퍼펙트 네 번째
Perfect fourth
| 역 | 만점 5위 |
|---|---|
| 이름. | |
| 기타 이름 | 디아테사론 |
| 줄임말 | P4 |
| 크기 | |
| 세미톤즈 | 5 |
| 인터벌 클래스 | 5 |
| 저스트 인터벌 | 4:3 |
| 센츠 | |
| 같은 기질 | 500 |
| 억양만 | 498 |
넷째는 서양문화의 음악표기법에서 네 명의 스태프 자리를 아우르는 음정이고, 넷째(
Play(help·info)는 다섯 개의 반음(half step·half tone)에 걸친 네 번째 음정입니다.예를 들어, C에서 다음 F까지의 상승 간격은 완전한 4번째입니다. 왜냐하면 음표 F는 C 위의 5번째 반음이고 C와 F 사이에는 4개의 직원 위치가 있기 때문입니다.감소 및 증가된 4분의 1은 같은 수의 직원에 걸쳐 있지만 다른 수의 반음(각각 4명 및 6명)으로 구성됩니다.
완벽한 4번째는 3번째와 4번째 고조파 사이의 간격으로서 고조파 급수로부터 파생될 수 있다.perfect라는 용어는 이 간격이 완전한 간격의 그룹에 속하는 것을 나타냅니다.이러한 간격은 메이저도 마이너도 아니기 때문에 이 간격이라고 불립니다.
억양의 4분의 1은 피치비 4:3, 약 498센트(Play(help·info))에 대응하고, 같은 기질의 4분의 1은 5의 반음, 즉 500센트에 대응합니다(가법 합성 참조).
19세기 후반까지 완벽한 4번째는 종종 그리스 이름인 디아테사론으로 [1]불렸다.가장 일반적으로 발생하는 것은 모든 장·단조 3중창의 5번째와 상근 및 그 확장부 사이입니다.
완벽한 네 번째의 예는 바그너의 로헨그린(Treulich geführt, 구어체로 제목이 붙여진 "신부가 온다")에서 나온 "혼성 합창"의 시작이다.다른 예로는 크리스마스 캐롤 "Hark!"의 첫 두 음이 있다. 헤럴드 엔젤스는 "El Condor Pasa"와 "O Come All Ye Faith"[citation needed]의 두 번째와 세 번째 음을 부른다.
완벽한 네번째는 합음, 옥타브, 완벽한 다섯번째와 같은 완벽한 음정이고, 감각적인 자음입니다.그러나 일반적인 화음법에서는 2음 텍스처와 같은 특정 문맥에서 스타일 부조화로 간주되며, "3개 이상의 [2]음이 있는 화음에서 베이스 위"가 발생할 때마다 이 문맥이 나타난다.만약 저음이 화음의 뿌리이기도 한다면, 그 음정의 상음은 거의 모든 화음의 3번째를 일시적으로 치환하고, 대중음악에서 사용되는 용어로는 서스펜드 4번째라고 불린다.
통상적으로 더블 베이스와 베이스 기타의 인접 현은 분리 시 완전한 4분의 1의 차이가 나며, 표준 기타 튜닝 하에서는 인접한 기타 현 중 하나를 제외하고 모든 짝이 분리된다.톰톰 드럼 세트도 보통 완벽한 4분의 1로 조율된다.4:3의 완벽한 4는 G와 [3]C 사이의 C 장음계에서 발생한다.재생(도움말·정보)
역사
멜로디 라인과 평행하게 소리를 내고 "두꺼워지게" 하는 완벽한 4분의 1과 5분의 1의 사용은 중세 유럽의 다성음악 이전에 음악에서 널리 사용되었다.
13세기에 4번째와 5번째는 합음과 옥타브 뒤에, 그리고 3번째와 6번째 이전인 중간 자음(midcordianiae mediae (중간 자음)네 번째는 15세기에 와서 스스로 불협화음으로 간주되었고, 요하네스 틴토리스에 의해 그의 Termorum musicae diffinitorium (1473년)에서 불협화음으로 분류되었다.그러나 실제로는 낮은 [4]음성의 3분의 1 또는 5분의 1의 음정으로 지탱될 때는 계속해서 자음으로 사용되었습니다.
현대 음향 이론은 일치음, 옥타브, 다섯 번째와 네 번째 음의 간격이 특히 단순한 주파수 비율을 갖는 한 중세 해석을 뒷받침한다.옥타브는 2:1의 비율을 가진다. 예를 들어 A440에서 a'와 880Hz에서 a' 사이의 간격은 880:440 또는 2:1이다.다섯 번째의 비율은 3:2이고, 그 보수는 3:4이다.고대와 중세의 음악 이론가들은 이러한 비율에 익숙했던 것으로 보인다. 예를 들어 그들의 흑백에 대한 실험을 보라.
이후 몇 년 동안 키보드와 기타 고정 튜닝 기구의 주파수 비율은 하나의 기질, 우물 기질, 동일한 기질 등 다른 튜닝 시스템이 개발됨에 따라 약간 변화할 것이다.
초기 서양 다성음악에서는 이러한 단순한 간격(유니슨, 옥타브, 5번째 및 4번째)이 일반적으로 선호되었다.하지만, 12세기에서 16세기 사이의 발전 과정에서:
- 초기 단계에서는 이러한 단순한 음정들이 너무 자주 발생해서 작곡가들이 가장 좋아하는 소리로 보인다.
- 나중에, 더 "복잡한" 간격(3번째, 6번째 및 삼중수소)은 음악적 관심의 한계에서 점차적으로 이동한다.
- 중세 말기에는 음성 리딩에 대한 새로운 규칙이 마련되었고, 유니언, 옥타브, 5번째, 4번째의 중요성을 재평가하고 더 제한적인 방식으로 그것들을 다루었다(예를 들어, 나중에 평행 옥타브와 5번째의 금지).
20세기의 음악은 대부분 서양의 고전적인 음조의 규칙을 무시한다.예를 들어, 에릭 사티와 같은 작곡가들은 중세로부터 양식적인 요소들을 차용했지만, 몇몇 작곡가들은 이러한 간격들을 더 혁신적인 용도로 사용했다.
중세 시대
중세 음악에서, 일반적인 연습 기간의 음색은 아직 발달하지 않았고, 많은 예들은 4분의 1과 5분의 1에 세워진 조화 구조로 발견될 수 있다.10세기 중엽의 음악 연습 지침서인 '뮤지카 엔치리아디스'에는 4분의 1, 5분, 8분의 1의 음이 나란히 노래한다고 기술되어 있다.이러한 발전은 계속되었고, 노트르담 학교의 음악은 이 스타일의 일관된 화음의 정점으로 여겨질 수 있다.
예를 들어 페로탱의 '알렐루이아'(
Listen)에서 네 번째가 선호된다.다른 곳에서는 4번째 평행 오르간에서 위쪽 라인이 아래 4번째 라인과 함께 있을 것이다.또한 Fauxbourdon의 연습도 중요했는데, 이것은 두 개의 낮은 목소리가 4번째와 6번째의 높은 목소리와 평행하게 진행하는 3개의 목소리 기술이다.Fauxbourdon은 4분의 1을 폭넓게 사용하면서도 최초의 반전(또는 6/3) 삼박자로 보일 수 있기 때문에 나중에 3박자의 조화로 가는 중요한 단계이기도 하다.
이 평행한 6/3 삼합회는 때때로 평행한 4분의 1이 문제로 여겨졌던 그 당시 대척적 문체에 통합되었고, 위조르돈 문체의 장식이나 다른 변형과 함께 쓰여졌다.포스부르돈의 거장 기욤 뒤페이의 마리안 앤티폰 가(街) 마리스 스텔라(Listen)의 시작이다.
르네상스와 바로크
바로크 시대의 작곡가들에 의해 완전히 실현될 때까지 음조의 발전은 르네상스를 통해서 계속되었다.
르네상스 후기와 바로크 초기까지 시간이 흐르면서, 네 번째 시기는 해결이 필요한 기간으로 더 많이 이해되었다.점점 더 5분의 1과 4분의 1의 조화가 3분의 1과 6분의 1의 사용으로 귀결되었다.이 예에서 올란도 디 라소와 팔레스트리나의 작품에서 나온 운율 양식은 4번째가 서스펜션으로 해결되었음을 보여준다.(듣다)
클라우디오 몬테베르디와 지롤라모 프레스코발디의 초기 바로크 음악에서는 삼악조 하모니가 철저히 이용되었다.4분의 1의 간격을 강하게 나타내는 디아토닉과 유채색 구절은 단조 장르에 나타나며, 종종 유채색 계통의 유채색 구절에 나타난다.Claudio Monteverdi와 Carlo Gesualdo의 madrigals에서 텍스트(단어 그림)의 집중적인 해석은 종종 네 번째 현탁의 극도로 지연된 분해능으로 네 번째의 형태를 강조한다.또한 프레스코발디의 1635년의 크로마틱 토카타에서는 윤곽이 잡힌 네 번째 음이 겹치면서 여러 교회 양식을 양분한다.
18세기 첫 3분의 1에는 구성과 조화에 관한 기초적인 이론이 쓰여졌다.장 필리프 라모는 1722년에 그의 논문인 "L'harmonie réduite" (자연의 원리로 축소된 조화 이론)를 완성했는데, 이는 4년 전의 그의 작품인 "Nouveau Systéme de musique" (음악 이론의 새로운 체계)를 보완했다; 이것들은 현대 음악의 초석으로 여겨질 수 있다.자음과 조화에 관한 ic 이론.오스트리아 작곡가 요한 헉스는 1725년 그라두스 앗 파르나섬(The Steps to Parnassum)이라는 제목으로 팔레스트리나 스타일의 대척점 구성에 대한 그의 강력한 논문을 발표했다.그는 다양한 유형의 대위법(예: 음표 대비 음표)을 개략적으로 설명하고 불협화음을 피하기 위해 네 번째를 신중하게 적용할 것을 제안했다.
클래식하고 로맨틱한
바흐의 시대에 음조의 꽃과 우물 기질의 확립은 후기 낭만주의 시대까지 지속적인 영향을 미쳤고, 사분원 조화의 경향은 다소 억제되었다.점점 더 세련된 운율과 3중 조화가 이 시대의 음악 작품을 정의했다.대척점은 명확한 조화와 함께 상부 라인을 선호하도록 단순화되었다.그럼에도 불구하고, 이러한 스타일의 4분의 1을 이용하는 조밀한 대척점의 예는 많은데, 일반적으로 클라이맥스로 이어지는 구절의 조화 표현을 촉구하는 배경의 일부로서 볼 수 있다.모차르트는 이른바 불협화음 4중주 KV465(듣기)에서 반음과 전체 음계를 사용해 4분의 1의 윤곽을 그렸고 베토벤 피아노 소나타 110(듣기) 3악장의 푸가 주제는 4분의 3으로 시작한다.그러나 이것들은 모두 선율적인 예이며, 근본적인 조화는 3분의 1 위에 구축되어 있다.
작곡가들은 불협화음이 아닌 자음으로 네 번째 음질을 재평가하기 시작했다.이것은 나중에 4분위와 5분위의 조화 발전에 영향을 미칠 것이다.
트리스탄 화음은 F,, B,, D and, G and로 구성되어 있으며 리하르트 바그너의 오페라 트리스탄 und Isolde에서 처음 듣는 화음이다.
그 화음은 베토벤의 피아노 소나타 18번 등 초기 작품에서 발견되었지만, 바그너의 사용은 의미심장했다. 첫째는 그것이 전통적인 음색조화음에서 벗어나 무조화음으로 나아가고, 둘째는 바그너가 실제로 음악의 화음의 소리나 구조를 더 지배적으로 만들었기 때문이다.드뷔시와 다른 사람들에 의해 곧 탐색된 개념인 그것의 기능
네 번째 기반의 조화는 모데스트 무시르그스키, 레오시 야나체크, 그리고 장 시벨리우스와 같은 슬라브와 스칸디나비아 작곡가들의 작품에서 중요해졌다.이 작곡가들은 이 조화를 자극적이고, 드러나지 않고, 거의 고풍스러운 방식으로 사용했고, 종종 그들의 특정한 고향의 포크 음악을 통합했다.1893년 시벨리우스의 피아노 소나타는 비교적 어렵고 현대적인 방식으로 사분위 화음의 트레몰로 구절을 사용했다.Even in the example from Mussorgsky's piano-cycle Pictures at an Exhibition (Избушка на курьих ножках (Баба-Яга) – The Hut on Fowl's Legs) (Listen) the fourth always makes an "unvarnished" entrance.
낭만파 작곡가 프레데릭 쇼팽과 프란츠 리스트는 피아노(회색 구름), 라 루구브르 곤돌라(비통한 곤돌라) 등 후기 작품에서 4번 코드의 특별한 "얇은" 소리를 사용했다.
폴 듀카스의 1897년 작품 "마법사의 견습생"에서, 4분의 1 상승의 반복은 통제 불능의 보행 빗자루들의 지칠 줄 모르는 작업을 음악적으로 표현하고 있습니다.몇 년 후 라벨의 소나틴과 마메르 로예(마더 구스)의 4중 화음이 뒤따를 것이다.
20세기 음악
서양 고전 음악
20세기에 들어서면서 4분의 1과 5분의 1 위에 명시적으로 쌓이는 조화가 중요해졌다.이것은 4분의 1을 기준으로 한 화음 4분의 1 화음, 5를 기준으로 한 5분의 1 화음으로 알려지게 되었다.20세기 초 프랑스 작곡가들의 음악에서 4번째 화음은 9번째 화음, 전체 음계, 펜타토닉 음계, 폴리토닉 음계와 통합되었고, 4분의 1 화음은 드뷔시, 모리스 라벨 등에 의해 음악에서 중요한 표현 수단이 되었다.드뷔시의 관현악곡 라메르(바다)와 그의 피아노 작품, 특히 그의 피아노용 프렙의 라 카테드랄 엔글로티(침몰된 대성당), 그의 피아노용 프렙의 포르레 쿼트(Four les quartes)와 아르페의 복합곡(Four composite Arpéges)에서 볼 수 있다.
 현악 4중주 2번과 같은 바르토크의 음악은 종종 3음조 기본 셀, 즉 외부(C, F, G♭) 또는 내부(C, E, F) 단조와 연관된 완벽한 4번째 셀을 삼음조 [6]화음 대신 공통의 중음 소스로 사용한다. |  쇤베르크의 중기 동안 그는 2개의 4분의 1로 구성된 코드를 선호했는데, 하나는 완벽하고 하나는 증강된 코드(C, F, B 또는 C, F,, B)[7][8][failed verification]였다. |
재즈
재즈는 4분의 1 화음을 사용한다.
음정은 종종 분해되지 않은 현수 화음을 포함하도록 "변경"되며, 이는 저음 위에 네 번째를 포함한다.
「 」를 참조해 주세요.
레퍼런스
- ^ William Smith and Samuel Cheetham (1875). A Dictionary of Christian Antiquities. London: John Murray. ISBN 9780790582290.
- ^ Sean Ferguson and Richard Parncutt. "Composing in the Flesh: Perceptually-Informed Harmonic Syntax" (PDF). Archived from the original (PDF) on 2005-10-13. Retrieved 2006-09-05.
{{cite journal}}:Cite 저널 요구 사항journal=(도움말) - ^ 폴, 오스카 (1885년).음악학교와 학원에서 사용하기 위한 조화 매뉴얼, 그리고 자기 교육을 위한 매뉴얼, 페이지 165.시어도어 베이커, 트랜스포트G. 쉬르머
- ^ 윌리엄 드랍킨(2001), "제4", 스탠리 세이디와 존 티렐(런던: 맥밀 출판사)에 의해 편집된 뉴 그로브 음악 및 음악가 사전, 제2판.
- ^ 브루스 벤워드와 마릴린 네이딘 세이커(2003).음악: 이론과 실천, Vol. I, 7판 (보스턴: 맥그로-힐) : 37페이지ISBN 978-0-07-294262-0.
- ^ 로버트 P.모건(1991)20세기 음악: 현대 유럽과 미국의 음악 스타일의 역사, 노튼 음악사의 입문 (뉴욕: W. 노튼), 179-80페이지.ISBN 978-0-393-95272-8.
- ^ Morgan(1991), 페이지 71. "'비논리적인' 품질에 의심의 여지가 없다.
- ^ Floirat, Bernard (2015). "Introduction aux accords de quartes chez Arnold Schoenberg". p. 19 – via https://www.academia.edu/.
{{cite news}}:외부 링크via=
