드라마

Drama
셰익스피어의 희곡 리처드 3세의 한 장면 묘사

드라마연극, 오페라, 마임, 발레공연에서 표현되는 허구특정한 방식입니다. 극장에서 공연되거나 라디오텔레비전에서 공연됩니다.[1]일반적으로 의 한 장르로 간주되는, 극적인 방식은 극적인 이론의 최초의 작품인 아리스토텔레스의 시학 (c. 335 BC) 이후 서사시적방식과 서정적인 방식과 대조되어 왔습니다.[2]

"드라마"라는 용어는 그리스어로 "나는 한다" (고전 그리스어: δρᾶμα, 드라오) 라는 뜻의 "희생" (고전 그리스어: δράω, 드라오) 에서 유래했습니다.드라마와 관련된 두 가면희극비극전통적인 총칭적 구분을 나타냅니다.

영어에서 (다른 많은 유럽 언어에서 유사한 경우가 그러했듯이) 연극 또는 게임(앵글로색슨의 ġ어 또는 라틴 루두어를 번역)은 윌리엄 셰익스피어 시대까지 드라마의 표준 용어였습니다. 마치 그 창작자가 극작가가 아닌 연극 제작자이고 건물이 극장이 아닌 연극장이었던 것처럼 말입니다.

좀 더 좁은 의미에서 '드라마'를 사용하여 특정 유형놀이를 지정하는 것은 현대로부터 유래합니다.이런 의미에서 '드라마'는 희극도 비극도 아닌 연극, 예를 들어 졸라의 테레스 라킨(1873)이나 체호프의 이바노프(1887) 같은 연극을 말합니다.영화텔레비전 산업이 영화 연구와 함께 "드라마"를 그들의 각각의 매체 안에서 하나의 장르로 묘사하는 것을 채택한 것은 이 좁은 의미입니다.라디오 드라마라는 용어는 원래 라이브 공연에서 전달되는 두 가지 의미로 사용되어 왔습니다.그것은 또한 라디오의 극적인 출력의 더 높은 수준과 심각한 끝을 지칭하는 데 사용될 수도 있습니다.[4]

배우들이 관객 앞 무대에서 연기하는 연극의 제정은 협력적인 제작 방식과 집합적인 리셉션 형태를 전제로 합니다.극적인 텍스트의 구조는 다른 형태의 문학과 달리 이러한 공동제작과 집단수용에 직접적인 영향을 받습니다.[5]

마임은 오직 몸의 움직임을 통해서만 이야기의 행동을 전달하는 드라마의 한 형태입니다.드라마는 음악과 결합될 수 있습니다: 오페라의 극적인 텍스트는 일반적으로 전체에 걸쳐 불려집니다; 몇몇 발레 무용이 "감정, 성격, 그리고 서사적인 행동을 표현하거나 모방합니다".[6]뮤지컬대화노래를 모두 포함합니다. 그리고 어떤 형태의 드라마는 대화를 강조하는 부수적인 음악 또는 음악 반주를 포함합니다. (예를 들어 멜로드라마일본어 노)[7]클로젯 드라마는 공연이 아닌 낭독을 목적으로 하는 형식입니다.[8]즉흥극에서, 드라마는 공연의 순간을 미리 존재하는 것이 아닙니다; 공연자들은 관객들 앞에서 즉흥적으로 극적인 대본을 고안합니다.[9]

서양 연극사

그리스 고전극

신코미디 가면을 앉은 시인(메난데르) 부조, 기원전 1세기 – 서기 1세기 초, 프린스턴 대학교 미술관

서양의 드라마는 고전 그리스에서 유래합니다.[10]도시 국가 아테네연극 문화비극, 희극, 사티르 연극의 세 가지 장르의 드라마를 만들었습니다.그들의 기원은 잘 알려져 있지 않지만, 기원전 5세기에 이르러, 디오니소스 신을 기념하는 축제의 일환으로 열린 대회에서 제도화되었습니다.[11]역사학자들은 테스피를 비롯한 많은 고대 그리스 극작가들의 이름을 알고 있는데, 테스피는 (노래보다는) 말을 하고 (자신의 인격으로 말하기 보다는) 등장인물을 흉내 내는 배우 ("hypokrites")의 혁신을 이룬 것으로 인정받으며, 공연의 전통적인 부분이었던 코러스와 그 리더 ("coryphaeus")와 상호작용을 합니다.dramatic가 아닌 시(디시람보, 서정시, 서사시)의 오르망스.

그러나 5명의 극작가들의 작품 중 극히 일부만이 오늘날까지 남아 있습니다: 비극가 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스, 그리고 만화가 아리스토파네스, 그리고 4세기 후반부터 메난데르가 쓴 소수의 완전한 텍스트들이 있습니다.[13]아이스킬로스의 역사적 비극 페르시아 사람들은 현존하는 가장 오래된 드라마이지만, 기원전 472년 시티 디오니시아 대회에서 1등을 차지했을 때, 그는 25년 이상 연극을 써왔습니다.[14]비극의 경쟁은 일찍이 기원전 534년에 시작되었을지도 모른다; 공식 기록([15]디다스칼리아이)은 사티로스 연극이 도입된 기원전 501년부터 시작되었습니다.비극적인 극작가들은 (개별 작품들이 반드시 이야기나 주제로 연결되어 있지는 않았지만) 연극의 4부작을 제시해야 했는데, 이는 보통 세 가지 비극과 한 가지 사티르 연극(기원전 438년 에우리피데스의 알케스티스처럼 예외가 있었지만)으로 구성되었습니다.코미디는 기원전 487년부터 486년까지 대회에서 상을 받으며 공식적으로 인정받았습니다.

다섯 명의 희극 극작가들이 도시 디오니시아에서 경쟁을 벌였는데(펠로폰네소스 전쟁 때는 세 명으로 줄었을 수도 있지만), 각각 하나의 희극을 제공했습니다.[16]고대 그리스 코미디는 전통적으로 "오래된 코미디" (기원전 5세기), "중간 코미디" (기원전 4세기) 그리고 "새로운 코미디" (기원전 4세기 후반에서 2세기)로 나뉩니다.[17]

로마 고전극

로마 비극의 배우를 그린 상아 조각상, 1세기 CE.

기원전 270년에서 240년 사이에 로마 공화국 (기원전 509년–27년)이 그리스의 여러 영토로 확장된 후, 로마는 그리스 드라마를 접하게 되었습니다.[18]공화정 말기부터 그리고 로마 제국 (기원전 27년–기원후 476년)을 통해 극장은 유럽의 서쪽, 지중해 주변으로 퍼져나갔고 영국에 이르렀습니다; 로마 극장은 그 이전의 어떤 문화보다 더 다양하고, 광범위하고, 정교했습니다.[19]

그리스 드라마가 로마 시대 내내 계속 공연되었던 반면, 기원전 240년은 정규 로마 드라마의 시작을 의미합니다.[20]그러나 제국 초기부터, 더 다양한 연극적 오락을 선호하면서 장편 극에 대한 관심은 감소했습니다.[21]로마 문학의 첫번째 중요한 작품은 기원전 240년부터 리비우스 안드로니쿠스가 쓴 비극희극이었습니다.[22]5년 후, 그나이우스 내비우스 또한 드라마를 쓰기 시작했습니다.[22]어느 작가의 희곡도 남아있지 않습니다.두 극작가 모두 두 장르 모두에서 작곡을 했지만, 안드로니쿠스는 그의 비극으로, 내비우스는 그의 희극으로 가장 높이 평가받았습니다; 그들의 후계자들은 한 가지 혹은 다른 분야를 전문으로 하는 경향이 있었고, 이것은 각 유형의 드라마의 후속 발전을 분리하게 했습니다.[22]

기원전 2세기 초, 로마에 드라마가 확고하게 자리잡았고 작가 조합(collegium poetarum)이 결성되었습니다.[23]지금까지 남아있는 로마의 희극들은 모두 파불라 팔리아타(그리스의 소재를 바탕으로 한 희극)이며 두 극작가로부터 왔습니다.티투스 마키우스 플라우투스(Plautus)와 푸블리우스 테렌티우스 아페르(Terence).[24]그리스 원작을 다시 작업하면서 로마의 희극 극작가들은 드라마를 에피소드로 나누는 코러스의 역할을 폐지하고 대사에 음악적 반주를 도입했습니다(플루토스 희극에서는 대사의 3분의 1과 테렌스 희극에서는 대사의 3분의 2 사이).[25]모든 장면의 동작은 거리의 외부 위치를 배경으로 하며 종종 도청에서 그 복잡함이 뒤따릅니다.[25]

두 사람 중 더 인기 있는 사람인 플라우투스는 기원전 205년에서 184년 사이에 썼으며, 그의 희극 중 20편이 남아있는데, 그 중 그의 희극은 가장 잘 알려져 있습니다; 그는 그의 대화의 재치와 다양한 시적 미터의 사용으로 존경을 받았습니다.[26]테렌스가 기원전 166년에서 160년 사이에 쓴 여섯 편의 희극은 모두 살아남았습니다; 그가 종종 여러 그리스 원본을 결합했던 그의 줄거리의 복잡성은 때때로 비난을 받았지만, 그의 이중 줄거리는 대조적인 인간 행동의 정교한 표현을 가능하게 했습니다.[26]초기 로마 비극은 그 시대에 높이 평가되었지만, 역사학자들은 세 명의 초기 비극퀸투스 엔니우스, 마르쿠스 파쿠비우스, 루시우스 아크시우스를 알고 있습니다.[25]

제국 시대부터 두 비극가의 작품이 남아있는데, 한 명은 알려지지 않은 작가이고, 다른 한 명은 스토아학 철학자 세네카입니다.[27]세네카의 비극 중 9개가 남아있는데, 모두 파불라 크레피다타(그리스어 원어를 각색한 비극)입니다. 예를 들어, 그의 파에드라에우리피데스히폴리투스를 바탕으로 한 것입니다.[28]역사학자들은 현존하는 유일한 파불라 프라에텍타(로마의 주제를 바탕으로 한 비극)의 사례인 옥타비아를 누가 썼는지는 모르지만, 이전에는 비극 속 인물로 등장했기 때문에 세네카에게 잘못 귀속된 것입니다.[27]

중세의

15세기의 전통적인 도덕극 '인내심의 성'의 무대 그림 (매크로 원고에서 볼 수 있음).

중세 초기부터, 교회들은 매년 기념행사들을 활기차게 하기 위해 전례 드라마로 알려진 성경적인 행사들을 극화하여 공연하였습니다.[29]가장 초기의 예는 누구를 찾으십니까? (Quem-Quaeritis) c.(925).[30]두 그룹은 라틴어로 응답하여 노래를 부르지만, 등장인물의 성대모사는 관여하지 않았습니다.11세기까지, 그것은 이슬람 시대의 스페인을 제외한 러시아, 스칸디나비아, 그리고 이탈리아로 유럽을 통해 퍼졌습니다.

10세기에, Hrosvitha테렌스의 희극들을 모델로 한 라틴어로 여섯 편의 연극들을 썼지만, 종교적인 주제들을 다루었습니다.[31]그녀의 연극들은 최초로 여성 극작가에 의해 작곡된 것으로 알려졌으며 포스트 클래식 시대의 최초의 식별 가능한 서양 연극입니다.[31]후에, 빈겐의 힐데가드는 오르도 비르투툼이라뮤지컬 드라마를 썼습니다.c.[31]

초기 세속 연극 중 가장 유명한 것 중 하나는 아담 드 라 할에 의해 13세기에 프랑스어로 쓰여진 궁정적목가 로빈과 마리옹입니다.[32]영어로 가장 초기에 알려진 것 중 하나인 학생과 소녀의 막간 (1300)c.소년과 맹인과 같은 동시대 프랑스의 익살극과 음색과 형태가 가장 가까운 것으로 보입니다.[33]

거의 모든 유럽 국가에서 어떤 종류의 종교 드라마가 공연되었던 중세 후기 프랑스독일에서 많은 연극들이 살아남습니다.이런 연극들 중 많은 것들이 코미디, 악마, 악당, 그리고 광대들을 포함합니다.[34]영국에서 무역 길드들은 많은 플레이릿이나 "페어리먼트"의 긴 주기로 구성된 "미스터리 플레이"를 공연하기 시작했고, 그 중 4개가 현존합니다.요크(48명), 체스터(24명), 웨이크필드(32명), 이른바 'N타운'(42명).웨이크필드 사이클의 두 번째 양치기들의 놀이도둑맞은 양의 주인공 막이 갓 태어난 아이가 아기 침대에서 잠들었을 때 물려주려 하는 우스꽝스러운 이야기입니다. 그리고 그가 도둑맞은 양치기들이 예수탄생으로 소환되면서 끝납니다.[35]

도덕극(현대 용어)은 1400년경에 뚜렷한 극적인 형태로 등장했고 영국의 초기 엘리자베스 시대에 번성했습니다.캐릭터는 종종 다른 윤리적 이상을 나타내기 위해 사용되었습니다.예를 들어, 모든 사람들은 선행, 지식, 힘과 같은 인물들을 포함하고, 이러한 특징은 청중들에게 선과 악 사이의 갈등을 강화시킵니다.인내의 성(1400–1425)c.은 원형의 인물이 태어나 죽음에 이르기까지의 과정을 묘사합니다.후기 "혼종 도덕성"이자 영국 복수극의 초기 사례 중 하나인 Horestes (c. 1567)는 오레스테스와 중세 우화적 전통의 악역의 고전 이야기를 한데 모아 코믹하고 비극적인 장면을 번갈아 보여줍니다.[36]이 시기에 중요한 것은 크리스마스 시즌에 공연되는 맘머즈 연극의 민속 드라마들이었습니다.궁중 가면헨리 8세의 통치 기간 동안 특히 인기가 있었습니다.[37]

엘리자베스 2세

영국에서 드라마의 위대한 꽃들 중 하나는 16세기와 17세기에 일어났습니다.이 희곡들 중 많은 것들이 운문으로 쓰여졌는데, 특히 5분의 1미터가 그렇습니다.셰익스피어 외에도 크리스토퍼 말로우, 토마스 미들턴, 그리고 벤 존슨과 같은 작가들이 이 시기에 유명한 극작가였습니다.중세 시대와 마찬가지로, 역사극은 튜더 왕정의 이미지를 강화시키면서, 과거 왕들의 삶을 기념했습니다.이 시기의 작가들은 그리스 신화로마 신화 또는 플라우투스테렌스와 같은 저명한 로마 극작가들의 연극에서 그들의 이야기를 끌어냈습니다.

영국 유신 코미디

콜레이 치버밴브루그의 재발(1696)에서 포핑턴 경에게 "잔인하고, 악하고, 똑똑하다"는 사치스럽고 영향을 준 인물입니다.

복원 코미디는 1660년부터 1710년까지 복원 기간 동안 영국에서 쓰여지고 공연된 영국 코미디를 말합니다.매너 코미디는 복원 코미디의 동의어로 사용됩니다.[38]청교도 정권에 의해 공공 극장이 금지된 후, 1660년 찰스 2세의 왕정복고와 함께 극장들의 재개관은 영국 연극의 르네상스를 의미했습니다.[39]복원 코미디는 성적인 노골성, 도시적이고 세계적인 재치, 최신의 화제작, 그리고 붐비고 북적거리는 줄거리로 알려져 있습니다.극작가들은 프랑스와 스페인 현대 무대, 영국의 자코뱅과 캐롤라인 연극, 심지어 그리스로마의 고전 코미디까지 자유롭게 훔치며 다양한 줄거리를 모험적인 방식으로 결합했습니다.관객들이 연극 사이뿐만 아니라 연극 사이의 "다양성"을 중요시했기 때문에, 단일 연극에서의 결과적인 음색의 차이는 눈살을 찌푸리기 보다는 인정받았습니다.복원 코미디는 두 번이나 정점을 찍었습니다.이 장르는 1670년대 중반 귀족 코미디의 화려한 행사와 함께 화려한 성숙을 맞이했습니다.비록 1680년대에 최초의 전문적인 여성 극작가인 아프라 벤의 성취가 중요한 예외이지만, 이 짧은 황금기 이후 20년이라는 희박한 세월이 흘렀습니다.1690년대 중반, 더 많은 관객들을 겨냥한 잠깐의 두 번째 복고 코미디 르네상스가 일어났습니다.황금기인 1670년대와 1690년대의 희극들은 서로 현저하게 다릅니다.

John Dryden, William Wycherley, George Etherege의 감상적이지 않거나 "강경한" 코미디들은 궁정의 분위기를 반영했고 끊임없는 성적 음모와 정복의 귀족적인 마초 생활방식을 솔직하게 축하했습니다.로체스터 백작, 실제 복원 갈퀴, 궁인이자 시인인 로체스터 백작은 Etherege의 The Man of Mode (1676)에서 난폭하고, 재치 있고, 지적이며, 성적으로 거부할 수 없는 귀족으로, 화려한 복원 갈퀴 (사실 복원 코미디에서 결코 흔하지 않은 캐릭터)에 대한 후세의 생각의 본보기로, 아첨스럽게 묘사됩니다.그 당시와 현재 복원 코미디에서 음란죄를 지지하는 데 가장 도움이 되는 단 한 편의 연극은 아마도 와이첼리의 걸작 <시골 아내>(1675)일 것입니다. 제목은 음탕한 말장난을 담고 있고 악명 높은 <차이나 씬>은 지속적인 이중 엔터테이너의 연속입니다.[40]

1690년대 2차 복원 코미디 물결 동안, 윌리엄 콘그리브와 존 밴브루의 "더 부드러운" 코미디는 여성 관객뿐만 아니라 강력한 중산층 요소를 가진 사회적으로 더 다양한 관객들에게 어필하기 시작했습니다.코믹한 초점은 기성세대를 능가하는 젊은 연인에서 부부관계의 변화로 바뀝니다.Congreve의 Love for Love (1695)와 The Way of the World (1700)에서, 서로에 대한 매력을 시험하는 커플들의 주고 받기 세트 조각들은 후자의 유명한 "Proviso" 장면에서와 같이 결혼 전날에 재치 있는 혼전 토론으로 변형되었습니다.밴브루의 도발된 아내(1697)는 가벼운 터치와 인간적으로 더 잘 알려진 캐릭터를 가지고 있는 반면, 재발(1696)은 버리는 재치와 어두운 면을 가진 사치스럽고 영향력 있는 풍자 광대인 포핑턴 경의 특징으로 존경을 받고 있습니다.[41]대중의 여론이 극작가들보다 훨씬 빨리 존경심과 진지함으로 돌아서면서, 수정된 형태로도 복원 코미디에 대한 관용은 17세기 말에는 바닥이 나고 있었습니다.[42]콩그레브의 5년 만의 첫 코미디인 '세상의 길' 1700년 기대를 모았던 올스타 시사회에서 관객들은 그 은은하고 거의 우울한 작품에 대해 적당한 열정만 보였습니다.섹스와 위트의 코미디가 감성 코미디와 모범적인 도덕성의 드라마로 대체되려던 참이었습니다.

모던 포스트모던

19세기 노르웨이 극작가 헨리크 입센(Henrik Ibsen)과 20세기 독일 극작가 베르톨트 브레히트(Bertolt Brecht)의 중추적이고 혁신적인 공헌이 현대극을 지배하고 있습니다. 각각 현대의 가장 위대한 극작가들을 포함한 모방자들의 전통에 영감을 주었습니다.[43]두 극작가의 작품은 형식적 실험, 메타 연극성, 사회비평성을 결합한 모더니즘적이고 사실주의적입니다.[44]장르에 대한 전통적인 이론적 담론은 입센의 작품을 '자유주의 비극'의 정점으로 묘사하는 반면, 브레히트의 작품은 역사화된 희극과 결부되어 있습니다.[45]

현대의 다른 중요한 극작가들은 Antonin Artaud, August Strindberg, Anton Chekhov, Frank Wedkind, Maerlink, Federico Garcia Lorca, Eugene O'Neill, Luigi Pirandello, George Bernard Shaw, Ernst Toller, Vladimir Mayakovsky, Arthur Miller, Tennessee Williams, Jean Genet, Eugene Ionesco, Samuel Beckett, Harold Pinter, Fr.Iedrich Dürrrenmatt, Dario Fo, Heiner Müller, 그리고 Caryl Churchill.

오페라

서양 오페라르네상스[46] 시대에 대화, 춤, 노래가 결합된 고전 그리스 드라마를 되살리려는 시도로 생겨난 극적인 예술 형태입니다.서양 고전 음악과 강하게 얽혀있는 오페라는 지난 4세기 동안 엄청난 변화를 겪었고 오늘날까지 중요한 연극 형식입니다.주목할 만한 것은 19세기 독일 작곡가 리하르트 바그너가 오페라 전통에 끼친 주요한 영향입니다.그가 보기에, 그의 시대의 오페라들에서 음악과 연극 사이에 적절한 균형이 없었습니다, 왜냐하면 이 작품들에서 극적인 측면들보다 음악이 더 중요해 보였기 때문입니다.고전극과의 연관성을 회복하기 위해 '음악극'이라고 부르던 작품에서 음악과 드라마의 동등한 중요성을 강조하기 위해 오페라 형식을 전면 리뉴얼했습니다.

중국의 오페라는 다소 오랜 기간에 걸쳐 보다 보수적인 발전을 보여왔습니다.

팬터마임

팬터마임(Pantomime, 비공식적으로 "판토")[47]은 가족 오락을 위해 고안된 뮤지컬 코미디 무대 제작의 한 종류입니다.그것은 영국에서 개발되었고, 여전히 영국 전역에서, 일반적으로 크리스마스와 새해 시즌에, 그리고 약간은, 다른 영어권 국가들에서, 공연됩니다.현대의 팬터마임은 노래, 개그, 슬랩스틱 코미디와 춤을 포함하며, 성별을 초월한 배우들을 고용하고, 잘 알려진 동화, 우화 또는 민화에 느슨하게 기초한 이야기와 주제 유머를 결합합니다.[48][49]그것은 관객들이 음악의 특정 부분을 따라 부르고 공연자들에게 문구를 외칠 것으로 기대되는 참여형 극장 형태입니다.

이 이야기들은 우화설화의 전통을 따르고 있습니다.보통, 교훈이 있고, 관객들로부터 약간의 도움을 받아 영웅/주인공이 하루를 구합니다.이런 종류의 연극은 가면극에서 볼 수 있는 스톡 캐릭터를 사용하고 다시 미디어 델 아르테를 통해 등장하는데, 이 캐릭터들에는 악당(의사), 광대/종(알레치노/할레퀸/버튼), 연인 등이 포함됩니다.이런 연극들은 보통 도덕적 딜레마에 중점을 두고 있고, 선은 항상 악을 이기는데, 이런 종류의 연극은 또한 매우 재미있어 많은 사람들에게 다가가는 매우 효과적인 방법입니다.

판토마임은 고전 연극까지 거슬러 올라가는 서양 문화에서 오랜 연극 역사를 가지고 있습니다.그것은 부분적으로 17세기 가면극과 음악 홀과 같은 다른 유럽과 영국의 무대 전통뿐만 아니라 이탈리아의 16세기 코메디아 델 아르테 전통으로부터 발전했습니다.[48]19세기 후반까지 판토마임의 중요한 부분은 할리퀴네이드였습니다.[50]영국 밖에서 "팬터마임"이라는 단어는 여기서 논의되는 연극 형식보다는 주로 흉내 낸다는 의미로 사용됩니다.[51]

마임

마임은 말을 사용하지 않고 몸의 움직임을 통해 이야기의 행동을 전달하는 연극적 매체입니다.마임의 공연은 고대 그리스에서 일어났고, 비록 그들의 공연이 반드시 조용했던 것은 아니었지만, 그 단어는 판토미무스라고 불리는 한 명의 가면을 쓴 댄서로부터 따왔습니다.[52]중세 유럽에서, 머머 연극과 나중에 아둔한 쇼와 같은 초기 형태의 마임이 진화했습니다.19세기 초 파리에서 장 가스파르 드뷔로는 흰 얼굴의 조용한 모습을 포함하여 현대에 와서 알게 된 많은 속성들을 공고히 했습니다.[53]

코메디아 델 아르테와 일본 노 극장의 강한 영향을 받은 자크 코포는 배우들의 훈련에 가면을 사용했습니다.그의 제자였던 에티엔 데크루는 이것에 크게 영향을 받았고 자연주의의 영역 밖에서 마임과 정제된 신체 마임의 가능성을 탐구하고 발전시키기 시작했습니다.자크 레코크는 그의 훈련 방법으로 마임과 신체 연극의 발전에 크게 기여했습니다.[54]

발레

일부 발레가 "움직임의 선과 패턴 그 자체"를 강조하는 반면, 극적인 춤은 "감정, 성격, 그리고 서사적인 행동을 표현하거나 모방합니다.[6]이러한 발레는 등장인물을 가지고 "이야기를 들려주는" 연극 작품이며,[55] 발레에서의 무용 동작은 "거의 모든 무용에 내재된 표현적인 특징이 있기 때문에" 일상적인 신체적 표현 형태와 밀접하게 관련되어 있으며, 이것은 행동과 감정을 모두 전달하는 데 사용됩니다. 마임 또한 사용됩니다.[55]사악한 마법사의 저주로 백조로 변한 공주 오데트의 이야기를 담은 표트르 일리치 차이콥스키의 '백조의 호수', 셰익스피어의 명작을 원작으로 한 세르게이 프로코피예프의 발레 '로미오와 줄리엣', 세 인형의 사랑과 질투를 다룬 이고르 스트라빈스키의 '펫루시카' 등이 대표적입니다.

창작극

창작극은 주로 아이들과 함께하는 교육 현장에서 사용되는 극적인 활동과 게임을 포함합니다.미국에서의 뿌리는 1900년대 초에 시작되었습니다.Winifred Ward는 일리노이주 Evanston에서 최초로 드라마를 학문적으로 사용하는 것을 확립하면서 교육 분야에서 창조적인 드라마의 창시자로 여겨집니다.[56]

아시아 드라마

인디아

인도 콜람시칼리다사 칼라켄드람의 드라마 맥베스의 한 장면.

인도 드라마의 가장 초기 형태는 산스크리트어 드라마였습니다.[57]서기 1세기와 10세기 사이는 수백 편의 희곡이 쓰여진 인도 역사상 상대적인 평화의 시기였습니다.[58]10세기와 11세기에 시작된 이슬람 정복으로 연극은 완전히 금지되거나 금지되었습니다.[59]이후 토착적 가치와 사상을 재조명하기 위해 아대륙 전역에 마을연극을 장려하여 15세기부터 19세기까지 다양한 지역 언어로 발전시켰습니다.[60]박티 운동은 여러 지역의 공연에 영향을 미쳤습니다.지역 언어 외에도, 아삼브라자발리라고 불리는 인위적으로 혼합된 문학 언어에서 비슈나비테 드라마의 성장을 보았습니다.[61]안키아 나트라고 불리는 독특한 형태의 단막극은 산카르데프의 작품에서 발전했고,[62] 그 중 특별한 공연은 바오나라고 불립니다.[63]현대 인도 연극은 19세기 중반부터 20세기 중반까지 대영제국의 식민 지배 기간 동안 발전했습니다.[64]

산스크리트어 연극

쿠디야탐 형식의 산스크리트 극장에서 수그리바를 연기하는 공연자.

산스크리트어 드라마의 가장 오래된 조각들은 서기 1세기의 것입니다.[65]이전 시대의 고고학적 증거의 풍부함은 연극의 전통의 존재를 보여주지 못합니다.[66]고대 베다(기원전 1500년에서 1000년 사이의 찬송가는 세계 문학의 초기 예 중 하나)는 그것의 힌트를 담고 있지 않으며(비록 적은 수의 노래는 대화 형식으로 구성되어 있지만) 베다 시대의식은 연극으로 발전하지 않은 것으로 보입니다.[66]파타녜잘리마하바 ṣ야는 산스크리트어 드라마의 씨앗이었을지도 모르는 것에 대한 최초의 언급을 담고 있습니다.기원전 140년의 문법에 관한 이 논문은 인도에서 연극의 시작에 대한 실현 가능한 날짜를 제공합니다.[67]

산스크리트 연극에 대한 주요한 증거 자료는 극장에 관한 논문(Natya śāstra)인데, 이 책은 작곡 연대가 불확실하며(추정치는 기원전 200년에서 서기 200년) 바라타 무니가 쓴 것으로 추정됩니다.논문은 고대 세계에서 가장 완벽한 드라마투르기 작품입니다.그것은 연기, 춤, 음악, 극적인 건축, 건축, 의상, 분장, 소품, 회사의 조직, 관객, 대회를 다루며, 극장의 기원에 대한 신화적인 설명을 제공합니다.[67]

그것의 드라마는 산스크리트 문학의 최고의 업적으로 여겨집니다.[68]영웅(나야카), 여주인공(나이야카), 광대(비두사카) 등 스톡 캐릭터를 활용했습니다.배우들은 특정 유형에 특화되어 있을 수 있습니다.그것은 마을 집회뿐만 아니라 왕들의 후원을 받았습니다.유명한 초기 극작가로는 바사, 칼리다사(빅라마와 우르바시, 말라비카와 아그니미트라, 샤쿤탈라인정), ś드라카(작은 점토 수레로 유명), 아스바고사, 다 ṇḍ린, 그리고 하샤 황제(나가난다, 라트나발리, 프리야다르시카로 유명)가 있습니다.ś카쿤탈라(영어 번역)는 괴테의 파우스트(1808–1832)에 영향을 미쳤습니다.

이동식 극장

인도에서는 특히 동부 지역에서 전체 제작진이 임시 무대와 장비를 갖추고 이곳저곳을 돌아다니며 연극을 하는 독특한 형태의 극장이 발달했습니다.벵골차이타냐 마하프라부(Chaitanya Mahaprabhu)의 바이슈나브 운동에서 유래한 자트라(Jatra, "여행"을 뜻하는 벵골어)는 이러한 형식을 따르는 전통입니다.[69]비슈나비테는 이웃 아삼 주에서 활동하며, 스리만타 산카르데바가 개척했으며, 안키아 나트바오나의 형태를 취하고 있습니다.이것들은 서양의 영향과 함께, 아쌈에서 브라마이만으로 알려진 현대 이동식 극장의 발전에 영감을 주었습니다.[70]현대 브라마이만은 힌두 신화에서부터 서양 고전과 할리우드 영화의 각색까지 모든 것을 무대에 올리고,[71] 라이브 시각 효과와 같은 현대적인 기술을 사용합니다.[citation needed]동일한 이동식 극장은 1억 개의 가치가 있는 산업으로 추정됩니다.[72]모든 장비와 무대까지 부대 자체가 운반하는 브라마이만의 자생력은 외딴 마을에서도 무대 공연이 가능해 더 넓은 범위를 제공합니다.[citation needed]이 산업의 선구자로는 Achyut LahkarBrajanath Sarma가 있습니다.

현대 인도 드라마

라빈드라나트 타고르는 민족주의, 정체성, 영성, 물질적 욕심에 대한 탐구와 질문으로 유명한 연극을 쓴 선구적인 현대 극작가입니다.[73]그의 희곡들은 벵골어로 쓰여져 있고 치트라(치트랑가다, 1892), 어둠의 방의 왕(라자, 1910), 우체국(닥가르, 1913), 그리고 레드 올레인더(락타카라비, 1924)를 포함합니다.[73]기리쉬 카르나드는 역사와 신화를 이용하여 현대적으로 중요한 사상과 관념을 비판하고 문제화하는 많은 희곡을 쓴 유명한 극작가입니다.투글라크, 하야바다나, 탈레난다, 나가-만다라 등 카르나드의 수많은 희곡들은 인도 연극에 큰 기여를 하고 있습니다.비제이 텐둘카르마헤시 다타니는 20세기 인도의 주요 극작가 중 한 명입니다.힌디어의 모한 라케시와 우르두어의 덴마크인 이크발은 새로운 시대 드라마의 건축가로 여겨집니다.모한 라케시의 아드헤 아드후레와 덴마크 이크발의 다라 시코는 현대 고전으로 여겨집니다.

중국

중국의 위대한 극작가 중 한 사람으로 "자주" 연극으로 유명한 관한칭을 기념하는 1958년 미군 우표.

중국 연극은 길고 복잡한 역사를 가지고 있습니다.오늘날 그것은 종종 중국의 오페라라고 불리지만, 이것은 보통 베이징 오페라와 쿤취라고 알려진 대중적인 형태를 의미합니다; 중국에는 자주와 같은 많은 다른 형태의 극장이 있습니다.

일본

일본의 노극은 드라마와 음악, 무용이 결합하여 완벽한 미학적 퍼포먼스 경험을 제공하는 진지한 드라마 형식입니다.14~15세기에 발전하여 아버지에게서 아들에게로 자주 전해지던 고유의 악기와 연주 기법을 가지고 있습니다.출연자들은 일반적으로 남성이었고(남성과 여성 역할 모두), 여성 아마추어들도 노드라마를 연기했습니다.어떤 드라마도 정부, 특히 군대의 지원을 받지 않았고, 많은 군 지휘관들이 자신들의 극단을 가지고 때로는 직접 공연을 하기도 했습니다.그것은 오늘날에도 일본에서 공연되고 있습니다.[74]

쿄겐은 노드라마의 코믹 상대역.교겐에는 가끔 기악가가 나타나지 않지만, 대화에 더 집중하고 음악에는 덜 집중합니다.17세기부터 발전된 가부키 드라마는 춤을 포함한 또 다른 코믹 형태입니다.

일본에서도 신게키, 다카라즈카 가극 등의 형태로 현대 연극과 뮤지컬 드라마가 발전했습니다.

참고 항목

메모들

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