오페라

오페라는 음악이 기본 요소이고 가수들이 극적인 역할을 맡는 연극의 한 형태이다.이러한 "작품" (이탈리아어 "opera"의 직역)은 전형적으로 작곡가와 리브레티스트^[1] 사이의 협업이며 연기, 풍경, 의상, 그리고 때로는 춤이나 발레와 같은 많은 공연 예술들을 포함합니다.이 공연은 19세기 초부터 지휘자가 지휘해 온 오케스트라나 소규모 음악 합주단의 반주로 오페라 하우스에서 열리는 것이 일반적이다.비록 뮤지컬 극장이 오페라와 밀접한 관련이 있지만, 그 둘은 서로 ^[2]구별되는 것으로 여겨진다.

오페라는 서양 고전 음악 ^[3]전통의 핵심이다.원래 완전히 노래된 곡으로 이해되던 오페라는 노래를 사용한 연극과는 대조적으로, 싱피엘과 오페라의 희곡과 같은 구어 대화를 포함한 많은 장르를 포함하게 되었다.전통적인 숫자 오페라에서, 가수들은 두 가지 스타일의 창법을 사용한다: 낭독, 말투를 변형한 스타일,^[4] 그리고 자급자족 아리아.19세기는 연속적인 음악 드라마의 출현을 보았다.

오페라는 16세기 말에 이탈리아에서 시작되었고 (1598년에 플로렌스에서 제작된 자코포 페리의 대부분 잃어버린 다프네와 함께) 특히 클라우디오 몬테베르디, 특히 로페오의 작품에서 비롯되었고 곧 나머지 유럽으로 퍼져나갔다.독일의 하인리히 쉬츠, 프랑스의 장 밥티스트 룰리, 영국의 헨리 푸르셀은 모두 17세기에 그들의 국가 전통을 확립하는데 도움을 주었다.18세기에 이탈리아 오페라는 조지 프리데릭 헨델과 같은 외국 작곡가들을 끌어들여 유럽 대부분을 계속해서 지배했다.1760년대 크리스토프 윌리발드 글룩이 그의 "개혁" 오페라로 그것의 인위성에 반대하기 전까지 오페라 세리아는 이탈리아 오페라의 가장 권위 있는 형태였다.18세기 후반 오페라의 가장 유명한 인물은 오페라 세리아로 시작했지만 이탈리아 희극 오페라로 가장 유명한 볼프강 아마데우스 모차르트로, 특히 피가로(레노제 디 피가로), 돈 조반니, 코시 판 투테와 납치 세라일리오(세라글리오)의 디 엔트푸흐룽가 뎀세라일리오(Die Entführung a Dem Serailo)이다.uberflöte)라는 독일 전통의 랜드마크입니다.

19세기의 첫 3분의 1은 지오아치노 로시니, 가에타노 도니제티, 빈첸초 벨리니와 함께 벨칸토 양식의 정점을 보았다.다니엘 오베르와 지아코모 마이어비어의 작품과 카를 마리아 폰 베버의 독일 로만티스슈 오페라(독일 낭만 오페라) 소개로 대표되는 그랜드 오페라의 등장도 볼 수 있었다.19세기 중후반은 이탈리아의 주세페 베르디와 독일의 리하르트 바그너에 의해 주도되고 지배된 오페라의 황금기였다.오페라의 인기는 이탈리아의 베리스모 시대를 거쳐 20세기 초 자코모 푸치니와 리하르트 스트라우스까지 이어졌다.19세기 동안, 특히 러시아와 보헤미아에서, 중앙과 동유럽에서 평행한 오페라 전통이 생겨났다.20세기에는 아토나티즘과 연속주의(아놀드 쇤베르크와 알반 베르크), 신고전주의(이고르 스트라빈스키), 그리고 미니멀리즘(필립 글래스와 존 애덤스)과 같은 현대적 스타일의 많은 실험들이 있었다.레코딩 기술의 발달로 엔리코 카루소와 마리아 칼라스와 같은 가수들은 오페라 팬들의 범위를 넘어 훨씬 더 많은 관객들에게 알려지게 되었다.라디오와 텔레비전이 발명된 이후, 오페라는 또한 이러한 매체에서 공연되었다.2006년부터, 많은 주요 오페라 하우스가 전 세계 영화관에서 그들의 공연을 고화질 비디오로 생중계하기 시작했다.2009년부터는 완전한 공연을 다운로드 받아 라이브 스트리밍 할 수 있습니다.

오퍼레이티브 용어

오페라의 단어들은 리브레토라고 알려져 있다.몇몇 작곡가들, 특히 바그너는 그들만의 리브레티를 작곡했다; 다른 작곡가들은 그들의 리브레티스트들과 긴밀히 협력했다, 예를 들어 로렌조 다 폰테와 모차르트를 같이.종종 "숫자 오페라"라고 불리는 전통적인 오페라는 두 가지 형태의 노래로 구성되어 있다: 낭송, ^[4]줄거리를 주도하는 구절, 그리고 등장인물들이 그들의 감정을 보다 구조적인 멜로디 스타일로 표현하는 아리아.보컬 듀엣, 트리오, 그리고 다른 앙상블이 종종 발생하며 합창은 그 행동에 대한 코멘트를 위해 사용된다.싱피엘, 오페라 코미크, 오페레타, 반오페라와 같은 오페라의 어떤 형태에서, 낭독은 대부분 구어 대화로 대체된다.낭송 중 또는 낭송 중 또는 낭송 대신 발생하는 멜로디 또는 반멜로디 구절을 아리오소라고도 한다.다양한 종류의 오페라 보이스의 용어에 대해서는,^[5] 이하에 자세하게 설명합니다.바로크 시대와 고전 시대 동안, 낭송은 두 가지 기본적인 형태로 나타날 수 있었는데, 각각은 다른 악기 앙상블과 함께 동반되었다: 세코(건조) 낭송, 단어의 억양에 의해 좌우되는 자유로운 리듬으로 노래되고, 보통 하프시코드와 첼로였던 바소 콘티뉴오만 반주; 또는 악코파냐토(compagnato)이다.스트루멘타토(strumentato)라는 악단이 반주를 제공한 곡이다.18세기 동안 아리아들은 오케스트라와 함께 점점 더 많은 반주를 했다.19세기까지 악콤파냐토는 우위를 점했고, 오케스트라는 훨씬 더 큰 역할을 했고, 바그너는 바그너가 "끝없는 멜로디"라고 부르는 것을 추구하는 과정에서 아리아와 낭송의 거의 모든 구분을 철폐함으로써 오페라를 혁신했다.후속 작곡가들은 바그너의 선례를 따르는 경향이 있지만, 그의 '레이크의 진보'의 스트라빈스키와 같은 몇몇 작곡가들은 이러한 추세를 거스르고 있다.오페라에서 오케스트라의 역할 변화는 아래에 더 자세히 설명되어 있습니다.

역사

오리진스

이탈리아어 오페라는 "작업"을 의미하며, 노동의 의미와 생산의 결과 둘 다이다.이탈리아어는 "일"을 뜻하는 단수 명사이자 opus라는 명사의 복수인 라틴어 opera에서 유래했다.옥스포드 영어 사전에 따르면, 이탈리아어는 "시, 춤, 음악이 결합된 작곡"이라는 의미로 1639년에 처음 사용되었고, 이러한 의미에서 기록된 최초의 영어 사용은 1648년으로 ^[6]거슬러 올라간다.

Jacopo Peri의 Dafne은 오늘날 알려진 가장 초기의 오페라 작품이었다.이 책은 주로 "Camerata de' Bardi"로 모인 피렌체 인문주의자들의 엘리트 집단의 영감을 받아 1597년경에 쓰여졌다.의미심장하게, 다프네는 르네상스의 특징인 고대의 광범위한 부활의 일부인 고전 그리스 드라마를 되살리려는 시도였다.카메라타의 멤버들은 그리스 드라마의 "합창" 부분은 원래 노래였고, 아마도 모든 역할의 전체 텍스트가 노래되었을 것이라고 생각했다. 따라서 오페라는 이 상황을 "복원"하는 방법으로 생각되었다.그러나 Dafne은 길을 잃었다.페리의 후기 작품인 에우리디케는 1600년부터 현재까지 살아남은 최초의 오페라 악보이다.하지만, 여전히 정기적으로 공연되는 첫 번째 오페라라는 영예는 ^[7]1607년 만토바 궁정을 위해 작곡된 클라우디오 몬테베르디의 오르페오에게 돌아간다.몬테베르디의 고용주인 곤자가의 만토바 궁정은 협주곡 델레돈의 궁정 가수들뿐만 아니라 최초의 실제 "오페라 가수들" 중 하나인 마다마 ^[8]유로파를 고용한 오페라의 기원에 중요한 역할을 했다.

이탈리아 오페라

바로크 시대

오페라는 오랫동안 궁정 관객들에게만 국한되지 않았다.1637년, 티켓 판매에 의해 지지를 받는 공공석 오페라의 "계절"에 대한 아이디어가 베니스에서 나타났다.몬테베르디는 만토바에서 도시로 이사하여 1640년대에 베네치아 극장을 위해 그의 마지막 오페라인 파트리아의 일 리토르노 달리스와 린코나치오네 디 포페아를 작곡했다.그의 가장 중요한 추종자 프란체스코 카발리는 이탈리아 전역에 오페라를 확산시키는 것을 도왔다.이러한 초기 바로크 오페라에서, 브로드 코미디는 몇몇 교육받은 감성을 뒤흔드는 비극적인 요소들과 혼합되어, 아카디안 아카데미가 후원한 오페라의 많은 개혁 운동들 중 첫 번째를 촉발시켰고, 그의 리브레티가 오페라 세리아의 장르를 결정화하는데 도움을 주었다.18세기 말까지 이탈리아 오페라의 딩 형식일단 전이양적 이상이 확고해지면, 바로크 시대 오페라의 희극은 오페라 부파라고 불리는 것을 위해 남겨졌다.이러한 요소들이 오페라 세리아에서 쫓겨나기 전에, 많은 리브레티는 "오페라 내 오페라"의 일종으로서 개별적으로 전개되는 코믹한 줄거리를 특징으로 했다.이에 대한 한 가지 이유는 신흥 부유층이지만 여전히 귀족만큼 교양 있는 상류층을 공공 오페라 하우스로 끌어들이려는 시도였다.이러한 개별적인 줄거리는 이탈리아의 오랜 즉흥 무대 전통인 코미디아 델라르테에서 부분적으로 파생된 분리된 발전된 전통에서 거의 즉시 부활했다.한 때 무대극의 중간에서 공연되었던 것처럼, 1710년대와 1720년대에 주로 나폴리에서 발전한 인터메지라는 새로운 코믹 장르의 오페라는 오페라 세리아의 중간 중간에 처음 무대에 올랐다.그러나 그들은 매우 인기를 끌었고 곧 개별 제작으로 제공되었다.

오페라 세리아는 음색이 높아졌고 형식적으로 매우 양식화되었으며, 대개 긴 다 카포 아리아가 박혀있는 세코 낭송으로 구성되었다.이것들은 명창의 기회를 제공했고 오페라 세리아의 황금기에 그 가수는 정말로 스타가 되었다.주인공의 역할은 보통 사춘기 이전에 가수를 거세하여 사춘기에 소년의 후두가 변형되는 것을 방지한 높은 음조의 남성 카스트라토 목소리를 위해 쓰여졌다.파리넬리와 세네시노 같은 카스트라티와 파우스티나 보르도니 같은 여성 소프라노는 오페라 세리아가 프랑스를 제외한 모든 나라의 무대를 장악하면서 유럽 전역에서 큰 인기를 끌었다.파리넬리는 18세기의 가장 유명한 가수 중 한 명이었다.이탈리아 오페라는 바로크의 기준을 세웠다.헨델과 같은 독일 작곡가가 런던 관객들을 위해 리날도와 줄리오 체사레 같은 곡을 작곡했을 때도 이탈리아어 libretti는 일반적인 것이었다.이탈리아어 libretti는 고전 시대에도 여전히 지배적인데, 예를 들어, 모차르트의 오페라에서 그는 세기가 끝날 무렵 비엔나에서 글을 썼다.이탈리아 태생의 오페라 세리아 작곡가로는 알레산드로 스카를라티, 안토니오 비발디, 니콜라 포르포라가 ^[9]있다.

글럭의 개혁과 모차르트

오페라 세리아에는 약점과 비평가들이 있었다.뛰어난 훈련을 받은 가수들을 대신해서 꾸미는 취향과 극적인 순수함과 단합을 대신하는 스펙터클을 사용한 것이 공격을 받았다.프란체스코 알가로티의 오페라 에세이는 크리스토프 윌리발드 글룩의 개혁에 영감을 준 것으로 증명되었다.그는 오페라 세리아는 기본으로 돌아가야 하며 음악, 발레, 무대 등 모든 다양한 요소들이 우선적인 연극에 종속되어야 한다고 주장했다.1765년 멜키오르 그림은 서정 및 오페라 리브레토에 ^{[10][11][12][13][14]}관한 백과사전의 영향력 있는 기사인 "Poéme lyrique"를 출판했다.니콜로 좀멜리와 토마소 트라에타를 포함한 그 시대의 몇몇 작곡가들은 이러한 이상을 실천하려고 시도했다.그러나 가장 먼저 성공한 사람은 글럭이었다."아름다운 심플함"을 실현하기 위해 노력했습니다.이것은 그의 첫 번째 개혁 오페라인 Orfeo ed Euridice에서 명백하게 드러납니다. 오르페오 에드리디스는 그의 비신체적인 성악 선율을 단순한 하모니와 풍부한 오케스트라의 존재로 뒷받침합니다.

글럭의 개혁은 오페라 역사상 반향을 일으켰다.특히 베버, 모차르트, 바그너는 그의 이상에 영향을 받았다.글룩의 후계자인 모차르트는 드라마, 화음, 멜로디, 그리고 대위법의 뛰어난 감각을 로렌조 다 폰테의 리브레티, 특히 레 노제 디 피가로, 돈 조반니, 그리고 코시 판 투테가 가장 사랑받고, 인기 있고 잘 알려진 오페라로 남아 있는 일련의 코믹 오페라를 썼다.그러나 오페라 세리아에 대한 모차르트의 공헌은 더 복잡했다; 그의 시대가 끝날 무렵, 그리고 이도메네오와 라 클레멘자 디 티토와 같은 훌륭한 작품들에도 불구하고,^[15] 그는 예술 형식을 되살리는 데 성공하지 못했다.

Bel canto, Verdi, Verismo

벨칸토 오페라 운동은 19세기 초에 번성했고 로시니, 벨리니, 도니제티, 파치니, 메르카단테 등의 오페라로 대표된다.말 그대로 "아름다운 노래"인 벨 칸토 오페라는 같은 이름의 이탈리아식 노래 학교에서 유래했습니다.벨 칸토 라인은 일반적으로 화려하고 복잡하기 때문에 최고의 민첩성과 피치 제어가 필요합니다.벨칸토 스타일의 유명한 오페라로는 로시니의 일 바비레 디 시빌리아와 라 체네렌톨라, 벨리니의 노르마, 라손남불라와 이 푸리타니, 도니제티의 루시아 디 람메르모르, 레엘리리리 다모레, 파살레 등이 있다.

벨칸토 시대에 이어, 주세페 베르디는 그의 성서 오페라 나부코를 시작으로 보다 직설적이고 힘찬 스타일을 빠르게 대중화했다.이 오페라와 베르디의 경력에 뒤이은 오페라는 로시니, 도니제티의 작품들로 이탈리아 오페라를 단순히 성악 불꽃놀이의 전시에서 극적인 스토리텔링으로 바꾸면서 혁명을 일으켰다.베르디의 오페라는 포스트 나폴리 시대에 이탈리아 민족주의의 고조된 정신으로 울려 퍼졌고, 그는 단숨에 통일된 이탈리아 애국 운동의 아이콘이 되었다.1850년대 초에 베르디는 그의 세 개의 가장 인기 있는 오페라를 제작했다: 리골레토, 일 트로바토레, 라 트라비아타.이들 중 첫 번째인 리골레토는 가장 대담하고 혁명적인 것으로 판명되었다.이 작품에서 베르디는 아리아와 낭송의 구분을 이전과는 달리 모호하게 만들어 오페라를 "끝없는 듀엣의 연속"으로 만들었다.라 트라비아타 또한 참신했다.그것은 창녀의 이야기를 들려주고, 종종 최초의 "현실적인" 오페라 ^{[citation needed]}중 하나로 인용된다. 왜냐하면 위대한 왕과 문학의 인물들이 등장하기 보다는 평범한 삶과 사회의 비극에 초점을 맞추기 때문이다.그 후, 그는 아마도 가장 위대한 프랑스 그랜드 오페라인 돈 카를로스를 작곡하며 그의 스타일을 계속 발전시켰고, 19세기 초부터 이탈리아 오페라가 얼마나 정교하게 성장했는지를 보여주는 두 셰익스피어의 영감을 받은 작품인 오텔로와 팔스태프로 그의 경력을 마감했다.이 마지막 두 작품은 베르디의 가장 훌륭한 오케스트레이션을 보여주었고, 믿을 수 없을 정도로 영향력이 있고 현대적이다.팔스태프에서 베르디는 20세기 내내 오페라를 지배할 형식과 스타일에 대한 탁월한 기준을 세웠다.Falstaff는 길고 현탁된 멜로디보다는 많은 작은 모티브와 모토를 포함하고 있는데, 이러한 모티브는 확대되기보다는 도입되었다가 나중에 다시 언급되었다.이러한 모티브는 결코 확대되지 않으며, 관객이 캐릭터가 긴 멜로디에 들어가기를 기대하는 것처럼, 새로운 캐릭터가 새로운 구절을 소개하며 말한다.이 오페라의 패션은 베르디로부터 오페라를 지휘하면서 그의 후계자인 자코모 푸치니, 리하르트 스트라우스, 벤자민 ^[16]브리튼에게 엄청난 영향을 끼쳤다.

베르디 이후 이탈리아에서는 감상적인 리얼리즘 멜로드라마인 베리스모가 등장했다.이는 피에트로 마스카니의 카발레리아 루스티카나와 루게로 레온카발로의 팔리아치에 의해 도입된 스타일로, 자코모 푸치니의 라보엠, 토스카, 마담 버터플라이와 같은 인기 작품으로 세계 오페라 무대를 지배하게 되었다.베리오와 노노와 같은 후기 이탈리아 작곡가들은 모더니즘을 ^[17]실험했다.

독일어 오페라

최초의 독일 오페라는 1627년 하인리히 쉬츠가 작곡한 다프네였지만 악보는 살아남지 못했다.이탈리아 오페라는 18세기 후반까지 독일어권 국가들에 큰 영향력을 행사했다.그럼에도 불구하고 토종 형태는 이러한 영향에도 불구하고 발달할 것이다.1644년, 지그문트 스타든은 독일어로 된 오페라의 인기 있는 형태인 Singpiel, Selewig를 처음으로 제작했는데, 이 오페라는 노래와 구어 대화를 번갈아 부르는 형식이었다.17세기 후반과 18세기 초, 함부르크의 Theater am Génsemarkt는 카이저, 텔레만, 헨델의 독일 오페라를 선보였다.그러나 헨델 본인과 그라운, 하세 그리고 나중에 글룩을 포함한 대부분의 독일 작곡가들은 오페라 대부분을 외국어, 특히 이탈리아어로 쓰기로 선택했다.일반적으로 귀족층을 위해 작곡된 이탈리아 오페라와 대조적으로, 독일 오페라는 일반적으로 대중을 위해 작곡되었고 단순한 포크 같은 멜로디를 특징으로 하는 경향이 있었고, 모차르트가 등장하고 나서야 독일 오페라는 음악적 ^[18]정교함에서 이탈리아 오페라와 견줄 수 있었다.아벨 세일러의 극단은 1770년대에 진지한 독일어 오페라를 개척하여 이전의 단순한 음악 ^[19][20]오락과 결별했다.

모차르트의 Singpiele, Die Entführung aus dem Serail, 그리고 Die Zauberflöte는 독일 오페라의 국제적인 인정을 받는 데 중요한 돌파구였다.이 전통은 19세기에 베토벤에 의해 프랑스 대혁명의 기후에서 영감을 받아 그의 피델리오 (1805)와 함께 개발되었다.칼 마리아 폰 베버는 이탈리아 벨칸토의 지배에 반대하여 독일 낭만 오페라를 창시했다.그의 Der Freischütz (1821)는 초자연적인 분위기를 만들어내는 그의 천재성을 보여준다.그 시대의 다른 오페라 작곡가로는 마르슈네르, 슈베르트, 로르칭이 있지만, 가장 중요한 인물은 의심할 여지 없이 바그너였다.

바그너는 음악 역사상 가장 혁명적이고 논란이 많은 작곡가 중 한 명이었다.베버와 마이어비어의 영향을 받아 음악, 시, 회화의 융합인 '전집 예술작품'으로 점차 오페라의 신개념을 발전시켰다.그는 오케스트라의 역할과 힘을 크게 증가시켰고, 종종 극의 캐릭터와 컨셉과 관련된 반복되는 주제인 복잡한 그물망으로 악보를 만들었고, 그 원형은 Der fliegende Hollénder, Tannhauser 그리고 Loengrin과 같은 그의 초기 오페라에서 들을 수 있었다; 그리고 그는 받아들여진 음악을 위반할 준비가 되어 있었다.l 표현력 향상을 추구할 때의 강조성 등의 관습.그의 성숙한 음악 드라마인 트리스탄 und Isolde, Die Meistersinger von Nürnberg, Der Ring des Nibelungen 및 Parsifal에서 그는 "끝없는 멜로디"의 매끄러운 흐름을 위해 아리아와 레시티브의 구분을 없앴다.바그너는 또한 그의 작품에서 오페라에 새로운 철학적 차원을 가져왔는데, 그것은 보통 게르만 또는 아서 전설에 바탕을 두고 있었다.마침내, 바그너는 바이에른의 루드비히 2세의 후원으로 바이로이트에 자신의 오페라 하우스를 지었고, 오로지 그가 원하는 스타일로 자신의 작품을 공연하는데 전념했다.

바그너 이후 오페라는 결코 예전 같지 않을 것이고 많은 작곡가들에게 그의 유산은 무거운 짐이 되었다.반면, 리하르트 스트라우스는 바그너의 사상을 받아들였지만 베르디에 의해 도입된 새로운 형태를 통합하면서 완전히 새로운 방향으로 나아갔다.그는 처음에 살로메와 음색이 한계에 달했던 어두운 비극 엘렉트라로 명성을 얻었다.그 후 스트라우스는 그의 가장 큰 성공인 Der Rosenkavalier에서 방침을 바꿨고, 그곳에서 모차르트와 빈 왈츠는 바그너만큼 중요한 영향을 받았다.스트라우스는 종종 시인 휴고 폰 호프만스탈의 libretti로 매우 다양한 오페라 작품을 계속해서 만들어냈다.20세기 초 독일 오페라에 개인적으로 기여한 작곡가로는 알렉산더 폰 젬린스키, 에리히 코른골드, 프란츠 슈레커, 파울 힌데미스, 커트 바일, 그리고 이탈리아 태생의 페루치오 부소니가 있다.Arnold Schoenberg와 그의 후계자들의 오페라적 혁신은 ^[21]모더니즘에 관한 섹션에서 논의된다.

19세기 후반, 자크 오펜바흐가 작곡한 프랑스어 오페레타의 팬인 오스트리아 작곡가 요한 스트라우스 ^[22]2세는 가장 유명한 독일어 오페레타를 여러 개 작곡했다.그럼에도 불구하고, 슈트라우스 2세의 오페레타는 오펜바흐의 스타일을 모방하는 것이 아니라, 그들에게 뚜렷한 빈의 맛을 가지고 있었다.

프랑스 오페라

수입된 이탈리아 오페라 작품들과 경쟁하여, 이탈리아 태생의 프랑스 작곡가 장 밥티스트 룰리에 의해 루이 14세의 궁정에 별도의 프랑스 전통이 세워졌다.그의 외국 출생지에도 불구하고, Lully는 음악 아카데미를 설립했고 1672년부터 프랑스 오페라를 독점했다.카드무스와 헤르미온느를 시작으로, 루리와 그의 리브레티스트 퀴노는 댄스 음악과 합창 작문이 특히 두드러지는 형태인 tragédie en musique를 만들었다.Lully의 오페라는 또한 프랑스어의 윤곽과 일치하는 표현적인 낭송에 대한 관심을 보여준다.18세기에 Lully의 가장 중요한 후계자는 Jean-Philippe Rameau로, 그는 풍부한 오케스트레이션과 조화로운 대담함으로 유명한 오페라 발레와 같은 다른 장르의 수많은 작품뿐만 아니라 다섯 개의 비극을 작곡했습니다.바로크 시대 동안 유럽의 많은 지역에서 이탈리아 오페라 세리아의 인기에도 불구하고, 이탈리아 오페라는 프랑스에서 큰 발판을 마련하지 못했고,^[23] 그 대신 그 나라의 오페라 전통이 더 인기가 있었다.라모가 죽은 후, 독일 글룩은 1770년대에 파리 무대를 위한 6개의 오페라를 제작하도록 설득되었다.그들은 라모의 영향을 보여주지만 단순하고 드라마에 더 초점을 맞춘다.동시에, 18세기 중반까지 프랑스에서 또 다른 장르가 인기를 얻고 있었다: opéra comique.이것은 아리아가 대화와 교대로 대화하는 독일 싱글피엘과 동등했다.이 스타일의 주목할 만한 예는 몽시그니, 필리도르, 그리고 무엇보다도 그레트리에 의해 만들어졌다.혁명기와 나폴레옹 시대에는 글룩의 추종자였던 에티엔 메훌, 루이지 체루비니, 가스파레 플라비니 같은 작곡가들이 어떤 경우에도 완전히 코믹한 적이 없었던 장르에 새로운 심각성을 가져왔다.이 시기의 또 다른 현상은 혁명적인 성공을 축하하는 '선전 오페라'로, 예를 들어 고섹의 르 트립폼 드 라 레푸블리주 (1793년)이다.

1820년대까지, 프랑스에서 글루키아의 영향력은 이탈리아 벨칸토의 맛을 포기했고, 특히 로시니(Rossini)가 파리에 도착한 후였다.Rossini의 Guillaume Tell은 또 다른 외국인 Giacomo Meyerbeer가 가장 유명한 형태인 그랜드 오페라의 새로운 장르를 찾는데 도움을 주었다.Les Huguenots와 같은 Meyerbeer의 작품은 명창과 비범한 무대 효과를 강조했습니다.라이터 오페라 코미크 또한 Bo,eldieu, Auber, Hérold 및 Adam의 손에 의해 엄청난 성공을 누렸다.이런 분위기 속에서 프랑스 출신의 작곡가 헥터 베를리오즈의 오페라는 귀를 얻기 위해 애를 먹었다.베를리오즈의 서사시 걸작 레 트로이엔스는 글루키 전통이 절정에 이른 뒤 거의 100년 동안 완전한 공연을 하지 못했다.

19세기 후반, 자크 오펜바흐는 오페라 레 콩테 도프르, 샤를 구노드 등 재치 있고 냉소적인 작품들로 오페레타를 만들었고, 파우스트와 함께 큰 성공을 거두었다; 그리고 조르주 비제는 한때 관객들이 낭만주의와 사실주의의 혼합을 받아들이는 것을 배웠던 카르멘을 작곡했다.가장 인기 있는 만화입니다.Jules Massenet, Camille Saint-Saéns 및 Léo Delibes는 모두 아직 표준 레퍼토리의 일부인 작품을 작곡했습니다.예를 들어 Massenet의 Manon, Saint-Saéns의 Samson et Dalila, Delibes' Lakmé 등이 있습니다.그들의 오페라는 오페라 코믹과 그랜드 오페라를 결합한 또 다른 장르인 오페라 리리케를 형성했다.그랜드 오페라보다는 덜 거창하지만 오페라 코미크의 대화는 없다.동시에, 리하르트 바그너의 영향력은 프랑스 전통에 대한 도전으로 느껴졌다.많은 프랑스 비평가들은 바그너의 음악 드라마를 분노하며 거부했고, 반면 많은 프랑스 작곡가들은 다양한 성공을 거두며 바그너의 음악 드라마를 면밀히 모방했다.아마도 가장 흥미로운 반응은 Claude Debussy로부터 나왔을 것이다.바그너의 작품에서처럼 오케스트라는 드뷔시의 독특한 오페라 '펠레아스 엣 멜리산드'(1902)에서 주도적인 역할을 하고 있으며, 실제 아리아들은 없고, 낭송만 한다.하지만 이 드라마는 절제되고 수수께끼 같으며 완전히 와그네리아적이지 않다.

다른 주목할 만한 20세기 이름으로는 라벨, 듀카스, 루셀, 호네거, 밀하우드가 있다.프랑시스 풀랑크는 국제 레퍼토리에서 오페라 (카르멜리 대화 포함)의 발판을 마련한 몇 안 되는 전후 작곡가 중 한 명이다.올리비에 메시앙의 장편 성스러운 드라마 생프랑수아 다시즈(1983)도 많은 ^[24]관심을 끌었다.

영어 오페라

영국에서 오페라의 전신은 17세기 지그였다.이것은 연극의 마지막에 나온 여우주연상이었다.그것은 종종 시끄럽고 추잡했으며, 대중음악에서 편곡된 음악으로 구성된 대화의 중심이었다.이런 점에서 지그는 18세기의 발라드 오페라를 예측한다.동시에, 프랑스 가면극은 영국 궁정에서 이전보다 훨씬 더 호화롭고 매우 사실적인 풍경으로 굳건히 자리를 잡고 있었다.Inigo Jones는 이 작품들의 전형적인 디자이너가 되었고, 이 스타일은 3세기 동안 영국 무대를 지배했다.이 가면에는 노래와 춤이 담겨 있었다.벤 존슨의 연인들 메이드 맨 (1617년)에서 가면극 전체가 이탈리아식 스타일인 stilo recitativo를 따라 불렀다.^[25]영국연방의 접근은 극장을 폐쇄하고 영국 오페라의 설립으로 이어질 수 있는 모든 개발을 중단시켰다.하지만, 1656년, 극작가 윌리엄 데이번트 경이 로도스 공성전을 제작했다.그의 극장이 드라마 제작 허가를 받지 못했기 때문에, 그는 몇몇 주요 작곡가들 (로스, 쿡, 로크, 콜먼, 허드슨)에게 극장의 일부를 음악에 맞춰달라고 부탁했다.이 성공은 페루의 스페인인들의 잔혹함과 프란시스 드레이크 경의 역사로 이어졌다.이 작품들은 올리버 크롬웰이 스페인에 대해 비판적이었기 때문에 장려한 것이다.영국 유신과 함께, 외국 (특히 프랑스) 음악가들이 환영을 받았다.1673년 토마스 쉐이드웰의 프시케는 몰리에르와 장 밥티스트 룰리에 의해 제작된 1671년 같은 이름의 '코메디 발레'를 본떠 만들었다.윌리엄 데이번트는 같은 해에 The Tempest를 제작했는데, 이것은 셰익스피어 연극의 첫 번째 음악적 각색이었다.^[25]1683년경, 존 블로는 종종 최초의 진정한 영어 오페라로 여겨지는 비너스와 아도니스를 작곡했다.

블로의 직접적인 후계자는 더 잘 알려진 헨리 퍼셀이었다.이탈리아식 낭독을 사용하여 액션을 더 발전시킨 그의 걸작 디도와 아이네이아스(1689)의 성공에도 불구하고, 푸르셀의 최고 작품의 대부분은 전형적인 오페라 작곡에 포함되지 않았지만, 그는 보통 고립된 장면과 가면이 포함된 반오페라 형식의 제약 속에서 일했다.퍼셀의 요정 여왕의 셰익스피어(1692년)와 예언자의 보몽과 플레처(1690년)와 본두카(1696년)와 같은 구화극의 구조.이 연극의 주인공들은 뮤지컬 장면에 관여하지 않는 경향이 있는데, 이는 Purcell이 노래를 통해 그의 캐릭터를 거의 발전시키지 못했다는 것을 의미한다.이러한 장애에도 불구하고, 그의 목표는 영국에 진지한 오페라를 설립하는 것이었지만, 이러한 희망은 퍼셀이 36세의 나이로 일찍 사망하면서 끝이 났다.

Purcell에 이어 영국에서 오페라의 인기는 수십 년 동안 줄어들었다.1730년대에 오페라에 대한 관심이 되살아났는데, 그의 작품과 헨델에게 영어로 된 대규모 작품의 상업적 가능성에 대해 경고한 것이 크게 토마스 안 덕분이다.1760년 토마스와 샐리가 그의 가장 큰 성공을 거두면서, 안은 이탈리아 스타일의 만담 오페라를 실험한 최초의 영국 작곡가이다.그의 오페라 Artaxerxes (1762)는 영어로 된 본격적인 오페라 세리아를 설정하려는 첫 시도였고 1830년대까지 무대를 유지하며 큰 성공을 거두었다.비록 안네는 이탈리아 오페라의 많은 요소들을 모방했지만, 그는 아마도 이탈리아 영향에서 벗어나 자신만의 독특하고 뚜렷한 영어 목소리를 낼 수 있었던 유일한 영국 작곡가였을 것이다.그의 현대화된 발라드 오페라, Love in a Village (1762)는 19세기까지 지속된 페이스티체 오페라로 유행하기 시작했다.찰스 번이는 아른이 "모든 영국 작곡가들이 약탈하거나 모방했던 퍼셀이나 헨델의 멜로디와는 완전히 다른 가볍고 통기성이 좋고 독창적이며 유쾌한 멜로디"를 소개했다고 썼다.

이 시기에 영국 오페라의 또 다른 지배력은 조지 프리데릭 헨델로, 그의 오페라 세리아들은 수십 년 동안 런던 오페라 무대를 가득 메웠고 이탈리아 모델을 사용하여 작곡한 존 프레데릭 람페와 같이 대부분의 국내 작곡가들에게 영향을 주었다.이러한 상황은 미카엘 윌리엄 발페의 작품을 포함하여 18세기와 19세기 내내 지속되었고, 모차르트, 베토벤, 마이어베어의 오페라뿐만 아니라 이탈리아의 위대한 작곡가들의 오페라가 계속해서 영국에서 뮤지컬 무대를 지배했다.

유일한 예외는 존 게이의 '거지의 오페라' (1728년), 뮤지컬 버들레키, 유럽 오페레타, 빅토리아 시대 후기 경전극, 특히 W. S. 길버트와 아서 설리반의 사보이 오페라와 같은 발라드 오페라들, 이 모든 종류의 음악 오락들이 종종 오페라 컨벤션을 속였다.설리번지만 그는 심지어 그의 가벼운 오페라"영어"오페라 학교의 부분은 월에서 런던 무대 지배하고 있는 프랑스 operettas(보통 나쁜 번역에 수행되)를 대체하기 위한 것이었다는 주장했다 단 하나의 그랜드 오페라와 아이반호( 젊은 영어 음악 작곡가들의 숫자의 노력 1876년 생각해 다음)[25]을 썼다.emid-19세기부터 1870년대까지.런던 데일리 텔레그래프는 근위대의 염멘을 "진정한 영국 오페라로, 다른 많은 오페라들의 선구자이며, 희망을 갖게 하고, 어쩌면 국가적인 서정무대로의 진보를 의미하게 할 수도 있다"^[26]고 묘사하면서 동의했다.설리번은 1890년대 G&S 시리즈보다 진지한 성격의 가벼운 오페라를 몇 편 제작했는데, 이반호(155회 연속 공연, 번갈아 공연)는 브로드웨이 라보엠이 유일한 오페라로 남을 때까지의 기록이다.

20세기 영국 오페라는 랄프 본 윌리엄스, 특히 오늘날 표준 레퍼토리에 남아 있는 일련의 작품에서 극적이고 뛰어난 음악적 재능을 드러낸 벤자민 브리튼의 작품과 함께 더욱 독립성을 주장하기 시작했다.최근 해리슨 버트위슬 경은 그의 첫 오페라 펀치와 주디로부터 최근 미노타우르에서 가장 중요한 성공을 거두기까지 영국의 가장 중요한 현대 작곡가 중 한 명으로 떠올랐다.21세기의 첫 10년 동안, 초기 버트위슬 오페라의 리브레티스트인 마이클 나이먼은 마주보는 고야, 남자와 소년: 다다, 그리고 러브 카운트를 포함한 오페라 작곡에 집중해왔다.오늘날 토마스 아데스와 같은 작곡가들은 계속해서 영어 오페라를 ^[27]해외로 수출하고 있다.

또한 20세기에는 조지 거슈윈(포기와 베스), 스콧 조플린(트레모니샤), 레오나드 번스타인(캔디드), 지안 카를로 메노티, 더글러스 무어, 칼라일 플로이드 같은 미국 작곡가들이 인기 있는 음악 스타일을 담은 영어 오페라를 쓰기 시작했다.이어 필립 글래스(해변의 아인슈타인), 마크 아다모, 존 코릴리아노(베르사유의 유령), 로버트 모란, 존 애덤스(중국 닉슨), 안드레 프레빈, 제이크 헤기 등의 작곡가가 뒤를 이었다.미시 마졸리, 케빈 퍼츠, 톰 시풀로, 황루오, 데이비드 T와 같은 많은 현대 21세기 오페라 작곡가들이 등장했다. 리틀, 테렌스 블랜차드, 제니퍼 히든, 토바이어스 피커, 마이클 칭, 리키 이안 고든.

러시아 오페라

오페라는 1730년대 이탈리아 극단에 의해 러시아로 전해졌고 곧 러시아 제국 궁정과 귀족들에게 오락의 중요한 부분이 되었다.발다사레 갈루피, 조반니 파이시에로, 주세페 사티, 도메니코 치마로사와 같은 많은 외국 작곡가들이 주로 이탈리아어로 된 새로운 오페라를 작곡하기 위해 러시아에 초대되었다.동시에 막심 베레조프스키와 드미트리 보르트니안스키와 같은 국내 음악가들이 오페라 작곡을 배우기 위해 해외로 보내졌다.러시아어로 쓰인 최초의 오페라는 이탈리아 작곡가 프란체스코 아라하의 체팔 이 프로크리스였다.러시아어 오페라의 발전은 러시아 작곡가 바실리 파슈케비치, 예브스티니 포민, 알렉세이 베르스토프스키에 의해 지원되었다.

하지만, 러시아 오페라의 진정한 탄생은 미하일 글링카와 그의 두 개의 위대한 오페라 '차르의 삶'과 루슬란과 류드밀라(1842)와 함께 왔다.그 후 19세기 러시아에서는 모데스트 무소르그스키의 루살카, 알렉산더 다르고미즈스키의 돌손님, 알렉산더 보로딘의 이고르 왕자, 유진 오네긴, 스페이드 여왕의 돌손님 등이 작곡됐다.사코브. 이러한 발전은 보다 일반적인 슬라브주의 운동의 일부로서 예술적 영역에 걸쳐 러시아 민족주의의 성장을 반영했다.

20세기에 러시아 오페라의 전통은 세르게이 라흐마니노프의 작품인 '미제리 기사와 프란체스카 다 리미니', 르 로시놀의 이고르 스트라빈스키, 마브라, 오이디푸스 렉스, 그리고 가미예블러의 세르게이 프로키프 등 많은 작곡가에 의해 발전되었다.에리, 전쟁과 평화, 그리고 음첸스크 구역의 드미트리 쇼스타코비치, 레쿰 데쥬르의 에디슨 데니소프, 바보와 역사학 본 D의 알프레드 시닛케 등. 요한 ^[28]파우스턴

체코 오페라

체코 작곡가들은 또한 국제적으로 인기 있는 바터드 브라이드를 포함한 8개의 오페라를 작곡한 베디히 스메타나를 시작으로 19세기에 그들만의 번창하는 오페라 운동을 발전시켰다.스메타나의 8개의 오페라는 체코 오페라 레퍼토리의 기초를 만들었지만, 이 중 오직 "바터드 브라이드"만이 작곡가의 고향 밖에서 정기적으로 공연된다.1892년 비엔나와 1895년 런던에 도착한 후, 그것은 빠르게 전 세계 모든 주요 오페라단의 레퍼토리의 일부가 되었다.

안토닌 드보르작의 9개의 오페라는 그의 첫 번째 작품을 제외하고 체코어로 된 리브레토를 가지고 있으며 그의 합창 작품 중 일부와 마찬가지로 체코의 민족정신을 전달하기 위한 것이었다.지금까지 오페라 중 가장 성공한 작품은 루살카로 유명한 아리아 "미시쿠 나 네비 흐루보켐"을 포함하고 있으며 체코 이외의 현대 오페라 무대에서 자주 공연된다.이는 그들의 고르지 못한 발명과 리브레티, 그리고 아마도 그들의 스테이징 요건 때문이기도 하다 - 자코빈, 아르미다, 반다, 디미트리지는 침략군을 묘사할 수 있을 만큼 큰 무대가 필요하다.

레오시 야나체크는 20세기에 그의 혁신적인 작품들로 국제적인 인정을 받았습니다.그의 후기, 성숙한 작품들은 그의 초기 민족 민속음악 연구를 현대적이고 매우 독창적인 통합에 접목시켰는데, 이것은 1904년 브르노에서 초연된 오페라 제네파에서 처음 나타났다.1916년 프라하에서 열린 예나파(종종 "모라비안 국립 오페라"라고 불림)의 성공은 야나체크를 세계의 위대한 오페라 무대에 올려놓을 수 있게 해주었다.야나체크의 후기 작품들은 그의 가장 유명한 작품들이다.카차 카바노바와 교활한 작은 여우, 신포니에타, 글라골리틱 미사 등의 오페라가 그것이다.

기타 국립 오페라

스페인은 또한 자르주엘라라고 알려진 그들만의 독특한 형태의 오페라를 제작했는데, 이 오페라는 17세기 중반부터 18세기 중반까지, 그리고 1850년경부터 시작된 두 개의 별개의 꽃을 피웠다.18세기 후반부터 19세기 중반까지, 이탈리아 오페라는 스페인에서 토착 형식을 대체하며 엄청난 인기를 끌었다.

러시아 동유럽에서는 몇몇 국립 오페라가 등장하기 시작했다.우크라이나 오페라는 세멘 훌락 아르테모프스키 (1813–1873)에 의해 개발되었으며, 그의 가장 유명한 작품인 자포로제츠 자 두나켐 (다뉴브 강 너머의 코사크)은 전 세계에서 정기적으로 공연된다.다른 우크라이나 오페라 작곡가로는 미콜라 리센코 (타라스 불바와 나탈카 폴타브카), 헤오리 마이보로다, 그리고 율리 메이투스가 있다.세기가 바뀌면서 조지아에서도 19세기 낭만주의 고전적 주제와 현지 민요와 이야기를 융합한 자카리아 팔리아슈빌리 주도로 뚜렷한 전국 오페라 운동이 나타나기 시작했다.

19세기 헝가리 국립 오페라의 주요 인물은 페렌츠 에르켈로, 그의 작품은 대부분 역사적 주제를 다루었다.그의 가장 자주 공연되는 오페라로는 훈야디 라슬로와 반크반이 있다.가장 유명한 현대 헝가리 오페라는 벨라 바르토크의 푸른 수염 공작의 성이다.

스타니스와프 모니우스코의 오페라 스트라스니 드워르 (영어로 '유령 장원') (1861-64)는 폴란드 국립 ^[29]오페라의 19세기 최고봉이다.20세기에 폴란드 작곡가들에 의해 창조된 다른 오페라로는 카롤 시마노프스키의 로저 왕, 크르지슈토프 펜데레키의 우부 렉스가 있었다.

터키(오트만 제국)에서 최초로 알려진 오페라는 아르샤크 2세로 1868년 아르메니아 민족 작곡가 티그란 추카지안이 작곡한 아르메니아 오페라로 1873년 부분적으로 공연됐다.그것은 1945년 아르메니아에서 완전히 상연되었다.

소비에트 연방의 첫 해는 아제르바이잔 작곡가 우제이르 하지베요프의 코로플루(1937년)와 같은 새로운 국가 오페라의 출현을 보았다.키르기스 최초의 오페라 아이추렉은 1939년 5월 26일 모스크바 볼쇼이 극장에서 초연됐다.블라디미르 블라소프, 압딜라스 말디바예프, 블라디미르 페레가 작곡했다.대본은 Joomart Bokonbevev, Jusup Turusbekov, 그리고 Kybanichbek Malikov에 의해 쓰여졌다.이 오페라는 키르기스 영웅 서사시 마나스를 ^[30][31]바탕으로 한다.

이란에서 오페라는 19세기 후반 서양 고전음악이 도입된 이후 더욱 주목을 받았다.그러나 이란 작곡가들이 이 분야를 경험하기 시작하는 데는 20세기 중반이 걸렸고, 특히 1967년에 루다키 홀이 건설되면서 다양한 작품을 무대에 올릴 수 있게 되었다.아마도 가장 유명한 이란 오페라는 로리스 치크나보리안의 로스탐과 소라브이다.

중국 전통 오페라와는 다른 서양식 오페라의 언어 형태인 중국 현대 경극은 1945년 ^[32][33][34]백모녀까지 거슬러 올라가는 오페라가 있었다.

라틴 아메리카에서 오페라는 유럽의 식민지화의 결과로 시작되었다.아메리카 대륙에서 작곡된 최초의 오페라는 토마스 데 토레혼 이 벨라스코가 작곡한 라 푸르푸라 데 라 로사였지만, 멕시코인 마누엘 데 주마야가 작곡한 파르테노페는 라틴 아메리카에서 태어난 작곡가가 작곡한 최초의 오페라였다.포르투갈어로 된 대본을 위한 최초의 브라질 오페라는 Elias Alvares Lobo의 A Noite de Sang Joang이었다.그러나 안토니우 카를로스 고메스는 일반적으로 일 과라니 같은 이탈리아어 리브레토와 함께 브라질 주제를 다룬 오페라로 이탈리아에서 비교적 성공을 거둔 가장 뛰어난 브라질 작곡가로 여겨진다.아르헨티나의 오페라는 20세기에 부에노스아이레스의 테아트로 콜론이 취임한 후 에토레 파니자의 오페라 오로라가 이탈리아 전통에 크게 영향을 받아 발전했다.아르헨티나 출신의 다른 중요한 작곡가로는 Felipe Boero와 Alberto Ginastera가 있다.

현대, 최근 및 모더니즘 경향

모더니즘

아마도 오페라에서 모더니즘의 가장 명백한 문체적 표현은 무조성의 발전일 것이다.오페라의 전통적인 음색에서 벗어나는 움직임은 리하르트 바그너, 특히 트리스탄 화음에서 시작되었다.리하르트 스트라우스, 클로드 드뷔시, 자코모 푸치니,^[35] 파울 힌데미스, 벤자민 브리튼, 한스 피츠너와 같은 작곡가들은 더 극단적인 색채주의와 불협화음의 사용으로 바그너식 조화를 더욱 추진했다.모더니스트 오페라의 또 다른 측면은 주세페 베르디가 그의 팔스태프에서 처음 묘사한 것처럼 길고 현란한 멜로디에서 짧은 모토로 바뀌는 것이다.스트라우스, 브리튼, 쇼스타코비치, 스트라빈스키와 같은 작곡가들은 이 스타일을 채택하고 확장했다.

오페라적 모더니즘은 두 명의 빈 작곡가, 아놀드 쇤베르크와 그의 제자 알반 베르크의 오페라에서 시작되었는데, 아토날리티와 그 이후의 발전, 도데카포니의 작곡가이자 지지자이다.쇤베르크의 초기 음악극 작품인 에르워퉁(1909년, 1924년 초연)과 디글뤼클리체 핸드는 일반적으로 색채의 조화와 불협화음을 많이 사용한다.쇤베르크는 또한 때때로 Sprechstimme를 사용했다.

쇤베르크의 제자 알반 베르크(1925년)와 루루(1935년 사망시 불완전)의 두 오페라는 위에서 설명한 것과 같은 특징을 많이 가지고 있다.그러나 베르크는 쇤베르크의 12색 테크닉에 대한 그의 매우 개인적인 해석과 보다 전통적인 톤의 자연의 멜로디 구절(퀴트 말러)을 결합했다.논란의 여지가 있는 음악과 줄거리에도 불구하고 그의 오페라가 표준 레퍼토리에 남아 있는 이유를 부분적으로 설명할 수 있을 것이다.쇤베르크의 이론은 비록 그들 자신이 그의 기법을 사용하여 작곡하지 않았더라도 그 이후로 많은 오페라 작곡가들에게 영향을 끼쳤다.

이렇게 영향을 받은 작곡가는 영국인 벤자민 브리튼, 독일인 한스 베르너 헨제, 러시아인 드미트리 쇼스타코비치이다. (필립 글래스도 그의 스타일은 보통 20세기 발전으로 묘사되지만, 그의 스타일은 보통 미니멀리즘으로 묘사된다.)^[36]

그러나 오페라 모더니즘의 무조성 사용은 신고전주의 형태의 반발을 불러일으켰다.이 운동의 초기 지도자는 Ferruccio Busoni로 1913년 그의 신고전주의 넘버 오페라 Arlecchino의 대본을 썼다.^[37]또한 선봉에는 러시아의 이고르 스트라빈스키가 있었다.디아길레프가 제작한 발레 '페트루시카'와 '봄의 의식'(1913년)을 작곡한 후, 스트라빈스키는 그의 오페라 오라토리오 오이디푸스 렉스(1927년)로 발전된 신고전주의로 전향했다.스트라빈스키는 이미 그의 초기 발레의 모더니즘적 경향에서 벗어나 오페라로서 충분한 자격을 갖추지 못하면서도 레나르(1916: "노래와 춤의 버들스크")와 "독서, 연주, 춤"을 포함한 많은 오페라적 요소들을 확실히 포함하고 있는 작은 작품들을 제작했다; 두 경우 모두 "읽고, 연주하고, 춤출 것";지시사항은 작곡가의 지시사항입니다.)후자의 경우, 배우들은 특히 오래된 독일 멜로드라마 장르와 유사한 기악 반주에 대해 특정한 리듬에 맞춰 연설의 일부를 격찬한다.림스키 코르사코프에서 영감을 받은 그의 작품 나이팅게일과 마브라 이후 스트라빈스키는 계속해서 연속극 기법을 무시했고 결국 18세기 스타일의 오페라 '갈퀴의 진보'를 썼다.그의 직렬주의에 대한 저항은 많은 다른 ^[38]작곡가들에게 영감을^[who?] 주는 것으로 판명되었다.

기타 경향

오페라와 일반 오케스트라 레퍼토리에서 20세기 내내 흔한 경향은 비용을 절감하는 척도로 더 작은 오케스트라를 사용하는 것이다; 거대한 현악 부분, 여러 개의 하프, 여분의 뿔, 그리고 이국적인 타악기를 가진 낭만주의 시대의 오케스트라는 더 이상 가능하지 않았다.20세기 내내 정부와 민간 예술에 대한 후원금이 줄어들면서, 종종 새로운 작품들이 의뢰되어 적은 예산으로 공연되었고, 매우 자주 방 크기의 작품들과 짧은 단막 오페라를 낳았다.벤자민 브리튼의 오페라의 대부분은 13명의 악기 연주자를 위해 작곡되었다; 마크 아다모의 2막짜리 '작은 여인'은 18명의 악기 연주자를 위해 작곡되었다.

20세기 후반 오페라의 또 다른 특징은 좀 더 먼 역사에 바탕을 둔 오페라의 전통, 현대 소설의 이야기나 연극, 또는 신화나 전설에 바탕을 둔 현대 역사 오페라의 출현이다.클링호퍼의 죽음, 중국의 닉슨, 그리고 존 아담스의 닥터 아토믹, 제이크 헤기의 데드 맨 워킹, 마크 앤서니 터니지의 안나 니콜은 오페라 속 인물들이 초연 당시 살아있던 최근의 기억 속 사건들의 극화를 예시한다.

미국의 메트로폴리탄 오페라(종종 메트로폴리탄 오페라)는 2011년에 관객의 평균 연령이 ^[39]60세라고 보고했다.많은 오페라 극단들은 20세기 ^[40]후반부터 클래식 음악으로 관객들을 열광시키는 더 큰 트렌드를 막기 위해 젊은 관객들을 끌어들이려고 시도했다.2018년 메트로폴리탄 국립오페라단의 관객 평균 연령은 58세로, 베를린 국립오페라단의 평균 연령은 54세로, 파리오페라는 48세로 ^[41]각각 낮아졌다.

미국의 소규모 기업은 더 취약한 존재이며, 대개 주정부 및 지방정부, 지방기업 및 기금조달자의 "패치워크 퀼트"에 의존합니다.그럼에도 불구하고, 몇몇 작은 회사들은 새로운 청중을 끌어모으는 방법을 찾아냈다.오페라 공연의 라디오 방송과 텔레비전 방송뿐만 아니라, 새로운 ^[42]관객에게 다가갈 수 있는 가능성을 보여주었다.

뮤지컬에서 오페라로 돌아가다

1930년대 후반, 몇몇 뮤지컬은 보다 오페라적인 구조로 쓰여지기 시작했다.이 작품들은 복잡한 다성 앙상블을 포함하며 그 시대의 음악적 발전을 반영한다.재즈 스타일에 영향을 받은 포기와 베스(1935년)와 오페라의 광폭적이고 서정적인 구절과 익살스러운 패러디를 가진 캔디드(1956년)는 브로드웨이에서 개봉했지만 오페라 레퍼토리의 일부로 받아들여졌다.쇼 보트, 웨스트 사이드 스토리, 브리가둔, 스위니 토드, 패션, 에비타, 광장의 빛, 오페라의 유령 등 인기 뮤지컬들은 복잡한 음악을 통해 극적인 이야기를 들려주고 2010년대에는 오페라 ^[43]하우스에서 종종 볼 수 있다.가장 행복한 남자(1952)는 준작동적이며 뉴욕시 오페라에 의해 부활했다.타미(1969년)와 예수 그리스도 슈퍼스타(1971년), 레미제라블(1980년), 렌트(1996년), 봄의 각성(2006년), 나타샤, 피에르 & 더 그레이트 코메트(1812년) 등 록에 영향을 받은 다른 뮤지컬들은 대사 대신 작곡, 낭송, 라이프티프 등 다양한 오페라적 관례를 사용한다.

오페라의 음향 향상

어쿠스틱 인핸스먼트라고 불리는 미묘한 형태의 음향 전자 보강은 오페라가 공연되는 일부 현대 공연장과 극장에서 사용된다.비록 주요 오페라 하우스는 전통적인 브로드웨이 스타일의 사운드 보강을 사용하지 않지만, 대부분의 가수들이 극장 곳곳에 흩어져 있는 보기 흉한 확성기에 혼합된 라디오 마이크를 장착하지는 않을지라도, 많은 오페라 하우스는 음향 강화와 무대 밖 음성의 미묘한 향상을 위해 사운드 보강 시스템을 사용한다.s, 아역 가수, 무대에서의 대화 및 음향 효과(예: 토스카의 교회 종소리 또는 바그너 ^[44]오페라의 천둥 효과)

오페라의 목소리

오페라 보컬 기법은 전자 증폭 이전 시대에 발전하여, 기악 연주자들이 그들의 음량을 상당히 타협하지 않고도 오케스트라에서 들을 수 있는 충분한 음량을 만들어 낼 수 있게 되었다.

발성 분류

가수와 그들이 연기하는 역할은 목소리의 테시투라, 민첩성, 힘, 음색을 기준으로 목소리 유형별로 분류된다.남성은 베이스, 베이스, 바리톤, 바리톤, 바리톤, 테너, 카운터테너로, 여성은 콘트랄토, 메조소프라노, 소프라노로 분류할 수 있다.(남성들은 때때로 "여성" 음역대로 노래를 부르는데, 이 경우 그들은 소프라니스트 또는 카운터테너라고 불린다.카운터테너는 오페라에서 흔히 볼 수 있으며, 때로는 카스트라티를 위해 작곡된 파트(특히 젊은 나이에 남성들에게 더 높은 음역을 주기 위해 중성화된 파트)를 부르기도 한다.)가수들은 크기에 따라 더 분류됩니다. 예를 들어, 소프라노는 서정 소프라노, 칼라투라, 수브레트, 스핀토, 드라마틱 소프라노로 묘사될 수 있습니다.이 용어들은 노래하는 목소리를 완전히 묘사하지는 않지만 가수의 목소리와 가수의 목소리의 특성에 가장 적합한 역할을 연관시킨다.

그러나 다른 하위 분류는 연기 능력이나 요건에 따라 만들어질 수 있습니다. 예를 들어, 종종 코믹 배우뿐만 아니라 패턴 전문가여야 하는 바소 부포입니다.이는 같은 레퍼토리 극단에서 오페라와 구어극이 자주 상연되던 독일어권 국가의 파흐 시스템에서 상세하게 이뤄진다.

특정 가수의 목소리는 그의 일생 동안 급격하게 변화할 수 있으며, 3년이 될 때까지 거의 성숙한 상태가 되지 않을 수도 있고, 때로는 중년이 될 때까지 성숙하지 않을 수도 있다.프랑스의 두 가지 목소리 유형, 즉 초연 두가존과 듀시엠 두가존은 루이스 로잘리 르페브르(Mme. Dugazon)의 경력에서 연속된 단계를 따라 이름이 붙여졌다.파리 극장의 스타 캐스팅 시스템에서 유래한 다른 용어는 바리톤 마르탱과 소프라노 팔콘이다.

음성 파트의 이력 사용

다음은 간략한 개요일 뿐입니다. 주요 기사는 소프라노, 메조소프라노, 콘트랄토, 테너, 바리톤, 베이스, 카운터테너, 카스트라토 등을 참조한다.

소프라노 목소리는 18세기 후반부터 오페라 여주인공의 목소리로서 일반적으로 사용되어 왔다.이전에는, 그 파트가 여성의 목소리, 혹은 캐스트라토에 의해서 불려지는 것이 일반적이었다.현재 광범위한 성역에 중점을 둔 것은 주로 고전시대의 발명품이었다.그 이전에는, 음역이 아닌 성악의 기교가 우선이었지만, 소프라노 파트는 거의 높은 A(예를 들어, 헨델은 높은 C까지 한 역할만 썼다) 이상으로 확장되지 않았다(그의 낮은 음역 또한 특별했고 테너 C까지 확장되었다).비교적 최근의 용어인 메조소프라노도 푸르셀의 디도와 아이네이아스의 여성 주연부터 바그너의 트리스탄과 이졸데의 브랑게네와 같은 중량급 배역까지 큰 레퍼토리를 가지고 있다(이 두 배역 모두 소프라노가 부르기도 한다).진정한 콘트라토는 그 범위가 더 제한적이어서 콘트라토들이 "마녀, 계집애, 브릿지" 역할만 부른다는 내부 농담을 낳았다.최근 몇 년 동안 여성을 위해 쓰인 바로크 시대의 "트루저 역할"과 카스트라티가 부른 역할들 중 많은 것들이 카운터테너로 재배치되었다.

클래식 시대부터 테너 목소리는 전통적으로 남자 주인공 역할을 맡아왔다.레퍼토리에서 가장 도전적인 테너 역할의 대부분은 벨칸토 시대에 쓰여졌는데, 예를 들어, 도니제티가 라 필레 뒤 레기멘트에서 중간 C보다 9 Cs 높은 시퀀스를 기록했다.바그너와 함께 그의 주인공 역할을 위한 보컬 헤프트가 강조되었고, 이 보컬 카테고리는 Heldentenor로 묘사되었다; 이 영웅적인 목소리는 푸치니의 투란도트의 칼라프와 같은 역할에서 더 이탈리아적인 것이 있었다.베이스는 오페라 세리아에서 조연으로 사용되었고, 때로는 코믹 릴리프를 위해 사용되었습니다(이 장르에서 높은 목소리가 우세했던 것과는 대조적입니다).베이스 레퍼토리는 넓고 다양하며, 돈 조반니의 레포렐로 희극부터 바그너의 반지 사이클의 보탄의 귀족, 베르디의 돈 카를로스의 필립 왕까지 다양합니다.베이스와 테너 사이에 바리톤이 있는데, 모차르트의 코시 팬 투트의 굴리엘모부터 베르디의 돈 카를로스의 포사까지 무게가 다양합니다. 실제 "바리톤"이라는 명칭은 19세기 중반까지 표준이 아니었습니다.

유명한 가수들

오페라의 초기 공연은 가수들이 그 스타일로 생계를 꾸려가기엔 너무 드물었지만, 17세기 중반 상업 오페라의 탄생과 함께 전문 연주자들이 생겨나기 시작했다.남자 주인공의 역할은 보통 카스트라토에게 맡겨졌고, 18세기에는 이탈리아 오페라가 유럽 전역에서 공연되면서 세네시노, 파리넬리 등 비범한 가창력을 가진 카스트라티가 세계적인 스타가 되었다.최초의 주요 여성 스타 안나 렌지의 경력은 17세기 중반으로 거슬러 올라간다.18세기에, 많은 이탈리아 소프라노들이 국제적인 명성을 얻었고 종종 치열한 경쟁을 벌였는데, 파우스티나 보르도니와 프란체스카 쿠초니는 헨델 오페라 공연에서 서로 주먹다짐을 시작했다.프랑스인들은 카스트라티를 싫어했고, 그들의 남성 영웅들이 오트 콘트레 (높은 테너)에 의해 노래되는 것을 선호했고, 그 중 조셉 레그로 (1739–1793)가 대표적인 ^[45]예였다.

지난 세기에 오페라에 대한 후원은 다른 예술과 미디어(뮤지컬, 영화, 라디오, 텔레비전, 녹음 등)에 비해 감소했지만, 대중 매체와 녹음의 등장은 마리아 칼라, 엔리코 카루소, 아멜리타 갈리-쿠르치, 커스틴 플래그스타드, 마리오 델 모나코, 테바타 등 많은 유명 가수들의 인기를 뒷받침해 왔다.Aldi, Riser Stevens, Alfredo Kraus, Franco Corelli, Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Birgit Nilsson, Nellie Melba, Rosa Ponselle, Beniamino Gigli, Jussi Bji Björling, Fe Challemor Challi, Fe Challi, Fe Challi, Fe Challi, Fe Char Challi, Fe Renling, Fe Renling, F

오케스트라의 역할 변경

1700년대 이전에 이탈리아 오페라는 작은 현악 오케스트라를 사용했지만, 가수들의 반주를 위해 연주되는 경우는 거의 없었다.이 시기의 오페라 독주에는 하프시코드, 루트와 같은 "주름 달린 악기"와 베이스 ^[46]악기로 구성된 바소 콘티뉴오 그룹이 수반되었다.현악 관현악단은 보통 가수가 노래를 하지 않을 때에만 연주되었다. 예를 들어 가수의 "...출입과 퇴장, 보컬 넘버 사이, 춤을 위한 (또는 동반자)"이 기간 동안 오케스트라의 또 다른 역할은 가수의 ^[46]독주 종료를 알리는 오케스트라 리토넬로를 연주하는 것이었다.1700년대 초, 몇몇 작곡가들은 현악 오케스트라를 사용하여 특정 아리아나 레시피트를 "특별한" 것으로 표시하기 시작했습니다; 1720년까지, 대부분의 아리아들은 오케스트라와 함께 반주를 했습니다.도메니코 사로, 레오나르도 빈치, 잠바티스타 페르골레시, 레오나르도 레오, 요한 아돌프 하세와 같은 오페라 작곡가들은 오페라 오케스트라에 새로운 악기를 추가하고 새로운 역할을 부여했다.그들은 현악기에 관악기를 추가했고, 특정 아리아를 ^[46]특별하다고 표시하는 방법으로 악기 독주를 연주하기 위해 관현악기를 사용했습니다.

이 오케스트라는 또한 1600년대부터 가수들이 무대에 오르기 전에 기악 서곡을 제공해 왔다.페리의 Euridice는 짧은 악기 리토넬로로, 몬테베르디의 L'Orfeo(1607)는 음소거 트럼펫의 팡파레인 토카타로 시작한다.Jean-Baptiste Lully의 오페라에서^[47] 볼 수 있는 프랑스 서곡은 눈에 띄는 "점선 리듬"의 느린 도입부와 후가토 스타일의 활기찬 움직임으로 구성되어 있다.서곡은 종종 막이 오르기 전에 일련의 댄스 곡들이 이어졌다.이 서곡 스타일은 영국 오페라에서도 사용되었고, 특히 헨리 퍼셀의 디도와 아이네이아스에서 사용되었습니다.헨델은 또한 줄리오 ^[48]체사레와 같은 이탈리아 오페라에서 프랑스 서곡 형식을 사용한다.

이탈리아에서는 1680년대에 "오버튜어"라고 불리는 독특한 형식이 생겨났고, 특히 알레산드로 스카를라티의 오페라를 통해 확립되었고, 18세기 ^[49]중반까지 프랑스 형식을 표준 오페라 서곡으로 대체하면서 유럽 전역으로 퍼져나갔다.그것은 일반적으로 세 가지 동음이의 동작을 사용한다: 빠른-느린-빠른-빠른.오프닝 동작은 보통 2중 미터로 장조로, 이전 예에서 느린 동작은 짧고 대조적인 키일 수 있습니다.결말 동작은 춤과 같았고, 대부분 종종 기구나 미뉴에트의 리듬을 가졌고, 오프닝 섹션의 키로 돌아갔습니다.형태가 진화함에 따라 제1악장은 팡파르와 같은 요소를 포함하고 이른바 소나타 형식(개발 구간이 없는 소나타 형식)의 패턴을 띠게 되었고, 느린 부분은 더 길고 ^[49]서정적이 되었다.

약 1800년 이후의 이탈리아 오페라에서, "오버투어"^[50]는 신포니아로 알려지게 되었다.피셔는 또한 신포니아 아반티 로페라라는 용어는 "오페라를 시작하는 데 사용되는 신포니아, 즉 작품의 후반부를 시작하는 데 사용되는 서곡의 초기 용어"라고 언급했다.^[50]19세기 오페라에서, 일부 오페라에서, 서곡, Vorspiel, Einleitung, Introduction, 또는 그것이 무엇이라 불릴 수 있는 것은 막이 오르기 전에 일어나는 음악의 일부였다; 서곡에 더 이상 구체적이고 딱딱한 형식이 필요하지 않았다.

클래식 스타일이 낭만주의 시대로 넘어가면서 19세기 들어 이 가수들을 반주할 때 오케스트라의 역할이 바뀌었습니다.일반적으로 오케스트라는 더 커졌고, 새로운 타악기(베이스 드럼, 심벌즈, 스네어 드럼 등)가 추가되었다.오케스트라 파트의 오케스트레이션 또한 19세기에 발전했다.바그너 오페라에서 오케스트라의 전조는 서곡을 넘어섰습니다.링 사이클과 같은 바그너 오페라에서 오케스트라는 종종 반복되는 음악 주제나 레이트모티프를 연주했는데, 이 역할은 오케스트라가 "프리마돈나"^[51]의 지위를 높였습니다.바그너의 오페라는 더 많은 금관악기와 거대한 앙상블 크기를 더하면서 전례 없는 범위와 복잡성으로 악보를 받았습니다. 사실, 그의 다스 라인골드 악보에는 6개의 하프가 필요합니다.바그너와 벤자민 브리튼과 같은 후속 작곡가들의 작품에서 오케스트라는 종종 등장인물들의 인식 수준을 초과하는 이야기에 대한 사실들을 전달한다.그래서 평론가들은 오케스트라가 문학적 ^[52]내레이터와 비슷한 역할을 한다고 생각하기 시작했습니다.

오페라의 역사를 통해 오케스트라와 다른 기악 앙상블의 역할이 바뀌면서 음악가를 이끄는 역할도 바뀌었습니다.바로크 시대에는 프랑스 작곡가 Lully가 긴 스태프와 함께 지휘한 것으로 알려져 있지만, 음악가들은 대개 하프시코드 연주자에 의해 지휘되었다.1800년대, 클래식 시대에는 콘서트 마스터로도 알려진 최초의 바이올리니스트가 앉아서 오케스트라를 이끌곤 했다.시간이 흐르면서, 몇몇 감독들은 일어서서 연주자들을 이끌기 위해 손과 팔 제스처를 사용하기 시작했다.결국 이 음악감독의 역할은 지휘자로 불리게 되었고, 모든 음악가들이 그를 쉽게 볼 수 있도록 단상이 사용되었습니다.바그너 오페라가 도입되었을 때, 작품의 복잡성과 그것들을 연주하기 위해 사용되는 거대한 오케스트라가 지휘자에게 점점 더 중요한 역할을 부여했습니다.현대 오페라 지휘자들은 오케스트라 피트에서의 오케스트라와 무대 위의 가수들을 지휘해야 하는 도전적인 역할을 한다.

언어 및 번역 문제

헨델과 모차르트의 시대 이후, 많은 작곡가들이 이탈리아어를 그들의 오페라의 대본을 위한 언어로 선호해 왔다.벨 칸토 시대부터 베르디 시대까지 작곡가들은 때때로 이탈리아어와 프랑스어로 된 오페라의 버전을 감독했다.이것 때문에, 루시아 디 람메르모르나 돈 카를로스 같은 오페라는 오늘날 프랑스와 이탈리아 버전 모두에서 ^[53]표준으로 여겨진다.

1950년대 중반까지, 비록 오페라가 작곡가나 독창적인 librettist들에 의해 승인되지 않았더라도, 번역된 오페라를 제작하는 것은 허용되었다.예를 들어, 이탈리아의 오페라 하우스는 일상적으로 ^[54]바그너를 이탈리아어로 무대에 올렸습니다.제2차 세계대전 이후 오페라 학문은 향상되었고, 예술가들은 원문에 다시 초점을 맞추었고, 번역은 인기를 잃었다.유럽 언어, 특히 이탈리아어, 프랑스어, 독일어에 대한 지식은 오늘날 전문 가수들을 위한 훈련의 중요한 부분이다.메조소프라노 돌로라 자직은 "오페라 훈련의 가장 큰 부분은 언어학과 음악이다"라고 설명한다.내가 부르는 노래뿐만 아니라 모두가 부르는 노래도 이해해야 한다.이탈리아어, 체코어, 러시아어, 프랑스어, 독일어,^[55] 영어를 부릅니다.

1980년대에 슈퍼타이틀이 등장하기 시작했다.슈퍼타이틀은 처음에는 거의 모든 사람들에게 주의를 ^[56]산만하게 하는 것으로 비난받았지만, 오늘날 많은 오페라 하우스는 일반적으로 극장의 프로세니움 아치 위에 투영된 슈퍼타이틀이나 관객이 두 개 이상의 언어 중에서 선택할 수 있는 개별 좌석 스크린을 제공한다.TV 방송은 언어를 잘 아는 청중을 위한 것일지라도 일반적으로 자막을 포함합니다(예를 들어 이탈리아 오페라의 RAI 방송).이 자막은 난청자뿐 아니라 일반 청중을 대상으로 한다.왜냐하면 노래하는 담론은 원어민들의 귀에서도 말하는 담화보다 훨씬 이해하기 어렵기 때문이다.오페라 방송, 동시 방송 및 DVD 판에서는 하나 이상의 언어로 된 자막이 표준이 되었습니다.

오늘날 오페라는 번역으로 공연되는 경우가 거의 없다.영어 ^[58]번역을 선호하는 영국 국립오페라, 세인트루이스 오페라 극장, 피츠버그 오페라 극장, ^[57]오페라 사우스이스트 등이 예외다.또 다른 예외는 험퍼딩크의 헨젤과 그레텔과^[59] 모차르트의 마법피리 ^[60]같은 젊은 관객들을 위한 오페라 작품들이다.

자금 조달

미국, 특히 유럽에서는 대부분의 오페라 하우스가 ^[61]납세자로부터 공적 보조금을 받는다.이탈리아 밀라노에서는 라 스칼라 연간 예산의 60%인 1억1500만 유로는 티켓 판매와 개인 기부금으로, 나머지 40%는 공적 ^[62]자금에서 나온다.2005년, La Scala는 공연 ^[63]예술에 대한 이탈리아 국가 보조금 총액 4억6400만 유로의 25%를 받았습니다.영국에서는 예술위원회(Arts Committee England)가 오페라 노스, 로열 오페라 하우스, 웨일스 국립 오페라, 영국 국립 오페라에 자금을 지원하고 있다.2012~2015년 영국 국립발레단, 버밍엄 로열발레단, 노던발레단과 함께 4개 오페라단이 예술위원회 국가 포트폴리오 자금의 22%를 차지했다.이 기간 동안 이사회는 대규모 오페라 및 발레단에 대한 자금 지원을 분석하여 2015-2018년 자금 지원 ^[64]결정 이전에 기업이 충족해야 할 권고사항과 목표를 설정하였다.2015년 2월 영국 국립오페라단의 사업계획에 대한 우려로 예술위원회는 ^[65]2017년까지 영국 국립오페라단의 우려가 충족되지 않을 경우 공공기금을 철회하겠다고 위협하는 인디펜던트가 말한 "전례 없는 조치"에 "특별 자금 지원 협정 하에" 놓이게 되었다.오페라에 대한 유럽의 공공 자금 지원은 유럽과 미국의 연중 오페라 하우스의 수를 불균형으로 만들었다.예를 들어 독일에는 약 80개의 연중 오페라 하우스가 있는데 반해 미국에는 인구가 3배가 넘는 오페라 하우스가 없다.메트로폴리탄도 ^[66]7개월밖에 남지 않았다고 말했다.

텔레비전, 영화 및 인터넷

1951년 12월 24일 지안 카를로 메노티의 오페라 아말과 나이트 비지터스의 라이브 방송으로 미국 오페라 방송의 이정표가 달성되었다.그것은 미국에서 ^[67]텔레비전용으로 특별히 작곡된 첫 번째 오페라였다.또 다른 이정표가 1992년 이탈리아에서 발생했는데, 이 때 토스카는 원래 로마의 배경과 하루의 시간대로부터 생중계되었다.첫 번째 장면은 토요일 정오에 16세기 산트안드레아 델라 발레 교회에서, 16세기 파르네세 궁전은 오후 8시 15분에 두 번째 무대였고, 일요일 오전 6시에는 세 번째 무대였다.산탄젤로 성에서 왔습니다그 생산물은 위성을 통해 105개국에 ^[68]전송되었다.

주요 오페라 극단들은 미국과 다른 많은 나라들의 현지 극장에서 공연을 선보이기 시작했다.메트로폴리탄 오페라는 2006년부터 ^[69]전 세계 영화관에 고화질 비디오 실시간 전송을 시작했다.2007년 메트 공연은 미국 350개 도시의 424개 이상의 극장에서 상영되었다.라보엠은 전 세계적으로 671개의 스크린에 진출했다.San Francisco Opera는 2008년 3월에 사전 녹화 비디오 전송을 시작했습니다.2008년 6월 현재, 미국 117개 도시의 약 125개의 극장이 이 쇼를 상연하고 있다.HD 비디오 오페라 전송은 주요 할리우드 ^[70]영화에 사용되는 것과 동일한 HD 디지털 시네마 프로젝터를 통해 제공됩니다.런던의 로열 오페라, 밀라노의 라 스칼라, 잘츠부르크 페스티벌, 베니스의 라 페니체, 피렌체의 마지오뮤지컬 등 유럽 오페라 하우스와 페스티벌도 2006년부터 ^[71][72]미국 90개 도시를 포함한 세계 각지의 극장에 작품을 전송하고 있다.

인터넷의 출현은 관객들이 오페라를 소비하는 방식에도 영향을 끼쳤다.2009년 영국 글린드본 페스티벌 오페라는 2007년 작품인 트리스탄과 이졸데의 완전한 디지털 비디오 다운로드를 처음으로 제공했다.2013년 시즌, 페스티벌은 6개의 모든 작품을 ^[73][74]온라인으로 스트리밍했다.2012년 7월, 첫 번째 온라인 커뮤니티 오페라가 Savonlinna Opera Festival에서 초연되었습니다.'Free Will'이라는 제목의 이 작품은 인터넷 그룹 'Opera By You' 멤버들에 의해 만들어졌다.43개국에서 온 400명의 회원들이 Libretto를 쓰고, 음악을 작곡하고, Wreckamovie 웹 플랫폼을 사용하여 세트와 의상을 디자인했다.사본린나 오페라 페스티벌은 전문 독주자, 80명의 합창단, 교향악단, 그리고 무대 장치를 제공했습니다.그것은 축제에서 라이브로 공연되었고 인터넷을 ^[75]통해 생중계되었다.

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레퍼런스

메모들

원천

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추가 정보

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• 바이킹 오페라 가이드, 아만다 홀든 편집자(1994년), 1,328쪽, ISBN 0-670-81292-7
• 옥스퍼드 오페라사로저 파커(1994년)
• 옥스포드 오페라 사전, 존 워랙과 이완 웨스트(1992) 782페이지, ISBN 0-19-869164-5
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외부 링크

• 포괄적인 오페라 퍼포먼스 데이터베이스, Operabase
• StageAgent – 대부분의 주요 오페라의 개요 및 캐릭터 설명
• 무슨 내용이죠?– 오페라 플롯 요약
• 보카뷸레 드 로페라 (프랑스어)
• OperaGlass, 스탠포드 대학의 자원
• HistoryOpera –오페라 이력 이미지
• 조나단 리프, 2007년 7월/8월호 "America's Opera Boom"
• Opera~Opera 기사 아카이브
• "A History of Opera". Theatre and Performance. Victoria and Albert Museum. Retrieved 15 February 2011.