로르페오

L'Orfeo
이 기사는 몬테베르디 오페라에 관한 것입니다. 기타 용도는 오르페오를 참조하십시오.
로르페오
클라우디오 몬테베르디 음악의 파볼라
A young man with long flowing hair, bare chested, holds a stringed instrument in his left hand, while looking way to the left with a soulful expression
오페라의 영웅 오르페우스, 바이올린으로, 체사레 겐나리의.
리브레티스트알레산드로 스트리조
언어이탈리아의
에 기반을 둔오르페우스의 그리스 전설
초연
1607 카니발 시즌
만토바

L'Orfeo (SV 318) ( 이탈리아어 발음:ˈ ɛː오(La favola d'Orfeo) 또는 ˈ ɛː오(La favola d'Orfeo)는 클라우디오 몬테베르디(Claudio Monteverdi)가 작곡한 르네상스 후기/초기 바로크 파볼라로, 알레산드로 스트리조(Alessandro Striggio)의 리브레토가 있습니다. 그리스의 오르페우스 전설에 바탕을 두고 있으며, 하데스에게 내려온 그의 이야기와 죽은 신부 에우리디케를 다시 살아있는 세계로 데려오려는 그의 실패한 시도를 담고 있습니다. 그것은 1607년 만토바에서 매년 열리는 카니발 기간 동안의 궁정 공연을 위해 쓰여졌습니다. 자코포 페리의 다프네는 오페라 장르의 첫 번째 작품으로 일반적으로 인식되고 있으며, 현존하는 가장 초기의 오페라는 페리의 에우리디체이지만, 로르페오는 여전히 정기적으로 공연되는 가장 초기 작품입니다.

17세기 초에 이르러 전통적인 인터미디어는 곧은 연극의 행위 사이의 음악적 순서로서 완전한 음악극 또는 오페라의 형태로 발전하고 있었습니다. Monteverdi의 L'Orfeo는 이 과정을 실험적인 시대에서 벗어나 새로운 장르의 첫 번째 완전히 발전된 예를 제공했습니다. 초기 공연 후, 이 작품은 만토바에서 다시 무대에 올려졌고, 앞으로 몇 년 안에 다른 이탈리아 센터에서 공연될 수도 있습니다. 그것의 악보는 1609년에 몬테베르디에 의해 출판되었고 1615년에 다시 출판되었습니다. 1643년 작곡가가 사망한 후, 오페라는 수년 동안 공연되지 않았고, 19세기 후반에 관심이 되살아나기 전까지 대부분 잊혀졌습니다. 처음에 이러한 공연들은 학원과 음악 협회 내에서 콘서트(무대화되지 않은) 버전인 경향이 있었지만, 1911년 파리에서 최초로 현대극 공연이 있은 후, 이 작품은 극장에서 보기 시작했습니다. 제2차 세계 대전 이후 많은 녹음물들이 발행되었고, 비록 몇몇 주요 장소들이 그것에 저항했지만, 오페라는 점점 더 오페라 하우스에서 무대에 올려지고 있습니다. 2007년, 초연의 4번째 100주년은 전세계의 공연들에 의해 기념되었습니다.

몬테베르디는 그의 출판된 악보에서 특정 장면과 등장인물을 묘사하는 데 사용되는 뚜렷한 악기 그룹과 함께 배치될 약 41개의 악기를 나열합니다. 따라서 현, 하프시코드, 녹음기는 님프와 양치기와 함께 트라키아의 목축지를 나타내고, 무거운 놋쇠는 지하세계와 그 시민들을 묘사합니다. 르네상스 시대에서 바로크 시대로 넘어가는 시점에 작곡된, L'Orfeo는 특히 대담한 폴리포니의 사용과 함께, 당시 음악 기술 내에서 알려진 모든 자원을 사용합니다. 그 작품은 그렇게 조율되지 않았습니다; 르네상스 전통에서 기악가들은 작곡가의 일반적인 지시를 따랐지만, 즉흥적으로 연주할 수 있는 상당한 자유가 주어졌습니다.

역사적 배경

Artist's representation of a man with pointed beard, heavy ruff collar and embroidered jacket, holding a staff in his right hand and a sword in his left. A badge or coat of arms is shown top left, and a legend: "Vincentius Dux Mantua, Mont Ferrat 1600" is visible top left.
만토바에서 몬테베르디의 고용주 빈센조 곤자가 공작

1567년 크레모나에서 태어난 클라우디오 몬테베르디는 크레모나 대성당의 거장 디아펠라 (음악의 수석)인 마르카 안토니오 잉게네리 아래에서 공부한 음악 신동이었습니다. 노래, 현악 연주, 작곡 훈련을 받은 후, 몬테베르디는 베로나와 밀라노에서 음악가로 일했고, 1590년이나 1591년에 만토바에 있는 빈센조 곤자가 공작의 궁정에서 수오나토레 디 비부올라 (비올라 연주자)의 지위를 얻었습니다.[1] 능력과 노력을 통해 몬테베르디는 1601년 곤자가의 마에스트로 델라 무카 (음악의 대가)가 되었습니다.[2][3]

빈센조 곤자가의 음악극과 스펙터클에 대한 특별한 열정은 피렌체 궁정과의 가족 관계에서 비롯되었습니다. 16세기 말 무렵, 피렌체의 혁신적인 음악가들은 오래 전부터 확립된 구어극의 행위 사이에 삽입된 음악적 막간의 형태인 인터미디어오를 점점 더 정교한 형태로 발전시키고 있었습니다.[2] 자코포 코르시가 이끄는 이 유명한 카메라타의[n 1] 후계자들은 일반적으로 오페라 장르에 속하는 것으로 인정되는 첫 번째 작품인 코르시와 자코포 페리가 작곡하고 1598년 피렌체에서 공연한 다프네를 책임졌습니다. 이 작품은 마드리갈 창법과 모노디의 요소들과 춤과 기악의 구절들을 결합하여 극적인 전체를 형성했습니다. 음악의 단편들만이 여전히 존재하지만, 같은 시기의 다른 여러 피렌체 작품들, 예를 들어 라프레젠테 디 아니마, 에밀리오 데 카발리에리의 에트 디 코르포, 페리의 에우리디체, 줄리오 카치니의 같은 제목의 에우리디체는 완전하게 생존합니다. 이 마지막 두 작품은 오비드의 "변신"에서 언급된 오르페우스 신화의 많은 음악적 표현들 중 첫 번째 작품이었고, 따라서 몬테베르디의 "오르페오"의 직접적인 선구자였습니다.[5][6]

곤자가 법원은 극적인 오락을 장려하는 오랜 역사를 가지고 있었습니다. 빈센조 공작 시대의 100년 전에 궁정은 안젤로 폴리치아노의 서정적인 드라마 '라파볼라 디 오르페오'를 공연했는데, 그 중 적어도 절반은 말하기보다는 부르기로 했습니다. 보다 최근에, 1598년 몬테베르디는 이탈리아의 목축극 열풍에 영감을 준 연극사학자 마크 링거에 의해 묘사된 지오반니 바티스타 과리니의 연극 일 목사 피도를 제작하는 데 궁정의 음악적 설립을 도왔습니다.[7] 1600년 10월 6일, 마리아 데 메디치와 프랑스 국왕 앙리 4세의 결혼식을 위해 피렌체를 방문하던 중, 빈센조 공작은 페리의 에우리디체 초연에 참석했습니다.[6] 이번 공연에는 몬테베르디를 비롯한 그의 주요 음악가들도 함께했을 것으로 보입니다. 공작은 이 새로운 형태의 극적인 오락의 참신함과 그것을 후원할 준비가 된 사람들에게 명성을 가져다 줄 수 있는 가능성을 재빨리 알아차렸습니다.[8]

창조.

리브레토

1607 libretto의 제목 페이지

1600년 10월 에우리디체 공연에 참석한 사람들 중에는 곤자가의 궁정 출신의 젊은 변호사이자 직업 외교관인 알레산드로 스트리조가 있었는데,[9] 그는 유명한 동명의 작곡가의 아들이었습니다. 16살 때, 그는 1589년 토스카나 공작 페르디난도의 결혼식 축제에서 바이올린을 연주한 적이 있습니다. 빈센트 공작의 두 어린 아들인 프란체스코와 페르난디노와 함께, 그는 만토바의 독점적인 지식인 사회인 인바기티 아카데미의 회원이었고, 이 아카데미는 도시의 연극 작업을 위한 주요 배출구를 제공했습니다.[10][11] 스트리지오가 어느 시점부터 로르페오를 위해 그의 자유를 시작했는지는 분명하지 않지만, 작업은 1607년 1월에 분명히 진행 중이었습니다. 프란체스코 곤자고는 1월 5일에 쓴 편지에서, 피렌체 궁정에 부속된 그의 형에게 만투안 카니발을 위해 준비 중인 "음악 속의 연주"를 위해 대공국으로부터 양질의 카스트라토의 서비스를 받을 것을 요청합니다.[12]

스트리지오가 그의 리브레토의 주요 출처는 오비드의 변용서 10권과 11권 그리고 버질의 조지학 4권이었습니다. 이것들은 그에게 기본적인 자료를 제공했지만 무대화된 드라마의 구조는 제공하지 않았습니다. 성경의 1막과 2막의 사건들은 변주술에서 단지 13행으로 덮여 있습니다.[13] 극 형식을 만드는 데 도움을 주기 위해, 스트리지오는 폴리치아노의 1480년 희곡, 과리니의 일 목사 피도, 그리고 페리의 에우리디체를 위한 오타비오 리누치니의 리브레토 등 다른 자료들을 그렸습니다.[14] 음악학자 게리 톰린슨(Gary Tomlinson)은 스트리지오와 리누치니의 텍스트 사이의 많은 유사점에 대해 언급하며, 로르페오의 연설 중 일부는 "내용과 심지어는 로르페오의 상대와 밀접하게 일치한다"고 언급했습니다.[15] 비평가 Barbara Russano Hanning은 Strigio의 libretto의 구조가 더 흥미롭긴 하지만 Strigio의 구절은 Rinuccini의 구절보다 덜 미묘하다고 썼습니다.[10] 메디치 결혼식에 동반되는 축제를 위해 작품을 쓴 리누치니는 그 행사에 적합한 "해피 엔딩"을 제공하기 위해 신화를 바꿀 의무가 있었습니다. 대조적으로, 스트리기오는 공식적인 궁정 축하 행사를 위해 글을 쓰지 않았기 때문에, 그는 오르페오가 정신 나간 마나드나 "바찬테스"에 의해 죽임을 당하고 토막내는 신화의 결론에 더 충실할 수 있었습니다.[14] 사실, 그는 바칸테스가 오르페오의 파멸을 위협하지만 그의 실제 운명은 의심스러운 채로 남겨지는 이 피비린내 나는 피비린내 나는 피날레의 다소 어두운 버전을 쓰기로 선택했습니다.[16]

1607년 만토바에서 초연과 동시에 출판된 리브레토는 스트리기오의 모호한 결말을 포함하고 있습니다. 그러나 1609년 베네치아에서 리차르도 아마디노가 발표한 몬테베르디의 악보는 전혀 다른 해상도를 보여주는데, 오르페우스는 아폴로의 개입으로 하늘로 운반되었습니다.[10] 링거에 따르면, 스트리지오의 원래 결말은 오페라 초연에서 거의 확실히 사용되었지만, 몬테베르디가 수정된 결말이 미학적으로 옳다고 믿었다는 것에는 의심의 여지가 없습니다.[16] 음악학자 Nino Pirota는 아폴로 엔딩이 작품에 대한 원래 계획의 일부였지만, 행사를 주최한 작은 방이 이 엔딩에 필요한 연극적 기계를 포함할 수 없었기 때문에 초연에서 무대에 올려지지 않았다고 주장합니다. 바칸테스 장면은 대체적인 것이었는데, 이 제약을 제거하자 몬테베르디의 의도는 다시 회복되었습니다.[17]

구성.

a decorated sheet headed "L'Orfeo: favola in musica da Claudio Monteverdi". The dedication is to "Serenissimo Dignor D. Francesco Gonzaga" and the date shown is MDIX (1609)
1609년 베니스에서 발간된 '오르페오' 악보 표지

Monteverdi가 L'Orfeo를 작곡했을 때, 그는 연극 음악에 대한 철저한 기초 교육을 받았습니다. 그는 곤자가 궁정에서 16년 동안 일했고, 대부분은 무대 음악의 연주자나 편곡자로 일했고, 1604년에 그는 1604-05 만토바 카니발을 위한 발로 글리아모리 디 다이앤 에드 엔디모네를 작곡했습니다.[18] 몬테베르디가 그의 첫 오페라 악보를 구성한 요소들은 지휘자 니콜라우스 하농쿠르가 지적한 것처럼 아리아, 축가, 레치타티보, 합창, 춤, 극적인 음악적 막간 등이었지만, "그는 새로운 가능성과 오래된 가능성의 전체를 정말로 새로운 통일체로 혼합했습니다."[19] 음악학자 로버트 도닝턴(Robert Donington)도 유사하게 다음과 같이 쓰고 있습니다: "[악보는] 선례에 기반하지 않은 요소를 포함하지 않지만, 최근에 발전한 형태로 완전한 성숙에 도달합니다. 여기에는 [오페라의 선구자들]이 표현하기를 원했던 것처럼 음악에서 직접적으로 표현된 단어들이 있습니다. 여기에는 천재의 완전한 영감으로 표현된 음악이 있습니다."[20]

몬테베르디는 그의 출판된 악보의 시작 부분에 관현악 요구사항을 명시하고 있지만, 그 날의 관례에 따라 그는 그것들의 정확한 사용법을 명시하지 않습니다.[19] 그 당시에는 작품의 자유를 해석하는 사람들 각자가 마음대로 할 수 있는 관현악적인 힘을 바탕으로 지역적인 결정을 내릴 수 있도록 허용하는 것이 일반적이었습니다. 이것들은 장소에 따라 크게 다를 수 있습니다. 게다가, Harnoncourt가 지적한 바와 같이, 악기 연주자들은 모두 작곡가였을 것이고 정해진 텍스트를 연주하는 것이 아니라 매 공연마다 창의적으로 협업하기를 기대했을 것입니다.[19] 당시의 또 다른 관행은 가수들이 그들의 아리아를 장식하도록 허용하는 것이었습니다. 몬테베르디는 오르페오의 〈Possente spirto〉와 같은 몇몇 아리아의 평이하고 장식된 버전을 썼지만,[21] 하넌코트에 따르면 "그가 어떤 장식도 쓰지 않은 곳에서 그는 어떤 노래도 원하지 않았습니다.[22]

오페라의 각 행위는 이야기의 하나의 요소를 다루고, 각각은 합창으로 끝납니다. 5막 구조임에도 불구하고, 두 세트의 장면 전환으로, 로르페오는 당시 궁중예능의 표준적인 관행에 부합하고, 행위 사이의 간격이나 커튼 하강 없이 연속적인 실체로 연주되었을 가능성이 높습니다. 관객들의 시야에서 장면 전환이 일어나는 것은 현대의 관습이었고, 이러한 변화는 악기, 키, 스타일의 변화에 의해 음악적으로 반영되었습니다.[23]

계측

A decorated page showing two lists, respectively headed "Personaggi" (a list of characters) and "Stromenti"
1609 악보: Monteverdi의 악기 목록이 오른쪽에 표시되어 있습니다.

음악 학자 제인 글로버(Jane Glover)는 분석을 위해 몬테베르디의 악기 목록을 현악기, 금관악기, 콘티뉴토의 세 가지 주요 그룹으로 나누었으며, 몇 가지 항목은 쉽게 분류할 수 없습니다.[24] 현 그룹은 바이올린 계열의 10명의 멤버들(Violle da brazzo), 2개의 더블 베이스(contrabasside viola), 2개의 키트 바이올린(violini piccoli alla francese)으로 구성됩니다. 비올라 다 브라조는 두 개의 5부 합주단으로 구성되어 있으며, 각각은 두 개의 바이올린, 두 개의 비올라 및 첼로로 구성되어 있습니다.[24] 브라스 그룹은 4개 또는 5개의 트롬본(삭버튼), 3개 또는 4개의 트럼펫, 2개의 코넷을 포함합니다. 콘티뉴오의 힘은 2개의 하프시코드(duoi gravicembani), 2개의 하프시코드(arpa doppia), 2개 또는 3개의 키타로니, 2개의 파이프 오르간(오르가니 디 레그노), 3개의 베이스 비올라 다 감바(da gamba), 그리고 정규 또는 작은 리드 오르간을 포함합니다. 이 분류 밖에는 2개의 녹음기(flautini allavigesima secunda)와 1개 이상의 유자(citter)가 있는데, 이는 몬테베르디에 의해 목록에 없지만 4막의 마지막과 관련된 지침에 포함되어 있습니다.[24]

도구적으로는 오페라 안에서 재현되는 두 세계가 독특하게 묘사됩니다. 트라키아 들판의 목회 세계는 현악기, 하프시코드, 하프, 오르간, 레코더, 키타로니로 대표됩니다. 절대적인 구분은 없지만 나머지 악기들, 주로 금관악기들은 저승과 연관되어 있습니다; 현악기들은 하데스 장면들에서 여러 차례 등장합니다.[22][25] 이 일반적인 순서 안에서, 하프와 오르간에 의한 오르페우스, 하프시코드와 키타론에 의한 양치기, 트롬본과 레갈에 의한 지하세계의 신들, 등의 몇몇 주인공들과 함께 하기 위해 특정한 악기들이나 조합들이 사용됩니다.[22] 이러한 모든 음악적 구별과 특징은 르네상스 오케스트라의 오랜 전통에 따른 것으로, 그 중 대규모 로르페오 앙상블이 대표적입니다.[26]

몬테베르디(Monteverdi)는 일반적으로 선수들에게 "작품을 가능한 한 간단하고 정확하게 플레이하라"고 지시합니다. 현악기와 플루트와 같은 장식 악기를 연주하는 사람들은 "많은 발명품과 다양성을 가지고 고귀하게 연주하라"고 권고받지만, "혼란과 혼란, 듣는 사람에게 불쾌감을 주는 것 외에는 아무 것도 들리지 않는다"는 경고를 받습니다.[27] 어느 때도 모든 악기가 함께 연주되기 때문에 필요한 연주자 수가 악기 수보다 적습니다. 하넌코트는 몬테베르디 시대에 연주자와 가수의 수가 함께 많았고, 공연이 열리는 작은 방들은 종종 청중이 연주자보다 겨우 더 많다는 것을 의미했습니다.[28]

L'Orfeo의 원래 연주에 사용된 세 개의 악기는 최근에 부활했습니다: 코네토(보통 자루 단추와 짝을 이루어), 더블 하프 [it](칼과 평면이 있는 다코스 하프), 그리고 레갈 (일부 길이의 리드 파이프가 있는 오르간). 기악색은 17c년 동안 특정한 극적인 상황에서 널리 사용되었습니다: 특히 정령은 하데스와 연관되어 있었습니다.[29]

역할

1609년 악보에 기록된 그의 페르소나기에서 몬테베르디는 라 메세거가(전령사)를 설명할 수 없이 생략하고, 오페라의 마지막에 모레스카(무리스 춤)를 공연하는 양치기들의 마지막 합창은 별개의 그룹(체페체로 라 모레스카넬 파인)임을 나타냅니다.[30] 첫 번째 공연에서 누가 다양한 역할을 불렀는지에 대한 정보는 거의 없습니다. 1612년 만토바에서 출판된 편지에는 저명한 테너이자 작곡가인 프란체스코 라시가 참여했다고 기록되어 있으며, 일반적으로 그가 타이틀 롤을 불렀다고 추측됩니다.[5] 라시는 테너와 베이스 음역 모두에서 "절묘한 스타일과 특별한 느낌으로" 노래할 수 있었습니다.[2] 피렌체 카스트라토 조반니 구알베르토 마그리의 초연에 관여한 것은 곤자가 왕자들 간의 서신을 통해 확인됩니다. 마그리는 프롤로그인 프로세르피나와 다른 역할인 라 메세거가나 스페란자를 불렀습니다.[31] 음악학자이자 역사학자인 한스 레들리히(Hans Redlich)는 실수로 마그리를 오르페오(Orfeo)의 역할에 할당했습니다.[32]

에우리디체를 연기한 사람이 누구인지에 대한 단서가 1608년 빈센조 공작에게 보낸 편지에 담겨 있습니다. 그것은 "가장 고요한 왕자의 오르페오에서 에우리디케의 역할을 수행한 그 작은 사제"를 말합니다. 이 사제는 아마도 파드레 지롤라모 바치니였는데, 그는 17세기 초에 만투안 궁정과 관련이 있었던 것으로 알려진 카스트라토였습니다.[5] 몬테베르디 학자 팀 카터는 두 명의 유명한 만투안 테너 판돌포 그란데와 프란체스코 캄파뇰라가 초연에서 단역을 불렀을 것이라고 추측합니다.[33]

4명의 양치기와 3명의 정령을 위한 솔로 파트가 있습니다. 카터는 본문이 허용하는 역할을 두 배로 늘려 공연을 하려면 총 10명의 가수(소프라노 3명, 알토 2명, 테너 3명, 베이스 2명)가 필요하며, 솔리스트(오르페오를 제외한)도 합창을 한다고 계산합니다. 카터가 제안한 역할 분담에는 에우리디체의 라무카,[33] 프로세르피나의 닌파, 스페란자의 라메사거가 포함됩니다.

역할. 음성유형[n 2] 출현 메모들
라 뮤지카 (음악) 메조 soprano 카스트라토 (엔트라베스티) 프롤로그
Orfeo (Orpheus) 테너나 하이 바리톤 Act 1, 2, 3, 4, 5
Euridice (Eurydice) 메조 soprano 카스트라토 (엔트라베스티) 1,4막
라 메세거가 (메신저) 메조 soprano 카스트라토 (엔트라베스티) 2장. "실비아"라는 이름의 도서관 이름.
라 스페란자 (희망) 메조 soprano 카스트라토 (엔트라베스티) 3막
카론테(카론) 베이스 3막
프로세르피나 (Proserpine) 메조 soprano 카스트라토 (엔트라베스티) 4막
플루톤 (플루토) 베이스 4막
아폴로 테너 5막
닌파(님프) 메조 soprano 카스트라토 (엔트라베스티) 1막
에코(에코) 테너 5막
닌페파스토리(선녀와 양치기) 메조 soprano 카스트라토(엔트라베스티), 알토 카스트라토(엔트라베스티), 테너, 베이스 1, 2, 5막 솔리스트: 알토 카스트라토(enavesti), 테너 2명
스피릿 인페르날리(영혼) 테너, 베이스 3막, 4막 솔리스트: 2명의 테너, 1명의 베이스

시놉시스

액션은 트라키아 필드(1막, 2막, 5막)와 지하 세계(3막, 4막)의 두 대조적인 위치에서 수행됩니다. 기악 토카타(영어: "tucket", 트럼펫에서 번성한다는 의미)[35]는 다섯 구절의 프롤로그를 노래하는 "음악의 정신"을 나타내는 라뮤카타의 입구에 앞서 있습니다. 청중을 정중하게 환영한 후, 그녀는 달콤한 소리를 통해 "모든 어려움을 겪고 있는 마음을 진정시킬 수 있다"고 발표합니다. 그녀는 "그의 노래로 야수들이 마법에 걸린 것을 본" 드라마의 주인공 오르페오를 소개하기 전에 음악의 힘에 맞춰 한 곡 더 노래합니다.[n 3]

1막

라무카의 마지막 침묵 요청 이후 1막에서 막이 올라 목회 장면을 드러냅니다. 오르페오와 에우리디케는 그리스 코러스의 방식으로 행동하는 님프와 양치기들의 코러스와 함께 입장하며, 단체로서도 그리고 개인으로서도 행동에 대해 논평합니다. 한 목동이 이 날이 이 커플의 결혼식이라고 알립니다. 합창단은 처음에는 정중한 초대("이리오, 하이멘, 오")로 대답한 다음 즐거운 춤("산을 떠나 분수를 떠나")으로 대답합니다. 오르페오와 유리디체는 대부분의 일행과 함께 사원에서 결혼식을 올리기 전 서로에 대한 사랑을 노래합니다. 무대 위에 남겨진 사람들은 짧은 합창을 부르며 오르페오가 사랑이 그를 숭고한 행복의 상태로 이끌기 전에 어떻게 "한숨은 음식이고 눈물은 술인" 사람이었는지에 대해 이야기합니다.

2장.

오르페오는 메인 코러스와 함께 돌아와 그들과 함께 자연의 아름다움을 노래합니다. 오르페오는 자신의 과거 불행에 대해 생각하지만, "슬픔 후에는 더 만족하고, 고통 후에는 더 행복하다"고 선언합니다. 라메사게라가 들어오자 갑자기 만족의 분위기가 끝나는데, 꽃을 채집하던 중 에우리디케가 뱀에게 치명적인 상처를 입었다는 소식이 전해집니다. 코러스는 "아, 쓰라린 해프닝, 아, 불순하고 잔인한 운명이여!"라고 고뇌를 표현하는 반면, 메세거가는 자신을 나쁜 일을 겪는 것으로 묘사합니다. "나는 영원히 도망칠 것이고, 외로운 동굴에서 나의 슬픔을 따라 살아간다." 오르페오는 슬픔과 불신("너는 죽고, 나는 살고, 나는 숨 쉬고 있니?")을 토로한 후, 저승으로 내려가 통치자를 설득하여 에우리디케가 다시 살아날 수 있도록 하려는 의도를 선언합니다. 그렇지 않으면, 그가 말하기를, "나는 죽음과 함께 할 것입니다." 그가 떠나고, 합창단은 탄식을 다시 시작합니다.

3막

오르페오는 스페란자에 의해 하데스의 문으로 안내됩니다. "희망을 버리고, 여기로 들어가는 모든 사람들"[n 4]이라고 대문에 새겨진 글귀를 지적한 후, 스페란자는 떠납니다. 오르페오는 이제 페리맨 카론테와 마주하게 되는데, 카론테는 오르페오에게 거칠게 말을 걸고 그를 스틱스 강을 건너는 것을 거부합니다. 오르페오는 카론테를 설득하기 위해 그에게 아첨하는 노래("전능한 정신과 강력한 신성")를 부르려고 시도하고, 페리맨은 그의 음악("Indeed you charming, 내 마음을 달래는 당신")에 감동했지만, 그는 그가 연민을 느낄 수 없다고 주장하며 그가 지나가도록 허락하지 않습니다. 그러나 오르페오가 그의 가사를 들고 연주할 때, 카론테는 편안하게 잠에 빠집니다. 기회를 잡은 오르페오는 페리맨의 배를 훔쳐 강을 건너 저승으로 들어갔고, 영혼들의 합창은 자연이 인간으로부터 자신을 방어할 수 없다는 것을 반영합니다: "그는 연약한 나무로 바다를 길들였고, 바람의 분노를 경멸했습니다."

4막

지하세계에서는 오르페오의 노래에 깊은 영향을 받은 하데스의 여왕 프로세르피나가 남편 플루톤 왕에게 에우리디케의 석방을 청원합니다. 그녀의 간청에 감동한 플루톤은 에우리디체를 세상으로 이끌면서 오르페오가 뒤를 돌아보지 말라는 조건에 동의합니다. 만약 그가 그렇게 한다면, "한 번 보면 그는 영원한 상실에 처하게 될 것입니다." 오르페오는 에우리디체를 이끌고 그날 아내의 하얀 가슴에 얹혀 쉴 것이라고 자신 있게 노래하며 입장합니다. 그러나 그가 의심의 목소리를 부르자, "누가 나에게 그녀가 따라오고 있다고 확신하겠는가?"라고 슬금슬금 다가옵니다. 아마도 그는 질투심에 이끌려 플루톤이 악의를 통해 그 조건을 강요했다고 생각할 것입니다. 갑자기 무대 밖 소동에 정신이 팔려버린 오르페오는 주위를 둘러봅니다. 곧 에우리디체의 모습이 희미해지기 시작합니다. 그녀는 절망적으로 노래한다: "너무 많은 사랑으로 당신을 잃었습니까?" 그리고 사라집니다. 오르페오는 그녀를 따라가려 하지만 보이지 않는 힘에 이끌려 사라집니다. 영혼들의 합창은 하데스를 이겨낸 오르페오가 차례로 자신의 열정에 의해 극복되었다고 노래합니다.

5막

트라키아의 들판으로 돌아온 오르페오는 자신의 죽음을 슬퍼하고, 에우리디케의 아름다움을 칭찬하고, 큐피드의 화살에 다시는 심장이 뚫리지 않을 것이라고 결심하는 긴 독백을 가지고 있습니다. 무대 밖의 메아리가 그의 마지막 구절을 반복합니다. 갑자기 구름 속에서 아폴로가 하늘에서 내려와 그를 꾸짖습니다. "왜 그대는 분노와 슬픔의 먹잇감이 되어 스스로를 포기하는가?" 그는 오르페오를 초대하여 세상을 떠나 하늘로 합류시키고, 그곳에서 에우리디케의 모습을 별에서 알아볼 것입니다. 오르페오는 이렇게 현명한 아버지의 조언을 따르지 않는 것은 가치가 없을 것이라고 대답하고, 그들은 함께 올라갑니다. 양치기들의 합창은 "고난 속에 파종하는 자는 모든 은혜의 열매를 거둘 것이다"라는 결론을 내리고, 오페라는 더욱 활기찬 장면으로 끝납니다.

원본 libret to end

스트리지오의 1607년 리브레토에서 오르페오의 5막 독백은 아폴로의 등장이 아니라 주인인 박카스 신의 "신성한 분노"를 노래하는 마나드나 바칸테스(야생하고 술에 취한 여성)들의 합창에 의해 중단됩니다. 그들의 분노의 원인은 오르페오와 그의 여자 포기입니다. 그는 그들의 천상의 분노에서 벗어나지 못할 것입니다. 그리고 그들을 피할수록 그의 운명은 더 심각해질 것입니다. 오르페오는 현장을 떠나고 그의 운명은 불확실합니다. 바칸테스는 박카스를 찬양하는 거친 노래와 춤에 나머지 오페라를 위해 헌신하기 때문입니다.[38] 초기 음악 권위자인 클로드 팔리스카는 두 결말이 양립할 수 없는 것은 아니라고 믿습니다; 오르페오는 바칸테스족의 분노를 피하고 아폴로에 의해 구출될지도 모릅니다.[39] 그러나 이 대안적인 결말은 어떤 경우에도 원래의 고전 신화에 더 가까우며, 여기서 바칸테스도 등장하지만, 그들이 그를 고문하여 죽음에 이르게 했다는 것이 명백해지고, 에우리디케와의 그늘로 재회하지만 아포테시스나 아폴로와의 어떤 상호작용도 없습니다.[40]

접수 및 실적이력

초연 및 초기 공연

A long, grey stone building with a line of arches at ground level, above which is a row of small windows interspersed with balconies. Above this row is a line of larger windows below a crenellated roof line.
1607년 로르페오가 초연된 만토바의 두칼 궁전

1607년 2월 24일 로르페오의 첫 공연 날짜는 2월 23일자 두 글자로 증명됩니다. 첫째, 프란체스코 곤자가는 그의 형에게 "음악극"이 내일 공연될 것이라고 알립니다; 이것이 로르페오를 가리킨다는 것은 이전의 서신을 통해 분명합니다. 두 번째 편지는 곤자가 궁정의 관리인 카를로 마그노가 보낸 것으로, "내일 저녁 가장 고요한 왕자님은 가장 고요한 여인이 사용하던 아파트의 방에서 연극을 후원할 것입니다. 모든 배우들이 자신들의 역할을 노래하기 때문에 그것은 가장 이례적일 것입니다."[12] '고요한 여인'은 빈센조 공작의 미망인 여동생 마르게리타 곤자가 다스테(Margerita Gonzaga d'Este)로 두칼 왕궁 안에 살았습니다. 초연의 방은 확실하게 확인할 수 없습니다. 링거에 따르면, 그것은 적은 관객을 위한 공간을 가진 무대와 오케스트라를 수용할 수 있는 치수를 가진 갤러리아 데이 피우미였을 수 있습니다.[41]

3월 1일 프란체스코는 이 작품이 "듣는 모든 사람들이 매우 만족했고, 특히 공작을 기쁘게 했다"고 썼지만 초연에 대한 자세한 설명은 없습니다.[12] 만투안 궁정의 신학자이자 시인인 체루비노 페라리는 다음과 같이 썼습니다: "시인과 음악가 모두 마음의 성향을 너무 능숙하게 묘사해서 이는 더 이상 좋을 수 없었습니다. 그 음악은 예의를 지키며 시를 잘 섬기므로 그 이상 아름다운 것은 어디에서도 들리지 않습니다."[12] 3월 1일에 빈센조 공작이 두 번째 공연을 명령한 후, 세 번째 공연은 사보이 공작의 만토바 국빈 방문과 동시에 계획되었습니다. 프란체스코는 3월 8일 토스카나 공작에게 편지를 보내 카스트라토 마그리의 봉사를 조금 더 오래 유지할 수 있는지 물었습니다.[12] 그러나, 축하 공연과 마찬가지로 방문은 취소되었습니다.[42]

초연 이후 몇 년 동안 로르페오가 피렌체, 크레모나, 밀라노, 토리노에서 무대에 올려졌을 수 있다는 제안이 있지만,[35] 더 확실한 증거는 이 작품이 만투안 궁정을 넘어 제한적인 관심을 끌었다는 것을 암시합니다.[42] 프란체스코는 1609-10년 카니발을 위해 그가 총독으로 있던 카살레 몬페라토에서 작품을 제작했을 수 있으며, 그 작품이 1614년과 1619년 사이에 잘츠부르크에서 프란체스코 라시의 지시로 여러 차례 공연되었다는 징후가 있습니다.[43] 몇 년 후, 1637–43년 베네치아 오페라의 첫 번째 번영 동안, 몬테베르디는 그의 두 번째 오페라인 라리아나를 그곳에서 부활시키기로 선택했지만, 로르페오는 부활시키지 않았습니다.[42] 1643년 제네바에서 몬테베르디가 사망한 직후 공연에 대한 몇 가지 증거가 있습니다.[35] 카터에 따르면 이 작품은 1650년대에도 여전히 이탈리아 전역에서 찬사를 받았지만,[35][43] 19세기 후반에 그의 작품에 대한 관심이 되살아나기 전까지 대체로 몬테베르디였던 것처럼 이후 잊혀졌습니다.[35][44]

20세기의 부흥.

Head and upper body portrait of a middle-aged man with dark hair and heavy moustache, holding a cigarette in his right hand
1904년 20세기 최초의 로르페오 부흥을 감독한 빈센트 인디

몇 년 동안 방치된 후, 몬테베르디의 음악은 18세기 말과 19세기 초에 선구적인 음악 역사가들의 관심을 끌기 시작했고, 19세기 2/4분기 이후부터 그는 점점 더 학술적인 작품들에서 논의됩니다.[43] 1881년 로버트 아이트너에 의해 베를린에서 연주보다는 연구를 목적으로 한 로르페오 악보의 잘린 버전이 출판되었습니다.[45] 1904년 작곡가 빈센트 인디는 2막, 3막, 4막으로만 구성된 프랑스어판을 제작했습니다. 이 판본은 이 작품이 2세기 반 만에 처음으로 대중에게 선보이는 공연인 d't의 콘서트 공연의 기초가 되었습니다.1904년 2월 25일 인디즈 스콜라 칸토룸.[46][47][n 5] 참석한 저명한 작가 로맹 롤랑(Romain Rolland)은 인디(D'Indy)에게 오페라에 활기를 불어넣고 "한때 가졌던 아름다움으로, 그것을 손상시킨 어설픈 복원으로부터 해방시켜 주었다"고 찬사를 보냈으며, 아마도 아이트너의 판본을 참고했을 것입니다.[49][50] 인디 판은 또한 1911년 5월 2일 파리 레장(Thé worktre Réjane)에서 열린 이 작품의 첫 현대 무대 공연의 기초가 되었습니다.

이탈리아의 작은 작곡가 지아코모 오레피체 (밀란, 1909)의 악보 판은 제1차 세계 대전 전후에 이탈리아와 다른 곳에서 여러 차례 콘서트 공연을 받았습니다. 이 판본은 1912년 4월 뉴욕 메트에서 열린 또 다른 콘서트 공연인 이 오페라의 미국 데뷔의 기초가 되었습니다. 오페라는 런던에 소개되었습니다.1924년 3월 8일 프랑수아 인스티튜트에서 피아노 반주로 불렸던 인디의 판.[51] 영국 최초의 무대 공연은 작은 컷들만 있는 채 1925년 12월 7일 옥스퍼드 대학 오페라 협회가 잭 웨스트럽이 행사를 위해 준비한 판본을 사용해 선사했습니다. 런던 새터데이 리뷰에서 음악 평론가 Dynely Hussey는 이 행사를 "최근 가장 중요한 사건 중 하나"라고 불렀고, 이 작품은 "극적인 음악을 쓴 위대한 천재들 중 한 명이라는 몬테베르디의 주장을 단번에 보여주었습니다."[52] 웨스트럽의 판본은 1929년 12월 스칼라 극장에서 런던에서 부활했는데, 같은 해에 이 오페라는 매사추세츠주 노샘프턴의 스미스 칼리지에서 처음으로 미국 무대 공연을 받았습니다.[44] 세 차례의 스칼라 공연은 재정적 재앙을 불러왔고, 이 오페라는 35년 동안 영국에서 다시 볼 수 없었습니다.[53]

1945년 이후의 수많은 부흥 중에는 1943년에 준비된 작품을 완전히 재구성한 Paul Hindemith의 판본이 있었는데, 이 판본은 1954년 비엔나 페스티벌에서 무대에 올려지고 녹음되었습니다. 이 공연은 젊은 니콜라우스 하농쿠르에게 큰 영향을 미쳤고, 학문과 청렴의 걸작으로 칭송되었습니다.[54] 1960년 9월 29일 레오폴드 스토코프스키가 지휘하는 뉴욕시립오페라단의 첫 무대에 오른 뉴욕 공연은 오르페오 역을 맡았던 여러 바리톤 중 한 명인 제라드 수자이의 미국 오페라 데뷔 무대를 보게 되었습니다. 이 극장은 뉴욕 타임즈의 비평가 해럴드 C에 의해 비판을 받았습니다. 쇤베르크는 루이지 달라피콜라의 현대 오페라 일 프리지오니에로의 공연을 수용하기 위해 로르페오의 약 3분의 1을 잘라냈기 때문입니다. 쇤베르크는 "오페라에서 가장 큰 아리아인 '포센테 스피리토'도 중간에 훌륭한 크기의 슬래시가 있습니다. [로르페오]는 충분히 길고, 아름다울 것은 말할 것도 없고, 충분히 중요하며, 저녁의 오페라 전체가 되었을 것입니다."[55]

20세기 후반까지 그 오페라는 전세계적으로 상영되고 있었습니다. 1965년, 영국 국립 오페라 (ENO)의 전신인 새들러 웰스가 21세기까지 계속될 많은 ENO 공연들 중 첫 번째 공연을 열었습니다.[44] 2007년 이 오페라의 400주년을 기념하는 다양한 기념행사 중에는 만토바의 테아트로 비비에나에서 열린 준무대 [56]공연과 지난 7일 런던 화이트홀 연회장에서 열린 잉글리시 바흐 페스티벌(EBF)의 본격적인 공연,[57] 뉴욕 쿠퍼스타운의 글머글래스 오페라의 파격적인 공연 등이 포함됐습니다. Antony Walker가 지휘하고 Christopher Alden이 감독했습니다.[58] 2010년 5월 6일, BBC는 밀라노의 라 스칼라에서 오페라 공연을 방송했습니다.[59] 일부 주요 오페라 하우스들이 '오르페오'를 공연하는 것을 꺼렸음에도 불구하고,[n 6] 그것은 바로크의 주요 앙상블들과 함께 하는 인기 있는 작품입니다. 2008-10년 동안, 프랑스에 기반을 둔 Les Arts Florissants는 감독 William Christie의 지휘 아래 마드리드의 The Teatro Real에서 일련의 공연에서 Monteverdi 3부작 오페라 (L'Orfeo, Ilritoron d'Ulisse, L'Incoronazione di Poppea)를 선보였습니다.[62]

음악

자세한 정보: 클라우디오 몬테베르디의 오르페오 음악 목록
Four staves of music manuscript, headed "Prologo. La musica", with a decorative "D" key signature
로르페오 1609 악보의 한 페이지

L'Orfeo는 Redlich의 분석에 따르면, 두 음악적 시대의 산물입니다. 그것은 16세기 전통적인 마드리갈 양식의 요소들과 신흥 플로렌타인 모드의 요소들, 특히 카메라타와 그들의 후계자들에 의해 개발된 레치타티보적이고 단조로운 노래의 사용을 결합합니다.[63] 이 새로운 스타일에서 텍스트가 음악을 지배합니다. 죄포니아와 기악 리토르넬리가 행동을 묘사하는 반면, 청중의 관심은 항상 주로 단어에 집중됩니다. 가수들은 유쾌한 보컬 사운드를 내는 것 이상의 일을 해야 합니다; 그들은 그들의 캐릭터를 깊이 있게 표현하고 적절한 감정을 전달해야 합니다.[64]

몬테베르디의 레치타티보 스타일은 에우리디체의 페리의 영향을 받았지만, 로르페오 레치타티보는 이 시기의 극적인 음악에서 일반적인 것보다 덜 우세합니다. 1막 음악의 4분의 1 이하, 2막과 3막의 약 3분의 1, 마지막 2막의 절반 이하를 차지합니다.[65]

로르페오의 중요성은 그것이 그런 종류의 첫 번째 작품이라는 것이 아니라, 그 때 진화된 음악 예술의 모든 자원을 오페라의 초기 장르에 적용하려는 첫 번째 시도였다는 것입니다.[66] 특히 Monteverdi는 Palestrina가 주요 지수였던 폴리포니의 사용에서 대담한 혁신을 이루어냈습니다. L'Orfeo에서 Monteverdi는 Palestrina에 충실한 다성음악 작곡가들이 이전에 신성불가침으로 간주했던 관습을 넘어 규칙을 확장합니다.[67] 일반적으로 이해되는 의미에서 몬테베르디는 오케스트라가 아니었습니다;[68] 링거는 몬테베르디 오페라의 각 공연을 "독특한 경험"으로 만드는 것이 악기 즉흥의 요소이며, 그의 작품을 후대의 오페라 캐논과 분리합니다.[64]

"Toccata" from L'Orfeo
라이브녹음
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오페라는 두 번 반복되는 나팔을 위한 무술 소리 토카타로 시작합니다. 시대의 관악기로 연주될 때, 그 소리는 현대의 청중들에게 놀랄 수 있습니다; Redlich는 그것을 "흔들리게"라고 부릅니다.[69] 이러한 번영은 만투안 궁정에서의 공연 시작을 위한 표준 신호였으며, 곤자가 궁정을 위해 작곡된 몬테베르디의 1610 베스퍼스의 오프닝 코러스도 같은 팡파르를 사용합니다.[64] 토카타는 공작에게 경례하는 역할을 했습니다. 도닝턴에 따르면, 만약 그것이 쓰여지지 않았다면, 전례에 따르면, 그것은 즉흥적으로 만들어져야 했을 것입니다.[20] 토카타의 놋쇠 소리가 희미해지면서 라무카의 프롤로그를 도입하는 현 리토르넬로의 부드러운 음색으로 대체됩니다. 리토르넬로는 프롤로그의 각 5절 사이에 단축형으로 반복되며, 마지막 절 이후에 완전하게 반복됩니다. 오페라 전체에서 그것의 기능은 "음악의 힘"을 나타내는 것입니다.[35] 2막의 마지막 부분에서 들리고, 5막의 시작 부분에서 다시 들립니다. 이것은 오페라적 라이트 모티브의 초기 예 중 하나입니다.[70] 그것은 시간적으로 회문으로 구조화되어 있고, 그것의 영양적인 변형의 형태는 Monteverdi가 표현적이고 구조적인 목적을 위해 음악적 시간을 세컨더리 아파티카의 맥락에서 신중하게 형성할 수 있게 해줍니다.[71]

프롤로그 이후 1막은 목가적인 목가적인 형태로 이어집니다. 중앙의 사랑 노래인 "Rosa del ciel" ("하늘의 장미")를 중심으로 두 개의 합창, 하나의 엄숙한 합창, 하나의 쾌활한 합창이 순서대로 반복되고, 다음으로 양치기들의 찬양 노래가 이어집니다. Harnoncourt에 따르면, 노래와 댄스 음악이 Monteverdi의 프랑스 음악 경험에 의해 영향을 받으면서, 그 활기찬 분위기는 2막으로 계속됩니다.[72] 에우리디케의 죽음에 대한 애절한 소식과 함께 갑작스럽게 라메사게가가 입장하는 것과 그에 따른 혼란과 슬픔은 가혹한 불협화음과 건반의 병치로 음악적으로 반영됩니다.[35][72] 음악은 라무카의 리토르넬로 공연이 끝날 때까지 이러한 맥락에서 유지되는데, 이는 "음악의 힘"이 아직 죽음에 대한 승리를 가져올지도 모른다는 암시입니다.[73] 몬테베르디의 지시는 바이올린, 오르간, 하프시코드가 침묵하게 되고 장면이 저승으로 바뀌면서 음악이 트롬본, 코넷, 레갈에 의해 차지된다는 것입니다.[72]

3막의 중심 작품은 아마도 전체 오페라의 중심 작품으로, 오르페오의 확장된 아리아 "Possent spirto formidabil num"(전능한 정신과 강력한 신성)이며, 이를 통해 카론테를 설득하여 하데스에 들어갈 수 있도록 합니다. 몬테베르디의 보컬 장식과 비르투오소 반주는 카터가 초기 오페라에서 "가장 매력적인 시각적, 청각적 표현 중 하나"라고 묘사한 것을 제공합니다.[74] 악기 색상은 키타론, 파이프 오르간, 바이올린 2개, 코넷 2개, 이중 하프로 제공됩니다. 음악 역사가이자 분석가인 John Whenham에 따르면, 이 배열은 Orfeo가 자신의 간청을 지지하기 위해 사용 가능한 음악의 모든 힘을 활용하고 있다는 것을 암시하기 위한 것입니다.[75] 4막에서 지하세계의 비인격적인 냉랭함은 오르페오를 대신하여 노래하는 프로세르피나의 따뜻함에 의해 깨집니다. 이 따뜻함은 오르페오가 "뒤를 돌아보는" 극적인 순간까지 유지됩니다. 그리고 나서 3막의 시작에서 나오는 신포니아의 차가운 소리는 결국 지하세계가 인간의 느낌이 전혀 없다는 것을 상기시킵니다.[72] 오르페오의 구출과 변용을 보는 짧은 마지막막은 라뮤지카의 리토르넬로의 마지막 등장과 오페라를 끝내는 활기찬 모레스카에 의해 틀이 잡힙니다. 링거에 따르면, 이 춤은 셰익스피어의 비극의 마지막에 춤을 추었던 지그들을 상기시키며, "토카타가 두 시간 전에 그들을 다른 영역으로 이끌었던 것처럼" 관객들을 그들의 일상 세계로 돌아오게 하는 수단을 제공합니다. 토카타와 더 많은 것들이 궁정적인 현실과 조작적인 환상을 결합합니다."[76]

기록이력

전체 디스코그래피는 L'Orfeo 디스코그래피를 참조하십시오.

L'Orfeo의 첫 번째 녹음은 1939년에 발행되었는데, 이것은 Ferrucio Calusio가 지휘하는 La Scala Milan 오케스트라에 의해 제공된 [77]Giacomo Benvenuti의 자유롭게 각색된 몬테베르디의 음악입니다.[78][79] 1949년 헬무트 코흐가 지휘하는 베를린 라디오 오케스트라의 오페라 전곡 녹음을 위해, 새로운 매체인 LP(Long-Playing Records)가 사용되었습니다. LP 음반의 등장은 해롤드 C와 마찬가지였습니다. 쇤베르크는 이후 르네상스와 바로크 음악에 대한 관심의 전후 부흥에 중요한 요소인 글을 썼고,[80] 1950년대 중반부터 많은 레이블에서 '오르페오'의 녹음이 발행되었습니다. 니콜라우스 하농쿠르와 빈 컨센트우스 뮤직우스가 1969년에 시대 악기를 바탕으로 한 하농쿠르 판본을 사용한 녹음은 "몬테베르디의 음악을 그가 상상한 것과 비슷한 소리로 만든다"는 찬사를 받았습니다.[81] 1981년 지그프리드 하인리히는 헤센 실내악단의 초기 음악 스튜디오와 함께 원래의 스트리지오 리브레토 엔딩을 재창조한 버전을 녹음했으며, 1616년 몬테베르디의 발레 티르시 클로리의 음악을 바칸테 장면에 추가했습니다.[82][83] 보다 최근의 녹음들 중 2004년의 엠마뉴엘 하 ï름의 녹음은 극적인 효과로 찬사를 받고 있습니다.

판본

1609년에 '오르페오 악보'가 출판된 후, 같은 출판사(베니스의 리차르도 아마디노)가 1615년에 그것을 다시 내놓았습니다. 이 판본의 팩시밀리는 1927년과 1972년에 각각 인쇄되었습니다.[44] 1884년, 아이트너의 최초의 "현대판" 로르페오 이후로, 그리고 d'인디의 공연판은 20년 후 1609 악보를 요약하고 각색한 것으로, 모두 출판된 것이 아니라 작품을 편집하고 발표하려는 많은 시도가 있었습니다. 인디 이후 제2차 세계 대전까지 이어진 대부분의 판본들은 현대 오페라의 관용구에서 공연의 기초를 제공하는 대개는 많이 잘린 편곡들이었습니다. 이것들 중 많은 것들은 칼 오르프 (1923년과 1939년)와 1935년 오토리노 레스피기를 포함한 작곡가들의 작품이었습니다.[35] 독일어 텍스트를 사용한 오르프의 1923년 악보에는 그가 후기 버전을 제작할 때 포기한 실험인 일부 기간 계측이 포함되어 있습니다.[85]

전후 시대에는 몬테베르디 시대의 공연 관습을 반영하기 위해 판본이 점점 더 움직였습니다. 이러한 경향은 1925년 옥스퍼드 공연에서 사용된 잭 웨스트럽의 초기 [86]판본과 1930년 지안 프란체스코 말리피에로의 완전 판본으로 시작되었으며, 이 판본은 몬테베르디의 1609년 원본과 밀접합니다.[86] 전쟁이 끝난 후 힌데미트가 이 작품을[54] 재건하려고 시도한 시기는 1955년 8월 웬징거의 판본으로 수년간 사용되었습니다.[87] 그 후 30년 동안 작곡가보다는 학자-연주자들이 주로 준비한 수많은 판본들이 있었는데, 일반적으로 원래 악기의 완전한 재창조는 아닐지라도 진정성을 지향했습니다. 여기에는 레이먼드 레파드(1965), 데니스 스티븐스(1967), 니콜라우스 하넌코트(1969), 제인 글로버(1975), 로저 노링턴(1976), 존 엘리엇 가디너의 버전이 포함되었습니다.[35][88] 작곡가 발렌티노 부치 (1967), 브루노 마데르나 (1967), 루치아노 베리오 (1984)만이 대규모 현대 오케스트라의 관례에 따라 판본을 제작했습니다.[86] 21세기에도 종종 특정 공연이나 녹음과 함께 사용하기 위한 판본이 계속해서 제작되고 있습니다.[35][44]

참고사항 및 참고사항

메모들

  1. ^ Giovanni de' Bardi가 이끄는 플로렌타인 카메라타는 고대 그리스 스타일의 연극의 부흥에 전념하는 학자와 음악가 그룹으로, 주로 1570년대와 1580년대에 활동했습니다. 비슷한 목적을 가진 후대의 그룹들은 느슨하게 "Camerata"라고도 불립니다.[4]
  2. ^ Monteverdi의 1609 악보에는 음성 부분이 명시되어 있지 않지만 clef로 필요한 범위를 나타냅니다.[34] 초기 제작에서 주요 "하이 보이스" 부분은 카스트라토가 불렀습니다. 현대 프로덕션은 일반적으로 소프라노, 알토, 테너 및 베이스 가수에게 파트를 할당했습니다. Carter 2002, pp. 91–97, Glover 1986, pp. 146–148 참조.
  3. ^ 시놉시스에 인용된 영어 번역본은 Nikolaus Harnoncourt의 1969년 녹음과 함께 나온 버전입니다.[36]
  4. ^ 존 웬햄(John Whenham)에 따르면, 단테 알리에리(Dante Alighieri)가 인페르노(Inferno)에서 인용한 말장난(Speranza는 "희망"을 의미함)은 스트리기오(Strigio)의 "학습된 위트주의"로 간주될 수 있습니다.[37]
  5. ^ 1832년 파리 음악원에서 발췌한 음악회 공연도 있었을 것입니다.[48]
  6. ^ 예를 들어, 2010년 현재 이 오페라는 뉴욕 메트, 로열 오페라 하우스, 글린데본에서 무대에 올려지지 않은 채로 남아 있습니다.[60][61]

참고문헌

  1. ^ Carter, Tim (2007). "Monteverdi, Claudio: Cremona". In Macy, Laura (ed.). Oxford Music Online. Archived from the original on 1 June 2013. Retrieved 4 September 2010.(구독 필수)
  2. ^ a b c 펜론 1986a
  3. ^ Carter, Tim (2007). "Monteverdi, Claudio: Mantua". In Macy, Laura (ed.). Oxford Music Online. Archived from the original on 1 June 2013. Retrieved 4 September 2010.(구독 필수)
  4. ^ Ringer 2006, 12-13쪽.
  5. ^ a b c 펜론 1986a, pp. 1~4
  6. ^ a b 스턴펠트 1986, 26쪽
  7. ^ Ringer 2006, 30-31쪽.
  8. ^ 링거, 16쪽
  9. ^ Carter 2002, 38쪽
  10. ^ a b c Hanning, Barbara (2007). "Striggio, Alessandro (Alessandrino)". In Macy, Laura (ed.). Oxford Music Online. Archived from the original on 1 June 2013. Retrieved 5 September 2010.(구독 필수)
  11. ^ Carter 2002, p. 48.
  12. ^ a b c d e 펜론 1986b, 167-172쪽
  13. ^ 스턴펠트 1986, 20-25쪽.
  14. ^ a b 스턴펠트 1986, 27-30쪽
  15. ^ Tomlinson, Gary (1981). "Madrigal, Monody, and Monteverdi's "via actuale alla imitatione"". Journal of the American Musicological Society. 34 (1): 60–108. doi:10.2307/831035. JSTOR 831035.
  16. ^ a b Ringer 2006, pp. 39–40
  17. ^ Pirrota 1984, pp. 258–259.
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