20세기 극장

Twentieth-century theatre
이 기사는 극장에서 20세기에 관한 것이다. 오하이오주 신시내티의 극장은 20세기 극장을 참조하라.

20세기 극장은 주로 유럽과 북아메리카에서 20세기의 연극 문화 내에서 큰 변화의 시기를 묘사하고 있다. 연극표현을 둘러싸고 오랫동안 확립된 규칙에 대한 광범위한 도전이 있었다; 그 결과 모더니즘, 표현주의, 인상주의, 정치극과 다른 형태의 실험극 등 많은 새로운 형태의 연극이 발전하고, 이미 확립된 연극 형식을 계속 발전시켰다. 자연주의와 현실주의

세기를 거치면서 연극의 예술적 명성은 19세기 내내 조롱당한 후 향상되었다. 그러나 다른 매체, 특히 영화의 성장은 문화 전반에 걸쳐서 역할의 축소를 가져왔다. 이러한 변화에 비추어, 연극 예술가들은 사회와 교류하기 위한 새로운 방법을 모색할 수밖에 없었다. 이에 대한 다양한 답변이 현대사를 구성하는 변혁을 촉발시켰다.[1]

성 이론과 포스트모던 철학 같은 분야의 발전은 극장이 탐구할 주제를 식별하고 만들었다. 때때로 명백하게 변형된 이러한 공연들은 그들의 사회에 대한 의문을 제기하기 위해 관객들의 인식과 가정에 맞서기 위한 것이었다. 이러한 도전적이고 영향력 있는 연극들은 20세기의 마지막 20년의 대부분을 특징으로 한다.

비록 크게 유럽과 북아메리카에서 세기의 초창기에 걸쳐 발전했지만, 그 다음 50년 동안 비서구적 연극 형태가 받아들여졌다. 제국의 해체와 식민지 이후 이론의 지속적인 발전에 영향을 받은 많은 신진 예술가들은 다양한 연극을 만들기 위해 그들 자신의 문화와 사회의 요소를 사용했다.

리얼리즘

사실주의는 주제를 진실하게 표현하려는 시도에 초점을 맞추고 인위적이지 않고 예술적 관습이나 믿을 수 없는 이국적이고 초자연적인 요소를 피한다. 세기에 걸쳐 많은 연극 예술가들에게 현실주의는 일상 생활의 사회적, 심리적 문제에 관심을 집중시키기 위한 것이었다.

지그문트 프로이트, 찰스 다윈 등의 사상에 영향을 받아 많은 예술가들이 무대 위의 인물들의 내면을 강조하는 연극에 대한 심리적 접근을 찾기 시작했다. 이것은 무대 위에서 연기 스타일, 연극 글쓰기와 연극 디자인 모두에서 수행되었다. 러시아의 극작가 이반 투르게네프, 알렉산더 오스트로프스키, 레오 톨스토이의 작품을 시작으로 프랑스의 에밀 졸라와 노르웨이의 헨릭 입센이 19세기 후반에 이어 영국과 북아메리카의 20세기 연극 문화의 대부분을 리얼리즘이 지배하게 되었다.

러시아

러시아에서 현실주의를 향한 움직임은 세계 어느 곳보다 일찍 시작되었다. 콘스탄틴 스타니슬라브스키와 블라디미르 네미로비치-단첸코는 초기 개척자들의 작품을 바탕으로 1898년 모스크바 예술 극장을 설립하여 멜로드라마가 지배하는 러시아 극장을 일반 대중이 이용할 수 있는 극장으로 개혁하고자 하였다. 아마도 20세기의 가장 중요한 연극 모임에서, 두 사람은 오후 2시부터 다음날 아침 8시까지 18시간 동안 서사시적인 만남을 가졌고, 세기의 가장 영향력 있는 회사 중 한 곳의 기초를 닦았다.[2] 그들은 함께 필하모닉 스쿨의 네미로비치와 스타니슬라프스키의 아마추어 예술문학 단체에서 배우들을 선발하고 팝과 함께 국제적인 명성의 사실적인 극장을 만들면서 개인의 허영심을 꺾는 앙상블 기풍을 가진 전문 회사를 설립할 것이다.마이니넨 앙상블의 기법과 안드레 앙투안의 테레 리브레(Stanislavsky가 파리 여행에서 보았던 것)[3]의 기법을 유기적으로 통일시켜 줄 수 있는 좌석 가격.

1898년 12월 29일 이 극장은 안톤 체호프의 <갈매기>를 '러시아 연극 역사상 가장 위대한 사건 중 하나이자 세계 드라마 역사상 가장 위대한 발전 중의 하나'에서 트리플프 역을 맡아 직접 트리보린과 브세볼로드 마이어홀트 역을 맡아 개봉했다.[4] 네미로비치 감독은 오랜 침묵 끝에 나온 박수갈채가 댐 붕괴처럼 관객들로부터 터져 나왔고, 제작진은 언론으로부터 만장일치의 찬사를 받았다고 설명했다.[5] 후기 분석가들은 제작의 성공을 일상에 대한 섬세한 표현, 친밀하고 앙상블적인 연주, 그리고 그 당시의 러시아 지식인들의 심리적 성향과 함께 허탈한 불확실성의 기분의 공명 탓으로 돌린다.[6] 입센, 셰익스피어, 체호프의 삼촌 반야, 체리 과수원, 세 자매의 제작도 회사 초창기에 큰 성공을 거두었다.

모스크바 예술 극장의 성공 이후 스타니슬라브스키는 배우들과 여배우들이 그들의 공연에 대해 믿을 수 있는 캐릭터들을 만들어낼 수 있도록 훈련시키는 통일된 연기 체계를 만들기 시작했다. 주로 1911년과 1916년 사이에 개발되어 그의 일생 동안 수정된 이 접근법은 부분적으로 배우가 무대 위에서 인물의 감정을 묘사하기 위해 내부적으로 집중하는 감정 기억의 개념에 기초하였다. 연구 분야로는 집중력, 음성, 신체능력, 감정기억력, 관찰력, 극적 분석 등이 있다. 스타니슬라프스키 시스템은 소비에트 연방과 미국에서 널리 실행되었는데, 1920년대에 그 사용의 실험이 시작되어 많은 학교와 전문 워크숍에서 계속되었다.

20세기 초반 러시아도 문화 실버시대를 경험했고 극장도 예외는 아니었다. 1916년까지 모스크바의 총 제작 극장 수는 200개에 육박했다. 이러한 연중무휴의 극장들은 주로 연극, 코미디, 바우데빌, 심지어 멜로 드라마까지 제작되었지만, 현실적이거나 자연주의적인 극장을 제공하는 극장들도 상당히 많았다. 여기에는 알렉세이 수보린의 말리 극장과 모스크바 극예술극장(1914–19)이 포함되었다. 반면에 성에는 많은 여배우 관리인들이 있었다. 베라 코미사르제프스카야, 아이다 루빈스타인 같은 페테르부르크와 모스크바는 실버 시대의 러시아 극장의 코스가 대체로 남성들에 의해 지배되었다.[7]

제1차 세계 대전과 러시아 혁명 이후, 많은 연극 예술가들이 러시아를 떠나 프랑스로, 테오도르 코미사르예프스키를 비롯한 다른 나라로, 그리고 유명한 미카엘 체호프가 미국으로 건너가 스타니슬라프스키 제도를 수출하고 전후 세계에서의 '감독의 극장' 발전에 기여했다..[8]

유진 오닐은 미국 현대 드라마의 발전에 큰 영향을 끼쳤다.

미국

미국에서는 윌리엄 본 무디스의 희곡 <위대한 분열>(1906)과 <믿음 치유사>(1909)가 현대 사회 갈등의 중심에 놓여 있는 감정 갈등을 강조하면서 보다 현실적인 미국 드라마로 가는 길을 가리켰다. 세기의 초기의 리얼리즘으로의 이동을 알리는 다른 주요 극작가들로는 에드워드 쉘든, 찰스 랜 케네디, 레이첼 크로터스가 있다. 무대 위에서, 미국 극장은 배리모어 가족, 즉 리오넬 배리모어, 에델 배리모어("아메리칸 극장 영부인"), 존 배리모어("... 당대 가장 영향력 있고 우상화된 배우")에 의해 지배되었다. 그들은 매우 인기가 있어서 심지어 연극도 썼다. 특히 존과 에델 배리모어를 겨냥하여 배리모어를 패러디한 조지 S. 카우프만과 에드나 페르버의 로열 패밀리.

세기 초까지 유진 오닐만큼 드라마 발전에 큰 영향을 미친 미국 극작가는 없었다. 어린 나이부터 극장에서 태어난 그는 뉴욕 프로빈스타운 플레이어스에서 재능을 키우기 전, 젊은 시절의 대부분을 기차와 극장에서 무대 뒤에서 보냈다. 1916년과 1920년 사이에, 그는 그의 첫 번째 비판적인 히트곡 "Beyond the Horizon"을 데뷔하기 전에 이 회사를 위해 여러 편의 희곡을 썼고, 이 희곡은 계속해서 퓰리처상 드라마 상을 받았다. 그는 그 뒤를 이어 황제 존스, 안나 크리스티 (Pulitzer Prize 1922), 탐욕 언더 엘름스 (1924), 이상한 인터루프 (Pulitzer Prize 1928), 애도가 엘렉트라 (1931), 아이스맨 코메스 (1939), 그리고 그의 유일한 유명 코미디인 아, 황야!를 포함한 비판적이고 상업적인 성공을 거두었다. 그가 죽은 후, 그의 마그넘 오퍼스와 주작인 롱 데이즈 나이트가 출판되었고 종종 20세기 최고의 미국 연극 중 하나로 여겨진다.

대공황의 경제 위기는 미국 전역의 연극과 다른 라이브 예술 공연에 자금을 대는 뉴딜 프로그램인 연방 극장 프로젝트 (1935–39)를 만들었다. 국립 감독인 Hallie Flanagan은 이 프로젝트를 지역 극장 연합으로 만들어 관련 예술 작품을 만들고, 실험을 장려하고, 수백만 명의 미국인들이 처음으로 극장을 관람하는 것을 가능하게 했다. 이 프로젝트는 남녀 1만5000명을 직접 고용해 전국 200개 극장에서 약 3000만 명에게 1200편의 제작물을 상영했으며, 65%가 총 4,600만 달러의 비용으로 무료로 상영됐다.[9]

초기의 주요 인물로는 조지 S. 카우프만, 조지 켈리, 랭스턴 휴즈, S. N. 베흐만, 시드니 하워드, 로버트 E. 셔우드, 그리고 오닐의 철학적 탐색의 길을 따랐던 극작가들, 필립 배리, 손턴 와일더, 윌리엄 사라얀의 세트.

모더니즘

모더니즘은 전통적인 예술 형식에서 벗어나 자의식적인 탈피로 발전한 유럽운동이 지배적이었다. 그것은 종종 제1차 세계대전의 여파에 기인하는 문화적 감성의 중대한 변화를 나타낸다.[10] 처음에 모더니스트 극장은 1880년대에 에밀 졸라가 주창했던 자연주의 원리에 대한 개혁적인 무대를 실현하려는 시도의 일환이었다. 그러나 자연주의에 대한 동시다발적인 반동이 극장을 훨씬 다른 방향으로 재촉했다. 상징성 때문에, 그 운동은 시, 그림, 음악, 그리고 춤을 조화로운 융합으로 통합하려고 시도했다. 이 두 가지 상반되는 움직임은 모두 '모더니즘'이라는 용어에 들어맞는다.[11]

정치극장

2008년 아우구스토 보알의 억압받는 자들의 극장의 워크숍.

정치극은 그 밖의 사회의 역동성과 그 안에서 관객의 참여에 비추어 연극의 본질과 기능을 재고하려는 시도다. 그것은 연기, 무대, 희곡에 대한 심오하고 독창적인 이론으로 이어졌다.[12]

대중극장

20세기 초, 많은 사람들은 극장을 "너무 대중적인 사건"으로 보았다.[13] 종종, 세기의 초기의 진정한 개혁자들은 그들의 기법이 엄선된 관객들에게 등록될 수 있는 점점 더 작은 극장을 요구했다. 그럼에도 불구하고, 이 같은 실무자들은 종종 자신들의 예술이 진정한 인민극, 즉 인민을 위한 극장이 될 것이라고 꿈꿨다. 그리스 극장에 대한 이해에 영감을 받아 니체의 영향을 많이 받은 그들은 프로시니움 아치가 없는 공간에서 음악과 움직임이 수반되는 심오하거나 황홀한 의식 행사를 추구했다. 나중에, Vsevolod Meyerhold와 Bertolt Brecht와 같은 개업자들은 모더니즘과 사람들 사이의 "갈프"를 연결하려는 시도를 시작할 것이다.[14]

뮤지컬 극장

인기 있는 뮤지컬 극장에서는 다음과 같은 작품들을 포함하여 상업적 성공의 다른 경향과 단계가 있었다.

포스트모던 극장

포스트모던 극장은 20세기 중반 유럽에서 유래한 포스트모던 철학에서 나온 것처럼 세계 극장에서 최근 일어나는 현상이다. 포스트 모던 극장은 모더니즘 극장에 대한 반발로 등장했다. 대부분의 포스트 모더니즘 작품들은 확실한 진실의 오류성을 부각시키는 데 초점을 맞추고 있으며, 그 대신 관객들이 그들 자신의 개별적인 이해에 도달하도록 장려하고 있다. 본질적으로, 따라서, 포스트 모던 극장은 해답을 제공하려고 시도하기 보다는 의문을 제기한다.

글로벌 극장

20세기 초, 많은 유럽 관객들이 일본과 중국 공연의 '이질적인' 연극 세계에 노출되었다. 이것은 많은 서구 개업자들이 이러한 스타일을 해석하고 그들 자신의 극장에 포함시켰는데, 가장 두드러진 것은 베르톨트 브레히트가 중국 오페라를 자신의 '알리네이션' 효과를 지원하기 위해 각색한 것이다. 20세기 연극문화에 대한 비서양 극장의 영향은 종종 새로운 발전에 결정적이었다. 그러나 1960년대와 1970년대에 식민지 후 이론이 출현한 기간과 이후의 기간은 전 세계의 연극 연습에 엄청난 발전을 가져왔다. 이것은 처음으로 진정으로 세계적인 극장을 만들었다.[15]

유효숫자

그 시대의 중요한 인물들과 몇몇 획기적인 이론과 움직임은 다음과 같다.

노벨상 수상자

20세기 동안 노벨 문학상은 주로 극작가였던 다음 사람들에게 수여되었다.

2000년과 2005년 노벨 문학상은 각각 극작가 가오싱젠과 해롤드 핀터가 수상했는데, 이 작품들의 대부분은 20세기에 작곡되었다.

참고 항목

참조

  1. ^ 리차드 드레인, 서문, 20세기 극장: 소스북," 테일러 & 프랜시스, 1995년.
  2. ^ 베네데티, 1991년 장 모스크바 예술극장 편지. 뉴욕: 루트리지.
  3. ^ 베네데티(1989, 18) 및 (1999, 61–62)
  4. ^ 루드니츠키(1981년, 8월)와 베네데티(1999년, 85년)
  5. ^ 베네데티(1999년, 86년).
  6. ^ 브라운(1981년, 64년).
  7. ^ 골럽, 278–282.
  8. ^ 에슬린로379번길
  9. ^ Flanagan, Hallie (1965). Arena: The History of the Federal Theatre. New York: Benjamin Blom, reprint edition [1940]. OCLC 855945294.
  10. ^ 모드리스 에크스타인, 라이츠 오브 스프링: The Great War and Birth of the Modern Age Age, and Birth of the Modern Age, Leser & Orpen Dennys, 2002.
  11. ^ 배수3길
  12. ^ 75를 빼다.
  13. ^ 배수로153번길
  14. ^ 배수 156-157
  15. ^ 배수로293번길

원천

  • 베네데티, Jean입니다. 1989년 스타니 슬랍 스키: 도입. 개정된 판이다. 오리지널 판 1982년에 발표되었습니다. 런던: 메투엔. 아이 에스비엔 0-413-50030-6.
  • ---. 1991. 러시아의 모스크바 예술 극장 불능. 뉴욕:라우 틀리지.
  • ---. 1999. 스타니 슬랍 스키:그의 생명과 미술입니다. 개정된 판이다. 오리지널 판 1988년에 발표되었습니다. 런던: 메투엔. 아이 에스비엔 0-413-52520-1.
  • 브라운, 에드워드, 1982년. "스타니슬라프스키와 체호프". 그 감독과 무대:.자연 주의 그로 토프 스키까지. 런던: 메투엔. 아이 에스비엔 0-413-46300-1.를 대신하여 서명함. 59–76.
  • Esslin, 마틴. 근대 극장 1890년 – 1920년. 에서는 존 러셀 브라운. 1995년. 옥스퍼드 Illustrated역사 극장의. 옥스퍼드: 옥스퍼드 대학 출판부 아이 에스비엔 0-19-212997-X.
  • 골럽, 스펜서. 1999년. 로버트 리치와 빅터가 Borovsky에서"TheSilver시대, 1905–1917.", eds.1999년. A사 러시아 극장의. 케임브리지: 케임브리지 대학 출판부.
  • 루드니츠키, 콘스탄틴. 1981년, 메이어홀드 국장님 조지 페트로프 트랜스 에드 시드니 슐체 Rezhisser Meierkhold의 개정 번역. 모스크바: 1969년 과학 아카데미 ISBN 0-88233-313-5.

외부 링크