음악 분석

Musical analysis
이 기사는 음악 분석의 과정이나 학문적 규율에 관한 것입니다.이 이름의 학술 저널은 음악 분석(저널)을 참조하십시오.
Approaches or techniques to musical analysis. Assumption and advocating could be considered missing.

음악 분석은 작곡이나 [1]공연의 음악 구조에 대한 연구이다.음악 이론가인 Ian Bent에 따르면, 음악 분석은 "어떻게 작동하는가?"[2]라는 질문에 직접적으로 대답하는 수단이다. 이 질문에 대답하기 위해 사용되는 방법, 그리고 실제로 그 질문이 의미하는 것은 분석가마다 그리고 분석의 목적에 따라 다르다.벤트에 따르면, "접근법과 방법으로서의 그것의 출현은 1750년대까지 거슬러 올라갈 수 있다.하지만 중세시대부터 [3]보조적인 학문적 도구로 존재했습니다.

분석의 원리는 특히 작곡가들에 의해 다양한 비판을 받아왔는데, "분석에 의해 설명하는 것은 작품의 정신을 분해하는 것이다"라는 에드가르 바레의 주장과 같은 것이다.[4]

분석

도날드 토비와 같은 몇몇 분석가들은 그들의 분석을 산문으로 발표했다.한스 켈러와 같은 다른 사람들은 그들의 작품 [citation needed]중 일부에서 산문 해설을 전혀 사용하지 않았다.

토비와 켈러 외에도 주목할 만한 분석가들이 많이 있었다.가장 잘 알려져 있고 가장 영향력 있는 사람 중 한 명인 하인리히 셴커는 모든 음색의 고전 작품들을 단순한 역순서의 정교함("장기")으로 묘사하고자 하는 방법인 셴커 분석을 개발했다.에른스트 커트는 "발달 모티브"[citation needed]라는 용어를 만들었다.루돌프 레티는 작품을 [citation needed]통해 작은 멜로디 모티브의 전개를 추적한 것으로 유명한데, 니콜라스 루웨의 분석은 일종의 음악 세미올러지에 [citation needed]해당한다.

새로운 음악학과 관련된 음악학자들은 종종 음악이 생산되고 음악을 생산하는 연주 관행과 사회적 상황에 대한 그들의 심사를 지원하거나 지원하기 위해 음악 분석(전통적이든 아니든)을 사용한다.사회적 고려사항에서 얻은 통찰력은 분석 방법에 대한 통찰력을 산출할 수 있다.

에드워드 T. 콘은[5] 음악적 분석이 설명과 처방 사이에 있다고 주장한다.설명은 로마 숫자로[6] 코드를 표시하거나 정수나 행 형태로 음열을 표시하는 것과 같은 단순한 비분석적 활동으로 구성되며, 다른 극단적 처방은 "텍스트에 의해 뒷받침되지 않는 관계의 유효성에 대한 주장"으로 구성된다.분석은 들을 수 없는 부분을 억지로 설명하지 않고 들을 수 있는 통찰력을 제공해야 한다.

기술

음악을 분석하기 위해 많은 기술들이 사용된다.은유와 비유적 묘사는 분석의 일부일 수 있고, 작품을 묘사하는 데 사용되는 은유는 "특정하고 통찰력 있는 방법으로 특징과 관계를 설명한다: 이전에는 [7][failed verification]불가능했던 방식으로 그것들을 이해한다."심지어 절대적인 음악도 "우주를 위한 메타포터" 또는 "완벽한 [8]형태"로 여겨질 수 있다.

이산화

분석 과정에는 종종 조각을 비교적 단순하고 작은 부분으로 분해하는 작업이 포함됩니다.종종 이러한 부품이 서로 적합하고 상호 작용하는 방식을 조사합니다.Jean-Jacques [9]Nattiez와 같이 이러한 이산화 또는 분할 과정은 음악이 분석에 접근하기 위해 필요한 것으로 종종 간주됩니다.프레드는 학습한 청취자의 지각에도 이산화가 필요하다고 주장해 분석의 기초가 되고 있으며, Györgi Ligeti의 Artikulation과 같은 작품에는 접근할 [11][verification needed]수 없다고 생각한다[10].한편, 레이너 웨인저는[12][incomplete short citation] 이 곡의 "Hörpartitur" 또는 "듣기 위한 점수"를 만들었으며, 다른 음향 효과를 특정한 그래픽 기호로 표현하여 마치 전사처럼 표현했다.

구성.

구성은 종종 "분석적 [13]임펄스"를 나타내는 반면 분석은 종종 구성적 임펄스를 나타내지만, "텍스트 간 분석은 종종 단순한 구두 기술을 통해 성공하지만, 제안된 연결을 문자 그대로 구성하는 데는 충분한 이유가 있다.우리는 실제로 이 노래[괴테의 "Nurwer die Sehnscht kennt"의 다른 음악적 설정]가 어떻게 서로 공명하고, 논평하고, 서로에게 영향을 미치는지 듣는다.어떤 면에서는 음악이 그 자체를 말해준다.[14]이러한 분석적 경향은 다양한 [13]노래의 매시업을 포함한 대중음악의 최근 경향에서 뚜렷하게 드러난다.

분석 상황

분석은 음악학자들이 가장 자주 관여하는 활동이며 서양 고전음악에 가장 많이 적용되지만, 비서양 문화와 주목받지 못한 구전의 음악도 종종 분석된다.분석은 한 곡의 음악, 한 곡의 일부 또는 요소, 또는 한 곡의 컬렉션에 대해 수행할 수 있습니다.음악학자의 입장은 분석적인 상황입니다.여기에는 연구 중인 물리적 차원 또는 말뭉치, 연구된 양식적 관련성 수준, 분석에 의해 제공되는 설명이 내재적 구조, 구성(또는 포에틱) 프로세스, 지각(또는 에스테틱) 프로세스,[15] 세 가지 모두 또는 혼합인지 여부가 포함된다.

스타일 레벨은 역삼각형으로 [16]계층화할 수 있습니다.

  • 보편적 음악
    • 기준계(스타일)
      • 장르 또는 시대의 스타일
        • 작곡가 X의 스타일
          • 작곡가의 생활에서 한 시대의 스타일
            • 일하다.

Nattiez는 다음과 같은 6가지 분석 상황을 간략히 설명합니다.[17]

포에틱
과정 		내재 구조
일의 		에스테식
과정
1 ♦
내재적 분석
2 ♦ ← ♦
유도성 포에틱스
3 ♦ → ♦
외부 포에틱스
4 ♦ → ♦
귀납적 에스테틱스
5 ♦ ← ♦
외부 에스테틱스
6 ♦ ←→ ♦ ←→ ♦
3단계 간의 커뮤니케이션

예:

  1. "...작업의 내재적 구성만 제어합니다."앨런 포르테의 음악 집합론
  2. "...중립 수준 분석에서 포에틱에 대한 결론 도출까지 진행" – 드뷔시의 La cathédrale 엥글루티에[18] 대한 레티 분석
  3. 전자의 반대, "편지, 계획, 스케치"를 취하여 이 정보에 비추어 작품을 분석합니다." 폴 미에, "[19][incomplete short citation]스케치 측면에서 베토벤의 스타일리즘 분석"
  4. 가장 일반적인 것은 "감지적인 자기성찰, 또는 음악적 인식에 관한 특정 수의 일반적인 생각"에 기초하고 음악학자는 그들이 생각하는 [20][incomplete short citation]바흐의 C단조 푸가의 9-11단조 분석, 성질이 좋은 클라비에 제1권에 있다.
  5. "청취자로부터 수집한 정보로 시작하여 작품이 어떻게 인식되어 왔는지를 이해하려고 시도합니다...분명히 실험 심리학자들이 어떻게 작용하는지"
  6. "내재적 분석이 에스테틱에 관해 poietic과 동등하게 관련된 경우"베토벤의 스케치에 기초한 셴케리안 분석(외부 포에틱스)은 결국 분석을 통해 작품이 어떻게 연주되고 인식되어야 하는지를 보여준다(유도적 에스테틱스).

조성 분석

자크 샤일리는 분석을 전적으로 구성적 관점에서 바라보며 "분석이란 '작곡가의 입장에서' 그리고 그가 글을 쓰면서 경험했던 것을 설명하는 것으로 이루어지기 때문에, 우리는 작가 자신의 선입견에 맞지 않는 기준의 관점에서 작품을 공부하는 것을 생각해서는 안 된다"고 주장했다.고조파 [21]분석보다 음색 분석입니다."

지각 분석

반면, 페이는 "음악에 대한 분석적인 논의는 종종 즉시 인지할 수 없는 과정과 관련이 있다"고 주장한다.분석가는 단지 실무에 관한 규칙 집합의 적용이나 구성 과정의 설명에 관심이 있을 수 있다.그러나 그가 무엇을 의도하든 간에, 그는 종종 (특히 20세기 음악에서) 우리의 즉각적인 음악적 [22][incomplete short citation]경험을 조명하는 데 실패한다." 그래서 에드워드 T처럼 분석을 전적으로 지각적인 관점에서 바라본다. 콘, "진정한 분석은 귀를 통해서도 효과가 있다.가장 훌륭한 분석가는 가장 예리한 귀를 가진 사람들이다. 그들의 통찰력은 음악을 어떻게 들어야 하는지를 보여주고, 이는 다시 음악이 어떻게 연주되어야 하는지를 암시한다.performance,"[23][불완전한 짧은 표창]과 Thomson:"It에 대한 분석은 방향은 관점의 건강한 분석 지점이 있어서 거의 지각적 act."[24]과 동형은 있다고 믿을 만한 합리적인 것 같다.

내재 수준 분석

그 내재적 수준의 중대성을 아더, 하인리히 Schenker, 피에르 불 레즈, 제전 Spring,[25][불완전한 짧은 표창]의 그의 분석에서 말한다 분석의"존재론에 대한 구조 주의"을 분석"저는 저는 창의적인 과정을 검색하지만 그 결과, 자본이 유일의 우려를 직접 대결을 말하지 않고 있다고 반복해서 말해야 한다 등이 있다.유형물 수학적 rel 있아티온쉽?만약 내가 이 모든 구조적 특징을 발견할 수 있었다면, 그것은 거기에 있기 때문이고, 의식적으로든 무의식적으로든, 어느 정도의 예리함으로든 상관없다.작품과 천재성의 모든 상호작용에는 별로 관심이 없다.

Nattiez는 위의 세 가지 접근 방식 자체는 불완전할 수밖에 없으며 세 가지 수준 모두에 대한 분석이 [26]필요하다고 주장합니다.장[27][incomplete short citation] 몰리노는 18세기 [28]초에 음악 분석이 포에틱한 관점에 대한 강조에서 에스테틱한 관점으로 바뀌었다는 것을 보여준다.

비정형 분석

Nattiez는 비정형 분석과 정형 분석을 구분합니다.비형식 분석은 음악 및 분석 용어를 제외하고 언어 이외의 자원이나 기법을 사용하지 않는다.그는 또한 텍스트의 인상주의, 패러프레이스 또는 해석학적 판독치(암시적 해석적 해석) 사이에서 비정식 분석을 구별한다.인상주의 분석은 클로드 드뷔시의 서곡에서 폰의 오후까지의 오프닝에 대한 다음과 같은 "특징으로 간주되는 요소의 초기 선택에서 다소 높은 문학적 양식"에 있다: "8번째 음표의 2진법과 3진법의 교대, 세 개의 음모가 만든 음흉한 형태"일시정지하고, 문구를 너무 부드럽게 하고, 너무 부드럽게 만들어서 모든 산술적 엄격함에서 벗어납니다.그것은 하늘과 땅 사이에 그레고리오 성가와 같았습니다;그것은 이정표를 전통적인 구역 표시에 미끄러지듯 움직이고, 그것은 아주 살짝 다양한 키 사이에 그것이 쉽게 그들의 손아귀에서 그 자체를 해제하기 전에 멜로디 이 인과 atonality"의 우아한 휴가 걸리는 조화 받침대가 처음으로 등장을 기다려야 한다 미끄러질 뜬다.[29][불완전한 짧은 표창]

패러프레이즈는 바흐의 세 번째 모음곡의 "베레"에 대한 다음과 같은 설명과 같이 해석이나 추가가 거의 없이 텍스트의 사건들을 쉬운 말로 "리스피크"하는 것이다: "아나크루시스, D장조의 첫 구절이다.(a)라고 표시된 그림은 즉시 3분의 1까지 하강하여 작품 전체에 채용된다.이 문구는 즉시 그 결과로 요약되어 D장조에서 A장조로 변조됩니다.이 그림(a)은 두 번 다시 사용되며 매번 더 높아집니다. 이 섹션은 [30][incomplete short citation]반복됩니다."

음악 텍스트의 해석은 멜로디 요소의 '이름 짓기'인 묘사에 기초하지만, 재능 있는 작가의 손에 의해 진정한 해석적인 걸작이 될 수 있는 해석학적, 현상학적 깊이를 더합니다.아브라함과 달하우스의 멜로디엘레(1972)[31]에 나오는 모든 삽화는 역사적 성격이고, 로젠의 고전주의(1971년)는 시대적 양식의 본질을 파악하려고 하며, 베토벤의[32][incomplete short citation] 작별 소나타에 대한 마이어의 분석은 인식된 구조의 관점에서 멜로디를 파고든다."그는 프란츠 슈베르트의 미완성 교향곡의 마지막 예로서 다음과 같은 설명을 한다: "첫 번째 주제에서 두 번째 주제로의 전환은 항상 어려운 음악적 드래프트맨십이다; 그리고 슈베르트가 부드럽게 그것을 성취하는 드문 경우, 그렇지 않으면 그를 둔감하게 만들기 직전까지 지치게 한다.A단조 4중주단)의 곡입니다.따라서, 그의 가장 영감을 받은 작품에서 이러한 전환은 갑작스러운 쿠데타에 의해 이뤄진다. 그리고 그러한 모든 쿠데타들 중에서, 의심할 여지 없이 가장 난해한 것은 미완성 교향곡에서의 것이다.그렇다면 좋습니다. 여기 교향곡의 역사에서 새로운 것이 있습니다. 베토벤의 9곡 각각에 나타난 새로운 것보다 더 새로운 것이 아니라 더 단순한 것이 아닙니다.그 역사적 기원은 신경쓰지 말고 그 장점을 살려서 생각해라.가장 인상적이지 않은 순간인가?[33]

형식화된 분석

형식화된 분석은 멜로디 기능을 위한 모델을 제안하거나 음악을 시뮬레이션합니다.마이어는 "특징을 나열하거나 현상을 분류하거나 둘 다함으로써 연구 대상 말뭉치 전체의 이미지를 제공하고 통계적 평가를 제공한다"는 글로벌 모델과 "멜로디 사건의 실시간 연속적인 순서로 전체 멜로디를 재구성하려고 하지 않는다"는 선형 모델을 구분한다.선형 모델은 멜로디의 계층적 구성뿐만 아니라 사건의 분포, 환경 및 맥락을 포함하는 규칙 체계에 의해 말뭉치를 기술한다. 예를 들어, 각 멜로디 간격을 지배하는 '뉴기니 구호에서의 피치 연속'의 설명을 포함한다.'헤른든의[34] [35]변형 분석과 '바로니와 자코보니의 '바흐 합창곡에서 소프라노 파트의 문법'은 바흐와 자코보니의 [36][quote citation needed]'바흐 스타일의 멜로디를 만들어 낼 수 있게 해준다.'

글로벌 모델 더 특징으로 하나의 예 헬렌 Roberts,[37]에 의해"특성 목록"고", 그 노래를, 장르 또는 스타일이 집단적 이미지는 테이블을 의미하는지, 혹은 어떤 과목에 현상을 정렬하 분류의 분석에 의해 고려되게 해 주는 특정 변수의 존재 여부 식별,"분석,로 구별된다. clas현상을 "클래스로 분류"하는 과학적 분석, 예를 들어 Kolinski의 [38]멜로디 등고선을 분류하기 위한 범용 시스템이다.분류 분석은 종종 스스로를 분류학이라고 부른다."분석의 기초를 명확히 하는 것이 이 접근법의 기본 기준이기 때문에 단위를 구분하는 것은 항상 구성 변수의 관점에서 신중하게 정의된 단위를 수반한다."[39]

중간 분석

Nattiez는 마지막으로 "축소적인 형식적 정밀도와 인상파적 느슨함 사이의" 중간 모델을 제안합니다.여기에는 Shenker, Meyer(선율 [40][incomplete short citation]구조의 분류), Narmour 및 Lerdahl-Jackendoff의 "정식화된 규칙 체계에 호소하지 않고 그래픽을 사용하는 것"이 포함됩니다.이것은 언어 분석을 보완하고 대체하지 않습니다.이것들은 밀턴 배빗과[41] 보레츠의 [42]공식화된 모델과 대조적이다.Nattiez에 따르면, Boretz는 "그 자신의 형식적이고 논리적인 모델을 그가 음악에 귀속시킨 내재적인 본질과 혼동하고 있는 것처럼 보인다" 그리고 Babbitt은 "음악 이론을 가설-유도적인 체계로 정의한다... 그러나 우리가 그의 말을 자세히 들여다보면, 우리는 그 이론이 또한 앞으로 다가올 음악을 정당화하려고 한다는 것을 빠르게 깨닫는다."또한 규범적인... 이론의 가치를 미학적 규범으로 바꾸는 것은 인류학적 관점에서 보면 받아들이기 어려운 위험이다.이와 유사하게, "보레츠는 논리적인 형식주의를 적극적으로 수용하면서, 그가 제안한 데이터가 어떻게 [43]얻어졌는지를 아는 것에 대한 질문을 회피한다.

발산 분석

일반적으로 특정 작업은 여러 사람에 의해 분석되며 다른 분석 또는 분산 분석이 작성됩니다.예를 들어 클로드 드뷔시의 펠레아스와 멜리산드 서곡의 첫 두 소절:

드뷔시 펠레아스와 멜리산드 전주곡 오프닝

Leibowitz Laloy,[45] van Apledorn [46]및 [47]Christ에 의해[44] 다르게 분석됩니다.Leibowitz는 이 승계를 D단조로 조화롭게 분석합니다.I-VII-V는 멜로디 운동을 무시한 채 D:로 승계를 분석합니다.I-V는 두 번째 척도의 G를 장식품으로 보고 van Apledorn과[48] Christ 모두 승계를 D로 분석한다.I-VII.

Nattiez[49]이 발산은 분석가들의 각각의 분석적 상황(1997b:853년, 조지 홀턴"themata"이 무엇인지)sig의tripartitional 정의의,"철학적 project[s]","내부 원칙", 또는 분석 prioris, 하나의 예 중 Nattiez의 사용 때문에, 초월적인 원칙을 촉구하는 것이다 주장하고 있다.n,그리고 인식론 역사학자 폴 베인의 이름을 따서 그는 플롯이라고 부른다.

Van Appledorn은 승계를 D:로 보고 있습니다.I-VII는 첫 번째 화음을 5단계의 해석할 수 있도록 하기 위해, 랄로이는 5단계의 D(V/IV)의 지배적인 7단계의 화음을 5단계의 감소(IV가 12단계가 될 때까지 도달하지 않는 경우)로 보는 반면, 반 아프레도른은 이것을 D, D–F–A♭[C]의 프랑스 6단계의 프랑스어로 본다.즉, D는 두 번째 도이며 첫 번째 도인 C에 대한 필수 참조이며, D는 다음과 같이 설정됩니다.VII 또는 C장조 화음"5단계의 화음을 설명해야 한다는 것은 C–E–G가 1단계의 D–(F)–A와 같이 '동등하게 중요하다.Leibowitz는[50] 화음에 대한 베이스만 제공하며, E는 진행 I-를 나타낸다.II 분석에 사용된 그의 "실물과 비현실 사이의 논리"에 부합하는 "확대된" 수열인 반면, 그리스도는 코드를 B♭의 저음으로 증가된 11번째 화음으로 설명하면서, 전통적인 3분의 1 확장 화음으로 해석합니다.

드뷔시의 펠레아스와 멜리산드 서곡, 5~6도

분석가는 특정 특성을 선택할 뿐만 아니라, 플롯[흥미]에 따라 배열합니다.역사적 사실에 대한 감각과 같이 음악 작품의 구성 요소에 대한 우리의 감각은 살아있는 경험에 의해 조정된다."(176년)

한편 존 [51]블랙킹은 "결국 한 가지 설명밖에 없다.이 culture,"Nattiez[52]관 사람들에 의하면,"there에 음악의 문맥 인식 분석에 의해 어떤 주어진 work."Blacking 예로 된다."everyone 그에 동의하지 않는다에 대한 것은 결코 오직 하나의 유효한 음악 분석은, 모차르트 정말로 그의 symphonie의 이 또는 저 술집에 어떤 의미에 그의[또는 그녀의]학문적 평판 stakes 발견될 수 있다.s,협주곡, 또는 4중주곡.모차르트가 글을 썼을 때 모차르트의 마음 속에 무슨 일이 있었는지 정확히 알았다면 설명은 하나밖에 없었을 것이다.(93) 그러나 모차르트가 무슨 생각을 하고 있었는지를 판단할 수 있다고 해도 중립적이고 에스테틱한 수준에 대한 분석은 여전히 부족할 것이라고 나티에즈는 지적한다.

Nattiez의 Fondements에 대한 리뷰에서 Roger Viscurson은 [53]다음과 같이 말합니다. "정확하게 듣는 한 원하는 대로 묘사할 수 있습니다. 일부 설명은 잘못 듣는 방법을 시사합니다.[Pélleas et Mélisande]에서 분명히 들을 수 있는 것은 '모달' 구절과 그 뒤에 이어지는 바 사이의 분위기와 분위기의 대조이다.나티에즈는 만약 작곡 의도가 인식과 같다면, "음악 언어의 역사가들은 영원히 낮잠을 잘 수 있다…"고 반박한다.뷰리슨은 페를레아스와 멜리산드에 대한 '올바른' 인식에 대한 보편적이고 절대적인 양심으로서 자신을 설정한다.그러나 청각은 (설명해야 할) 능동적인 상징적 과정이다.인식의 어떤 것도 자명하지 않다.

따라서 Nattiez는 분석, 특히 "반학적 지향"을 의도하는 분석에는 최소한 이미 작성된 분석에 대한 비교비평이 포함되어야 한다고 제안합니다.이러한 분석이 왜 이런저런 작가에 의해 구성된 이미지를 차지했는지 설명하기 위해서입니다.모든 분석은 하나의 표현입니다.[그리고] 설명입니다.새로운 분석에 사용된 분석 기준. 따라서 이 새로운 분석에 대한 비판은 분석 자체의 목표와 방법과 관련하여 위치할 수 있다.장 클로드 가르댕이 정확하게 말한 것처럼, '새로운 이론의 맥락에서 물리학자도 생물학자도, 새로운 이론의 공식화를 이끈 물리적 자료와 정신 활동을 제시하라고 요구받았을 때 놀라지 않는다.'[54][incomplete short citation]자신의 절차를 명확히 하는 것은 지식의 누적적 진보를 만드는 데 도움이 될 것이다."(177년)[incomplete short citation]

「 」를 참조해 주세요.

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