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오르페오 에드 유로디스

Orfeo ed Euridice
첫 번째 인쇄 점수(1764)의 그림

오르페오 에드 유로디스(프랑스어: Opreée et Euridice; 영어: Orpeus and Euridice)는 크리스토프 윌리발트 글룩오르페우스의 신화를 바탕으로 작곡한 오페라라니에리 데 칼자비기리브레토를 배경으로 한다.후렴구와 춤이 있는 신화적 주제에 관한 오페라를 뜻하는 아지오네 티아트랄레 장르에 속한다.[1]이 작품은 1762년 10월 5일 비엔나에 있는 부르고뉴에서 마리아 테레사 황후가 참석한 가운데 처음 공연되었다.오르페오 에드 유로디체(Orfeo Ed Euridice)는 글룩의 '개혁' 오페라 중 첫 작품으로, 오페라 세리아의 난해한 줄거리와 지나치게 복잡한 음악을 음악과 드라마 모두에서 '고블한 단순함'으로 대체하려고 시도했다.[2]

이 오페라는 글룩의 작품들 중 가장 인기 있는 작품이며,[2] 이후 독일 오페라에 가장 큰 영향을 미친 작품 중 하나이다.그 줄거리의 다양성 - 영웅이 자신의 감정을 통제하거나 감추어야 하는 지하 구조 임무 - 모차르트마법 피리, 베토벤피델리오, 바그너다스 레잉골드에서 찾을 수 있다.

원래 이탈리아 리브레토로 설정되었지만, 오르페오 에드 유로디체(Orfeo ed Euridice)는 프랑스 오페라의 장르에 힘입은 바가 크다, 특히 동반된 리크리에이션과 보컬의 기교가 일반적으로 결여되어 있다.실제로 1762년 초연 후 12년 만에 글룩은 피에르루이 몰린의 리브레토로 아카데미에 로얄 무시크에서 파리 관객의 취향에 맞게 오페라를 다시 편곡했다.이 재작업은 오르페 et Eurydice라는 칭호가 붙었고,[3] 프랑스인의 취향에 맞게 보컬 캐스팅과 오케스트레이션에서 여러 번 수정이 이루어졌다.

배경

리크스뮤지엄의 장에티엔 리오타르의 알가로티

프란체스코 알가로티오페라 에세이(1755년)는 글룩의 개혁적 이념의 발전에 큰 영향을 끼쳤다.[4]알가로티는 음악이나 발레, 무대 대신 드라마 선풍을 앞세운 상당히 간소화된 오페라 세리아 모델을 제안했다.드라마 자체는 "이성이나 상식에 반하는 죄를 짓지 않고 눈과 귀를 늦추고, 흥분을 돋우고, 관객의 마음에 영향을 미치게 해야 한다"고 했다.알가로티의 사상은 글룩과 그의 성리학자 칼자비기 둘 다에게 영향을 미쳤다.[5]Calzabigi는 그 자신이 개혁의 저명한 옹호자였고,[2] 그는 다음과 같이 말했다: "만약 Gluk씨가 극적인 음악을 창조했다면, 그는 아무것도 아닌 것에서 그것을 창조하지 않았다.원하신다면 물질이나 혼돈을 그에게 제공했겠죠그러므로 우리는 그 창조의 명예를 공유한다."[6]

다른 영향으로는 작곡가 니콜로 조멜리와 슈투트가르트 발레단인 장 조르주 노베르 등이 있다.[5]노베레의 레트레스 수르 단스(1760년)는 곡예적인 과시보다 극적인 효과를 요구했고, 노베레 자신은 라마의 오페라와 데이비드 가릭의 연기 스타일에 영향을 받았다.[5]오르페오 에드 유로디체에서 발레가 상당히 많은 것은 그의 영향 때문이라고 생각된다.조멜리 자신은 발레, 무대, 관객 등 연출의 모든 측면을 융합한 것으로 유명하다.[7]

역할

역할 음성 유형 빈 초연 캐스트
1762년 10월 5일
수정 이탈리아어 버전
파르마 초연 출연진
1769년 8월 24일
컨덕터:글룩
개정 프랑스어 버전
파리 초연 출연진
1774년 8월 2일
오르페오 알토카스트라토(비엔나 초연),
소프라노 카스트라토(파르마 초연),
오뜨 콘트라(하이 테너, 프랑스 초연)
가에타노과다그니


주세페 밀리코


조지프 레그로스
아모레 소프라노 (엔 트라베스티) 마리안나 비안치 펠리티카 수아르디 소피 아놀드
유로디스 소프라노 루시아 클레이브로 안토니아 마리아 기렐리 아길라르 로잘리 레바수르
합창과 무용수: 목자, 목자, 요정, 악마, 후리스, 행복한 영혼, 영웅, 영웅, 영웅들

시놉시스

아리아, 합창 등의 제1행은 이탈리아어(1762판)와 프랑스어(1774판)로 되어 있다.

제1대 오르페오 가에타노 과다그니

1막

요정들과 양치기들의 합창은 엄숙한 애도의 합창으로 아내 유로디케의 무덤 주위에 오르페오와 합류한다; 오르페오는 오직 유로디케스의 이름을 말할 수 있다(Corus and Orfeo: "Ah, se intorno"/)"아! Dans ce bois"))오르페오는 다른 사람들을 멀리 보내고 아리아 "Chiamo Il mio ben"/"Objet de mon amour"에서 자신의 슬픔을 노래하는데, 이 세 구절은 표현적 재구성이 선행된다.이 기술은 그 당시 매우 급진적이었으며, 실제로 글룩의 뒤를 이어 온 사람들에게는 지나치게 과격한 것으로 증명되었다: 모차르트는 아리아의 단결을 유지하기로 선택했다.아모레(쿠피드)가 나타나 오르페오에게 그들이 지구로 돌아올 때까지 그녀를 보지 않는 조건으로 저승으로 가서 아내와 함께 돌아올 수도 있다고 말한다(1774년만: 아모레에 의한 아리아, "Si les doux agreements").아모레는 격려의 뜻으로 오르페오에게 현재의 고통은 아리아 '글리 스과디 트라티에니'/'수미스 아우 침묵'과 함께 단명해야 한다고 알려준다.오르페오는 퀘스트를 맡기로 결심한다.1774년 버전에서만 그는 아리에트("L'spoir renaît dans mon âme")를 옛날, 쇼이어, 이태리 스타일로 전달하는데, 원래는 가끔 하는 오락용으로 작곡된 일 파르나소 콘푸소(1765), 그 후 다른 것으로 다시 쓰였던 르 페스트 다폴로(1769)에서 다시 쓰였다.[1]

2장.

바위투성이의 풍경 속에서 후리스 부부는 오르페오를 저승으로 인정하기를 거부하고, 그 협곡의 수호신인 세르베루스를 노래한다("치마이 델 에레보"/"큐엘 에스트 로디아시우").오르페오가 그의 가락(하프로 오페라에 표현된)과 함께 아리아 '데 플라카테비 con me'/'라이세즈-보우 투우사'에서 연민을 구걸할 때, 그는 처음에는 후리족의 "아니오!"/"논!"의 외침에 가로막히지만, 결국 아리아스 '밀레 펜/'에서 부르는 그의 노래의 달콤함에 의해 부드러워진다.아! 라플라메"와 "멘 티란"/"라 텐드레스"를 통해 그를 들여보내 "아, 퀘일 인칭 어페토"/"켈은 더크를 외친다.1774년판에서는 「후리들의 춤」(제28호)으로 종영한다.[8]

두 번째 장면은 엘리시움에서 열린다.1762년의 짧은 발레는 1774년 4악장 "복음의 춤"(솔로 플룻의 두드러진 부분을 가진)이 되었다.이것은 영원한 행복("Cet asile")으로 행복을 찬양하는 독주곡에 의해서만, 이름 없는 정령이나 유라이디스가 노래하고 후렴구가 반복하는 것이다.오르페오는 아리오소("체 푸로 씨엘"/"퀼 누보 씨엘")을 타고 도착하여 공기의 순도에 경탄한다.그러나 그는 주위의 아름다움에서 위안을 찾지 못하는데, 그것은 유로디케가 아직 그와 함께 있지 않기 때문이다.그는 영혼들에게 그녀를 데려오라고 애원한다. 그들은 그렇게 한다(Corus: "Torna, o bella"/"Prés du tendre objet").

3막

하데스를 빠져나오는 도중, 유로디케는 지구로 돌아가는 것을 기뻐하지만, 오르페오는 제1막에서 아모레와 관련된 상태를 기억하고, 손을 놓으며 그녀를 쳐다보는 것을 거부하며 그녀에게 아무것도 설명하지 않는다.그녀는 그의 행동을 이해하지 못하고 그를 비난하지만, 그는 침묵 속에서 고통을 받아야 한다(듀엣: "Vieni, appaga Il tuo conside"/"Viens, suis un époux").유로디케는 이것을 더 이상 그녀를 사랑하지 않는다는 표시로 받아들이고, 죽음이 더 바람직하다고 결론지으며 계속하기를 거부한다.그녀는 오르페오가 아리아 '체 피에로 모멘토'/'포르투네 에네미에'에서 외도를 한 것으로 추정되는 것에 대한 슬픔을 노래한다(1774년, 리플라이 전에 잠깐 듀엣이 있다.더 이상 참을 수 없게 된 오르페오는 돌아서서 유로디케를 바라본다. 다시 그녀는 죽는다.오르페오는 유명한 아리아 "Che faròsenza Euridice?"/"J'ai perdu mon Euridice" ("유리디스 없이 내가 뭘 할까?"/"유리디스를 잃었어") 오르페오는 하데스에서 유로디케스에 합류하기 위해 자살하기로 결심하지만, 아모레는 그를 막기 위해 돌아온다(1774:Trio: "Tendre Amour").오르페오의 지속적인 사랑에 보답하기 위해 아모레는 유로디케를 다시 생명으로 되돌리고, 그녀와 오르페오는 재회한다.4악장 발레 후에는 모두 아모레("트리온피 아모레")를 찬양하며 노래한다.1774년 버전에서는 후렴구("L'Amour triomphe")가 발레에 선행하는데, 여기에 글럭이 추가로 3개의 동작을 추가했다.

실적이력

Ferrier in Orfeo & Eurydice (1949년)

이 오페라는 1762년 10월 5일 비엔나에서 프란치스코 1세 황제이름 날 기념으로 처음으로 공연되었다.이 작품은 개혁파 극장 관리자인 지아코모 두라초 백작의 감독을 받았다.안무는 가스파로 안지올리니가 맡았으며 세트 디자인은 조반니 마리아 콰글리오 장로가 맡았으며, 두 사람은 모두 자기 분야의 주역이었다.최초의 오르페오는 유명한 카스트라토 가에타노 과다그니였다.오르페오는 이듬해 비엔나에서 부활하였으나, 그 후 1769년까지 공연되지 않았다.1770년 런던에서 열린 공연에서 과다그니는 오르페우스 역을 맡았지만, J. C. 바흐 - "잉글리쉬 바흐"와 함께 대부분의 새로운 음악을 제공하는 글룩의 원곡과는 전혀 관련이 없는 음악이었다.[2]하이든은 1776년 에스테르하자에서 이탈리아판 공연을 했다.

19세기 초, 아돌프 노리트는 파리 오페라에서 오르페우스를 공연한 것으로 특히 유명해졌다.1854년 프란츠 리스트바이마르에서 글룩의 독창적인 서곡을 대체하기 위해 자신의 교향시를 작곡하면서 이 작품을 지휘했다.[2]Typically during the 19th century and for most of the 20th century, the role of Orfeo was sung by a female contralto, and noted interpreters of the role from this time include Dame Clara Butt and Kathleen Ferrier, and the mezzo-sopranos Rita Gorr, Marilyn Horne, Dame Janet Baker, Susanne Marsee, and Risë Stevens (at the Metropolitan Opera).[2]지휘자 중에서는 아르투로 토스카니니가 오페라의 주목할 만한 지지자였다.[2]그의 1952년 11월 2막 라디오 방송은 결국 LPCD로 발매되었다.

2017년 시카고 리릭오페라단은 안무가 존 누메리에의 새로운 작품을 선보였는데, 이 작품은 오페라의 뮤지컬과 발레 요소를 융합하고 조프리 발레단이 출연한다.이 작품은 1774년작 '파리 버전'(편곡된 피날레와는 달리)을 사용하며, 오르페오의 부분은 테너가 부른다.[9]주인공은 오르페오가 안무가, 유로디케가 수석 무용수, 아무르가 조수로 나선 현대적 배경에서 선보인다.[10]같은 작품은 2018년 로스앤젤레스 오페라단이, 2019년에는 슈타츠페르 함부르크[11] 페스트스피엘하우스 바덴바덴이 무대에 올렸다.[12]

개정판

르마르난드가 발행한 1774년 프랑스판 제목 페이지

1769년 파르마 버전

1769년 작곡가가 지휘한 파르마의 르 페스트 다폴로를 위해 글룩은 소프라노 카스트라토 주세페 밀리코를 위해 오르페오 역의 일부를 이탈리아어로 리브레토를 유지했다.이 버전은 아주 오랫동안 공연되지 않은 후, 마침내 2014년 11월 13일 헤르네타이지 알터 무식[de]에서 타이틀 롤에 카운터테너와 함께 첫 번째 현대 부흥상을 받았다.[13]

글룩의 1774년 파리 오페라 버전

글럭은 1774년 8월 2일 제2회 살레 뒤 팔레 로얄에서 열린 파리 오페라 프리메이션을 위해 다시 악보를 수정했다.Opreé et Eurydice로 개칭된 [3]이 버전은 Pierre-Louis Moline에 의해 프랑스어 리브레토를 가졌는데, 이 리브레토는 칼자비기의 번역본뿐만 아니라 확장되었다.글룩은 추가 음악을 작곡하고, 프랑스 오페라에서 영웅적인 인물을 위한 컨벤션(프랑스인들은 거의 카스트라토스를 사용하지 않았다)에 맞춰 오르페우스를 높은 테너로, 또는 카스트라토에서 오트 콘테르로 바꾸는 등의 다른 조정을 했다.이 오페라는 이제 더 많은 발레 시퀀스를 가지고 있었는데, 여기에는 원래 글룩의 발레후안을 위해 쓰여진 긴 "Dance of the Furies"와 플루트와 현을 위한 "Dance of the Bless Spirits"가 포함된다.(1825년경에는 카스트라티 자체가 사실상 사라졌고, 카스트라토 원판의 연주는 점점 더 드물어졌다.대체품으로 카운터테너를 사용하여 카스트라티를 근사하게 만드는 현대적 관행은 1950년으로 거슬러 올라간다.)[2]

베를리오즈의 메조소프라노용 1859년 버전

오르페 역의 파울린 비아르도트

1784년부터 1859년까지 파리 디아파손(콘서트 피치)은 초당 820 사이클에서 896 사이클로 꾸준히 상승했고,[14] 따라서 글룩의 오트 콘트라에 대한 프랑스어 버전은 점점 비실용적이 되었다.[15]1824년 아돌프 노루릿이 오페라에서 그 역할을 노래했을 때 그의 음악은 바뀌었다.[16]지아코모 마이어베어는 프랑스의 메조소프라노 파울린 비아르도에게 오르페오 역을 맡아야 한다고 제안했다.[17]작곡가 헥터 베를리오즈는 비아르도트의 절친한 친구였으며 글룩의 음악에 관한 프랑스의 대표적인 전문가였다.[18]그는 마음 속에 Viardot의 목소리에 4행동 –:[19]따라서 원래 contralto 버전으로, 그가 했어 단순히"대가로 오페라 –의 버전을 마련하기로 합의했다, 그러나 키 더 mezz에 적합한 자리로 파리 버전 retransposed을 재배열했다"그는 대부분 잊혀지이태리제 원본은 철저하게 그가 프랑스인 알"[15]의 사정을 알고.o".[20]베를리오즈는 그의 각색에서 1774년 파리 악보의 추가 음악 대부분을 포함시키면서 1762년 빈 악보의 핵심 계략을 사용했다.음악적 측면이나 드라마적 측면에서도 우월하다고 생각했을 때만 이탈리아 버전으로 돌아왔다.그는 또한 이탈리아 버전에서[21] 좀 더 미묘한 오케스트레이션을 복원했고 비아르도트와 극장 감독 레온 카르발로의 현대화 제안에 저항했다.결국 이 프로젝트에서 베를리오즈의 조수 역할을 하던 카밀 생생존스는 베를리오즈가 거절했던 소정의 재필기도 했다.[17]

베를리오즈 버전은 1859년 11월 18일 테아르트 리리케에서 비아르도트(Opée), 마리 사세(Eurydice), 마리 에르네스틴 마리몬(L'Amour), 믈레 모로(L'ombre), 아돌프 델로프레(Adolp Delofre)를 지휘자로 하여 처음 발표되었다.세트장은 샤를 앙투안 캄본과 조셉 티에리가 디자인했으며 안무는 루시엔 페티파가 맡았다.(17세의 쥘 마스넷은 오케스트라의 팀파니스트였다.리허설 동안 베를리오즈는 그의 튜닝의 정확성에 대해 어린 선수를 칭찬했었다.)제작은 인기 있고 비판적인 성공으로 매일 밤 집을 가득 메웠으며, 회사로부터 총 138회의 제작비를 받았다.[22]

오르페오 (메조소프라노), 4막 오르페오의 의상 디자인 (1889)[23]

후속 버전

1860년까지 파리의 대부분의 극장은 콘서트 피치를 정상으로 낮췄다.[24]이것은 글럭의 시대만큼 낮지 않았다: "최근 위원회는 프랑스의 피치를 896의 A에서 870의 진동으로 낮춰야 한다고 권고했다."[25]그러나 19세기 후반에는 오르페우스의 역할이 콘트랄토만큼이나 테너에 의해 거의 자주 불려지게 될 정도로 이 정도면 충분했다.[21]

베를리오즈의 버전은 이탈리아와 프랑스 점수를 합친 것 중 하나이지만 가장 영향력 있고 잘 평가된다.약 1870년경 베를리오즈 악보를 3막으로 각색하여 이탈리아어로 다시 번역하고 베를리오즈가 빠뜨렸던 1774년 프랑스 판의 많은 음악을 복원하는 것이 일반적이었다.리코르디가 발행한 콘트롤토용 1889년판이 가장 인기 있게 되었다.[21]때때로 오르페오의 역할은 바리톤이 노래하는 옥타브까지 바뀌었다.디트리히 피셔-디스카우, 헤르만 푸드는 독일에서 이 역할을 수행한 두 명의 주목할 만한 바리톤이다.[2]Fischer-Dieskau는 오페라를 여러 번 녹음했다. 그의 녹음은 여전히 상업적으로 구할 수 있다.

오르페오와 개혁

이 오페라는 글럭이 오페라 세리아를 개혁하려는 야심을 보여주는 첫 번째 작품이었다.자급자족 아리아합창은 더 작은 조각들이 더 큰 구조 단위를 만들기 위한 길을 열어준다.다 카포 아리아스는 그들의 부재에 의해 두드러진다;[2] 글룩은 대신, 특히 각 구절이 극적으로 재구성을 띠는 "Chiamo Il mio ben cos""에서, 즉, 음성이 오케스트라의 일부 또는 전부를 수반하는 스트로멘토와, 그리고 3막의 유명한 "Che faròza Euridice?"와 같은 론도 형식을 사용한다.또한 전통적인 secco recorcription은 존재하지 않는데, 여기서 음성은 바소 연속만을 동반한다.[2]전반적으로 볼 때, 오래된 이탈리아 운영자 관례는 그 행동에 극적인 자극을 주는 것에 찬성하기 위해 무시된다.하위 플롯을 제거함으로써 줄거리의 복잡성을 크게 줄인다.글룩은 프랑스의 트라게디 앙뮤지크의 예, 특히 라마우의 예에 영향을 받았다.그들처럼 이 오페라는 많은 표현력 있는 춤과 후렴구의 광범위한 사용, 그리고 리커멘트를 동반한 춤을 포함하고 있다.[2]주인공 중 한 명을 애도하는 합창으로 드라마를 개봉한 쿠데타는 라마의 카스토르 폴룩스(1737년)에서 사용된 것과 매우 유사하다.[26]다른 요소들은 글럭의 후속 개혁을 따르지 않는다. 예를 들어 활기차고 명랑한 제안은 다가올 행동을 반영하지 못한다.[2]오르페오 역은 특히 재능 있는 배우를 부르는데, 그래서 근엄한 '치아모 일 미오 벤 코스모'가 둔해지지 않도록, 그리고 비극적인 수입품을 이 아리아와 '체파르헤 센자 유로디스'에게 모두 줄 수 있도록 하는데, 이 두 가지 모두 본성이 뚜렷하게 애절하지 않은 하모니를 바탕으로 하고 있다.[27]최초의 오르페오인 가에타노 과다그니는 유명한 셰익스피어 배우 데이비드 개릭으로부터 런던에 있는 동안 확실히 교훈을 얻은 훌륭한 배우로 알려져 있다.과다그니 역시 목소리를 높이지 않고 감동적이고 감정적인 음색을 투영할 수 있었던 것이 분명했다.[27]실제로 글룩은 '체파르세네자 유로디체'가 감정적으로 무관하다는 이유로 비판에 직면했다. 그는 아리아를 미세하게 집행해야 할 절대적 필요성에 대해 지적하며 "동작이나 표현의 전환에서 작은 변화를 일으키면 마리오네트의 소금쟁이가 될 것"[27]이라고 답했다.

오르페오 에드 유로디체에서 시작된 글룩의 개혁은 공작사 전반에 걸쳐 상당한 영향을 미쳤다.글룩의 이상은 특히 글룩의 시각에 영향을 받은 바그너의 게삼트쿤스트워크 비전과 함께 모차르트, 바그너, 베버의 인기 작품에 큰 영향을 미쳤다.[28][29]구식 오페라 세리아와 장식 지향적인 가수들의 지배는 글럭의 오페라 전체와 특히 오르페오의 성공 이후 점점 더 인기가 없어졌다.[2]오르페오 에드 유로디스에서는 오케스트라가 이전의 오페라보다 훨씬 우세하며, 가장 두드러진 것은 오르페오의 아리오소 "체 푸로 씨엘"이다.여기서 음성은 비교적 소역적인 재귀적식 선언으로 축소되고, 오보에에는 플루트, 첼로, 바순, 뿔피리의 솔로들이 받쳐주는 메인 멜로디가 실려 있다.글럭이 작곡한 가장 복잡한 오케스트레이션의 현악기(삼중창 연주)와 연속극의 반주도 있다.[2]

오케스트레이션

글룩은 오르페오의 오케스트레이션을 이탈리아어 원판에서 1774년 프랑스어로 수정하면서 여러 가지 변경을 했다.코르네트찰루모는 더 흔하고 현대적인 오보, 클라리넷으로 대체되는 반면 트롬본에 의해 연주되는 부분은 상당히 감소하는데, 이는 아마도 프랑스 트롬본주의자들의 부분에서 기술적 능력이 부족하기 때문일 것이다.[6]코르넷트는 일반적으로 교회음악에 사용되는 악기였고, 샤루모실내악에서만 지배적이었다. 1774년 프랑스에서는 코르넷트와 찰루모 둘 다 인기가 없었다.[6]많은 면에서 찰루마우에서 오보에로의 변화는 카스트라토에서 하이 테너로의 변화와 일치한다.[6]카스트라토도 찰루모도 살아남지 못했다.[6]

이탈리아어 버전과 프랑스어 버전 오르페오의 리어는 모두 하프로 표현되는데, 보통 하프를 프랑스 오케스트라에 도입했다고 생각되는 것은 1774년 이 악기의 사용이었다.[6]근엄한 「치아모 일 미오 벤 코시」의 각 구절에는 각기 다른 독주 악기가 곁들여져 있다.비엔나에서 이것들은 플루트, 뿔, 그리고 영어의 뿔이었지만 1774년 글룩은 이 오케스트레이션을 한 개의 뿔과 두 개의 클라리넷으로 바꾸도록 요구되었고, 다시 흔치 않은 악기를 훨씬 더 널리 사용되는 악기로 교체했다.[6]아리아 "Chiamo Il mio ben cosi"와 인터스페어링 리커션 동안 글럭은 메아리 효과를 제공하기 위해 현악과 찰루모로 구성된 또 다른 오프 스테이지 오케스트라를 추가했다.[2]

스코어와 리브레토스

이탈리아 원판 1762년판 오르페오 에드 유로디체, 아지오네 테아트랄레 3막의 경우 리브레토는 판 헬렌(Vienna, 1762년)이, 리브레토는 듀케스네(Paris, 1764년)가 출간했다.Many 18th-century manuscript copies of the full score may be found in libraries, including the Gesellschaft der Musikfreunde in Vienna, the Österreichische Nationalbibliothek in Vienna, the Bibliothèque Nationale (BNF) in Paris, the Bibliothèque-Musée de l'Opéra in Paris, and the British Library in London.[30]안나 아말리 아베르트루트비히 핀셔가 편집한 비평판은 1963년 베렌레이터세름틀리히 베르케("완전 작품")[31]의 일부로 출판되었다.

1774년 프랑스판 《Opée et Eurydice》, 3막의 트라게디 오페라(Tragédie opéra)에 대해서는 《리브레토》가 델로멜(Paris, 1774년)에 의해 출판되었고, 《레마난드》(Paris, 1774년)에 의해 만점이 발표되었다.음악학자 루트비히 핀셔에 의해 편집된 비평판은 베렌레이터의 Samtliche Werke의 일부로 1967년에 출판되었다.서명 점수의 상당 부분은 파리의 비블리오테크 국립박물관과 파리의 비블리오테크-무셰 드'오페라(Bibliothéque-Musée de l'Opéra)[32]에 있다.

녹음

다른 버전의 수많은 녹음들이 있었고, 특히 여성 오르페오를 주인공으로 한 베를리오즈 각색에 관한 녹음들이 있었다.영국의 콘트롤토 캐슬린 페리어와 미국의 메조소프라노 마릴린 혼은 특히 주목할 만한 통역가였다.[2]최근 몇 년 동안, 이 오페라의 비엔나 버전의 녹음과 무대 연출은 오르페우스 역에 카운터테너들을 등장시켰다.카운터테너 데릭 라긴, 조헨 코왈스키, 르네 제이콥스, 제임스 보우만, 마이클 찬스오르페오 에드 유로디체스를 녹음했다.오르페오의 역할도 테너에 의해 수행되고 기록되었으며, 심지어 이 역할의 3개의 레코드를 만든 디트리히 피셔-디스카우 같은 바리톤에 의해서도 기록되었다.근래까지 모든 버전의 대부분의 녹음은 어떤 식으로든 잘리거나 변형되었다.[33]

테너에 프랑스 버전의 Recordings 여전히 상대적으로 진정한 haute-contres의 부족으로:[2]한명의 1950년대 중반 그의 아내 여성 피에로. Alarie 맞은 편에 시모노가 주연하고, 니콜라이 게다 또한 1955년에 이 역할이 드물다.[2](Simoneau의 버전 CD를 선물 아니지만, 하는 것이지만, 게다의 녹화가 잇엇어 이용 가능했다.2009년 초연된 CD)2002년 오트 콘텐터 장 폴 푸셰코트가 자신의 버전을 추가했고, 마크 민코프스키가 2004년 타이틀 롤에서 리처드 크로프트와 함께 주기 악기를 연주했다.2010년 4월 테노레 그라지아 후안 디에고 플로레스가 2년 앞서 마드리드에서 녹음한 콘서트 공연이 마침내 공개되었다.스테파노스 라자리디스 감독이 연출한 1993년 호주 오페라 제작 DVD도 있는데, 호주 오트 콘텐더 데이비드 홉슨이 오페를 맡았다.

2018년 에라토는 1774년 나폴리의 테트로 카를로에서 이탈리아어로 공연한 것과 같은 스코어를 사용한 레코드를 발표했다.이 극장은 요한 크리스티안 바흐의 추가곡과 소프라노 칼라투라를 위한 변주곡들을 포함하도록 이 악보를 각색했다.이 녹음에서 필립 자루스키는 오르페오를 부르고 아만다 포사이스는 유리다스를 부른다.[34]

참조

메모들

  1. ^ a b 홀덴 & 블라이스 1993 페이지 375
  2. ^ a b c d e f g h i j k l m n o p q r s 헤이스 2002
  3. ^ a b 프랑스어 표제의 원래 철자는 Opée et Euridice였지만 현대 프랑스어 표기는 Opreé et Euridice를 사용한다.
  4. ^ 오레이 & 밀네스(1987), 페이지 81.
  5. ^ a b c 오레이 & 밀네스 1987, 페이지 83
  6. ^ a b c d e f g 메스트론 1994
  7. ^ 오레이 & 밀네스(1987), 페이지 82.
  8. ^ 1950년대 메트로폴리탄 오페라 공연에서, 혹은 그보다 더 이른 시기에, 그 수는 오페라의 1막으로 귀결되었고, 2막은 다음 장면의 발레 음악으로 시작된다.
  9. ^ Johnson, Lawrence A. (24 September 2017). "Lyric Opera and Joffrey Ballet join forces for a stylish, imaginative "Orphée" Sun Sep 24, 2017 at 3:52 pm". Chicago Classical Review. Retrieved 12 March 2018.
  10. ^ von Rhein, John (24 September 2017). "Review: Triumphant new 'Orphee' presages strong partnership of Lyric Opera, Joffrey Ballet". Chicago Tribune. Retrieved 12 March 2018.
  11. ^ "Orfeo ed Euridice". AP. lisetteoropesa,.com. Retrieved 12 March 2018.
  12. ^ Festspielhaus Baden Baden 웹사이트.
  13. ^ 토마스 몰케, "게릴라 축제-압슐러스"; 온라인 뮤식 매거진, 2014년 11월 16일.
  14. ^ 월시 1981, 페이지 129.
  15. ^ a b 케언스 1999 페이지 637
  16. ^ 케언스 1999 페이지 636.
  17. ^ a b 홀로만 1989년 페이지 494
  18. ^ 베를리오즈는 작곡가 겸 체스 전문가인 필리도르가 1764년 자신의 오페라 '르 소르시어'를 위해 글룩의 오르페오 일부를 훔쳤다고 언급했다.베를리오즈 1915, 페이지 30~33.
  19. ^ 홀든, 케년 & 월시 1995, 페이지 136
  20. ^ 매커라스 2010, 페이지 100
  21. ^ a b c 헤이스 1992 페이지 746
  22. ^ 월시 1981, 페이지 112, 312; 케언스 1999, 페이지 637, 639
  23. ^ 1889년 베를리오즈의 버전에서 분명히 영감을 받은 4막 오르페오가 베니스(cf)의 Teatro La Fenice에서 무대에 올랐다.Corago - Universita di Vologna).
  24. ^ 월시 1981, 페이지 128–129, 131.
  25. ^ 월시 1981, 페이지 93.
  26. ^ 거들스톤 1990, 페이지 202.거들스톤은 두 개의 오프닝 장면의 효과를 자세히 비교한다.
  27. ^ a b c 노이라이 1994
  28. ^ 오레이 & 밀네스(1987), 페이지 88.
  29. ^ 오레이 & 밀네스(1987), 페이지 169.
  30. ^ 하워드 2003 페이지 6
  31. ^ 하워드 2003, 페이지 6, 12; 베렌레이터의 월드캣 점수 1762점 목록.
  32. ^ 하워드 2003, 페이지 7, 12; 베렌레이터의 월드캣 1774점 에디션 목록.
  33. ^ Loppert 1979, 페이지 26–31.
  34. ^ 데니스, 길레스(2018년 3월 23일)"Les métamorphises d'Opperée".레 에코스2018년 5월 14일(프랑스어).

원천

추가 읽기

  • 듀라초, 안젤라 발렌티.I 듀라조의 "La premiata ditta durazzo & Gluk": Da schiavi a doi della Republica di Genova, Principality of Monaco(2004).

외부 링크