19세기 극장

Nineteenth-century theatre
리하르트 바그너의 바이로이트 축제 극장.

19세기 연극은 19세기 유럽과 미국의 연극 문화에서 광범위한 움직임을 묘사한다.서양에서는 낭만주의, 멜로드라마, 스크라이브와 사르두의 잘 만들어진 연극, 페이도의 희극, 자연주의와 현실주의의 문제극, 바그너의 오페라 게삼트쿤스트베르크, 길버트와 설리반의 연극과 오페라, 와일드의 응접실 코미디, 후기 표현주의, 후기 표현주의 등이 있다.익 [1]입센


멜로드라마

주요 기사:멜로드라마
오노레 도미에, 멜로드라마, 1856년 ~ 1860년

프랑스 혁명 동안 극장 독점권이 폐지된 후 프랑스에서 시작된 멜로 드라마는 금세기 가장 인기 있는 연극 형태가 되었다.멜로 드라마 자체는 고전 그리스로 거슬러 올라갈 수 있지만, 멜로드라임이라는 용어는 1766년까지 등장하지 않았고 1800년 이후에야 대중적으로 쓰이게 되었다.아우구스트 폰 코체뷰와 르네 샤를 길베르 드 픽세레쿠르의 연극은 멜로드라마를 [2]19세기 초반의 지배적인 극적 형태로 확립했다.특히 Kotzebue는 전 세계에서 제작된 215편 이상의 희곡을 쓴 그의 시대의 가장 인기 있는 극작가였다.그의 연극 "이방인"은 종종 고전 멜로드라마 연극으로 여겨진다.비록 나폴레옹 치하에서 독점권과 보조금이 회복되었지만, 연극 멜로드라마는 계속해서 인기를 끌었고 국가가 후원하는 드라마와 오페라보다 더 많은 관객을 끌어들였다.

멜로드라마는 지나치게 많은 풍경 효과, 매우 감성적이지만 성문화된 연기 스타일, 그리고 연극 예술을 웅장한 무대 예술로 발전시키는 발전된 무대 기술을 포함했다.그것은 또한 끊임없이 변화하고 새로운 사회적 맥락, 새로운 관객, 그리고 새로운 문화적 영향에 적응하는 극장의 매우 반응적인 형태였다.이것은 부분적으로 19세기 [3]내내 그것의 인기를 설명하는데 도움이 된다.데이비드 그림스테드는 그의 저서 멜로드라마 공개(1968)에서 다음과 같이 주장한다.

그 관습은 거짓이었고, 그 언어는 딱딱하고 평범했으며, 등장인물들의 고정관념, 그리고 도덕성과 신학적인 총체적 단순화였다.하지만 그것의 매력은 대단했고 이해할 만했다.그것은 서민들의 삶을 진지하게 받아들였고 그들의 뛰어난 순수함과 지혜에 많은 존경을 보냈다. 그리고 그 도덕적 우화는 사회적 두려움과 삶의 훌륭함을 절대적인 도덕적 기준에 대한 시대의 자신감, 인간의 상승적 진보, 순수한 [4]이들의 승리를 보장하는 자비로운 섭리와 조화시키기 위해 노력했다.

19세기 파리에서는 범죄의 대로에 위치한 많은 극장들, 특히 가테에서 멜로드라마가 번성했다.그러나 1862년 [5]하우스만 남작이 파리를 재건하는 동안 대부분의 극장이 파괴되면서 이 모든 것이 끝나게 되었다.

19세기 말까지 멜로드라마라는 용어는 살롱 엔터테인먼트의 특정 장르로 거의 한정되었다: 다소 리듬 있게 이야기된 단어들 - 노래되지 않고 때로는 다소 또는 다소 규칙적인, 적어도 어떤 극적인 구조나 줄거리와 함께 - 음악 반주에 동기화되었다.그것은 낮은 수준의 작가들과 작곡가들을 위한 장르로 경시되었다(아마도 그 장르에 대한 현실화가 아직 거의 기억되지 않는 이유일 것이다).

독일과 프랑스의 낭만주의

참고 항목: 낭만주의

독일에서는 의상과 배경의 역사적 정확성, 극장 건축의 혁명, 그리고 독일 낭만주의의 연극적 형태의 도입에 대한 추세가 있었다.20세기 철학과 시각예술의 흐름에 영향을 받아 독일 작가들은 튜턴의 과거에 점점 더 매료되었고 낭만적인 민족주의 의식을 갖게 되었다.고트홀드 에브라임 레싱, 요한 볼프강 폰 괴테, 프리드리히 쉴러, 그리고 다른 Sturm und Drang 극작가들의 연극은 도덕적 행동의 지침으로서 느낌과 본능에 대한 믿음을 증가시켰다.낭만주의는 "로맨틱" 예술의 이론적 기초를 형성하기 위해 임마누엘 칸트의 철학에서 차용했다.낭만주의에 따르면, 예술은 영원한 진실을 제한된 인간의 감각 기관이 이해할 수 있는 구체적이고 물질적인 형태를 제공하기 때문에 매우 중요하다.이 기간 동안 스스로를 낭만주의자라고 불렀던 사람들 중, 아우구스트 빌헬름 슐레겔과 루드비히 티크는 [6]연극에 가장 깊은 관심을 가지고 있었다.얼마 후, 낭만주의는 빅토르 위고, 알렉상드르 뒤마, 알프레드 드 뮈세, 조지 샌드의 연극과 함께 프랑스에서 채택되었다.

1830년대 프랑스에서 극장은 레퍼토리에 대한 강한 신 고전주의적 지배력을 유지하고 새로운 극작가들에게 비극적 글쓰기의 전통적인 방식을 장려한 코메디 프랑세즈와 싸웠다.이 충돌은 1830년 빅토르 위고의 헤르나니 초연으로 절정에 달했다.시사회에 참석한 많은 관객들은 고전적인 규범에 따르지 않고 공연이 진행되지 않기를 바라는 것에 대해 야유를 보내는 보수와 검열자들로 가득했다.그러나 휴고는 개막이 반드시 진행되도록 하기 위해 보헤미안적이고 급진적인 작가들로 구성된 낭만주의 군대를 조직했다.그 결과 일어난 폭동은 프랑스에서의 고전적 전통에 대한 거부와 낭만주의의 [7]승리를 상징했다.

하지만 1840년대까지 프랑스에서 로맨틱 드라마에 대한 열정은 식었고 새로운 "상식의 극장"이 그것을 대체했다.

잘 만든 플레이

주요 기사:잘 만든 플레이

프랑스에서, 유진 스크라이브 (1791–1861)의 "잘 만든 연극"은 극작가와 관객들에게 인기를 끌었다.1825년 스크라이브에 의해 처음 개발된 이 형식은 극의 마지막 부분에서 벌어지는 촘촘한 줄거리와 클라이맥스를 수반하는 강한 신고전주의 풍미를 가지고 있다.이 이야기는 일부 등장인물들로부터 지켜지지만 다른 사람들(그리고 청중들)에게는 알려진 중요한 정보에 의존합니다.잘 만들어진 연극이 사용하는 반복적인 장치는 줄거리 반전과 절정을 가져오기 위해 의도하지 않은 손에 들어가는 편지나 종이를 사용하는 것이다.긴장감과 페이스는 주인공이 예상치 못한 [8]운명의 역전에 승리하는 절정의 장면을 향해 치닫는다.

스크라이브는 이런 종류의 희곡을 400편 이상 썼는데, 이 희곡은 기본적으로 이야기를 제공한 작가들과 함께 문예 공장에 해당하는 것, 또 다른 대화, 1/3 농담 등을 사용했습니다.그는 매우 다작하고 인기가 많았지만, 그를 비난하는 사람들이 없는 것은 아니었다.고티에는 "시, 서정, 문체, 철학, 진실 또는 자연주의가 없는 작가가 문학과 비평가들의 반대에도 불구하고 그의 시대의 가장 성공적인 작가가 될 수 있을 것"이라는 것이 어떻게 가능한가?[9]

그 구조는 현실주의 극작가 알렉상드르 뒤마, 필스, 에밀 오귀에, 빅토리앙 사르두 등에 의해 사용되었다.특히 Sardou는 1860년에서 1900년 사이에 세계에서 가장 인기 있는 극작가 중 한 명이었다.그는 잘 만들어진 연극을 희극에서 역사관에 이르기까지 모든 극적인 유형으로 각색했다.영국에서는 윌키 콜린스, 헨리 아서 존스, 아서 피네로와 같은 극작가들이 이 장르를 차지했고 콜린스는 잘 만들어진 연극을 "웃게 하고, 울게 하고, 기다리게 하라"고 묘사했다.조지 버나드 쇼는 사두의 연극이 19세기 후반 극장이 몰락한 타락과 [8]무심함을 전형적으로 보여준다고 생각했다.

영국의 극장

주요 기사:영국의 극장
1809년 코벤트 가든 극장.

19세기 초, 라이선스 법은 겨울 동안 런던의 두 극장에서만 연극을 상영하는 것을 허용했다: Durry Lane과 Covent Garden.이 두 개의 거대한 극장에는 두 개의 왕실 상자, 거대한 갤러리, 그리고 공연 중에 사람들이 오고 갈 수 있는 벤치가 있는 구덩이가 있었다.아마도 19세기 초에 극장이 인기를 끌었던 가장 큰 사건은 1809년의 극장가 올드 프라이스 폭동일 것이다.콘벤트 가든이 불타버린 후, 그 극장의 매니저인 존 필립 켐블은 구덩이, 상자, 그리고 3층의 가격을 올리기로 결정했다.관객들은 자신들이 전국 회의장소에 갈 수 없다고 생각한 새로운 가격을 싫어했고 마침내 켐블이 공개적으로 사과하고 가격을 다시 [10]인하해야 할 때까지 3개월간의 폭동을 야기했다.이러한 제약을 피하기 위해, 산파릴과 같은 스트랜드 강변의 비특허 극장은 체임벌린 경의 사무실이 벌레타 공연을 허용한 후 극적인 장면과 코믹한 촌극을 삽입하여 현대 웨스트 엔드의 형성을 이끌었다.런던 수도권을 벗어나 애스틀리의 원형극장이나 코버그 같은 극장들도 규칙 밖에서 운영될 수 있었다.이러한 형태의 폭발적인 인기는 특허 시스템을 실행할 수 없게 만들기 시작했고 1830년대 들어 둘 사이의 경계가 모호해지기 시작했고 마침내 1843년 극장법과 함께 라이선스법이 폐지되었다.의회는 이것이 관객들을 교화시키고 보다 문학적인 극작가로 이어지기를 바랐습니다. 대신 뮤직홀, 코미디, 선정적인 멜로드라마가 [11]폭발적으로 증가했습니다.

에드워드 벌워-리튼.

퍼시 비쉬 셸리와 바이런 경은 그들 시대의 가장 중요한 문학 극작가였다.셰익스피어는 엄청난 인기를 끌었고, 17세기와 18세기 연극 버전의 과감한 개작 작업이 세기 전반을 거치면서 점차 사라지면서 원작에 가까운 텍스트로 공연되기 시작했다.Kotzebue의 연극은 영어로 번역되었고 Thomas Holcroft의 A Tale of Mystery는 많은 영어 멜로드라마 중 첫 번째였다.피어스 이건, 더글러스 윌리엄 제롤드, 에드워드 피츠볼, 제임스 롤랜드 맥클라렌, 존 볼드윈 벅스톤은 일반적인 역사적이거나 환상적인 멜로 드라마보다 더 현대적이고 시골적인 이야기를 선호하는 경향을 시작했다.제임스 셰리던 놀스와 에드워드 벌워-라이튼은 "신사스러운" 드라마를 만들어 귀족과 [12]함께 극장의 옛 명성을 되찾기 시작했다.

헨리 어빙 초상화

세기에 걸쳐 극장은 시설을 관리하고 종종 주인공 역할을 하는 배우-매니저들에 의해 지배되었다.Henry Irving, Charles Kean, Herbert Beerbohm Tree는 모두 그들이 스타 배우였던 프로덕션을 만든 매니저들의 예입니다.어빙은 특히 1871년부터 1899년까지 거의 30년 동안 라이시엄 극장을 지배했고 그의 관객들로부터 영웅적인 존경을 받았다.1905년 그가 사망했을 때, 에드워드 7세와 시어도어 루스벨트는 조의를 표했다.이러한 배우 매니저들 사이에서 셰익스피어는 종종 가장 인기 있는 작가였다. 왜냐하면 그의 희곡은 그들에게 큰 극적인 기회와 명성을 제공했기 때문이다.이 작품들의 무대 광경은 연극보다 더 중요했고, 주인공에게 최대한 노출을 주기 위해 텍스트가 종종 잘렸다.하지만, 그들은 또한 연극 과정에 상당한 개혁을 도입했다.예를 들어, William Charles Macready가 최초로 적절한 리허설을 도입했습니다.이 전에 주연 배우들은 다른 배우들과 함께 그들의 파트를 연습하는 일은 거의 없었다: 에드먼드 킨이 동료 배우들에게 가장 유명한 연출은 "내 앞에 서서 최선을 [10]다하라"이다.

멜로드라마, 가벼운 코미디, 오페라, 셰익스피어와 고전 영국 드라마, 판토마임, 프랑스 연극의 번역, 그리고 1860년대부터 프랑스 오페레타는 빅토리아 시대의 부르레스크와 함께 계속 인기를 끌었다.가장 성공적인 극작가는 제임스 플랜체와 디옹 부치코로, 그들은 최신 과학 발명을 그의 플롯에서 중요한 요소로 만드는 경향이 연극 제작에 상당한 영향을 끼쳤다.그의 첫 번째 큰 성공작인 런던 어슈어런스(1841)는 셰리던 스타일의 코미디였지만 멜로드라마를 포함한 다양한 스타일로 글을 썼다.T. W. Robertson은 인기 있는 국내 코미디를 썼고 1860년대 영국 무대에 보다 자연스러운 스타일의 연기와 무대 기법을 도입했다.

1871년, 프로듀서 존 홀링스헤드는 자신도 모르게 연극사의 위대한 듀오 중 하나를 쏟아내며 크리스마스 엔터테인먼트를 만들기 위해 리브레티스트 W.S. 길버트와 작곡가 아서 설리번을 불러모았다.H.M.S. 피나포어(1878년), 미카도(1885년) 등 길버트와 설리반의 14개 코믹 오페라는 20세기 뮤지컬 [13]연극 발전에 큰 영향을 미쳤다.이것은 런던과 뉴욕의 훨씬 개선된 가로등과 교통수단과 함께 웨스트엔드와 브로드웨이에 후기 빅토리아 시대와 에드워드 시대의 극장 건축 붐을 일으켰다.세기 말에, 에드워드식 뮤지컬 코미디가 뮤지컬 [14]무대를 지배하게 되었다.

1890년대에 오스카 와일드와 조지 버나드 쇼의 코미디는 세련된 사회적 평론을 제공했고 매우 인기가 있었다.

미국의 극장

주요 기사:미국의 극장

미국에서, 필라델피아는 1820년대까지 지배적인 연극 중심지였다.그곳에서 토마스 위그넬은 체스트넛 스트리트 극장을 설립하고 후에 북미에서 주연 배우로 여겨지는 윌리엄 워렌, 수잔나 로슨, 토마스 압소프 쿠퍼를 포함한 배우들과 극작가들을 모았습니다.로얄 타일러, 윌리엄 던랩, 제임스 넬슨 바커, 존 하워드 페인, 새뮤얼 우드워스와 같은 극작가들이 영국과는 별개로 미국 드라마를 만들 수 있는 기반을 마련했음에도 불구하고, 많은 미국인들은 '토종 드라마'의 부족을 한탄했다.이 시기에 독창적인 연극이 부족한 이유 중 하나는 극작가들이 그들의 작품에 대한 보수를 거의 받지 못했고, 관리자들이 외국 작품을 개작하거나 번역하는 것이 훨씬 저렴했기 때문일 것이다.전통적으로 보수는 주로 공연 3일째 밤에 작가에게 자선 공연의 형태였지만, 많은 매니저들은 세 번째 [15]공연 전에 공연을 마치는 것으로 이 관습을 피하곤 했다.

"미국 드라마의 아버지"로 알려진 던랩은 영국 장교들의 연극을 보고 자랐으며, 혁명 직후 런던에서 생활하면서 연극 문화에 심취했다.뉴욕의 존 스트리트 시어터와 파크 시어터의 매니저로서 그는 그가 봤던 연극과 연극적 가치를 그의 나라로 가져왔다.던랩은 당대의 많은 극작가들과 마찬가지로 프랑스 극작가들의 멜로드라마 작품을 각색하거나 번역했지만 아버지(1789년), 안드레(1798년), 이탈리아 아버지([16]1799년) 등 29편의 원작을 썼다.

1820년부터 1830년까지, 미국인들의 삶의 물질적 조건의 향상과 오락에 대한 중산층의 증가하는 수요는 캐텀 가든, 연방 거리, 트레몬트, 니블로 가든, 바우어리를 포함한 뉴욕, 필라델피아, 보스턴 그리고 워싱턴에 새로운 극장을 건설하게 되었다.이 시기 초반, 필라델피아는 계속해서 주요한 연극의 중심지였다: 연극은 4월이나 5월까지 필라델피아에 있는 더 큰 극장으로 옮기기 전에 종종 9월이나 10월에 볼티모어에서 개막했고, 그 후 워싱턴이나 알렉산드리아에서 여름 시즌을 보냈다.그러나 경쟁과 더 큰 경제력으로 인해 1828년 10월 1일부터 1829년 5월 27일까지 8개월 만에 5개의 주요 극단이 줄줄이 파산했다.이것과 클라라 피셔와 같은 스타 시스템 배우들의 수입으로 인해 뉴욕은 미국 [15]연극의 지배적인 도시가 되었다.

글래디에이터에서 스파르타쿠스 역을 맡은 에드윈 포레스트.

1830년대에 낭만주의는 유럽과 미국에서 로버트 몽고메리 버드와 같은 작가들이 전면에 나서면서 번성했다.낭만주의는 영원한 진실과 민족주의적 주제를 강조했기 때문에 미국의 새로운 국가 정체성과 완벽하게 맞아떨어진다.버드 글래디에이터는 1831년 초연돼 1836년 에드윈 포레스트가 스파르타쿠스 역을 맡아 런던의 드루리 레인에서 공연됐으며, 쿠리어는 "미국은 마침내 최고 수준의 극작가를 배출할 수 있는 능력을 입증했다"고 선언했다.y는 "안테벨룸을 신고전주의 [17]반군으로 변모시켜" 미국의 노예제도를 공격한다.Forrest는 1872년까지 전 세계에서 1,000회 이상의 공연을 계속했습니다.초기 협업을 성공적으로 마친 후, Bird와 Forrest는 Oralloosa, Son of the Incas 및 The Broker of Bogota의 추가 시사회에 협력할 예정입니다.그러나 The Gladiator의 성공은 계약 불화로 이어졌고, Bird는 Bird's 연극으로 수만 달러를 벌어들인 Forrest가 그에게 지불한 2,000달러 이상의 빚을 졌다고 주장했다.

음유시인 쇼는 1830년대 초에 짧은 버들레크와 코믹 엔트리로 등장했다.그것들은 다음 10년 안에 본격적인 형태로 개발되었습니다.1848년까지, 검은 얼굴의 음유시인 쇼는 오페라와 같은 형식적인 예술을 일반 관객들에게 인기 있는 용어로 바꾸면서 전국적인 예술의 형태가 되었다.각각의 쇼는 희극, 버라이어티 액트, 춤, 그리고 특별히 아프리카 혈통을 가진 사람들을 조롱하는 음악 공연으로 구성되었다.백인들이 흑인의 역할을 하기 위해 화장이나 흑인의 얼굴을 하고 공연을 했다.음유시인의 노래와 스케치는 스톡의 여러 캐릭터를 등장시켰는데, 가장 인기 있는 것은 노예와 댄디였다.이들은 엄마, 그녀의 상대편인 늙은 거무스름한 사람, 도발적인 물라토 처녀, 그리고 흑인 군인과 같은 아궁이 유형으로 더욱 나뉘었다.음유시인들은 그들의 노래와 춤이 흑인의 영향의 정도는 여전히 논쟁의 여지가 있지만 실제로는 흑인이었다고 주장했다.

스타 배우들은 현대의 유명인사나 스포츠 스타에 버금가는 엄청난 충성스러운 추종자들을 모았다.동시에, 관객들은 항상 그들의 감정을 알리는 장소로 극장을 대했는데, 배우들뿐만 아니라 다른 계급이나 정치적 신념을 가진 그들의 동료 극장 관객들에게도 그랬다. 그리고 극장 폭동은 뉴욕에서 [18]자주 일어났다.이러한 스타들의 힘의 한 예는 1849년 미국 스타 에드윈 포레스트와 영국 배우 윌리엄 찰스 맥레디 사이의 갈등으로 야기된 애스터 플레이스 폭동이다.폭동은 이민자들과 원주민들을 서로 격돌시켜 최소 25명이 사망하고 120명 이상이 부상했다.

남북전쟁 이전 시대에는 미국 전역에서 더 많은 종류의 정치적 드라마가 상연되었다.미국이 1830년대와 40년대에 서부로 진출하면서, 극장들은 포카혼타스, 포니 족장, 드 소토와 메타모라 또는 윔파노악의 마지막과 같은 미국 원주민들을 낭만적이고 가면을 쓴 연극을 공연하기 시작했다.이 연극들 중 50여 편이 1825년과 1860년 사이에 상연되었는데, 존 브로햄의 [19]"고귀한 야만인"의 화려한 공연을 포함한다.많은 극작가들은 최근의 사건들을 무시하고 당시의 주요 이슈들을 다룬 짧은 희극을 썼다.예를 들어, "예금 제거"는 1835년 보워리에서 앤드류 잭슨이 은행과 휘그당, 민주당과 싸운 것에 대한 반응으로 제작된 희극이었고, "무정치의 사랑"은 미국의 두 정당 사이의 투쟁을 다룬 연극이었다.

1852년 Harriet Beecher Stowe는 노예제도 반대 소설 Encle Tom's Cabin을 출판했고, 강력한 저작권법 없이 곧바로 전국 무대에서 극화되었습니다.뉴욕의 국립극장에서는 1854년까지 매주 최대 12회 200회 이상 공연할 정도로 큰 성공을 거두었다.조지 에이켄이 각색한 작품은 다른 엔터테인먼트나 [20]애프터피스 없이 혼자 힘으로 만든 6막짜리 작품이었다.톰 삼촌의 오두막에 대한 민스트렐시의 반응은 당시 농장의 내용을 보여준다.톰의 행동은 주로 다른 농장 이야기, 특히 3막에서 대체되었다.이 스케치들은 때때로 스토우의 소설을 지지하기도 했지만, 그들은 종종 스토우의 소설을 뒤집어 놓거나 작가를 공격했다.의도된 메시지가 무엇이든 간에, 그것은 대개 작품의 즐겁고 슬랩스틱한 분위기에서 사라졌습니다.사이먼 레그리와 같은 캐릭터들은 때때로 사라졌고 제목은 "Happy Uncle Tom"이나 "Uncle Dad's Cabin"과 같이 좀 더 명랑한 것으로 자주 바뀌었다.톰 삼촌은 종종 조롱당할 만한 무해한 밀매업자로 묘사되었다.토머컴퍼니로 알려진 극단들은 이러한 버들레크를 전문으로 하고 있고, 극장 톰은 음유시인 쇼의 통합된 요소들을 보여주며 한동안 그것과 경쟁했다.

남북전쟁 이후 미국 무대는 멜로드라마, 음유시인 쇼, 코미디, 익살극, 서커스, 보드빌, 벌레스크, 오페라, 오페라, 뮤지컬, 뮤지컬, 의학쇼, 오락실, 와일드웨스트 쇼가 주를 이뤘다.어거스틴 달리, 에드워드 해리건, 디온 부치코, 브론슨 하워드 등 많은 미국 극작가와 연극인들이 "미국 극작가의 실패"를 한탄했다.그러나 19세기 후반 이민으로 도시와 도시 지역이 붐을 이루면서 기술, 통신 및 교통의 사회적 격변과 혁신이 미국 연극에 [21]큰 영향을 미쳤다.

보스턴에서는 길드 에이지 사회에서 배척당했지만 로렌스 배럿, 제임스 오닐, 댄 에밋, 토니 하트, 애니 예먼스, 존 맥컬러프, 조지 M 등 아일랜드계 미국인 연주자들이 성공을 거두기 시작했다. 코한, 로레트 테일러, 그리고 아일랜드 극작가들이 댈리, 해리건, 제임스 [22]허를 포함한 무대를 장악하게 되었다.

키랄피 형제의 엑셀시오르

1883년, 키랄피 형제는 뉴욕의 니블로 가든스에서 선보일 엑셀시오르라고 불리는 뮤지컬 발레에 전구가 통합될 수 있는지 알아보기 위해 멘로 파크에서 토마스 에디슨을 만났다.쇼맨인 에디슨은 그의 발명품에 대한 수요를 창출할 수 있는 이 모험의 가능성을 깨달았고, 그들은 함께 무용수의 의상과 풍경에 부착된 500개 이상의 전구에 의해 조명되는 작품의 피날레를 디자인했다.8월 21일 쇼가 시작되었을 때, 그것은 즉각적인 히트를 쳤고, 그 후 버팔로, 시카고, 덴버, 샌프란시스코에서 공연되었다.따라서, 극장 내 전등은 탄생했고 무대 조명뿐만 아니라 풍경 [22]디자인의 원리를 근본적으로 바꿀 것이다.

길드 에이지 또한 미국 연극 투어의 황금기였다: 뉴욕은 야심차고 재능 있고 운이 좋은 사람들의 메카였던 반면, 다른 나라 전역에 걸쳐 크고 작은 극장들의 네트워크는 유명한 스타들, 작은 극단들, 음유시인 쇼, 보드빌리언, 그리고 서커스의 거대한 산업을 지원했다.예를 들어, 1895년 오하이오 톨레도에 있는 버트 극장은 인기 있는 멜로드라마를 좌석당 최대 30센트에 제공했고 64개의 다른 연극 488개의 공연에서 월 평균 45,000명의 관객을 보았다.평균 250~300회의 쇼가 뉴욕에서 시작되었으며, 1880년과 1910년 사이에 매년 전국을 누볐다.한편, 성공적인 극장들의 소유주들은 B.F.의 연극 제국처럼 그들의 영역을 넓히기 시작했다. 키스와 에드워드 F. 뉴욕의 [23]궁전을 포함한 700개 이상의 극장에 걸친 앨비.이것은 1896년 극장 신디케이트의 설립으로 절정에 달했다.

1870년대 유니언 스퀘어 주변에서 연극의 중심지로서의 뉴욕시의 중요성은 커졌고, 그 극장은 맨하탄 하류에서 서서히 북쪽으로 이동해 세기가 끝날 무렵에 마침내 미드타운에 도착했다.

뮤지컬 무대에서, 해리건과 하트는 1870년대 코믹 뮤지컬 연극으로 혁신을 이루었지만, 빅토리아 시대의 벌레스크에서 시작해 1880년 길버트와 설리번, 그리고 마침내 (조지 M과 경쟁하면서) 런던 수입품이 지배하게 되었다. 코한과 거쉰 부부의 뮤지컬 에드워드식 뮤지컬 코미디.[14]

마이닝겐 앙상블과 리하르트 바그너

주요 기사:마이닝겐 앙상블과 리하르트 바그너

독일에서 드라마는 쇠퇴기에 접어들어 1890년대까지 회복되지 못했다.그 시대의 주요 극작가는 오토 루드비히와 구스타프 프레이태그였다.셰익스피어, 레싱, 괴테, 쉴러의 희곡들이 레퍼토리에서 두드러졌기 때문에 새로운 극작가의 부족은 크게 느껴지지 않았다.19세기 후반 독일에서 가장 중요한 연극 세력은 루드비히 크로네크의 지휘 아래 작센 마이닝겐 공작과 그의 마이닝겐 앙상블의 게오르그 2세였다.비록 그의 주된 목표는 극작가의 이익을 위해 봉사하는 것이었지만, 앙상블의 작품은 종종 19세기의 가장 정확한 작품으로 여겨진다.앙상블의 작품들은 그 당시 유럽에서 전례가 없던 세밀하고, 역사적으로 정확한 의상과 가구를 사용했다.마이닝겐 앙상블은 통합 제작(또는 리하르트 바그너가 Gesamtkunstwerk라고 부르는 것)을 향한 새로운 움직임의 시작과 극장 제작의 지배적인 예술가로서의 감독([24]배우의 희생으로)의 부상이다.

마이닝겐 앙상블은 1874년부터 1890년까지 유럽 전역을 여행했고 그들이 가는 곳마다 비길 데 없는 성공을 거두었다.관객들은 일반적이고 얕은 엔터테인먼트 극장에 지쳐 있었고 앙상블이 제공할 수 있는 보다 창의적이고 지적인 형태의 표현을 요구하기 시작했다.따라서 마이닝겐 앙상블은 1880년대 [25]말 유럽에서 나타난 예술극장 운동의 선구자로 볼 수 있다.

리하르트 바그너 (1813–1883)는 사실주의로 향하는 현대의 추세를 거부하고 극작가는 사람들의 내적 충동과 열망의 표현을 통해 이상적인 세계를 보여주는 신화 제작자가 되어야 한다고 주장했다.바그너는 연주자들의 개인적인 변덕을 물리치기 위해 음악을 사용했다.음악의 멜로디와 템포는 그가 구어 드라마보다 공연에 대한 더 큰 개인적 통제를 할 수 있게 해주었다.그 Meininger 앙상블과 마찬가지로, 바그너는 author-composer가``종합 예술 작품에 모든 요소를 통일을 위해 생산의 모든 면을 감독해야 한다고 믿었습니다."[26]바그너도 강당의와 a로 바꿔 대부분의 유럽 극장의 현저한 특색은 측면 박스, 구덩이,과 화랑들을 폐지했다 새로운 형식을 도입했다1,745석의 부채꼴 강당.프로세니엄의 폭은 15m, 후면의 폭은 115피트(35m)입니다.이것은 강당의 모든 좌석이 무대를 완전히 볼 수 있게 했고 "좋은" 좌석이 없다는 것을 의미했다.

러시아의 현실주의의 부상

주요 기사 : 리얼리즘 (극장)

러시아에서는 알렉산드르 그리보예도프, 알렉산더 푸시킨, 니콜라이 폴보이가 가장 뛰어난 극작가였습니다.다른 곳과 마찬가지로 러시아는 멜로드라마와 뮤지컬 연극이 지배하고 있었다.니콜라이 고골의 연극과 미하일 슈텝킨의 연기와 함께 보다 사실적인 드라마가 등장하기 시작했다.러시아 극장은 정부의 철저한 감독 하에 상당히 확장되었다.알렉산더 샤호프스코이 왕자는 국립극장과 훈련학교를 열었고, 파리 여행 후 러시아 제작 수준을 높이려 했으며, [27]1917년까지 유효했던 극단을 통치하는 규정을 시행했다.

사실주의는 유럽의 다른 곳보다 19세기 초에 러시아에서 시작되었고 더 타협적이지 않은 [28]형태를 취했다.이반 투르게네프('내면의 혼란'을 드러내기 위해 국내 디테일을 사용한')의 희곡을 시작으로 알렉산드르 오스트로프스키(러시아 최초의 전문 극작가), 알렉세이 피셈스키(1859), 레오 톨스토이(1886년)의 희곡은 '어둠의 힘'이다.러시아의 심리적 사실주의는 콘스탄틴 스타니슬라브스키와 블라디미르 네미로비치 [29]단첸코의 모스크바 예술극장 설립으로 절정에 달했다.

오스트롭스키는 종종 독특한 러시아 드라마를 만든 것으로 알려져 있다.그의 희곡 "Every Wise Man" (1868년)과 "The Storm" (1859년)은 그가 가장 잘 아는 중산층의 삶을 그린다.19세기의 다른 중요한 러시아 극작가로는 알렉산더 수호보 코빌린과 미하일 솔티코프 슈체드린 등이 있다.

자연주의와 사실주의

헨리크 입센, 현대 연극의 '아버지'
주요 기사: 자연주의(극장)와 현실주의(극장)

찰스 다윈의 종의 기원(1859년)과 현대 정치, 경제 상황으로부터 탄생한 연극 운동인 자연주의는 에밀 졸라에서 그 주요 지지자를 찾았다.그의 에세이 "극장의 자연주의" (1881)는 시는 과거나 추상화 대신에 어디에나 있다고 주장했다: "역사 속의 빈 궁궐보다 부르주아들의 작은 아파트에 더 많은 시가 있다."

졸라 사상의 실현은 자연주의 드라마를 쓰는 유능한 극작가의 부족으로 인해 방해받았다.앙드레 앙투안은 1880년대에 회원들에게만 공개되어 검열이 면제된 그의 리브레와 함께 등장했다.그는 곧 졸라의 승인을 얻어 자연주의 작품과 다른 외국 사실주의 작품들을 무대에 올리기 시작했다.앙투안은 "4번째 벽"을 그대로 두고 나중에 어떤 벽을 제거할 지 결정하면서 세트 디자인이 독특했다.이 시기의 가장 중요한 프랑스 극작가들은 조르주 포르토 리셰, 프랑수아 드 쿠렐, 외젠 [30]브리에를 포함한 앙투안에게 첫 번째 청취를 맡았습니다.

헨리 아서 존스와 아서 윙 피네로의 작품은 영국 무대에 새로운 방향을 열었다.그들의 작품이 길을 닦았지만, 더 의미 있는 드라마의 발전은 극작가 헨리크 입센의 덕택이다.

입센은 1828년 노르웨이에서 태어났다.그는 25편의 희곡을 썼는데, 그 중 가장 유명한 작품은 인형의 집, 유령, 들오리, 그리고 헤다 가블러이다.인형의 집과 유령은 보수주의자들을 놀라게 했다.노라의 인형의 집에서의 출발은 가족과 가정에 대한 공격으로 여겨진 반면, 유령의 성병과 성적 부정행위에 대한 암시는 공공의 품위 기준에 대해 매우 모욕적인 것으로 여겨졌습니다.입센은 스크라이브의 잘 만들어진 플레이 공식을 사실적인 스타일에 더 적합하도록 다듬었다.그는 현실주의파의 작가들에게 모범을 보였다.게다가 그의 작품인 로스머스홀름(1886)과 우리가 죽은 뒤 깨어났을 때(1899)는 인간의 운명에 대한 신비로운 힘을 불러일으키는데, 이는 상징성의 주요 주제이자 소위 "부조리의 극장"이었다.

입센 이후, 영국 극장은 조지 버나드 쇼, 오스카 와일드, 그리고 사실 1900년부터 존 갈스워시의 작품으로 활기를 띠었다.동시대의 대부분의 우울하고 매우 진지한 작품과는 달리, 쇼와 와일드는 주로 코믹한 형태로 글을 썼다.

테크놀로지의 변화

주요 기사:19세기 연극 풍경

무대 조명

18세기 극장에는 촛불과 조명용 등불이 켜져 있어 관객들은 더 이상의 목적 없이 공연을 볼 수 있었다.이것은 19세기 초에 가스 조명의 도입으로 바뀌었는데, 가스 조명은 1810년대와 1820년대에 걸쳐 주요 극장들에 의해 집과 무대에 조명을 제공하기 위해 서서히 채택되었다.가스 조명의 도입은 무대 조명에 혁명을 가져왔다.그것은 프로세니움 아치의 무대 위 경치 공간과 연주에 다소 더 자연스럽고 적절한 빛을 제공했습니다.가스등을 제어할 방법이 없었지만, 이 또한 곧 바뀌게 되었다.영국에서는 1830년대 후반에 런던의 극장이 무대를 위해 각광을 받았다.파리에서 전기 카본 아크 램프는 1840년대에 처음 사용되었습니다.이 두 종류의 조명은 모두 손으로 조작할 수 있고 부착된 렌즈로 초점을 맞출 수 있기 때문에 극장은 처음으로 [31]특정 배우에게 빛을 집중시킬 수 있었다.

1880년대 이후, 사보이 극장이 1881년에 완전히 전기화된 극장 조명 시스템을 도입한 세계 최초의 극장이 되면서 극장이 점차 전기화되기 시작했다.사보이 극장을 지은 리처드 도일리 카르테는 그가 전등을 도입한 이유를 설명했다: "극장 공연을 즐기는 데 있어 가장 큰 단점은 의심할 여지 없이 모든 극장에 퍼져 있는 더러운 공기와 열이다.모두가 알고 있듯이, 각각의 가스 연소기는 많은 사람들만큼 많은 산소를 소비하고, 옆에서 엄청난 열을 발생시킨다.백열등은 산소를 소비하지 않으며,[32] 눈에 띄는 열을 발생시키지 않습니다."특히, 전등의 도입은 리얼리즘의 상승과 맞물려 새로운 형태의 조명은 보다 사실적인 풍경 디테일과 보다 섬세하고 [33]사실적인 연기 스타일을 장려했다.

경치 좋은 디자인

세기의 가장 중요한 경관 전환 중 하나는 자주 사용되던 2차원 풍경에서 3차원 세트로의 전환이었다.이전에는, 2차원적인 환경으로서, 풍경은 무대에서 일어나는 극적인 액션을 위한 끌어안고, 물리적인 환경을 제공하지 않았다.이것은 3차원 세트가 세기의 전반기에 도입되면서 바뀌었다.이것은 관객과 무대 역학의 변화와 숨겨진 장면의 변화를 가능하게 하는 극장 건축의 진보와 함께, 극장은 연출이 아닌 더 대표적이 되었고, 관객들을 상상된 '다른' 세계로 이동하도록 초대했다.19세기 초에는 움직이는 파노라마의 혁신도 볼 수 있었다: 긴 천에 그려진 설정은 스풀을 돌려서 무대를 가로질러 펼 수 있었고, 움직임과 [34]국소 변화를 만드는 환상을 만들었다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

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