헤어(뮤지컬)

머리
미국 부족의 러브록 뮤지컬
브로드웨이 오리지널 포스터
음악	Galt MacDermot
가사	게로메 라그니 제임스 라도
책	게로메 라그니 제임스 라도
프로덕션	1967 오프브로드웨이 1968년 브로드웨이 1968년 웨스트엔드 1977년 브로드웨이 리바이벌 2009년 브로드웨이 리바이벌 2010년 웨스트엔드 리바이벌 2019년 영국투어
상	토니상 뮤지컬 부문 최우수 리바이벌상

헤어: 아메리칸 부족 러브록 뮤지컬(Hair: American Tribunal Love-Rock Musical)은 게로메 라그니와 제임스 라도의 책과 가사, 갈트 맥더못의 음악이 있는 록 뮤지컬입니다. 이 작품은 1960년대 후반 히피 반문화와 성혁명에 대한 창작자들의 관찰을 반영하며, 그 노래들 중 몇 곡은 반베트남 전쟁 평화 운동의 노래가 되었습니다. 뮤지컬의 불경스러움, 불법 약물 사용에 대한 묘사, 섹슈얼리티에 대한 대우, 미국 국기에 대한 불손함, 나체 장면은 많은 논평과 논란을 일으켰습니다.^[1] 이 작품은 "록 뮤지컬"의 장르를 정의하고 인종적으로 통합된 캐스트를 사용하며 "비인" 피날레를 위해 무대에 오른 관객들을 초대함으로써 뮤지컬 연극의 새로운 지평을 열었습니다.^[2]

'헤어'는 '아쿠아리우스 시대'의 정치적으로 활동적이고 머리가 긴 히피 집단인 '부족'이 뉴욕에서 보헤미안적인 삶을 살며 베트남 전쟁에서 징병에 맞서 싸우는 이야기를 담고 있습니다. 클로드, 그의 좋은 친구 버거, 그들의 룸메이트 쉴라, 그리고 그들의 친구들은 전쟁과 그들의 보수적인 부모와 사회에 대한 반란으로 그들의 젊은 삶, 사랑, 성 혁명의 균형을 맞추기 위해 고군분투합니다. 궁극적으로 클로드는 친구들이 그랬던 것처럼 징병제에 저항할지, 아니면 평화주의 원칙을 훼손하고 목숨을 걸고 베트남에서 복무할지 결정해야 합니다.

1967년 10월 17일 오프브로드웨이 데뷔 후 조셉 팹스 퍼블릭 시어터에서 1967년 12월부터 1968년 1월까지 치타 나이트클럽에서 공연을 한 후 1968년 4월 브로드웨이에서 개막하여 1,750회 공연을 진행했습니다. 그 직후 미국과 유럽 전역의 도시에서 동시 제작이 이루어졌는데, 1,997회의 공연을 진행한 런던 제작도 성공적이었습니다. 이후 전 세계적으로 수많은 작품들이 무대에 올라 300만 장이 팔린 브로드웨이 오리지널 캐스트 녹음을 포함해 뮤지컬의 수십 개의 녹음을 낳았습니다. 이 곡들 중 일부는 10대 히트곡이 되었고, 1979년 장편 영화가 개봉되었습니다. 2009년 브로드웨이 리바이벌이 개막해 호평을 받았고 토니상과 드라마 데스크상을 수상했습니다. 2008년 타임지는 "오늘의 헤어는 그 어느 때보다 대담해 보인다"^[3]고 썼습니다.

역사

헤어는 배우 제임스 라도와 제롬 라그니에 의해 구상되었습니다. 두 사람은 1964년 오프-브로드웨이 플롭 행다운 유어 헤드 앤 다이(Off-Broadway Flop Hang Down Your Head and Die)에서 함께 공연했을 때 만났고,^[4] 1964년 말부터 헤어(Hair)를 함께 쓰기 시작했습니다.^[5][6] 주인공은 자전적인 인물로 라도의 클로드는 사색적인 낭만주의자, 라그니의 버거는 외향적인 인물이었습니다. 변동성을 포함한 그들의 긴밀한 관계가 뮤지컬에 반영되었습니다. 라도는 "우리는 좋은 친구였습니다. 그것은 우리가 창의성, 글쓰기, 이 작품을 창조하는 데에 지시한 열정적인 종류의 관계였습니다. 우리는 드라마를 무대 위에 올려놓았습니다."^[7]

Rado는 Hair에 대한 영감을 "거리에서 만난 몇몇 캐릭터들, 우리가 아는 사람들, 그리고 우리 자신의 상상력의 조합"이라고 설명했습니다. 우리는 이 동부 마을의 한 무리의 아이들이 중퇴하고 징집을 피하는 것을 알고 있었고, 아이들이 머리를 길게 길렀다는 이유로 학교에서 쫓겨나는 것에 대한 기사도 언론에 많이 실렸습니다."^[2] 그는 "거리와 공원, 히피 지역에서 흥분이 너무 컸고, 우리는 이 흥분을 무대에 전달할 수 있다면 멋질 것이라고 생각했습니다. 우리는 그들과 어울리고 그들의 비인(Be-In)에 가서 머리를 기르게 했습니다."^[8] 많은 출연진(특히 셸리 플림튼)이 바로 섭외되었습니다.^[2] 라도는 "그것은 역사적으로 매우 중요했고 우리가 그것을 쓰지 않았다면 어떤 예도 없었을 것입니다. 당신은 그것에 대해 읽고 영화 클립을 볼 수 있지만, 당신은 그것을 경험하지 못할 것입니다. 우리는 '거리에서 이런 일이 벌어지고 있다'고 생각했고, 그것을 무대로 끌어내고 싶었습니다."^[4] 뉴욕 타임즈에 실린 라도의 부고에 따르면, 이 제목은 "1965년 중반, 그와 라그니가 팝 아티스트 짐 다인의 머리카락 한 무더기의 그림을 보았을 때, 박물관 산책"에서 영감을 받았다고 합니다. 제목은 '헤어'였습니다."^[9]

라도와 라그니는 서로 다른 예술적 배경 출신입니다. 대학 시절, Rado는 음악적인 가극을 썼고 Rodgers and Hammerstein 전통의 브로드웨이 작곡가가 되기를 열망했습니다. 그는 리 스트라스버그와 함께 연기를 공부했습니다. 반면 라그니는 실험적인 연극 기법을 개발하고 있던 여러 그룹 중 하나인 오프 오프 브로드웨이(Off-Off-Broadway)의 적극적인 멤버였습니다.^[10] 그는 라도에게 오픈 씨어터에서 전개되고 있는 현대적인 연극 스타일과 방법을 소개했습니다.^[11] 1966년, 두 사람이 헤어를 개발하는 동안 라그니는 열린 극장의 메간 테리의 연극 '비엣 록'에서 공연했는데, 이 영화는 베트남 전쟁에 투입된 젊은이들에 대한 이야기입니다.^[12] 전쟁 주제 외에도, 비엣 록은 실험적인 연극 장면에서 사용되고 나중에 헤어의 발전에 사용되는 즉흥 연습을 사용했습니다.^[6][13]

라도와 라그니는 제작자 에릭 블라우에게 쇼의 초안을 가져왔고, 에릭 블라우는 평범한 친구인 나트 샤피로를 통해 캐나다 작곡가 갈트 맥더못과 둘을 연결시켰습니다.^[14] 맥더못은 1961년에 "아프리카 왈츠" (캐넌볼 애덜리가 녹음한)로 그래미상을 수상했습니다.^[15] 그 작곡가의 생활 방식은 그의 공동 창작자들과 현저한 대조를 이룹니다: "저는 짧은 머리에 아내가 있었고, 그 당시에, 4명의 아이들이 스태튼 아일랜드에 살았습니다."^[8] "저는 라도와 라그니를 만났을 때 히피에 대해 들어본 적이 없습니다."^[4] 하지만 그는 로큰롤 쇼를 하고 싶다는 열정을 공유했습니다.^[4] 1968년 5월 MacDermot은 "우리는 독립적으로 일을 합니다."라고 설명했습니다. "저는 그런 식이 더 좋아요. 그들은 나에게 자료를 줍니다. 음악으로 맞췄어요."^[16] 맥더못은 "I Got Life", "Ain't Got No", "Where Do I Go"와 타이틀곡을 시작으로 ^[7]3주 만에 첫 번째 스코어를 썼습니다.^[2] 그는 처음에 "아쿠아리우스"를 파격적인 예술 작품으로 썼지만, 나중에 그것을 희망을 주는 노래로 다시 썼습니다.^[7]

오프브로드웨이 프로덕션

크리에이터들은 브로드웨이 제작자들에게 쇼를 던졌고 많은 거절을 받았습니다. 결국 뉴욕 셰익스피어 페스티벌을 운영했던 조 팸은 헤어가 뉴욕시의 이스트 빌리지에 새로운 공공 극장(아직 공사 중)을 열기를 바란다고 결정했습니다. 이 뮤지컬은 팹이 처음으로 제작한 살아있는 작가들의 작품이었습니다.^[17] 이 극장의 부예술감독인 제럴드 프리드만 감독은 32세의 라그니를 버거 역에 캐스팅하기로 동의했지만, 35세의 라그니가 클로드를 연기하기에는 너무 나이가 많다고 결정했습니다.^[9] 제작은 순조롭게 진행되지 않았습니다. "리허설과 캐스팅 과정은 혼란스러웠고, 많은 극장 직원들은 소재 자체를 이해할 수 없었습니다. [프리드먼] 리허설 마지막 주에 좌절하며 탈퇴하고 사표를 냈습니다. 파프가 수락했고 안무가 안나 소콜로우가 쇼를 맡았습니다. 처참한 최후의 드레스 리허설 후, 팹은 프리드먼 씨에게 그가 도망쳤던 워싱턴에서 '제발 돌아와 주세요'라고 전보를 쳤습니다. 프리드먼 씨는 그렇게 했습니다."^[18]

헤어는 1967년 10월 17일 오프브로드웨이에서 대중들에게 초연되었고, 6주간의 제한된 공연을 했습니다. 주연은 클로드 역의 워커 다니엘스, 버거 역의 라그니, 쉴라 역의 질 오하라, 우프 역의 스티브 딘, 허드 역의 아놀드 윌커슨, 지니 역의 샐리 이튼, 크리시 역의 셸리 플림튼이 맡았습니다.^[19] 세트 디자인은 밍 초 리(Ming Cho Lee), 의상 디자인은 테오니 알드레지(Theoni Aldredge), 그리고 안나 소콜로우(Anna Sokolow)가 안무가로서 리허설을 시작했지만, 프리드먼(Freedman)은 안무가 크레딧을 받았습니다.^[20] 비록 이 작품은 "열정적인 비평적인 반응"을 보였지만, 관객들에게 인기가 있었습니다.^[18] 1967년에 캐스트 앨범이 나왔습니다.^[21]

시카고의 사업가 마이클 버틀러는 반전의 플랫폼에서 미국 상원의원 선거에 출마할 계획이었습니다. 그는 뉴욕타임즈의 Hair in New York Times의 광고를 보고 그 쇼가 북미 원주민들에 관한 것이라고 믿게 되었고, 그는 여러 차례^[8] 대중의 제작을 보았고, 대중에서의 방영이 끝난 후 다른 뉴욕 공연장에서 그 쇼를 재현하기 위해 Joe Papp과 함께 힘을 모았습니다. 팹과 버틀러는 처음에 53번가와 브로드웨이에 있는 디스코텍인 '치타'로 공연을 옮겼습니다. 그것은 1967년 12월 22일에 그곳에서 문을 ^[22]열었고 45회의 공연을 했습니다.^[2] 퍼블릭 씨어터나 치타 프로덕션에는 나체가 없었습니다.^[1]

브로드웨이 개정판

헤어는 1968년 1월 치타에서 폐막한 후 3개월 후 브로드웨이에서 개장하는 사이에 철저한 정비를 거쳤습니다. 이미 줄거리가 가벼운 오프브로드웨이 책은 한층^[23] 더 느슨해져 더욱 사실적으로 만들어 졌습니다.^[24] "Let the Sun Shine In"을 ^[23]포함한 13곡의 신곡이 추가되어 엔딩을 더욱 희망차게 만들었습니다.^[7]

브로드웨이로 옮기기 전에, 창작팀은 La Ma Ma Experimental Theatre Club에서 실험적인 극장을 연출하는 명성 있는 연출가 Tom O'Horgan을 고용했습니다. 그는 작가들이 처음으로 퍼블릭 시어터 제작을 맡았지만, 그는 당시 유럽에 있었습니다.^[25] 뉴스위크는 오호건의 연출 스타일을 "감각적이고 야만적이며 완전히 음악적인..."이라고 묘사했습니다. [그는] 언어적 구조를 해체하고 종종 다른 배우들 사이에서 서사와 심지어 성격을 분열시키고 분배합니다. 그는 감각적인 충격을 즐깁니다."^[26] 리허설에서 오호건은 역할극과 즉흥적인 "게임"을 포함하는 비올라 스폴린과 폴 실스가 전수한 기술을 사용했습니다. 이 과정에서 시도된 많은 즉흥곡들은 브로드웨이 대본에 포함되었습니다.^[27] O'Horgan과 새로운 안무가 Julie Arenal은 브로드웨이에서 이전에 볼 수 없었던 "유기적이고 확장적인 스타일의 무대"를 소개하면서 배우들의 자유와 자발성을 장려했습니다.^[4] 나체를 포함하려는 영감은 작가들이 센트럴 파크에서 저항과 자유의 표현으로 두 남자가 나체를 벗는 반전 시위를 보고 그 생각을 쇼에 포함시키기로 결정했을 때 나왔습니다.^[4] 오호건은 그가 연출한 많은 연극에서 나체를 사용했고, 그는 그 아이디어를 쇼의 구조에 통합하는 것을 도왔습니다.^[2]

팹은 브로드웨이 제작을 거부했고, 버틀러는 직접 제작했습니다. 한동안 버틀러는 브로드웨이 극장을 확보하지 못할 것 같았는데, 슈버츠, 네덜랜더 및 다른 극장 소유주들은 이 자료가 너무 논란의 여지가 있다고 여겼기 때문입니다. 그러나 버틀러는 가족 관계가 있었고 중요한 사람들을 알고 있었습니다. 그는 빌트모어 극장 주인 데이비드 코건을 설득하여 그의 공연장을 이용할 수 있도록 했습니다.^[28]

시놉시스

액트 아이

클로드는 "부족"이 청중들과 어울리면서 중앙 무대에 앉습니다. 결연한 정치 활동가인 부족원 쉴라와 불손한 자유정신의 버거는 클로드의 머리카락을 자물쇠로 잘라 리셉터클에 태웁니다. 부족이 무대를 향해 느린 동작으로 수렴한 후, 그들은 관객을 통해 물병자리 시대의 아이들로서 축하를 시작합니다. 버거는 바지를 벗어서 옷깃을 여미게 합니다. 관객들과 소통하면서, 그는 자신을 "정신이상적인 테디 베어"라고 소개하고, 자신이 "내 도나"("Donna")를 찾고 있다고 밝혔습니다.

그 부족은 합법적이고 불법적인 의약품 목록("Hashish")을 암송합니다. 부드러운 영혼인 우프는 여러 성행위("Sodomy")를 찬양하며 "나는 물건을 키운다"고 말합니다. 그는 식물, 그의 가족, 그리고 관객들을 사랑하며 관객들에게 "우리는 모두 하나입니다"라고 말합니다. 호전적인 아프리카계 미국인인 허드는 장대 위에 거꾸로 실려 있습니다. 그는 자신을 "사랑의 미국 대통령"("Color Spade")이라고 선언합니다. 가짜 영어 억양으로, 클로드는 "영국 맨체스터"에서 온 "숲에서 가장 아름다운 짐승"이라고 말합니다. 한 부족원은 그에게 그가 정말 뉴욕 플러싱("맨체스터 잉글랜드") 출신이라는 것을 상기시킵니다. Hud, Wof, Berger는 그들이 어떤 색인지("I'm Black")를 선언하는 반면, Claude는 그가 "보이지 않는다"고 말합니다. 부족은 부족한 것들의 목록을 암송합니다("Ain't Got No"). 네 명의 아프리카계 미국인 부족원들이 ("Dead End") 상징적인 순서로 거리 표지판을 암송합니다.

쉴라는 무대에 올라 항의의 구호를 외치며 부족을 이끌고 갑니다. 괴팍한 젊은 여성 지니(Janie)는 방독면을 쓰고 나타나 오염("Air")을 풍자합니다. 그녀는 클로드를 임신하고 사랑하고 있습니다. 그녀는 그것이 클로드의 아기이기를 바랐지만, "어떤 미친 속도 괴물에 의해 기절"했습니다. 부족은 LBJ(Lindon B 대통령)와 함께 연결됩니다. 존슨(Johnson), FBI(연방수사국), CIA(중앙정보국), LSD("Initials"). 여섯 명의 부족원들이 클로드의 부모처럼 옷을 입고 나타나 그의 다양한 위반에 대해 그를 비난합니다. 그는 직업이 없고 "종이 산"의 스크랩과 메모를 모읍니다. 그들은 그에게 더 이상 돈을 주지 않을 것이며, "군대가 당신에게서 사람을 만들 것입니다"라고 그에게 징병 통지서를 제시했습니다. 반항적으로, 클로드는 그 부족의 생명력을 축하하기 위해 그들을 이끌게 됩니다 ("I Got Life").

버거는 부족원들에게 상상의 알약을 나눠주고, 그 알약들이 리처드 닉슨, 교황, "앨라바마 월리스"와 같은 유명인들을 위한 것이라고 말한 후, 그가 고등학교에서 어떻게 퇴학당했는지에 대해 이야기합니다. 3명의 부족원들이 히틀러의 콧수염과 스와스티카 팔 밴드를 입고 교장으로 분장해 미국의 교육 시스템을 조롱합니다. 버거와 부족은 "Going Down"을 부르며 그들에게 저항합니다. 클로드는 통과한 드래프트 보드 피지컬에서 돌아왔습니다. 그는 베트남 전쟁 징병 카드를 불태우는 척을 하고, 버거는 이 카드를 도서관 카드로 공개합니다. 클로드는 징집된 것에 대해 무엇을 해야 할지 고민합니다.

관광객 복장을 한 두 부족원이 왜 이렇게 머리가 긴지 부족원에게 묻기 위해 통로를 내려옵니다. 그에 대한 답으로 클로드와 버거는 그들의 자물쇠의 중요성("Hair")을 설명하는 데 부족을 이끌었습니다. 이 여성은 아이들이 "자유롭고 죄책감이 없어야 한다"며 "누구에게도 상처를 주지 않는 한, 당신이 원하는 것은 무엇이든 해야 한다"고 말합니다. 그녀는 긴 머리가 수컷 새들의 "우아한 깃털"처럼 자연스럽다는 것을 관찰합니다. 그녀는 자신이 질질 끄는 남자임을 드러내기 위해 코트를 엽니다. 부부가 떠나자 부족은 그녀를 마가렛 미드라고 부릅니다.

쉴라는 버거에게 노란색 셔츠를 줍니다. 그는 빈둥거리다가 결국 두 동강이 납니다. Sheila는 Berger가 자신보다 "피 흘리는 무리"에게 더 관심을 갖는 것 같다고 그녀의 고통을 말합니다. 지니는 모든 사람들의 낭만적인 얽힘을 요약합니다: "나는 클로드에게, 쉴라는 버거에게, 버거는 어디에나 걸려 있습니다. 클로드는 쉴라와 버거 위에 십자가에 걸려 있습니다."라고 말했습니다. 버거, 우프와 다른 부족원들은 성조기를 접으면서 풍자적인 찬사를 보냅니다. 부족은 관객들에게 달려나와 비인(Be-In)에 초대합니다. 젊고 순진한 크리시가 자신이 찾는 소년 "프랭크 밀스"를 묘사한 후 부족은 "비인"에 참여합니다. 부족 사람들은 징병 카드를 불태웁니다. 클로드는 카드를 불 속에 집어넣었다가 마음을 바꿔 꺼내 봅니다. 그가 묻습니다. "내가 왜 살고 죽는지 말해주는 그 무엇이 어디에 있고, 그 사람이 어디에 있습니까?" ("어디로 갑니까?") 그 부족은 벌거벗은 채 " 구슬, 꽃, 자유, 행복"이라는 억양으로 등장합니다.

제2막

4명의 부족원이 "일렉트릭 블루스"를 가지고 있습니다. 정전 이후 부족은 클로드를 소환하기 위해 예배에 들어갑니다. 클로드는 유도소에서 돌아오고, 부족원들은 클로드의 초안 인터뷰에서 상상의 대화를 연기하고, 허드는 "초안은 백인들이 흑인들을 보내어 그들이 붉은 사람들로부터 빼앗은 땅을 지키기 위해 노란 사람들에게 전쟁을 일으키는 것이다"라고 말했습니다. 클로드는 우프에게 믹 재거 포스터를 주고, 우프는 재거에게 전화를 끊었다고 말하면서 선물에 대해 흥분합니다. 그 부족의 세 명의 백인 여성은 그들이 "흑인 소년들"을 좋아하는 이유를 말하고, 슈프림스처럼 옷을 입은 그 부족의 세 명의 흑인 여성은 그들이 "백인 소년들"을 좋아하는 이유를 설명합니다.

버거는 클로드에게 환각제를 넣은 관절을 줍니다. 클로드는 부족이 자신의 비전("Walking in Space")을 실행할 때 여행을 시작합니다. 그는 자신이 비행기에서 베트남의 정글로 스카이다이빙을 하고 있다는 것을 환각에 빠트립니다. 버거는 조지 워싱턴 장군으로 등장해 인디언의 공격으로 퇴각하라는 지시를 받습니다. 인디언들은 워싱턴의 모든 사람들을 총으로 쏴요. 율리시스 S. 그랜트 장군이 나타나 점호를 시작합니다: 아브라함 링컨(흑인 여성 부족원 분), 존 윌크스 부스, 캘빈 쿨리지, 클라크 게이블, 스칼렛 오하라, 아레사 프랭클린, 조지 커스터 대령. 클로드 부코스키는 점호에 불려갔지만, 클라크 게이블은 "그는 갈 수 없었다"고 말합니다. 그들은 모두 아프리카 마녀 의사 세 명이 그들을 죽일 때까지 1분간 춤을 췄다 – "나는 당신들 중 한 명입니다"라고 말하는 에이브러햄 링컨을 제외하고. 링컨은 세 명의 아프리카인들이 그를 찬양한 후 게티즈버그 연설("Abie Baby")의 다른 버전을 암송합니다. 부스는 링컨을 쏘지만 링컨은 그에게 "빌어먹을! 난 백인을 위해 죽지 않아요."

환영이 계속되자 네 명의 스님이 입장합니다. 한 스님이 다른 스님에게 휘발유 캔을 붓고 있는데, 스님은 불을 지르고 비명을 지르며 도망칩니다(Thich Qu ảng Daju). 세 명의 가톨릭 수녀들이 남아있는 세 명의 스님들의 목을 조릅니다. 세 명의 우주비행사가 수녀들을 광선총으로 쏘습니다. 세 명의 중국인들이 칼로 우주비행사들을 찌릅니다. 세 명의 미국 원주민들이 활과 토마호크로 중국인들을 죽입니다. 세 마리의 녹색 베레모가 기관총으로 아메리카 원주민들을 죽인 다음 서로를 죽입니다. 중사와 두 부모가 옷걸이에 달린 양복을 들고 나타납니다. 부모님들은 마치 아들인 것처럼 수트에게 말을 걸었고, 그들은 그를 매우 자랑스러워 합니다. 몸이 일어나 아이들처럼 놀아요. 그들이 다시 죽을 때까지 연극은 폭력으로 확대됩니다. 그들은 다시 일어나 베트남의 사상자들에 대해 "그것은 더러운 작은 전쟁이다" ("Three-Five-Zero-Zero")라고 말합니다. 여행 순서의 마지막에, 두 부족원이 죽은 시체 위에서 음악에 맞춰 인간의 고귀함에 대한 셰익스피어 연설을 노래합니다.

여행이 끝난 후, 클로드는 이렇게 말합니다. "저는 지금 이 순간을 거리에서 살고 있을 수 없습니다." 난 내가 되고 싶은게 뭔지 알아요... 보이지 않는" 그들이 "달을 볼 때" 쉴라와 다른 사람들은 가벼운 순간을 즐깁니다 ("Good Morning Starshine"). 그 부족은 오래된 매트리스("The Bed")에 경의를 표합니다. 클로드는 그의 의심에 홀로 남겨졌습니다. 눈보라가 몰아치는 가운데 부족들이 이불에 싸여 들어가자 그는 자리를 떠납니다. 그들은 항의 구호를 시작하고 나서 클로드가 어디로 갔는지 궁금해합니다. 버거는 "클로드!"라고 외칩니다. 클로드!" 클로드는 짧은 머리에 군복을 입고 들어가지만 그들은 그가 보이지 않는 영혼이기 때문에 그를 보지 못합니다. 클로드는 "좋든 싫든 간에, 그들은 나를 잡았습니다"라고 말합니다.

클로드와 모든 사람들은 "살결의 실패"를 부릅니다. 쉴라와 디온이 가사를 맡으면서 부족은 클로드 앞으로 나아갑니다. 온 부족이 "Let the Sun Shine In"(태양이 빛나도록 하라)에 착수하고, 그들이 나갈 때, 그들은 검은 천 위에 중앙 무대에 누워있는 클로드의 모습을 드러냅니다. 커튼콜 동안 부족은 "Let the Sun Shine In"을 재현하고 관객들을 무대 위로 올려 춤을 추게 합니다.

(참고: 이 줄거리 요약은 원래 브로드웨이 대본을 기반으로 합니다. 대본은 후속 작품에 따라 다양합니다.)

주요 배역; 주목할 만한 출연진

역할.	오프브로드웨이 (1967)	브로드웨이 (1968)[29]	로스앤젤레스 (1968)	웨스트엔드 (1968)	브로드웨이 리바이벌 (1977)	퍼블릭 시어터 2008	브로드웨이 리바이벌 (2009)
클로드 후퍼 부코스키	워커 데니스	제임스 라도		폴 니콜라스	랜들 이스터브룩	조나단 그로프	개빈 크리엘
조지 버거	게로메 라그니			올리버 토비아스	마이클 홀트	윌 스웬슨
쉴라 프랭클린	질 오하라	린 켈로그	제니퍼 워네스	애너벨 레벤턴	엘렌 폴리	캐런 린 태킷	케이시 레비
지니	샐리 이튼		Teda Bracci	린다 켄드릭	아이리스 로젠크란츠	Kacie Sheik
닐 "우프" 도노반	스티브 딘	스티브 커리	조브리아스 솔즈베리	빈스 에드워즈	스콧 쏜튼	브라이스 라이네스
허드	아놀드 윌커슨	라몬트 워싱턴	벤 베린	피터 스트레이커	클리번트 데릭스	다리우스 니콜스
크리시	셸리 플림튼		케이 콜	소냐 크리스티나	크리스틴 비가드	앨리슨 케이스
디온느	요넬 알렌	멜바 무어	지나 하딘	헬렌 다우닝	알라이나 리드	파티나 밀러	사샤 알렌
"아콰리우스" 솔리스트	로니 다이슨		델로라스 홀	빈스 에드워즈

초기생산

브로드웨이

헤어는 1968년 4월 29일 빌트모어 극장에서 브로드웨이에서 개봉했습니다. 연출은 톰 오호건이 맡았고, 안무는 줄리 아레날이 맡았으며, 세트 디자인은 로빈 와그너, 의상 디자인은 낸시 포츠, 조명 디자인은 쥘 피셔가 맡았습니다. 원래 브로드웨이의 "부족"(즉, 캐스팅)에는 각각 클로드와 버거의 주연을 맡았던 작가 라도와 라그니, 셸라 역의 켈로그, 허드 역의 워싱턴, 지니와 크리시 역의 멜바 무어, 우프 역의 커리, 로니 다이슨 ("아쿠아리우스"와 "What piece is Man"을 부른 노래), 폴 자바라 그리고 다이앤 키튼 (무어와 키튼 둘 다 나중에 쉴라를 연기했습니다).^[29] 원래 브로드웨이 공연 중에 '헤어'에 출연했던 공연자들 중에는 벤 베린, 키스 캐러딘, 배리 맥과이어, 테드 랭, 미트 로프, 라 라 브룩스, 메리 시모어(뮤지크), 조 버틀러, 페피 카스트로(블루스 마구스), 로빈 맥나마라, 헤더 맥래(고든 맥래와 쉴라 맥래의 딸), 에디 램보, 비키 수 로빈슨, 베벌리 브레머스, 버트 소머, 데일 소울스, 킴 밀포드.^[29] 브로드웨이 최초로 정규 티켓 가격이 50달러인 쇼로 1968년 7월부터 이 가격에 좌석 중 12개를 대기업에 판매했습니다. 오픈 당시 최고가는 11달러였습니다.^[30]

헤어팀은 곧 토니상 주최측과 소송에 휘말리게 되었습니다. 1968년 4월 3일까지 시사회를 시작하는 것이 제작자 마이클 버틀러에게 1968년 토니즈에 대한 고려 자격을 보장할 것이라고 보장한 후, 뉴욕 극장 리그는 헤어에 부적격 판정을 내려 컷오프 날짜를 3월 19일로 옮겼습니다. 제작자들은 소송을^[31] 제기했지만 연맹이 재고하도록 강요할 수 없었습니다.^[32] 1969년 토니즈에서 헤어는 최우수 뮤지컬과 최우수 감독상 후보에 올랐으나 두 부문에서 모두 1776으로 패배했습니다.^[33] 제작 기간은 4년, 공연 횟수는 1,750회로 1972년 7월 1일에 끝이 났습니다.^[29]

초기 지역생산

웨스트 코스트 버전은 브로드웨이가 문을 연 지 약 6개월 만에 로스앤젤레스 아쿠아리우스 극장에서 연주되어 전례 없는 2년 동안 공연되었습니다. 로스앤젤레스 부족에는 라도, 라그니, 벤 베린, 윌리 웨더리, 테드 넬리, 미트 로프, 글로리아 존스, 타타 베가, 조브리아스, 제니퍼 워네스, 도비 그레이가 있었습니다.^[5]

곧 미국 도시에서 9편의 동시 제작이 있었고, 그 뒤를 이어 전국 투어가 있었습니다.^[5][34] 이 공연들 중에는 조 맨테그나, 안드레 드쉴즈, 샬럿 크로슬리와 알라이나 리드(시카고),^[35] 데이비드 라슬리, 데이비드 패트릭 켈리, 미트 로프, 숀 머피(디트로이트)^[36] 케니 오르테가와 아놀드 맥컬러(투어),^[37] 밥 빙햄(시애틀),^[38] 필립 마이클 토마스(샌프란시스코)가 있었습니다.^[39] 브로드웨이의 크리에이티브 팀은 로스앤젤레스, 시카고, 샌프란시스코의 헤어를 작업했는데, 브로드웨이 무대가 이러한 작품들과 다른 초기 지역 작품들을 위한 대략적인 템플릿 역할을 했기 때문입니다. 로스엔젤레스 팀에 주목할 만한 추가 인물은 공동 프로듀서를 역임한 톰 스모더스였습니다.^[40] 지역 출연자들은 대부분 지역 배우들로 구성되어 있었지만, 몇몇 브로드웨이 출연자들은 다른 도시에서 자신들의 역할을 반복했습니다.^[41] O'Horgan이나 작가들은 때때로 로스앤젤레스에서 살아있는 닭을 무대 위로 던졌을 때와 같이 지역 쇼에서 새로운 아이디어와 즉흥곡을 가져와서 뉴욕으로 가져왔습니다.^[41]

브로드웨이 초기 상영 중에 이렇게 많은 작품이 동시에 상영된 것은 드문 일이었습니다. 헤어가 "역대 가장 강력한 반전 성명"이라고 선언했던 프로듀서 마이클 버틀러는 이렇게 많은 작품을 개봉한 이유가 베트남 전쟁에 반대하는 여론에 영향을 미치고 하루빨리 종식시키기 위해서라고 말했습니다.^[42]

웨스트엔드

헤어는 1968년 9월 27일 런던 샤프스베리 극장에서 브로드웨이 제작진과 같은 크리에이티브 팀이 이끌었습니다. 개막식 밤은 공연이 나체와 욕설을 포함할 수 있도록 1968년 극장법에 따라 영국에서 극장 검열이 폐지될 때까지 연기되었습니다.^[43] 다른 초기 작품들과 마찬가지로, 런던 쇼는 브로드웨이 버전에서 약간의 지역적 암시와 다른 사소한 출발을 추가했습니다.^[44]

원래의 런던 부족은 소냐 크리스티나, 피터 스트레이커, 폴 니콜라스, 멜바 무어, 아나벨 레벤튼, 일레인 페이지, 폴 코르다, 마샤 헌트, 플로라 벤자민, 알렉스 하비, 올리버 토비아스, 리처드 오브라이언, 팀 커리를 포함했습니다. 이것은 커리의 첫 전업 연극 연기 역할이었고, 그곳에서 그는 미래의 록키 호러 쇼 협력자 오브라이언을 만났습니다.^[45] 헤어의 런던 공연은 1973년 7월 극장 지붕이 무너지면서 강제로 문을 닫을 때까지 1,997회의 공연을^[44] 진행하며 브로드웨이 공연을 능가했습니다.^[46]

초기 국제 제작물

헤어의 외국어 제작을 이끄는 일은 버틀러의 파트너이자 브로드웨이 쇼의 책임 프로듀서인 버트런드 카스텔리에게 주어졌습니다.^[47] 카스텔리는 파리 미술계를 돌아다니며 파블로 피카소, 장 콕토와 팔꿈치를 부딪힌 작가/프로듀서였습니다. 버틀러는 그를 "미친 쇼맨"이라고 묘사했습니다. 비즈니스 슈트와 구슬을 가지고 있는 남자"라고 말했습니다.^[48] 카스텔리는 브로드웨이 공연이 항상 영어로 진행되던 시기에 각 나라의 현지어로 공연을 하기로 결정했습니다.^[47] 번역본은 원작을 가깝게 따랐고, 브로드웨이 무대가 사용되었습니다. 각각의 대본에는 거리 이름과 지역 정치인과 유명인의 이름 또는 묘사와 같은 지역 언급이 포함되어 있습니다. 카스텔리는 프랑스, 독일, 멕시코 및 기타 국가에서 회사를 제작했으며 때로는 제작을 지휘하기도 했습니다.^[47] 1968년 9월 20일 스웨덴 스톡홀름에서 울프 브룬베르크, 빌 외르스트룀 ^[49]등의 출연진과 피에르 프란켈이^[50] 제작·연출하고 줄리 아레날이 안무를 맡아 1969년 3월까지 134회 공연을 진행했습니다.^[51][52]

카스텔리 감독이 연출한 독일 ^[47]작품은 한 달 후 뮌헨에서 문을 열었고,^[53] 이 부족에는 도나 서머, 리즈 미첼, 도나 와이언트가 포함되어 있었습니다. 1969년 6월 1일 파리에서 성공적인 헤어 생산이 시작되었습니다.^[54] 호주 오리지널 프로덕션은 1969년 6월 6일 시드니에서 초연되었으며, 해리 M. 밀러가 제작하고 또한 제작을 디자인한 짐 샤먼이 감독했습니다. 그 부족은 Keith Glass와 Reg Livermore를 버거로, John Waters를 Claude로 그리고 Sharon Red를 마술사로 포함했습니다. 레드는 인종적으로 통합된 부족을 제공하기 위해 호주로 데려온 6명의 아프리카계 미국인 중 한 명이었습니다.^[55][56] 이 작품은 현지 박스 오피스 기록을 깨고 2년 동안 진행되었지만, 쇼에서 일부 언어 때문에 퀸즈랜드와 뉴질랜드에서 캐스팅 앨범이 금지되었습니다. 1971년 멜버른으로 이전한 후 전국 투어를 진행했습니다. 이것은 보스턴에서 태어난 호주의 성악가 Marcia Hines의 무대 데뷔를 기념했습니다.^[56] 멕시코에서는 아카풀코에서 하룻밤을 보낸 후 정부에 의해 생산이 금지되었습니다.^[57] 18살의 Sonnia Braga가 1969년 브라질 프로덕션에 출연했습니다.^[58]

또 다른 주목할 만한 작품은 1969년 구 유고슬라비아의 베오그라드에서 생산되었습니다. 그것은 공산주의 국가에서 생산된 최초의 헤어였습니다.^[59] 세르비아어로 번역된 이 쇼는 아텔제 212 극장에서 여성 프로듀서이자 감독인 미라 트레일로비치에 의해 연출되었습니다.^[60][61] 드라간 니콜리치, 브란코 밀리치비치, 세카 사블리치, 두샨 프레레비치 등이 출연했습니다.^[62] 4년 동안 250회의 공연을 받았으며 티토 회장이 참석했습니다.^[60] 대본의 현지 언급에는 유고슬라비아의 전통적인 라이벌인 알바니아뿐만 아니라 마오쩌둥을 겨냥한 막말도 포함되어 있습니다.^[47]

1970년까지 Hair는 엄청난 재정적 성공을 거두었고, 19개의 작품이 북미 이외의 지역에서 공연되었습니다. 여기에는 위의 이름 외에도 스칸디나비아, 남미, 이탈리아, 이스라엘, 일본, 캐나다, 네덜란드, 스위스 및 오스트리아의 생산이 포함되었습니다.^[34] 빌보드에 따르면, 이 쇼의 다양한 작품들은 10일마다 거의 100만 달러의 수익을 올리고 있었고, 300곡의 이 쇼의 노래들을 녹음하는 데 로열티가 징수되어 "역사상 가장 성공적인 점수이자 브로드웨이 무대를 위해 쓰인 가장 많은 공연된 점수"가 되었습니다.^[63]

테마

헤어는 1960년대 히피 운동의 많은 주제를 탐구합니다. 연극 작가 스콧 밀러는 다음과 같이 묘사했습니다.

[T]미국의 젊은이들, 특히 대학 캠퍼스의 젊은이들은 인종차별, 환경 파괴, 빈곤, 성차별과 성적 억압, 국내 폭력과 베트남 전쟁, 신기술로 인한 비개인화, 정치 부패 등 미국의 잘못된 점들에 대해 항의하기 시작했습니다. 일반적인 의견과는 달리, 히피들은 미국을 매우 존경했고, 그들이 진정한 애국자라고 믿었고, 진정으로 우리나라를 구하고 다시 한번 최선을 다해보고 싶어했던 유일한 사람이었습니다. [긴] 머리는 히피들의 깃발이었습니다. 그들의... 반항의 상징일 뿐만 아니라 새로운 가능성의 상징이기도 했고, 차별과 제한적인 성 역할에 대한 거부의 상징이기도 했습니다. ("My Conviction"이라는 노래에서 기념된 철학) 그것은 남녀의 평등을 상징했습니다. [T]히피들이 선택한 옷도 진술을 했습니다. 드랍 작업복(청바지, 작업셔츠, 완두콩 코트)은 물질주의에 대한 거부였습니다. 다른 문화권, 특히 제3세계와 미국 원주민들의 의복은 세계 공동체에 대한 그들의 인식과 미 제국주의와 이기주의에 대한 거부를 나타냅니다. 단순한 면 드레스와 다른 천연 직물은 합성물에 대한 거부, 자연적인 것으로의 회귀 그리고 단순한 시간이었습니다. 어떤 히피들은 전쟁의 상징들을 그들의 새로운 비폭력 철학에 공동 선택하기 위한 방법으로 2차 세계 대전이나 남북 전쟁의 오래된 재킷을 입었습니다.^[64]

인종과 부족

헤어는 쇼 보트(1927)와 포기 앤 베스(1935)가 설정한 선례를 확장하여 브로드웨이 뮤지컬을 인종 통합에 열었고, 출연진의 3분의 1이 아프리카계 미국인이었습니다.^[65] 촌극을 풍자적으로 묘사한 것을 제외하고, 흑인들을 위한 역할들은 노예나 하인으로서의 오락에서 흑인들을 위한 전통적인 역할에서 벗어나 그들을 동등한 존재로 묘사했습니다.^[66] Ebony 잡지 기사는 이 쇼가 미국 무대 역사상 흑인 배우들의 가장 큰 배출구라고 선언했습니다.^[65]

쇼의 몇몇 노래와 장면들은 인종 문제를 다루고 있습니다.^[64] 전투적인 흑인 남성 허드라는 캐릭터를 소개하는 "컬러 스페이드"는 인종 비방의 긴 목록입니다. little black sambo)는 Hud가 "사랑의 미국 대통령"임을 선언하면서 시작했습니다.^[67] 그의 노래의 마지막에, 그는 부족이 겁에 질린 척 하는 것처럼 "부기맨"이 그들을 얻을 것이라고 부족에게 말합니다.^[66] 흑인 부족원들이 부른 '데드 엔드(Dead End)'는 흑인의 좌절과 소외를 상징하는 거리 표지판의 목록입니다. 그 부족의 항의 구호 중 하나는 "우리가 정말로 대단하다고 생각하는 것은 무엇인가요? 폭격하고, 린치하고, 차별하기 위해!"^[66] "흑인 소년/백인 소년"은 인종간 성적 매력에 대한 강력한 인정입니다;^[68] 미국 대법원은 1967년에 인종간 결혼을 금지하는 법률을 무효화했습니다.^[69] 그 부족의 또 다른 항의 구호는 "검은색, 흰색, 노란색, 빨간색"입니다. 킹사이즈 침대에서 교미하세요."^[66]

"Abie Baby"는 2막 "여행" 순서의 일부입니다. 다양한 미국의 역사적, 문화적, 허구적 인물들을 막 죽인 네 명의 아프리카 마녀 의사들이 흑인 여성 부족원이 묘사한 아브라함 링컨을 찬양하고, 그들은 죽이지 않기로 결정합니다.^[70] 노래의 첫 부분은 흑인 캐릭터들이 옛날 영화에서 사용했던 전형적인 언어를 포함하고 있는데, 예를 들어 "I'm finished...", "I'm now to free, Master Lincoln" 등이 있습니다. 그리고 나서 링컨 캐릭터는 현대화된 버전의 게티즈버그 연설을 암송하고, 백인 여성 부족원은 금발로 링컨의 신발을 닦습니다.^[66]

대본 전반에 걸쳐 북미 원주민들에 대한 많은 언급들은 히피 운동과 헤어의 반 소비주의, 자연주의 초점의 일부입니다. 이 쇼의 등장인물들은 북미 원주민 공동체를 뜻하는 용어를 차용하여 "부족"이라고 불립니다.^[64] 각 작품의 출연진은 부족 이름을 선택합니다: "관행은 단순한 미용이 아닙니다. 모든 출연진이 함께 일하고, 서로를 좋아하며, 종종 공연 내에서 하나의 유기체로 활동해야 합니다. '부족'이라는 단어에 내재된 가족, 소속감, 책임감, 충성심 등 모든 것이 출연진이 느낄 수밖에 없습니다."^[64] 이러한 느낌을 높이기 위해 오호건은 신뢰, 감동, 경청, 집중적인 심사를 바탕으로 한 감수성 연습을 통해 출연진과 제작진 사이의 장벽을 허물고 유대감을 고취시켰습니다. 이 연습은 에살렌 연구소와 폴란드 연구소에서 개발된 기술을 기반으로 했습니다.^[27] 클로드, 버거 그리고 쉴라가 함께 산다는 생각은 1960년대 부족 개념의 또 다른 측면입니다.^[71]

나체, 성적 자유 및 약물 사용

1막 말미의 짧은 나체 장면은 논란과 악명의 대상이었습니다.^[1][72] 밀러(Miller)는 "청결함은 부모의 성적 억압에 대한 거부이자 자연주의, 영성, 정직, 개방성, 자유에 대한 진술로서 히피 문화의 큰 부분이었다"고 썼습니다. 벌거벗은 몸은 아름다웠고, 경축과 감사를 받아야 할 것이었고, 경멸과 감춰지지 않았습니다. 그들은 자신들의 몸과 자신들의 섹슈얼리티를 '더러운' 것이 아니라 선물로 보았습니다."^[64]

머리카락은 다양한 방법으로 성적 자유를 미화합니다. 라도는 "평화 운동의 사랑 요소가 두드러졌다"^[4]고 설명한 바와 같이, 등장인물들의 생활 방식은 인종간 매력을 받아들이는 것 외에도 라보엠에 대한 성적이고 정치적인 업데이트로 작용합니다. 소돔(Sodomy)이라는 노래에서 우프는 모든 사람들에게 "성스러운 카마 수트라(Kama Sutra)에 동참하라"고 촉구합니다.^[73] 2막이 끝나갈 무렵 부족원들은 그날 밤 누가 누구와 잘 것인지를 두고 왔다갔다 하면서 자유연애 성향을 드러냅니다.^[74] 우프는 믹 재거를 짝사랑하고, 클로드, 버거, 쉴라 사이의 삼자적인 포옹은 클로드-버거 키스로 바뀝니다.^[66]

쇼가 진행되는 동안 등장인물들이 다양한 불법 약물을 복용하는데, 가장 눈에 띄는 것은 여행 순서 중 환각제입니다.^[64] 노래 "Walking in Space"가 순서를 시작하고 가사는 "그들이 어떻게 감히 이 아름다움을 끝내려고 노력하는지..."라고 선언하는 경험을 축하합니다. 이 급강하에서 우리는 감각을 재발견합니다... 우리의 눈은 열려 있고, 넓고, 넓고, 넓습니다." 마찬가지로, 버거는 "Donna"라는 노래에서 "나는 당신이 내려놓은 약들을 통해 진화하고 있습니다"라고 노래합니다.^[75] 또 다른 시점에서, 지니는 마리화나를 피우며 "냄비"라는 비평가들을 무시합니다.^[66] 일반적으로, 이 부족은 속도와 우울증과 같은 다른 약물에 대해서는 반대하는 ^[76]반면, LSD와 마리화나와 같은 환각제 또는 "마음의 확장" 약물을 선호합니다. 예를 들어, 지니(Janie)는 "속도위반자"에 의해 임신했음을 밝힌 후 "메트린은 나쁜 장면"이라고 말합니다.^[66] "Hashish"라는 노래는 코카인, 알코올, LSD, 아편, 항정신병제로 사용되는 토라진 등 불법 및 합법 의약품 목록을 제공합니다.^[76]

평화주의와 환경주의

쇼에 만연한 전쟁에 대한 반대의 주제는 책을 통해 진행되는 줄거리 실에 의해 통일됩니다. 즉, 클로드의 징병 카드를 불태울 것인가에 대한 도덕적 딜레마입니다.^[64] 평화주의는 2막에서 확장된 여행 순서 전반에 걸쳐 탐구됩니다. 그 순서에서 부르는 "Three-Five-Zero-Zero"의 가사는 전쟁의 공포를 불러일으킵니다.^[77] 이 곡은 앨런 긴즈버그의 1966년 시 "위치타 소용돌이 수트라"에 기반을 두고 있습니다. 이 시에서 맥스웰 테일러 장군은 한 달 동안 사망한 적병의 수를 숫자로 반복하여 언론에 자랑스럽게 보고합니다. "Three-Five-Zero-Zero"입니다. 이 노래는 죽음과 죽음의 이미지로 시작하여 매니시 댄스 넘버로 변하며, 부족들이 "무기를 들고 죽이기 시작하라"고 구호를 외치며 맥스웰이 적 사상자들을 보고하는 것을 기뻐하는 것을 상기시킵니다.^[64] 이 노래에는 "나이저타운의 죄수들/ 더럽고 작은 전쟁이다"라는 반복되는 문구도 포함되어 있습니다.^[66]

"Don't Put It Down"은 "미국 국기에 미친" 사람들의 검증되지 않은 애국심을 풍자합니다.^[78] "비 인(헤어 크리슈나)"은 샌프란시스코와 센트럴 파크 비 인과 같은 평화 운동과 행사를 칭찬합니다.^[79] 공연 내내 부족들은 "우리가 원하는 것은 무엇인가?"와 같은 인기 있는 시위 구호를 외칩니다. 평화! - 우리는 언제 그것을 원합니까? 지금!", "유도센터에 들어가지 마세요"^[66] 등의 반응을 보였습니다. "Let the Sun Shine In"이라는 경쾌한 노래는 전쟁의 어둠을 거부하고 세상을 더 좋게 변화시키기 위한 행동을 촉구하는 노래입니다.^[64]

헤어는 또한 문명으로 인한 오염에 대한 풍자를 목표로 합니다.^[64] 지니는 무대에서 방독면을 쓴 채 트랩도어에서 등장해 "에어"라는 노래를 부릅니다. "환영, 이산화황. 일산화탄소 안녕하세요. 공기가... 어디에나 있습니다."^[80] 그녀는 오염이 결국 자신을 죽일 것이라고 제안합니다. "내 무덤의 돌에 증기와 흄, 시무룩한 향수처럼 숨쉬고 있습니다."^[66] 우프가 자신을 소개할 때, 그는 "비트, 옥수수, 그리고 달콤한 완두콩"과 같이 "물건을 재배한다"고 설명하고, "꽃, 솜털, 나무를 좋아한다"고 설명합니다.^[66]

종교와 점성술

종교, 특히 가톨릭교는 작품 전반에 걸쳐 노골적이고 상징적으로 등장하며, 종종 농담의 화신이 되기도 합니다.^[64] 버거는 "my Donna"를 찾는 것을 노래하며, 그가 찾는 여자와 마돈나의 이중적인 의미를 부여합니다.^[81] 성에 대해 "더러운" 모든 사람들에게 찬송가와 같은 성가인 "소도미" 동안 출연진들은 피에타와 십자가에 있는 그리스도라는 회상적인 종교적 입장을 취합니다.^[81] 노래에 앞서 우프는 변형 묵주를 낭송합니다. 2막에서 버거는 다양한 유명 인사들에게 상상의 알약을 줄 때 "교황을 위한 알약"을 제공합니다.^[66] 《고잉 다운》에서 버거는 학교에서 쫓겨난 후 자신을 루시퍼와 비교합니다: "죽은 천사처럼/지옥으로 영원히 추방당한/오늘 나는 추방당한/고등학교 천국에서"^[82] 클로드는 대본의 여러 지점에서 고전적인 그리스도 인물이 됩니다.^[83] 1막에서 클로드는 "나는 하나님의 아들입니다. 나는 사라지고 잊혀질 것입니다.' 그런 다음에, 지파와 청중들에게 축복을 보냅니다. 클로드는 우유부단함에 시달리며, 1막 마지막에 그의 겟세마네에서 "어디로 가?"라고 묻습니다. 클로드가 십자가에 서 있다는 것에 대한 텍스트적 암시가 있고, 결국 그는 다른 사람들을 위해 그의 삶을 바치기로 선택됩니다.^[83] 버거는 클로드를 위해 길을 준비하는 세례자 요한으로 여겨져 왔습니다.^[64]

"아쿠아리우스"에서 발췌한 내용 조화와 이해 동정과 신뢰가 넘칩니다. 더 이상의 거짓이나 명령은 없습니다. 골든 리빙 드림즈 오브 비전 신비한 결정의 계시 그리고 마음의 진정한 해방입니다. 물병자리

"Good Morning, Starshine"과 "Aquarius"와 같은 노래들은 점성술과 우주 개념에 대한 1960년대의 문화적 관심을 반영합니다.^[84] "아쿠아리우스"는 라도가 자신의 점성술 별자리를 연구한 결과입니다.^[85] 이 회사의 점성가인 마리아 크럼미어는 캐스팅에 대해 다음과 같이 조언을 받았습니다.^[86] 쉴라는 대개 천칭자리나 염소자리, 그리고 레오가 버거를 맡았지만,^[85] 원래 버거였던 라그니는 처녀자리였습니다.^[87] 크럼미어는 브로드웨이와 다른 도시에서 쇼가 언제 시작될지 결정할 때에도 자문을 구했습니다.^[57] 1971년 브로드웨이 연극계는 그녀가 브로드웨이 초연을 위해 1968년 4월 29일을 선택했다고 보도했습니다. "29일은 경사스러웠습니다. 달이 높아서 사람들이 대규모로 참석할 것이라는 것을 나타냈기 때문입니다. 10번째 집에 있는 '역사를 만드는 사람들'(플루토, 천왕성, 목성)의 위치는 이 쇼를 독특하고 강력하며 돈을 버는 사람으로 만들었습니다. 그리고 해왕성이 승승장구하고 있다는 사실은 헤어가 성에 관련된 평판을 얻게 될 것임을 예고했습니다."^[88]

크럼미어가 개막일을 정하지 않은 멕시코에서는 정부가 하룻밤 만에 공연을 중단했습니다.^[57] 그녀는 보스턴 개막일(프로듀서들이 쇼의 내용에 대해 소송을 당했던 ^[89][90]곳)에 만족하지 않았습니다. "주피터는 장난꾸러기 토성에 반대할 것이고, 쇼는 태양이 일식되는 바로 그 날을 엽니다. 끔찍합니다." 그러나 가까운 미래에 점성학적으로 안전한 시간은 없었습니다.^[91]

문학적 주제와 상징성

헤어는 셰익스피어의 희곡, 특히 로미오와 줄리엣, 햄릿을 많이 언급하고 있으며, 때로는 셰익스피어에게서 직접 서정적인 소재를 따오기도 합니다.^[64] 예를 들어, "What Piece Is Man" 노래의 가사는 햄릿의 가사 (II: 장면 2)와 "Flesh Failures" (나머지는 침묵)의 일부분은 햄릿의 마지막 대사에서 나옵니다. "Flesh Failures/Let The Sun Shine In"에서, "눈, 마지막을 보라!/ 팔, 마지막 포옹을 하라!"라는 가사가 있습니다. 그리고 입술이여, 그대여/숨의 문, 의로운 키스로 봉인하라"는 로미오와 줄리엣(V: iii, 111–14)의 노래입니다.^[92] 밀러에 따르면, 로미오 자살 이미지는 전쟁에서 우리의 공모로 우리가 스스로 목숨을 끊는다는 것을 의미합니다.^[64]

상징적으로, 클로드의 우유부단함, 특히 그의 징병 카드를 불태우는 것에 대한 그의 저항은 궁극적으로 그의 죽음을 초래하는 햄릿과 유사한 것으로 여겨졌습니다: "우울한 히피".^[93] 상징성은 마지막 장면으로 옮겨지는데, 클로드는 군대 제복을 입은 친구들 사이에서 유령의 영혼으로 등장하며, 그는 "나는 내가 되고 싶은 것을 안다... 보이지 않는" 공공 극장 예술 감독 오스카 유스티스(Oskar Eustis)에 따르면, "헤어와 햄릿 모두 전쟁, 폭력, 그리고 정맥 정치로 얼룩진 세상에서 그들의 자리를 찾기 위해 고군분투하는 이상주의적인 뛰어난 사람들에 중점을 둡니다. 그들은 인간의 가능성과 가장 가혹한 현실을 모두 봅니다. 결국 주변의 악과 효과적으로 싸울 수 없게 되어 비극적으로 굴복하게 됩니다."^[94]

다른 문학적 언급으로는 긴즈버그의 시 《위치타 소용돌이 수트라》를 바탕으로 한 노래 《Three-Five-Zero-Zero》가 있으며,^[95] 사이키델릭 약물 여행 시퀀스에서는 바람과 함께 사라지다의 스칼렛 오하라와 활동적인 아프리카계 미국인 시인 르로이 존스의 묘사가 있습니다.^[66]

연극학

Richard Schechner는 Viet Rock의 출판된 대본에 대한 소개에서 "공연, 액션, 이벤트는 우리 연극의 핵심 용어이며, 이 용어들은 문학적이지 않습니다"^[96]라고 말합니다. 1950년대 오프 브로드웨이 극장들은 비전통적인 연극 역할을 실험하기 시작했고, 극작가, 감독, 배우 사이의 경계를 흐리게 했습니다. 극작가의 일은 단순히 한 페이지에 단어를 넣는 것이 아니라 중심적인 아이디어를 바탕으로 연극적 경험을 만들어내는 것이었습니다. 1967년까지 The Living Theatre,^[97] La Ma E.T.C. 그리고 The Open Theatre와 같은 극장들은 전통적인 대본을 따르기 보다는 리허설 공간에서 만들어진 즉흥적인 장면들로부터 연극을 적극적으로 고안하고 있었습니다.

비엣 록 앤 헤어

메간 테리의 비엣 록은 이 즉흥적인 과정을 사용하여 만들어졌습니다.^[97] 비엣록의 장면들은 "전술적인 방법"으로 연결되어 있습니다. 하나의 장면은 이전 장면의 접선으로부터 만들어질 수도 있고, 심리적으로 연결될 수도 있고, 이전 장면과 반대가 될 수도 있습니다.^[97] 배우들은 공연 중간에, 그리고 종종 중간 장면에서 역할을 바꾸도록 요청 받았습니다. 테리는 비엣록에서 열린 상원 청문회 장면에 대한 무대 연출에서 "배우들은 상원의원과 증인이 교대로 되어야 합니다. 변화는 갑작스럽고 완전해야 합니다. 배우가 한 캐릭터로 끝나면 또 다른 배우가 되거나, 아니면 그냥 배우가 됩니다."^[97]

머리카락은 거의 같은 방식으로 디자인되었습니다. 이 쇼의 브로드웨이 연출가인 톰 오호건은 이 실험적인 극장 운동에 밀접하게 참여했습니다.^[64] 브로드웨이로의 전환에서, 오호건과 작가들은 쇼의 실험적인 측면을 증가시키기 위해 장면들을 재배치했습니다.^[97] 헤어는 배우들에게 작품이 진행되는 동안, 그리고 2막의 클로드의 사이키델릭 여행에서처럼, 때때로 같은 장면 동안 여러 다른 캐릭터를 맡도록 요청합니다. Hair와 Viet Rock 둘 다 대중 매체에서 많이 빌려온 록 음악을 포함하고 있으며, 관객들과 교류하기 위해 보이지 않는 "네 번째 벽"을 자주 허물고 있습니다. 예를 들어 오프닝 넘버에서는 부족이 관객들과 어울리고, 공연이 끝나면 관객들을 무대로 초대합니다.^[97]

생산설계

원래 브로드웨이 작품에서는 무대가 완전히 열려 있었고, 커튼이 없고 플라이 에어리어와 그리드가 관객에게 노출되어 있었습니다. 프로시니엄 아치는 등반 준비가 된 발판으로 윤곽을 드러냈습니다. 바그너의 여분의 세트는 무대 위의 거리의 그라피티가 스텐실로 장식된 회색 음영으로 칠해져 있었습니다. 무대는 갈퀴로 장식되었고, 무대 위에 있는 추상적인 비계의 탑은 아메리카 원주민 토템 기둥과 십자가 모양의 나무의 현대적인 조각을 합쳐 놓았습니다. 이 비계는 출연진들이 뉴욕 거리에서 모은 발견된 물건들로 장식되었습니다. 여기에는 실물 크기의 종이 반죽 버스 운전사, 예수의 머리, 그리니치 빌리지에 있는 웨이벌리 영화관의 네온 마퀴 등이 포함되었습니다.^[98] 포츠의 의상은 히피 스트리트 의상을 기반으로 하여 색상과 질감을 강화하여 더 연극적으로 만들었습니다. 이 중 일부는 군복의 혼합 부분, 우크라이나 자수가 있는 종 하의 청바지, 넥타이 염색 티셔츠, 빨간색 흰색과 파란색 테두리 코트를 포함했습니다.^[98] 초기 제작은 주로 이 기본 디자인의 복제품이었습니다.

누드씬

진 리스는 "그 장면에 대해 많은 것이 쓰여져 왔다… 대부분은 바보 같다"고 '고 충실도'에서 썼습니다.^[99] 이 장면은 비공식적인 반전 모임에서 경찰을 적대시하기 위해 옷을 벗은 두 남자에 의해 영감을 받았습니다.^[7] "어디로 가?" 동안, 무대는 거대한 스크림으로 뒤덮여 있었고, 그 아래에서 그 장면에 참여하기로 선택한 사람들은 옷을 벗었습니다. 음악적인 단서에서 "그들은 벌거벗고 움직이지 않고, 그들의 몸은 피셔의 빛이 비추는 꽃무늬에 목욕을 했습니다. 그들은 ' 구슬, 꽃, 자유, 그리고 행복'을 외쳤습니다."^[100] 그것은 단지 20초 동안 지속되었습니다.^[101] 실제로, 이 장면은 너무 빨리 일어났고 너무 희미하게 빛이 나서 런던의 시사회에서 중간에 잭 베니가 "혹시 그들 중 유대인이 있는지 알아냈나요?"^[102]라고 소리를 질렀습니다. 그럼에도 불구하고, 이 장면은 검열의 위협과 심지어 몇몇 장소에서의 폭력적인 반응을 촉발시켰습니다.^[8] 그것은 또한 대중 문화 농담의 사료가 되었습니다. 그루초 막스는 "나는 그것을 보러 가려고 했고, 그리고 나서 극장에 전화를 걸었습니다. 그들은 표가 개당 11달러라고 말했습니다. 저는 그들에게 다시 전화하겠다고 말하고, 화장실에 들어가 옷을 모두 벗고, 전신 거울로 제 자신을 보았습니다. 그리고 극장에 전화를 걸어 '잊어버려'라고 했습니다.^[103]

나체는 공연자에게 선택 사항이었습니다. 프랑스 출연진은 외국인 그룹 중 가장 나체인 반면, 런던 출연진은 나체가 가장 달성하기 어렵다는 것을 발견했습니다.^[61] 스웨덴 출연진은 옷을 벗기는 것을 꺼려했지만 코펜하겐에서 부족은 나체가 너무 길들여졌다고 생각하고 쇼의 서막 동안 발가벗고 통로를 오르내리기로 결정했습니다.^[47] 일부 초기 공연에서 독일인들은 "Censored"라는 라벨이 붙은 큰 시트 뒤에서 그들의 장면을 연기했습니다.^[47][61] 브로드웨이의 원래 출연진인 나탈리 모스코는 "처음에는 누드 장면에 완전히 반대했지만, 저는 연기 선생님께서 연기의 일부는 공공장소에서 사적인 것이라고 말씀하셨던 것을 기억합니다. 그래서 해냈어요."^[104] 멜바 무어(Melba Moore)에 따르면, "그것은 당신이 의미하기를 원하는 것 외에는 아무 의미도 없습니다. 우리는 옷에 많은 가치를 두었습니다. ... 마치 다른 사람들이 긴장하는 것과 같습니다."^[105] 독일 제작에 참여한 도나 섬머는 "성적인 것을 의도한 것은 아니다"라고 말했습니다. 우리는 사회가 살인보다 나체를 더 많이 만든다는 사실에 대해 언급하기 위해 벌거벗은 채 서 있었습니다."^[7] 라도는 "관객들 앞에서 벌거벗고 있는 당신은 당신의 영혼을 저버리는 것입니다"라고 말했습니다. 영혼뿐만 아니라 온몸이 드러나고 있었습니다. 그것은 매우 적절했고, 매우 정직했으며 거의 필요했습니다."^[7]

음악

케이프타운 대학교에서 반투족의 음악을 공부한 후,^[64] 맥더못은 헤어의 악보에 아프리카 리듬을 접목시켰습니다.^[10] 그는 "[반투족]이 퀘일라스라고 부르는 것을 들었습니다. 특징적인 비트를 가지고 있습니다. 록과 매우 유사합니다. 하지만 훨씬 더 깊은... 머리카락은 매우 아프리카적입니다 – 많은 리듬이 있지만 곡조는 그렇게 많지 않습니다."^[10] 퀘일라스는 예상치 못한 음절을 강조하며, 이러한 영향은 "What piece is Man"과 "Ain't Got No Grass"와 같은 노래에서 들을 수 있습니다.^[106] 맥더못은 "제 생각은 완전한 펑크 쇼를 만드는 것이었습니다. 그들은 로큰롤을 원한다고 말했습니다 – 하지만 저에게는 '펑크'로 번역된 곡입니다."^[107] 그 펑크는 악보 전체에서 분명히 드러납니다. 특히 "Color Spade"와 "Walking in Space"와 같은 곡들에서 말입니다.^[107]

맥더못은 노래들이 "모두 같을 수는 없다"고 주장했습니다. 다양한 스타일을 선택해야 합니다. 저는 그들이 모두 조금 다르다고 생각하는 것을 좋아합니다."^[4] 이와 같이, 헤어의 음악은 록의 영역을 "Don't Put it Down"의 로커블한 감성부터 "Frank Mills"와 "What Piece of Work is Man"의 포크 록 리듬까지 확장합니다. "Easy to Be Hard"는 순수한 리듬과 블루스이며, "Ain't Got No"와 "The Flesh Failures"라는 프로테스트 록의 주제가 많습니다. '우주를 걷다'와 '아쿠아리우스'의 산성암은 '굿모닝 스타샤인'의 주류 팝이 균형을 이루고 있습니다.^[108] 스콧 밀러는 헤어의 음악을 히피들의 정치적 주제와 연관짓습니다: "히피들은 사람들의 예술을 창조하기로 결심했고, 그들이 선택한 예술 형태는 락/포크 음악은 그 정의에 따라 대중영합적이었습니다. [T]히피들의 음악은 종종 매우 화가 났으며, 그 분노는 헌법을 창당하고, 미국을 팔아넘기고, 미국이 지지하는 것을 배신하고, 다시 말해서 그들의 부모와 정부를 향했습니다."^[64] 연극사학자 존 켄릭은 록 음악을 무대의 매체에 적용하는 방법에 대해 다음과 같이 설명합니다.

대중음악계를 평정했던 바로 그 하드 록 사운드가 두 곡의 동시 히트곡인 'Your Own Thing'과 'Hair'로 뮤지컬 무대에 올랐습니다. 혁명 포고와 불경, 하드 록의 폭발은 음악 극장을 뿌리째 뒤흔들었습니다. 극장 사업에 종사하는 대부분의 사람들은 Hair를 시끄러운 사고 이상으로 여기기를 꺼려했습니다. 토니 유권자들은 Hair의 중요성을 무시하고 Hair를 어떤 명예에서도 배제하려고 노력했습니다. 그러나, 일부 사람들은 이제 변화가 필요한 때라고 주장했습니다. 뉴욕타임스 평론가 클라이브 반스는 "헤어는 그저께가 아니라 오늘의 진정한 목소리를 가진 브로드웨이 최초의 뮤지컬"이라고 극찬했습니다.^[109]

그 음악은 모든 사람들에게 반향을 일으키지 않았습니다. 레너드 번스타인(Leonard Bernstein)은 "노래들은 단지 세탁 목록일 뿐"^[110]이라고 말하고 제작을 중단했습니다.^[111] Richard Rodgers는 비트만 들을 수 있었고 그것을 "3분의 1 음악"이라고 불렀습니다.^[110] 존 포거티(John Fogerty)는 "헤어는 실제로 일어나고 있는 일의 너무 물이 빠진 버전이어서 저는 그것을 전혀 이해할 수 없습니다."^[112]라고 말했습니다. High Fidelity의 Gene Lees는 John Lennon이 그것을 "dull"이라고 생각했고, 그는 "나는 그것이 좋다고 생각하는 어떤 음악가도 모릅니다"^[99]라고 썼습니다.

노래들

이 악보에는 당시 브로드웨이 공연의 전형적인 곡들보다 더 많은 곡들이 수록되어 있었습니다.^[5] 대부분의 브로드웨이 공연은 1막에 6곡에서 10곡 정도였고, 헤어의 총합은 30대였습니다.^[113] 이 목록은 가장 일반적인 브로드웨이 라인업을 반영합니다.^[114]

그 쇼는 거의 영구적으로 다시 쓰였습니다. 퍼블릭 씨어터와 브로드웨이에서 제작되는 사이에 〈I Believe in Love〉를 포함한 13곡이 추가되었습니다.^[114] "더 클라이맥스"와 "데드 엔드"는 작품들 사이에서 잘려 나갔고, "엑사나 플레인 투치"와 "You Are Standing on My Bed"는 시사회에 참석했지만 브로드웨이 이전에 잘려나갔습니다. 셰익스피어의 연설 "작품이란 사람이란 무엇인가"는 원래 클로드가 브로드웨이를 위해 말하고 맥더못이 뮤지컬화한 것으로, "해시시"는 베르거의 초기 연설에서 형성되었습니다.^[114] 후속작으로는 1990년대 유럽에서 여러 작품에 라도가 참여한 영화를 위해 작곡한 《Hello There》, 《Dead End》,^[114] 《Hippie Life》 등이 있습니다.^[115] 2009년 브로드웨이 리바이벌에는 10초짜리 〈Sheila Franklin〉과 〈O Great God of Power〉가 포함되었는데,^[116] 이 두 곡은 오리지널 프로덕션에서 잘라낸 것입니다.

녹음

헤어의 첫 번째 녹음은 1967년 오프브로드웨이 출연진이 참여했습니다. 브로드웨이의 오리지널 캐스트 레코딩은 1969년 오리지널 캐스트 쇼 앨범에서^[117] 최고 점수로 그래미 상을 받았고, 1969년 12월까지 미국에서 거의 300만 장이 팔렸습니다.^[57] 이 음반은 빌보드 200에서 1위를 차지했는데, 이 음반은 2016년 기준으로 브로드웨이에서 캐스팅된 마지막 음반입니다. 1969년에는 13주 동안 1위에 머물렀습니다.^[118] 이 음반은 또한 1970년 호주에서 2위로 정점을 찍었습니다.^[119] 뉴욕 타임즈는 2007년에 "헤어의 캐스팅 앨범은 중산층의 필수품이었습니다. 이국적인 주황색과 녹색의 커버 아트가 정신에 즉각적으로 지워지지 않게 각인되었습니다. [그것은] 모든 좋은 팝처럼 장르나 시대에 대한 특정 취향을 초월하는 매력을 가진 팝 록 클래식이 되었습니다."^[18] 2019년, 미국 의회 도서관은 브로드웨이 캐스팅 원본 앨범을 국립 레코드 등록소에 추가했습니다.^[120]

1993년 런던 리바이벌 캐스트 앨범에는 표준 렌탈 버전에 포함된 새로운 음악이 수록되어 있습니다.^[64] 1969년 스튜디오 앨범, 디스인HAIRITED(RCA Victor LSO-1163)는 쇼를 위해 쓰여졌지만 다양한 무대 시간을 본 다음과 같은 곡들을 포함하고 있습니다. 일부 곡들은 대중과 브로드웨이 프로덕션 사이에서 잘라졌고, 일부 곡들은 공간 때문에 원래 캐스팅 앨범에서 제외되었으며, 일부 곡들은 무대에서 공연된 적이 없습니다.^[114]

Hair의 노래들은 Shirley Bassey, Barbra Streisand 그리고 Diana Ross를 ^[121]포함한 수많은 아티스트들에 의해 녹음되었습니다.^[122] '굿모닝 스타샤인'은 1969년 세서미 스트리트 편에서 출연자 밥 맥그래스(Bob McGrath)가 불렀으며,^[123] 사라 브라이트만(Sarah Brightman), 페툴라 클락(Petula Clark), 딸기 알람 시계(Strawberry Alarm Clock) 등의 아티스트 버전이 녹음되었습니다.^[124] 리자 미니넬리와 레몬헤드만큼 다양한 아티스트들이 "Frank Mills"를 녹음했고,^[125] 안드레아 맥아들, 제니퍼 워네스, 세르지오 멘데스가 각각 "Easy to Be Hard"를 기고했습니다.^[126] 헤어는 또한 미트 로프, 도비 그레이, 제니퍼 워네스, 조브리아스, 버트 소머, 로니 다이슨, 도나 서머, 멜바 무어 등의 공연자들의 녹음 경력을 시작하는 것을 도왔습니다.^[63]

Hair의 점수는 차트에서도 성공을 거두었습니다. 제5차원은 1969년 "Aquarius/Let the Sunshine In"을 발표했는데, 이 음반은 1970년^[127] 올해의 레코드 상을 수상하고 6주 동안 차트에서 1위를 차지했습니다. 타이틀곡 "Hair"를 녹음한 코실즈의 노래는 빌보드 핫 100에서 2위로 올라섰고,^[128] 올리버의 "Good Morning Starshine"은 3위에 올랐습니다.^[129] Three Dog Night의 "힘들기 쉬운" 버전은 4위에 올랐습니다.^[130] 니나 시몬의 1968년 메들리 "Ain't Got No, I Got Life"는 영국 차트에서 상위 5위에 올랐습니다.^[131] 1970년, ASCAP는 "Aquarius"가 그 해 그 어떤 노래보다 미국 라디오와 텔레비전에서 더 자주 연주되었다고 발표했습니다.^[132]

영국, 독일, 프랑스, 스웨덴, 일본, 이스라엘, 네덜란드, 호주 등에서 제작된 캐스트 앨범과 ^[133]헤어의 개별 곡들의 보컬 및/또는 악기 연주가 1,000회 이상 녹음되었습니다.^[34] 헤어의 녹음에 대한 관심이 워낙 넓어서, 전례 없는 입찰 전쟁 끝에 ABC 레코드는 맥더못의 다음 브로드웨이 각색 작품인 베로나의 두 신사에 기록적인 금액을 기꺼이 지불했습니다.^[134] 6월 23일에 발매된 2009년 리바이벌 음반은 빌보드의 "톱 캐스트 음반" 차트에서 1위로 데뷔했고, 200위 안에 63위를 차지하며 고스트라이트 레코드 역사상 가장 높은 데뷔 음반의 자격을 얻었습니다.^[135]

비판적 리셉션

브로드웨이 초연에서 Hair on Broadway에 대한 리셉션은 예외를 제외하고는 압도적으로 긍정적이었습니다. 클라이브 반스는 뉴욕 타임즈에 다음과 같이 썼습니다: "헤어에 대해 그렇게 호감이 가는 것은 무엇일까요? 저는 그것이 단순히 너무 호감이 가는 것이라고 생각합니다. 너무나 새롭고, 너무나 신선하고, 심지어는 그 겉치레에서도 너무나 겸손합니다."^[74] 월스트리트 저널의 존 J. 오코너는 이 쇼가 "압도적으로 도전적이었고 제작은 빌트모어 극장의 구석구석으로 폭발적으로 증가했다"고 말했습니다.^[136] 뉴욕 포스트의 리차드 와츠 주니어는 "그것은 아마도 의도하지 않은 매력을 가지고 있고, 높은 영혼은 전염성이 있으며, 어린 쾌활함은 저항하기 어렵게 만듭니다"라고 썼습니다.^[137]

텔레비전 리뷰는 훨씬 더 열광적이었습니다. ABC의 앨런 제프리스(Allan Jeffreys)는 이 배우들이 "톰 오건(Tom O'Horgan)의 멋진 야생적인 방식으로 감독된 가장 재능 있는 히피"라고 말했습니다.^[138] NBC의 레너드 프롭스트는 "헤어는 브로드웨이에서 몇 년 만에 유일하게 새로운 개념이며 이번 시즌 그 어떤 것보다 재미있다"고 말했습니다.^[139] WOR TV의 존 윙게이트(John Wingate)는 맥더못(MacDermot)의 "역동적인 악보"에 대해 찬사를 ^[140]보냈으며 CBS의 렌 해리스(Len Harris)는 "브로드웨이 시즌 최고의 뮤지컬을 드디어 찾았습니다... 그 엉성하고 저속하고 굉장한 부족애 록 뮤지컬 '헤어'입니다."^[141]

반면 버라이어티의 한 평론가는 이 쇼를 "루니"(loony)라고 부르며 "이야기, 형식, 음악, 춤, 아름다움, 예술성이 없다"고 말했습니다. [출연진이 재능이 있는지] 알 수가 없습니다. 아마도 재능은 이 새로운 종류의 쇼 비즈니스에서 무관할 것입니다."^[142] 주간지들의 리뷰는 엇갈렸습니다. 뉴스위크의 잭 크롤은 "이 새로운 헤어의 순수한 운동적 추진력은 부인할 수 없습니다. 오호건의 기교에는 버시 버클리가 껄끄러워하는 것처럼 뭔가 단단하고, 붙잡히고, 약간 부패한 것이 있습니다."^[143] 그러나 타임지의 한 평론가는 이 쇼가 "책 없는 뮤지컬이기 때문에 활력이 넘치고 뼈 없는 물고기처럼 수영해야 할 때 표류한다"고 썼습니다.^[144]

헤어가 런던에서 개봉했을 때 리뷰는 엇갈렸습니다. 타임즈지의 어빙 워들은 "그것의 정직함과 열정은 진정한 연극적인 축하의 자질을 줍니다 – 한 무리의 사람들이 세상에 그들이 느끼는 것을 정확히 말하는 즐거운 소리."라고 썼습니다. 파이낸셜 타임즈에서 B.A. Young은 Hair가 "매우 즐거운 저녁"일 뿐만 아니라 완전히 도덕적인 저녁"이라고 동의했습니다. 하지만, 48년 만에 은퇴하기 전 마지막 리뷰에서, 데일리 텔레그래프의 78세 W. A. 달링턴은 "열심히 노력했다"고 썼지만, 저녁 시간이 "시끄럽고, 추하고, 꽤 필사적으로 재미있는, 완전한 지루함"을 발견했습니다.^[145]

이 쇼의 비평가들을 인정하면서, 스콧 밀러는 2001년에 "어떤 사람들은 그 아래에 있는 멋진 구성과 정교한 이미지에 혼돈과 무작위성의 모습을 지나칠 수 없습니다"라고 썼습니다.^[64] 밀러는 "많은 가사들이 운율을 맞추지 못했을 뿐만 아니라, 많은 노래들이 정말로 끝이 없고, 단지 천천히 그리고 멈추기만 했을 뿐입니다. 그래서 관객들은 박수를 쳐야 할 때를 몰랐습니다. 이 쇼는 브로드웨이, 일반적인 전통 연극, 구체적으로 미국 뮤지컬의 모든 관습을 거부했습니다. 그리고 훌륭했습니다."^[64]

수상 및 후보 지명

브로드웨이 오리지널 프로덕션

연도	시상식	카테고리	후보자	결과
1969	토니상[146]	베스트 뮤지컬		지명했다
		뮤지컬 최고의 연출	톰 오호건	지명했다
	그래미어워즈[147]	오리지널 캐스트 쇼 앨범의 최고 점수	갈트 맥더못, 제롬 라그니 & 제임스 라도 (작곡가); 앤디 와이즈웰 (프로듀서)	원

2009년 브로드웨이 리바이벌

연도	시상식	카테고리	후보자	결과
2009	토니상[148]	뮤지컬 최고의 부활		원
		뮤지컬 남우주연상	개빈 크리엘	지명했다
		뮤지컬 주연 배우 최고의 연기	윌 스웬슨	지명했다
		뮤지컬 최고의 의상 디자인	마이클 맥도널드	지명했다
		뮤지컬 최고의 조명디자인	케빈 아담스	지명했다
		뮤지컬 최고의 사운드 디자인	에이컴 사운드 파트너스	지명했다
		뮤지컬 최고의 연출	다이앤 파울루스	지명했다
		베스트 안무	카롤 아미티지	지명했다
	드라마 데스크 어워즈[149]	뮤지컬의 탁월한 부활		원
		뮤지컬 남우주연상	윌 스웬슨	지명했다
		뮤지컬에 출연한 뛰어난 연기자	브라이스 라이네스	지명했다
		뛰어난 뮤지컬 연출가	다이앤 파울루스	지명했다
		뛰어난 안무	카롤 아미티지	지명했다
		뛰어난 세트 디자인	스콧 패스크	지명했다
		뛰어난 의상 디자인	마이클 맥도널드	지명했다
		뮤지컬의 뛰어난 조명디자인	케빈 아담스	지명했다

사회변화

타이틀곡 "머리"에서 발췌. 바람에 날리고 나무에 걸리게 놔뒀어요 내 머리 속의 벼룩들에게 보금자리를 마련해 주시오. 벼룩의 집 벌통 새들을 위한 둥지, 말이 없습니다. 아름다움, 화려함, 내 머리카락의 경이로움... 흘러, 보여줘, 신이 기를 수 있는 한 내 머리카락. 아, 제 눈이 보이나요? 네가 할 수 있으면. 그러면 머리가 너무 짧아요. 그들은 내가 토가에 있는 것을 보면 고고에 갈 것입니다. 금발에 찬란하고 성경적인 머리로 만든 토가. 예수님처럼 내 머리를 썼지만, 할렐루야, 난 너무 좋아요...

헤어는 1968년 서구 사회가 가지고 있던 많은 규범에 도전했습니다. 빗과 머리카락 몇 가닥을 묘사한 짐 다인(Jim Dine)^[5][150] 그림의 이름에서 영감을 받은 이름 자체는 문명과 소비주의의 제약에 대한 반응이자 자연주의를 선호하는 것이었습니다.^[151] Rado는 긴 머리가 "의식의 확장에서 눈에 보이는 인식의 형태였다"고 기억합니다. 머리가 길어질수록 마음은 더 넓어졌습니다. 긴 머리는 충격적이었고, 긴 머리를 기른 것은 혁명적인 행동이었습니다. 그건 일종의 깃발이었어요, 정말로."^[150]

이 뮤지컬은 처음 무대에 올랐을 때 논란을 일으켰습니다. 1막의 피날레는 브로드웨이 공연에서 처음으로 완전히 벌거벗은 남녀 배우들을 본 것이었고,^[1] 그 공연은 성조기의 모독과 외설적인 언어 사용으로 기소되었습니다.^[8][152] 이러한 논란은 반베트남 전쟁 주제 외에도 쇼 초기 동안 때때로 위협과 폭력 행위를 불러 일으켰고 쇼가 다른 도시에서 개막했을 때와 투어 중에 모두 법적 조치의 기초가 되었습니다. 결국 두 건의 사건이 미국 대법원에 도달했습니다.

법적인 문제와 폭력적인 반응

헤어의 투어 회사는 미국 전역에서 저항에 부딪혔습니다. 인디애나주 사우스벤드에서는 모리스 시빅 오디토리움이 예약을 ^[153]거부했고, 인디애나주 에반스빌에서는 여러 교회 단체가 제작을 피켓으로 삼았습니다.^[154] 인디애나주 인디애나폴리스에서는 제작진이 극장을 확보하는 데 어려움을 겪었고, 시 당국은 공개적으로 노출된 나체를 금지하는 시의 조례에 대한 절충안으로 출연진에게 신체 스타킹을 착용할 것을 제안했습니다.^[153] 텍사스의 글레이드워터처럼 소방대원은 극장을 폐쇄하는 일이 빈번하게 발생했습니다.^[155] 1972년 채터누가가 시 소유의 기념 강당에서^[156][157] 연극을 상영하는 것을 거부한 것은 나중에 미국 대법원에 의해 불법적인 사전 구속으로 밝혀졌습니다.^[158]

보스턴 제작에 대한 법적 문제는 미국 대법원에 상고되었습니다. 면허국 국장은 작품 속 성조기 묘사에 대해 예외를 두면서 "기를 모독하는 사람은 보스턴 커먼에 채찍질을 해야 한다"^[159]고 말했습니다.^[89] 개막 전 현장은 제거됐지만, 지방검찰청은 무대 위에서 "유혹하고 음탕한" 행동이 일어나고 있다고 주장하며 공연 중단 계획에 들어갔습니다. 헤어 법률팀은 상급법원으로부터 형사소추금지 가처분 신청을 받았고,^[160] D.A.는 매사추세츠주 대법원에 항소했습니다. 양측의 요청에 따라 재판관 여러 명이 제작물을 보고 "출연진 한 명 한 명이 합당한 정도로 옷을 입어야 한다"는 판결을 내렸습니다. 출연진들은 그날 밤 늦게 누드 장면을 도전적으로 연기하면서 판결이 언제 효력을 발휘할지 모호하다고 말했습니다.^[89] 다음날인 1970년 4월 10일, 제작은 중단되었고, 나체 판결을 두려워한 영화사들은 그들의 전시회에서 영화의 장면들을 발췌하기 시작했습니다. 연방항소법원이 매사추세츠주 법원의 판결을 뒤집자, D.A.는 이 사건을 미국 대법원에 상고했습니다. 법원은 4 대 4의 판결로 5월 22일 헤어가 다시 열릴 수 있도록 하급심 판결을 확정했습니다.^[90]

1971년 4월, 오하이오주 클리블랜드에 있는 한 극장의 외부에 폭탄이 던져졌고, 건물과 근처 상점 앞의 마키에서 튕겨져 나와 창문을 산산조각 냈습니다.^[161] 같은 달, 출연진인 조나톤 존슨과 무대감독인 러스티 칼슨의 가족들은 쇼의 극단원 33명이 머물고 있던 클리블랜드 호텔에서 화재로 사망했습니다.^[162][163] 1969년 6월 호주 시드니에서 폭탄테러가 발생해 개막식이 중단됐습니다.^[164]

전세계적인 반응

논란이 된 자료에 대한 현지 반응은 매우 다양했습니다. 샌프란시스코의 많은 히피 인구는 쇼가 그곳의 거리 활동의 확장이라고 여겼으며, 종종 출연자들과 함께 명상하고 쇼가 진행되는 동안 무대에서 자신들을 발견함으로써 예술과 삶 사이의 장벽을 흐리게 했습니다.^[41] 런던에서는 18살의 앤 공주가 무대에서 춤을 추는 것이 목격되었고,^[165] 워싱턴 DC에서는 헨리 키신저가 참석했습니다. 미네소타의 세인트 폴에서 한 시위 성직자가 청중을 겁주기를 바라며 18마리의 흰 쥐를 로비에 풀어 놓았습니다.^[41] 선장님. 짐 로벨과 잭 스위거트는 노래 이후 아폴로 13호의 달 모듈인 "아쿼리우스"를 더빙한 후 반미주의와 국기에 대한 무례함에 항의하여 빌트모어에서 제작을 중단했습니다.^[166]

1969년 카스텔리가 연출한 멕시코의 아카풀코 '헤어'가 하룻밤을 연주했습니다.^[47] 공연이 끝난 뒤 현지의 인기 있는 보르델로 맞은편에 위치한 극장은 "젊음의 도덕성에 해롭다"는 정부에 의해 자물쇠가 채워졌습니다.^[88] 출연자들은 공연 직후 체포돼 이민으로 끌려갔고, 그곳에서 출국하기로 합의했지만, 법적인 문제 때문에 잠적할 수밖에 없었습니다.^[167] 그들은 며칠 후 멕시코에서 추방되었습니다.^[168][169]

헤어는 영국에서 사실상 무대 검열의 종언을 고했습니다.^[145] 런던의 무대 검열관인 체임벌린 경은 원래 이 뮤지컬의 라이선스를 거부했고, 의회가 그의 라이선스 권한을 박탈하는 법안을 통과시킬 때까지 개막이 연기되었습니다.^[145] 뮌헨에서는 당국이 나체 장면이 남아 있으면 제작을 중단하겠다고 위협했지만, 지역 헤어 대변인이 친척들이 나체로 아우슈비츠로 행진했다고 선언한 후 당국은 이에 동의했습니다.^[47] 노르웨이 베르겐에서는 현지 시민들이 인간 바리케이드를 만들어 공연을 막으려고 했습니다.^[47]

카스텔리에 따르면, 파리 공연은 거의 논란에 직면하지 않았고, 출연진들은 나체 장면에 대해 "거의 종교적으로" 발가벗겨졌다고 합니다.^[170] 그러나 파리에서도 현지 구세군 단원이 휴대용 스피커를 사용해 청중들에게 발표를 중단할 것을 권유하는 등 때때로 반대가 있었습니다.^[47][171]

후속작

1970년대

최초의 대학 제작은 1970년에 테네시주에 있는 멤피스 주립 대학교(현재 멤피스 대학교)에서 이루어졌으며, 연극부의 감독 키스 케네디(Keith Kennedy)가 이끌었습니다.^[172][173] 출연진은 1970년 애틀랜타 국제 팝 페스티벌에도 참가했습니다.^[174] WMC-TV는 1971년에 제작된 다큐멘터리를 제작했습니다.^[175]

브로드웨이의 '헤어' 리바이벌 공연은 1977년 43회 공연으로 막을 올렸습니다. 버틀러(Butler)가 제작하고, 오호건(O'Horgan)이 연출했으며, 브로드웨이 오리지널 프로덕션이 연주했던 빌트모어 극장(Biltmore Theater)에서 공연했습니다. 출연진에는 엘렌 폴리, 애니 골든, 로레타 데바인, 클리반트 데릭스, 크리스틴 비가드 등이 포함됐습니다.^[176] 신예 피터 갤러거(Peter Gallagher)는 그리스 투어에서 대니 주코(Danny Zuko) 역을 맡기 위해 시사회 도중 앙상블을 떠났습니다.^[177] 비평가들은 대체로 부정적이었고, 비평가들은 이 작품이 "회색을 보여준다"고 비난했습니다.^[178] 1990년대 초까지 Hair의 주요 부활은 거의 없었습니다.

1980년대와 1990년대

1988년 5월 유엔 총회에서 에이즈 어린이들을 위한 20주년 기념 콘서트 행사가 열렸습니다.^[179] 이 행사는 영부인 낸시 레이건이 후원하고 바바라 월터스가 그 밤의 오프닝 소개를 했습니다.^[180] Rado, Ragni, MacDermot은 콘서트를 위해 9개의 새로운 노래를 작곡하기 위해 재결합했습니다. 163명의 배우들은 전 세계의 다양한 작품에서 활동한 스타들을 포함했습니다. 무어, 베린, 윌리엄스, 서머를 비롯해 객원 공연자 비 아서, 프랭크 스탤론, 루스 웨스트하이머 박사. 티켓 가격은 250달러에서 5,000달러 사이였고 수익금은 유니세프를 위한 미국 위원회와 에이즈에 걸린 어린이들을 위한 크레오 소사이어티의 기금으로 돌아갔습니다.^[180]

전하는 바에 따르면 1985년 몬트리올에서 제작된 헤어마운트는 이 뮤지컬의 70번째 전문 제작이었습니다.^[34] 1988년 11월 마이클 버틀러(Michael Butler)는 시카고 빅 씨어터(Vic Theater)에서 공연 20주년을 기념하기 위해 헤어(Hair)를 제작했습니다. 제작은 호평을 받아 1989년 2월까지 진행되었습니다.^[180] 1990년부터 1991년까지, 핑크 레이스 프로덕션은 사우스 캐롤라이나, 조지아, 테네시, 켄터키에서 잠깐 머물렀던 Hair의 미국 전국 투어를 운영했습니다.^[180] 1991년 라그니가 죽은 후, 맥더못과 라도는 1990년대까지 계속해서 부흥을 위한 새로운 노래들을 작곡했습니다. 헤어 사라예보, AD 1992는 평화를 호소하기 위해 사라예보 포위전 동안 상연되었습니다.^[34] 라도는 1994년 배우 루터 크릭이 출연한 100만 달러짜리 11개 도시 전국 투어를 연출했습니다. 맥더못이 음악을 감독하기 위해 돌아온 가운데, 라도의 투어는 쇼의 25주년을 기념했습니다.^[181] 1990년에 제작된 버스와 트럭은 유럽을 3년 이상 순회하며 제작되었으며,^[181] 라도는 1995년부터 1999년까지 다양한 유럽 제작을 감독했습니다.^[115]

1992년^[182] 호주에서 제작이 시작되었고 1993년 마이클 보그다노프 감독이 연출한 런던 올드빅에서 존 배로먼과 폴 히프가 주연을 맡은 단명한 런던 리바이벌이 열렸습니다.^[183][184] 런던 프로덕션이 원작에 충실한 반면, 제작진의 한 구성원은 그것이 "실패"한 이유는 부족이 "그것을 제대로 얻지 못한 해처의 아이들"로 구성되어 있기 때문이라고 말했습니다.^[185] 아파르트헤이트가 근절될 때까지 공연이 금지되었던 남아프리카 공화국을 포함한 전 세계에서 다른 작품들이 제작되었습니다.^[186] 1996년 버틀러는 캘리포니아 주립대학 풀러턴에 거주하는 전문 극단인 퍼시픽 뮤지컬 극장을 고용하여 한 달간의 공연을 시카고로 가져왔습니다. 버틀러는 1996년 민주당 전당대회와 동시에 쇼를 진행했고, DNC가 시카고에 마지막으로 있었던 1968년을 회상했습니다.^[187] 30주년 오프 브로드웨이 공연이 서드 아이 레퍼토리에서 열렸습니다. 숀 로자 감독이 연출했습니다.^[188]

2000년대와 2010년대

2001년, 리프레시! 로스앤젤레스에 있는 극단은 버거 역의 스티븐 웨버, 클로드 역의 샘 해리스, 쉴라 역의 제니퍼 리 워런이 출연한 "헤어"를 워즈워스 극장에서 공연했습니다.^[189] 같은 해, 엔코레스! 그레이트 아메리칸 뮤지컬 인 콘서트(Great American Musicals in Concert)는 2001년 시티 센터 시즌을 루서 크릭(Luther Creek), 이디나 멘젤(Idina Menzel), 톰 플로트킨(Tom Plotkin) 주연의 헤어(Hair) 제작과 헤어 작곡가 갈트 맥더못(Galt MacDermot)이 키보드를 연주하는 무대로 막을 내렸습니다.^[190] 이 쇼의 배우 기금 혜택은 2004년 뉴욕의 뉴 암스테르담 극장에서 하룻밤 동안 공연되었습니다. 부족에는 쇼샤나 빈, 라울 에스파르자, 짐 J. 블록, 리즈 캘러웨이, 개빈 크리엘, 에덴 에스피노사, 하비 피에스타인, 아나 가스타이어, 애니 골든, 제니퍼 허드슨, 줄리아 머니, 자이 로드리게스, 루폴, 마이클 맥킨, 로라 베난티, 아담 파스칼이 포함되었습니다.^[191]

2005년, Daniel Kramer가 연출한 Gate Theatre에서 런던 공연이 열렸습니다. 제임스 라도는 이 뮤지컬의 대본을 베트남 전쟁 대신 이라크 전쟁의 맥락에 배치하는 업데이트를 승인했습니다.^[192] 크라머의 현대화된 해석에는 타임스퀘어에서 메가폰을 잡고 부른 '아콰리우스'와 아부그라이브의 이미지를 떠올리게 하는 나체가 포함되었습니다.^[193] 2006년 3월, Rado는 감독 Robert Prior와 함께 Toronto에서 CanStage of Hair를 제작했고,^[194] Pieter Toerien이 제작한 리바이벌 작품은 2007년 남아프리카를 순회했습니다. 폴 워윅 그리핀이 연출하고 티모시 르 루가 안무한 이 쇼는 요하네스버그의 몬테카시노 극장과 케이프타운의 베이 극장에서 진행되었습니다.^[195] 2010년 3월, 푸에르토리코 올드 산후안에 있는 테아트로 타피아에서 이누엘 콜론 감독이 연출한 2주간의 공연이 있었습니다.^[196]

마이클 버틀러는 2007년 9월 14일부터 12월 30일까지 로스앤젤레스 MET 극장에서 헤어를 제작했습니다. 이 쇼는 보 크로웰이 연출과 안무를 맡았고, 크리스찬 네스미스가 음악적 연출을 맡았습니다.^[197][198] 버틀러의 '헤어' 작품은 LA 주간 연극상 올해의 뮤지컬상을 수상했습니다.^[199]

2007년 9월 3일 밤, Joe's Pub과 Public Theatre는 센트럴 파크의 들라코르테 극장에서 40주년 기념 '헤어' 제작을 선보였습니다. 다이앤 폴러스가 연출한 이 콘서트 버전은 조나단 그로프가 클로드 역을 맡았고, 갈트 맥더모트가 키보드 무대에 섰습니다. 출연진에는 쉴라 역의 카렌 올리보와 버거 역의 윌 스웬슨도 포함되어 있었습니다.^[200] 원래 브로드웨이 프로덕션의 배우들이 "Let the Sun Shine In"의 앙코르 공연 동안 무대에 함께 했습니다. 긴 줄과 밤샘 대기가 메릴 스트립과 케빈 클라인이 주연한 "Mother Courage"와 "Her Children"과 같은 다른 델라코르테 프로덕션의 티켓을 훨씬 초과했기 때문에, 그 쇼에 대한 수요는 압도적이었습니다.^[201]

9개월 후, The Public Theater는 2008년 7월 22일부터 2008년 9월 14일까지 한정적으로 무대에 오른 The Hair at the Delacorte를 선보였습니다.^[202] 폴루스는 카롤 아미티지의 안무와 함께 다시 감독을 맡았습니다. 그로프와 스웬슨은 콘서트 출연진의 다른 사람들과 함께 클로드와 버거로 돌아왔습니다.^[203] 카렌 린 마누엘은 쉴라 역을 맡았고 크리스토퍼 J. 행케는 8월 17일 그로프를 대신해 클로드 역을 맡았습니다.^[204] 뉴욕 타임즈의 벤 브랜틀리는 "이 작품은 쇼를 활기찬 시대 작품 이상으로 확립합니다."라고 썼으며, 리뷰는 대체로 긍정적이었습니다. 머리카락은 누구보다 뿌리가 깊은 것 같습니다."^[205] 타임지는 다음과 같이 썼습니다: "헤어... 뮤지컬 theatre 역사상 위대한 이정표 중 하나로 다시 활기를 되찾았습니다. 오늘날 헤어는 그 어느 때보다 대담해 보입니다."^[3]

2009년 브로드웨이 리바이벌과 2010년 미국 내셔널투어

2009년 3월 6일, 알 허쉬펠트 극장에서 공개 극장 제작은 브로드웨이로 옮겨졌고, 2009년 3월 31일에 공식적으로 개관했습니다. 파울루스와 아미티지는 다시 연출과 안무를 맡았고, 대부분의 출연진은 공원에서 제작을 마치고 돌아왔습니다. 25달러 박스석 티켓에 대한 사전 공연 티켓 추첨이 야간에 진행되었습니다.^[206] 개막작에는 클로드 역의 개빈 크릴, 버거 역의 윌 스웬슨, 쉴라 역의 케이시 레비, 마더 역의 메간 로렌스, 디온 역의 사샤 앨런이 출연했습니다.^[207] 디자이너로는 스콧 패스크(세트), 마이클 맥도널드(의상), 케빈 아담스(조명) 등이 있었습니다.^[208]

비판적인 반응은 거의 한결같이 긍정적이었습니다.^[209] 뉴욕 데일리 뉴스의 헤드라인은 "헤어 리바이벌의 하이 펀"이라고 발표했습니다. 리뷰는 대담한 연출, "컬러풀하게 운동적인" 안무와 쇼의 기술적인 업적, 특히 조명에 대해 "삶과 자유의 미소를 유발하는 기념으로서 [헤어는] 매우 의사소통성이 높다"고 평가했지만, 경고는 "만약 여러분이 통로에 앉아 있다면, 여러분의 얼굴이나 무릎에 [출연진]이 있을 것이라 기대하거나... 옷을 땋는 것."^[210] 뉴욕포스트는 이 작품이 "승리적으로 등장했다"고 전했습니다. 요즘 우리나라는 전쟁에 덜 집착하고 경제에 더 집착하고 있습니다. 결과적으로 가장 큰 반향을 일으키는 장면은 아이들이 쥐 경주를 극도로 거부하는 장면입니다."^[211] 버라이어티는 "다이앤 폴러스 감독과 그녀의 비범한 재능을 가진 출연진들은 1967년 록 뮤지컬의 심장을 절단하는 방식으로 소재와 연결되어 서까래에 방사되는 엄청난 에너지를 만들어냅니다. 단순한 향수에 불과했던 것이 오히려 완전한 몰입의 사건이 되는 것입니다. 만약 이 폭발적인 연출이 당신 안에서 무언가를 동요시키지 않는다면, 당신의 맥박을 확인할 시간이 될지도 모릅니다."^[212] 보스턴 글로브는 이 작품이 "통쾌하게 느껴지고" "너무 부풀려졌다"며, 부활이 "참을 수 없을 정도로 순진하고 용서할 수 없을 정도로 입버릇처럼 느껴진다"고 반대했습니다.^[213] 그러나 뉴욕타임즈에 기고하고 있는 벤 브랜틀리는 대다수를 반영하며 극찬을 아끼지 않았습니다.

들라코르테 극장에서 브로드웨이로 실내를 옮겼다가... 젊은 출연자들... 길들여질 기미가 보이지 않습니다 오히려 집을 허물고 있습니다. 이 감정적으로 풍부한 부활은 브로드웨이가 이번 시즌에 느끼지 못했던 것들을 전달합니다. 젊음이라고 불리는 양극화 상태의 강렬하고 변함없는 기쁨과 고뇌를 말이죠. 카롤 아미티지의 행복한 히피 안무는 그룹 그로프와 매스라이팅으로 마치 즉석에서 발명되는 것처럼 보입니다. 하지만 무력해 보이는 것들 속에는 지적인 형태가 있습니다. [폴루스가 발견한 1968년 아이들에 관한 쇼]에서 성격과 감정의 깊이는 미래가 그들을 어떻게 변화시킬지 그리고 다음에 어떤 일이 일어날지 모른다는 것에 두려움을 느낍니다. 모든 앙상블 멤버들이 하나의 개인으로 등장합니다. 공연이 끝난 후 저는 [캐릭터들이] 어떻게 될까 하는 생각을 멈출 수가 없었습니다. 항상 산성보다 팝이 더 많았던 맥더못 씨의 음악은 무대 위 밴드의 감염된 삶과 출연진들의 감미로운 목소리를 고려할 때 아름답게 유지되고 있습니다.^[214]

퍼블릭 씨어터는 2008년 말 경제 불황의 심각성 때문에 브로드웨이 이전을 위해 예산 550만 달러를 마련하기 위해 고군분투했지만 새로운 제작 파트너를 추가함으로써 목표에 도달했습니다. 다이앤 폴러스 이사는 저렴한 세트를 사용함으로써 비용을 낮게 유지하는 것을 도왔습니다. 이 쇼는 2주차에 822,889달러의 수익을 올렸습니다.^[215][216] 2009년 4월 30일, 데이비드 레터맨과 함께하는 레이트 쇼에서 출연진은 원래 부족에 의해 에드 설리번 극장에서 같은 무대에서 공연을 재현했습니다.^[217] 이 작품은 토니상 최우수 뮤지컬 리바이벌상,^[218] 드라마 데스크상 우수^[219] 뮤지컬 리바이벌상, 드라마 리그상 우수 뮤지컬 리바이벌상을 수상했습니다.^[220] 2009년 8월, 이 리바이벌은 5,760,000 달러의 투자금을 모두 회수하여 브로드웨이 역사상 가장 빠르게 회수된 뮤지컬 중 하나가 되었습니다.^[221] 캐스트 앨범은 2010년 그래미 어워드 최우수 뮤지컬 쇼 앨범상 후보에 올랐습니다.^[222]

2010년 웨스트엔드의 부활을 위해 브로드웨이 출연진이 런던으로 옮겨갈 때, 전 아메리칸 아이돌 결승전 진출자인 버거 역의 에이스 영과 쉴라 역의 다이애나 드가모를 포함하여 대부분 새로운 부족이 2010년 3월 9일 브로드웨이에서 자리를 잡았습니다. 카일 리아브코가 클로드 역을 맡았고, 애널리 애쉬포드가 지니 역을, 바네사 레이가 크리시 역을 맡았습니다. Rachel Bay Jones는 나중에 Mother와 다른 역할들을 맡았습니다.^[223] 원래 출연진이 런던으로 이적한 후 매출이 감소했고, 29회의 시사회와 519회의 정기 공연을 거쳐 2010년 6월 27일에 부활의 문을 닫았습니다.^[224][225]

2010년 10월 21일부터 미국 전국 투어가 시작되었습니다. 베르거 역의 스틸 부르크하르트, 클로드 역의 파리 레밀라르, 쉴라 역의 카렌 린 타켓 등이 교장으로 참여했습니다.^[226] 투어는 대부분 긍정적인 평가를 받았습니다.^[222] 이 쇼는 2011년 7월 5일부터 9월 10일까지 세인트 제임스 극장에서 공연을 위해 브로드웨이로 돌아왔습니다. 그 정류장 이후, 투어가 재개되었습니다.^[227] 투어는 2012년 1월 29일에 끝났습니다.^[228]

2010년 웨스트엔드 리바이벌

2009년 브로드웨이 공연은 런던 웨스트엔드의 질구드 극장에서 복제되었습니다. 시사회는 2010년 4월 1일에 시작되었고, 공식적인 개막은 4월 14일이었습니다. 제작자는 캐머런 매킨토시, 브로드웨이 어크로스 아메리카와 함께 퍼블릭 시어터(Public Theater)였습니다. 거의 모든 뉴욕 출연진이 런던으로 이주했지만, 루터 크릭은 우프 역을 맡았습니다.^[229][230] 런던의 부활은 2010년 9월 4일에 막을 내렸습니다.^[231]

제작은 대부분 열광적인 평가를 받았습니다. 가디언지의 마이클 빌링턴(Michael Billington)은 "활기차고 즐거운 살아있는 극장의 한 작품"이라고 묘사하며, "삶의 기쁨이 군-산업 단지의 편협함과 죽음을 다루는 힘에 대항했던 시기를 기념합니다. 셰익스피어가 한때 말했듯이 '아직 수액은 없다'^[232]고 말한 바 있습니다." 데일리 텔레그래프의 찰스 스펜서는 동의했습니다. "이것은 모든 록 뮤지컬 중 가장 위대한 것들의 시기적절하고 거부할 수 없이 중요한 부활입니다. 그 회사의 정력과 에너지는... 거부할 수 없습니다."^[233] 인디펜던트의 마이클 코베니(Michael Coveney)는 헤어(Hair)가 "역대의 위대한 뮤지컬 중 하나이며, 발견하고 안도하는 현상"이라고 썼습니다.^[234] 더 타임즈에서, 베네딕트 나이팅게일은 "카프탄을 뿜어내는 것부터 루리타니아 군 재킷까지 모든 것을 입은 다양한 색조의 출연진이 여전히 날이 밝지 않기를 거부하는 물병자리의 시대에 경례를 하는 동안 무대 아래에서 경주를 하는 것은 신나는 일일 뿐만 아니라 이상하게도 가슴 아픈 일입니다"^[235]라고 논평했습니다.

2014년 할리우드 볼

2014년 8월, 2009년 브로드웨이 버전은 할리우드 볼에서 3박간의 공연을 위해 돌아왔습니다. 아담 섕크먼이 감독한 출연진에는 쉴라 역의 크리스틴 벨, 클로드 역의 헌터 패리시, 버거 역의 벤자민 워커, 디온 역의 앰버 라일리, 지니 역의 제나 우쉬코위츠, 크리시 역의 사라 하일랜드, 허드 역의 마리오, 클로드의 부모 역의 비벌리 당젤로와 케빈 챔벌린이 포함되었습니다.^[236]

영국 50주년 기념 제작 및 2019 전국투어

조너선 오보일이 연출하고 윌리엄 웰튼이 안무한 2016년 영국 맨체스터의 호프밀 극장에서 로버트 메트슨이 클로드 역을, 로라 존슨이 쉴라 역을, 라이언 앤더슨이 버거 역을 맡아 호평을 받았습니다.^[237] 2017년, 뮤지컬 50주년 기념일인 2017년, 무대는 런던의 The Borts 극장에서 오프 웨스트 엔드로 반복되었고, 메트슨과 존슨은 그들의 역할을 반복했고 앤디 콕슨은 버거 역을 맡았습니다.^[238] 이 작품은 Whats On Stage Award for Best Off-West End Production 상을 수상했습니다.^[239] 2019년 3월 영국 전국 투어가 시작되었으며, 버거 역에는 제이크 퀴켄덴, 쉴라 역에는 데이지 우드-데이비스, 클로드 역에는 폴 윌킨스, 허드 역에는 마커스 콜린스가 출연했습니다.^[240]

국제적 성공

모발은 세계 대부분의 국가에서 시술되었습니다.^[186] 베를린 장벽이 무너진 후, 이 쇼는 폴란드, 레바논, 체코, 사라예보를 처음으로 여행했습니다. (1996년 필 알덴 로빈슨이 그 도시를 방문하여 전쟁 중에 그곳에서 Hair 제작물을 발견했을 때 테드 코펠과 함께 ABC의 Nightline에 출연했습니다.)^[186] 1999년, 마이클 버틀러와 보 크로웰 감독은 모스크바 고리키 공원에 위치한 스타스 남인 극장에서 헤어 인 러시아를 제작하는 것을 도왔습니다. 모스크바 제작은 당시 러시아 군인들이 체첸에서 싸우고 있었기 때문에 원작이 30년 전에 했던 것과 비슷한 반응을 일으켰습니다.^[241][242]

라도는 2003년 공연이 이뤄지지 않은 곳은 "중국, 인도, 베트남, 북극과 남극 대륙은 물론 대부분의 아프리카 국가들"^[186]뿐이라고 썼습니다. 그 이후로 인도 생산이 탑재되었습니다.^[243]

번안

영화

1979년 동명의 뮤지컬 영화가 개봉되었습니다. 트와일라 타프의 안무와 마이클 웰러의 각본으로 마일로시 포먼이 감독을 맡은 이 영화에는 존 새비지, 트리트 윌리엄스, 베벌리 당젤로가 출연하며 골든, 무어, 다이슨, 폴리, 도시 라이트, 돈 다커스, 넬 카터, 셰릴 반스가 출연합니다. 두 개의 골든 글로브 후보에 올랐습니다. 최우수 작품상 – 뮤지컬 또는 코미디 부문과 (윌리엄스 부문) 올해의 뉴스타상을 수상했고, 포먼은 세자르상 후보에 올랐습니다.^[244]

몇몇 곡들은 삭제되었고, 영화의 줄거리는 뮤지컬에서 크게 벗어났습니다. 클로드의 캐릭터는 오클라호마 출신의 순진한 징병자로 다시 쓰여지고, 군대에 가기 위해 뉴욕에 새로 도착한 인물로 쉴라는 그의 시선을 사로잡는 상류사회 데뷔전 상대입니다. 아마도 가장 큰 주의를 딴 데로 돌리는 실수로 버거는 클로드 대신 베트남으로 가서 그곳에서 살해됩니다.^[245] 이 영화는 대체로 긍정적인 평가를 받았지만, 라그니와 라도는 평화 운동과 관련 없이 히피를 "이상한 공"으로 묘사함으로써 헤어의 본질을 포착하는 데 실패했다고 말했습니다.^[244]

문화적 영향

대중문화

뉴욕 타임즈는 2007년 "헤어는 황금기의 쇼들이 한 때 정기적으로 그랬듯이 문화를 포화시킨 마지막 브로드웨이 뮤지컬 중 하나였습니다."^[18]라고 언급했습니다. 쇼의 노래들은 주요 아티스트들에 의해 계속 녹음되고 있습니다. 1990년대에, 에반 단도의 그룹인 레몬헤드는 그들의 1992년 앨범 It's Shame About Ray와 Run DMC는 빌보드 랩 차트에서 1위에 올랐고 빌보드 핫 100 차트에서 25위에 오른 그들의 1993년 싱글 "Down With the King"을 위해 "Where Do I Go"를 샘플링했습니다.^[246][247] 2004년 영화 《아쿠아리우스》는 AFI 100년에 33위를 차지하며 영예를 안았습니다. 100곡.^[248]

이 뮤지컬의 노래는 영화와 텔레비전 에피소드에 등장했습니다. 예를 들어, 2005년 영화 찰리와 초콜릿 공장에서 윌리 웡카라는 캐릭터가 "Good Morning Starshine"의 가사로 아이들을 환영했습니다.^[249] '아쿠아리우스'는 1983년 라번과 셜리의 마지막 에피소드에서 공연되었는데, 이때 캐릭터 카민이 배우가 되기 위해 뉴욕으로 건너가 헤어 오디션을 보게 됩니다.^[250] 영화 '마흔살 처녀'에서도 마지막 장면에서 '아쿠아리우스/렛 더 선샤인 인'이 공연됐고,^[251] 데이비드 핀처 감독의 영화 '조디악'^[252] 1부에서는 '이지 투 비 하드'(Easy to Be Hard) 녹음이 진행됐습니다. 심슨 가족의 "스프링필드 파일"에서 마을 사람들, 레너드 니모이, 츄바카, 데이나 스컬리, 폭스 멀더는 모두 "Good Morning Starshine"을 부릅니다.^[253] 글리의 에피소드 "Hairography"는 비욘세의 노래 "Hair"와 "Crazy in Love"를 매쉬업하여 많은 비판을 받았습니다.^[254] 또한, 1990년 '학장'에서는 영어과 학과장이 '헤어'의 학교 공연에 차질을 빚을 각오를 다지는 2부작이 등장했습니다.^[255] 헤어의 지속적인 인기는 2006년 BBC 라디오 2 청취자들이 "영국"의 넘버원 에센셜 뮤지컬을 대상으로 실시한 여론조사에서 10위를 차지한 것에서 볼 수 있습니다.^[256]

평화주의 주제의 보편성 때문에 헤어는 고등학교와 대학 작품에서 계속 인기 있는 선택입니다.^[34] 헤어의 아마추어 제작도 전 세계적으로 인기가 있습니다.^[257] 2002년, 피터 제닝스는 그의 ABC 다큐멘터리 시리즈인 "In Search of America"의 고등학교 작품인 "Hair"를 콜로라도주의 볼더에 출연시켰습니다.^[258] 2006년 9월 뉴저지주 레드뱅크에 있는 2,000석 규모의 카운트 베이시 극장에서 열린 커뮤니티 극장 작품은 오리지널 프로듀서 마이클 버틀러에 의해 "오랜만에 본 최고의 헤어 중 하나"라고 극찬을 받았습니다.^[259] 최근 대규모 아마추어 제작의 또 다른 예는 2007년 봄 캘리포니아주 밀밸리의 마운트 타말파이스 주립공원에 있는 4,000석 규모의 쿠싱 메모리얼 원형극장에서 진행된 마운틴 플레이 제작입니다.^[260]

레거시

헤어는 브로드웨이의 "최초로 완전히 실현된" 컨셉의 뮤지컬로, 컴퍼니, 폴리, 퍼시픽 서곡 및 코러스 라인과 같은 쇼를 ^[261]포함하여 70년대의 뮤지컬 극장을 지배한 형태였습니다.^[261] 뮤지컬이라는 컨셉의 발전은 헤어의 브로드웨이 재임기간의 예상치 못한 결과였지만, 브로드웨이에서 기대되었던 록 음악 혁명은 완성도가 떨어지는 것으로 밝혀졌습니다.^[261]

MacDermot은 Hair의 뒤를 이어 3개의 록 스코어를 기록했습니다. 베로나의 두 신사 (1971); 라그니와의 두 번째 협력인 친구 (1972); 그리고 갈락티카를 경유 (1972). 베로나의 Two Gentlemen이 수용적인 관객과 최고의 뮤지컬을 위한 토니상을 찾았지만, Dude는 단 16번의 공연 끝에 실패했고, Via Galactica는 한 달 만에 실패했습니다.^[262] 혼에 따르면, 이러한 것들과 다른 것들은 "프로듀서들이 제시된 소재의 품질에 관계없이 단순히 관객을 끌어들이기 위해 '록 뮤지컬'이라는 레이블에 의존한 결과일 수 있습니다."^[262] 지저스 크라이스트 수퍼스타 (1970)와 갓스펠 (1971)은 종교적으로 주제가 있는 두 장르의 성공작이었습니다. 그리스 (1971)는 1950년대의 록 사운드로 돌아갔고, The Wiz (1975)와 같은 흑인 테마의 뮤지컬은 가스펠, R&B, 소울 음악의 영향을 많이 받았습니다. 1970년대 후반까지 이 장르는 그 자체로 완성되었습니다.^[262] 드림걸즈(1981)나 리틀샵 오브 호러(1982)와 같은 록의 전초기지를 제외하고, 1980년대 관객들의 취향은 레미제라블(1985)이나 오페라의 유령(1986)과 같은 팝 스코어를 가진 메가 뮤지컬로 돌아갔습니다.^[263] "렌트" (1996)와 "스프링 어웨이크닝" (2006)과 같은 일부 후대의 록 뮤지컬들과 "위 윌 록 유" (2002)와 "록 오브 에이지" (2009)와 같은 록 음악을 특징으로 하는 주크박스 뮤지컬들이 성공을 거두었습니다. 그러나 헤어 이후 록 뮤지컬이 뮤지컬 연극 무대를 장악한 것은 아닙니다. 비평가 클라이브 반스는 "록 뮤지컬은 정말 없었습니다. 브로드웨이에서 록을 연주한 주요 음악가는 없었습니다. 토미라는 뮤지컬을 생각할 수도 있지만 브로드웨이 공연으로 생각된 적은 없습니다. 그리고 그 이유를 알 수 있습니다. 음반과 록 콘서트에는 훨씬 더 많은 돈이 있습니다. 내 말은, 필라델피아에서 폐막할지도 모르는 뮤지컬의 고통을 왜 굳이 겪느냐는 것입니다."^[262][264]

다른 한편으로, 헤어는 브로드웨이에서 받아들여질 수 있는 것뿐만 아니라, 그것이 기념했던 바로 그 사회적 운동의 일부로서 중대한 영향을 미쳤습니다. 예를 들어, 1970년에 버틀러, 카스텔리 그리고 다양한 헤어 캐스트들이 유엔의 25주년 기념일과 관련하여 만들어진 유엔 후원 단체인 세계 청소년 총회를 위한 모금에 기여했습니다.^[265] 의회는 1970년 7월 전세계 750명의 젊은 대표들이 뉴욕에서 만나 사회적 문제를 논의할 수 있도록 했습니다.^[266][267] 약 일주일 동안, 전세계의 출연자들은 기금을 위해 모든 쇼에서 기부금을 모았습니다. 머리카락은 약 25만 달러를 모았고 결국 의회의 주요 재정자가 되었습니다.^[268] 출연진과 제작진들도 하루치 출연료를 냈고, 버틀러도 하루치 출연료를 내놨습니다.^[265][266] 게다가 La Ma E. T. C.의 설립자인 Ellen Stewart는 다음과 같이 지적했습니다.

머리에는 청바지, 편안한 옷, 색, 아름다운 색, 소리, 움직임 등이 있었습니다. 그리고 오늘 AT&T에 가서 비서를 만날 수 있습니다. 그녀는 청바지를 입었습니다. 당신이 원하는 곳은 어디든 갈 수 있고, 헤어가 한 일은 20년이 지난 지금도 여전히 하고 있습니다. 일종의 해방, 정신적 해방, 오호건의 무대에서 나온... 지금까지의 헤어는 브로드웨이, 오프브로드웨이, 오프브로드웨이, 오프브로드웨이에서 보는 모든 것에 영향을 미쳤습니다. 전 세계 어디에서나 헤어가 브로드웨이뿐만 아니라 전 세계에 가져온 실험적인 기법의 요소들을 볼 수 있을 것입니다.^[269]

참고 항목

• 반전을 주제로 한 연극 목록
• 반전 노래 목록

참고문헌

메모들

서지학

• 데이비스, 로리, 레이첼 갤러거. 머리 숙이기: 러브록 부족과 함께한 2년 (1973) A. 필즈북스 ISBN 0-525-63005-8
• 호른, 바바라 리. 머리카락의 시대: 브로드웨이 최초 록 뮤지컬의 진화와 영향 (뉴욕, 1991) ISBN 0-313-27564-5
• 존슨, 조나톤. 굿 헤어 데이즈: 미국 부족의 러브록 뮤지컬 헤어와 함께하는 개인적인 여행 (iUniverse, 2004) ISBN 0-595-31297-7
• 밀러, 스콧 Let the Sun Shine In: The Genius of Hair (하이네만, 2003) ISBN 0-325-00556-7
• Wollman, Elizabeth Lara, The The Theatre Will Rock: Hair에서 Hedwig까지 락 뮤지컬의 역사 (University of Michigan Press, 2006) ISBN 0-472-11576-6

외부 링크

• 공식 홈페이지
• 인터넷 브로드웨이 데이터베이스의 머리카락
• 플레이빌 금고의 머리카락
• 마이클 Butler.com 의 헤어 아카이브 큐레이터 니나 매클린 데이튼(Nina Machlin Dayton)은 뮤지컬에 관한 수많은 역사적 문서를 담고 있습니다.
• 뮤지컬의 원작자인 마이클 버틀러의 공식 HAIR 블로그
• 존 홀먼(John Holleman)이 수집한 오리지널 캐스트 앨범과 Hair의 노래 녹음 및 음반 목록 링크
• 갈트 맥더못 헤어 웹사이트
• HAIR 페이지 (1995–2009 아카이브)