스타일(시각 예술)

Style (visual arts)
1903년 파블로 피카소라비; 피카소의 청색 시대의 "스타일 라벨"에 속함
드모아젤레스 다비뇽(1907)도 4년 후 다른 스타일로 피카소에 의해 만들어졌다.

시각 예술에서 스타일은 "... 관련 범주로 작품을 분류할 수 있는 독특한 방식"[1] 또는 "…" "어떤 행위가 행해지거나 행해져야 하거나 행해져야 할 유물이 만들어져야 하거나 만들어져야 하는" 모든 독특하고 인정받을 수 있는 방법"이다.[2]그것은 같은 시대의 화가나 같은 시대의 다른 작품, 훈련, 위치, '학교', 미술 운동 또는 고고학 문화의 다른 작품과 관련되는 예술 작품의 시각적 외관을 말한다: "양식의 개념은 오래 전부터 미술사학자의 미술 작품 분류의 주된 방식이었다.스타일에 따라 그는 예술의 역사를 선택하고 그 모양을 만든다.[3]

스타일은 종종 한 시대의 일반적인 스타일, 국가 또는 문화 그룹, 예술가 그룹 또는 예술 운동의 그룹, 그리고 그 그룹 스타일 내의 예술가 개인의 스타일로 나뉜다."초기", "중간" 또는 "후기"와 같이 두 가지 유형의 스타일 내에서 분할이 이루어지는 경우가 많다.[4]예를 들어 피카소와 같은 어떤 예술가들에서는 이러한 분열이 표시되고 보기 쉬울 수 있으며, 다른 예술가들에서는 더욱 교묘하다.스타일은 대개 역동적인 것으로 보여지는데, 대부분의 시기에는 항상 점진적인 과정에 의해 변화하지만, 이것의 속도는 선사시대 미술이나 고대 이집트 미술의 전형적인 스타일에 있어서 매우 느린 발전에서부터 현대 미술 양식의 빠른 변화까지 크게 달라진다.스타일은 종종 일련의 점프에서 발전하는데, 비교적 갑작스러운 변화에 뒤이어 느린 발달의 시기가 뒤따른다.

19세기와 20세기 초 미술사에서 학문적 논의를 지배한 후 이른바 '스타일 미술사'가 최근 수십 년 사이에 점점 더 많은 공격을 받게 되었고, 현재 많은 미술사학자들은 그들이 할 수 있는 양식적 분류를 피하기를 선호하고 있다.[5]

개요

어떤 예술품이라도 이론적으로 스타일 측면에서 분석할 수 있다; 완전한 무능에 의해서만 스타일이 성립되는 것을 제외하고는 시대나 예술가는 스타일을 피할 수 없으며,[6] 반대로 자연스러운 사물이나 볼거리도 스타일을 갖는다고 말할 수 없다. 스타일은 메이커의 선택에 의해서만 만들어지는 것이기 때문이다.[7]예술가가 스타일을 의식적으로 선택하든, 아니면 자신만의 스타일을 식별할 수 있든, 거의 문제가 되지 않는다.최근의 발달된 사회의 예술가들은 자기 자신의 스타일을 매우 의식하는 경향이 있는 반면에, 이전의 예술가들에게 있어서 양식적 선택은 아마도 "대부분 자의식이 없는" 것이었을 것이다.[8]

대부분의 양식적 시대는 나중에 미술 역사가들에 의해 확인되고 정의되지만, 예술가들은 그들만의 스타일을 정의하고 이름을 붙이는 것을 선택할 수도 있다.대부분의 오래된 스타일의 이름은 미술사학자들의 발명이며, 그러한 스타일의 실무자들은 이해하지 못했을 것이다.고딕, 바로크, 로코코 등 조롱의 용어로 유래한 것도 있다.[9]반면에 입체파는 몇몇 예술가들이 만든 의식적인 신분증이었다; 그 말 자체는 화가보다는 비평가에서 유래한 것으로 보이지만, 화가들에 의해 급속히 받아들여졌다.

서양 미술은 다른 문화권, 가장 두드러진 중국 미술과 마찬가지로 과거와는 "고전적" 양식의 간격을 두고 회생하는 경향이 두드러진다.[10]시각 예술에 대한 비판적 분석에서, 예술 작품의 스타일은 전형적으로 작품의 주제와 내용을 다루는 아이콘그래피와 구별되는 것으로 취급되지만, 재스 엘스너에게 있어서 이러한 구별은 "물론, 어떤 실제 사례에서도 사실인 것은 아니지만, 수사학적으로 매우 유용하다는 것이 증명되었다."[11]

개념의 역사

14세기 상아로 된 이슬람 장식은 팔레트 위에 있으며, 알로이스 리글스틸프라겐(1893)은 그러한 모티브의 진화와 전달을 추적했다.

고전 미술 비평과 미학에 관한 비교적 적은 중세 문학은 예술에 있어서 스타일의 개념, 또는 그것에 대한 분석을 크게 발전시키지 못했고,[12] 예술에 관한 르네상스나 바로크 작가들은 우리가 스타일이라고 부를 것에 크게 관심을 두고 있지만, 적어도 건축 밖에서는 그것에 대한 일관성 있는 이론을 발전시키지 못했다.

예술 스타일은 문화적 조건에 따라 변한다; 현대 미술사학자에게는 자명한 진리지만, 이 시기에는 비범한 사상[초기 르네상스 및 이전]이 있다.또한 그러한 생각이 고대로 표현되었다는 것도 확실하지 않다...플리니는 예술 제작 방식의 변화에 신경을 썼지만 기술과 부에 의해 움직이는 그런 변화를 제시했다.Vasari 역시 그의 견해에 따르면, 이전의 예술이 가진 이상한 점, 그리고 부족한 점들을 기술적 노하우와 문화적 세련됨의 결여 탓으로 돌리고 있다.[13]

조르지오 바사리는 이탈리아 회화(주로)에서 조토(Giotto)부터 마네티스트(Manareist) 시대까지 양식의 발전에 대해 대단히 영향력이 크지만 많은 의문을 제기하였다.그는 베네치아 색보다는 병든 노나 선에 기초한 그림을 바탕으로 한 플로렌스 스타일의 개발을 강조했다.레온 바티스타 알베르티와 같은 다른 르네상스 이론가들과 함께 그는 자연에 대한 현실적 묘사와 그것의 이상화 사이의 예술에서 최고의 균형에 대한 고전적인 논쟁을 계속했다; 이 논쟁은 19세기까지 계속되었고 모더니즘의 출현까지 계속될 예정이었다.[14]

신고전주의 이론가인 요한 요아힘 윈켈만(Johann Joahim Winckelmann)[15]은 1764년 그리스 고전 미술의 양식적 변화를 분석하여 르네상스 미술의 변화와 밀접하게 비교하였으며, "조오르그 헤겔은 각 역사적 시대에는 전형적인 양식이 있을 것이라는 개념을 성문화하여 문체 연구에 매우 긴 그림자를 드리웠다.헤겔은 독일어 '자이테이스트(Zeitgeist)'의 발명으로 귀속되는 경우가 많지만, 실제로 이 단어를 사용한 적은 없지만, 비록 역사철학 강의에서 ' 시대의 정신'에서 '어떤 사람도 자신의 시간을 뛰어넘을 수 없다'는 글을 쓰면서 "그 시대의 정신도 자신의 정신이기 때문"[16]이라고 쓰고 있다.

역사 예술과 건축의 시대적 양식의 체계 구축은 하인르와 함께 1893년 그의 스틸프라겐에서 카를 프리드리히루모흐르, 고트프리드 셈퍼, 알루아 리글 등 문체의 넓은 이론에 관한 중요한 작가들과 함께 새로운 그리고 초기에는 주로 독일어를 사용하는 미술사 분야의 19세기 학자들의 주요 관심사였다.ich WölfflinPaul Frankl은 20세기에 논쟁을 계속했다.[17]폴 제이콥스탈요제프 스트리지고프스키는 시공간적으로 다양한 스타일의 요소들의 전달을 추적하는 거창한 계획을 제안하면서 리글을 추종한 미술사학자 중 한 명이다.이런 유형의 미술사는 형식주의, 즉 미술에서 형식이나 모양을 연구하는 학문이라고도 한다.[18]

Semper, Wölfflin, Frankl, 그리고 후에 Ackerman은 건축의 역사에서 배경을 가지고 있었고, 시대 양식에 대한 다른 많은 용어들처럼, "로마네스크"와 "고딕"은 처음에 건축 스타일을 설명하기 위해 만들어졌는데, 건축에서 스타일이 더 쉽기 때문만은 아니라 스타일들 사이의 주요한 변화가 더 명확하고 쉽게 정의될 수 있다.그림 같은 조형 예술에서 스타일보다 규칙의 집합을 따라 복제하는 것.건축 기간을 기술하기 위해 유래된 용어들은 종종 시각 예술의 다른 영역에도 적용되었고, 그 다음에는 음악, 문학, 일반 문화에 더 광범위하게 적용되었다.[19]

건축에서 양식적 변화는 고딕 갈비뼈 저장고에서 현대 금속철근 콘크리트 구조에 이르는 새로운 기술이나 재료의 발견에 의해 종종 뒤따르고 그리고 가능하게 된다.미술사와 고고학 모두에서 주요 논쟁 영역은 회화나 도자기와 같은 다른 분야의 양식적 변화가 새로운 기술적 가능성에 대한 대응이기도 하고, 또는 그 자체의 발전 동기를 가지고 있거나(리글의 쿤스트월렌), 또는 후원자와 콘디티에 영향을 미치는 사회적 경제적 요인에 대한 대응의 변화도 어느 정도인가 하는 것이었다.현재의 사고방식이 강조하는 경향이 있듯이, 마르크스주의 미술사의 덜 엄격한 버전을 사용하는 예술가들에 관한 것.[20]

비록 스타일 예술 역사적 분석의 중심 요소, 미술 역사상 가장 우선적인 요소로 그것을 보면서 직접 well-established다 예술을 바라보는 다른 방법도 유행에 대한 강조에 대한 반발로 developing,[21]패션에서 세계 2차 대전으로 인해, 스베틀라나 Alpers을 위해 스타일의 예술 그의에서 정상적인 호출에서 잠들었다.토리정말 우울한 사건이다"[22]라고 말했다.제임스 엘킨스에 따르면 "20세기 후반에 스타일에 대한 비판은 보다 쉽게 통제할 수 있는 형태로 유지하면서 개념의 헤겔적 요소를 더욱 축소하는 것을 목표로 했다"고 한다.[23]마이어 샤피로, 제임스 애커먼, 에른스트 곰브리치, 조지 쿠블러(시간의 형태: 사물역사에 관한 발언, 1962)는 이 논쟁에 주목할 만한 기여를 하였으며, 이 논쟁은 비판 이론에서도 보다 폭넓은 발전을 이루었다.[24]2010년 Jas Elsner 더 강하게:"20세기의 거의 전체를 위해 규율의, 스타일 예술 역사는 명백한 왕이었으나 70년대의 혁명과 팔십년대부터 왕은 죽은 지"[25]그의 기사가 있었는데 그의 말에 거의appl된에서"스타일 미술사"여전히 살아 있는 방법을 탐구한다 그것을 담았다.ica고고학으로 퇴색하다

미술사학자들 사이에서 이런 '스타일 라벨'에 대한 조급함이 커지면서 카운터마니에라 같은 용어의 사용이 감소하는 것으로 보인다.2000년에 마르시아 B. 이 용어를 창안한 시드니 프리드버그(1914~1997)의 16세기 이탈리아 회화의 대표 미술사학자이자 멘티인 16세기 라파엘의 후기 라파엘(After Raphael)의 평론가로부터 사과에도 불구하고 이것과 다른 용어를 계속 사용한 "근본적 결함"으로 비판을 받았다.책의 첫머리에 있는 "Els"와 그들의 사용을 최소한으로 유지하겠다는 약속.[26]

1889-90년 조르주 수랏의 매우 개성적인 기법과 스타일, 르 차후트

단지 어떻게 묘사하고 분류하는가에 대한 이론이 아니라, 예술적 스타일의 변화를 이끄는 과정을 설명하는 이론을 창조하려는 드문 최근의 시도는 다윈 원리에 기초한 진화론을 제안한 행동 심리학자 콜린 마틴데일에 의한 것이다.[27]그러나 이것이 미술사학자들 사이에서 큰 지지를 얻었다고 말할 수는 없다.

개별 스타일

전통적인 미술사도 개인의 스타일, 때때로 예술가의 서명 style,[28]에서:"개인적인 style—that 개성의 개념은 독특한 예술가 당첨으로 가는 길 뿐만 아니라 저자의 서부의(예를 들어)—은 아마도 공리는 쓰는 감각 있는 센스에서 발현될 수가 강조했다.것은 아니다.정체성의 [29]이온르네상스 이후 서구 전통의 작품들에 대해서는 무엇보다도 미술 시장에 대한 평가에서 지배적인 요소인 예술가에 작품을 귀속시키는 데 있어서 개별적인 스타일의 식별이 특히 중요하다.작품에서 개별적인 스타일의 식별은 "감식가들로 알려진 분야의 전문가 그룹"에 "필수적으로 할당된다"[30]는 것인데, 이 그룹들은 미술 무역과 박물관을 중심으로 하며, 종종 그들과 학술 미술사학자들 커뮤니티 사이의 긴장을 가지고 있다.[31]

감식력의 발휘는 대체로 분석하기 어려운 주관적인 인상의 문제일 뿐 아니라 기법의 세부사항과 다른 예술가의 '손'을 아는 문제이기도 하다.조반니 모렐리(1816년 – 1891년)는 서양 옛 명화에서 예술가들이 거의 의식하지 않는 속기와 예를 들어 귀나 손 같은 그림을 그리기 위한 규약을 밝혀낸 진단적 사소한 세부 사항의 정밀조사에 대한 체계적인 연구를 선도했다.그의 기술은 베르나르 베렌슨 등에 의해 채택되었고, 조각과 다른 많은 종류의 예술에 적용되었다. 예를 들어 존 비즐리 경에 의해 애티크 화병 그림이 그려졌다.[32]개인 기법은 개인의 스타일을 분석하는 데 중요할 수 있다.비록 예술가들의 훈련은 워크숍에서 견습생으로 배우든, 나중에 학원에서 학생으로 배우든, 가르친 기술적 방법에 의존하는 모더니즘보다 본질적으로 모방적인 것이었지만, 언제나 개인적인 변형의 여지가 있었다.그것들을 개발한 명인이 밀착 경호하는 기술적 '비밀'의 사상은 바사리의 아마도 신화적인 이야기인 아이크부터 조르주 서라트의 비밀스러운 습관에 이르기까지 미술사에 있어서 오랜 세월에 걸친 토포다.[33]

크리스티의 "렘브란트 하멘츠 반 리즈의 마너"로 분류되어 2010년에 750파운드에 팔린 의사들그리스도의 그림

하지만 개인적인 스타일에 대한 생각은 확실히 서구 전통에만 국한된 것은 아니다.중국 미술에서 그것은 매우 깊이 소장되어 있지만, 전통적으로 어떤 종류의 미술에 대한 감상의 한 요소로 여겨지는데, 무엇보다도 서예문인화, 그러나 중국 도자기와 같은 다른 것은 아니다;[34] 서양의 소위 장식미술에서도 흔히 볼 수 있는 구별이다.중국화는 또한 서양에서 일반적으로 발견되는 것보다 훨씬 일찍 화가에 의한 정치적, 사회적 견해의 표현을 허용했다.[35]이슬람 세계동아시아에서도 훌륭한 예술로 여겨지는 서예는 개인적인 문체의 야망 안에서 새로운 영역을 가져온다; 서양의 서예의 이상은 개인의 문체를 억압하는 경향이 있는 반면, 그것에 의존하는 그래프학은 스스로를 과학으로 간주한다.

화가 에드워드 에드워즈(Edward Edwards of P화가의 일화)는 "게인즈버러 씨의 필법은 너무 독특해서 그의 작품은 아무런 표식이 필요하지 않았다"[36]고 말했다.강한 개성적인 스타일의 예로는 파블로 피카소입체파 미술, 앤디 워홀의 팝 아트 스타일[37], 빈센트 고흐인상파 스타일, 잭슨 폴록드립 페인팅 등이 있다.

매너

"마너"는 관련 용어로, 실제로 어떤 스타일의 하위 구분에 종종 사용되며, 아마도 특정한 스타일이나 기법에 초점을 맞출 것이다.[38]시대 양식의 많은 요소들이 특징적인 형태나 모양으로 축소될 수 있고, 단순한 선으로 그린 도표로 적절히 표현될 수 있지만, '마너'는 정밀한 분석의 대상이 되기 쉽지 않은 작품, 특히 그림과 같은 복잡한 작품들의 전체적인 스타일과 분위기를 의미하는 데 더 자주 사용된다.그것은 정확하지 않기 때문에 피한 다소 시대에 뒤떨어진 학문적 미술사 용어다.사용할 때는 흔히 예술가의 개별적인 스타일을 모방하는 문맥에 있으며, '렘브란트의 마너'는 작품의 스타일과 작품의 거리적 관계를 암시하는 '렘브란트의 마너'와 함께 판매를 위한 작품과 유명 작가의 작품과의 관계를 위해 미술 거래에서 사용되는 신중하거나 외교적인 용어의 서열 중 하나이다.렘브란트만의 스타일.경매사 크리스티의 '목록 작성 관행 설명'은 경매 카탈로그에 나오는 '...의 경영자'는 "우리 의견으로는 작가의 스타일로 실행된 작품이지만 그 이후의 작품"을 의미한다고 설명한다.[39]이탈리아 매니에라("manner")에서 파생된 매너리즘은 일반적인 르네상스 양식의 특정 국면이지만, "manner"는 매우 광범위하게 사용될 수 있다.

고고학의 스타일

시대별로 분류된 구석기 석기

고고학에서, 방사성 탄소 연대 측정과 같은 현대적 기술에도 불구하고, 시대나 문화적인 스타일은 순수하게 기능적인 예술품을 포함한, 예술 작품뿐만 아니라 모든 종류의 고고학적 예술품들을 식별하고 연대하는 데 결정적인 도구로 남아 있다(순전히 기능적인 예술품이 존재하는지 여부에 대한 문제는 무시).[40]유럽 상류 구석기 시대의 빙하기 예술과 같은 외진 시기에도 예술가나 장인의 개별적인 스타일의 식별이 제안되었다.[41]

미술사에서와 마찬가지로 개별 아르테팩트의 형태학(모양)에 대한 형식적 분석이 출발점이다.이 가공품의 종류에 따라 다른 유형학을 세울 때 사용하는데 순차 배열의 이 기술을 통해 상대적 연대 측정 스타일에 사이트 과학적 절대 연대 측정 기법을 사용할 수 없는 경우만 돌, 세라믹이나 금속 가공품이나 남아 있는 흔히 있는 경우 사용할 수 있는 특별한에는의 현장 또는 그룹에 대해 기초해.[42]많은 문화와 시대의 유적지에는 종종 토기 조각들이 매우 많고, 심지어 작은 조각들도 그들의 스타일에 의해 자신 있게 연대를 받을 수 있다.최근 학문 미술사의 경향과 대조적으로, 문화사적 고고학에서 프로세스적 고고학에 이르기까지, 지난 세기의 고고학 이론의 학교들의 계승과 마지막으로 최근 수십년 동안의 가공고고학의 상승은 기초로서 고고학에서 스타일 연구의 중요성을 크게 줄이지 못했다.추가 해석 전에 객체를 분류하기 위한 것이다.[43]

스타일화

영국의 매우 양식화된 선사시대 우핑턴 백마 항공관

양식화양식화(또는 (각각 비 Oxford) 영국식 영어에서 양식화 및 양식화)는 보다 구체적인 의미를 가지며, 시각적 외관을 완전하고 정밀하고 정확하게 표현하려고 시도하지 않는 객체나 장면을 표현하는 간결한 방법을 사용하는 시각적 묘사(mimesis 또는 "실제적")를 참조하고, a를 선호한다.매력적이거나 표현적인 전체적인 묘사.더 전문적으로는,"인물과 개체의 다양한 재래식 기술의 라인, 폼의 간소화하는 등 공간과 색채의 방법, 그리고 관계에 의해 장식적 일반화"[44]으며,"[s]tylized 아트 패턴의 라인, 표면 정교함과 flatt에 구문에게 시각적 인식을 감소시키는 것을 관찰했다 정의되고 있다.en"에드 스페이스"[45]

고대, 전통, 현대 미술뿐만 아니라 만화애니메이션과 같은 인기 있는 형태도 양식화된 표현을 매우 자주 사용하므로, 예를 들어 심슨 가족은 전통적인 아프리카 미술처럼 매우 양식화된 묘사를 사용한다.이 페이지 상단에 그려진 두 장의 피카소 그림은 화가의 양식에서 인간상을 보다 양식적으로 표현하려는 움직임을 보여주며,[46] 우핑턴 백마는 고도로 양식화된 선사시대의 말의 묘사를 보여주는 사례다.팔레트아라베스크와 같은 장식 예술에서 모티브는 종종 식물의 일부를 매우 양식화한 것이다.

일반적으로 마임이나 '현실주의'를 시도하는 예술에서도 디테일에 있어서 어느 정도의 양식화가 매우 자주 발견되며, 특히 큰 작품에서도 먼 배경의 사람이나 나무 등 작은 규모의 인물이나 그 밖의 특징들을 발견한다.그러나 이것은 면밀한 검사를 제외하고는 시청자가 눈치채기 위한 스타일이 아니다.[47]판매용 완제품으로 의도하지 않은 도면, 모델리 및 기타 스케치 또한 매우 자주 양식화된다.

"Stylized"는 어떤 맥락에서든 어떤 스타일의 채택을 의미할 수 있으며, 미국식 영어에서는 "AT&T도 ATT와 at&t로 양식화된다"에서와 같이 명칭의 타이포그래픽 스타일에 자주 사용된다: 이것은 비록 현존하는 다른 감각의 작은 확장이지만 사전을 탈출한 듯한 구체적인 용법이다.[citation needed]

컴퓨터 식별

2012년 미시간주 로렌스 테크놀로지 대학교의 한 실험에서, 컴퓨터는 특별히 개발된 알고리즘을 사용하여 34명의 유명한 예술가들의 약 1,000개의 그림을 분석하여 인간 미술 역사가들과 유사한 스타일의 범주에 놓았다.[48]그 분석은 예술 작품당 4,000개 이상의 시각적 특징을 샘플링하는 것을 포함했다.[48][49]

참고 항목

메모들

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  2. ^ 곰브리치로150번길
  3. ^ 조지 쿠블러는 138년 랭에서 알퍼스가 인용한 마이어 샤피로의 견해를 요약했다.
  4. ^ 엘킨스, s. 1
  5. ^ Elkins, s. 2; Kubler in Lang, 163–164; Alpers in Lang, 137–138; 161
  6. ^ 조지 쿠블러는 더 나아가 "인간의 행동 탈피 스타일은 없다"고 말했고, 쿠블러는 랭에 167; 2세, 3세, 엘킨스는 2세,
  7. ^ 랭로177-178번길
  8. ^ 엘스너, 106–107, 107 인용
  9. ^ 곰브리치, 131세, 명예 & 플레밍, 13–14세, 엘킨스, s. 2
  10. ^ 명예 & 플레밍, 13세
  11. ^ 엘스너, 107–108, 108 인용
  12. ^ 고전 작가들은 문학, 특히 미사여구에 문체를 상당히 섬세하게 분석하였다; 곰브리치, 130–131 참조
  13. ^ 나겔·목재, 92
  14. ^ 전체에서 블런트를 참조하십시오. 특히 알베르티에 관한 14-22페이지, 레오나르도에 관한 28-34페이지, 미켈란젤로에 관한 61–64페이지, 89–95페이지, 바사리에 관한 98–100페이지.
  15. ^ 엘킨스, s. 2; 프레지오시, 115–117; 곰브리치, 136
  16. ^ Glenn Alexander Magee (2011), "Zeitgeist", The Hegel Dictionary, Continuum International Publishing Group, p. 262, ISBN 9781847065919
  17. ^ 엘킨스, s. 2, 3; 롤슨, 24
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  19. ^ 곰브리치, 129세, 엘스너, 104세
  20. ^ 곰브리치, 131–136; 엘킨스, s. 2; 롤슨, 24–25
  21. ^ 랑의 쿠블러, 163년
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  23. ^ Elkins, s. 2 (견적); 곰브리치, 135–136 참조
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  25. ^ 엘스너로98번길
  26. ^ 머피로324번길
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  40. ^ 쿠블러, 조지(1962년).시간의 형태 : 사물의 역사에 대한 발언.뉴 헤이븐과 런던: 예일 대학 출판부.Kubler, 페이지 14: "인간 생산물은 항상 다양한 혼합물에 효용과 예술 모두를 포함하며, 두 혼합물의 혼합물 없이는 어떤 물체도 상상할 수 없다." 또한 Alpers in Lang, 140을 참조한다.
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  46. ^ 피카소에 관한 107세의 엘스너를 "당신이 좋아하는 스타일에 있어서 가장 자의식이 강한 포주"의 패러다임으로 보라.
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  49. ^ 1968년 곰브리치(140세)도 당시 그러한 분석이 불가능했다고 논평한 것을 참조한다.

참조

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추가 읽기

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  • 왓슨, 윌리엄, 중국예술의 스타일 1974, 펭귄, ISBN 0140218637
  • 뵐플린, 하인리히 미술사 원리 후기 미술의 스타일 발전 문제, 독일어 7판(1929년)에서 M D 호팅거, 도버 출판물, 1950년 뉴욕, 그리고 많은 재인쇄물에 의해 영어로 번역되었다.
  • Elsner, 108–109 및 Elkins의 목록도 참조하십시오.