페인팅

Painting
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레오나르도 다빈치의 모나리자는 세계에서 가장 인정받는 그림 중 하나이다.
코뿔소 무리의 예술적인 묘사는 30,000년에서 32,000년 전에 쇼벳 동굴에서 만들어졌다.

페인팅은 고체 표면에 페인트, 안료, 컬러 또는 기타 매체를 도포하는 작업입니다('매트릭스' 또는 '지지체'[1]라고 함).매질은 일반적으로 브러시로 베이스에 바르지만 칼, 스펀지, 에어브러쉬와 같은 다른 도구를 사용할 수 있습니다.

미술에서 그림이라는 용어는 행위와 행동의 결과를 모두 묘사한다.벽, 종이, 캔버스, 나무, 유리, 옻칠, 도자기, 잎, 구리, 콘크리트 등의 표면을 지원하며, 모래, 점토, 종이, 회반죽, 금박, 심지어 물건 전체를 포함한 여러 가지 재료를 포함할 수 있다.

그림은 시각 예술에서 중요한 형태이며, 그림, 구성, 제스처(동작 그림에서처럼), 내레이션(서사 예술에서처럼), 추상화(추상 [2]예술에서처럼)와 같은 요소들을 가져옵니다.그림은 자연주의적이고 표현적일 수 있다(정물화와 풍경화에서처럼), 사진, 추상화, 서술화, 상징주의(상징주의 미술에서처럼), 감정주의(표현주의에서처럼) 또는 자연에서 정치적(예술주의에서처럼).

동서양 미술의 회화 역사의 일부분은 종교 미술이 지배하고 있다.이런 종류의 그림의 예는 도자기에 신화적인 인물들을 묘사하는 예술작품에서부터 시스티나 성당의 천장에 있는 성경 장면들, 부처의 삶의 장면들(또는 동양 종교 기원의 다른 이미지들)까지 다양하다.

역사

주요 기사:회화의 역사
프랑스 라스코의 오록스(프랑스어: Bos primigenius primigenius primigenius)의 선사시대 동굴화
가장 오래된 그림으로 알려진 것은 인도네시아의 루방 제리지 살레 동굴에서 발견된 황소를 묘사한 것이다.그것은 40,000년에서 52,000년 전에 그려졌다.

가장 오래된 것으로 알려진 그림들은 서유럽의 프랑코-칸타브리아 지역과 마로스 지역(인도네시아 술라웨시)의 동굴에서 발견된 약 40,000년 전의 것이다.그러나 2018년 11월, 과학자들은 인도네시아 보르네오섬(칼리만탄)[3][4]의 루방 제리지 살레 동굴에서 40,000년 이상 된 것으로 알려진 이 미지의 동물 그림이 발견되었다고 보고했다.2019년 12월 술라웨시 마로스팡케프 카르스트에서 돼지 사냥을 묘사한 동굴 벽화는 최소 43,900년 전의 것으로 추정됐다.이 발견은 "스토리텔링에 대한 가장 오래된 그림 기록이자 세계 최초의 비유 예술"[5][6]로 기록되었다.보다 최근에는 2021년에 인도네시아의 한 섬에서 발견된 45,500년 이상 된 돼지의 동굴 예술이 [7][8]보고되었다.하지만, 페인팅 행위의 가장 초기의 증거는 호주 북부 아른헴 랜드에 있는 두 개의 암각화에서 발견되었다.이들 유적지의 가장 낮은 층에는 6만년 전의 것으로 추정되는 황토 조각이 남아 있다.고고학자들은 또한 호주 북서부 킴벌리 지역의 석회암 암각에서 보존된 4만년 [9]전의 암각화 조각을 발견했다.인도네시아, 프랑스, 스페인, 포르투갈, 이탈리아, 중국, 인도, 호주, 멕시코 [10]등 전 세계에 동굴 벽화의 예가 있다.서양 문화에서 유화와 수채화는 문체와 소재가 풍부하고 복잡한 전통을 가지고 있다.동양에서는 역사적으로 잉크와 컬러 잉크가 미디어의 선택을 지배했고, 마찬가지로 풍부하고 복잡한 전통이 있었다.

사진의 발명은 회화에 큰 영향을 미쳤다.1829년에 첫 번째 사진이 제작된 후 수십 년 동안, 사진 과정은 개선되었고 더 널리 행해졌고, 관찰 가능한 세계에 대한 정확한 기록을 제공하려는 그림의 역사적 목적의 많은 부분을 빼앗겼다.19세기 후반과 20세기 초반의 일련의 예술 운동들 - 눈에 띄는 인상주의, 후기 인상주의, 야수주의, 표현주의, 입체주의, 다다이즘 - 은 르네상스 시대의 세계관에 도전했다.그러나 동양화와 아프리카화는 오랜 양식화의 역사를 이어왔고 동시에 [citation needed]그에 상응하는 변형을 겪지 않았다.

현대 미술은 공예와 문서화의 역사적 가치에서 벗어나 개념을 선호했다.이것은 대부분의 살아있는 화가들이 그들의 작품 전체 또는 일부로서 계속해서 그림을 연습하는 것을 단념시키지 않았다.21세기 회화의 활력과 다재다능함은 종전의 종말 선언을 무시한다.다원주의 사상으로 특징지어지는 시대에는 그 시대의 대표 스타일에 대한 공감대가 형성되어 있지 않다.예술가들은 다양한 스타일과 미적 기질로 중요한 예술 작품을 계속 만들고 있다.그들의 장점은 대중과 시장의 판단에 달려 있다.

회화의 요소

진홍수(1598~1652) 잎사귀 그림(명조)
Shows a pointillist painting of a trombone soloist.
조르주 쇠라, 서커스 사이드쇼 (프랑스어: 퍼레이드 드 서크) (1887년–88년)

색상과 색조

색채, 포화, 가치로 이루어진 색채는 음정과 리듬이 음악의 본질인 것처럼 그림의 본질이다.색상은 매우 주관적이지만, 관찰할 수 있는 심리적인 효과가 있다. 비록 이것들은 문화마다 다를 수 있다.서양에서는 검은색은 애도하는 것과 관련이 있지만 동양에서는 흰색이다.괴테,[11] 칸딘스키,[12] [13]뉴턴을 포함한 몇몇 화가, 이론가, 작가, 그리고 과학자들은 그들만의 색깔 이론을 썼다.

게다가, 언어의 사용은 동등한 색채에 대한 추상화일 뿐이다.예를 들어, "빨간색"이라는 단어는 가시광선 스펙트럼의 순수한 빨간색에서 광범위한 변화를 포함할 수 있습니다.F나 C♯와 같이 음악에서 다른 음표에 대한 합의가 이루어지는 방식에는 다른 색상의 공식화된 레지스터가 없습니다.화가에게 색상은 단순히 기본색(원색)과 파생색(보색 또는 혼합색)으로 구분되지 않는다(예: 빨강, 파랑, 초록, 갈색 등.

화가는 실질적으로 [14]색소를 다루므로, 화가의 "파란색"은 프탈로시아닌 블루, 프러시아 블루, 인디고, 코발트 블루, 울트라라마린 등 모든 블루가 될 수 있습니다.색채의 심리적, 상징적 의미는 엄밀히 말하면 그림의 수단이 아니다.색채는 잠재적인 파생된 의미 맥락을 더할 뿐이며, 이 때문에 그림에 대한 인식은 매우 주관적이다.음악과 비유하자면, 음악에서 소리는 그림에서 "빛"과 비슷하고, "음영"은 역동성과 유사하며, "색채"는 악기의 특정 음색이 음악과 비슷합니다.이러한 요소들이 반드시 (음악에서) 멜로디를 형성하는 것은 아닙니다. 오히려 다른 맥락을 추가할 수 있습니다.

비전통적 요소

현대 미술가들은 큐비즘에서 시작되었고 엄격한 의미에서 그림을 그리고 있지 않은 콜라주를 예로 들어, 회화의 관행을 상당히 확장했다.몇몇 현대 화가들은 그들의 질감을 위해 금속, 플라스틱, 모래, 시멘트, 짚, 잎 또는 나무와 같은 다른 재료들을 사용한다.그 예로는 장 뒤뷔페와 앙셀름 키퍼의 작품이 있다.Adobe Photoshop, Corel Panker 등의 프로그램을 사용하여 디지털 "캔버스"에 색상을 "도색"하기 위해 컴퓨터를 사용하는 아티스트 커뮤니티가 증가하고 있습니다.이러한 이미지는 필요에 따라서 기존의 캔버스에 인쇄할 수 있습니다.

리듬

Jean Metzinger, La danse (Bacchante) (c.1906), 캔버스에 있는 오일, 73 x 54 cm, 크롤러 뮐러 박물관

장 메칭거의 모자이크 같은 분할주의 기법은 문학에서 유사점을 가지고 있었다. 즉, 상징주의 작가들과 신인상주의 예술가들 사이의 동맹의 특징이다.

나는 빛의 객관적인 표현이 아니라, 무지개 빛과 아직 그림에 이질적인 색채의 특정한 측면을 나누어 달라고 부탁한다.나는 일종의 색채적 변형을 하고 음절의 경우, 자연이 일으키는 다양한 감정을 해석할 수 있는 화법의 리듬을 수정하지 않고는 차원이 다를 수 없는 획을 사용한다.(Jean Metzinger,[15] 1907년경)

피에트 몽드리안, 작곡 앙루즈, 자운, 블루에누아르(1921), 게미엔트무세움 덴 하그

피터 [16][17]몬드리안과 같은 예술가들에게 리듬은 음악에서와 마찬가지로 그림에서도 중요하다.리듬을 '순서에 포함된 일시정지'라고 정의하면 그림에도 리듬이 있을 수 있다.이러한 일시정지를 통해 창의적인 힘이 개입하여 새로운 창작물(형태, 멜로디, 색채)을 추가할 수 있습니다.형태나 어떤 종류의 정보의 배포는 주어진 예술 작품에서 매우 중요하며, 그것은 그 작품의 미적 가치에 직접적인 영향을 미친다.이는 미적 가치가 기능성에 의존하기 때문이다. 즉, 인식의 자유(이동)가 아름다움으로 인식의 자유는 것이다.다른 형태의 "기술"뿐만 아니라 예술에서도 에너지의 자유로운 흐름은 미적 [16]가치에 직접적으로 기여합니다.

음악은 본질적으로 추상적이기 때문에 추상 미술의 탄생에 중요했다. 음악은 외부 세계를 표현하려고 하는 것이 아니라 영혼의 내적 감정을 즉각적으로 표현한다.바실리 칸딘스키는 자신의 작품을 식별하기 위해 종종 음악 용어를 사용했다; 그는 그의 가장 자발적인 그림을 "개량"이라고 불렀고 더 정교한 작품들을 "구성"이라고 묘사했다.칸딘스키는 "음악은 궁극의 스승"[18]이라는 이론을 세우고, 이후 그의 10가지 작곡 중 첫 번째 7가지를 시작했다.그가 그림을 그릴 때 음색과 화음을 들으면서, 칸딘스키는 노란색은 황동 트럼펫의 중간 C의 색이고, 검은색은 닫힘의 색이며, 사물의 끝이다; 그리고 색의 조합은 피아노에서 연주하는 화음과 비슷하게 진동 주파수를 만들어 낸다는 이론을 세웠다.1871년에 젊은 칸딘스키는 피아노와 [19][20]첼로를 배웠다.칸딘스키의 전시회에서의 그림 공연을 위한 무대 디자인은 형태, 색, 음악 [21]소리의 보편적인 대응에 대한 그의 "공감적" 개념을 보여준다.

음악은 모더니즘 추상화의 많은 부분을 정의한다.잭슨 폴록은 1950년작 '가을 리듬'(넘버 30)[22]을 통해 그 관심을 강조한다.

미학과 이론

주요 기사:그림 이론
여자 화가가 캠프스톨에 앉아 디오니소스나 프리아푸스의 동상을 소년이 들고 있는 판넬에 그리는 것.1세기 폼페이에서 온 프레스코
A relief against a wall shows a bearded man reaching up with his hands as his clothes are draped over his body.
니노 피사노, 아펠레스 또는 상세 회화의 예술(1334–1336); 이탈리아 피렌체에 있는 지오토의 종탑의 부조

미학은 예술과 아름다움을 연구하는 학문이다; 그것은 칸트와 헤겔과 같은 18세기와 19세기 철학자들에게 중요한 문제였다.플라톤과 아리스토텔레스 같은 고전 철학자들 또한 특히 예술과 그림에 대해 이론을 세웠다.플라톤은 그의 철학 체계에서 화가들을 무시했다; 그는 그림은 진실을 묘사할 수 없다고 주장했다. 그것은 현실의 복사이며, 신발이나 [23]철주조물과 비슷한 공예품일 뿐이다.레오나르도 시대에는, 그림이 고대 그리스에 있었던 것보다 진실을 더 잘 보여주는 것이 되었다.레오나르도 다빈치는 반대로 "이탈리아어: La Pittura é cosa mentale" (영어: 그림은 마음의 것이다)[24]라고 말했다.칸트는 아름다움과 숭고함을 분명히 [citation needed]전자보다 우선시한다는 점에서 구별했다.그가 특별히 그림을 언급하지는 않았지만, 이 개념은 J.M.W. 터너와 카스파르 데이비드 프리드리히와 같은 화가들에 의해 채택되었다.

헤겔은 아름다움의 보편적인 개념을 얻는 것의 실패를 인식하고 그의 미학 에세이에서 그림은 상징적이고 매우 지적인 목적을 [25][26]위해 시, 음악과 함께 세 개의 "낭만적인" 예술 중 하나라고 썼다.그림에 관한 이론적인 작품을 쓴 화가로는 칸딘스키와 폴 [27][28]클리가 있다.그의 에세이에서, 칸딘스키는 그림은 정신적 가치가 있고, 그는 괴테와 다른 작가들이 이미 시도했던 어떤 본질적인 감정이나 개념에 원색을 부여한다고 주장한다.

도상학은 그림의 문체라기보다는 내용을 연구하는 학문이다.Erwin Panofsky와 다른 미술사학자들은 그 당시 관객들에게 어떤 의미가 있는지 보기 전에 먼저 묘사된 것들을 이해하려고 하고, 마지막으로 그들의 더 넓은 문화적, 종교적,[29] 사회적 의미를 분석한다.

1890년, 파리의 화가 모리스 데니스는 유명한 주장을 펼쳤습니다: "전마, 벌거벗은 여자 또는 어떤 이야기 혹은 다른 것이 되기 전에, 그림은 본질적으로 특정한 [30]순서로 조합된 색들로 덮인 평평한 표면이라는 것을 기억하세요."따라서 큐비즘과 같은 20세기 회화의 많은 발전은 이전에는 핵심 주제였던 외부 세계, 즉 자연이 아닌 회화의 수단에 대한 반영이었다.최근에 그림에 대해 생각하는 데 기여한 것은 화가이자 작가인 줄리안 벨에 의해 제공되었다.그의 책 "그림이란 무엇인가?"에서, 벨은 그림을 통해 감정과 [31]생각을 표현할 수 있다는 개념의 발전을 역사를 통해 논한다.'미러 오브 더 월드'에서 벨은 다음과 같이 쓰고 있다.

예술 작품은 당신의 주의를 붙잡고 고정시키려는 것이다. 예술의 역사는 상상력의 [32]집들을 통해 도로를 불도저로 밀고 나아가게 한다.

도장 매체

일반적으로 안료가 부유 또는 매립된 매체에 의해 다양한 유형의 페인트가 식별되며, 이는 점도, 혼합성, 용해성, 건조 시간 등과 같은 페인트의 일반적인 작업 특성을 결정합니다.

핫 왁스 또는 인클로스트릭

이집트 성 캐서린 수도원의 인클로스티크 아이콘(6세기)

핫 왁스 페인팅으로도 알려진 인클로스티크 페인팅은 가열된 밀랍에 색소를 첨가하는 것을 포함한다.액체/페이스트는 표면에 도포됩니다(일반적으로 준비된 목재이지만 캔버스 및 기타 재료가 자주 사용됩니다).가장 간단한 밀폐성 혼합물은 밀랍에 색소를 첨가하여 만들 수 있지만, 다른 종류의 왁스, 다마 수지, 아마인 오일 또는 다른 성분들을 포함한 몇 가지 다른 조리법이 있습니다.일부 혼합물은 유화 물감이나 다른 형태의 안료를 사용하지만 순수 분말 안료를 구입하여 사용할 수 있습니다.페인트가 식기 전에 금속 도구와 특수 브러시를 사용하여 모양을 만들거나, 가열된 금속 도구를 사용하여 왁스가 표면으로 식으면 왁스를 조작할 수 있습니다.다른 재료는 밀폐 매체를 사용하여 표면에 접착하거나 표면에 결합하거나 층을 형성할 수 있습니다.

이 기법은 고대 그리스와 로마의 판넬 그림에서 일반적인 것으로 동방 정교회의 아이콘 전통에서 여전히 사용되고 있다.

수채화

존 마틴, 융프라우의 맨프레드(1837), 수채화

수채화란 수용성 차량에 안료를 부유시켜 도료를 만드는 도장법이다.수채화를 위한 전통적이고 가장 일반적인 지지대는 종이이다; 다른 지지대에는 파피루스, 나무껍질 종이, 플라스틱, 벨룸 또는 가죽, 직물, 나무, 캔버스 등이 있다.동아시아에서는 잉크로 그린 수채화를 붓화 또는 두루마리화라고 합니다.중국, 한국, 일본 그림에서 그것은 종종 단색의 검은색이나 갈색으로 지배적인 매체였다.인도, 에티오피아 그리고 다른 나라들도 오랜 전통을 가지고 있다.수채화 물감으로 손가락을 그리는 것은 중국에서 유래했다.예술가들이 사용하는 수채화에는 다양한 종류가 있다.예를 들어 팬 수채화, 액체 수채화, 수채화 붓펜, 수채화 연필 등이 있다.수채화 연필(수용성 색연필)은 습식 또는 건조식으로 사용할 수 있다.

구아체

구아슈는 안료와 다른 재료로 이루어진 수성 도료이며 불투명한 도료에 사용되도록 설계되어 있습니다.구아슈는 입자가 더 크고, 안료 대 물의 비율이 훨씬 높으며, 분필과 같은 추가적인 불활성 백색 안료도 존재한다는 점에서 수채화와 다르다.이것은 구아슈를 더 무겁고 불투명하게 만들며, 더 큰 반사 특성을 가지고 있습니다.모든 수분이 그렇듯이,[33] 그것은 물로 희석된다.

잉크

세슈토요, 사계절 풍경(1486년), 종이 먹빛 연색

수묵화는 색소나 염료를 포함한 액체로 그려지며 이미지, 텍스트 또는 디자인을 만들기 위해 표면에 색을 입히는 데 사용됩니다.잉크는 펜, 붓 또는 퀼로 그림을 그릴 때 사용됩니다.잉크는 용제, 색소, 염료, 수지, 윤활제, 가용화제, 계면활성제, 입자상 물질, 형광체 및 기타 물질로 구성된 복합 매체일 수 있습니다.잉크의 성분은 다양한 용도로 사용됩니다.잉크의 캐리어, 착색제 및 기타 첨가제는 잉크의 흐름과 두께, 건조 시 잉크의 외관을 제어합니다.

에나멜

장 드 코트(16세기 중반) 대영박물관 바데스돈 베퀘스트 리모제 에나멜 접시를 상세하게 그렸다.

에나멜은 기판(일반적으로 금속)을 분말 유리로 도색함으로써 만들어집니다. 색산화물이라고 불리는 광물은 착색을 제공합니다.섭씨 750–850도(화씨 1380–1560도)에서 소성하면 유리와 금속이 융합되어 적층됩니다.대부분의 페인트 기술과는 달리, 표면을 다루고 적신 에나멜은 전통적으로 귀중한 물건의 [34]장식으로 사용되었지만 다른 용도로도 사용되어 왔다.리모게스 에나멜은 르네상스 에나멜 회화의 중심이었고, 장식된 주변, 명판 또는 소금이나 관과 같은 물건에 작은 종교적이고 신화적인 장면들이 있었다.18세기에, 에나멜 그림은 유럽에서 특히 초상화 미니어처를 위한 [35]매체로 인기를 누렸다.20세기 후반, 금속에 에나멜을 입히는 기술은 야외 [36]벽화의 내구 매체로 사용되어 왔다.

템페라

계란 템페라라고도 알려진 템페라는 수용성 바인더 배지와 혼합된 착색 안료로 구성된 영구적이고 빠르게 건조되는 도장 매체이다.템페라는 또한 이 매체에서 그려진 그림들을 말한다.템페라 그림은 매우 오래 지속되며, CE 1세기 때의 예가 여전히 존재한다.달걀 템페라는 1500년 이후 유화의 발명으로 대체되기 전까지 주된 그림 방법이었다.일반적으로 안료와 접착제 크기로 구성된 템페라라고 불리는 페인트가 미국에서 일반적으로 사용되며 포스터 페인트로 언급됩니다.

프레스코

세르비아 밀레셰바 수도원, 화이트 엔젤(프레스코)

프레스코는 벽이나 천장의 회반죽 위에 그려진 여러 종류의 벽화 중 하나이다.프레스코라는 단어는 신선함을 뜻하는 라틴어에서 유래한 이탈리아어 아프레스코에서 유래했다.프레스코화는 르네상스 시대와 다른 초기 시대에 종종 만들어졌다.부온 프레스코 기법은 젖은 신선한 석회 모르타르나 회반죽의 얇은 층 위에 물과 섞은 안료로 그림을 그리는 것으로, 이탈리아어로 석고를 뜻하는 인토나코(Intonaco)가 사용된다.반면, 세코 그림은 마른 회반죽 위에 그려진다.색소는 벽에 색소를 부착하기 위해 달걀(테이터라), 접착제 또는 기름과 같은 결합 매개체가 필요합니다.

기름

Honoré Daumier, The Panker (1808–1879), 눈에 보이는 붓놀림이 있는 유화판

유화는 초기 근대 유럽에서 널리 쓰였던 아마인유와 같은 건조유 매체로 묶인 안료로 그리는 과정이다.종종 기름은 송진이나 유향과 같은 수지와 함께 끓여졌다; 그것들은 '바니쉬'라고 불렸고 그들의 몸과 광택으로 귀하게 여겨졌다.유화 물감은 그 장점이 널리 알려지면서 결국 예술작품을 만드는 주요 매개체가 되었다.변화는 북유럽의 초기 네덜란드 그림에서 시작되었고, 르네상스 유화 기법이 유럽의 대부분에서 템페라 페인트를 거의 완전히 대체했다.

파스텔

모리스 쿠엔탱 드 라 투르, 루이 15세(1748년)의 초상화

파스텔은 스틱 형태의 도장 매체로, 순수 분말 안료와 [37]바인더로 구성되어 있습니다.파스텔에 사용되는 안료는 유화 물감을 포함한 모든 유색 예술 매체를 생산하는 데 사용되는 안료와 동일하며, 바인더 색상은 중성이며 채도가 낮습니다.파스텔의 색 효과는 다른 어떤 [38]공정보다 천연 건조 색소에 가깝습니다.파스텔 페인트의 표면은 깨지기 쉽고, 쉽게 번지기 때문에, 보존에는 유리 밑의 프레임과 같은 보호 조치가 필요하며, 고정제를 뿌릴 수도 있습니다.그럼에도 불구하고, 영구적인 색소로 만들어지고 적절하게 관리된다면, 파스텔 그림은 수 세기 동안 변하지 않을 것이다.파스텔은 유체 매체로 그린 그림처럼 매체가 건조할 때 매체의 색상, 불투명도 또는 치수의 변화로 인한 균열과 변색에 민감하지 않습니다.

아크릴

Ray Burgraf, Jungle Arc(1998), 목재 아크릴 페인트

아크릴계 페인트는 아크릴계 폴리머 에멀전에 안료 현탁액이 함유된 속건성 페인트입니다.아크릴 물감은 물에 희석될 수 있지만 건조하면 내수성이 생깁니다.아크릴 젤, 미디어, 페이스트 등으로 페인트를 얼마나 희석(물로 희석)하거나 수정하느냐에 따라 완성된 아크릴 페인트는 수채화나 유화를 닮거나 다른 매체에서는 얻을 수 없는 고유한 특성을 가질 수 있습니다.대부분의 아크릴과 유화 물감의 실질적인 주요 차이점은 본래의 건조 시간입니다.오일은 언더 페인팅에 더 많은 시간을 들여 색상을 혼합하고 고른 유약을 바릅니다.기름의 이러한 느린 건조 양상은 특정 기술의 장점으로 보일 수 있지만, 또한 예술가의 빠른 작업 능력을 방해할 수도 있습니다.

스프레이 페인트

에어로졸 페인트(스프레이 페인트라고도 함)는 밀폐된 가압 용기에 담겨 밸브 버튼을 누르면 미세한 스프레이 미스트에 방출되는 페인트입니다.스프레이 페인트의 한 형태인 에어로졸 페인트는 매끄럽고 고르게 코팅된 표면을 남깁니다.스탠다드 사이즈의 캔은 휴대성이 뛰어나고 저렴하며 보관도 용이합니다.에어로졸 프라이머는 나금속 및 많은 플라스틱에 직접 도포할 수 있습니다.

속도, 휴대성 및 지속성 또한 에어로졸 페인트를 일반적인 그래피티 매체로 만듭니다.1970년대 후반, 길거리 그래피티 작가들의 서명과 벽화는 더욱 정교해졌고 에어로졸 매체와 불법 작업에 필요한 속도 요소로서 독특한 스타일이 발전했다.현재 많은 사람들이 그래피티와 길거리 예술을 독특한 예술 형태로 인식하고 있으며 특별히 제작된 에어로졸 페인트가 그래피티 아티스트를 위해 만들어졌다.스텐실은 도장할 특정 형상을 제외하고 표면을 보호합니다.스텐실은 이동 가능한 글자로 구매하거나 전문적으로 오려낸 로고 또는 아티스트가 직접 오려낸 것으로 주문할 수 있습니다.

물 혼합형 오일 페인트

물 혼합형 유화 물감('수용성' 또는 '물 혼합성'이라고도 함)은 테레빈유와 같은 화학 물질을 사용하지 않고 물로 희석 및 세척하도록 설계된 현대식 유화 물감입니다.전통적인 유화 도료와 같은 방법으로 혼합하여 도포할 수 있지만, 젖은 상태에서 일반 비누와 물로 브러시, 팔레트, 누더기 등에서 효과적으로 제거할 수 있습니다.이것의 수용성은 용액에서처럼 분자의 한쪽 끝이 물 분자와 느슨하게 결합하도록 변형된 기름 매개체의 사용에서 비롯됩니다.

디지털 페인팅

주요 기사:디지털 페인팅

디지털 페인팅은 디지털로 미술품(그림)을 만들거나 컴퓨터로 디지털 아트를 만드는 기법이다.아트 오브젝트 작성방법으로는 아크릴계 도료, 유화, 잉크, 수채화 등 전통 도료에 적응하여 산업용 로봇이나 사무용 기계(프린터)를 구동하는 소프트웨어에 의해 직물 캔버스 천, 종이, 폴리에스테르 등 전통 캐리어에 안료를 도포한다.기술로서, 그것은 가상 캔버스와 붓, 색, 그리고 다른 물품들로 구성된 가상 페인트 상자를 사용하는 컴퓨터 그래픽 소프트웨어 프로그램을 말한다.이 가상상자는 컴퓨터 밖에 존재하지 않는 많은 기구들을 포함하고 있으며, 디지털 예술작품은 전통적인 방식으로 만들어진 예술작품과 다른 모양과 느낌을 준다.게다가, 컴퓨터가 수학적인 계산을 통해 자동으로 화면에 이미지를 생성하지 않기 때문에 디지털 회화는 '컴퓨터 생성' 예술이 아니다.반면에,[39] 화가는 컴퓨터로 특정한 작품을 만들기 위해 자신만의 그림 기술을 사용한다.

그림 스타일

주요 기사:스타일(시각예술)

스타일은 다음 두 가지 의미로 사용됩니다.그것은 개별 예술가의 작품을 특징짓는 독특한 시각적 요소, 기술, 방법들을 언급할 수 있다.그것은 또한 예술가와 연관된 운동이나 학교를 나타낼 수 있다.이는 작가가 의식적으로 관여한 실제 집단에서 비롯되거나 미술사학자들이 화가를 배치한 범주가 될 수 있다.후자의 의미에서의 '스타일'이라는 단어는 현대 회화에 대한 학문적 논의에서 인기가 없어졌지만, 대중적인 맥락에서 계속 사용되고 있다.이러한 이동 또는 분류에는 다음이 포함된다.

서양의

모더니즘

모더니즘은 19세기 후반과 20세기 초 서구 사회에 대한 광범위하고 광범위한 변화에서 비롯된 문화적 경향과 관련된 일련의 문화 운동을 묘사한다.모더니즘은 [40][41]현실주의의 보수적인 가치에 대한 반란이었다.이 용어는 예술, 건축, 문학, 종교 신앙, 사회 조직, 일상생활의 "전통적인" 형태가 완전히 산업화된 세계의 새로운 경제적, 사회적, 정치적 상황에서 시대에 뒤떨어지고 있다고 느낀 사람들의 활동과 결과물을 포함합니다.모더니즘의 두드러진 특징은 자의식이다.이것은 종종 형태에 대한 실험과 사용된 프로세스와 재료에 대한 관심을 끄는 작업(그리고 [42]더 나아가 추상화 경향)으로 이어졌다.

인상파
클로드 모네의 1872년 인상, 일출은 그 운동의 이름에 영감을 주었다.

그림에서 모더니즘의 첫 번째 예는 인상파였는데, 인상파는 처음에는 스튜디오가 아닌 야외에서 하는 일에 초점을 맞추었다.인상파 그림들은 인간이 사물을 보는 것이 아니라 빛 자체를 본다는 것을 보여주었다.그 학교는 주요 실무자들 사이의 내부 분열에도 불구하고 지지자들을 모아 점점 더 영향력이 커졌다.처음에는 그 시대의 가장 중요한 상업 쇼에서 거절당했지만, 정부가 후원하는 파리 살롱은 1870년대와 1880년대에 상업적인 장소에서 매년 단체 전시회를 개최했고, 공식적인 살롱과 일치하도록 시기를 맞추었다.1863년의 중요한 행사는 나폴레옹 3세 황제가 파리 살롱에 의해 거부된 모든 그림을 전시하기 위해 만든 살롱 데 레푸제였다.

추상적인 스타일

추상화는 형태, 색, 선의 시각적 언어를 사용하여 세계의 [43][44]시각적 참조로부터 어느 정도 독립하여 존재할 수 있는 구성을 만듭니다.추상표현주의는 독일 표현주의자들의 감정적 강도와 자기 부정, 미래주의, 바우하우스, 큐비즘 등 유럽 추상파의 반구형적 미학, 반항적이고, 무정부적이며, 매우 특이하고, 일부 허무주의적으로 느껴지는 제2차 세계대전 후 미국의 예술 운동이다.ic.[45]

때로는 제스처얼 추상화라고 불리는 액션 페인팅은 페인트를 조심스럽게 [46]칠하기 보다는 자연스럽게 캔버스에 떨어뜨리거나 튀기거나 번지는 화풍이다.결과물은 종종 그 예술가의 완성된 작품이나 관심사의 본질적인 측면으로서 그 자체를 강조하는 물리적인 행위이다.이 스타일은 1940년대부터 1960년대 초반까지 널리 퍼졌고 추상적 표현주의와 밀접한 관련이 있다.

기타 모더니즘 스타일에는 다음이 포함됩니다.

아웃사이더 아트

아웃사이더 아트(outsider art)라는 용어는 1972년 미술평론가 로저 카디널(Roger Cardinal)이 프랑스 예술가 장 뒤뷔페(Jean Dubuffet)가 공식문화의 테두리 밖에서 창조한 예술을 묘사하기 위해 만든 브랜드인 아트 브루트(Art: 프랑스어: [47][a bybyt],아웃사이더 아트는 성공적인 아트 마케팅 카테고리로 부상했다(1992년부터 뉴욕에서 매년 아웃사이더 아트 페어가 개최되고 있다).이 용어는 종종 그들의 환경이나 작품 내용에 상관없이 주류 "예술 세계" 밖의 사람들이 만든 예술에 대한 캐치올 마케팅 라벨로 잘못 쓰이기도 한다.

광리알리즘

포토리얼리즘은 카메라와 사진을 이용해 정보를 수집하고, 그 정보를 바탕으로 사진처럼 매우 사실적으로 보이는 그림을 그리는 장르입니다.이 용어는 주로 1960년대 말과 1970년대 초에 시작된 미국 미술 운동의 그림에 적용된다.본격적인 예술 운동으로서 포토레알리즘은 팝아트로부터[48][49][50] 추상적 표현주의에 대항하는 것으로 발전했다.

하이퍼리얼리즘은 고해상도 사진을 닮은 회화와 조각의 한 장르이다.하이퍼 리얼리즘은 완전한 예술 유파이며 결과적인 그림이나 조각품을 만드는 데 사용되는 방법으로 포토리얼리즘의 발전으로 간주될 수 있다.이 용어는 주로 2000년대 [51]초반부터 발전한 미국과 유럽의 독립적인 예술 운동과 예술 스타일에 적용된다.

초현실주의

초현실주의는 1920년대 초에 시작된 문화 운동으로 초현실주의 운동과 관련된 사람들의 예술적이고 문학적인 생산으로 가장 잘 알려져 있다.초현실주의 예술작품은 놀라움, 불가해함, 무의식, 예기치 못한 병치사와 비순차적 요소를 특징으로 한다. 그러나 많은 초현실주의 예술가들과 작가들은 그들의 작품을 무엇보다도 먼저 철학적인 운동의 표현으로 간주하고 있으며, 작품들은 예술품이다.지도자인 안드레 브레통은 초현실주의가 무엇보다 혁명 운동이라는 주장을 분명히 했다.

초현실주의는 제1차 세계대전의 다다 활동에서 발전했고 운동의 가장 중요한 중심은 파리였다.1920년대 이후, 이 운동은 전 세계로 확산되었고, 결국 많은 나라의 시각 예술, 문학, 영화, 음악뿐만 아니라 정치 사상과 실천, 철학 그리고 사회 이론에도 영향을 끼쳤다.

다음 항목도 참조하십시오.회화의 개요 ① 회화의 스타일

동아시아인

동남아

이슬람의

인디언

파타치트라는 인도의 동부 오디샤 주와 서벵골 [52]주에 기반을 둔 전통적인 천을 이용한 두루마리 회화의 총칭이다.파타치트라의 그림 전통은 오디샤의 [53]자간나트 경의 숭배와 밀접하게 연관되어 있다.파타치트라의 주제는 종교적인 주제로 한정되어 있다.파타치트라 예술 형식은 복잡한 세부 사항뿐만 아니라 신화적인 이야기와 거기에 새겨진 설화로 알려져 있다.그림에서 사용된 모든 색상은 자연스럽고, 그림들은 치트라카라스의 전통 방식인 오디야 화가에 의해 완전히 오래된 방식으로 만들어졌다.파타치트라 화풍은 오디샤의 가장 오래되고 인기 있는 예술 형태 중 하나이다.파타키트라는 고대 벵골 서사예술의 구성 요소이며,[54][55][56] 원래는 노래를 연주할 때 시각적인 장치로 사용되었다.

칸 바하두르 칸과 그의 클랜의 남자, 1815년 경, 프레이저 앨범, 컴퍼니 스타일

컴퍼니 스타일은 18세기와 19세기에 [57]영국 동인도 회사나 다른 외국 회사의 유럽 고객들을 위해 일했던 많은 인도 화가들에 의해 인도에서 만들어진 혼합 인도-유럽 스타일의 그림을 일컫는 용어이다.델리, 캘커타, 마드라스 등 3개의 영국 파워 센터에서 3개의 다른 스타일의 회사 페인팅이 등장했습니다.서양 고객들을 위해 만들어진 회사 그림의 주제는 상상력이 풍부하기 보다는 다큐멘터리가 되었고, 그 결과, 인도 화가들은 그림에 대해 전통적인 [58][59]방식보다 더 자연주의적인 접근법을 채택해야 했다.

벵골[60] 유파는 20세기 초 영국 라지 시대에 벵골, 주로 콜카타와 샨티니케탄에서 시작되어 인도 아대륙 전역에서 번성했던 예술 운동이자 인도 회화의 한 스타일이었다.벵골 학파는 라자 라비 바르마와 같은 인도 예술가들과 영국 예술 학교에서 이전에 인도에서 추진되었던 학문적 예술 스타일에 대한 반작용으로 아방 가르데와 민족주의 운동으로 생겨났다.그 학교는 토착 문화 유산을 기념하는 독특한 인도 스타일을 확립하기를 원했다.식민지의 미학을 거부하기 위해 아바닌드라나트 타고르는 범아시아적 미학을 장려하고 일본식 세탁기법과 [61][62][63]같은 극동 미술의 요소를 접목시키는 목적으로 중국과 일본으로 눈을 돌렸다.

강라화는 강라를 후원했던 히마찰프라데시주 강라의 이름을 딴 그림이다.그것은 [64][65]18세기 중반 바솔리 화파의 쇠퇴와 함께 널리 퍼졌다.강라화의 중심 테마는 쉬링가르(Sringar)다.강라화에서 볼 수 있는 소재들은 그 [66]시대 사회의 생활양식의 취향을 잘 보여주고 있습니다.바크티를 필두로 라다와 크리슈나의 사랑을 [67][68]황홀하게 쓴 자야데바와 케샤브 다스의 사랑시를 주제로 삼았다.

19세기 마이소르 사라스와티 여신화

마두바니 미술은 인도와 네팔의 미틸라 지역에서 행해지는 인도 회화의 한 스타일이다.복잡한 기하학적 무늬가 특징인 이 그림들은 축제, 종교 의식 [69]등 특정한 경우에 사용되는 의식 내용을 나타내는 것으로 유명하다.

마이소르 그림은 마이소르 통치자의 장려와 육성을 받은 카르나타카의 마이소르 마을과 그 주변에서 시작된 남인도 고전화의 중요한 형태이다.마이소어 그림은 우아함, 부드러운 색채, 세세한 부분까지 신경을 쓰는 것으로 알려져 있다.이 그림들의 주제는 힌두 신과 여신 그리고 힌두 신화의 [70][71]장면들이다.

크리슈나와 라다는 라즈푸트 페인팅의 키샹가르 학파의 거장 니할 찬드의 작품일 것이다.

라자스타니 그림은 주로 17세기 동안 인도 북부의 라자푸타나[72] 왕실에서 발전하고 번성했다.무굴의 미니어처 전통으로 단련된 예술가들은 황실 무굴 궁정에서 분산되어 현지 회화 전통, 특히 산스크리트 서사시, 마하바라타, 라마야나를 그린 문체를 발전시켰다.주제는 다양했지만, 종종 사냥이나 그들의 일상 활동에 종사하는 지배 가족의 초상화는 서사시나 힌두 신화의 이야기 장면뿐만 아니라 풍경과 인간의 [73][74][75]일부 장르 장면과 마찬가지로 일반적으로 인기가 있었다.

무굴화는 남아시아, 특히 북인도(구체적으로 현대 인도와 파키스탄)의 특정한 스타일로, 책 일러스트 또는 앨범(muraqa)에 보관되는 단일 작품으로서 미니어처에만 국한된 그림이다.그것은[76] 페르시아의 미니어처 페인팅에서 생겨났고 16세기에서 18세기 사이 무굴 제국의 궁정에서 발전했다.무굴화는 페르시아의 전형적인 미니어처보다 사실적인 초상화에 즉시 훨씬 더 큰 관심을 갖게 되었다.동물과 식물은 앨범의 많은 미니어처들의 주요 주제였고,[77][78][79] 좀 더 사실적으로 묘사되었다.

다른이들

아프리카인

현대 미술

1950년대

1960년대

1970년대

1980년대

1990년대

2000년대

회화의 종류

알레고리

알레고리는 문자 이외의 의미를 전달하는 비유적 표현 방식이다.알레고리는 상징적 숫자, 행동 또는 상징적 표현을 통해 메시지를 전달합니다.알레고리는 일반적으로 수사학의 한 형태로 취급되지만, 알레고리는 언어로 표현될 필요가 없다: 그것은 눈으로 표현될 수 있고 종종 사실적인 그림에서 발견된다.단순한 시각적 우화의 예는 저승사자의 이미지이다.시청자들은 저승사자의 이미지가 죽음을 상징적으로 나타낸다는 것을 이해한다.

보데곤

Francisco de Zurbaran, 도기 항아리의 정물화 (스페인어: Bodegon de recipientes) (1636), 캔버스의 기름, 46 x 84 cm, 마드리드, 프라도 박물관

스페인 미술에서 보데곤은 식료품, 게임, 음료와 같은 정물화를 묘사하는 그림으로, 종종 단순한 돌판에 배치되며, 하나 이상의 형상이 있지만, 일반적으로 부엌이나 술집을 배경으로 하는 중요한 정물화도 있다.바로크 시대를 시작으로, 그러한 그림들은 17세기 2/4분기에 스페인에서 인기를 끌었다.정물화의 전통은 오늘날의 벨기에와 네덜란드인 저지대에서 시작되었고 남부 유럽에서보다 훨씬 더 인기가 있었던 것으로 보인다.북부 정물화에는 많은 하위 장르가 있었다: 아침 식사는 트롬페일, 꽃다발, 그리고 바니타에 의해 증가되었다.스페인에서는 이런 종류의 음식을 찾는 손님이 훨씬 적었지만, 식탁 위에 음식과 식기를 몇 개 놓는 아침 식사가 인기를 끌었다.

피규어 페인팅

피규어 페인팅은 옷을 입었든 누드든 인간의 모습을 주요 소재로 하는 어느 회화 매체에서나 예술 작품이다.인물화는 그러한 작품을 창작하는 활동을 의미하기도 한다.이 인물은 최초의 석기시대 동굴 벽화부터 예술의 대조주체 중 하나였으며,[80] 역사를 통틀어 다양한 스타일로 재해석되었다.인물화로 잘 알려진 화가로는 피터 폴 루벤스, 에드가 드가, 에두아르 마네가 있다.

레자 아바시, 두 연인 (1630)

일러스트 페인팅

일러스트화는 책, 잡지, 극장이나 영화 포스터, 만화책의 일러스트레이션으로 사용되는 그림입니다.오늘날, 원작의 작품을 수집하고 감탄하는 것에 대한 관심이 높아지고 있다.다양한 박물관 전시, 잡지, 미술관이 과거의 일러스트레이터들에게 공간을 할애해 왔다.시각 예술 세계에서는 일러스트레이터가 훌륭한 예술가나 그래픽 디자이너에 비해 덜 중요하게 여겨져 왔다.그러나 컴퓨터 게임과 만화 산업의 성장의 결과로, 삽화는 특히 한국, 일본, 홍콩 그리고 미국에서 다른 두 작품보다 더 넓은 시장을 획득할 수 있는 인기 있고 수익성이 높은 예술작품으로 평가되고 있다.

풍경화

주요 기사: 조경 예술
Andreas Achenbach, Clearing Up, 시칠리아 해안(1847), 월터스 미술관[81][82]

산수화는 산, 계곡, 나무, 강, 호수, 숲 등 자연경관, 특히 넓은 시야를 주체로 하는 미술을 일관된 구성으로 표현한 용어이다.다른 작품에서도 인물 배경은 여전히 작품의 중요한 부분을 형성할 수 있다.하늘은 거의 항상 전망에 포함되며, 날씨는 종종 구성의 요소이다.독특한 소재로서의 상세한 풍경은 모든 예술적 전통에서 찾아볼 수 없으며 이미 다른 주제를 대표하는 정교한 전통이 있을 때 발전한다.두 가지 주요 전통은 서양화와 중국 미술에서 비롯되었으며, 두 가지 경우 모두 천 년 이상 거슬러 올라간다.

초상화

초상화는 얼굴과 표정이 지배적인 인물을 묘사하는 것입니다.그 의도는 그 사람의 닮음, 성격, 그리고 심지어 감정을 드러내는 것이다.초상화의 예술은 고대 그리스, 특히 로마 조각에서 번성했는데, 이곳에서 시터들은 개별적이고 사실적인 초상화, 심지어 아첨하지 않는 초상화를 요구했습니다.서양에서 가장 잘 알려진 초상화 중 하나는 레오나르도 다빈치의 모나리자 그림인데, 이것은 프란체스코 델 지오콘도의 [83]아내인 리사 게라르디니의 초상화로 생각된다.

정물화

오토 마르세우스 반 슈리크, 숲 바닥 정물화 (1666년)

정물화는 주로 무생물, 전형적으로 흔한 물체를 그린 예술 작품입니다. 자연물(음식, 꽃, 식물, 바위 또는 조개껍데기)이거나 인공물(술잔, 책, 꽃병, 보석, 동전, 파이프 등)일 수 있습니다.중세 시대와 고대 그리스/로마 미술에서 유래한 정물화는 풍경화나 초상화와 같은 다른 유형의 주제의 그림보다 구성 내에서 디자인 요소의 배열에 더 많은 자유를 준다.특히 1700년 이전의 정물화는 종종 묘사된 물체와 관련된 종교적, 우화적 상징성을 포함하고 있었다.일부 현대 정물화는 2차원의 장벽을 깨고 3차원의 혼합매체를 사용하며, 발견된 물체, 사진, 컴퓨터 그래픽, 비디오와 소리 등을 사용한다.

베두타

베두타는 도시 풍경이나 다른 경치를 매우 상세하게 그린 그림이다.이 풍경의 장르는 폴 브릴과 같은 예술가들이 16세기 초에 베두트를 그렸던 플랜더스에서 시작되었다.그랜드 투어의 일정이 다소 표준화되면서 로마 포럼이나 대운하와 같은 친숙한 장면들이 귀족 영국인들을 위한 초기 유럽 여행을 떠올리게 했다.19세기 후반, 도시 경관에 대한 더 많은 개인적인 인상이 지형적인 정확성에 대한 욕구를 대신했고, 대신 그것은 그려진 파노라마로 충족되었다.

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메모들

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  • 다니엘, H.(1971년).회화 주제와 주제에 관한 백과사전; 신화, 성경, 역사, 문학, 우화, 주제.뉴욕: 해리 N. 에이브럼스 주식회사
  • W. 스탠리 주니어태프트, 제임스 W메이어, 그림의 과학, 초판, 스프링거, 2000년.