네덜란드 황금기 회화
Dutch Golden Age painting네덜란드 황금기 회화는 네덜란드의 독립을 위한 80년 전쟁 (1568–1648)의 후반기인 [1]대략 17세기에 걸친 네덜란드 역사의 황금기의 회화입니다.
새로운 네덜란드 공화국은 유럽에서 가장 번영한 나라였고 유럽의 무역, 과학, 예술을 이끌었습니다.네덜란드 북부 지방은 전통적으로 남부 플랑드르의 도시들보다 덜 중요한 예술의 중심지였습니다.전쟁의 격변과 대규모 인구 이동, 그리고 오래된 군주제와 가톨릭 문화 전통과의 급격한 단절은 네덜란드 예술이 거의 완전히 재창조되어야 한다는 것을 의미했고, 이 작업은 매우 성공적이었습니다.종교적 주제의 그림은 매우 급격하게 감소했지만, 모든 종류의 세속적 주제에 대한 큰 새로운 시장이 성장했습니다.
황금기의 네덜란드 회화가 바로크 회화의 일반적인 유럽 시기에 포함되어 있고, 종종 많은 특징들을 보여주지만, 대부분은 이웃 플랑드르 작품을 포함한 많은 바로크 작품들의 전형적인 이상화와 화려함에 대한 사랑이 부족합니다.이 시기가 가장 잘 알려진 작품을 포함한 대부분의 작품들은 초기 네덜란드 회화로부터 물려받은 세밀한 사실주의의 전통을 반영하고 있습니다.
이 시기의 특징은 독특한 장르의 회화가 확산되고 있다는 점이며,[2] 대부분의 작가들이 이들 중 하나에서 그들의 작품의 대부분을 제작하고 있습니다.이 전문화의 완전한 전개는 1620년대 후반부터 보여지는데, 이때부터 1672년 프랑스 침공까지의 시기가 황금기 회화의 핵심입니다.예술가들은 그들의 경력의 대부분을 초상화, 장르 장면, 풍경, 바다 풍경, 배, 정물화, 그리고 종종 이 범주 안의 특정한 하위 유형만을 그리는데 사용합니다.이런 종류의 주제들 중 많은 것들이 서양화에 있어서 새로운 것들이었고, 이 시기에 네덜란드인들이 그것들을 그리는 방식은 그들의 미래 발전에 결정적이었습니다.
그림의 종류
이 시기의 특징은 이전의 유럽 회화와 비교했을 때, 적은 양의 종교 회화였습니다.네덜란드의 칼뱅주의는 교회에서 종교적인 그림을 그리는 것을 금지했고, 성경적인 주제는 개인 가정에서 허용되었지만, 상대적으로 소수의 작품이 제작되었습니다.다른 전통적인 부류의 역사와 초상화가 존재했지만, 이 시기는 농민 생활, 풍경, 마을 풍경, 동물이 있는 풍경, 해상 그림, 꽃 그림, 다양한 유형의 정물화 등 다양한 전문적인 범주로 세분화된 다양한 장르로 더 주목할 만합니다.이러한 많은 종류의 그림의 발전은 17세기 네덜란드 예술가들에 의해 결정적으로 영향을 받았습니다.
어떤 유형들은 다른 유형들보다 더 명망 있는 것으로 간주되는 회화의 "장르의 위계"라는 널리 알려진 이론은 많은 화가들이 역사 회화를 제작하기를 원하게 만들었습니다.그러나 렘브란트조차 발견했듯이, 이것은 판매하기 가장 어려웠습니다.많은 사람들이 초상화나 장르적인 장면들을 제작하도록 강요당했는데, 그것들은 훨씬 더 쉽게 팔렸습니다.상태의 내림차순으로 계층의 범주는 다음과 같습니다.
- 우화와 대중적인 종교적 주제를 포함한 역사 회화.
- 트로이 목마를 포함한 초상화
- 풍속화나 일상생활의 풍경화
- 바다 풍경, 전투 장면, 도시 풍경, 유적을 포함한 풍경 (육경가들은 Samuel van Hoogstraten에 따르면 "예술 군대의 일반적인 풋맨"이었습니다.)[3]
- 정물화
네덜란드인들은 "하위" 범주에 크게 집중했지만, 결코 계급의 개념을 거부하지 않았습니다.[4]대부분의 그림들은 비교적 작았습니다 – 아주 큰 그림들의 유일한 흔한 종류는 집단 초상화들이었습니다.벽에 직접 그림을 그리는 것은 거의 없었습니다. 공공 건물의 벽 공간이 장식이 필요할 때는 보통 틀에 맞는 캔버스를 사용했습니다.딱딱한 표면에서 가능한 추가적인 정밀도를 위해, 많은 화가들은 서유럽의 나머지가 그것들을 버린 후에도, 나무 패널을 계속 사용했습니다; 어떤 화가들은 보통 판화의 판을 재활용하는 구리판을 사용했습니다.결국, 18세기와 19세기에 걸쳐 예술가들의 새로운 작품들로 과도하게 그려진 황금기 시대의 남아있는 그림들의 수가 줄었습니다. 가난한 그림들은 보통 새 캔버스, 들것, 액자보다 저렴했습니다.
네덜란드의 조각품은 당시에는 거의 없었습니다. 무덤 기념물에서 주로 발견되며 공공 건물에 부착되어 있으며, 은식기와 도자기로 만들어진 작은 집 조각품들은 눈에 띄는 틈입니다.페인트를 칠한 델프트웨어 타일은 매우 싸고, 품질이 아주 높지는 않지만, 은, 특히 오리털 스타일이 유럽을 이끌었습니다.이를 제외하고는 회화와 판화에 가장 많은 예술적 노력이 집중되었습니다.
미술계
외국인들은 제작된 엄청난 양의 예술 작품들과 많은 그림들이 판매된 대규모 박람회들에 대해 언급했습니다 – 1640년 이후 20년 동안 대략 130만 점 이상의 네덜란드 작품들이 그려졌다고 추정됩니다.[5]제작량은 가장 잘 알려진 아티스트를 제외하고는 가격이 상당히 저렴하다는 것을 의미했습니다. 대부분의 이후 시기와 마찬가지로 더 패셔너블한 아티스트들에게 급격한 가격 상승이 있었습니다.[6]베르메르, 프란스 할스, 렘브란트와 같이 그 시대의 가장 위대한 인물들 중 하나로 여겨졌던 많은 사람들을 포함하여, 강한 동시대의 명성이 없거나 유행이 지난 사람들은 생계를 유지하는 데 상당한 문제를 겪었고 가난하게 죽었습니다. 많은 예술가들은 다른 직업을 가졌거나 예술을 완전히 포기했습니다.[7]특히 1672년의 프랑스 침공(람프야르 또는 "재앙의 해")은 미술 시장에 심각한 침체를 가져왔고, 이는 결코 이전의 수준으로 돌아오지 않았습니다.[8]
사진의 분포는 매우 넓었습니다."예, 많은 타이메, 블랙스미트, 코블러 등이 그들의 포지와 그들의 가판대에 어떤 그림이나 다른 것을 가지고 있을 것입니다.1640년 한 영국인 여행자는 "이 시골 원주민들이 그려야 할 일반적인 관념, 둘러싸임, 그리고 즐거움"이라고 말했습니다.[9]베르메르와 그의 아버지 얀 반 고옌, 빌렘 칼프와 같은 몇몇 유명한 예술가들과 전문적인 예술 딜러들이 사실상 처음으로 많이 있었습니다.렘브란트의 딜러 헨드릭 반 우일렌버그와 그의 아들 게릿은 가장 중요한 인물 중 하나였습니다.Samuel van Hoogstraten에 따르면, 풍경화는 가장 쉽게 판매할 수 있는 의뢰되지 않은 작품들이었고, 그들의 화가들은 "예술 군대의 평범한 풋맨"이었습니다.[10]
네덜란드 예술가들의 기술적인 질은 대체로 높았는데, 여전히 대부분은 거장과 견습으로 훈련하는 오래된 중세 시대의 시스템을 따르고 있었습니다.일반적으로 작업장은 플랑드르나 이탈리아에 비해 규모가 작았고, 한 번에 한 명 또는 두 명의 견습생만 있었고, 종종 길드 규정에 의해 그 수가 제한되었습니다.남부에서 온 실향민 예술가들이 북쪽으로 이동하고 궁정과 교회의 전통 시장이 상실되는 공화국 초기의 혼란은 여전히 성 루크 길드라고 불리는 예술가 길드의 부활로 이어졌습니다.많은 경우 이들은 예술가들이 하우스 페인팅과 같은 여러 다른 거래들과 길드를 공유했던 중세 그룹에서 자신들을 끌어내는 것을 포함했습니다.이 시기에는 몇 개의 새로운 길드가 설립되었습니다.1579년 암스테르담, 1590년 하를렘, 1609년에서 1611년 사이 고다, 로테르담, 위트레흐트, 델프트.[11]라이덴 당국은 길드를 불신했고 1648년까지 길드를 허용하지 않았습니다.[12]
금세기 후반에 이르러 교육과 판매를 모두 통제하는 길드라는 오래된 생각이 더 이상 잘 작동하지 않는다는 것이 모든 관계자들에게 분명해지기 시작했고, 점차 길드는 예술가들의 교육에만 관심을 가지는 아카데미로 대체되었습니다.헤이그는 1656년 콘프리 픽투라의 설립과 함께 예술가들이 두 그룹으로 나뉘었던 초기의 예입니다.분명히 초상화를 제외하고는, 네덜란드 미술 시장이 미래를 보여주었던 많은 방식들 중 하나인 다른 나라들의 경우보다 더 많은 네덜란드 작품들이 특별한 수수료 없이 "투기적으로" 그려졌습니다.[13]
예술가들의 왕조들이 많이 있었고, 많은 이들이 그들의 주인이나 다른 예술가들의 딸들과 결혼했습니다.많은 예술가들이 부유한 가정에서 왔고, 그들은 그들의 견습비를 지불했고, 그들은 종종 재산으로 시집을 갔습니다.렘브란트와 얀 스틴은 둘 다 레이던 대학에 잠시 등록했습니다.몇몇 도시들은 주제별로 독특한 스타일과 특별함을 가지고 있었지만, 암스테르담은 막대한 부를 가지고 있었기 때문에 가장 큰 예술의 중심지였습니다.[14]하를렘과 위트레흐트와 같은 도시들은 1648년 이후 라이덴과 다른 도시들이 생겨났고, 무엇보다도 암스테르담은 플랑드르와 독일뿐만 아니라 네덜란드의 나머지 지역의 예술가들의 관심을 점점 더 끌게 되었습니다.[15]
네덜란드의 예술가들은 많은 나라들의 예술가들보다 예술 이론에 대한 관심이 현저하게 적었고, 그들의 예술에 대해 토론하는 것에 관심이 덜했습니다; 또한 일반적인 지식계와 더 많은 대중들 사이에서 예술 이론에 대한 관심이 이탈리아에서 그 당시에 일반적이었던 것보다 훨씬 적었던 것으로 보입니다.[16]거의 모든 수수료와 판매가 사적인 것이었고, 계정이 보존되지 않은 부르주아 개인들 간의 것이었기 때문에, 이것들 또한 다른 곳에 비해 문서화가 덜 되어 있습니다.하지만 네덜란드 예술은 국가적인 자부심의 원천이었고, 주요 전기 작가들은 중요한 정보의 원천입니다.이전 세기를 본질적으로 다룬 카렐 반 만더(Het Schilderboeck, 1604)와 아놀드 후브라켄(Arnold Houbraken, Degrootte Schouburgh der Nederlanche konstschilders en Schildressen – "네덜란드 화가들의 대극장", 1718–21)입니다.둘 다 바사리를 따랐고, 실제로는 그보다 훨씬 더 많은 수의 예술가들의 짧은 생애를 포함했습니다 – 호브라켄의 경우 500명이 넘었습니다 – 그리고 둘 다 사실적인 문제에 대해 일반적으로 정확하다고 여겨집니다.
독일 예술가 요아힘 폰 산드라르트 (1606–1688)는 네덜란드에서 여러 기간 동안 작업했고, 같은 형식의 그의 도이치 아카데미는 그가 알고 있던 많은 네덜란드 예술가들을 포함합니다.Houbraken의 스승이자 Rembrandt의 제자인 Samuel van Hoogstraten (1627–1678)은 그의 Zichtbareweld와 Inlyding tot de Hooge Schooler Schilderkonst (1678)가 전기 정보보다 더 중요한 정보를 담고 있고 그 시기의 그림에 관한 가장 중요한 논문 중 하나입니다.미술 이론에 관한 다른 네덜란드 작품들처럼, 그것들은 르네상스 이론의 많은 공통점들을 설명하고 여전히 종종 역사 회화에 집중하면서, 완전히 현대 네덜란드 미술을 반영하지 않습니다.[17]
역사화
이 범주는 과거의 역사적 사건을 묘사한 그림뿐만 아니라 성경적, 신화적, 문학적, 우화적 장면을 보여주는 그림들로 구성됩니다.최근의 역사적 사건들은 본질적으로 그 범주에서 제외되었고, 해양, 도시 경관 또는 풍경 주제와 초상화의 적절한 조합으로 현실주의적인 방식으로 취급되었습니다.[18]교회 미술에 대한 현지 시장이 없고, 채워질 대형 귀족 바로크 주택이 거의 없어 대형 드라마틱 역사나 성경 장면은 다른 나라에 비해 제작 빈도가 적었습니다.그 이상으로, 주요 도시의 개신교 인구들은 네덜란드 반란 기간 동안 성공적이지 못한 합스부르크 선전에서 매너리즘 우화의 현저한 위선적인 사용에 노출되었고, 이는 현실주의에 대한 강력한 반응과 웅장한 시각적 수사에 대한 불신을 낳았습니다.[19]역사 회화는 이제 "소수 예술"이었지만, 어느 정도는 역사 과목의 인쇄판에 대한 관심으로 인해 수정되었습니다.[20]
다른 종류의 회화보다, 네덜란드의 역사 화가들은 이탈리아 회화의 영향을 계속 받았습니다.이탈리아의 걸작들의 인쇄물들과 사본들이 유통되었고 특정한 구성 체계들을 제안했습니다.빛을 묘사하는 데 있어 성장하는 네덜란드의 기술은 이탈리아, 특히 카라바조의 양식에 영향을 미쳤습니다.몇몇 네덜란드 화가들은 이탈리아로 여행을 가기도 했지만, 로마의 Bentvueghels 클럽의 회원 자격에서 알 수 있듯이, 플랑드르의 동시대 화가들보다 이것이 덜 흔했습니다.[13]
세기 초반에 이전 세기에 형성된 스타일을 가진 많은 북부 매너리즘 예술가들은 아브라함 블로에마르트와 요아힘 웨트웰의 경우 1630년대까지 계속 작업했습니다.[21]많은 역사 그림들은 규모가 작았고, 독일의 화가 (로마에 근거지를 둔) Adam Elsheimer는 Caravaggio만큼 (둘 다 1610년에 사망) Rembrandt의 스승인 Pieter Lastman과 Jan and Jacob Pynas와 같은 네덜란드의 화가들에게 큰 영향을 미쳤습니다.다른 나라의 바로크 역사 그림과 비교했을 때, 그들은 사실주의와 서사적인 직접성에 대한 네덜란드의 강조를 공유했고, 때때로 렘브란트의 초기 그림들이 이런 스타일이었기 때문에 "렘브란트 이전의 화가들"이라고도 알려져 있습니다.[22]
위트레흐트 카라바기즘은 역사 그림과 일반적으로 큰 장르의 장면을 모두 이탈리아의 영향을 받은 스타일로 제작한 예술가 그룹을 묘사하며, 종종 키아로스쿠로를 많이 사용합니다.위트레흐트는 반란이 일어나기 전까지 네덜란드의 새로운 영토에서 가장 중요한 도시였으며, 여전히 40% 정도가 가톨릭 신자였으며, 그곳에 타운하우스를 가진 많은 시골 귀족들과 상류층들을 포함한 엘리트 집단들 사이에서 더욱 그러했습니다.[23]Hendrick ter Brughen, Gerard van Honthorst 그리고 Dirck van Baburen이 주요 예술가였고, 비록 van Honthorst가 영국, 네덜란드 그리고 덴마크 궁정에 더 고전적인 스타일로 성공적인 궁정 화가로서 1650년대까지 계속되었지만, 학교는 1630년쯤에 활동했습니다.[24]
렘브란트는 초상화가로서 경제적인 성공을 거두기 전에 역사 화가로서 시작했고, 그는 이 분야에서의 야망을 결코 포기하지 않았습니다.그의 많은 에칭은 서사적인 종교 장면에 관한 것이고, 그의 마지막 역사 위원회인 클라우디우스 시빌리스의 음모 (1661)의 이야기는 형식에 대한 그의 헌신과 청중을 찾는데 있어서 그가 겪었던 어려움을 모두 보여줍니다.[25]많은 그의 제자들을 포함한 몇몇 예술가들은 그의 개인적인 스타일을 이어가기 위해 약간의 성공을 시도했습니다.Gerard de Lairese (1640–1711)는 프랑스 고전주의로부터 큰 영향을 받기 전에, 예술가와 이론가 둘 다로서 그것의 선도적인 네덜란드 지지자가 되기 전에, 그들 중 하나였습니다.[26]
비록 많은 초상화가들이 렘브란트가 그랬던 것처럼 가끔 누드(거의 항상 여성)를 고전적인 제목으로 장식했지만, 나체는 사실상 역사 화가의 보존물이었습니다.장르 화가들은 그들의 모든 자유로운 암시에도 불구하고, 대개 매춘부나 "이탈리아" 농부들을 그릴 때 관대한 갈라짐이나 넓적다리 이상의 것을 거의 드러내지 않았습니다.
초상화
초상화는 17세기에 네덜란드에서 번성하였는데, 그들은 다른 나라의 초상화보다 훨씬 더 초상화를 의뢰할 준비가 되어있는 대규모의 상업 계급이 있었기 때문입니다. 총 제작에 대한 다양한 추정치의 요약은 750,000에서 1,100,000장의 초상화에 이릅니다.[28]렘브란트는 젊은 암스테르담 초상화가로서 재정적으로 성공한 가장 위대한 시기를 즐겼지만, 다른 예술가들처럼 "예술가들은 이 길을 따라 기쁨 없이 여행한다"[29]는 도적들의 의뢰를 받은 초상화를 그리는 것에 다소 싫증을 싫증나게 되었습니다.
네덜란드의 초상화는 17세기 유럽의 나머지 지역에서 현재의 귀족 바로크 초상화가 보여주는 위풍당당하고 지나친 수사를 피하지만, 남성과 많은 경우 여성 시터들의 침울한 복장과 배경에 소품, 소유물 또는 토지에 대한 전망을 포함하는 것이 오만의 죄를 보여줄 것이라는 칼뱅주의자들의 느낌을 피합니다.그들의 모든 기술적인 특징들로 인해, 많은 네덜란드 초상화들에서 부인할 수 없는 동일성에 대한 광고들.서 있는 포즈도 보통 피하는 것이 보통인데, 전신이 자랑스러워 보일 수도 있기 때문입니다.어린이들은 더 많은 자유를 허락받을 수 있지만, 특히 여성들에게 자세는 반증적입니다.초상화를 그리는 고전적인 순간은 결혼할 때였는데, 결혼할 때 새 남편과 아내는 한 쌍의 그림에 별도의 액자를 사용하지 않는 경우가 더 많았습니다.렘브란트의 후기 초상화는 인물화의 힘으로, 때로는 서사적인 요소로 강요되지만, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에 기증된 '스타터 렘브란트'의 방 안에 가득 차 있는 것처럼 그의 초기 초상화조차도 대량으로 낙담할 수 있습니다.
이 시기의 또 다른 위대한 초상화가는 프란스 할스인데, 그의 유명한 생동감 있는 붓놀림과 편안하고 쾌활해 보이는 앉아있는 사람들을 보여주는 능력은 심지어 가장 유망하지 않은 주제들에도 흥분을 더합니다.빌렘 하이투이젠의 초상화에 대한 극도로 "무척한 포즈"는 예외적입니다: "이 시대의 다른 초상화는 그렇게 격식을 차리지 않습니다."[30]시터는 이미 10년 전에 할스의 유일한 실물 크기의 전신 초상화를 의뢰한 부유한 직물 상인이었습니다.개인 방을 위한 이 훨씬 작은 작업에서 그는 승마복을 입습니다.[31]얀 드 브레이는 그의 시스터들에게 고전사의 인물로 분장한 포즈를 취하도록 권장했지만, 그의 많은 작품들은 그의 가족에 관한 것입니다.Thomas de Keyser, Bartolomeus van der Helst, Ferdinand Bolf 등은 역사나 장르 화가로서 아래에 언급되는 많은 사람들을 포함하여 더 전통적인 작품에 활기를 불어넣기 위해 최선을 다했습니다.다른 종류의 그림보다 패션에 덜 영향을 받은 초상화는 네덜란드 예술가들에게 안전한 피난처로 남아있었습니다.
우리가 예술가들의 작업실 절차에 대해 아는 바가 별로 없는 것으로 보아, 유럽의 다른 곳과 마찬가지로, 아마도 처음 한두 번의 자리에서 얼굴이 그려지고 그려졌을 것으로 보입니다.일반적인 추가 좌석 수는 불분명합니다. 렘브란트 전체 길이의 경우 0과 50 사이가 문서화되어 있습니다.그 옷들은 작업실에 남겨졌고 조수나 전문가를 데려온 사람들이 그린 것일 수도 있지만, 그것들이 그림의 매우 중요한 부분으로 여겨졌기 때문입니다.[32]결혼한 여성과 결혼하지 않은 여성은 드레스로 구분할 수 있으며, 가족 그룹을 제외하고 미혼 여성이 얼마나 적게 그려졌는지를 강조합니다.[33]다른 곳과 마찬가지로, 보여진 옷의 정확도는 가변적입니다. 줄무늬와 무늬가 있는 옷을 입었지만, 예술가들은 그것들을 거의 보여주지 않아서, 당연히 추가적인 작업을 피합니다.[34]레이스와 러프 칼라는 피할 수 없는 것이었고 사실주의 화가들의 의도에 엄청난 도전을 주었습니다.렘브란트는 패턴 레이스를 그리는 데 더 효과적인 방법을 개발했고, 넓은 흰색 기둥에 눕힌 다음 무늬를 나타내기 위해 검은색으로 가볍게 칠했습니다.또 다른 방법은 검은색 층 위에 흰색으로 칠하고 붓 끝으로 흰색을 긁어내어 무늬를 표시하는 것이었습니다.[35]
세기 말에 반 다이크에 의해 1630년대에 영국에서 "그림자" 또는 "로마" 드레스로 알려진 반 다이크에 의해 시작된 세미팬시 드레스를 입은 앉아있는 사람들을 보여주는 유행이 있었습니다.[36]귀족, 그리고 민병대, 시터들은 자신들에게 도적들보다 밝은 옷차림과 넓은 환경에서 더 많은 자유를 허락했고, 종교적 소속은 아마도 많은 묘사에 영향을 미쳤을 것입니다.세기 말에 귀족, 즉 프랑스인들 사이에 가치관이 퍼졌고, 묘사는 더 많은 자유와 전시가 허용되었습니다.
초상화, 역사, 풍속화의 요소를 결합한 독특한 회화 유형은 트로이 목마였습니다.이것은 보통 특이한 분위기나 표정을 포착하는 데 집중하는 한 인물의 절반 길이였습니다.모델의 실제 정체성은 중요하지 않지만 역사적 인물을 나타내며 이국적이거나 역사적인 의상을 입을 수 있습니다.그 장르를 발전시킨 사람들 중에는, 많은 자화상들이 또한 트로이아들(특히 그의 에칭된 초상화들)인 얀 리벤스의 에칭된 초상화들)도 있었습니다.
가족 초상화는 플랑드르에서처럼 야외의 정원에서 그려지는 경향이 있었지만, 나중에 영국처럼 넓은 시야가 없었고, 의상과 분위기에서 비교적 격식을 차리지 않았습니다.주로 네덜란드의 발명품인 단체 초상화는 도시의 슈터이저 민병대 경비원, 이사회, 길드 및 자선 재단의 섭정 등과 같이 네덜란드 생활의 주목할 만한 부분이었던 많은 수의 시민 단체들 사이에서 인기가 있었습니다.특히 이번 세기 전반에 초상화는 매우 형식적이고 구성이 뻣뻣했습니다.그룹들이 테이블 주위에 종종 둘러앉아, 각 사람들이 관람자를 바라보고 있습니다.옷의 세부 사항, 그리고 해당되는 경우 가구와 사회에서 한 사람의 위치를 나타내는 다른 표시들에 많은 주의를 기울였습니다.세기 후반에 그룹들은 더 생기있고 더 밝은 색이 되었습니다.렘브란트의 '드레이퍼 길드의 신딕스'는 테이블에 둘러앉은 무리를 교묘하게 다루는 작품입니다.
과학자들은 종종 그들 주변에 있는 기구와 연구의 대상들과 함께 포즈를 취했습니다.의사들은 때때로 시체 주위에서 함께 포즈를 취했는데, 소위 '해부학 수업'이라고 불리는 것인데, 가장 유명한 것은 렘브란트의 해부학 수업입니다. 니콜라스 튈프 (1632, Mauritshuis, 헤이그).그들의 섭정적인 초상화를 입은 이사회는 어두운 옷을 입고 포즈를 취하며 긴축과 겸손의 이미지를 선호했고, 종종 테이블에 둘러앉아 엄숙한 표정을 지었습니다.
대부분의 민병대 단체 초상화들은 하를렘과 암스테르담에서 의뢰되었고, 훨씬 더 클 뿐만 아니라 다른 종류의 초상화들보다 훨씬 더 화려하고 편안하거나 심지어 떠들썩했습니다.초기의 예들은 그들이 식사를 하는 것을 보여주었지만, 이후의 그룹들은 대부분의 수치들이 더 역동적인 구성을 나타내는 것을 보여주었습니다.야간 경비대(1642)로 더 잘 알려진 렘브란트의 유명한 프란스 배닝 코크 대위의 민병대 중대는 패트롤이나 퍼레이드를 위해 출발하는 한 무리의 행동을 보여주기 위한 야심 찬 시도였고 완전히 성공적이지는 않았으며, 그러한 작품의 전형적인 매우 넓은 형식을 피하는 데 혁신적이었습니다.
단체 초상화의 비용은 보통 피험자들이 분담했지만, 종종 공평하지 않았습니다.지불된 금액에 따라 사진 속 각 사람의 위치가 결정될 수 있습니다. 정면에서 머리부터 발끝까지 완전한 규칙을 따르거나 그룹의 뒤쪽에서만 얼굴을 맞춥니다.때로는 모든 그룹 멤버들이 동등한 금액을 지불하기도 했는데, 어떤 멤버들은 다른 멤버들보다 사진 속에서 더 두드러지는 위치를 차지하게 되면 다툼으로 이어질 가능성이 높았습니다.암스테르담에서는 이 그림들의 대부분이 궁극적으로 시의회의 소유가 될 것이고, 많은 그림들이 현재 암스테르담 역사박물관에 전시되어 있습니다. 네덜란드 밖에는 중요한 예가 없습니다.
일상의 풍경들
현재는 풍속화라고 불리는 일상의 장면들은 특정한 정체성을 부여할 수 없는 인물들이 눈에 띄게 등장합니다 – 그것들은 초상화이거나 역사적 인물로 의도된 것이 아니라 오히려 분기 생활의 스냅사진입니다.풍경화와 함께 풍속화의 발전과 엄청난 인기는 이 시기 네덜란드 회화의 가장 독특한 특징이지만, 이 경우 플랑드르 회화에서도 매우 인기가 있었습니다.많은 사람들은 베르메르의 우유 따르는 여인과 같은 단일 인물입니다. 다른 사람들은 어떤 사교 행사에서 많은 무리를 보여주거나 군중을 보여줄 수도 있습니다.
"17세기 네덜란드는 그 어떤 나라보다 메시지가 있거나 없는 풍속화에 전념하는 더 많은 그리고 더 훌륭한 화가들을 배출했습니다.[38]이 장르에는 독신자, 농민 가족, 선술집 장면, "메리 컴퍼니" 파티, 직장 여성, 마을 또는 마을 축제 장면(플랑드르 그림에서 더 흔하지만), 시장 장면, 병영 장면, 말이나 농장 동물이 있는 장면, 눈 속에서, 달빛에 의한 장면 등 많은 하위 유형이 있었습니다., 그 외 여러 가지.사실, 이것들 중 대부분은 네덜란드어로 특정한 용어들을 가지고 있었지만, "장르화"에 해당하는 전체적인 네덜란드 용어는 없었습니다 – 18세기 후반까지 영국인들은 종종 그것들을 "드롤리"라고 불렀습니다.[39]어떤 예술가들은 특히 약 1625년 이후에 주로 이러한 하위 유형 중 하나에서 작업을 했습니다.[40]세기에 걸쳐서 풍속화는 크기가 줄어드는 경향이 있었습니다.
풍속화가 모든 계층의 17세기 시민들의 일상생활에 대한 많은 통찰력을 제공하지만, 그것들의 정확성이 항상 당연하게 여겨질 수는 없습니다.[41]일반적으로 그들은 미술사가들이 실제 사실주의적 묘사가 아닌 "현실 효과"라고 부르는 것을 보여줍니다. 예술가들마다 그 정도가 다릅니다.일상적인 장면만을 묘사하는 것처럼 보이는 많은 그림들은 실제로 네덜란드 속담들과 속담들을 묘사하거나 도덕적인 메시지를 전달했습니다. 몇몇 그림들은 충분히 명확하지만, 예술 역사가들에 의해 그 의미를 해독할 필요가 있을지도 모릅니다.많은 예술가들, 그리고 의심할 여지 없이 구매자들은 분명 정신적인 해석을 제공하면서 무질서한 가정이나 매춘 장소의 묘사를 즐기면서, 두 가지 모두를 가지려고 노력했습니다 – 여관 주인이라는 다른 직업을 가진 Jan Steen의 작품들이 그 예입니다.이러한 요소들 사이의 균형은 오늘날에도 미술사학자들에 의해 여전히 논의되고 있습니다.[42]
나중에 그림에 주어진 칭호는 종종 "주막" 또는 "주막"과 "사막"을 구분하지만, 실제로는 많은 주막들이 성적인 목적으로 위나 뒤에 방이 따로 마련되어 있었기 때문에, 이들은 매우 자주 같은 시설이었다: "앞에는 주막, 뒤에는 주막"은 네덜란드 속담이었습니다.[43]
위의 스틴은 매우 명확한 예시이며, 각각의 구성요소가 사실적으로 묘사되어 있지만 전체적인 장면은 실제 순간을 그럴듯하게 묘사하는 것이 아니며, 전형적으로 풍속화는 묘사되고 풍자되는 상황입니다.[44]
르네상스 시대의 상징적인 책들은 – 거의 보편적으로 토착어로 읽고 쓸 수 있지만, 대부분 고전에는 교육을 받지 못한 – 야곱 캣츠, 뢰머 비셔, 그리고 다른 사람들의 인기 있고 매우 도덕적인 작품들로 바뀌었고, 종종 대중적인 속담들에 바탕을 두고 있습니다.이 삽화들은 종종 그림에 직접 인용되는데, 20세기가 시작된 이래로 미술사학자들은 많은 장르 작품에 속담, 속담, 좌우명을 붙였습니다.또 다른 인기 있는 의미의 원천은 성적인 영역에서 많은 수의 네덜란드 은어 용어를 사용하는 시각적인 말장난입니다: 질은 다른 많은 선택들 중에서, 류트 (빛) 또는 스타킹 (코우스)로 표현될 수 있고, 섹스는 새 (보겔렌)으로 표현될 수 있고,[45] 신발, 주둥이, 그리고 그들의 옆에 있는 주전자와 깃발과 같은 순수한 시각적인 상징들입니다.
같은 화가들은 종종 가정이나 직장에서 휴식을 취하는 주부나 다른 여성들의 아주 다른 정신으로 작품을 그렸는데, 그들은 비슷한 대우를 받는 남성들보다 훨씬 더 많습니다.사실, 일을 하러 다니는 노동자 계급의 남성들은 여행자들과 한가한 사람들로 가득하지만 흙을 경작하는 사람들은 거의 없는 네덜란드 황금기 예술에 눈에 띄게 빠져 있습니다.[46]네덜란드 공화국은 유럽의 국제 무역에서 가장 중요한 나라이고 해양 그림이 풍부함에도 불구하고 부두 노동자들과 다른 상업적인 활동을 하는 장면은 매우 드뭅니다.[47]이 주제들의 그룹은 그 시대의 문화적인 선입견을 반영하는 네덜란드의 발명품이었고,[48] 다음 두 세기 동안 다른 나라, 특히 프랑스의 예술가들에게 채택될 예정이었습니다.
이 전통은 네덜란드 초기 회화의 사실주의와 상세한 배경 활동으로부터 발전했는데, 이 그림은 히에로니무스 보쉬와 피테르 브뢰겔이 주요 소재로 전환된 최초의 인물들 중 하나이며, 또한 속담을 사용했습니다.하를렘 화가 Willem Pieterszoon Buytewech, Frans Hals, 그리고 Esaias van de Velde는 그 시기 초기에 중요한 화가들이었습니다.Buyteech는 세부적으로 도덕적인 의미가 숨어있는, 곱게 차려입은 젊은이들의 "메리 회사"를 그렸습니다.
Van de Velde는 또한 조경가로서 중요했는데, 그의 장면들은 전형적으로 시골집의 가든 파티에서 배경이 된 그의 풍속화들에서와는 매우 다른 매력적이지 않은 인물들을 포함했습니다.할스는 주로 초상화가였지만, 그의 경력 초기에 초상화 크기의 장르 인물들을 그렸습니다.[50]
플랑드르의 농민 선술집 풍경의 거장인 아드리아엔 브라우어가 1625년에서 1626년 사이에 하를렘에 머물면서 아드리아엔 판 오스타드는 종종 더 감상적인 접근법을 취했지만, 그의 일생의 주제를 부여했습니다.브라우어 이전에는, 농부들이 대개 야외에서 그려졌습니다; 비록 반 오스타데의 것들이 때때로 거대한 크기의 노쇠한 농장들을 차지하고 있지만, 그는 대개 그들을 밋밋하고 어두운 실내에서 보여줍니다.[51]
반 오스타데는 위트레흐트 카라바기스티가 그들의 장르 작품에서 그랬던 것처럼 하나의 인물을 그룹으로 그리는 경향이 있었고, 특히 여성과 어린이를 포함한 하나의 인물 또는 둘이나 셋으로 이루어진 소그룹이 점점 더 일반화되었습니다.그 시기의 가장 주목할 만한 여성 화가인 주디스 레이스테르 (1609–1660)는 남편 얀 미엔세 몰레나르가 그림을 포기하도록 설득하기 전에 이것들을 전문으로 했습니다.핀슐더의 레이던 학파("화공")는 작고 완성도가 높은 그림으로 유명했는데, 많은 종류가 이 그림입니다.Gerard Dou, Gabriel Metsu, Frans van Mieris the Elder, 그리고 후에 그의 아들 Willem van Mieris, Godfried Schalcken, 그리고 Adriaen van der Werff를 포함한 주요 예술가들이 있습니다.
그들의 전임자들에 비해 지금은 작품이 지나치게 세련된 것으로 보이는 이 후대의 세대는 초상화와 역사를 그렸고, 그 시기 말에는 유럽 전역에서 작품을 찾았던 가장 높이 평가되고 보상을 받은 네덜란드 화가들이었습니다.[52]풍속화는 네덜란드 사회의 번영을 반영했고, 세기가 진행됨에 따라 환경은 점점 더 편안해지고, 화려해지고, 신중하게 그려졌습니다.라이덴 그룹에 속하지 않은 예술가들은 공통 주제가 더 친밀한 장르 그룹이었던 Nicolaes Maes, Gerardter Borch, Pieter de Hoouch를 포함했습니다. 내부 장면에 대한 빛에 대한 관심은 오랫동안 매우 모호했던 인물이지만 지금은 모든 것 중 가장 높이 평가되는 장르 화가인 얀 베르메르와 공유되었습니다.
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벙어리 헨드릭 애버캠프는 멀리서 바라본 군중들의 거의 독점적인 겨울 풍경을 그렸습니다.
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Pieter de Houch, Delft에 있는 집의 마당, 1658, 가정의 미덕, 질감, 공간적 복잡성에 관한 연구여자는 하인입니다.[53]
풍경과 도시풍경
풍경화는 17세기에 주요한 장르였습니다.16세기의 플랑드르 풍경(특히 앤트워프에서 온)이 처음으로 모범이 되었습니다.이것들은 특히 현실적이지 않았는데, 주로 스튜디오에서 그려졌고, 부분적으로 상상력에 의해 그려졌고, 요아힘 파티니르, 헤리메트 드 블레스, 그리고 초기 피테르 브뢰겔의 "세계 풍경" 전통에서 여전히 초기 네덜란드 풍경화의 전형적인 위의 반공상적인 시각을 사용했습니다.지상에서 볼 수 있는 네덜란드의 보다 사실적인 풍경 스타일은 종종 야외에서 제작된 도면을 기반으로 개발되었으며, 이는 지역 기후에서 매우 전형적이고 특정한 빛을 내는 인상적인 구름 형태를 강조할 수 있게 해주었습니다.가장 좋아하는 주제는 서쪽 해안을 따라 있는 모래언덕, 소가 방목하는 넓은 인접한 목초지가 있는 강, 멀리 도시의 실루엣이 있는 강이었습니다.얼어붙은 운하와 개울이 어우러진 겨울 풍경도 풍성합니다.또한 바다는 저지대 국가들이 무역을 위해 바다에 의지하고, 새로운 땅을 위해 바다와 싸웠으며, 경쟁국들과 바다와 싸웠기 때문에 인기 있는 주제였습니다.
리얼리즘으로의 이동에 있어서 중요한 초기 인물들은 Esaias van de Velde (1587–1630)와 Hendrick Avercamp (1585–1634)였는데, 둘 다 장르 화가로서 위에서 언급되었었다 – Avercamp의 경우에는 같은 그림들이 각 범주에서 언급될 만한 가치가 있습니다.1620년대 후반부터 화가들이 윤곽을 부드럽게 하거나 흐리게 하고 대기 효과에 집중하면서 풍경화의 "음색 단계"가 시작되었고 하늘에 큰 명성이 주어졌으며 인간 형상은 대개 부재하거나 작고 멀리 있습니다.그림 공간을 가로지르는 대각선을 기반으로 한 구도가 인기를 끌었고, 종종 물이 등장하기도 했습니다.대표적인 화가로는 얀 반 고옌 (1596–1656), 살로몬 반 뤼스다엘 (1602–1670), 피에터 드 몰린 (1595–1661), 해상 회화의 시몬 드 블리에르 (1601–1653) 등이 있으며, 최근 연구에서는 쿠이프(Cuyp)를 포함하여 반 고옌의 방식으로 적어도 한 기간 동안 작업한 75명 이상의 화가들을 열거하고 있습니다.[56]
1650년대부터 "고전적인 단계"가 시작되어 대기의 질은 유지되었지만, 보다 표현적인 구성과 빛과 색의 대비가 강화되었습니다.작곡은 종종 해상 작업에서 하나의 "영웅적인 나무", 풍차 또는 탑, 또는 선박에 의해 고정됩니다.[57]선두적인 예술가는 야콥 판 루이스달 (1628–1682)로, 이탈리아 풍경 (아래)을 제외한 모든 전형적인 네덜란드 주제를 사용하여 많은 양과 다양한 작품을 제작했습니다. 대신 그는 급류와 폭포가 흐르는 어둡고 극적인 산 소나무 숲의 "노르딕" 풍경을 그렸습니다.[58]
그의 제자는 미델하니스의 전형적이지 않은 거리(1689, 런던)로 가장 잘 알려진 마인더트 호베마(1638–1709)로, 물레방아와 숲을 통과하는 도로의 일상적인 장면에서 벗어났습니다.더 개인적인 스타일을 가진 두 명의 예술가들은, 더 큰 그림들을 포함하여 (가로로 1미터 또는 그 이상의) 최고의 작품들인, Aelbert Cuyp (1620–1691)와 Philips Konink (1619–1688)입니다.쿠이프는 황금빛 이탈리아 불빛을 받아 저녁 풍경에 사용했는데, 전경과 뒤에는 강과 넓은 풍경을 보여줍니다.코닝크의 최고의 작품들은 언덕에서 내려다보는 듯한 파노라마 뷰이며, 넓은 평지의 농경지 위에 거대한 하늘이 펼쳐져 있습니다.
또 다른 유형의 풍경은 음조와 고전적인 단계에 걸쳐 만들어졌는데, 낭만적인 이탈리아의 풍경은 전형적으로 네덜란드에서 볼 수 있는 것보다 더 산이 많은 환경에서 황금빛 빛과 때로는 그림 같은 지중해의 지팡이와 유적이었습니다.이것들을 전문으로 하는 예술가들이 모두 이탈리아를 방문한 것은 아닙니다.로마에 가서 클로드 로레인과 함께 일했던 얀 보스(1652년 사망)는 아엘베르트 쿠이프와 같은 네덜란드 환경을 가진 풍경화의 많은 화가들의 작업에 영향을 미쳤던 하위 장르의 선도적인 개발자였습니다.이 스타일로 꾸준히 작업한 다른 예술가들로는 니콜라스 베르켐(1620–1683)과 아담 피즈나커(Adam Pijnacker)가 있습니다.이탈리아의 풍경화는 판화로 인기가 있었고, 베르켐의 그림들은 다른 어떤 화가들의 것들보다 그 기간 동안 더 많이 판화로 재현되었습니다.[59]
많은 다른 예술가들은, 무엇보다도, 헤라클레스 세게르스 (c. 1589–c. 1638)의 일부를 포함하여, 상대적으로 적은 수의 그려진 풍경들이 다양한 영향을 보여주는 렘브란트, 즉 그의 매우 드문 큰 산골짜기 풍경들은 16세기 양식들의 매우 개인적인 발전이었습니다.[60]Aert van der Neer (d. 1677)는 밤이나 얼음과 눈 아래에 있는 강의 아주 작은 장면들을 그렸습니다.
동물이 있는 풍경은 뚜렷한 하위 유형이었으며, Cuyp, Paulus Potter (1625–1654), Albert Jansz에 의해 그려졌습니다. 클롬프(1625-1688), 아드리아앙 반 드 벨데(1636-1672), 카렐 두자르댕(1626-1678, 농장 동물), 필립스 워맨이 다양한 환경에서 말과 기수를 그렸습니다.소는 네덜란드인들에게 번영의 상징이었고, 지금까지 예술에서 간과되어 왔고, 말을 제외하고 가장 일반적으로 보여지는 동물이었습니다. 염소는 이탈리아를 나타내는데 사용되었습니다.포터의 어린 황소는 나폴레옹이 파리로 가져간 거대하고 유명한 초상화입니다. 비록 가축 분석가들은 해부학의 여러 부분을 묘사한 것에서 그것이 매우 다른 나이의 여섯 마리의 다른 동물들에 대한 연구의 종합으로 보인다고 주목했지만 (그것은 나폴레옹이 파리로 가져간 거대하고 유명한 초상화입니다.
건축은 또한 네덜란드인들, 특히 교회들을 매료시켰습니다.그 시기의 초기에 주요 전통은 공상적인 궁전들과 플랑드르 그림이 계속해서 발전했던 북부 매너리즘 건축의 도시 풍경이었습니다. 그리고 네덜란드에서는 더크 반 델렌이 대표했습니다.더 큰 사실주의가 나타나기 시작했고, 항상 충실하지는 않지만 실제 건물의 외관과 내부가 재현되었습니다.한 세기 동안 원근법의 적절한 렌더링에 대한 이해가 증가했고, 이를 적극적으로 적용했습니다.몇몇 예술가들은 교회 인테리어를 전문으로 합니다.
아버지 Jan Saenredam이 감각적인 나체 매너리즘 여신들을 새긴 Pieter Jansz Saenredam은 지금은 하얗게 칠해진 고딕 도시 교회들의 사람들이 살지 않는 견해들을 그렸습니다.표면 질감의 묘사가 거의 없는 그의 빛과 기하학에 대한 강조는 그의 작품을 칼뱅주의 교회에 남아있는 사람들, 평평하지 않은 바닥, 빛의 대비, 그리고 교회 가구들의 어수선함과 비교함으로써 이끌어내는데, 이는 모두 새너담에 의해 무시되는 것입니다.Gerard Huckgeest는 Van Witte와 Hendrick van Vliet에 이어, 극적이고 흥미를 더한 대각선 관점으로 교회의 주요 축을 따라 전통적인 관점을 보완했습니다.[61]
Gerrit Berckheyde는 주요 도시 거리, 광장, 주요 공공 건물들의 가벼운 인구 밀집도 전망을 전문으로 했습니다; Jan van der Heyden은 종종 나무와 운하가 있는 더 조용한 암스테르담 거리의 더 친밀한 장면을 선호했습니다.이것들은 실제적인 견해들이었지만, 그는 구성적인 효과를 위해 그것들을 조정하는 것을 주저하지 않았습니다.[62]
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Jacob van Ruisdael, View of Haarlem; Ruisdael은 많은 조경가들보다 더 다양한 주제를 가진 중심 인물입니다.
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Jan Both, 1650년, 이탈리아풍 풍경화 Both는 그가 로마에서 돌아온 후 그림을 그리기 시작했습니다.
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Jan van Goyen, Dune 풍경; "tonal" 스타일의 예
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게릿 베르키예드의 1696년 하를렘의 위대한 시장
해상도화
네덜란드 공화국은 탁월한 부를 위해 해상 무역에 의존했고, 그 기간 동안 영국과 다른 나라들과 해전을 벌였고, 강과 운하가 교차했습니다.그러므로 해양 그림 장르가 엄청나게 인기가 있었고 네덜란드 예술가들에 의해 그 시기에 새로운 수준으로 올라섰다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 풍경화와 마찬가지로 초기 해양 그림의 전형적인 인공적인 고양된 관점으로부터의 이동은 중요한 단계였습니다.[63]해상 전투의 사진들은 네덜란드 해군의 영광의 절정에 대한 이야기들을 보여주었지만, 오늘날에는 대개 더 평온한 장면들이 높게 평가되고 있습니다.배들은 보통 바다에 있고, 부두 장면은 의외로 없습니다.[64]
종종 작은 배들조차도 네덜란드의 삼색기를 날리고, 많은 배들은 해군 또는 다른 많은 정부 배들 중 하나로 확인될 수 있습니다.많은 사진들은 해변이나 항구의 전망, 또는 강어귀를 가로지르는 전망이 있는 땅을 포함하고 있습니다.작은 보트와 갈대 둑이 있는 Salomon van Ruysdael의 작은 사진부터 보통 넓은 강 위로 해가 지는 Aelbert Cuyp의 큰 이탈리아 풍경까지 강 풍경을 전문으로 하는 다른 예술가들도 있습니다.이 장르는 자연스럽게 풍경화와 많은 부분을 공유하고 있으며, 하늘의 묘사를 발전시키는데 두 사람은 함께 다녔으며, 많은 풍경화가들은 해변과 강의 풍경을 그리기도 했습니다.얀 포르첼리스, 시몬 드 블리에거, 얀 반 드 카펠, 헨드릭 더벨스, 에이브러햄 스토크 등이 아티스트로 참여했습니다.빌럼 반 드 벨데 대제와 그의 아들은 세기 초와 마찬가지로 배를 주제로 삼는 경향이 있는 반면, 수십 년 전의 성조 작업에서는 바다와 날씨에 중점을 두었습니다.그들은 1672년에 공해의 대가인 독일 태생의 루돌프 바쿠이젠을 선두적인 화가로 남기고 런던으로 떠났습니다.[65]
정물화
정물화는 질감과 표면을 아주 세밀하게 그리고 사실적인 빛 효과로 그리는 기술을 보여주는 좋은 기회였습니다.식탁 위에 놓인 온갖 종류의 음식, 은수저, 복잡한 무늬, 식탁보와 꽃들의 미묘한 주름들은 모두 화가들에게 도전장을 던졌습니다.네덜란드의 화가들은 정물화를 많이 만들어 냈고, 네덜란드의 "가정 문화에 대한 사랑"을 드러냈습니다.영어 용어 "스틸레븐(stilleven)"은 네덜란드어에서 유래되었으며, 이는 약 1650년에 사용되기 시작했습니다.[66]
여러 종류의 주제가 인정되었는데, 방케제는 "연회 조각"이었고, 비제는 더 단순한 "아침 조각"이었습니다.[67]사실상 모든 정물화는 도덕주의적인 메시지를 가지고 있었는데, 일반적으로 삶의 간결함에 관한 것으로 알려져 있는데, 이는 바니타스 테마라고 알려져 있는데, 두개골과 같은 명백한 상징이나 반쯤 벗겨진 레몬과 같은 덜 명백한 상징이 없는 경우에도 암시적입니다.[68] (삶처럼, 겉모습은 달콤하지만 맛은 쓴).꽃은 시들고 음식은 썩고 은은 영혼에 아무 소용이 없습니다.그럼에도 불구하고, 이 메시지의 힘은 금세기 후반의 더 정교한 조각들에서는 덜 강력해 보입니다.
처음에 보여진 물건들은 거의 항상 일상적이었습니다.그러나, 값비싸고 이국적인 물건들을 묘사했고 프란스 스나이더스와 아드리아엔 반 위트레흐트와 같은 플랑드르 예술가들에 의해 1640년대 앤트워프에서 하위 장르로 개발된, 세기 중반부터 더 유명해졌습니다.[69]풍경화의 초기 사실주의적, 음색적, 고전적 단계들은 정물화에 대응되는 것들을 가지고 있었습니다.[70]Willem Claeszoon Heda (1595–c.1680)와 Willem Kalf (1619–1693)는 프롱크 스타일레븐으로 변화를 이끌었고, Pieter Claesz (d. 1660)는 더 단순한 "ontbijt" (아침식사 작품) 또는 명백한 바니타스 작품을 그리는 것을 선호했습니다.
이 모든 화가들에서, 색은 종종 아주 약하며, 특히 세기 중반에는 갈색이 지배적입니다.이것은 그의 경력의 많은 부분을 앤트워프의 국경 너머에서 보낸 중요한 인물인 얀 다비즈 데힘 (1606–1684)의 작품에는 덜 해당됩니다.여기서 그의 전시품들이 가로로 뻗어나가며 넓고 긴 그림들을 형성하기 시작했는데, 헤다는 때때로 더 높은 수직의 구도들을 그렸지만, 북쪽에서는 이례적이었습니다.인생 화가들은 특히 왕조를 형성하는 경향이 있었고, 데힘스와 보스샤르트가 많았던 것으로 보이며, 헤다의 아들은 그의 아버지의 스타일을 이어나갔고, 클라에스는 니콜라스 베르켐의 아버지였습니다.
꽃 그림은 자신의 전문가들과 함께 하위 그룹을 형성했고, 때때로 마리아 반 오스터윅과 레이첼 루이쉬와 같은 소수의 여성 예술가들의 특별함이었습니다.[71]네덜란드인들은 또한 식물학과 다른 과학적 드로잉, 판화, 책 삽화 분야에서 세계를 이끌었습니다.개별 꽃들의 강렬한 사실성에도 불구하고, 그림들은 개별적인 연구나 심지어 책 삽화들로 구성되었고, 매우 다른 계절의 꽃들은 일상적으로 같은 구성에 포함되었고, 식기 조각들이 그러하듯이 같은 꽃들이 다른 작품들에서 다시 나타납니다.꽃다발이 당시 집에 전혀 흔하지 않았다는 점에서 근본적으로 비현실적인 점도 있었습니다. 심지어 매우 부유한 사람들도 델프웨어 튤립 보유자들에게 하나씩 꽃을 전시했습니다.[72]
네덜란드의 전통은 주로 플랑드르 태생의 꽃 화가인 암브로시우스 보샤르트 (1573–1621)에 의해 시작되었는데, 그는 이 시기 초기에 북쪽에 정착하여 왕조를 세웠습니다.그의 매형 발타사르 반 데르 아스트 (1657년 사망)는 꽃을 그릴 뿐만 아니라 조개 껍질의 정물화를 개척했습니다.이 초기 작품들은 꽃다발이 비교적 간단하게 배치되어 비교적 밝게 빛났습니다.보통 어두운 배경을 배경으로 바로크라고 불릴 수 있는 상당히 많은 배치는 Willem van Aelst (1627–1683)의 작품들에 의해 예시적으로 보여지며, 세기 중반부터 더 대중적이 되었습니다.레이던, 헤이그, 암스테르담 출신의 화가들은 이 장르에서 특히 뛰어났습니다.
죽은 사냥감, 그리고 살아있는 그림으로 그려졌지만 죽은 사람들로부터 연구된 새들은 네덜란드 식단의 주식인 죽은 물고기와 마찬가지로 또 다른 하위 장르였습니다 – 아브라함 반 베이예렌(Abraham van Beijeren)은 이 중 많은 것을 했습니다.[73]네덜란드인들은 큰 정물적 요소들을 다른 종류의 그림들과 결합하는 플랑드르 양식에 덜 관심을 받았습니다 – 그들은 초상화에서 자랑스럽게 여겨졌을 것입니다 – 그리고 같은 작품에서 다른 요소들을 공동 작업하는 전문 화가들의 플랑드르 습관.때때로 이런 일이 벌어지기도 했습니다 – Philips Wouwerman은 때때로 풍경을 사냥이나 교전 장면으로 바꾸기 위해 사람과 말을 추가하고, Berchem이나 Adriaen van de Velde는 사람이나 농장 동물을 추가하기 위해 사용되었습니다.
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Willem van Aelst, 시계가 있는 정물화 (c. 1665), 전형적인 어두운 배경을 가진 정물화 (c.
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Willem Claeszoon Heda, 블랙베리 파이가 있는 아침 식탁 (1631); Heda는 반사되는 표면의 묘사로 유명했습니다.
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Jan Davidzoon de Heem, Vanitas (1629)
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Jan Weenix, 죽은 공작과의 정물화 (1692)는 큰 시골집 정원을 배경으로 합니다.
이국땅
네덜란드 예술가들에게 카렐 반 만더의 쉴더보크는 전기 목록으로서뿐만 아니라 젊은 예술가들을 위한 조언의 원천으로서도 의미가 있었습니다.이 작품은 17세기 네덜란드와 플랑드르의 젊은 예술가들의 세대를 위한 고전적인 표준 작품이 되었습니다.그 책은 예술가들에게 피렌체와 로마의 관광지를 여행하고 보라고 충고했고, 1604년 이후 많은 사람들이 그렇게 했습니다.그러나 렘브란트, 베르메르, 할스, 스틴, 야콥 판 뤼스다엘 등 모든 분야에서 가장 중요한 네덜란드 예술가들이 항해를 하지 않았다는 것이 눈에 띕니다.[13]
많은 네덜란드 (그리고 플랑드르) 화가들은 해외에서 일하거나 그들의 작품을 수출했습니다; 판화 제작은 또한 중요한 수출 시장이었고, 그것으로 렘브란트는 유럽 전역에 알려지게 되었습니다.영국의 찰스 2세에게 주는 네덜란드의 선물은 네 점의 동시대 네덜란드 그림을 포함한 외교적인 선물이었습니다.영국 회화는 피터 렐리 경, 고드프리 크넬러 경, 영국 남북전쟁 전 플랑드르인 앤서니 반 다이크에 의해 확립된 영국 초상화 양식을 발전시키면서 네덜란드 화가들에 크게 의존했습니다.아버지와 아들인 해양 화가 판 데르 벨데는 미술 시장의 붕괴를 가져온 1672년 프랑스 침공 당시 네덜란드를 떠난 여러 화가들 중 하나였습니다.그들은 또한 런던으로 이주했고, 영국 풍경화의 시작은 헨드릭 당커츠와 같은 몇몇 덜 유명한 네덜란드 화가들에 의해 세워졌습니다.
밤보치안티는 장르적인 장면을 이탈리아에 소개한 네덜란드 예술가들의 식민지였습니다.얀 위닉스(Jan Weenix)와 멜키오르 도드코터(Melchior d'Hondeceter)는 죽었든 죽었든 간에 게임과 새를 전문으로 하며 북유럽 전역에서 시골집과 사격장 상공에 대한 수요가 있었습니다.
비록 네덜란드령 브라질의 북동 설탕 생산 지역에 대한 네덜란드의 통제가 짧게 밝혀졌지만(1630년-54년), 주지사 Johann Maurits van Nassau-Siegen은 네덜란드 예술가들을 초대하여 17세기의 그 지역의 풍경과 사람들을 보여주는 데 가치 있는 장면들을 그렸습니다.[74]이들 중 가장 잘 알려진 두 명의 예술가는 브라질 인구의 민족지화를 제작한 풍경화가인 프란스 포스트와 정물화가인 알버트 에크하우트였습니다.이것들은 원래 레시페(Recife)에 있는 브리즈부르크(Brijburg Great Hall에 전시되었습니다.[75]암스테르담에는 그런 그림들을 위한 시장이 있었고,[76] 포스트는 네덜란드로 돌아온 후에도 몇 년 동안 브라질 장면들을 계속해서 만들었습니다.네덜란드령 동인도 제도는 예술적으로 훨씬 덜 잘 다루어졌습니다.
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설탕 공장이 있는 풍경, 프란스 포스트
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노동자의 집이 있는 풍경, 프란스 포스트
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브라질 인디언 전사(타라이우), 알베르 에크하우트
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바나나, 고이아바, 그리고 다른 과일들, Albert Eckhout
후속평판
17세기 네덜란드 회화의 엄청난 성공은 후대의 작품을 압도했고, 18세기 네덜란드 화가, 혹은 반 고흐 이전의 19세기 화가는 네덜란드 밖에서 잘 알려져 있지 않습니다.이미 시대가 끝나갈 무렵에 예술가들은 구매자들이 살아있는 예술가들보다 죽음에 더 관심이 많다고 불평하고 있었습니다.
만약 단지 생산된 막대한 양 때문에 네덜란드 황금기 회화는 항상 올드 마스터 회화 컬렉션의 중요한 부분을 형성해 왔으며, 그 자체는 18세기에 네덜란드 황금기 예술가들을 묘사하기 위해 발명된 용어입니다.옛 왕실 소장품에 있는 우워만 그림만 봐도 드레스덴에는 60여 점, 에르미타주에는 50여 점이 있습니다.[77]그러나 그 시대의 명성은 많은 변화와 강조의 변화를 보여주었습니다.거의 지속적인 요소 중 하나는 렘브란트에 대한 동경, 특히 낭만주의 시대 이후였습니다.다른 예술가들은 중요한 재산과 시장 가격에서 급격한 변화를 보여주었습니다; 그 시기 말에 활동적인 레이던 핀스 아이들 중 일부는 엄청난 명성을 얻었지만, 19세기 중반 이후로 다양한 장르의 사실주의 작품들은 훨씬 더 인정받았습니다.[78]
베르메르는 19세기에 거의 완전한 무명 상태에서 구출되었고, 그 때까지 그의 몇몇 작품들이 다른 사람들에게 다시 귀속되었습니다.그러나 그의 많은 작품들이 이미 주요 컬렉션에 있었고, 종종 다른 예술가들의 것으로 여겨졌다는 사실은, 비록 그의 집합적인 작품이 알려지지 않았더라도, 개별 작품의 품질은 인정받았음을 보여줍니다.[79]다른 예술가들은 잘 알려지지 않은 화가들로부터 계속해서 구조되었습니다: 1950년대의 늦고 아주 단순한 정물화들,[80] 그리고 풍경화가 야코부스 맨카덴과 프란스 포스트.[81]
풍속화는 오랫동안 인기가 있었지만, 거의 고려되지 않았습니다.1780년 호러스 월폴은 그들이 "웃픈 사람들의 가장 비열한 고상함으로 방향을 전환하기 위해 웃음을 초대한다"는 것을 못마땅해 했습니다.[82]18세기 학술 예술의 지도자인 조슈아 레이놀즈 경은 네덜란드 예술에 대해 몇 가지 명백한 논평을 했습니다.그는 베르메르의 우유 따르는 여인의 자질과 할스의 초상화들의 생동감에 깊은 인상을 받았고, 제대로 완성할 "인내심"이 부족했던 것을 후회했고, 스틴이 이탈리아에서 태어나 높은 르네상스에 의해 형성되어 그의 재능을 더 잘 활용할 수 있었다고 한탄했습니다.[83]레이놀즈의 시대에 이르러 풍속화의 도덕주의적 측면은 네덜란드에서조차 더 이상 이해되지 않았습니다. 그 유명한 예는 제라드터 보흐에 의해 알려진 소위 부성훈입니다.이것은 괴테 등으로부터 딸을 질책하는 아버지의 섬세한 묘사로 찬사를 받았습니다.사실, 현대 학자들이 볼 때, 그것은 매춘부의 제안 장면인데, 두 가지 버전(베를린과 암스테르담)이 있는데, 이 남성의 손에 있는 "말하는 동전"이 제거되었는지, 아니면 두 가지 버전 중 어느 쪽에 덧칠되었는지는 확실하지 않습니다.[84]
18세기 후반, 네덜란드 회화의 현실적 사실주의는 영국에서, 그리고 프랑스에서 계몽주의 합리주의와 정치 개혁에 대한 열망과 관련된 "휘그 취향"이었습니다.[85]19세기에, 사실주의에 대한 거의 보편적인 존중과 장르의 위계의 최종적인 쇠퇴와 함께, 동시대의 화가들은 그들의 사실주의와 서사적인 목적을 위한 대상들의 사용 둘 다를 장르 화가들로부터 빌리기 시작했고, 비슷한 주제들을 직접 그리기 시작했고,네덜란드인들이 개척한 모든 장르들이 훨씬 더 큰 캔버스에 등장하면서 (여전히 삶을 제외한).
풍경화에서 이탈리아 화가들은 18세기에 가장 영향력 있고 높이 평가받았지만 존 콘스터블은 음색과 고전 화가들을 선호하며 인위적이라고 비난한 낭만주의자들 중 한 명이었습니다.[59]사실, 두 그룹은 19세기에도 영향력 있고 인기가 있었습니다.
참고 항목
메모들
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참고문헌
네덜란드와 플랑드르 회화사 |
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