시각 예술 교육

Visual arts education
"예술 교육"은 여기서 리다이렉트됩니다.'예술교육' 저널은 '전국예술교육협회'를 참조한다.
교육 연구
부문
핵심 아이디어
커리큘럼 도메인
방법들
1881년 마리 바슈키르트세프의 그림 In the Studio는 우크라이나 Dnipropetrovsk, Dnipropetrovsk 국립미술관, 미술학교 생활 그리기 세션을 묘사한다.

시각예술 교육은 보석, 도자기, 직물, 직물 등에서 볼 수 있는 예술, 그림, 그림, 조각, 판화, 디자인, 그리고 상업적인 그래픽이나 가정용품과 같은 보다 실용적인 분야에 적용되는 디자인을 기반으로 하는 학습 분야이다.현대 주제에는 사진, 비디오, 영화, 디자인, 컴퓨터 아트가 포함됩니다.미술 교육은 학생들이 예술을 창조하는 것, 예술을 비판하거나 감상하는 것을 배우는 것, 또는 그 둘의 조합에 초점을 맞출 수 있다.

접근

아틀리에법에 따른 프랑스 회화학교에서의 미술 모델 포즈
Shimer College 미술감상 토론교실

미술은 종종 그림, 그림, 조각, 설치, 그리고 마크 메이킹을 통해 가르친다.그림은 관찰된 현상을 재현하기 위해 적절한 표시를 보고, 해석하고, 발견하는 것을 수반하는 경험적 활동으로 간주된다.그림 그리기는 헬레니즘 [1]시대부터 서양의 정규 교육의 구성요소였다.동아시아에서는 주로 붓글씨 위주의 예술교육, 주나라에서는 서예가 신사 육예, [2]중국 황실에서는 서예와 중국 회화가 4예로 꼽혔다.

예술 교육에 대한 대안적 접근법은 예술을 해석하고 창조하는 데 있어서 상상력에 중점을 둔다.많은 교육자들은 학생들에게 "왜 예술가가 이런 선택을 했다고 생각하는가?"라고 묻습니다. 일단 그들이 대답을 하면, 그들은 작품의 맥락을 알려주고, 다시 묻습니다.이것은 학생들에게 단지 예쁜 그림을 보여주는 것이 아니라 작품 뒤에 숨겨진 깊은 의미를 생각하게 하기 위함이다.미술 교육은 또한 실험과 목적 있는 놀이에 관한 것이며, 그들의 예술을 개념적인 메시지와 개인적인 [3]경험과 연결시키는 것이다.학생들이 작품을 감정과 연결시킬 수 있게 함으로써, 예술작품이 어떻게 작가와 그들의 주제와 연결되는지를 더 잘 이해할 수 있도록 돕고, 비판적인 사고 기술을 발전시킨다.시각 문화나 학생들이 예술을 통해 사회와 개인적인 문제를 탐구하는 이슈 기반 접근법 같은 대안적 접근법도 오늘날 [4]예술 교육에 영향을 미칩니다.

미술 교육의 주요 커리큘럼 모델은 다음과 같습니다.

  • 캐나다의 일부[5] 지방에서 "창조적-생산적, 문화적-역사적, 비판적-응답적" 구성요소로 구분된 6가지 모델
  • DBAE는 1980년대와 1990년대에 미국에서 선호되기 시작했고, 기술, 미술 비평, 미술사를 포함한 특정 기술에 초점을 맞췄다.Getty Education Institute for the Arts의 강력한 지원을 받던 DBAE는 [6]1998년 Institute가 자금 지원을 중단한 후 사라졌습니다.
  • TAB(Teaching for Artistic Behavior)는 1970년대 [7]미국 매사추세츠에서 시작된 선택 기반 모델이다.TAB는 학생들이 예술가가 되어야 하며 그들 개인의 예술적 관심사에 따라 인도되어야 한다고 제안합니다.TAB 기반 커리큘럼 모델은 교실 문화가 직접 교육 선호에서 학생 중심 및 질의 기반 [8]학습으로 변화함에 따라 인기가 증가했다.

또한, 특히 문과 전통의 고등 교육에서, 예술은 종종 "예술 감상"으로 가르친다. 이것은 직접적인 [9]관여보다는 미적 비평의 주제이다.

몇몇 연구들은 예술 활동이 그들의 뇌의 우뇌를 운동시키고 그들의 사고를 [10]편중시킴으로써, 강력한 예술 교육 프로그램들이 다른 학문 분야에서 학생들의 성취도를 증가시켰다는 것을 보여준다.베티 에드워즈의 '우뇌의 그림'도 참조하십시오.

예술 교육은 정규 교육 기관에 국한되지 않는다.일부 전문 아티스트는 자신의 스튜디오에서 개인 또는 반개인적인 교육을 제공합니다.이것은 학생이 예술가의 작품을 도우면서 전문적인 예술가로부터 배우는 견습의 형태를 취할 수 있다.이 교육 스타일의 한 가지 형태는 구스타브 모로(Gustave Moreau)가 피카소, 브라크, 그리고 많은 [11]다른 예술가들을 가르친 것처럼 아틀리에 방법이에요.

견습생

Michiel Sweerts의 그림 수업, 1656년 경

유럽에서는 예술가들이 석공이나 금세공 같은 길드와 같은 방식으로 그들의 직업을 배운 견습생들을 고용하는 아틀리에 방식으로 역사적[12] 미술을 가르쳤다.그들의 자유 시간 동안 공식 교육은 예술 워크샵이나, 더 많은 경우, 집에서 또는 밖에서 혼자 행해졌다.이 아틀리에에서 예술가들은 길드 법령에 의해 통제된 관계인 마스터들의 도제를 통해 공예품을 배웠다.13세기 후반의 피렌체 계약서에는 주인이 견습생에게 옷을 입히고 음식을 먹여야 한다고 쓰여 있는데, 견습생은 그 대가로 충실한 하인이 될 것을 요구받았다.견습생은 종종 그의 교육 초기에 마스터에게 돈을 지불했다; 견습생이 생산적이었다면, 그 학생은 나중에 그의 훈련에서 보상을 받을 것이다.북유럽 워크숍에서도 비슷한 [13]용어가 등장했습니다.

처음에 이 시스템에서는 그림 그리는 것을 배우는 것이 우선이었다.미켈란젤로는 젊은 화가에게 그림 그리는 데만 1년을 보낸 후 6년간 색을 갈고 판넬을 준비하며 금박을 사용하라고 권했다. 이 기간 동안 그림 연구는 계속될 것이다.프레스코화와 템페라 [14]그림을 마스터하려면 6년이 더 걸릴 것이다.

역사적으로 디자인은 미술보다 어느 정도 우선되어 왔고 18세기에 유럽 전역에 디자인 학교가 설립되었습니다.초기 유럽 미술의 기술과 가치의 이러한 예는 초기 아메리카의 식민지 개척자들을 포함한 후세대에 영감을 주었다.

교실 내 문화 지출

문화적 용도를 사용하는 개인은 상당한 미적 [15]가치를 지닌 작품을 제작할 수 있는 능력을 가지고 있다.장식이나 창조적 과정의 에뮬레이션과 같은 다른 문화권의 예술적 속성을 사용하는 것은 다른 문화권의 공예품에 대한 더 큰 이해와 감상을 촉진할 수 있다.이 기술은 학생들이 기술을 모방하고 다른 문화의 [16]관행을 존중하는 새로운 재료 사용 및 시공 방법을 탐구하는 아프리카 또는 아메리카 원주민 가면 만들기 프로젝트에서 감상할 수 있다.

국가별

아르헨티나

라틴 아메리카의 예술 발전을 선도하는 국가인 1875년에 화가 에두아르도 시아피노, 에두아르도 시보리, 그리고 다른 예술가들에 의해 설립된 국립 예술 자극 협회를 만들었습니다.이들의 길드는 1905년 국립미술아카데미로, 1923년 화가이자 학자인 에르네스토 데 라 까르코바의 주도로 부에노스아이레스 대학의 상급예술학교로 재도입되었다.현재, 이 나라의 예술에 대한 선도적인 교육 기관은 UNA Nacional de las Artes입니다.[17]

호주.

시각/미술학과 또는 교육 과정이 있는 호주 대학은 아트 스쿨과 관련된 스튜디오 기반 교육 모델에서 보다 통합된 이론/실용적 강조로 전환했습니다.Western Australia 대학교는 이론적인 주안점을 둔 석사학위에서 이론적인 BA Art학위로 전환했습니다.

컨텍스트 요소와 미디어 요소를 통합한 스튜디오 기반 교육 이니셔티브는 2007년부터 호주 학습 및 교육 위원회(ALTC)가 지원하는 전국 스튜디오[18] 교육 프로젝트의 일환으로 구현되었습니다.

이집트

이집트 최초의 현대 미술 학교는 1908년 카이로 [19]미술 대학으로 개교했다.이러한 초기 예술 학교들은 주로 서양의 미적 전통을 가르쳤다.그 결과 독립 후 이집트와 중동의 전통을 예술과 예술 감상 [20]과정에 접목시키려는 노력이 있었다.하지만, 그 과정은 느렸다;[20] 카이로 미술 대학의 학생들은 1999년까지 비유럽 미술사를 전공할 수 없었다.

프랑스.

최초의 아카데미인 Academie Royale de peinture et de sculpture는 1648년에 설립되었습니다.

현재 시각예술교육을 포함한 예술교육은 2학기[21](6세)부터 중등하교(콜레주)까지 학교교육의 필수과목이다.

일부 학교에서는 일반 초등 또는 하위 중등 교육과 병행하여 고급 예술 교육을 제공하는 예술 중심 수업(class es horaires aménagés)이 있다.상급 중등 학교에서는, 디자인·응용 예술의 과학 기술(STD2A, 구 F12)에 있어서의 바칼로레아 기술(baccalauréat technologique)을 준비할 수 있다.

제3차 교육에서, 전문학교는 여러 개의 디플롬 데 메티에르 다트(DMA, 예술 직업 학사 학위)와 디플롬 수페리에르 다트 다트 애플리케이션케(DSA, 예술 석사 학위)와 함께 디플롬 데 메티에르 다트 뒤 디자인(DN MADE, 예술 및 디자인 직업의 국가 졸업장)을 제안한다.

참고 항목: Ecole des Beaux-Arts

이탈리아

미술학교는 그리스 [22]화가 테오파네스가 1200년경에 설립한 베니스에 있는 회화학교를 시작으로 13세기 초에 이탈리아에 설립되었습니다.

네덜란드

네덜란드 미술 교사 협회(Nederlandse Vereniging voor Tekenderwijs)는 1880년에 설립되었고 1884년에 월간 [23]잡지를 발행하기 시작했습니다.20세기 후반 이후, 네덜란드 사회의 다양성 증가는 네덜란드의 예술과 예술 교육을 점점 [24]더 다문화적으로 만들었다.

영국

19세기 초 영국에서 정식 예술 교육이 출현한 것은 부분적으로 프랑스에서 [25]행해지고 있는 디자인 작업의 질에 맞추려는 욕구에 동기 부여되었다.처음에 채택된 모델은 독일 상업학교의 [25]모델이었다.앨버트 왕자는 특히 영국의 [26]예술학교 설립에 영향을 미쳤다.

현재 영국에서 예술 커리큘럼은 공립학교나 수업료를 내는 [27]학교를 제외하고 정부의 국가 커리큘럼에 의해 규정되어 있다.찰스 왕세자는 학구적인 그림 교육을 보존하기 위해 Hexton에 The Prince's Drawing School을 설립했습니다.

미국

주요 기사:미국의 미술 교육
1935년 브루클린 박물관의 성인 미술 교육 수업.

미국의 미술 감상에 대한 연구는 19세기 후반의 '오늘의 예술가 운동'에서 시작되었고 1920년대 말에 사라지기 시작했다.그림 공부는 미술 교육 커리큘럼의 중요한 부분이었다.교실에서의 미학에 대한 관심은 "일상생활의 예술"로 알려진 학교, 가정, 지역사회의 미화에 대한 대중의 관심을 이끌었다.그 아이디어는 부모들을 [28]변화시키기 위해 아이에게 문화를 가져다주는 것이었다.미국에서 [citation needed]스튜디오 작업을 통한 미술 감상에 대한 새로운 아이디어가 인기를 끌면서 그림 연구 운동은 1920년대 말에 소멸되었다.

미국의 교육철학자이자 학교개혁가인 존 듀이는 19세기 [citation needed]후반과 20세기 초에 미국에서 예술교육에 대한 접근을 넓히는데 영향을 미쳤다.

제2차 세계대전 이후 초등학교로 예술가 양성이 옮겨지면서 현대미술은 점점 학문적이고 지적인 분야가 되었다.제2차 세계대전 이전에는 예술가는 보통 대학 학위가 필요하지 않았다.그 이후 1944년 G.I. 법안의 통과로 제2차 세계 대전 참전용사들의 물결이 학교로 보내지면서 미술학사, 그리고 그 후 미술학 석사 학위를 전문 예술가가 되기 위해 추천된 학위가 되었다.대학 미술학과는 빠르게 확장되었다.한때 미술 학생 리그, 블랙 마운틴 칼리지, 그리니치 빌리지의 한스 호프만 예술대학과 같은 공예 집약적인 학교에서 공부했을지도 모르는 미국 예술가들은 대신 대학에 등록하기 시작했다.60년대까지, 뉴욕의 시각 예술 학교, 프랫 인스티튜트, 쿠퍼 유니온과 캔자스시티 아트 인스티튜트, 샌프란시스코 아트 인스티튜트, 시카고 아트 인스티튜트, 보스턴 미술 박물관, 그리고 프린스턴과 같은 전국의 다른 예술 학교들은 하나가 되었다.es.[29] 이러한 경향은 미국으로부터 [citation needed]전 세계로 퍼져나갔다.

고등학교 수준의 미술 수업 등록은 1960년대 후반에서 1970년대 [citation needed]초반에 최고조에 달했다.No Child Left Behind (NCLB)[when?] (예술은 "일상 생활"의 일부로 유지되지만 이 분야에 대한 보고나 평가 데이터는 필요하지 않음) 미국 공립 [citation needed]학교에서 예술 교육의 추가적인 감소가 있었습니다.미국 교육부는 현재 예술 커리큘럼 개발에 있어 예술 전문 지식을 가진 단체를 지원하는 Arts in Education Model Development and Preposation 보조금을 수여하고 있습니다.2010년 이후에는 공립 고등학교의 25%가 모든 예술 프로그램을 [citation needed]종료할 것으로 추산된다.Kadenze와 edX와 같은 다양한 "ed-tech" 회사들은 온라인 예술 [30]교육을 통해 이러한 손실을 줄이려고 시도해왔다.

예술 교육을 촉진하는 국가 단체로는 예술을 포함한 예술을[31] 위한 미국인을 포함한다. 예술교육의 [32]대중적 인식 캠페인인 예술교육진흥협회 예술교육파트너십.;[33]

예술 교육자를 위한 전문 단체로는 실무자 친화적인 학술지 Art Education과 Studies in Art Education, USSEA (미합중국 예술교육협회),[34] InSEA (국제예술교육협회[35]) 등이 있다.

시각예술을 통한 교육은 어려서부터 학생들이 미국 사회구조 [36]내에서 강조된 기본 민주주의 과정을 이해하고 실천할 수 있도록 하는 데 중요하고 효과적인 영향이다.2008년, NAEP는 예술과 음악 분야의 8학년 학생 7,900명을 조사했다.이 연구의 결과는 여학생들이 음악과 시각 [37]예술 모두에서 남학생들보다 더 높은 점수를 받았다고 결론지었다.

2009년 국립미술교육협회의 로웬펠트 강연 장학금 수상자인 올리비아 구데는 예술 교육이 지식을 갖춘 자기 인식 시민을 형성하는데 중요한 수많은 방법에 대해 말했다.그녀는 다음과 같이 주장한다.

미술교육을 통해 학생들은 타인의 의미를 이해하는 능력을 향상시킨다.양질의 예술 교육을 통해, 젊은이들은 다른 사람들보다 훨씬 쉽게 여러 직업을 배울 수 있는 능력을 개발한다.가장 중요한 것은, 예술에 대한 참여는 젊은이들에게 복잡성을 짜증나는 불확실성이 아닌 기쁨과 가능성으로 인식하도록 가르친다.자각의 고조는 타인에 대한 인식 고조로 확대됩니다.[36]

미술 [38]교육에 관한 글을 쓴 미셸 마더 카미는 최근 미국 등지의 이 분야 동향에 대해 매우 비판적이다.그녀는 주요 박물관에서 보여지는 많은 현대 미술품들을 [39]예술이 아닌 정치적 제스처로 치부한다.'예술교육의 생각' 8장 '누가 예술이라고 하는가'에서 그녀는 "생각이 깊은 시민들, 심지어 예술에 관심이 적은 사람들에게도 관심을 가져야 한다"고 생각하는 두 가지 분야의 트렌드에 초점을 맞추고 있다.예를 들어, 월 스트리트 저널에 실린 그녀의 의견 기사는 NAEA [40]회의에서 저명한 미술 교육자가 연구하기 위해 추천한 Werthein의 "퍼포먼스 아트" 작품인 Judi Werthein의 Brinco에 대해 비판했습니다.

특수교육

미술 교육은 전형적인 교실에서 특별한 요구를 가진 아이들을 위한 특별한 시설을 만들기 위한 개혁이 있기 전부터 특수 교육과 결합되었다.미술에 관한 한, 미술 치료사들은 종종 특별한 필요가 있는 학생들과 연결하기 위해 사용된다.그러나 일부 미술 치료사들은 학생들을 교실에서 끌어내 수학, 영어, 과학 같은 다른 학교 공부가 뒤처지게 만든다.이 때문에 미술치료는 장기적으로는 크게 개선되지 않고 단기적인 발달능력이 있는 학생이나 만능능력을 [41]높이려는 학생에게만 허용된다.

특수교육자 장 로커슨과 미술교육자 아멜리아 존스는 "예술실은 학습장애가 학습자산으로 변할 수 있는 장소이다."라고 썼다.특별한 니즈 학생들은 종종 껍데기를 벗고 창작에 열을 올린다.예술은 또한 특별한 교육자들이 학생들에게 그들이 [42]깨닫지도 못하는 기본을 가르치는 방법이다.

예술과 특수 교육이 밀접하게 연관되어 있다는 것을 증명하는 지속적인 연구들이 있다.테스트는 어떤 교실에서든 예술이 동기부여, 열정적, 그리고 어떤 경우에는 다른 [43]과목에서도 학습을 촉진한다는 것을 증명한다.

이론과 학문의 최신 동향

예술 교육의 영역은 더 넓은 범위의 시각과 대중 문화를 포함하도록 넓어지고 있다.현재 장학금 동향은 예술 [44][45]교육에 포스트모던과 시각 문화 접근법을 사용하고, 이미지의 생산과[46] 해석에 대한 글로벌리즘의 영향을 고려하며,[47] 창의성의 문제에 새로운 관심을 집중한다.NAEA 내에서 연구와 출판은 학습, 공동체, 옹호, 연구 및 [48]지식의 문제에 맞춰져 있다.예술교육연구소는 2016년부터 매년 미술교육 분야의 핵심 지적·실천적 이슈를 다루는 비판적·체계적·경험적·이론적 연구와 장학금을 지원하는 심포지엄을 개최하고 있다.AIRI는 예술, 인문 및 사회과학에서 도출된 광범위한 엄격한 연구 관행과 방법론을 촉진하여 시각 예술과 [49]관련된 교육 및 학습과 관련된 연구를 개선하고자 합니다.

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레퍼런스

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외부 링크