극장

Theatre
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시리즈의 일부
공연예술

극장 또는 극장은[a] 공연 예술의 공동 형태로, 주로 배우 또는 여배우인 라이브 공연자를 사용하여 특정 장소, 종종 무대에서 라이브 관객 앞에서 실제 또는 상상된 사건의 경험을 보여줍니다. 연주자는 제스처, 연설, 노래, 음악 및 춤의 조합을 통해 이 경험을 청중에게 전달할 수 있습니다. 그것은 가장 오래된 형태의 드라마이지만, 라이브 극장은 현재 현대적인 기록 형태와 결합되어 있습니다. 채색된 풍경과 조명과 같은 무대 공예와 같은 예술 요소는 경험의 물리성, 존재감 및 즉각성을 향상시키는 데 사용됩니다.[1] 일반적으로 공연이 정기적으로 열리는 장소는 고대 그리스 θέ α τρον(테아트론, "관람의 장소")에서 유래한 것으로, θεάο μα ι(아오마이, "보는 것", "보는 것", "보는 것", "보는 것", "보는 것", "관찰하는 것")에서 유래한 것으로, "극장"이라고도 불립니다.

현대 서구 연극은 기술 용어, 장르 분류, 테마, 스톡 캐릭터 및 플롯 요소를 차용한 고대 그리스 연극에서 크게 비롯됩니다. 연극인 Patrice Pavis는 연극성, 연극 언어, 무대 글쓰기, 연극의 특수성을 다른 공연 예술, 문학, 예술과 구별되는 동의어 표현으로 정의합니다.[3][b]

극단은 연극인들이 함께 활동하는 극단(또는 연기단)과는 별개로 [4]연극 공연을 제작하는 단체입니다.[5][6]

현대 연극은 연극과 뮤지컬 연극의 공연을 포함합니다. 발레와 오페라의 예술 형태는 또한 연극이며 연기, 의상, 무대 연출과 같은 많은 관습을 사용합니다. 그들은 뮤지컬 연극의 발전에 영향을 미쳤습니다.

연극의 역사

주 기사: 연극의 역사

고전 그리스와 헬레니즘 그리스

이탈리아 시칠리아 타오르미나 그리스 극장
주 기사: 고대 그리스의 극장
기원전 350/340년, 그리스 극에서 거장(오른쪽)과 그의 노예(왼쪽)의 역할을 연기하는 배우들의 묘사.

도시국가 아테네는 서양 연극의 기원입니다.[7][8][9][c] 그것은 고대 그리스에서 축제, 종교 의식, 정치, 법, 육상과 체조, 음악, 시, 결혼식, 장례식, 심포지엄을 포함하는 연극과 공연의 더 넓은 문화의 일부였습니다.[10][9][11][12][d]

도시 국가의 많은 축제에 참여하는 것, 그리고 특히 관객으로서(또는 연극 제작의 참가자로서) 디오니시아 도시에 의무적으로 참석하는 것은 시민권의 중요한 부분이었습니다.[14] 시민 참여는 또한 법정이나 정치 집회에서의 공연에서 입증된 웅변가들의 수사학에 대한 평가를 수반했는데, 둘 다 극장과 유사한 것으로 이해되었고 점점 더 극적인 어휘를 흡수하게 되었습니다.[15][16] 그리스인들은 또한 극적인 비평과 극장 건축의 개념을 발전시켰습니다.[17][18][19] 배우들은 아마추어이거나 기껏해야 세미프로였습니다.[20] 고대 그리스의 연극은 비극, 희극, 사티로스 연극의 세 가지 종류의 연극으로 구성되어 있었습니다.[21]

연극의 최초의 이론가인 아리스토텔레스(384–322 BCE)에 따르면 고대 그리스에서 연극의 기원은 디오니소스를 기리는 축제에서 찾을 수 있다고 합니다. 공연은 산허리에 깎인 반원형 객석에서 열렸는데, 1만~2만 명이 앉을 수 있었습니다. 무대는 춤추는 바닥(오케스트라), 분장실, 장면 연출 공간(장면)으로 구성되었습니다. 단어가 가장 중요한 부분이었기 때문에 좋은 음향과 명확한 전달력이 무엇보다 중요했습니다. 배우들(항상 남자들)은 자신들이 나타내는 캐릭터에 맞는 가면을 썼고, 각각은 여러 역할을 할 수 있었습니다.[22]

현존하는 가장 오래된 비극 형태인 아테네 비극은 도시 국가의 연극 문화의 중요한 부분을 형성한 일종의 댄스 드라마입니다.[7][8][9][23][24][e] 기원전 6세기 중 언젠가 등장한 이 노래는 기원전 5세기(말부터 그리스 세계에 퍼지기 시작)에 꽃을 피웠고 헬레니즘 시대가 시작될 때까지 계속 인기를 끌었습니다.[26][27][8][f]

기원전 6세기의 비극은 없었고 기원전 5세기 동안 공연된 천여 개의 비극 중 32개만이 살아남았습니다.[29][30][g] 우리는 아이스킬로스, 소포클레스 및 에우리피데스가 존재하는 완전한 텍스트를 가지고 있습니다.[31][h] 비극의 기원은 여전히 잘 알려져 있지 않지만, 기원전 5세기경에는 디오니소스(와인과 다산의 신)를 축하하는 축제의 일환으로 열린 대회(곤)에서 제도화되었습니다.[32][33] 디오니시아 도시 경쟁(무대극 축제 중 가장 권위 있는)의 참가자들로서, 극작가들은 (개별 작품들이 반드시 이야기나 주제로 연결되어 있지는 않지만) 4부작을 제시해야 했습니다. 이는 보통 세 편의 비극과 한 편의 사티로스 연극으로 구성되었습니다.[34][35][i] 디오니시아 도시에서의 비극 공연은 기원전 534년부터 시작되었을 것입니다. 공식적인 기록은 사티로스 연극이 소개된 기원전 501년부터 시작됩니다.[36][34][j]

기원전 480년 살라미스 해전에서 군사적으로 패배했다는 소식에 대한 페르시아의 반응을 무대로 한 페르시아인들은 현존하는 드라마에서 주목할 만한 예외이지만, 대부분의 아테네 비극은 그리스 신화에서 발생한 사건들을 드라마화합니다.[34][k] 기원전 472년 디오니시아 도시에서 아이스킬로스가 1등상을 받았을 때, 그는 25년 이상 비극을 써왔지만, 최근 역사에 대한 비극적인 대우는 현존하는 가장 초기의 드라마 예입니다.[34][38] 130년 이상이 지난 후, 철학자 아리스토텔레스는 5세기 아테네의 비극을 그의 시론(기원전 335년)c.이라는 현존하는 가장 오래된 극적인 이론 작품에서 분석했습니다.

아테네 코미디는 전통적으로 세 시기, 즉 "올드 코미디", "미들 코미디", "뉴 코미디"로 구분됩니다. 올드 코미디는 오늘날 아리스토텔레스의 11개의 생존 연극의 형태로 크게 남아 있는 반면, 미들 코미디는 크게 소실되었습니다(나우크라티스의 아테나이우스와 같은 작가들의 비교적 짧은 단편으로만 보존됨). 뉴코미디는 주로 메난데르의 실질적인 파피루스 조각들로부터 알려져 있습니다. 아리스토텔레스는 코미디를 고통이나 재앙을 일으키지 않는 일종의 실수나 추악함을 수반하는 웃지 못할 사람들의 표상으로 정의했습니다.[l]

도시 디오니시아에서 코미디와 비극의 범주 외에도, 이 축제는 사티르 연극도 포함했습니다. 디오니소스에게 바치는 농촌의 농경 의식에서 그 기원을 찾은 사티로스 연극은 결국 가장 잘 알려진 형태로 아테네로 향했습니다. 사티로스의 자신들은 디오니소스 신에게 그의 충실한 삼림 동료들로 묶여 있었고, 그의 곁에서 술에 취한 흥청거림과 장난을 자주 했습니다. 사티로스 연극 자체가 비극적인 희극으로 분류되어 20세기 초의 더 현대적인 풍자적 전통의 측면에서 오류를 범했습니다. 연극의 줄거리는 일반적으로 신들의 판테온 거래와 사티로스의 합창에 의해 뒷받침된 인간 문제에 대한 그들의 개입에 관한 것이었습니다. 그러나 웹스터에 따르면 사티로스 배우들은 항상 전형적인 사티로스 액션을 수행하지는 않았으며 신화 속 숲 생물의 캐릭터 유형에 할당된 연기 전통에서 벗어날 것이라고 합니다.[39]

로마 극장

주 기사: 고대 로마의 극장
연극에서 가면을 쓴 배우들을 묘사한 모자이크: 두 여자가 "마녀"와 상담합니다.

서양 연극은 로마 시대에 상당히 발전하고 확장되었습니다. 로마 역사가 리비(Livy)는 로마인들이 기원전 4세기에 에트루리아 배우들의 공연으로 연극을 처음 경험했다고 썼습니다.[40] Beacham은 그들이 접촉을 기록하기 전까지 한동안 "연극 이전의 관행"에 익숙했다고 주장합니다.[41] 고대 로마의 극장은 거리 극장, 누드 댄스, 곡예의 축제 공연부터 플라우투스의 광범위하게 매력적인 상황 코미디 무대, 세네카의 세련되고 언어적으로 정교한 비극에 이르기까지 번성하고 다양한 예술 형태였습니다. 비록 로마는 공연의 고유한 전통을 가지고 있었지만, 기원전 3세기 로마 문화의 헬레니즘화는 로마 연극에 지대한 영향을 미쳤고, 무대를 위한 최고 품질의 라틴 문학의 발전을 장려했습니다. 유일하게 남아있는 로마 제국의 연극은 코르두바 태생의 스토아 철학자이자 네로의 가정교사였던 루키우스 안네아우스 세네카(Lucius Annaeus Seneca, 기원전 4~65년)의 작품 10편입니다.[42]

인도 극장

주요 기사: 인도의 극장과 인도의 고전극
참고 항목: Koothu 및 Koodyattam
락샤사 또는 인도의 음악 무용극의 한 형태인 약샤가나에 묘사된 악마

인도 극장의 첫 번째 형태는 산스크리트어 극장으로,[43] 그 중 가장 초기에 생존한 조각은 서기 1세기에 만들어진 것입니다.[44][45] 그것은 그리스와 로마의 연극이 발전한 이후 그리고 아시아의 다른 지역의 연극이 발전하기 전에 시작되었습니다.[43] 그것은 기원전 2세기와 서기 1세기 사이에 나타났고 서기 1세기와 10세기 사이에 번성했는데, 이 시기 동안 수백 편의 연극이 쓰인 인도 역사에서 상대적으로 평화로운 시기였습니다.[46][47] 초기 시대의 고고학적 증거의 풍부함은 연극의 전통이 존재한다는 것을 보여주지 못합니다.[47] 고대 베다(기원전 1500년에서 1000년 사이의 찬송가는 세계에서 가장 초기 문학의 예 중 하나입니다)에는 아무런 암시가 없으며(비록 적은 수의 사람들이 대화의 형태로 구성되어 있지만) 베다 시대의 의식은 연극으로 발전하지 않은 것으로 보입니다.[47] 파탄잘리의 마하바라 ṣ야는 산스크리트어의 극의 씨앗이었을지도 모르는 것에 대한 최초의 언급을 담고 있습니다. 기원전 140년의 문법에 관한 이 논문은 인도에서 연극이 시작될 수 있는 실현 가능한 날짜를 제공합니다.[48]

산스크리트어 연극에 대한 주요 증거 자료는 극장에 관한 논문(Nātya ś라스트라)으로, 작곡 연대는 불확실하며(추정치는 기원전 200년에서 서기 200년 사이), 저자는 바라타 무니에게 귀속됩니다. The Treatise는 고대 세계에서 드라마투르기의 가장 완전한 작품입니다. 그것은 연기, 춤, 음악, 극적인 건축, 건축, 의상, 분장, 소품, 회사의 조직, 관객, 대회를 다루고 연극의 기원에 대한 신화적인 설명을 제공합니다.[48] 그렇게 함으로써 실제 연극 관행의 본질에 대한 징후를 제공합니다. 산스크리트 연극은 [세습] 과정에서 필요한 기술(춤, 음악, 암송)을 훈련 받은 사제들에 의해 신성한 땅에서 공연되었습니다. 그것의 목적은 교육과 오락 둘 다였습니다.

산스크리트어 극장의 쿠디야탐 형식에서 수그리바를 연기하는 연주자

왕실의 후원 아래, 공연자들은 무대 관리자 (수트라드하라)에 의해 연출된 전문적인 회사들에 속했고, 그들은 또한 연기를 했을지도 모릅니다.[44][48] 이 일은 꼭두각시의 그것과 비슷하다고 생각되었습니다. "수트라드하라"의 문자 그대로의 의미는 "현 또는 실의 소유자"입니다.[48] 그 연주자들은 성악과 신체 기술을 엄격하게 훈련 받았습니다.[49] 여성 연기자들을 금지하는 것은 없었습니다; 회사들은 모두 남성이었고, 모두 여성이었으며, 남녀가 혼합되어 있었습니다. 그러나 어떤 감정들은 남성들이 제정하기에 부적절하다고 여겨졌고, 여성들에게 더 적합하다고 여겨졌습니다. 어떤 연기자들은 자신의 나이와 다른 나이를 연기한 반면, 다른 연기자들은 자신의 나이와 다른 나이를 연기했습니다. 연극의 모든 요소들 중에서, Treatise는 연기(abhinaya)에 가장 많은 관심을 기울입니다: 현실적인(lokadharmi)과 관습적인(natyadharmi)의 두 가지 스타일로 구성되어 있지만, 주요한 초점은 후자에 있습니다.[49][m]

그 드라마는 산스크리트 문학의 최고 업적으로 여겨집니다.[44] 영웅(나야카), 여주인공(나이야카), 광대(비두사카)와 같은 주식 캐릭터를 사용했습니다. 배우들은 특정 유형에 특화되어 있을 수 있습니다. 기원전 1세기의 칼리다사는 고대 인도의 가장 위대한 산스크리트 극작가로 여겨집니다. 칼리다사가 쓴 유명한 낭만주의 연극은 말라비카그니미트람(말라비카와 아그니미트라), 비크라마와 우르바시와 관련된 비크라무르바시이야(비크라마와 우르바시와 관련된), 아브히자나나 ś쿤탈라(샤쿤탈라의 인식) 등 세 편입니다. 마지막은 마하바라타의 이야기에서 영감을 받아 만들어졌으며 가장 유명합니다. 처음으로 영어와 독일어로 번역되었습니다. ś아쿤탈라는 괴테의 파우스트 (1808–1832)에 영향을 미쳤습니다.

그 다음 위대한 인도 극작가는 바바부티 c.(서기 7세기)였습니다. 그는 다음과 같은 세 편의 희곡을 썼다고 합니다. 말라티-마다바, 마하비라차리타, 우타르 라마차리타. 이 세 가지 중 마지막 두 가지는 라마야나의 서사시 전체를 다루고 있습니다. 인도의 강력한 황제 하르사(606–648)는 희극 라트나발리, 프리야다르시카, 불교극 나가난다 등 세 편의 희곡을 쓴 것으로 알려져 있습니다.

동아시아 극장

주요 기사: 중국의 극장, 일본의 극장, 한국의 극장, 베트남의 극장
옥룡설산 야외극장 공연

당나라는 때때로 "1000 엔터테인먼트 시대"로 알려져 있습니다. 이 시대에, 명황은 주로 음악적인 드라마 형태를 만들기 위해 "배밭"이라고 알려진 연기 학교를 만들었습니다. 그렇기 때문에 배우들은 흔히 "배밭의 아이들"이라고 불립니다. 링황후 시대에 그림자 인형극은 중국에서 인정받는 연극 형태로 처음 등장했습니다. 그림자 인형극에는 북경어(북쪽)와 광둥어(남쪽)라는 두 가지 다른 형태가 있었습니다. 두 가지 양식은 꼭두각시가 하는 놀이의 형태와 달리 꼭두각시를 만드는 방식과 꼭두각시에 막대를 배치하는 방식으로 차별화되었습니다. 두 스타일 모두 일반적으로 위대한 모험과 환상을 묘사한 연극을 공연했지만, 정치적 선전을 위해 사용된 매우 양식화된 형태의 연극은 거의 없었습니다.

가부키, 노, 교겐의 일본어 형태는 서기 17세기에 발전했습니다.[50]

광동 그림자 인형은 두 개 중 더 컸습니다. 그것들은 두꺼운 가죽을 사용하여 지어졌고, 더 큰 그림자를 만들었습니다. 또한 상징적인 색채가 매우 만연했는데, 검은 얼굴은 정직함을, 붉은 얼굴은 용감함을 나타냈습니다. 광동 인형을 조종하는 데 사용되는 막대는 인형의 머리에 수직으로 부착되었습니다. 따라서 그림자가 만들어졌을 때 관객에게 보이지 않았습니다. 북경의 인형들은 더 섬세하고 작았습니다. 그것들은 얇고 반투명한 가죽으로 만들어졌습니다(보통 당나귀의 배에서 가져왔습니다). 그들은 선명한 물감으로 칠해져 있어서 매우 다채로운 그림자를 드리우고 있습니다. 그들의 움직임을 제어하는 얇은 막대들은 꼭두각시의 목에 있는 가죽 옷깃에 붙어 있었습니다. 막대는 꼭두각시의 몸에 평행하게 달린 다음 목에 연결하기 위해 90도 각도로 돌았습니다. 이 막대들은 그림자를 드리울 때 눈에 띄지만, 꼭두각시의 그림자 밖에 놓여 있어서, 그 모습을 방해하지는 않았습니다. 로드는 하나의 몸체로 여러 개의 헤드를 쉽게 사용할 수 있도록 목 부분에 부착되어 있습니다. 머리를 사용하지 않을 때는 모슬린 책이나 천으로 된 상자에 보관했습니다. 밤에는 항상 머리를 제거했습니다. 이것은 그대로 두면 밤에 꼭두각시가 살아난다는 오래된 미신과 일치했습니다. 어떤 꼭두각시들은 꼭두각시를 재현할 가능성을 더 줄이기 위해 머리를 한 책에, 시신을 다른 책에 보관하기까지 했습니다. 그림자 인형극은 정부의 도구가 되기 전인 11세기에 예술적 발전의 최고점에 도달했다고 합니다.

송대에는 곡예와 음악이 포함된 많은 대중극이 있었습니다. 이것들은 원나라에서 4막 또는 5막의 구조를 가진 보다 정교한 형태인 자주로 발전했습니다. 원극은 중국 전역에 퍼져 다양한 지역 형태로 다양해졌는데, 그 중 가장 잘 알려진 것 중 하나는 오늘날에도 여전히 인기 있는 경극입니다.

샹성은 독백이나 대화 형식의 중국 전통 희극 공연입니다.

인도네시아의 극장

주요 기사: 인도네시아 발리의 극장
쁘람바난 사원단지 인근의 라마와 신타왕 공연

인도네시아에서 연극 공연은 지역 문화의 중요한 부분이 되었고, 인도네시아의 연극 공연은 수천 년 동안 발전되어 왔습니다. 인도네시아의 가장 오래된 극장 형태는 대부분 지역의 문학적 전통(구두 및 문자)과 직접적으로 연결되어 있습니다. 순단족의 와양 골렉(나무 막대 인형극)과 자바족과 발리족의 와양 쿨리트(가죽 그림자 인형극) 등 유명한 인형극은 라마야나와 마하바라타의 토착화된 버전에서 레퍼토리의 대부분을 끌어 올립니다. 이 이야기들은 또한 배우들을 사용하는 자바와 발리의 와양웡(인간극장)의 원천 자료를 제공합니다. 그러나 어떤 방식으로든 골렉 공연은 메낙이라고 불리는 무슬림 이야기를 보여주기도 합니다.[51][52] 와양은 정교한 인형/인간적이고 복잡한 음악 스타일로 유명한 고대 스토리텔링의 한 형태입니다.[53] 가장 초기의 증거는 중세 시대의 문헌과 고고학적 유적지에서 기원한 1천년 후반의 것입니다.[54] 와양에 관한 가장 오래된 기록은 9세기의 것입니다. 서기 840년경 중앙 자바 마타람 왕국의 마하라자 스리 로카팔라가 발행한 자하 비문이라는 옛 자바어 비문에는 아타푸칸, 링깃, 아바놀 등 세 종류의 수행자가 언급되어 있습니다. 아링깃은 와양 인형극, 아타푸칸은 탈춤쇼, 반왈은 농담 예술을 의미합니다. 링깃은 11세기 자바 시에서 가죽 그림자 형상으로 묘사됩니다.

중세 이슬람 전통

중세 이슬람 세계의 극장에는 인형극(손 인형, 그림자 연극, 마리오네트 작품 포함)과 배우들이 무슬림 역사의 에피소드를 재연하는 타지야로 알려진 라이브 열정 연극이 포함되었습니다. 특히 시아파 이슬람 연극은 알리의 아들 하산 이븐 알리와 후사인 이븐 알리의 샤히드(무궁)를 중심으로 전개되었습니다. 세속극은 중세 아답 문학에 기록된 아크라자로 알려져 있었지만 인형극이나 타지야 연극보다는 덜 일반적이었습니다.[55]

서양의 근현대 초기 연극

이탈리아 밀라노 티트랄레 알라 스칼라 미술관에 있는, 코메디아 델 아르테에 나오는 두 명의 스톡 캐릭터인 판타론과 할레퀸의 조각상.

연극은 15세기에서 19세기 사이에 서양에서 이탈리아 연극의 코메디 델 아르테와 멜로드라마를 포함한 많은 대안적인 형태를 취했습니다. 일반적인 경향은 그리스와 르네상스의 시극에서 벗어나, 특히 산업혁명 이후의 보다 자연주의적인 산문 형식의 대화로 향했습니다.[56]

영국에서 1642년과 1660년 동안 청교도들의 종교재판 때문에 극장은 크게 중단되었습니다.[57] 청교도들 사이에서 고조되는 반연극적 정서는 윌리엄 프린이 금지령 이전에 극장에 대한 가장 악명 높은 공격인 히스트리오마스틱스 (1633)를 쓴 것을 보았습니다.[57] 청교도들은 극장을 죄악으로 보고 1642년 런던 극장의 폐쇄를 명령했습니다.[58] 1643년 1월 24일, 배우들은 그들의 직업에 대한 침묵과 그들의 여러 연극장에서 추방에 대한 배우들의 항의 또는 불평이라는 제목의 팜플렛을 작성함으로써 금지에 항의했습니다.[59] 이 침체된 기간은 1660년 왕정복고에서 찰스 2세가 다시 왕위에 오르면서 끝이 났습니다. 샤를이 자신의 치세 이전 몇 년 동안 프랑스에 망명한 이후 프랑스 문화의 영향으로 극장이 폭발적으로 성장했습니다.

웨스트엔드의 드루리 레인, 극장 로얄. 1663년 5월에 개관한 이 극장은 런던에서 가장 오래된 극장입니다.[60]

1660년, 듀크 컴퍼니와 킹스 컴퍼니, 두 회사가 공연 허가를 받았습니다. 공연은 릴스 테니스 코트와 같은 개조된 건물에서 열렸습니다. 런던 코벤트 가든에 있는 Theatre Royal로 알려진 최초의 웨스트 엔드 극장은 토마스 킬리그루에 의해 설계되었고 현재의 Theatre Royal, Drury Lane 자리에 지어졌습니다.[60]

큰 변화 중 하나는 새로운 극장 집이었습니다. 배우들이 다음 연기를 준비할 장소가 없고 '극장 매너'가 없는 글로브 극장과 같은 엘리자베스 시대의 유형 대신, 극장 하우스는 앞쪽 무대와 경기장 좌석이 마주보는 세련된 장소로 탈바꿈했습니다. 좌석이 더 이상 무대 주변에만 있지 않았기 때문에 우선 순위가 정해졌습니다. 일부 좌석은 분명히 다른 좌석보다 더 좋았습니다. 왕은 이 집에서 가장 좋은 자리를 차지할 것입니다. 극장의 가장 중앙에는 무대를 가장 넓게 볼 수 있을 뿐만 아니라, 무대 주변에 건설된 시점과 사라지는 시점을 가장 잘 볼 수 있는 방법이 있습니다. Philippe Jacques de Loutherbourg는 바닥 공간과 풍경을 사용했기 때문에 당시 가장 영향력 있는 세트 디자이너 중 한 명이었습니다.

이 시기 이전의 혼란 때문에, 무대에 무엇을 올려놓아야 하는지, 해서는 안 되는지에 대한 논란이 여전히 있었습니다. 전도사인 제레미 콜리어(Jeremy Collier)는 그의 작품 '영어 무대의 부도덕성과 불경함에 대한 짧은 견해'를 통해 이 운동의 선두 주자 중 한 명이었습니다. 이 논문의 신념은 주로 비극장가들과 당시 청교도들의 나머지 사람들이 가지고 있었고 매우 신앙심이 깊었습니다. 주요 질문은 무대에서 비도덕적인 것을 보는 것이 보는 사람들의 삶에서 행동에 영향을 미치는가 하는 것이었는데, 오늘날에도 여전히 논란이 되고 있습니다.[61]

17세기에는 여성들도 무대에 등장했는데, 이는 이전에는 부적절한 것으로 여겨졌습니다. 이 여성들은 유명인사로 여겨졌지만(르네상스 휴머니즘을 계기로 생겨난 개인주의 사상 덕분에), 다른 한편으로는 그들이 무대에 선다는 것은 여전히 매우 새롭고 혁명적이었고, 어떤 이들은 그들이 여성스럽지 않다고 말하며 그들을 무시했습니다. 찰스 2세는 젊은 남자들이 젊은 여자들의 역할을 하는 것을 좋아하지 않았기 때문에, 그는 여자들이 그들만의 역할을 하도록 요청했습니다.[62] 여성들이 무대에 서는 것이 허용되었기 때문에, 극작가들은 여성들이 남성으로 변장하는 것과, 코미디의 형태로서 도덕적으로 끈적한 상황으로부터 좁은 탈출을 하는 것과 같은 줄거리 반전에 더 많은 여유를 가졌습니다.

1829년 영국의 극장 대금 청구

코미디는 젊은이들로 가득 차 있고 매우 많이 유행하고 있으며, 그들의 연애 생활을 따라가는 줄거리를 가지고 있습니다: 일반적으로 젊은 야수 같은 영웅이 셰리단의 스캔들 학교와 같이 극의 마지막에 솔직하고 자유분방한 여주인공에게 사랑을 맹세합니다. 많은 코미디들이 프랑스 전통을 따라 제작되었는데, 주로 몰리에르가 망명 이후 왕과 왕실이 가져온 프랑스의 영향력에 다시 귀감이 되었습니다. Molière는 가장 오래 지속되고 가장 영향력 있는 풍자 코미디를 만들기 위해 이탈리아의 코메디 델 아르테와 신고전주의 프랑스 코메디를 결합함으로써 코미디가 쓰고 공연되는 방식에 혁명을 일으켰던 당시 최고의 희극 극작가 중 한 명이었습니다.[63] 비극도 마찬가지로 정치권력을 바로 잡는다는 의미에서 승리를 거두었고, 특히 최근 왕정복고로 인해 가슴이 아팠습니다.[64] 그것들은 프랑스 비극의 모방이기도 했지만, 프랑스인들은 희극과 비극의 차이가 더 컸지만, 영국인들은 때때로 대사를 흐리고 비극에 희극적인 부분을 넣었습니다. 비코미디 연극의 일반적인 형태는 감성적인 코미디였을 뿐만 아니라 나중에 tragédie bourgeoise, 즉 국내 비극, 즉 공동 생활의 비극이라고 불리는 것이 영국에서 더 인기가 있었습니다.[65]

극단들이 이전에는 자주 여행을 다녔지만, 18세기에 루드비그 홀버그(Ludvig Holberg)에 의해 영감을 받아 국립 극장에 대한 아이디어가 지지를 받았습니다. 독일의 국립극장, 그리고 슈투르문트 드랑 시인들의 주요한 제안자는 함부르크시 기업과 사일러 극장 회사의 소유자인 아벨 사일러였습니다.[66]

에스토니아[67] 타르투의 1918년 바네무인 극장의 '작은 집'

19세기 동안 낭만주의, 멜로드라마, 빅토리아 시대의 풍자적인 연극 형식과 스크라이브와 사르두의 웰메이드 연극은 자연주의와 사실주의의 문제극, 페이도의 익살극, 바그너의 오페라 Gesamtkunstwerk, 음악극(길버트와 설리번의 오페라 포함), F. C. Burnand의, W.S. 길버트와 오스카 와일드의 응접실 코미디, 상징주의, 오거스트 스트린드버그와 헨리크 입센의 후기 작품의 원초적 표현주의,[68] 에드워드 음악 코미디.

이러한 경향은 미국과 영국의 뮤지컬인 사뮈엘 베케트와 외젠 이오네스코의 부조리극이라고 불리는 에르빈 피스카토르와 베르톨트 브레히트의 정치극인 스타니슬랍스키와 리 스트라스베르크의 사실주의에서 20세기까지 계속되었습니다. 조안 리틀우드의 극장 작업장, 로버트 윌슨과 로버트 르페이지의 실험적이고 포스트모던적인 극장, 어거스트 윌슨이나 톰슨 하이웨이의 포스트 식민지 극장, 어거스트 보알의 억압받는 자들의 극장과 같은 배우들과 감독들의 회사들의 집단 창작물들.

종류들

드라마

메인기사 : 드라마

드라마는 공연으로 표현되는 소설의 특정 모드입니다.[69] 이 용어는 "행동"을 의미하는 그리스어 단어에서 왔는데, 이 단어는 동사 δράω, drao, "하는 것" 또는 "행동하는 것"에서 유래했습니다. 배우들이 관객 앞 무대에서 공연하는 연극의 제정은 공동 제작 방식과 집단적인 수용 형태를 전제로 합니다. 다른 형태의 문학과 달리 극적 텍스트의 구조는 이러한 공동 제작과 집단 리셉션의 직접적인 영향을 받습니다.[70] 셰익스피어의 초기 현대 비극 햄릿(1601)과 소포클레스의 고전 아테네 비극 오이디푸스 렉스(c.기원전 429)는 극예술의 걸작 중 하나입니다.[71] 현대적인 예로는 유진 오닐(Eugene O'Neill, 1956)의 "긴 낮의 밤으로의 여행"이 있습니다.[72]

일반적으로 시의 한 장르로 여겨지는 드라마틱 모드는 드라마틱 이론의 초기 작품인 아리스토텔레스의 시학 c.(기원전 335년) 이래로 서사시 및 서정시 모드와 대조되어 왔습니다.[n] 특정 유형의 연극을 지정하기 위해 좁은 의미의 '드라마'를 사용한 것은 19세기부터입니다. 이런 의미의 드라마는 희극도 비극도 아닌 연극을 뜻하는데, 예를 들어 졸라의 테레지 라킨(1873)이나 체호프의 이바노프(1887) 등이 있습니다. 그러나 고대 그리스에서 드라마라는 단어는 비극적이거나 코믹하거나 그 사이에 있는 모든 연극을 포함했습니다.

드라마는 종종 음악과 춤과 결합됩니다: 오페라에서 드라마는 일반적으로 전체적으로 노래됩니다; 뮤지컬은 일반적으로 구어 대사와 노래를 모두 포함합니다; 그리고 어떤 형태의 드라마는 대사를 강조하는 부수적인 음악 또는 음악 반주를 가지고 있습니다 (예를 들어, 멜로드라마와 일본어 노).[o] 역사의 특정 시기(고대 로마시대와 현대 낭만주의)에는 몇몇 드라마가 공연되기 보다는 읽기 위해 쓰여졌습니다.[p] 즉흥적으로, 드라마는 공연의 순간에 미리 존재하는 것이 아닙니다; 공연자들은 관객들 앞에서 즉흥적으로 드라마 대본을 구상합니다.[q]

뮤지컬 극장

주 기사: 뮤지컬 극장
런던 팔라디움의 고양이들

음악과 연극은 예로부터 밀접한 관계를 맺어왔습니다.예를 들어, 아테네 비극은 일부 배우들의 반응과 그들의 '독가'(단조)와 마찬가지로 (현대 오보에와 유사한 악기인 아울로스의 반주에) 합창을 사용한 댄스 드라마의 한 형태였습니다.[73] 현대 뮤지컬 극장은 음악, 대사, 무용을 결합한 극장의 한 형태입니다. 19세기 말과 20세기 초 코믹 오페라(특히 길버트와 설리번),[74] 버라이어티, 보드빌, 뮤직홀 장르에서 나타났습니다. 1890년대에 시작된 에드워드 시대의 뮤지컬 코미디, 20세기 초의 프린세스 시어터 뮤지컬, 그리고 1920년대와 1930년대의 코미디 (로저스와 해머스타인의 작품 등) 오클라호마! (1943) 이후, 뮤지컬은 더 극적인 방향으로 나아갔습니다.[r] 그 후 수십 년간 유명한 뮤지컬은 마이 페어 레이디 (1956), 웨스트 사이드 스토리 (1957), 판타지틱스 (1960), 헤어 (1967), 코러스 라인 (1975), 레미제라블 (1980), 캣츠 (1981), 인투 더 우즈 (1986), 그리고 오페라의 유령 (1986)을 포함한 더 많은 현대의 히트곡들을 포함합니다.[75] 해밀턴(2015)과 겨울왕국(2018).

뮤지컬 극장은 오프브로드웨이, 지역 극장 및 다른 곳에서 친밀한 규모로 제작될 수 있지만 종종 스펙터클을 포함합니다. 예를 들어, 브로드웨이와 웨스트 엔드 뮤지컬은 종종 수백만 달러의 예산으로 지원되는 호화로운 의상과 세트를 포함합니다.

비극과 희극의 연극적 가면. 모자이크, 로마 예술품, 서기 2세기. 카피톨린 박물관

코미디

주 기사: 코미디

유머를 이야기를 전달하는 수단으로 사용하는 연극 작품은 코미디로 적격입니다. 여기에는 보잉 보잉과 같은 현대적인 익살극이나 As You Like It과 같은 고전극이 포함될 수 있습니다. 암울하거나, 논란이 있거나, 금기된 주제를 의도적으로 유머러스한 방식으로 표현하는 연극을 블랙코미디라고 합니다. 블랙 코미디는 슬랩스틱 유머, 다크 코미디, 비꼬는 코미디와 같은 여러 장르를 가질 수 있습니다.

비극

주 기사: 비극

비극은 심각하고 완전하며 일정한 크기의 행동을 모방하는 것입니다: 각 종류의 예술적 장식으로 장식된 언어에서 여러 종류의 작품이 연극의 개별 부분에서 발견됩니다; 서사가 아닌 행동의 형태; 이러한 감정의 적절한 정화에 영향을 미치는 연민과 두려움을 통해.

— Aristotle, Poetics[76]

아리스토텔레스의 "극의 다른 부분에서 여러 종류가 발견되고 있다"는 말은 드라마의 구조적 기원에 대한 언급입니다. 그 안에서 구어 부분은 다락방 방언으로 쓰인 반면, 합창 부분은 도리아 방언으로 쓰였습니다. 이러한 불일치는 새로운 실체인 연극극으로 융합된 부분의 다양한 종교적 기원과 시적 미터를 반영합니다.

비극은 서양 문명의 자기 정의에 역사적으로 독특하고 중요한 역할을 해온 드라마의 특정 전통을 말합니다.[77][78] 이 전통은 여러 번 반복되고 불연속적이었지만, 레이먼드 윌리엄스의 말처럼 "그리스인과 엘리자베스인, 헬레네인과 기독교인, 공동의 활동"과 같은 문화적 정체성과 역사적 연속성의 강력한 효과를 불러일으키기 위해 종종 이 용어가 사용되었습니다.[79] 2,500년 전 아테네 극장의 잘 알려지지 않은 기원부터 셰익스피어, 로페 데 베가, 라신, 실러의 작품에서 단 하나의 발화를 통해 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스 작품의 일부만이 남아 있습니다. 죽음, 상실, 고통에 대한 베케트의 모더니즘적 명상과 비극적인 정전, 비극, 뮐러의 포스트모더니즘적 재작업은 여전히 문화적 실험, 협상, 투쟁, 변화의 중요한 현장으로 남아 있습니다.[80][81] 아리스토텔레스의 시학 (기원전 335년) 이후, 비극은 (비극이 서사시와 서정시에 대항해 분열하는) 일반적인 시의 규모나 (비극이 희극에 대항해 분열하는) 드라마의 규모에 상관없이 장르적 구별을 위해 사용되었습니다. 현대 시대에 비극은 드라마, 멜로드라마, 비극, 서사극에 대항하여 정의되기도 했습니다.[s]

즉흥연주

주 기사: 즉흥극
다리오 포

즉흥은 16세기의 코메디아 델 아르테가 최초의 즉흥 형식으로 인정받으면서 연극의 지속적인 특징이었습니다. 1997년 노벨 문학상 수상자 다리오 포와 직립 시민 여단 즉흥 연극과 같은 극단들에 의해 대중화된 많은 다양한 흐름과 철학으로 계속해서 진화하고 있습니다.

키스 존스톤(Keith Johnstone)과 비올라 스폴린(Viola Spolin)은 대본이 있는 연극의 대안으로 즉흥성을 탐구하고, 스폴린과 그녀의 후계자들은 주로 극적인 작품이나 기술을 개발하기 위한 도구 또는 상황 코미디의 형태로 즉흥성을 탐구하면서 현대의 즉흥성의 첫 번째 교사로 인정받고 있습니다. 또한 스폴린은 즉흥 연주를 배우는 과정이 인간의 잠재력 발전에 어떻게 적용될 수 있는지에 관심을 갖게 되었습니다.[82]

스폴린의 아들 폴 실스는 시카고의 두 번째 도시라는 첫 번째 감독으로 설립되었을 때 연극 예술 형식으로서 즉흥 연극을 대중화했습니다.

이론들

메인 기사: 드라마틱 이론
1600년 연극공연과 함께하는 마을잔치

2,500년 이상 인류 문화의 중요한 부분을 차지해온 연극은 다양한 이론과 관행을 발전시켜 왔습니다. 일부는 정치적 또는 정신적 이념과 관련된 반면, 다른 일부는 순수하게 "예술적" 관심사에 기반을 두고 있습니다. 어떤 과정들은 이야기에 초점을 맞추고, 어떤 과정들은 사건으로서의 연극에 초점을 맞추고, 어떤 과정들은 사회 변화의 촉매제로서 연극에 초점을 둡니다. 고전 그리스 철학자 아리스토텔레스는 그의 중요한 논문인 시학(c.기원전 335년)에서 가장 초기에 생존한 예이며, 그 주장은 그 이후 연극 이론에 영향을 미쳤습니다.[17][18] 그는 "시"(그리스어로 문자 그대로 "만들기"를 의미하는 용어이며, 이 맥락에서 서정시, 서사시, 디티람브 뿐만 아니라 희극, 비극, 사티람브 연극 등을 포함합니다.)라고 부르는 것에 대한 설명을 제공합니다. 그는 그것의 "첫 번째 원칙"을 검토하고 장르와 기본 요소를 확인합니다. 비극에 대한 그의 분석이 논의의 핵심을 구성합니다.[83]

아리스토텔레스는 비극이 (중요한 순서에 따라) 신화 또는 줄거리, 기풍 또는 성격, 디아노아 또는 사고, 렉시스 또는 딕션, 멜로스 또는 노래, 옵시스 또는 스펙터클의 여섯 가지 질적인 부분으로 구성된다고 주장합니다.[84][85] 마빈 칼슨(Marvin Carlson)은 "비록 아리스토텔레스의 시학은 서구 비판적 전통에서 보편적으로 인정받고 있지만, 그의 중요한 연구에 대한 거의 모든 세부 사항이 다양한 의견을 불러일으켰습니다"[86]라고 설명합니다. 20세기의 중요한 연극인들은 콘스탄틴 스타니슬랍스키, 브세볼로드 메이에르홀드, 자크 코파우, 에드워드 고든 크레이그, 베르톨트 브레히트, 안토닌 아르토, 조안 리틀우드, 피터 브룩, 저지 그로토프스키, 아우구스토 보알, 유지니오 바르바, 다리오 포, 비올라 스폴린, 키스 존스톤, 로버트 윌슨 (감독)을 포함합니다.

스타니슬랍스키는 극장을 문학으로부터 자율적인 예술 형식으로, 극작가의 기여가 창조적인 예술가들의 앙상블 중 하나로서만 존중되어야 하는 예술 형식으로 취급했습니다.[87][88][89][90][t] 현대 연기론에 대한 그의 혁신적인 공헌은 지난 세기의 대부분 동안 주류 서구 공연 훈련의 핵심으로 남아 있습니다.[91][92][93][94][95] 그의 배우 훈련 시스템의 많은 계율들이 상식적이고 자명해 보인다는 것은 그의 패권적 성공을 증명합니다.[96] 배우들은 그의 기본 개념을 자신도 모르게 사용하는 경우가 많습니다.[96] 스타니슬랍스키의 '시스템'은 과거 학생이었던 연기 선생님들의 홍보와 정교화, 그리고 그의 이론적인 글들의 많은 번역 덕분에 문화적 경계를 넘는 전례 없는 능력을 얻었고, 유럽과 미국에서 연기에 대한 논쟁을 지배하며 국제적인 영향력을 발전시켰습니다.[91][97][98][99] 많은 배우들이 그의 '시스템'을 북미 방식과 동일시하지만, 후자의 배타적인 심리학적 기술은 스타니슬랍스키의 다변수적, 전체론적, 심리학적 접근법과 극명한 대조를 이룹니다. 'inside 아웃'과 'outside 인' 모두에서 캐릭터와 행동을 탐색하고 배우의 정신과 신체를 연속체의 일부로 취급합니다.

기술적 측면

빈 국립오페라단의 백스테이지에 있는 극장 무대 건물
주 기사: 스테이지크래프트

극장은 공동 제작 방식과 집단적인 수용 형태를 전제로 합니다. 다른 형태의 문학과 달리 극적 텍스트의 구조는 이러한 공동 제작과 집단 리셉션의 직접적인 영향을 받습니다.[70] 연극의 제작은 보통 극작가, 감독, 배우 출연진, 그리고 풍경 혹은 세트 디자이너, 조명 디자이너, 의상 디자이너, 음향 디자이너, 무대 매니저, 제작 매니저 그리고 기술 감독을 포함하는 기술 제작 팀의 기여를 포함합니다. 제작물에 따라 이 팀에는 작곡가, 드라마터그, 비디오 디자이너 또는 파이트 디렉터도 포함될 수 있습니다.

핀란드 탐페레의 야외 Pyynikki Summer Theatre 회전하는 강당

스테이지크래프트는 연극, 영화 및 비디오 제작의 기술적 측면을 나타내는 총칭입니다. 경관의 시공 및 조작, 조명의 매달림 및 집속, 의상의 디자인 및 조달, 분장, 소품의 조달, 무대 관리, 음향의 녹음 및 믹싱 등이 포함되지만 이에 한정되는 것은 아닙니다. 스테이지크래프트는 시노그라피의 포괄적인 용어와 구별됩니다. 예술 분야가 아닌 기술 분야로 간주되는 이는 주로 디자이너의 예술적 비전을 실제적으로 구현하는 것과 관련이 있습니다.

무대 공예는 가장 기본적인 형태로, 한 사람(종종 소규모 프로덕션의 무대 관리자)이 모든 풍경, 의상, 조명, 음향을 배치하고 출연진을 구성합니다. 보다 전문적인 수준에서, 예를 들어 현대 브로드웨이 하우스에서, 무대 공예는 수백 명의 숙련된 목수, 화가, 전기 기술자, 무대 손, 스티처, 비그메이커 등에 의해 관리됩니다. 이 현대적인 형태의 무대 공예는 매우 기술적이고 전문화되어 있습니다: 그것은 많은 세부 분야와 역사와 전통의 방대한 발견으로 구성되어 있습니다. 무대 공예의 대부분은 이 두 극단 사이에 놓여 있습니다. 지역 극장과 대규모 커뮤니티 극장에는 일반적으로 기술 감독과 디자이너의 보완물이 있으며, 이들은 각각의 디자인에 직접 참여합니다.

하위 카테고리 및 조직

다양한 방식으로 연극을 제작하는 현대 연극 운동이 많이 있습니다. 극장 기업은 정교함과 목적이 엄청나게 다양합니다. 관련된 사람들은 (커뮤니티 연극에서) 초보자와 취미주의자에서 (브로드웨이와 비슷한 작품에서) 전문가에 이르기까지 다양합니다. 극장은 적은 예산으로 공연할 수도 있고 수백만 달러의 예산으로 대규모 공연을 할 수도 있습니다. 이러한 다양성은 다음을 포함하는 연극 하위 범주의 풍부함으로 나타납니다.

레퍼토리 회사

Theatre Royal, Drury Lane, London, c. 1821

대부분의 현대 연극 회사들이 한 번에 한 편의 연극을 리허설하고, 그 작품을 세트 런을 위해 공연하고, 그 작품을 은퇴하고, 새로운 쇼의 리허설을 시작하는 반면, 레퍼토리 회사들은 한 번에 여러 공연을 리허설합니다. 이 회사들은 요청에 따라 이러한 다양한 작품을 공연할 수 있으며 종종 은퇴하기 전에 몇 년 동안 작업을 수행합니다. 대부분의 무용단은 이 레퍼토리 시스템으로 운영됩니다. 런던의 왕립 국립 극장은 레퍼토리 시스템으로 공연합니다.

레퍼토리 극장은 일반적으로 비슷한 업적을 이룬 배우들의 그룹을 포함하며, 개별 스타 배우보다 그룹의 명성에 더 의존합니다. 또한 일반적으로 감독의 엄격한 통제에 덜 의존하고 연극적 관습에 덜 집착합니다. 왜냐하면 여러 작품에서 함께 작업한 배우들은 관습이나 외부 연출에 많이 의존하지 않고 서로에게 반응할 수 있기 때문입니다.[102]

기타용어

극단은 연극인들이 함께 활동하는 극단(또는 연기단)과는 별개로 [4]연극 공연을 제작하는 단체입니다.[5]

투어 컴퍼니(touring company)는 각 도시의 다른 극장에서 공연되는 국제적인 여행을 하는 독립적인 극장 또는 무용단입니다.[citation needed]

현대식 극장인 극장 콜론(Teatro Colón)의 내부

극장을 짓기 위해서는 극단과 극장 장소가 모두 필요합니다. 극단이 극장 공연장에 상주하는 유일한 회사일 때, 이 극장(및 그에 상응하는 극단)은 공연장이 자체 작품을 제작하기 때문에 상주 극장 또는 생산 극장이라고 불립니다. 자신의 극장 장소가 없는 무용단뿐만 아니라 다른 극단들도 대관 공연장이나 발표 공연장에서 공연을 합니다. 대관 공연장과 공연장 모두 상근 입주사가 없습니다. 그러나 그들은 때때로 이용 가능한 경우 공간을 사용하도록 주선하는 다른 독립 파트너 회사 외에도 하나 이상의 시간제 상주 회사를 가지고 있습니다. 임대 극장은 독립적인 회사들이 공간을 찾을 수 있도록 해주는 반면, 프레젠테이션 극장은 독립적인 회사들이 그들의 무대에서 공연함으로써 그들의 작업을 지원할 수 있도록 해줍니다.[citation needed]

일부 공연 그룹은 극장이 아닌 공간에서 공연을 합니다. 이러한 공연은 외부 또는 내부, 비전통적 공연 공간에서 이루어질 수 있으며, 거리 극장, 장소별 극장을 포함합니다. 비전통적인 장소를 사용하여 관객에게 보다 몰입적이거나 의미 있는 환경을 만들 수 있습니다. 때로는 전통적인 극장 장소보다 더 많이 개조되거나 다양한 종류의 장비, 조명 및 세트를 수용할 수 있습니다.[103]

조합

다음과 같은 많은 극장 연합이 있습니다.

참고 항목

주 기사: 극장개요

해설주

  1. ^ 원래 철자가 극장과 극장이었습니다. 1550년경부터 1700년경까지 가장 흔한 철자법은 연극이었습니다. 1720년과 1750년 사이에 극장은 영국 영어로 중단되었지만, 미국 영어로 유지되거나 부활했습니다(Oxford English Dictionary, 2nd Ed., 2009, CD-ROM: ISBN978-0-19-956383-8). 최근 미국 영어 사전은 덜 일반적인 변형으로 연극을 나열합니다. 예를 들어, 랜덤 하우스 웹스터 대학 사전(1991); 미국 영어 유산 사전, 제4판 (2006); 새로운 옥스포드 미국 사전, 제3판 (2010); 메리엄-웹스터 사전 (2011).
  2. ^ 찰스 샌더스 피어스(Charles Sanders Peirce)의 "세미오틱스(semiotics)"를 바탕으로 파비스는 "연극적 기호의 특수성은 기호의 세 가지 가능한 기능을 사용하는 능력에 있을 수 있다: 아이콘(모의적), 색인(발음의 상황에서) 또는 기호(소설적 모드에서 기호적 시스템). 사실상, 연극은 단어의 출처를 시각적이고 구체적으로 만듭니다: 그것은 기호에 의해 허구적인 세계를 나타내고 화신화합니다. 그렇게 함으로써 상징화와 상징화의 과정이 끝날 때까지 관객은 극적인 우주를 설명하는 이론적이고 미학적인 모델을 재구성했습니다."[3]
  3. ^ 브라운은 고대 그리스의 연극이 "본질적으로 고전 아테네의 창작물이었다: 나중에 고전으로 간주되는 모든 극작가들이 기원전 5세기와 4세기에 아테네에서 활동했으며, 현존하는 모든 연극은 이 시기로부터 유래한다"고 썼습니다.[7] 골드힐은 "5세기 아테네의 지배적인 문화는 연극을 발명했다고 말할 수 있다"고 썼습니다.[9]
  4. ^ 골드힐은 "시민권 행사의 필수적인 부분"을 형성하는 활동들(예를 들어, "아테네 시민이 의회에서 연설하거나, 체육관에서 운동하거나, 심포지엄에서 노래하거나, 소년에게 구애할 때")은 각각 "전시와 규제의 체제"를 가지고 있지만, 그럼에도 불구하고 "퍼포먼스"라는 용어는 "이러한 다양한 활동 영역 간의 연결과 중복을 탐색하는 데 유용한 휴리스틱 범주"를 제공합니다.[13]
  5. ^ Taxidou는 "대부분의 학자들이 현재 '그리스' 비극을 '아테네' 비극이라고 부르고 있는데, 이는 역사적으로 옳다"고 지적합니다.[25]
  6. ^ 카틀리지는 비록 4세기의 아테네인들이 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스를 "장르의 비파레일"로 판단하고, 그들의 연극을 정기적으로 부흥으로 기리긴 했지만, 비극 자체는 단지 5세기의 현상이 아니라, 단명한 황금기의 산물이었다고 말합니다. 만약 5세기 '고전'의 가치와 위상을 달성하지 못한다면, 그럼에도 불구하고 원작의 비극은 계속 쓰여지고 생산되었으며 민주주의의 남은 생애 동안 그리고 그 너머에서 수많은 사람들과 경쟁했습니다."[28]
  7. ^ 아이스킬로스의 7개, 소포클레스의 7개, 에우리피데스의 18개가 있습니다. 또한 에우리피데스의 사티로스 연극인 사이클롭스도 있습니다. 17세기 이래로 몇몇 비평가들은 고전적 전통이 에우리피데스의 것으로서 주는 비극들 중 하나라고 주장했습니다.-Rhesus -는 4세기 무명 작가의 희곡이며, 현대 학문은 고전적 권위에 동의하고 연극을 에우리피데스의 것으로 간주합니다. Walton (1997, viii, xix) 참조. (이 불확실성은 브로켓과 힐디의 31가지 비극에 대한 수치를 설명합니다.)
  8. ^ 프로메테우스 바운드가 아이스킬로스에 의해 쓰여진 것이 아니라는 이론은 작품이 살아남은 사람들에게 네 번째 익명의 극작가를 더해줍니다.
  9. ^ 기원전 438년 에우리피데스의 알케스티스와 마찬가지로 이 패턴에 대한 예외가 만들어졌습니다. 또한 디오니시아 시에서는 디티람브와 기원전 488-87년 이후 코미디 공연을 위한 별도의 대회가 있었습니다.
  10. ^ 러시 렘은 비극이 기원전 501년까지 제도화되지 않았다는 증거로 다음과 같은 주장을 제시합니다. "도시 디오니소스에서 존경받는 구체적인 숭배는 디오니소스에게 성역이 있었던 보이오티아와 아티카의 경계에 있는 마을인 '엘레우테레와 관계가 있는' 신 디오니소스 엘레우테레우스의 숭배였습니다. 기원전 510년 페이시스트라토스의 폭정을 무너뜨리고 기원전 508-07년 클라이스테네스의 민주적 개혁 이후 아테네는 엘레우테레를 합병했고, 디오니소스 엘레우테레우스의 숭배 이미지는 새 집으로 옮겨졌습니다. 아테네 시민들은 매년 디오니시아 시에 대한 예비 의식에서 신의 숭배가 포함되는 것을 재연했습니다. 축제가 시작되기 전날, 이 컬트 조각상은 디오니소스 극장 근처의 신전에서 제거되어 엘레우테라로 가는 길에 있는 신전으로 옮겨졌습니다. 그날 저녁, 희생과 찬송가가 끝난 후, 횃불 행렬은 신이 아테네에 도착한 것을 상징적으로 재현한 것인 동시에 보이오티아 마을이 아티카에 포함된 것을 상기시켜주는 조각상을 사원으로 다시 운반했습니다. 엘레우테라는 이름이 엘레우테리아, 즉 '자유'와 매우 가깝기 때문에, 아테네 사람들은 아마도 새로운 컬트가 그들 자신의 정치적 해방과 민주적 개혁을 기념하기에 특히 적합하다고 느꼈을 것입니다."[37]
  11. ^ 장 피에르 베르낭트(Jean-Pierre Vernant)는 페르시아어에서 아이스킬로스는 관객과 영웅시대 사이의 일반적인 시간적 거리를 대체한다고 주장합니다. 서양 관객과 동페르시아 문화 사이의 공간적 거리. 그는 이 대체물이 유사한 효과를 만들어낸다고 제안합니다: "합창에 의해 유발된 '역사적' 사건들은 전설적인 분위기 속에서 무대에 올려지고, 전령에 의해 다시 기록되고, 다리우스의 유령에 의해 해석됩니다. 비극이 그들에게 비추는 빛은 그 날의 정치적 사건들이 일반적으로 보이는 것이 아니라, 다른 곳의 먼 세계에서 굴절되어 아테네 극장에 도달하고, 없는 것을 무대 위에서 보이는 것처럼 보이게 합니다."라고 베르난트와 비달-나케(1988, 245).
  12. ^ 아리스토텔레스, 시학, 1449a행: "코미디는, 우리가 말했듯이, 열등한 사람들의 표상이며, 실제로 나쁜 단어의 완전한 의미는 아니지만, 웃을 수 있는 사람들은 기초의 한 종이거나 추한 종입니다. 그것은 고통이나 재앙을 일으키지 않는 어떤 실수나 추함으로 이루어져 있습니다. 명백한 예로 못생기고 왜곡되었지만 고통스럽지 않은 만화 가면을 들 수 있습니다."
  13. ^ 아비나야의 문자 그대로의 의미는 "앞으로 나아가다"입니다.
  14. ^ 프랜시스 퍼거슨(Francis Fergusson)은 "드라마는 가사와 구별되는 언어적 매체의 구성이 아니라, 말의 표현대로 사건과 성격의 근본적인 구조에서 비롯된다"고 썼습니다. 아리스토텔레스가 말했듯이, '시인, 즉 '제조자'는 구절보다는 줄거리의 제작자가 되어야 한다; 그는 모방하기 때문에 시인이고, 그가 모방하는 것은 행동이기 때문이다'(1949, 8).
  15. ^ 1998년 반함에서 "오페라", "뮤지컬 극장, 미국", "멜로드라마", "노"의 출품작을 참조하십시오.
  16. ^ 연극 역사가들 사이에 약간의 논쟁이 있지만, 로마 세네카의 연극들은 공연될 의도가 아니었을 가능성이 있습니다. 바이런의 맨프레드는 "극적인 시"의 좋은 예입니다. Banham 1998의 "Seneca"와 "Byron (George George)"에 대한 항목을 참조하십시오.
  17. ^ 즉흥곡의 일부 형태, 특히 코메디아 델 아르테는 '라찌' 또는 경치 좋은 행동의 대략적인 윤곽에 기초하여 즉흥적으로 연주합니다(Gordon 1983 및 Duchartre 1966 참조). 모든 형태의 즉흥곡은 서로에 대한 즉각적인 반응, 등장인물의 상황(때로는 미리 설정되기도 함), 그리고 종종 관객과의 상호작용으로부터 그들의 단서를 얻습니다. 극장의 고전적인 즉흥곡 형식은 영국의 조안 리틀우드와 키스 존스톤 그리고 미국의 비올라 스폴린에서 유래했습니다; 존스톤 2007과 스폴린 1999를 참조하세요.
  18. ^ 첫 번째 "에드워드 뮤지컬 코미디"는 비록 그것이 에드워드 시대가 시작되기 8년 전에 제작되었지만, 보통 In Town (1892)으로 여겨집니다. 예를 들어, "EdMusComs는 무엇인가?" (FrasrWeb 2007, 2011년 5월 12일 접속)를 참조하십시오.
  19. ^ 칼슨 1993, 피스터 2000, 엘람 1980 및 Taxidou 2004를 참조하십시오. 좁은 의미의 드라마는 19세기 중반 이후부터 반(反) 또는 반(反)장르적 탈영토화로 코미디와 비극의 전통적인 구분을 넘나듭니다. 베르톨트 브레히트(Bertolt Brecht)와 아우구스토 보알(Augusto Boal)은 비극의 모델에 대한 서사극 프로젝트(각각 비-아리스토텔 드라마와 억압받는 자들의 극장)를 정의합니다. 그러나 Taxidou는 서사극을 비극적인 기능과 애도와 추측에 대한 대우의 통합으로 읽습니다.[81]
  20. ^ 1902년, 스타니슬랍스키는 "작가는 종이에 글을 씁니다. 배우는 무대 위에서 자신의 몸으로 글을 쓴다"며 "오페라의 악보는 오페라 그 자체가 아니며 연극의 대본은 무대 위에서 피와 살이 될 때까지 드라마가 아니다"라고 베네데티(1999a, 124)가 인용했습니다.

인용

  1. ^ 칼슨 1986, 36쪽
  2. ^ 영국 영어에서는 항상 "극장", 미국 영어에서는 "극장".
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일반출처

더보기

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