문에 모든 소리가 주파수, 공격 및 배출 봉투, 다른 qualitie의 결합에서 비롯되는 정확하고 분석한 푸리에 분석과 다른 methods[53]으로 설명할 수 있고 있다.s는음색은 구성되다.

음색은 주로 두 가지에 의해 결정된다. (1) 악기 구성에 의해 생성된 음색의 상대적 균형(예를 들어 형태, 재료)과 (2) 소리의 외피(시간 경과에 따른 오버톤 구조의 변화를 포함한다).음색은 다른 악기, 목소리, 그리고 같은 종류의 악기들, 그리고 연주자의 기법의 다양성으로 인해 크게 다르다.대부분의 악기의 음색은 연주 중에 다른 기술을 사용함으로써 바뀔 수 있다.예를 들어, 벨에 음소거가 삽입되거나 연주자가 엠보셔 또는 ^{[citation needed]}음량을 변경할 때 트럼펫의 음색이 변합니다.

목소리는 연주자가 자신의 성악기(예를 들어 성강이나 입 모양)를 조작하는 방법에 따라 음색을 바꿀 수 있다.음악 표기법은 종종 소리 기술, 음량, 악센트 및 기타 수단의 변화에 의해 음색의 변화를 지정한다.이것들은 상징적 지시와 구두 지시로 다양하게 나타난다.예를 들어, dolce(sweetly)라는 단어는 구체적이지 않지만 일반적으로 부드럽고 "sweet"한 음색을 나타냅니다.술맛은 현악기 연주자에게 지판 가까이 또는 위에서 절을 하여 덜 밝은 소리를 내도록 지시한다.쿠이브레는 금관악기 연주자에게 억지스럽고 통렬한 소리를 내라고 지시한다.marcato(^)나 dynamic indications(pp)와 같은 악센트 기호도 ^[54]음색의 변화를 나타낼 수 있습니다.

다이내믹스

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음악에서 "역학"은 일반적으로 데시벨 또는 폰으로 측정되는 물리학자 및 오디오 엔지니어에 의해 측정될 수 있는 강도 또는 부피의 변화를 말합니다.그러나 음악 기보법에서 역학은 절대값이 아니라 상대적인 값으로 취급된다.이들은 대개 주관적으로 측정되기 때문에 진폭 외에도 음색, 진동, 조음 등 강도의 성능이나 지각에 영향을 미치는 요인이 있습니다.

기존의 역학 지표는 큰소리(f)는 포르테(f), 부드러운 소리(p)는 피아노(p)와 같은 이탈리아어의 약어이다.이러한 2개의 기본적인 표기는, 적당히 부드러운(문자 그대로 「반쪽 부드러운」) 메조 피아노(mp)와 적당히 시끄러운(mf)의 메조 포르테(mfz), 급작스럽게 부드러운 레벨로 저하하는 큰(fp)의 공격용의 포르잔도 또는 포르자토(sfz)를 포함한다.이러한 표시의 전체 범위는 보통 거의 들리지 않는 피아노시시모(ppp)에서 가능한 한 시끄러운 포르티시모(fffff)까지 다양합니다.

ppppp와 fffp, 그리고 p+나 pi piano pi are piano와 같은 뉘앙스도 종종 발견됩니다.음량을 나타내는 다른 시스템도 표기법과 분석 모두에서 사용된다: dB(데시벨), 숫자 척도, 색칠 또는 다른 크기의 노트, 이탈리아어 이외의 언어로 된 단어 및 음량을 점진적으로 증가시키기 위한 기호(데시벨 또는 데시켄도), 흔히 "헤어핀"이라고 불린다.위 그림과 같이 분기 또는 수렴하는 선이 있습니다.

조음

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발음은 연주자가 음을 내는 방식이다.예를 들어, 스타카토는 쓰여진 음표값에 비해 지속시간이 짧아지는 것으로, 레가토는 분리 없이 부드럽게 결합된 순서로 음표를 실시한다.조음법은 정량화되지 않고 설명되는 경우가 많기 때문에 각 조음을 정확하게 실행하는 방법을 해석할 여지가 있습니다.

예를 들어, 스타카토는 종종 "분리된" 또는 "분리된"으로 불리며, 이를 통해 통지된 기간을 단축할 수 있는 정의되거나 번호가 매겨진 양을 갖는 것이 아닙니다.바이올린 연주자들은 스타카토의 다른 자질을 연주하기 위해 다양한 기술을 사용한다.연주자가 주어진 조율을 실행하기로 결정하는 방법은 보통 곡이나 구절의 맥락에 기초하지만, 많은 조음 기호와 구두 명령은 악기와 음악 시기에 따라 달라집니다(예: 비올, 바람, 클래식, 바로크 등).

대부분의 악기와 음성이 공통적으로 수행하는 일련의 조음이 있습니다.긴 것부터 짧은 것까지: 레가토(스무스한 것, 연결된 것), 테누토(완전 음정까지 누르는 것 또는 재생하는 것), 마르카토(악센트와 분리되는 것), 스타카토(분리되는 것), 마르텔레(높은 악센트 또는 망치)^{[contradictory]}이다.이들 중 많은 부분을 조합하여 특정 "중간" 관절을 만들 수 있습니다.예를 들어 portato는 tenuto와 staccato의 조합입니다.활이 현에서 튀어 나오는 활의 스파이캣토와 같은 독특한 소리를 내는 악기들이 있다.

식감

음악에서 질감은 멜로디, 리듬, 그리고 조화로운 소재들이 하나의 작곡에서 어떻게 결합되어 하나의 곡에서 소리의 전반적인 질을 결정하는 것이다.텍스처는 종종 낮은 피치와 높은 피치 사이의 밀도, 두께, 범위 또는 폭과 관련하여 상대적인 용어로 설명되며, 목소리 수 또는 부품의 수 및 이러한 목소리 사이의 관계에 따라 더 구체적으로 구분됩니다.예를 들어, 두꺼운 텍스처에는 많은 "레이어"의 계측기가 포함되어 있습니다.이러한 레이어 중 하나는 현악 섹션 또는 다른 황동 섹션일 수 있습니다.

두께는 연주되는 악기의 수와 풍성함에도 영향을 받습니다.두께는 가벼운 것부터 두꺼운 것까지 다양합니다.가벼운 질감의 피스에는 가볍고 희박한 스코어링이 있습니다.두껍거나 질감이 강한 악기는 많은 악기에 대해 점수가 매겨집니다.한 곡의 질감은 한 번에 연주되는 부품의 수와 특성, 악기의 음색 또는 이러한 부분을 연주하는 목소리, 그리고 ^[56]사용되는 화음, 템포 및 리듬에 의해 영향을 받을 수 있습니다.1차 텍스처 요소의 라벨링을 통해 파트의 수와 관계별로 분류된 타입을 분석하여 결정한다: 1차 멜로디, 2차 멜로디, 평행지원 멜로디, 정적지원, 조화지원, 리듬지원, 조화 및 리듬지원.^{[57][incomplete short citation]}

일반적인 형식으로는 모노럴의 질감(솔로 소프라노를 위한 작품 또는 솔로 플루트와 같은 단일한 선율의 목소리,),biphonic 질감(바순의 바순과 플룻의 멜로디는 음악을 연주하는 드론 노트 하는 듀오와 플룻 같은 두 멜로디 목소리,),polyphonic 질감과 동음의 질감(화음 멜로디 하나를 수반하는)을 포함했다.[표창 필요한]

형태 또는 구조

음악 형식(또는 음악 건축)은 음악의 전체적인 구조나 계획을 말하며,^[59] 섹션으로 나누어진 작곡의 배치를 말합니다.The Oxford Companion to Music의 10번째 판에서, Percy Scholes는 음악 형식을 "완화되지 않은 반복과 완화되지 않은 ^[60]변화라는 양극단 사이에서 성공적인 수단을 찾기 위해 고안된 일련의 전략"이라고 정의한다.리처드 미들턴에 따르면, 음악적 형태는 "작품 형태 또는 구조"라고 한다.그는 그것을 차이를 통해 설명한다: 반복으로부터 이동한 거리; 후자는 가장 작은 차이이다.차이는 양적, 질적 차이입니다. 즉, 어느 정도, 어떤 유형의 차이인지입니다.대부분의 경우 형식은 문장과 재작성, 통일성과 다양성, 대비와 ^[61]연결에 따라 달라집니다.

표현

음악적인 표현은 감정적인 의사소통을 통해 음악을 연주하거나 부르는 예술입니다.표현을 구성하는 음악의 요소들은 포르테나 피아노, 표현, 음색과 발음의 다른 특성, 색, 강도, 에너지 그리고 흥분을 포함한다.이러한 모든 장치는 연주자가 통합할 수 있습니다.공연자는 관객의 공감하는 감정을 이끌어내고, 관객의 신체적, 감정적 반응을 흥분시키고, 진정시키고, 또는 다른 방법으로 동요시키는 것을 목표로 한다.음악적 표현은 때때로 다른 매개 변수들의 조합에 의해 생성된다고 생각되며, 때로는 음높이나 지속시간과 같은 측정 가능한 양의 합보다 더 큰 초월적 품질로 묘사됩니다.

악기에 대한 표현은 노래에서 호흡의 역할과 감정, 감정, ^{[clarification needed]}깊은 감정을 표현하는 목소리의 타고난 능력과 밀접한 관련이 있을 수 있습니다.이것들이 어떻게든 분류될 수 있는지는 아마도 학자들의 영역일 것이다. 그들은 표현을 일관되게 인식 가능한 감정을 구현하는 음악 공연의 요소로 보고 이상적으로는 ^[62]듣는 사람들에게 공감적인 감정 반응을 일으킨다.음악적 표현의 감정적 내용은 특정 소리(예: 놀랄 만큼 큰 '쾅' 소리) 및 학습된 연상(예: 국가)의 감정적 내용과 구별되지만,^{[citation needed]} 그 맥락으로부터 완전히 분리되는 경우는 드물다.

음악적 표현의 구성요소는 여전히 광범위하고 해결되지 않은 ^{[63][64][65][66][67][68]}논쟁의 대상이다.

표기법

악보법은 음악을 쓰거나 상징적으로 표현한 것입니다.이는 일반적으로 이해되는 그래픽 기호, 서면 구두 지침 및 그 약어를 사용함으로써 대부분 달성됩니다.다양한 문화와 다양한 연령대의 음악 표기 체계가 있다.전통적인 서양 표기법은 중세 시대에 발전했고 여전히 실험과 ^[69]혁신의 영역으로 남아 있다.2000년대 들어 컴퓨터 파일 형식도 ^[70]중요해졌다.구어와 손짓도 주로 가르치는 데 음악을 상징적으로 표현하기 위해 사용된다.

표준 서양음악표기법에서 음색은 지팡이 또는 스테이브에 배치된 기호(음표), 피치에 대응하는 수직축 및 시간에 대응하는 수평축으로 그래픽으로 표현된다.머리 모양, 줄기, 깃발, 넥타이 및 점이 지속 시간을 나타내는 데 사용됩니다.추가 기호는 키, 다이내믹스, 액센트, 받침대 등을 나타냅니다.지휘자의 구두 지시는 종종 템포, 테크닉 및 기타 측면을 나타내기 위해 사용됩니다.

서양음악에서는 다양한 음악표기법이 사용된다.서양 고전음악에서는 지휘자는 악기의 모든 부분을 보여주는 악보를 사용하고 오케스트라 단원은 악보를 쓴 채로 악보를 읽는다.인기 있는 음악 스타일에서는, 훨씬 적은 수의 음악들이 기록될 수 있다.록밴드는 코드네임(예를 들어 C장조, D단조, G7 등)을 사용하여 곡의 코드 진행을 나타내는 수기 코드 차트만으로 녹음 세션에 들어갈 수 있다.모든 코드 보이스, 리듬, 반주 피규어는 밴드 멤버들에 의해 즉흥적으로 만들어졌다.

학문으로서의 음악 이론

20세기의 음악 이론의 학술적 연구는 많은 다른 하위 분야를 가지고 있으며, 각각의 분야는 관심의 주요 현상과 조사하는데 가장 유용한 방법에 대해 다른 관점을 가지고 있다.

분석.

음악 분석은 이 음악이 어떻게 작동되는지에 대한 질문에 답하기 위한 시도입니다.이 질문에 대답하기 위해 사용되는 방법, 그리고 질문의 정확한 의미는 분석가마다 그리고 분석의 목적에 따라 다릅니다.이안 벤트에 따르면, "분석은 그 자체로 19세기 후반에 확립되었다; 접근법과 방법으로서의 출현은 1750년대까지 거슬러 올라갈 수 있다.하지만 중세시대부터 ^{[71][incomplete short citation]}보조적인 학문적 도구로 존재했습니다.아돌프 베른하르트 마르크스는 19세기 후반의 작곡과 음악 이해에 대한 개념을 공식화하는 데 영향을 미쳤다.분석의 원리는 특히 작곡가들에 의해 다양한 비판을 받아왔는데, "분석에 의해 설명하는 것은 작품의 정신을 분해하는 것이다"라는 에드가르 바레의 주장과 같은 것이다.^[72]

셴커 분석은 하인리히 셴커 (1868–1935)의 이론에 기초한 음색 음악의 음악적 분석 방법이다.Schenkerian 분석의 목표는 음조 작품의 기본 구조를 해석하고 그 구조에 따라 악보를 읽는 것을 돕는 것이다.그 이론의 기본 교의는 음악의 음색을 정의하는 방법으로 볼 수 있다.악곡의 한 구절에 대한 셴케르식 분석은 음고 사이의 계층적 관계를 나타내며, 이 계층으로부터 악곡의 구조에 대한 결론을 도출한다.이 분석은 Schenker가 정교함의 다양한 기법을 보여주기 위해 고안한 특별한 상징적 형태의 음악 기보법을 이용한다.셴커의 음조 이론의 가장 근본적인 개념은 음조 ^[73]공간의 개념일 수 있다.음정 3중주 음표 사이의 간격은 통과 음표와 이웃 음표로 채워진 음정 공간을 형성하고, 새로운 3중주 음표와 새로운 음정 공간을 생성하며, 작품의 표면(점수)에 도달할 때까지 더 자세한 설명을 위해 개방된다.

Schenker 자신이 보통 점수를 얻기 위해 기본 구조(Ursatz)에서 시작하여 생성 방향으로 분석을 제시하지만, Schenkerian 분석의 실천은 점수에서 시작하여 어떻게 그것이 기본 구조로 축소될 수 있는지를 보여주는 등 더 자주 감소한다.Ursatz의 그래프는 부정맥이며, 엄격한 반대점 캔투스 Firmus ^[74]운동도 마찬가지입니다.리덕션의 중간 레벨에서도 리듬 표기법(열린/닫힌 노트헤드, 빔 및 플래그)은 리듬이 아니라 피치 이벤트 간의 계층적 관계를 나타냅니다.Schenkerian 분석은 주관적이다.기계적 절차가 수반되지 않으며 분석은 ^[75]분석가의 음악적 직관을 반영합니다.그 분석은 음악을 듣는(그리고 읽는) 방식을 나타낸다.

변형이론은 1980년대 데이비드 르윈에 의해 개발된 음악 이론의 한 분야로 1987년 그의 작품인 Generalized Musical Intervals and Transformations에서 공식적으로 소개되었다.수학적 그룹의 요소로서 음악적 변화를 모델링하는 이 이론은 음색과 무조음 음악을 분석하는데 사용될 수 있다.변환 이론의 목표는 "C장조 코드" 또는 "G장조 코드"와 같은 음악적 객체에서 객체 간의 관계로 초점을 바꾸는 것입니다.따라서, 전통적인 음악 집합 이론이 음악적 사물의 구성에 초점을 맞춘 반면, 변형 이론가는 첫 번째 화음을 "지배적 연산"에 의해 "두 번째 화음"이라고 말할 수 있다.이온이론은 일어날 수 있는 음악 동작의 간격이나 유형에 초점을 맞춘다.르윈의 강조점 변화에 대한 설명에 따르면, "[변혁적인] 태도는 확인된 '점' 사이의 확장에 대한 관찰된 측정을 요구하는 것이 아니라, "만약 내가 s에 있고 t에 도달하고 싶다면, 그곳에 도착하기 위해 어떤 특징적인 제스처를 취해야 하는가?"라고 묻는다."^[76]

음악 인식과 인지

음악심리학이나 음악의 심리학은 심리학과 음악학 양쪽 모두의 한 분야로 간주될 수 있다.그것은 음악이 인식되고, 창조되고, 반응하고,^[77][78] 일상생활에 통합되는 과정을 포함하여 음악적 행동과 경험을 설명하고 이해하는 것을 목표로 한다.현대 음악심리학은 주로 경험적인 것이다; 그것의 지식은 인간 참여자들에 대한 체계적인 관찰과 상호작용에 의해 수집된 데이터의 해석에 기초해 발전하는 경향이 있다.음악심리학은 인간의 적성, 기술, 지능, 창의성, 사회적 행동에 대한 조사뿐만 아니라 음악 연주, 작곡, 교육, 비평, 치료를 포함한 많은 분야에 실질적인 관련이 있는 연구 분야이다.

음악심리학은 음악학과 음악실습의 비심리적 측면을 조명할 수 있다.예를 들어, 그것은 멜로디, 화음, 음조, 리듬, 미터, 그리고 형태와 같은 음악 구조의 지각과 컴퓨터 모델링에 대한 조사를 통해 음악 이론에 기여한다.음악사 연구는 음악 구문의 역사에 대한 체계적인 연구 또는 그들의 음악에 대한 지각적, 감정적, 사회적 반응과 관련된 작곡가와 작곡가의 심리학적 분석으로부터 이익을 얻을 수 있습니다.민족음악학은 다른 ^{[79][citation needed]}문화에서 음악 인지 연구에 대한 심리적 접근으로부터 이익을 얻을 수 있다.

장르 및 기술

음악 장르는 일부 음악이 공통의 전통이나 ^[80]관습에 속하는 것을 식별하는 전통적인 범주입니다.그것은 음악 형식이나 음악 스타일과 구별되어야 하지만, 실제로 이러한 용어들은 때때로 서로 ^{[81][failed verification]}바꿔서 사용되기도 한다.

음악은 여러 가지 방법으로 다른 장르로 나눌 수 있다.음악의 예술성은 이러한 분류가 종종 주관적이고 논란이 있으며, 일부 장르가 중복될 수 있다는 것을 의미합니다.장르라는 용어 자체에 대한 학문적 정의도 다양하다.그의 책 Form in Tonal Music에서 더글라스 M.초록색은 장르와 형식을 구분합니다.그는 르네상스 시대의 장르로 마디갈, 모테, 칸조나, 리커카, 그리고 춤을 꼽는다.장르의 의미를 더욱 명확히 하기 위해 그린은 다음과 같이 쓰고 있다. "베토벤의 작품 61과 멘델스존의 작품 64는 바이올린 협주곡으로 장르는 같지만 형식은 다르다.하지만 모차르트의 피아노용 론도(511년)와 미사곡의 아그누스 데이(317년)는 장르는 다르지만 형식은 ^[82]비슷하다고 말했다.Peter van der Merwe와 같은 일부 사람들은 장르와 스타일을 동일하게 취급하며, 장르는 같은 스타일 또는 "기본 음악 언어"에서 나온 음악 작품들로 정의되어야 한다고 말한다."^[83]

다른 사람들, 예를 들면 Allan F.무어 씨, 장르와 스타일은 별개의 용어이며 주제와 같은 부차적인 특성도 ^[84]장르를 구분할 수 있다고 말합니다.음악 장르 또는 하위 장르는 또한 음악 기법, 스타일, 문화적 맥락, 그리고 주제의 내용과 정신에 의해 정의될 수 있다.지리적 기원은 종종 음악 장르를 식별하기 위해 사용되기도 하지만, 단일 지리적 범주는 종종 다양한 하위 장르를 포함합니다.티모시 로리는 "1980년대 초반부터 장르는 대중음악 연구의 하위 집합에서 음악 ^[85]연구 대상을 구성하고 평가하는 거의 유비쿼터스 프레임워크로 발전했다"고 주장한다.

음악 기법은 기악과 성악가가 그들의 악기나 성대를 최적으로 제어하여 정확한 음악적 효과를 낼 수 있는 능력이다.기술 향상은 일반적으로 근육 민감도와 민첩성을 향상시키는 운동을 수반한다.기교를 향상시키기 위해, 음악가들은 종종 자연음계, 단음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 장음계, 단음계, 단음계, 단음계, 단음계, 단음예를 들어, 3중창과 7중창은 어떻게 화음을 정확하고 빠르게 연주하는지 가르친다.음계는 한 음표에서 다른 음표(보통 단계별)로 빠르고 우아하게 이동하는 방법을 가르칩니다.아르페지오는 끊어진 화음을 더 큰 간격으로 연주하는 방법을 가르친다.음악의 많은 요소들은 작곡에서 발견되는데, 예를 들어 음계는 고전적이고 낭만적인 시대 ^{[citation needed]}작곡의 매우 일반적인 요소이다.

하인리히 셴커는 음악 기법의 "가장 놀랍고 독특한 특징"은 ^[86]반복이라고 주장했다.에튀드("연구"라는 의미)로 알려진 작품도 기술 개선을 위해 자주 사용됩니다.

수학

음악 이론가들은 때때로 음악을 이해하기 위해 수학을 사용한다. 그리고 음악은 현대 수학에서 자명한 토대가 없지만 수학은 "소리의 기초"이고 "음악적인 측면에서는 소리 그 자체"이다.자연 자체가 "놀랍게도 수학적"^[87]이라는 이유만으로, 수적 성질의 현저한 배열을 나타낸다.음악을 작곡하고 듣는 새로운 방법을 구조화하고 전달하려는 시도는 집합론, 추상 대수학, 숫자 이론의 음악적 응용으로 이어졌다.몇몇 작곡가들은 황금 비율과 피보나치 숫자를 그들의 ^[88][89]작품에 포함시켰다.음악과 수학의 관계를 살펴본 오랜 역사가 있다.고대 중국, 이집트, 메소포타미아 사람들은 ^[90]소리의 수학적 원리를 연구했다고 알려져 있지만, 고대 그리스의 피타고라스인들(특히 필롤라오스와 아치타스)^[91]은 음계의 수치 비율에 대한 표현을 연구한 최초의 연구자들이다.

현대 음악 집합론은 수학적 집합론의 언어를 기본적인 방식으로 사용하여 음악적 대상을 구성하고 그 관계를 기술합니다.음악 세트 이론을 사용하여 (일반적으로 무음) 음악의 구조를 분석하려면, 사람들은 보통 동기나 화음을 형성할 수 있는 일련의 음조로 시작합니다.전치, 반전 등 간단한 연산을 적용하면 음악 속 깊은 구조를 발견할 수 있다.전위나 반전 등의 연산을 등각이라고 하는데, 그 이유는 일련의 톤 사이의 간격을 유지하기 때문입니다.음악 집합론의 방법을 확장하면서, 일부 이론가들은 음악을 분석하기 위해 추상 대수학을 사용했다.예를 들어, 균등하게 강화된 옥타브의 피치 클래스는 12개의 요소를 가진 아벨 그룹을 형성한다.자유 ^[92]아벨군의 관점에서 억양만을 설명할 수 있다.

직렬 구성 및 집합 이론

음악 이론에서, 연속성은 다른 음악 요소들을 조작하기 위해 일련의 가치들을 사용하는 작곡 방법이나 기법이다.비록 그의 동시대인들이 포스트 톤 사고의 한 예로서 시리얼리즘을 확립하기 위해 노력했지만, 시리얼리즘은 주로 아놀드 쇤베르크의 12가지 톤 테크닉에서 시작되었다.12음 기법은 열이나 열을 형성하고 작곡의 멜로디, 조화, 구조 진행 및 변주곡의 통일된 기초를 제공하는 반음계의 12음계를 명령한다.다른 유형의 연속성은 집합, 객체 집합과 함께 작동하지만 반드시 고정 순서 연속과 함께 작동하지는 않으며, 지속 시간, 역학, 음색과 같은 다른 음악적 차원(종종 "파라미터"라고 함)으로 기술을 확장합니다.연속주의라는 개념은 시각 예술, 디자인, 건축에도^[93] 다양하게 적용되고 있다

"통합 연속성" 또는 "전체 연속성"은 음고뿐만 아니라 지속 시간, 역동성, 레지스터와 같은 측면에 연속성을 사용하는 것입니다.^[94] 특히 유럽에서 제2차 세계대전 이후의 연속음악과 12음조 음악을 구별하기 위해 사용된 다른 용어로는 "일반 연속주의"와 "다중 연속주의"^[95]가 있다.

음악 집합론은 음악적인 대상을 분류하고 그들의 관계를 설명하는 개념을 제공합니다.많은 개념들은 하워드 핸슨(1960년)에 의해 음조 음악과 관련하여 처음 고안되었고, 그 후 앨런 포르테(1973년)와 같은 이론가들이 밀턴 배빗의 12가지 음조 이론에서 그 작품을 그려낸 무조 음악과 관련하여 발전되었다.집합론의 개념은 매우 일반적이며 균등하게 강화된 튜닝 시스템의 음색과 무조 스타일에 적용될 수 있으며,^{[citation needed]} 어느 정도 더 일반적으로 적용될 수 있습니다.

음악 집합론의 한 부문은 순서가 매겨지거나 순서가 매겨지지 않는 음높이와 음높이의 집합(세트 및 배열)을 다루며, 전치, 반전, 보완과 같은 음악 연산에 의해 관련될 수 있다.음악 집합론의 방법들은 때때로 리듬의 ^{[citation needed]}분석에도 적용된다.

기호학

음악 세미올로지(생체학)는 다양한 수준의 음악과 관련된 사인들을 연구하는 학문이다.Roman Jakobson에 이어 Kofi Agawu는 음악적 반증(semiosis)이 내향적 또는 외향적이라는 개념을 채택했습니다. 즉, 텍스트 안과 없는 ^{[citation needed]}음악 기호입니다."토픽스" 또는 다양한 음악 관습(호른 소리, 춤 형식, 스타일 등)은 ^{[citation needed]}아가우에 의해 암시적으로 취급되어 왔다.제스처의 개념은 음악-의미학 연구에 ^{[citation needed]}큰 역할을 하기 시작하고 있다.

"음악이 존재 발생학적, 계통 발생학적 차원 모두에서 ^{[96][97][98][99][100][101][102][103][incomplete short citation][clarification needed]}언어보다 발달적 우선권을 갖는 반생물학적 영역에 존재한다는 강력한 주장이 있습니다."

음악 기호학에 작가들 코피 Agawu(국소 theory,[표창 필요한]하인리히 Schenker,[104][105]로버트 Hatten 주제(에 동작에)[표창 필요한], 레이먼드 Monelle(주제, 음악적 의미에)[표창 필요한], 장 자크 Nattiez(내성적인 분류학적 분석과 민족 음악학의. 응용에 대한)[표창 필요한], 앤서니 Newc을 포함한다.Omb(narrativity에)[표창 필요한], Eero Tarasti[표창 필요한](일반적으로 mu의 시조로 여겨진다.시컬 기호제).^{[clarification needed]}

기호학자이자 숙련된 아마추어 피아니스트인 롤랑 바르트는 비록 음악을 기호학^{[citation needed]} 체계로 여기지 않았지만, 이미지에 관한 음악 텍스트,^{[full citation needed] [full citation needed]}형식의 책임, 에펠탑에서 ^{[full citation needed]}음악에 대해 썼다.

음악에서 기호, 의미는 기본적으로 소리의 함축과 사회적 구성, 이러한 함축과 관련된 특정 의미의 유용과 증폭을 통해 발생합니다.Philip Tagg의 작품(Ten Little ^{[full citation needed]}Tunes,^{[full citation needed]} Fernando the Flurit, Music의^{[full citation needed]} 의미)은 서양 음악, 특히 인기 있는 텔레비전과 영화 음악에서 음악 구조와 함축 사이의 관계에 대한 가장 완벽하고 체계적인 분석 중 하나를 제공합니다.레너드 B의 작품. 스타일 앤^{[full citation needed]} 뮤직의 마이어는 이념과 음악 구조의 관계와 스타일의 변화 현상을 이론화하고 사례 연구로 낭만주의에 초점을 맞췄다.

교육 및 경력

실용적 의미의 음악 이론은 수 세기 동안 음악원과 음악 학교에서 교육의 일부였지만, 현재 학회 내에서 음악 이론이 갖는 지위는 비교적 최근의 것이다.1970년대에는 전문 음악 이론 프로그램을 가진 대학이 거의 없었고, 많은 음악 이론가들이 작곡가나 역사학자로 훈련받았으며, 이론가들 사이에서는 음악 이론의 가르침이 불충분하고 ^[106]그 과목 자체가 학문적인 학문으로 제대로 인식되지 않는다는 믿음이 있었다.점점 더 많은 학자들이 음악 이론이 작곡가, 연주자 또는 음악 ^[106]역사가가 아닌 이론가들에 의해 가르쳐져야 한다는 생각을 홍보하기 시작했다.이것은 1977년 미국에서 음악 이론 협회의 설립으로 이어졌다.유럽에서는 1985년 프랑스 소시에테 데 Analyze 뮤지컬이 창립되었다.1989년 제1회 유럽음악분석회의(First European Conference for Music Analyse)라고 불리며, 같은 해 벨기에에서 Societe belge d'Analyse musicale, 이탈리아에서 Grupo analisi e teoria musicale, 1991년 영국 음악분석학회, 1999년 네덜란드에서는 Verniging vooriekiechiek가 창립되었다.2000년 ^[107]독일에서 열린 für Musictherie.이후 2013년 러시아 음악 이론 협회, 2015년 폴란드 음악 분석 협회, 2020년 스페인의 소시에다드 데 아나리스 이 테오리아 뮤지컬 등이 건설 중이다.이러한 학회는 음악 이론 장학금의 출판을 조정하고 음악 이론 연구자들의 전문적인 개발을 지원한다.

초기 훈련의 일환으로 음악 이론가들은 보통 B를 이수합니다.음악(또는 관련 분야)의 Mus 또는 B.A. 그리고 많은 경우 음악 이론의 M.A.입니다.일부 개인은 학사학위부터 박사학위까지 직접 지원하며, 이러한 경우 석사학위를 받지 못할 수 있습니다. 2010년대에는 대학 대학원 프로그램의 학제간 성격이 강해지고 있기 때문에 음악 이론 박사과정 지원자 중 일부는 음악과 음악 이외의 학문적 훈련을 받을 수 있습니다(예: 학생).H a B.Mus 및 음악 작곡 또는 음악 철학 석사)

대부분의 음악 이론가들은 대학, 대학 또는 음악원에서 강사, 강사 또는 교수로 일한다.테뉴어 트랙 교수직의 구인 시장은 매우 경쟁적이다.지난 10년간 테뉴어 트랙 직급은 연평균 약 25명이 광고되었으며, 이 직책을 놓고 서로 경쟁할 뿐만 아니라 P를 받은 구직자와도 매년 80~100명의 박사학위 졸업자가 배출되고 있다.아직도 종신 재직권 직업을 찾고 있는 전년도 HD들이야지원자는 수료한 박사학위 또는 동등한 학위(또는 채용 후 1년 이내에 학위('논문'을 제외한 모든 것)를 취득할 예정)를 가지고 있어야 하며, (더 많은 상급직의 경우) 동료 검토 저널에 게재된 실적이 있습니다.일부 박사학위 소지 음악 이론가들은 세션 강사로서의 불안정한 자리만 찾을 수 있다.음악 이론가의 직무는 다른 인문 분야의 교수 직무와 동일합니다: 이 전문 분야의 학부 및/또는 대학원 수업을 가르치고, 많은 경우 이 전문 분야의 연구를 수행하는 일반 과정(음악 감상 또는 음악 이론 입문 등)과 출판 재판매동료 검토 저널의 아치 기사, 책 장, 책 또는 교과서 집필, 논문 발표 및 현장 연구 학습을 위한 컨퍼런스 여행, 그리고 프로그램에 석사 및 박사과정 학생이 포함된 경우, 그들의 논문 및 논문 준비에 대한 지침을 제공합니다.일부 음악 이론 교수들은 학장이나 음악학교 의장과 같은 그들의 기관에서 고위 관리직을 맡을 수 있다.

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• 음악 이론 자료
• Dillen, Oscar van, 기초음악 이론 개요(2011년)
• 약간의 이론이 중요한 이유
• "Music Theory Online: Guides, Lessons & Exercises". musictheoryhelp.co.uk. Retrieved 17 December 2017.
• "Music basics Arts and humanities". Khan Academy. Retrieved 17 December 2017.
• "Music Theory is". musictheoryis.com. Retrieved 17 December 2017.