장식(음악)

Ornament (music)
D장조 쇼팽 녹턴의 피오리투라로 장식한 극한 예
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음악에서 장식품이나 장식품은 음악적 번창(일반적으로 추가된 노트)으로 멜로디의 전체적인 선(또는 조화)을 운반하는 데 필수적인 것이 아니라, 대신 그 선(또는 조화)을 장식하거나 "명료하게"하며, 흥미와 다양성을 더하고, 연주자에게 노래나 작품에 표현력을 더할 기회를 주는 역할을 한다. 많은 장신구들이 중심음, 주음을 중심으로 "빠른 음"으로 연주된다.

장신구 종류는 주음 앞에 단 한 장의 짧은 그레이스 노트가 추가된 것에서부터 거장적이고 현란한 트릴의 연주까지 다양하다. 음악 한 곡의 장식의 양은 상당히 광범위함(바로크 시대에는 1600년부터 1750년까지 광범위함)에서 비교적 작거나 아예 없는 것까지 다양할 수 있다. 아그레망이라는 단어는 프랑스 바로크 양식 장식을 나타내기 위해 특별히 사용된다.

즉석 vs. 작문

바로크 시대에는 연주자들이 주어진 멜로디 라인에 즉흥적으로 장식하는 것이 일반적이었다. 예를 들어,[1] 다 카포 아리아를 연주하는 가수는 첫 번째 멜로디를 비교적 악명높지 않게 부르고 두 번째에는 추가적인 꽃과 전차로 장식한다. 마찬가지로 단순한 멜로디 라인을 연주하는 하프시코드 연주자는 조화롭고 스타일리쉬하게 적절한 트릴, 머덴트(상단 이하), 아포기우라(appoggiaturas)를 즉흥적으로 연주할 수 있을 것으로 기대되었다.

장식은 작곡가가 지시할 수도 있다. 많은 표준 장식물(아래 설명)이 음악 표기법에서 표준 기호로 표시되며, 다른 장식물은 작은 음표로 점수에 추가되거나, 보통 완전한 크기의 음으로 작성될 수 있다. 종종 작곡가는 자신만의 장신구 어휘를 갖게 되는데, 이것은 암호와 같은 서문에서 설명될 것이다. 그레이스 노트는 그 노트의 값이 바의 총 시간 값의 일부로 계산되지 않음을 나타내기 위해 슬래시를 포함하거나 포함하지 않고 더 작은 유형으로 작성된 노트를 말한다. 또는 이 용어는 실행에 사용된 시기에 관계없이 일부 다른 장식을 표시하기 위해 사용된 작은 노트(아래의 § 아포기아투라 참조) 또는 일부 다른 장식품의 표시(아래의 § 트릴 참조)를 보다 일반적으로 지칭할 수 있다.

스페인에서는 반복할 때 장식된 멜로디("분할")를 "다이어렌시아스"라고 불렀으며, 1538년 루이스 드 나르바에스가 비후엘라를 위해 그러한 음악의 첫 번째 컬렉션을 발표했을 때까지 추적할 수 있다.[2]

종류들

트릴

주요 기사: 트릴 (음악)

"흔들림"이라고도 알려진 수조는 지시된 음과 그 위에 있는 음이 빠르게 번갈아 나타나는 것이다. 단순한 음악에서, 전차는 음계의 음표만을 사용하여 극소음일 수도 있고, 다른 경우에는 수조가 색도일 수도 있다. 조는 보통 tr 또는 tr~~로 표시되며 ~는 조의 길이를 나타내며, 스태프 위에 있다.

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { \time 2/4 g2\trill } }

적당한 템포에서는 다음과 같이 위 사항을 실행할 수 있다.

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { \time 2/4 g32[ a g \set stemRightBeamCount = #1 a \set stemLeftBeamCount = #1 g a g a] g32[ a g \set stemRightBeamCount = #1 a \set stemLeftBeamCount = #1 g a g a] } }
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바로크 음악에서 조는 음의 위나 아래에 +(더하기) 기호로 표시되기도 한다.

18세기 후반, 연주자들이 조를 연주할 때, 그것은 항상 상음에서 시작된다. 그러나 코흐는 "[헤인리히 크리스토프] 코흐는 선호하지 않으며, 초기의 음이 울린 후 가청 차이가 없었기 때문에 수조가 어떻게 시작됐든 간에 그다지 중요한 문제가 되지 않는다는 것을 관찰했다"[3]고 말했다. 클라이브 브라운은 "전차를 보여주는 세 가지 다른 방법에도 불구하고, 각각의 경우에서 상음으로 시작하고 턴으로 끝나는 수조 개의 방법이 예상된 것 같다"고 썼다."[4]

때로는 수조원이 턴(주음 바로 직전, 주음 바로 위의 음보다 아래 음을 울림으로써)이나 다른 변형으로 끝날 것으로 예상한다. 그러한 변형은 종종 수조개의 표시가 있는 노트에 이어 몇 개의 그레이스 노트로 표시된다.

르네상스 말기와 초기 바로크에는 트릴로 또는 트레몰로라고 다양하게 불리는 단음조도 있다. 단 한 음에 트릴링을 하는 것은 특히 절을 하는 현에 관용적이다.

모르덴트

주요 기사: 모르덴트

mordent는 표시된 노트, 위의 노트(상위 mordent, 반전 mordent 또는 pralltriller라고 함) 또는 이하(하위 mordent 또는 mordent라고 함)와 다시 표시된 노트 사이의 빠른 교대이다. 상부 모르덴트는 짧고 굵은 틸드로 표시되며(수조도 표시 가능), 하부 모르덴트는 이를 통과하는 짧은 수직선이 동일하다.

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { \time 2/4 d\prall c\mordent } }

트릴과 마찬가지로 모던트를 수행하는 정확한 속도는 곡의 템포에 따라 다르지만, 적당한 템포에서는 다음과 같이 실행할 수 있다.

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { \time 2/4 d32 e d16~ d8 c32 b c16~ c8 } }
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무표정한 단어 mordent의 의미에 대한 혼란은 현대 용어인 mordent와 반전 mordent가 아닌 상하의 mordent를 사용하게 되었다. 연습, 표기법 및 명칭은 이러한 모든 장신구에 대해 매우 다양하다. 즉, 음악 점수에 모드의 기호를 포함시킴으로써 작곡자가 악보에 쓰여진 주음표 위나 아래에 연주할 추가 음표(또는 음표)의 방향을 의도했는지 여부는 악보가 쓰여진 시기에 따라 달라진다. 그리고 어느 나라에서.

바로크 시대에는 모르던트(독일어 또는 스코틀랜드어 등가 모르던트)가 나중에 역전된 모르던트라고 불리게 되었고, 현재는 종종 하부 모르던트라고 불리게 되었다. 그러나 19세기에는 일반적으로 mordent라는 이름이 현재 상부 mordent라고 불리는 것에 적용되었다. 비록 지금은 음이 하나의 음으로 대체되는 것으로 생각되지만, 바로크 시대에는 지시된 음과 아래의 음이 둘 이상의 교대로 실행되어 일종의 역조(역조)가 되었을 수도 있다. 어떤 기간에는 일반적으로 모든 종류의 주식이 여기에 예시된 주요 주기가 아니라 필수불가결한 추가음표(더 적은 음, 더 적은 음)로 시작할 수 있다. 바로크 시대와 고전 시대에는 상음을 더하는 것으로 시작하는 열차도 마찬가지다. 중요도가 낮은 음은 색상으로 올릴 수도 있고 아닐 수도 있다(즉, 자연스러운 음, 예리한 음 또는 심지어 이중 예리한 음을 사용함). 주음보다 한 반음 낮은 음을 만들기도 한다.

돌다

"Gruppetto"는 여기서 리디렉션된다. 펠로톤 뒤에 자전거를 타는 사람들은 그루페토를 보라.

턴(turn)은 표시된 쪽지 위에 있는 쪽지, 쪽지 자체, 표시된 쪽지 아래에 있는 쪽지, 그리고 다시 쪽지 자체로 구성된 짧은 그림이다. 스태프 위쪽에 옆으로 누운 뒤쪽으로 S자형이 표시돼 있다. 그 실행의 세부사항은 부분적으로 턴마크의 정확한 위치에 달려있다. 예를 들어, 아래가

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f << \clef treble \relative c'' { \stemNeutral c4. d8 e2 c4 d\turn e2 } \\ { s4 s^\turn } >> }

로서 실행될 수 있다.

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { c8 \tuplet 3/2 { d16 c b } c8 d e2 c4 e16 d c d e2 } }
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턴이 실행되는 정확한 속도는 리듬과 마찬가지로 달라질 수 있다. 턴이 어떻게 가장 잘 실행되는가에 대한 문제는 대체로 맥락, 관습, 그리고 취향의 하나이다. 하한 및 상한 추가 주석을 색상으로 올릴 수도 있고 그렇지 않을 수도 있다.

역회전(표시된 쪽지 아래 쪽지, 노트 자체, 위에 쪽지, 그리고 다시 쪽지 자체)은 보통 턴 기호를 통해 짧은 수직선을 놓음으로써 표시되지만, 간판은 그 자체가 뒤집히는 경우도 있다.

아포기아투라

주요 기사: 아포기아투라

appoggiatura(/əəpɒdʒˈtjjrrrə/; 이탈리아어: appoddʒaˈttuturrr//; appoddaˈturara)는 멜로디적으로 중요하며 시간가치의 일부, 종종 약 절반으로 주음을 정지시키지만, 이는 맥락에 따라 상당히 많거나 적을 수 있다. 추가된 노트(보조 노트)는 주 노트보다 1도 더 높거나 낮으며 색도 변경될 수도 있고 그렇지 않을 수도 있다. 아포기아라스는 또한 보통 결의안의 강한 혹은 강한 비트에 있고, 스스로 강조되고, 도약에 의해 접근되어 도약의 반대 방향으로 한 걸음씩 남는다.[5][6]

아포그기아투라는 보통 주음표에 접두어 작은 글자로 인쇄된 후 사선 없이 다음과 같이 표기된다.[7]

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { \time 2/4 \grace { d4( } c2) } }

이는 다음과 같이 실행할 수 있다.

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { \time 2/4 d4( c) } }

아치아카투라

acciaccatura(영국: /əətʃkəkəkjjjrrr//, 미국: /-tʃɑɑəkk-; 이탈리아어: [attkakatuturara])는 이탈리아 동사 acciaccare, "to"에서 유래한다. 18세기에는 화음 아래의 음색이나 반음 중 어느 것이든 아르페그화 화음의 주요 음에 적용된 장식품이었다가 동시에 명중하여 바로 풀어졌다. 그래서 독일어 번역 주삼멘슐라크(함께 획을 그었다.[8]

19세기에는 원음표 지연이 빠른 긴 아포기아투라(짧은 아포기아투라라고도 한다)의 짧은 변종이 되었다. 그것은 그레이스 노트(흔히 quaver, 또는 여덟 번째 음)를 사용하여 쓰는데, 줄기를 사선으로 긋는다. 클래식 시대에는 보통 박자 전에 악시아카투라가 행해지고 강조점은 그레이스 노트가 아닌 메인 노트에 있다. 길고 짧은 아포기가투라는 은혜노트에 중점을 두고 있다.[citation needed]

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { \time 2/4 \slashedGrace { d8( } c4) \slashedGrace { e8( } d4) } }

이에 대한 정확한 해석은 작품의 템포에 따라 다르겠지만, 다음과 같은 해석이 가능하다.

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { \time 2/4 d32 c32~ c16~ c8 e32 d32~ d16~ d8 } }

이 음을 비트 이전에 연주해야 하는지 아니면 비트 위에서 연주해야 하는지는 대체로 취향과 공연 연습의 문제다. 예외적으로 악세카투라는 박자가 붙기 전에 연주해야 한다는 것을 보여 주는 노트의 앞바에 공증할 수 있다.[citation needed] 그 함축성은 작곡가와 시기에 따라서도 다양하다. 예를 들어, 모차르트와 하이든의 긴 아포기아투라스는 눈으로 볼 때, 무소르그스키와 프로코피예프의 박자 이전의 악시오카투라와 구별할 수 없다.[citation needed]

글리산도

주요 기사: 글리산도

글리산도는 한 음에서 다른 음으로 미끄러지는 것으로, 두 음을 연결하는 물결 모양의 선으로 표시된다.

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c' { \override Glissando.style = #'trill e2\glissando e' } }

(계기와 문맥에 따라) 간섭하는 모든 이음계 또는 색소음이 아주 잠깐이지만 들린다. 이런 식으로 글리산도는 포타멘토와 다르다. 현대 클래식 음악(특히 아방가르드 곡)에서 글리산도는 초기 음의 전체 가치를 떠맡는 경향이 있다.

미끄럼틀

주요기사 : 슬라이드(뮤지컬장식)
슐라이퍼 표기법

슬라이드(또는 독일어로 Schleifer)는 연주자에게 표시된 노트 아래 한두 개의 이음계 단계를 시작하고 위로 미끄러지도록 지시한다. 그 소파는 보통 끝에 수조 또는 수조원을 포함한다. 윌러드 A. 파머는 "슈라이퍼는 '슬라이딩' 장식품으로 보통 음과 이전 음의 간격을 메울 때 사용된다"[9]고 쓰고 있다.

나흐슐라크

매끄러운 나흐슐라크
"흔들린" 나흐슐래그

나흐슐라크(독일어: [ [naːxˌʃlaːk])는 말 그대로 "애프터 비트"로 번역하며, "때로는 조를 종식하는 두 음과, 마지막 두 음을 합쳐서 취했을 때, 턴을 형성할 수도 있다"[This quote needs a citation]고 언급하고 있다. Nachschlag라는 용어는 또한 "주음 뒤에 놓였을 때, 그것으로부터 "스틸" 시간을 나타내는 보조음표의 형태를 취한 장식물"[10]을 가리킬 수 있다.

Nachschlag의 첫 번째 정의는 장식의 "shake" 또는 trilled 버전을 가리키고, 두 번째 정의는 "smooth" 버전을 가리킨다. 이 장식은 영어 바로크 공연 연습에서 캐디트나 스프링거라고도 한다. 크리스토퍼 심슨의 디비전 비올리스트와 같은 바로크 시대의 교육서적들은 "노트는 때때로 그 소리의 일부를 다음에 나오는 노트에 기쁨으로 장식한다... 그 뒤를 따르는 퀘버가 뒤에 오는 쪽지와 함께 배치되나 같은 보우를 가지고 놀게 된다."[11]

서양 고전 음악에서

르네상스와 초기 바로크 음악

1535년 실베스트로 가나시의 논문에서 우리는 르네상스와 초기 바로크 시대의 음악가들이 그들의 음악을 어떻게 즉흥적인 장신구로 장식했는지에 대한 지침과 예를 가지고 있다. 마이클 프레이토리우스는 음악가들의 "달콤하고 좋은 장난과 약간의 도망을 치는 것"에 대해 따뜻하게 말했다.[This quote needs a citation]

16세기 마지막 10년까지는 감소, 파사기, 1555년 니콜라 비센티노에 의해 발성 장식을 위한 용어로 처음 사용된 "throat" 또는 글로사(Ortiz, 스페인어와 이탈리아어 둘 다에서 Ortiz에 의해)라고도 알려진 분절 - 즉, 간결함이나 간격을 더 짧은 음으로 장식하는 방법에 중점을 둔다. 이것들은 간단한 패스노트로 시작하고, 단계적 추가로 진전되며, 가장 복잡한 경우는 동등한 가치의 노트인 거장들의 빠른 통로가 된다. 음악의 원래 구조가 그대로 유지되도록 하기 위해 그것들을 디자인하는 규칙이 있다. 이 기간이 끝날 무렵에, 논문에서 상세하게 기술된 부분들은 한 번에 한 단계 이상의 점수와 다른 불균일한 리듬과 도약들을 포함한다.

안토니오 아르킬리[it] (1589년)를 시작으로,[full citation needed] 이 서예들은 분단을 따라 graces라고 불리는 새로운 표현 장치들을 들여온다. 이것들은 훨씬 더 리듬감 있는 관심을 가지고 있고 작곡가들이 텍스트 묘사에 훨씬 더 많은 관심을 가졌기 때문에 영향들로 가득 차 있다. 그것은 트릴로와 폭포수로 시작되는데, 우리가 프란체스코 로그노니(1620년)에 다다를 무렵에는 유행하는 장신구들에 대해서도 듣게 된다: 포르타르 라 보체, 액센토, 트레몰로, 그루포, 에스칸게, 인토나티오.[12]

장식을 자세히 다룬 주요 자료:

바로크 음악

바로크 음악의 장신구는 다른 의미를 갖는다. 대부분의 장신구들은 박자에 발생하며, 후기 장신구들보다 더 독점적으로 이뇨 간격을 사용한다. 어떤 장신구 테이블도 엄격한 프레젠테이션을 해야 하지만, 빠른 템포에서는 일반적으로 요구되는 모든 음을 연주하는 것이 어렵거나 불가능하기 때문에, 템포와 음의 길이를 고려해야 한다. J.S. 바흐의 클라비에르뷔클린 퓌르 빌헬름 프리데만 바흐의 다음 표에서 흔히 볼 수 있는 바로크 장신구의 실현은 다음과 같다.

장-헨리 다앵그베르트의 피에세스 드 클라베신(1689)의 표에서 또 다른 실현을 볼 수 있다.

달랑-오르네멘츠

고전 시대

18세기 후반과 19세기 초에는 장신구를 연주하는 표준적인 방법이 없었고 때로는 몇 가지 뚜렷한 장신구가 같은 방식으로 공연될 수도 있었다.[13]

19세기에는 연주자들이 작곡에 장신구를 추가하거나 즉흥적으로 연주했다. C.P.로E Bach는 "모든 장식품이 표시된 조각은 문제가 되지 않으며, 반면에 거의 또는 아무것도 표시되지 않은 조각은 일반적인 방법으로 장식품이 공급되어야 한다"[14]고 관찰했다. 클라이브 브라운은 "그 시기의 많은 감식가들에게는 연주자가 신성한 표기법을 꾸미는 개성이 음악적 경험의 중요한 부분이었다"[page needed]고 설명한다.

그러나 베토벤의 작품에는 연주자의 추가 장식이 있어서는 안 된다. 심지어 모차르트의 작곡에서도, "아직 레퍼토리에 남아 있는 대부분의 모차르트 이후의 실내악은 모든 음이 생각나는 종류에 속하며, 사실상 그녀를 배려하는 유형의 장식적인 추가는 전혀 용납되지 않는다"고 브라운이 설명하듯이, 점수 외에서 오는 장식은 허용되지 않는다.그러나 최근의 장학금은 이 진술을 문제 삼았다.[15][16]

다른 음악에서는

재즈

재즈 음악에는 위에 언급된 클래식 장신구뿐만 아니라 그들 고유의 장신구들이 많이 포함되어 있다. 이 장신구들의 대부분은 공연자들이 그들의 단독 공연이나 서면 장신구로 추가된다. 이 장신구들은 보편적인 이름을 가지고 있지만, 그 실현과 효과는 악기에 따라 다르다. 재즈 음악에는 트릴, 그레이스 노트, 모던드, 글리산디, 턴트 등 표준적인 '클래식' 장신구들이 대부분 통합되어 있지만, '죽음'이나 '귀신음'("X"로 발음되는 퍼커션 사운드", 'doit' 노트, 'fall' 노트(음표 위 곡선으로 표시) 등 다양한 장신구들이 추가되어 있다.음표에서 음표는 빠르게 상승하거나 하강해야 하며,[17] ("X"에서 특정 음표까지의 곡선으로 표시되고, 비음 글리산도를 나타냄), 그리고 흔들림(음표 위에 누추한 선으로 표시되며, 이는 브라스 플레이어의 경우 빠른 립 트릴을 나타내고, 바람의 경우 작은 1/3 트릴을 나타낸다.)을 누른다.[18]

인도의 고전 음악

카르나틱 음악에서 산스크리트어 용어 가마카("움직이는 것"을 의미)는 장식을 나타내는 데 사용된다. 세계 음악에서 가장 특이한 형태의 장식품 중 하나는 음이 진동하는 횟수를 변화시켜 음을 다양한 방식으로 진동시키는 카르나틱 캄피탐이다. 이것은 같은 음이 라가 내의 라가나 문맥에 따라 다른 방식으로 진동할 수 있는 것과 같이 매우 미묘하지만 과학적인 장식품이다. 예를 들어, 산카라바라남이나 베가다에서 네 번째 음(Ma)은 라가 내의 표현에 근거하여 적어도 3~5가지 유형의 진동을 허용한다.[19]

카르나틱에서 또 다른 중요한 가마카는 "스푸리탐"으로, 두 번째로는 그 바로 아래의 그레이스 노트에서 두 번 그러나 강제로 노트를 렌더링하는 것이다. 예를 들어, 세 번째 노트(Ga)는 첫 번째에는 명료하게, 다음 번에는 두 번째(Ri)의 힘으로 렌더링될 것이다.[20]

켈트 음악

장식은 웨일스, 아일랜드, 스코틀랜드, 케이프 브레튼 음악의 주요한 특징이다. 가수, 바이올린 연주자, 플루티스트, 하프 연주자, 주석 휘파람 연주자, 파이퍼 또는 다른 악기의 연주자는 주어진 선율에 그레이스 노트(아일랜드 만지기로 '컷' / '스트라이크'로 알려져 있음), 슬라이드, 롤링, 크랜, 더블링, 모듬, 드론, 트레블(또는 스코틀랜드 만지기로 표현된 버들) 또는 다양한 장신구를 추가할 수 있다.[21] 아일랜드 전통의 션노가 노래하는 것은 정교한 장신구를 사용하는 것으로 알려져 있다.[22]

참고 항목

참조

  1. ^ Westrup, Jack; McClymonds, Marita P.; Budden, Julian; Clements, Andrew; Carter, Tim; Walker, Thomas; Heartz, Daniel; Libby, Dennis (2001). "Aria". Grove Music Online. doi:10.1093/gmo/9781561592630.article.43315. Retrieved 2020-09-18.
  2. ^ Elaine Sisman, "Variations, §4: Origins", The New Grove Dictionary of Music and Musicers, 2판, 스탠리 새디와 존 티렐 편집 (런던: 맥밀런, 2001)
  3. ^ 브라운 2004, 페이지 492.
  4. ^ 브라운 2004, 페이지 499.
  5. ^ "Archived copy". Archived from the original on 2016-10-29. Retrieved 2018-12-04.CS1 maint: 제목으로 보관된 복사본(링크)
  6. ^ 켄트 케넌, 카운터포인트, 제4판, 페이지 40
  7. ^ Chisholm, Hugh, ed. (1911). "Appoggiatura" . Encyclopædia Britannica. 2 (11th ed.). Cambridge University Press. p. 225.
  8. ^ 로버트 E. 셀레츠키, "아치아카투라 (It.; Fr. pincé étouffé; Ger. Zusammenschlag)", 스탠리 새디와 존 티렐이 편집한 뉴 그로브 음악사전의 2판(London: Macmillan, 2001).
  9. ^ 바흐의 피아노 첫 레슨, 월터 캐롤 & 윌러드 A가 편집했다. 파머, 페이지 3
  10. ^ "Music Dictionary: N–Nh". Dolmetsch Online. Retrieved February 26, 2019.
  11. ^ Dannreuther, Edward (1893). Musical Ornamentation. New York: Edwin F. Kalmus. pp. 65–67.
  12. ^ Rognoni, Riccardo (2002). Passaggi per potersi essercitare nel diminuire (1592); edition with preface by Bruce Dickey. Arnaldo Forni Editore.
  13. ^ 브라운 2004, 페이지 456.
  14. ^ 브라운 2004, 페이지 455.
  15. ^ 브라운 2004, 페이지 415-425.
  16. ^ Levin, Robert (29 October 2012), Improvising Mozart, 예술, 사회 과학 및 인문학의 연구 센터에서 강의한다.
  17. ^ Read, Gardner (1969). Music notation: a manual of modern practice. Allyn and Bacon. Retrieved 15 January 2012.
  18. ^ Brye, John. "Interpretation of Jazz Band Literature" (PDF). The U.S. Army Field Band.
  19. ^ "Archived copy". Archived from the original on 2015-07-19. Retrieved 2015-06-12.CS1 maint: 제목으로 보관된 복사본(링크)
  20. ^ "Archived copy". Archived from the original on 2015-06-14. Retrieved 2015-06-12.CS1 maint: 제목으로 보관된 복사본(링크)
  21. ^ "Ornamentation". Encyclopædia Britannica. Retrieved 10 June 2017.[문서 검증]
  22. ^ Williams, Sean (2004). "Traditional Music: Ceol Tráidisiúnta: Melodic Ornamentation in the Connemara Sean-Nós Singing of Joe Heaney". New Hibernia Review / Iris Éireannach Nua. 8 (1): 122–145. ISSN 1092-3977.

원천

  • Brown, Clive (2004). Classical and Romantic Performing Practice 1750–1900. ISBN 0195166655.

추가 읽기

  • 도닝턴, 로버트 바로크 음악의 연주자 안내서. 런던: 파버 앤 파버, 1975년
  • 노이만, 프레데릭 J. S. 바흐를 특별히 강조한 바로크와 포스트 바로크 음악의 장식. 프린스턴: 프린스턴 대학 출판부, 1978. ISBN 0-691-09123-4(보), ISBN 0-691-02707-2(pbk)

외부 링크