음악 교육

Music education
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한 독일 유치원 선생님이 학생들에게 노래를 가르친다.

음악교육은 초중등 음악교사, 학교 또는 음악원 앙상블 디렉터로서의 직업을 위해 교육하는 실습 분야입니다.음악 교육은 또한 학자들이 음악을 가르치고 배우는 방법에 대한 독창적인 연구를 하는 연구 영역이다.음악교육학자들은 이 연구결과를 동료평가일지에 발표하고 음악교사가 되기 위해 훈련 중인 대학교육이나 음대의 학부 및 대학원생들을 가르친다.

음악 교육은 정신운동 영역(기술의 발달), 인지 영역(지식의 습득), 특히 음악 감상 및 감수성을 포함한 감정 영역(학습자가 학습한 것을 받고, 내면화하고, 공유하려는 의지)을 포함한 모든 학습 영역을 다룬다.많은 음악 교육 커리큘럼은 수학 기술의 사용과 제 2 언어 또는 문화에 대한 유동적인 사용 및 이해를 포함합니다.이러한 기술을 꾸준히 연습하는 것은 ACT와 SAT와 같은 표준화된 테스트의 성과를 향상시킬 뿐만 아니라 다른 많은 학문 분야의 학생들에게도 도움이 되는 것으로 나타났다.음악에 대한 참여는 인간의 문화와 행동의 기본 요소로 간주되기 때문에 유치원부터 중등교육 후까지의 음악 훈련은 흔하다.세계 각국의 문화는 음악 교육에 대한 다양한 접근 방식을 가지고 있는데, 이는 주로 다양한 역사와 정치 때문이다.연구들은 다른 문화에서 온 음악을 가르치는 것이 학생들이 낯선 소리를 더 편안하게 인지하도록 도울 수 있다는 것을 보여주며, 그들은 또한 음악적 선호가 듣는 사람이 말하는 언어와 그들이 그들 자신의 문화 내에서 노출되는 다른 소리들과 관련이 있다는 것을 보여준다.

20세기 동안, 음악의 가르침을 위해 많은 독특한 접근법이 개발되거나 더욱 개선되었고, 그 중 일부는 광범위한 영향을 끼쳤다.달크로즈 방법은 20세기 초에 스위스의 음악가이자 교육자인 에밀 자케 달크로즈에 의해 개발되었다.코달리 방법은 음악에 대한 물리적 지시와 응답의 이점을 강조한다.Orff Schulwerk 음악 교육에 대한 접근법은 학생들이 서양 음악의 발전과 병행하는 방식으로 그들의 음악 능력을 개발하도록 이끈다.

스즈키 방식은 모국어 학습과 같은 음악 학습 환경을 만든다.고든 음악 학습 이론은 음악 선생님에게 음악 교육을 하는 방법을 제공합니다. 고든은 이해와 함께 마음에 음악을 듣는 것을 말합니다.회화형 솔페지는 학생들을 그들 문화의 음악 문학(이 경우 미국)에 몰입시킨다.카라보콘 방법은 아이들이 소품, 의상, 장난감을 사용하여 직원, 음표 지속 시간, 피아노 건반 등의 기본적인 음악적 개념을 배우는 것을 포함한다.특별히 계획된 교실의 구체적인 환경은 아이들이 [1]터치를 통해 탐구함으로써 음악의 기본을 배울 수 있게 해준다.MMCP(Manhattanville Music Curriculum Project)는 학생들이 음악을 개인적이고 현재적이며 진화하는 것으로 볼 수 있도록 태도를 형성하는 것을 목표로 합니다.대중음악 교육학은 공식적인 교실 안과 밖에서 록음악과 다른 형태의 대중음악을 체계적으로 가르치고 배우는 것입니다.어떤 사람들은 특정한 음악 활동이 어린이의 [2]호흡, 신체, 그리고 목소리 조절을 향상시키는데 도움을 줄 수 있다고 제안했다.

개요

1957년 네덜란드에서 아이를 가르치는 초등학교 음악 교사.

유럽 국가들의 초등학교에서 아이들은 종종 키보드나 녹음기 같은 악기를 연주하는 것을 배우고, 작은 합창단에서 노래를 부르고, 음악의 요소와 음악의 역사에 대해 배운다.인도와 같은 나라에서는 하모니엄이 학교에서 사용되지만 키보드와 바이올린 같은 악기 또한 흔하다.학생들은 보통 인도 라가 음악의 기본을 배운다.초등학교와 중학교에서 학생들은 종종 합창단, 오케스트라, 또는 학교 밴드와 같은 음악 앙상블에서 공연할 기회를 가질 수 있다: 콘서트 밴드, 행진 밴드, 또는 재즈 밴드.일부 중등학교에서는 추가적인 음악 수업도 이용할 수 있다.중학교나 그와 동등한 학교에서는 음악은 보통 교과 과정의 필수 [3]과목이 된다.

대학 수준에서, 대부분의 예술 및 인문학과 학생들은 음악 역사, 전형적으로 서양 예술 음악 또는 음악 감상과 같은 음악 과목에서 학점을 받습니다. 음악 감상은 다른 음악 스타일에 대해 듣고 배우는 데 초점을 맞춥니다.게다가, 대부분의 북미와 유럽 대학들은 합창단, 콘서트 밴드, 행진 밴드 또는 오케스트라와 같은 다양한 분야의 학생들에게 개방된 음악 앙상블을 제공한다.대부분의 대학에서는 음악 교육 학위 프로그램도 제공하고 있어 학생들이 초등 및 중등 음악 교육자로 인정됩니다.D.M.A.나 Ph.와 같은 고급 학위.D는 대학 취업으로 이어질 수 있다.이 학위들은 음악 이론, 음악사, 기술 수업, 특정 악기에 대한 개인 지도, 앙상블 참여, 경험 많은 교육자들의 심층 관찰을 마친 후에 수여됩니다.북미와 유럽 대학의 음악 교육 학과는 또한 음악 심리학, 음악 교육 역사학, 교육 민족학, 사회학, 교육 철학 등의 분야에서 학문 간 연구를 지원합니다.

서양 미술 음악에 대한 연구는 한국, 일본, 중국과 같은 아시아 국가들을 포함한 북미와 유럽 이외의 음악 교육에서 점점 더 흔해지고 있다.동시에, 서아프리카의 음악, 인도네시아의 음악(가멜란 음악), 멕시코(마림바 음악), 짐바브웨(마림바 음악) 등, 서양의 예술 음악 캐논 이외의 음악으로 커리큘럼을 넓히고 있다.

음악 교육은 또한 개인화된 평생 학습과 지역 사회 맥락에서 이루어집니다.아마추어 뮤지션과 프로 뮤지션 모두 일반적으로 음악 레슨을 받고 개인 선생님들과 짧은 개인 세션을 갖는다.

교육 방법론

교육 전략은 음악 교사와 그 분야의 음악 커리큘럼에 의해 결정되는 반면, 많은 교사들은 20세기 후반 동안 빠르게 발전하고 최근 세대에 출현한 많은 교육 방법론 중 하나에 크게 의존하고 있다.

주요 국제 음악 교육 방법

달크로즈법

주요 기사 : 율동
에밀 자크 달크로즈

달크로즈 방법은 20세기 초에 스위스의 음악가이자 교육자인 에밀 자크-달크로즈에 의해 개발되었다.이 방법은 솔페지 사용, 즉흥 연주, 그리고 율동이라는 세 가지 기본 개념으로 나뉩니다.리듬체조라고 불리는 율동체조는 리듬, 구조, 음악표현의 개념을 동작을 통해 가르치며 달크로즈가 가장 잘 알려진 개념이다.그것은 학생들이 모든 감각, 특히 운동감각과 관련된 훈련을 통해 음악에 대한 신체적 인식과 경험을 얻을 수 있도록 하는데 초점을 맞추고 있다.Dalcroze 방법에 따르면 음악은 인간 뇌의 기본 언어이며 따라서 우리가 누구인지와 깊이 연결되어 있다.달크로즈 방법의 미국 지지자들은 Ruth Alperson, Ann Farber, Herb Henke, Virginia Mead, Lisa Parker, Martha Sanchez 및 Julia Schnebly-Black을 포함합니다.많은 활동적인 달크로즈 방법 선생님들은 달크로즈 학생 중 한 명인 힐다 슈스터 박사에 의해 훈련을 받았습니다.

코달리법

주요 기사 : 코달리 방법
쿠르웬의 솔페주 손팻말 묘사.이 버전에는 각 음색의 경향과 흥미로운 제목이 포함되어 있습니다.

졸탄 코달리(1882–1967)는 감각 지각, 신체 교육, 음악에 대한 반응의 이점을 강조한 저명한 헝가리 음악 교육자, 철학자, 작곡가이다.현실적으로 그것은 교육적인 방법이 아니다, 그것은 음악이 사회 변혁을 위한 교육적인 도구인 모국어의 발달과 같이, 음악은 어린 시절부터 시작된다고 제안하는 문맹퇴치와 음악 훈련의 혁신적인 시스템이다, 게다가 모든 사람이 사용의 사용을 통해 음악에 접근할 수 있도록 제안한다.감각, 그들의 목소리, 그리고 그들의 신체적 표현; 그의 가르침은 청각, 직관, 신체, 청각, 그리고 시각적 감각 지각에 대한 확고한 이해를 바탕으로 만들어진 창의적이고 재미있는 교육 체계 안에 있으며, 따라서 듣기, 음악적 표현, 읽기, 쓰기, 그리고 음악 이론을 위한 기초를 마련합니다.이것은 리드미컬, 멜로디, 조화 패턴과 모든 음악적 요소를 제공하는 노래를 통해 청각, 구두, 청각, 시각 인식, 읽기, 쓰기, 창의성 및 이론적 이해에서 여러 단계로 발생합니다.코달리의 주된 목표는 학생들에게 평생의 음악 애정을 심어주는 것이었고, 그는 이 중요한 교육 요소를 제공하는 것이 아이의 학교의 의무라고 느꼈다.코달리의 특징적인 교육 도구 중 일부는 손짓이나 솔파, 리듬 음절(스틱 표기법), 모바일 C(언어화)의 사용이다.가장 중요한 것은 그 방법론은 모든 사람의 것이므로 모든 사람이 음악을 이용할 수 있다는 것이다.대부분의 국가는 자국의 민속음악이나 지역사회의 음악 전통을 사용하여 자국의 교육 순서를 구축해 왔지만, 미국에서는 주로 헝가리의 순서가 사용됩니다.데니스 베이컨의 작품, 카틴카 S.다니엘, 존 파이어벤드, 장 시노르, 질 트링카, 그리고 다른 사람들은 코달리의 아이디어를 미국 음악 교육의 최전선에 가져왔습니다.

오르프 슐베르크

주요 기사:오르프 슐베르크
오르프 음악 교육 방법에 사용되는 악기 모음입니다.

칼 오르프는 유명한 독일 작곡가였다.Orff Schulwerk는 음악 교육의 "접근"으로 여겨진다.그것은 기본적인 리듬과 멜로디를 사용하여 기초적인 형태의 음악에 참여하는 학생의 타고난 능력에서 시작된다.오르프는 온몸을 타악기로 간주하고 학생들은 서양음악의 발달에 필적하는 방식으로 그들의 음악 능력을 발전시키게 된다.이 접근방식은 학생의 자기 발견을 촉진하고 즉흥성을 장려하며 성인의 압력과 기계 훈련을 억제합니다.칼 오르프는 글록켄스피엘, 실로폰, 메탈로폰, 드럼 및 다른 타악기들의 수정을 포함하여 슐베르크 코스의 요구사항을 수용하기 위한 특별한 악기 그룹을 개발했습니다.계측기의 각 막대를 제거하여 서로 다른 스케일을 형성할 수 있습니다.오르프의 악기는 시각적으로나 운동적으로나 아직 다른 [4]악기에 대한 능력을 갖추지 못한 어린 아이들에게 운동 능력을 길러줍니다.미국식 Orff 접근 방식을 형성하는 전문가에는 Jane Frazee, Arvida Steen 및 Judith [5]Thomas가 포함됩니다.

스즈키법

주요 기사 : 스즈키 방법
바이올린을 연주하는 스즈키 방식 학생 모임.

스즈키법은 제2차 세계대전 직후 일본에서 스즈키 신이치가 개발한 것으로 음악교육을 통해 학생들의 생활과 도덕성을 풍부하게 하고 있다.이 운동은 "모든 아이들이 음악을 잘 배울 수 있다"는 이중 전제와 높은 수준에서 음악을 연주하는 것을 배우는 것은 사람의 영혼을 더 아름답게 만드는 특정한 성격 특성이나 미덕을 배우는 것을 포함한다.이를 위한 일차적인 방법은 한 사람이 모국어를 배울 때 가지고 있는 것과 같은 음악을 배울 수 있는 환경을 만드는 것이다.이 '이상적인' 환경에는 사랑, 고품질의 예, 칭찬, 암기 훈련 및 반복, 그리고 특정 기술을 배우기 위한 학생의 개발 준비에 의해 설정된 시간표가 포함됩니다.스즈키 방식은 국제적으로 꽤 인기가 있지만, 일본에서는 가와카미 겐이치가 야마하 음악 재단과 제휴해 설립한 야마하 방식보다 영향력이 적다.

기타 주목할 만한 방법

위에서 설명한 4가지 주요 국제적 방법 외에 다른 접근법이 영향을 미쳤다.덜 알려진 방법은 다음과 같습니다.

고든의 음악 학습 이론

주요 기사: 고든 음악 학습 이론

에드윈 고든의 음악 학습 이론은 에드윈 E. 고든과 음악 학습 이론의 더 큰 분야에서 다른 사람들에 의한 광범위한 연구와 현장 테스트를 기반으로 합니다.그것은 음악 교사들에게 음성을 통해 음악 정신을 가르치는 포괄적인 프레임워크를 제공합니다. 고든은 소리가 물리적으로 [6]존재하지 않을 때 이해와 이해를 가지고 마음 속에서 음악을 듣는 것을 말합니다.지시의 순서는 변별 학습과 추론 학습입니다.식별 학습은 청각/구강, 언어 관련성, 부분 합성, 기호 관련성 및 복합 합성을 사용하여 두 요소가 동일한지 여부를 판단하는 능력입니다.추론 학습을 통해, 학생들은 그들 자신의 교육에 적극적인 역할을 하고 낯선 패턴을 식별하고,[7] 만들고, 즉흥적으로 만드는 것을 배운다.오디오 이론 내의 스킬과 콘텐츠 시퀀스는 음악 교사가 자신의 교육 스타일과 [8]신념에 따라 순차적인 커리큘럼 목표를 설정하는 데 도움이 됩니다.또한 신생아와 어린아이에 대한 학습 이론이 있는데, 이 이론에서는 예비 청력의 종류와 단계가 설명된다.

세계 음악 교육학

학령 인구 내의 문화적 다양성의 증가는 1960년대부터 음악 교육자들이 음악 커리큘럼을 다양화하고 민족음악학자 및 예술가-음악가와 협력하여 음악적 전통에 뿌리를 둔 교육 관행을 확립하도록 자극했습니다.'월드 음악 교육학'은 패트리샤 셰한 캠벨이 초중등 음악 프로그램의 세계 음악 콘텐츠와 연습을 설명하기 위해 만든 것이다.이 운동의 선구자들, 특히 바바라 리더 룬드퀴스트, 윌리엄 M.Anderson과 Will Schmid는 J. Bryan Burton, Mary Goetze, Ellen McCullough-Brabson, Mary Shamrock을 포함한 2세대 음악 교육자들에게 영향을 미쳐 다양한 수준과 전문 분야의 음악 교사들에게 커리큘럼 모델을 설계하고 전달했습니다.교육학은 스미소니언 포크웨이 [9]레코딩과 같은 아카이브된 자원의 깊이 있고 지속적인 청취뿐만 아니라 인적 자원, 즉 "문화 전달자"의 사용을 지지합니다.

회화형 솔페주

Kodaly 방법과 Gordon의 음악 학습 이론의 영향을 받은 Conversational Solfége는 John M. 박사에 의해 개발되었습니다.피어벤드, 하트포드 대학 하트 스쿨의 전 음악 교육 학과장.이 프로그램은 학생들을 그들 문화의 음악 문학, 이 경우 미국 문학에 몰입시키는 것으로 시작합니다.음악은 기보법과는 별개이며 보다 근본적인 것으로 여겨진다.12개의 학습 단계에서 학생들은 음악을 듣고 부르는 것에서 구어 음절과 표준 문자 표기법을 사용하여 해독하고 음악을 만듭니다.코달리법을 직접 시행하는 것이 아니라 코달리의 독자적인 지시에 따라 헝가리 민요가 아닌 미국 민요를 바탕으로 한 방식이다.

카라보콘법

음악에 대한 감각 운동 접근법이라고도 불리는 이 어린 시절의 접근법은 바이올리니스트 매들린 카라보-코니에 의해 개발되었습니다.이 접근법은 아이들이 기본적인 음악적 개념인 직원, 음표 지속 시간, 피아노 건반을 배우기 위해 소품, 의상 및 장난감을 사용하는 것을 포함한다.특별히 계획된 교실의 구체적인 환경은 아이들이 [1]터치를 통해 탐구함으로써 음악의 기본을 배울 수 있게 해준다.

대중음악 교육학

주요 기사 : 대중음악 교육학
워싱턴주 시애틀에서 열린 2009 프리몬트 페어에서 공연하는 폴 그린 록 음악 학교 학생.

록 음악 교육학, 모던 밴드, 대중 음악 교육 또는 록 음악 교육이라고도 불리는 '대중 음악 교육학'은 1960년대 음악 교육의 발전으로, 록 음악과 다른 형태의 대중 음악에 대한 체계적인 교육과 학습으로 구성되어 있습니다.대중음악 교육학은 집단 [10]즉흥성을 강조하는 경향이 있고, 완전히 제도화된 학교 음악 [11]앙상블보다 공동체 음악 활동과 더 많이 연관되어 있다.

맨해튼빌 음악 커리큘럼 프로젝트

주요 기사: MMCP

맨해튼빌 음악 커리큘럼 프로젝트는 1965년 학교 음악에 대한 학생들의 관심 감소에 대한 반응으로 개발되었습니다.이 창의적인 접근법은 학생들이 음악을 습득해야 할 정적 콘텐츠가 아니라 개인적이고 현재적이며 진화하는 것으로 볼 수 있도록 태도를 형성하는 것을 목표로 합니다.이 방법은 사실적인 지식을 주는 것이 아니라 조사, 실험, 발견을 통해 배우는 학생을 중심으로 한다.교사는 학생 그룹에게 함께 해결할 특정 문제를 주고 나선형 커리큘럼에서 음악의 다양한 측면을 만들고, 연주하고, 즉흥적으로 지휘하고, 연구하고, 조사할 수 있는 자유를 허락한다.MMCP는 학교에서 창의적인 작곡과 즉흥 연주 활동의 선구자로 여겨지고 있습니다.[12][13]

미국의 음악 교육의 역사

18세기

토마스 심즈 목사의 설교 이후, 1717년 보스턴에서 교회에서의 노래와 음악 독서를 향상시키기 위한 목적으로 최초의 노래 학교가 설립되었습니다.이 노래학교들은 점차 식민지 전체에 퍼져나갔다.보스턴에 음악 아카데미가 생기면서 음악 교육은 계속 번창했다.존 터프츠 목사는 식민지 최초의 음악 교과서로 여겨지는 "비전통적인 표기법을 사용한 시편곡 노래 입문"을 출판했다.1700년과 1820년 사이에, 375권 이상의 선율 책이 새뮤얼 홀리요크, 프란시스 홉킨슨, 윌리엄 빌링스, 그리고 올리버 [14]홀든과 같은 작가들에 의해 출판되었다.

음악은 교과 과목으로 다른 학군에 보급되기 시작했다.곧 음악이 모든 학년으로 확대되었고 음악 교과 과정이 음악 읽기 외에도 여러 활동을 포함하도록 성장할 때까지 음악 읽기의 교육이 개선되었다.1864년 말까지 공립학교 음악은 전국으로 퍼져나갔다.

19세기

1832년, 로웰 메이슨과 조지 웹은 음악을 가르치는 방법뿐만 아니라 노래와 이론을 가르치는 목적으로 보스턴 음악 아카데미를 설립했습니다.메이슨은 1834년에 스위스 교육자 요한 하인리히 페스탈로치에 의해 설립된 페스탈로지 교육 시스템의 음악 교육 작품에 바탕을 둔 그의 Manuel of Instruction을 출판했습니다.이 안내서는 점차 많은 노래학교 선생님들에 의해 사용되게 되었다.1837년부터 1838년까지 보스턴 학교 위원회는 로웰 메이슨이 시범적으로 호스 학교에서 음악을 가르치는 것을 허락했다.이것은 미국의 공립학교에 음악 교육이 도입된 첫 사례로 여겨진다.1838년 보스턴 학교 위원회는 커리큘럼에 음악을 포함시키는 것을 승인했고 로웰 메이슨은 초등학교 음악의 첫 번째 공인 감독이 되었다.후에 루터 휘팅 메이슨은 보스턴의 음악 감독관이 되었고 음악 교육을 모든 수준의 공교육(문법, 초등학교, 고등학교)으로 확산시켰다.

19세기 중반, 보스턴은 미국 전역의 많은 다른 도시들이 공립학교 음악 [15]교육 프로그램을 포함하고 형성한 모델이 되었다.교사들을 위한 음악 방법론은 포츠담의 사범학교에서 처음 도입되었다.음악 감독관의 지도 아래 음악을 가르치는 학교의 교실 선생님 개념은 금세기 공립 학교 음악 교육의 표준 모델이었다. (참조 항목:미국의 음악 교육)19세기에는 여성이 작곡을 하는 것을 주저했지만 나중에는 여성이 음악교육에서 역할을 한다는 것이 받아들여져 이 분야에 종사하게 되었다.19세기 [16]후반에서 20세기까지 여성이 음악 교육을 지배할 정도로 말이다.

20세기 초반

미국에서는 4년제 학위 프로그램이 있는 교육대학이 사범학교에서 발전하여 음악을 포함하고 있다.Oberlin Conservatory는 처음에 음악 교육 학사 학위를 수여했다.미국의 음악 교육자인 오스본 G. 맥카시는 첼시 고등학교에서 학점을 받기 위해 음악을 공부하기 위한 세부사항을 소개했다.20세기 초 음악 교육 역사에서 주목할 만한 사건들은 다음과 같습니다.

  • 음악 감독자 전국 회의(1934년 음악 교육자 전국 회의, 1998년 MENC: 음악 교육을 위한 전국 협회, 1907년 아이오와 주 커쿠크에서 현재 음악 교육을 위한 전국 협회(NAfME)를 설립했습니다.
  • 학교 밴드와 오케스트라 운동의 발흥으로 연주 위주의 학교 음악 프로그램이 탄생했다.
  • 음악 방법 출판물의 증가.
  • Frances Elliot Clark는 학교용으로 축음기 기록 도서관을 개발하고 홍보합니다.
  • 칼 해안과 그의 음악적 재능의 측정법은 음악으로 사람들을 테스트하기 시작한다.

20세기 중엽에서 21세기

다음 표는 이 기간 동안의 몇 가지 주목할 만한 발전을 보여줍니다.

날짜. 주요 이벤트 음악 교육의 역사적 중요성
1950 어린이[17] 권리 장전 학생 중심의 철학은 MENC에 의해 공식적으로 지지되었다.
1953 미국 학교 밴드 감독 협회가 결성되었습니다. 밴드 무브먼트가 조직화됩니다.
1957 스푸트니크 발사 음악 교육에 대한 강조를 줄이고 과학, 수학, 기술에 대한 커리큘럼의 초점을 높입니다.
1959 컨템포러리 뮤직 프로젝트 이 프로젝트의 목적은 양질의 작곡가와 연주자를 학습 환경에 배치함으로써 현대 음악을 어린이와 연관되게 만드는 것이었습니다.종합 음악 운동으로 이어집니다.
1961 미국 합창 감독 협회 결성 합창 악장이 짜여지다.
1963 예일 세미나 연방 정부는 양질의 음악 교실 문학에 초점을 맞춘 예술 교육의 개발을 지원했습니다.줄리어드 프로젝트는 초등학교와 중학교를 위한 주요 역사 시대의 음악 작품 편집과 출판으로 이어진다.
1965 국립 예술 기금 음악이 사회에서 가지는 가치에 대한 연방 재정 지원 및 인정.
1967 탱글우드 심포지엄 음악교육의 통일되고 절충적인 철학의 확립.특히 청소년 음악, 특수 교육 음악, 어반 음악, 일렉트로닉 음악에 중점을 두고 있다.
1969 GO 프로젝트 35 공립학교의 질 높은 음악 교육 프로그램에 대한 MENC의 목표.음악 교육자가 따라 할 수 있도록 출판 및 권장됩니다.
1978 앤아버 심포지엄 청각, 운동 학습, 아동 발달, 인지 능력, 기억 처리, 영향 및 동기 부여 분야에서 학습 이론이 음악 교육에 미치는 영향을 강조했다.
1984 음악으로 인간이 되는 심포지엄 "음악의 교육과 학습에 있어서의 사회인류학의 관점에 관한 웨슬리안 심포지엄" (코네티컷주 미들타운, 1984년 8월 6일-10일)음악교육에서 문화적 맥락의 중요성과 미국에서 빠르게 변화하는 인구통계학의 문화적 의미를 강조했다.
1990 음악교육 다문화 심포지엄 미국 학교 인구의 다양성 증가에 대한 인식에서 성장한 음악 교사를 위한 3일간의 심포지엄은 학교와 청소년에게 세계 문화의 음악을 가르치기 위한 모델, 자료 및 방법을 제공하기 위해 MENC, 윤리학 협회, 스미스소니언 연구소에 의해 공동 후원되었습니다.
1994 음악 교육의 국가 표준 1980년대 상당 기간 동안, 모든 교과과목에서 교육 개혁과 책임론이 제기되었다.이것은 MENC에 의해 도입된 음악 교육의[18] 국가 표준으로 이어졌다.MENC 표준은 일부 주(州)에서 채택한 반면, 다른 주(州)에서는 자체 표준을 작성하거나 표준 운동을 대부분 피했다.
1999 주부권 심포지엄 / 비전 2020 변화하는 철학과 관행을 조사하고 2020년에 미국의 음악 교육이 어떻게 보일지 예측했다.
2007 Tanglewood II: 미래 계획[19] 1967년 제1회 탕글우드 심포지엄 이후 40년간 음악 교육의 변화를 반영하여 향후 40년간 우선순위에 관한 선언을 개발하였다.
2014 음악 교육의 전국 기준 개정 1994년에 제정된 국가 표준은 음악 읽고 쓰는 능력에 중점을 두고 개정되었다.9개의 콘텐츠 표준이 아닌 4개의 예술적 프로세스(작성, 퍼포먼스, 응답 및 연결)가 있으며 프로세스당 2~3개의 앵커 표준이 있습니다.

21세기 첫 10년 동안 다양한 기관에서 음악 강좌 개설과 온라인 음악 교육 학위 프로그램까지 개발되었으며, 세계 음악 교육학 및 대중 음악 교육학 분야도 눈에 띄게 확대되었다.

20세기 후반과 21세기 초에 음악을 가르치고 배우는 사회적 측면이 표면화 되었다.이것은 근축 음악 교육,[20] 비판 이론,[21] 그리고 페미니스트 [22]이론으로 나타났다. 페미니스트중요한 것은 '메이데이 그룹'의 구어체와 저널입니다.음악 교육자들의 국제적인 싱크탱크입니다.이것은, 당연하게 받아들여지고 있는 직업 활동의 패턴, 방법과 철학에 대한 논쟁적인 접근법, 그리고 효과적인 실천과 비판적인 태도를 위협하는 교육 정치와 대중의 압력에 대한 것입니다.음악 [23]교육의 소통"이라고 말했습니다.음악 교육의 사회적 측면에 새로운 초점을 맞추면서, 학자들은 음악과 인종,[24][25] 성별, 계급,[26] 제도적 [27]소속감,[28] 지속가능성과 같은 중요한 측면을 분석했다.

유럽

음악은 수 세기 동안 유럽의 학교와 다른 교육기관에서 중요한 과목이었다.시스티나 성당 합창단과 비엔나 소년 합창단과 같은 초기 기관들은 합창 학습의 중요한 초기 모델을 제공했고, 파리 음악원은 후에 관악기 훈련에 영향을 미쳤다.유럽에서는 졸탄 코달리, 칼 오르프, 에밀 자케-달크로즈, ABRSM과 연계된 교육 방법을 포함하여 여러 가지 교육 방법이 개발되었습니다.유럽 대륙의 주목할 만한 전문 조직으로는 현재 국제 음악 교육 협회의 유럽 지역 지부와 유럽 음악 협회 등이 있습니다.최근 수십 년 동안, 중앙, 남부, 그리고 동유럽은 성공적으로 클래식 음악을 강조하는 경향이 있는 반면, 북유럽 국가들은 특히 학교에서 [29]대중 음악을 홍보해왔다.

인도

제도적 음악 교육은 라빈드라나트 타고르가 비스바바라티 대학을 설립한 후 식민지 인도에서 시작되었다.현재 대부분의 대학에는 인디라 칼라 상게트 대학, 스와티 치루날 음대, 라빈드라 바라티 대학과 같은 미술 전문 대학들이 있다.인도 클래식 음악은 구루시야 파람파라 시스템에 기반을 두고 있다.구루라고 알려진 선생님은 학생들에게 음악적 지식을 전달한다.이것은 여전히 인도에서 음악적 지식을 전달하기 위해 사용되는 주요 시스템이다.비록 유럽의 예술 음악은 20세기 동안 전 세계의 많은 학교에서 대중화되었지만, 인도는 여전히 비유럽 토착 음악 전통이 상대적으로 더 강조된 몇 안 되는 인구 밀집 국가 중 하나이다.그렇긴 하지만, 발리우드 영화 악보와 관련된 대중음악에는 확실히 서양의 영향이 많이 있다.

자바

인도네시아 자바섬은 가믈란 음악을 중심으로 한 풍부한 음악문화로 유명하다.12세기에 만들어진 가장 오래된 두 개의 가믈란 악기 세트는 족자카르타와 수라카르타의 크라톤에 보관되어 있다.가믈란 음악은 자바 문화의 필수적인 부분입니다. 종교 의식, 결혼식, 장례식, 궁전 활동, 국경일, 지역 사회 모임의 일부입니다.최근 몇 년간 가믈란 관련 관광 시장이 확대되고 있다: 몇몇 회사들이 [30]가믈란에 참여하고 배우기를 원하는 관광객들을 위해 방문을 주선하고 있다.

가믈란 음악은 뚜렷한 교육학적 접근법을 가지고 있다.'망치로 가르친다'는 뜻의 '마구루팡굴'은 음악을 가르칠 때 가장 많이 사용되는 마스터 어프로치를 말한다.선생님은 서양음악 교육학에서처럼 학생들이 그 구절을 이해하는 것을 보여주기 위해 멈추지 않고 한 번에 긴 구절을 시연한다.교사와 학생이 드럼이나 망치악기의 반대편에 자주 앉아 연주할 수 있도록 한다.이것은 선생님에게 시연하기 쉬운 방법을 제공하고, 학생은 선생님의 행동을 공부하고 흉내낼 수 있습니다.선생님은 합주단의 리더인 검당 연주자를 훈련시킨다.선생님은 그들과 1대 1로 작업하고 곡이 리듬감 있고 문체적으로 정확할 때까지 필요한 만큼 반복한다.켄당 연주자는 때때로 그들의 동료 가믈란 [31]회원들에게 음악을 전달하기 위해 의지한다.

아프리카

남아프리카 교육부와 ILAM 음악 유산 프로젝트 SA는 서부 음악의 틀을 사용하여 아프리카 음악을 가르친다.ILAM의 학생용 Listen and Learn 11~14는 아프리카 [32]전통음악의 녹음을 사용하여 서양음악의 커리큘럼 요건을 가르치는 데 있어 "독특하다"

아프리카가 식민지화 된 1994년까지 학교에서 토착 음악과 예술을 가르치는 것은 드문 일이었다.아프리카민족회의(ANC)는 토착지식의 경시와 학교에서 쓰여진 음악적 읽고 쓰는 능력에 대한 압도적인 강조를 바로잡기 위해 노력했다.토속음악을 배우는 것이 서양의 정식 훈련과 다른 철학과 교육 과정을 가지고 있다는 것은 잘 알려져 있지 않다.원주민 노래들은 그들의 역사에 관한 것이기 때문에 그것은 전체 지역사회와 관련이 있다.아프리카의 식민지화 이후, 음악은 즉흥적이고 유동적인 토착 음악보다는 기독교 신앙과 유럽 민요에 더 초점을 맞추게 되었다.1994년부터 2004년까지 교육이 큰 변화를 겪기 전에, 민주 정부의 첫 10년 동안, 교사들은 교실 선생님으로 훈련을 받았고 다른 과목에 음악을 포함시켜야 한다고 말했다.기악 프로그램을 포함하는 교육 프로그램을 가진 몇 안 되는 대학들은 음악 이론, 서양 음악의 역사, 서양 음악 기보법 그리고 음악을 만드는 것에 덜 중점을 두었다.1999년까지 대부분의 대학 강의록에는 남아프리카 토착 [33]음악 훈련이 포함되어 있지 않았다.

아프리카 문화에서 음악은 공동체 경험으로 여겨지며 사회적, 종교적 행사에 사용된다.아이들이 음악이나 악기를 다룰 수 있는 징후를 보이면, 그들은 지역 사회의 어른들과 함께 음악 행사에 참여할 수 있다.전통 노래는 원주민들의 [34]역사에 대한 이야기이기 때문에 많은 사람들에게 더 중요하다.

라틴 아메리카의 전통 음악

음악 교육의 역사적 측면

아즈텍인들 사이에서, 매우 다양한 악기들이 두 가지 주요 목적으로 사용되었습니다: 종교 음악 (전문 성직자들의 영역)과 궁정 음악 (아즈텍 지배층을 위해 매일 연주됨)[35] 모든 사회적 계층의 아즈텍인들의 교육은 칼메카, 텔포치칼리,[36] 퀴카칼리라고 불리는 학교에서 이루어졌고 모든 사람들에게 필수였다.이것은 음악과 춤이 아즈텍인들의 [35]삶에 미친 큰 중요성을 강조한다.마야 문화에서 음악가들은 엘리트와 평민 사이의 공간을 차지했습니다.음악은 중요한 역할을 했고 전문 음악가들은 군사적 승리를 축하하기 위해 다양한 관악기, 드럼, 방울을 사용했다.음악은 [37]또한 엘리트들의 장례식에서 중요한 역할을 했다.

본암팍 벽화사 1호실, 뮤지션들

스페인과 포르투갈의 식민지화와 함께 음악은 유럽의 사상과 원칙에 영향을 받기 시작했다.가톨릭 교회는 지역 원주민들에게 [38]기독교를 전파하는 수단으로 음악 교육을 이용했다.초기 교육자의 한 예는 쿠바 출신 최초의 예술 음악 작곡가로 여겨지는 에스테반 살라스가 산티아고 데 쿠바를 이 [39]나라의 뛰어난 음악 중심지로 발전시켰다.쿠바 음악 발전에 있어 살리나스의 영향력은 그를 쿠바 예술 음악 [39]전통의 창시자로 만든 100곡 이상의 작곡을 포함합니다.그의 유산은 매년 아바나에서 에스테반 살라스 얼리 뮤직 페스티벌이 열리는 오늘날의 쿠바에서 계속된다.이 축제는 에스테반 [40]살리나스의 전통을 따라 전 세계 클래식 음악가들이 공연을 하고 음악을 가르친다.

음악은 일반 대중들에게 암기식으로 가르쳤기 때문에,[38] 19세기와 20세기까지 악기를 연주하는 사람들 외에는 극소수의 사람들만이 악보를 읽을 수 있었다.라틴 아메리카에서의 음악 발전은 주로 유럽의 [38]발전 이후에 이루어졌다.합창단은 미사, 성가, 시편을 부르기 위해 결성되었다; 세속적인 음악 또한 17, 18세기 이후 [41]더 널리 퍼졌다.

오늘의 음악 교육

오늘날 라틴 아메리카의 음악 교육은 포크 음악, 대중 음악, 관현악에 큰 비중을 두고 있다.많은 학교들이 합창단에 영어뿐만 아니라 모국어로 노래하는 것을 가르친다.특히 푸에르토리코와 아이티에 있는 몇몇 라틴 아메리카 학교들은 음악이 중요한 과목이라고 믿고 그들의 프로그램을 확장하기 위해 노력하고 있다.푸에르토리코에서는 유아 음악 [42]교육을 관리하는 공식적인 음악 교육 정책이 없습니다.학교 밖에서는 많은 커뮤니티가 그들만의 음악 그룹이나 단체를 결성하여 현지 관객들에게 큰 인기를 끌고 있다.멕시코에서 온 "El Coro de Madrigalas"와 같이 잘 알려진 라틴 아메리카 합창단이 몇 개 있습니다.이 유명한 합창단은 멕시코를 돌며 학생들에게 전문 합창 앙상블이 어떤 [43]소리인지 보여준다.칠레에서 [44]청소년 오케스트라 참여와 학업 성취와 회복력이 긍정적인 영향을 미친다는 증거도 있다.

음악 교육의 이점

음악 교육은 아이들의 [45]학업 성적을 향상시킬 수 있다.콜롬비아에서는 메델린 음악학교 네트워크가 20년 이상 운영되어 왔습니다.이 음악 프로그램에 참여하는 학생들은 학업 성취도가 더 높고 폭력에 덜 참여하는 경향이 있는 것으로 입증되었다.그 음악 프로그램은 [46]참가자들의 졸업 기회를 증가시킨다.

음악 교육과 토착 문화.

전통적인 합창음악을 넘어, 라틴 아메리카의 젊은 아티스트들은 이제 토착 언어의 활성화를 촉진하고 스페인 [47]정복 이전에 시작된 전통을 기념하기 위한 방법으로 힙합을 사용하고 있다.라틴 아메리카의 힙합은 이제 억압받는 사람들의 목소리로 작용하고, 사회 [48]혁명의 표현으로서 이러한 형태의 음악을 확립한다.라틴 아메리카 전역에서, 젊은 토착 예술가들은 가난과 [48]부당함에 대한 투쟁을 표현하기 위한 방법으로 힙합을 사용하고 있다.

페루 밴드 알보라다

라틴 아메리카에서 나온 새로운 음악은 모두 고대 원주민의 [47]전통으로 거슬러 올라가는 영향을 보여준다.우치파와 알보라다는 페루의 토착 뿌리를 [49]자축해온 성공적인 밴드이다.칠레에서 온 자스 뉴엔의 노래 "인체 케이 체"는 전통 토착 문화를 옹호하는 것을 말한다.브라질 그룹 브로 MC의 노래 "Koangagua"는 어떻게 토착과 현대 브라질 문화가 음악에서 결합될 수 있는지 살펴본다.사핀의 무그레 수르 파르체 MC의 "Presente y Combativo"는 [47]2009년에 살해된 볼리비아 랩퍼의 삶을 축하한다.현대 라틴 아메리카 음악의 독창성과 창의성을 보여주는 예는 더 많다.

이종문화 음악 교육

우리의 문화 안에서 우리가 노출되는 음악, 언어, 그리고 소리는 음악에 대한 우리의 취향을 결정하고 우리가 다른 문화의 음악을 인식하는 방식에 영향을 미친다.많은 연구들이 전세계의 음악가들의 선호도와 능력에 뚜렷한 차이를 보여왔다.한 연구는 영어와 일본어를 사용하는 사람들의 음악적 선호도를 구별하여 두 그룹의 사람들에게 같은 일련의 음색과 리듬을 제공하려고 시도했다.영어와 프랑스어 사용자를 대상으로 동일한 유형의 연구가 실시되었다.두 연구 모두 듣는 사람이 사용하는 언어가 그들 [50]언어의 굴절과 자연스러운 리듬을 바탕으로 어떤 음색과 리듬의 그룹이 더 매력적인지를 결정한다는 것을 시사했다.

또 다른 연구는 유럽인들과 아프리카인들이 특정한 리듬을 따르도록 시도하게 했다.유럽 리듬은 규칙적이고 단순한 비율에 기반을 두고 있는 반면, 아프리카 리듬은 보통 불규칙한 비율에 기반을 두고 있다.두 그룹 모두 유럽의 성질을 가진 리듬을 연주할 수 있었지만, 유럽 그룹은 아프리카 리듬과 씨름했다.이것은 아프리카 문화에서 복잡한 폴리리듬이 널리 퍼져 있는 것과 이런 종류의 [50]소리에 익숙해져 있는 것과 관련이 있습니다.

각각의 문화는 그 자체의 음악적 자질과 매력을 가지고 있지만, 우리의 음악 교실에 이종 문화 커리큘럼을 통합하는 것은 학생들에게 다른 문화의 음악을 더 잘 이해하는 방법을 가르치는 데 도움을 줄 수 있다.연구들은 다른 문화의 포크송이나 대중음악을 부르는 것을 배우는 것이 단순히 그것에 대해 배우는 것이 아니라 문화를 이해하는 효과적인 방법이라는 것을 보여준다.음악교실에서는 보사노바의 브라질 뿌리, 아프로쿠반 클레이브, 아프리카 드럼 등 다른 문화의 스타일을 접목시켜 음악을 다른 음악과 비교하는 방법을 알려주고 탐험을 통해 학생들을 더 편안하게 만들 수 있도록 할 것이다.소리를 [51]내다.

기준 및 평가

성취기준은 교육자가 교육의 목표를 결정할 때 사용하는 커리큘럼 스테이트먼트입니다.표준 사용은 20세기 동안 많은 나라에서 일반적인 관행이 되었다.그 존재의 상당 부분 동안, 미국의 음악 교육을 위한 커리큘럼은 현지 또는 개별 선생님들에 의해 결정되었다.최근 수십 년 동안 지역 및/또는 국가 표준을 채택하기 위한 중요한 움직임이 있었다.MENC: 전미음악교육협회는 9개의 자발적인 콘텐츠 기준을 마련했는데,[1] 이는 '전미음악교육기준'이라고 불립니다.이 표준에는 다음이 필요합니다.

  1. 혼자, 그리고 다른 사람들과 함께, 다양한 음악 레퍼토리를 노래합니다.
  2. 혼자서, 그리고 다른 사람들과 함께, 다양한 음악 레퍼토리를 연주합니다.
  3. 멜로디, 변주곡, 반주를 즉흥적으로 연주합니다.
  4. 지정된 가이드라인에 따라 작곡 및 편곡합니다.
  5. 음악을 읽고 메모를 하다.
  6. 음악을 듣고, 분석하고, 묘사하는 것.
  7. 음악 및 음악 퍼포먼스 평가.
  8. 음악, 다른 예술, 예술 이외의 분야와의 관계를 이해하는 것.
  9. 역사와 문화에 대한 음악 이해.

많은 주와 학군들이 음악 교육을 위해 그들만의 기준을 채택했다.

다른 과목과의 통합

초등학생 아이들이 오르골키즈의 도 오르간을 조립하고 있다.

어떤 학교와 단체들은 서로 다른 커리큘럼을 통합하는 것이 각 과목이 서로에게서 형성되어 전반적인 교육의 질을 향상시키는데 도움을 줄 것이라고 믿고 음악과 같은 예술 수업과 수학, 과학, 또는 영어와 같은 다른 과목의 통합을 장려한다.

한 예로 케네디 센터의 "예술을 통한 교육 변화" 프로그램이 있다.CETA는 예술통합을 하나 이상의 예술형태(무용, 드라마/극장, 음악, 시각예술, 스토리텔링, 인형극 및/또는 창작)와 하나 이상의 다른 커리큘럼 영역(과학, 사회, 영어 예술, 수학 및 기타) 사이의 자연스러운 연관성을 찾는 것으로 정의한다.그는 미술 형태와 다른 과목 영역입니다.이를 통해 다른 분야의 [52]콘텐츠를 다루면서 동시에 예술 창작, 공연 및/또는 응답에 집중할 수 있습니다.

유럽 연합 평생 학습 프로그램 2007–2013은 언어 학습을 지원하기 위해 음악을 사용하는 세 가지 프로젝트에 자금을 지원했다.유럽의 자장가(취학 전 및 조기 [53]학습자용), FolkDC(초등 [54]학습자용) 및 최근 PopuLLar([55]세컨더리용).또한 ARTinED 프로젝트에서는 모든 주제에 음악을 [56]사용하고 있습니다.

중요성

연구원들과 음악 교육 지지자 중 많은 윌리엄 Earhart는 음악 교육자 회의 전 대통령, 그는 "음악 수학, 과학, 지리, 역사, 외국어, 물리적 교육 등의 분야에서 지식을 향상시킨다 주장했다, 그리고 같은 공부가 음악하고 강화해 학업 achievement,[57]주장해 왔다. voca트레이닝입니다.[58]위스콘신 대학의 연구원들은 피아노나 키보드 경험을 가진 학생들이 수학, 과학, [59]공학을 할 때 사용되는 뇌의 부분인 시공간엽 활동을 측정하는 테스트에서 34% 더 높은 성과를 냈다고 제안했다.

완다 T의 실험입니다.Wallace는 텍스트를 멜로디에 맞추면 텍스트가 [60]기억나는 데 도움이 될 수 있다는 것을 암시했다.그녀는 반복되지 않는 멜로디를 가진 3절의 노래를 만들었다. 각 구절마다 다른 음악이 있다.두 번째 실험은 반복적인 멜로디를 가진 3절의 노래를 만들었습니다; 각 구절은 정확히 같은 음악을 가지고 있었습니다.세 번째 실험은 음악 없이 텍스트 기억을 연구했다.그녀는 반복적인 음악이 가장 많은 양의 텍스트 기억을 만들어 낸다는 것을 발견했는데, 이는 음악이 기억 [60]장치의 역할을 할 수 있다는 것을 암시한다.

스미스(1985)는 단어 목록으로 배경음악을 공부했다.한 실험은 배경음악으로 단어 목록을 암기하는 것을 포함했다; 참가자들은 48시간 후에 단어를 기억했다.또 다른 실험은 배경음악 없이 단어 목록을 암기하는 것이었다; 참가자들은 또한 48시간 후에 단어를 기억해냈다.배경음악과 함께 단어 목록을 외운 참가자들은 음악이 문맥적 [61]단서를 제공하는 것을 보여주면서 더 많은 단어를 떠올렸다.

미국 의회는 음악교육이 지적 발달과 학업 성취에 관여하는 것을 지지하는 연구를 인용하여 다음과 같이 선언하는 결의안을 통과시켰다: "음악교육은 지적 발전을 증진시키고 모든 연령대의 아이들의 학업 환경을 풍요롭게 한다. 그리고 음악교육자들은 예술적 융합에 크게 기여한다.미국 아이들의 학습 및 사회 발달과 아이들이 학교에서 [62]성공하는 데 중요한 역할을 합니다."

Bobbett(1990)은 대부분의 공립학교 음악 프로그램이 지난 세기 초에 시작된 이후로 바뀌지 않았다고 주장한다."…교육 분위기는 역사적으로 생각해온 것처럼 그들의 지속에 도움이 되지 않으며 사람들의 사회적 요구와 습관은 전혀 다른 종류의 밴드 [63]프로그램을 필요로 합니다."2011년 Journal of Band Research의 Kathleen M. Kerstetter가 실시한 연구에 따르면 음악계 이외의 졸업 요건 증가, 블록 스케줄 설정, 마그넷 스쿨 등의 비전통적인 프로그램 증가, 음악계 교육자가 직면한 문제 중 일부에 불과합니다.교사와 학생 모두 시간 제한을 [64]받고 있습니다.

패트리샤 파워스 박사는 "경제 문제가 표면화되면 음악과 예술 분야에서 프로그램이 축소되는 것을 보는 것은 드문 일이 아닙니다.특히 음악과 예술 프로그램이 사회에 많은 긍정적인 면에서 [58]기여하고 있기 때문에 이 분야에서 지지를 잃는 것은 정말 유감입니다."종합 음악 교육 프로그램 2011연구는 국가 협회 음악 상인의(NAMM)Foundation[65]더 텍사스 위원회 Drugs과 알코올 남용에 관한 보고서에서에서 자금을 지원 받는달러 187학생당 평균은 밴드나 오케스트라에 참여했다 학생들을 포함한 모든 물질의 가장 낮은 수명과 현재의 사용 신고했다고 말했다.알코홀, 담배, 불법 마약.[66]

비음악적인 이점

연구들은 음악 교육이 학생들의 인지적 성취를 향상시키는데 사용될 수 있다는 것을 보여주었다.미국에서는 약 30%의 학생이 독서와 씨름하고 있으며, 17%는 [67]독서와 관련된 특정 학습 장애를 가지고 있는 것으로 보고되고 있습니다.집중적인 음악 커리큘럼을 정기적인 교실 활동과 함께 사용하여, 연구는 음악 커리큘럼 쇼와 관련된 학생들이 독해력, 단어 지식, 단어 기억, 단어 [68]해독에서 증가한다는 것을 보여준다.국립음악교육협회에 따르면, 2012년에 실시된 연구에서 음악 활동에 참여한 사람들이 SAT에서 더 높은 점수를 받았다.이 학생들은 읽기와 쓰기에서 평균 31점, [69]수학에서 23점 더 높은 점수를 받았다.학생이 텍스트로 멜로디를 부를 때, 그들은 다중 작업을 하기 위해 뇌의 여러 영역을 사용합니다.음악은 언어 발달에 영향을 미치고, IQ, 공간-시간적 기술을 증가시키며, 시험 점수를 향상시킵니다.음악 교육은 또한 [70]앞서 언급한 것과 유사한 영역에서 장애와 싸우기 위한 전략으로 시각 청각과 미세 운동 기술에 초점을 맞춤으로써 난독증 어린이들의 기술을 향상시키는 것으로 나타났다.이 분야에서의 연구는 희박하기 때문에, 우리는 이 발견들이 사실이라고 설득력 있게 결론지을 수는 없지만, 수행된 연구의 결과는 학습 장애를 가진 학생들과 진단받지 못한 학생들 모두에게 긍정적인 영향을 준다.더 많은 연구가 필요하겠지만, 음악을 교실에 들여오는 긍정적인 매력적 방법을 잊을 수 없으며, 학생들은 일반적으로 이러한 형태의 [71]지도에 긍정적인 반응을 보인다.

음악 교육은 누군가의 전반적인 IQ를 증가시키는 능력을 가지고 있는 것으로 알려졌으며,[72] 특히 발달이 최고조에 달한 시기에 아이들에게서 더욱 그러하다.공간 능력, 언어 기억력, 읽기 및 수학 능력은 음악 교육과 함께 증가하는 것으로 보인다(주로 [72]악기 학습을 통해).연구원들은 또한 일반 출석률과 IQ의 증가 사이의 상관관계가 분명하며, 음악 교육에 대한 학생들의 참여로 인해 일반 출석률이 그들의 IQ와 함께 증가한다는 것에 주목한다.

미세 운동 기술, 사회적 행동, 정서적 행복도 음악과 음악 교육을 통해 향상될 수 있습니다.악기를 배우면 신체 장애가 있는 학생들의 미세 운동 기술이 향상된다.학생들이 노래에서 의미를 찾고 일상과 [73]연결되면서 정서적 행복이 높아질 수 있다.재즈나 콘서트 밴드와 같은 그룹에서 연주하는 사회적 상호작용을 통해 학생들은 사교성을 배우고 이것은 정서적, 정신적 행복과 연결될 수 있다.

칠레에서 [74]청소년 오케스트라 참여와 학업 성취 및 회복력의 긍정적인 영향이 있다는 증거가 있다.국제교육성취도평가협회(IAEEA)[75]에 따르면, "세계 최고의 학술국가들은 음악 교육에 높은 가치를 두고 있다.헝가리 네덜란드 일본은 수십 년 전부터 초등학교와 중학교 수준의 기악과 성악 훈련을 요구해 왔습니다.

이전의 실험 연구와는 대조적으로, 2020년에 출판된 메타 분석에서는 음악 훈련이 아이들의 인지 능력과 학업 성취에 긍정적인 영향을 미친다는 주장을 뒷받침할 증거가 부족하다는 것을 발견했고, 저자들은 "음악 훈련의 이점에 대한 연구자들의 낙관론은 경험적으로 정당하지 않고 그 근거가 부족하다"고 결론지었다.s 경험적 데이터의 오역 및 가능한 확인 편향으로부터."[76][77]

음악 옹호

일부 지역사회에서 심지어 전체 국가 교육 시스템에서도 음악은 학문적인 과목으로서 거의 지지를 받지 못하고 있으며, 음악 교사들은 음악 교육에 대해 합법적인 과목으로서 적극적으로 대중의 지지를 구해야 한다고 느끼고 있습니다.여론을 바꾸려는 이러한 인식된 요구는 흔히 "음악 옹호"라고 불리는 다양한 접근법의 개발을 가져왔다.음악 옹호에는 여러 가지 형태가 있는데, 그 중 일부는 합법적인 학문적 주장과 과학적 발견에 기반을 두고 있는 반면, 다른 예들은 논쟁적으로 감정, 일화 또는 설득력 없는 데이터에 의존합니다.

최근 주목받는 음악 옹호 프로젝트에는 "모차르트 효과", 국가 프로젝트, 그리고 인종, 민족, 사회경제적 환경에 관계없이 학생들에게 공평한 교육학적 수단을 모색하는 세계 음악 교육학 운동(음악 교육의 문화 다양성이라고도 함)이 포함됩니다.그 모차르트 효과. 특히 반면을 초기 연구 모차르트 음악을 듣는 것 긍정적으로spatial-temporal 추론에 영향을 미칠 것을 제안했다, 그 후의 연구들은 results,[78][79]이나 모차르트의 음악이 어린이들이 즐겨 음악을 대체할 수 있다고 제안하였다 IQ나 공간 ability,[80]에 아무런 영향을 제안했다가 그대로 나오지 않았다. 한학기 calleaded ariousal.[81]또 다른 연구는 모차르트를 듣는 것이 일시적으로 학생들의 공간적-시간적 능력을 향상시킬 수 있다고 할지라도, 악기를 연주하는 것을 배우는 것이 학생들의 수행과 [82]성취를 향상시킬 가능성이 훨씬 더 높다고 제안했다.교육자들은 국가 프로젝트가 비음악적인 목표를 위한 도구로 음악을 교육적으로 사용하는 것뿐만 아니라 민족주의와 [83]군국주의와의 연계성을 조장하고 있다고 비판했습니다.

현대 음악학자들은 효과적인 음악 옹호에는 정치적 동기와 개인적인 의제를 초월한 경험적으로 건전한 주장을 사용한다고 주장한다.Bennett Reimer, Estelle Jorgensen, David J. Elliott, John Paynter, Keith Swanwick과 같은 음악 교육 철학자들은 이러한 견해를 지지하지만, 많은 음악 교사들과 음악 단체들과 학교들은 그들의 음악 옹호 주장에 이 논리를 적용하지 않습니다.엘렌 위너와 같은 연구원들은 예술 옹호자들이 [84]음악 연구를 옹호하는 것에 대해 허위 주장을 했다고 결론짓는다. 예를 들어,[85] 그녀의 연구는 음악 교육이 수학을 향상시킨다고 주장한다.연구자 글렌 셸렌버그와 유제니아 코스타-지오미도 인과관계를 잘못 연관짓는 옹호론자들을 비판한다. 지오미는 "음악 참여와 학업 성취 사이에는 강한 관계가 있지만 그 관계의 인과관계는 [85][86]의문스럽다"고 지적했다.길이 데이비드 엘리어트와 마리사 실버맨 좀 더 효과적인 지지 떨어져"하향 평준화"값에서 목표 구호를 외치며 오해의 소지가 있는 데이터를 통해 회피하고 있는 게 포함되어 있다는 것을 암시합니다, 에너지 더 나은 experiences,[87]이 행동이 그렇게까지 음악과 musi 인정하고 적극적인 music-making과musical-affective의 잠재적 지지자들 매력적으로에 초점을 맞추는 것.c-making은 인간의 문화와 행동에 내재되어 있으며, 인간을 다른 [88]종과 구별한다.소득과 사회적 지위의 차이에도 불구하고 음악 교육을 중요하게 옹호하는 것에 초점을 맞추고 있다.Woodrow Wilson은 "우리는 한 계급의 사람들이 문과 교육을 받기를 원하고, 모든 사회에서 훨씬 더 큰 계층의 사람들이 문과 교육의 특권을 포기하고 특정한 어려운 [89]수작업에 적합하기를 바랍니다."라고 말했다.

여성의 역할

주요 기사:여성 음악 교육계
1943년 초등학교에서 음악 합주단을 이끌던 음악 교사.

1880년대에 음악 평론가들은 이렇게 주장했지만...여성들은[작곡가들]은 타고난 창의성... 그러한 정도는 여성들이 19세기 후반과 20centur 잘에 걸쳐 음악 교육을 지배하기에 좋music"때문에"biological predisposition",[16]후에, 여성 음악 교육에서 역할을 하겠다고, 그들은 이 분야에 참여하게 되 받아들여졌다."을 작곡할 힘이 부족하다.y."[미국] 음악 교육의 역사에 대한 전통적인 설명은 종종 여성의 공헌을 소홀히 해왔다. 왜냐하면 이 교재들은 밴드들과 계층 음악 [90]조직의 최고 지도자들을 강조해왔기 때문이다."[16]이러한 밴드 리더나 톱 리더를 넘어서 보면, 여성은 「집, 커뮤니티, 교회, 공립 학교, 교사 양성 기관」과「작가, 후원자, [90]단체에서의 자원봉사 활동」에서 많은 음악 교육 역할을 완수했습니다.

19세기 음악교육에서 여성의 역할에 대한 제약에도 불구하고, 여성들은 유치원 교사로 받아들여졌다. 왜냐하면 이것은 "사적인 영역"으로 여겨졌기 때문이다.여성들은 또한 여학교, 주일학교에서 사적으로 음악을 가르쳤고 학교 음악 프로그램에서 음악가들을 훈련시켰다.20세기가 바뀔 무렵, 여성들은 초등학교의 음악 감독관, 일반 학교의 교사, 대학의 음악 교수로 고용되기 시작했다.여성은 음악교육에 있어서도 전문기관에서 활동하게 되었고, 여성은 컨퍼런스에서 논문을 발표하게 되었다.Frances Clarke (1860-1958)라는 한 여성이 1907년에 Music Supervisors National Conference를 설립했습니다.20세기 초 소수의 여성들이 전국 음악 감독자 회의(및 다음 세기에 걸쳐 조직의 이름을 바꾼 버전)의 의장을 역임한 반면, 1952년과 1992년 사이에는 단 두 명의 여성 대통령만이 있었는데, 이는 "명백하게 차별을 반영한다"고 말했다.

그러나 1990년 이후 여성 리더의 역할이 시작됐다.1990년부터 2010년까지 이 [91]조직의 여성 대통령은 5명이었다.여성 음악 교육자는 일반 음악, 합창단, 개인 레슨, 키보드 [91]지도에서 남성보다 2대 1로 더 많다. 밴드 교육, 관리, 재즈 분야에서는 남성들이 더 많이 고용되는 경향이 있고, 대학과 대학에서 [91]더 많은 남성들이 일하고 있다.샌드라 윌랜드 하우 박사에 따르면, 음악 교육 분야에서 여성에게는 여전히 "유리 천장"이 존재하는데, 이는 지도적 위치에 있는 여성에게는 "스티그마"가 있고 [91]"관리자로서 남성이 여성보다 많다"고 한다.

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추가 정보

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