미국의 시각 예술

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미국 또는 미국 미술의 시각 예술은 미국에서 또는 미국 예술가들이 만든 시각 예술이다.식민지화 이전에는 아메리카 원주민 미술의 번영하는 전통이 많았으며, 스페인 식민지의 건축물과 그에 따른 다른 매체들의 스타일이 빠르게 자리를 잡았다.동부 해안의 초기 식민지 미술은 처음에는 유럽에서 온 예술가들에게 의존했고, 존 화이트 (1540년-c. 1593년)가 가장 초기 사례였다.18세기 후반과 19세기 초에 화가들은 주로 초상화를 그렸고, 몇몇 풍경화는 주로 영국화를 바탕으로 그렸다.영국의 양식이나 이와 유사한 장인을 모방한 가구 제조업자도 주요 도시에 설립되었지만, 영국 식민지에서는 19세기까지 현지 생산 도자기가 공리적으로 유지되었고, 고급 제품이 수입되었다.

그러나 18세기 후반, 두 명의 미국 화가인 벤자민 웨스트와 존 싱글턴 코플리는 당시 최고의 예술 형식으로 여겨졌던 역사 회화의 가장 성공적인 화가가 되었고, 서양 미술에 새로운 힘이 생겼다는 첫 신호를 주었다.유럽에서는 인지도가 낮았지만 집에 남아있던 미국 예술가들은 점점 더 능숙해졌다.19세기 초반부터 예술가를 양성하는 인프라가 구축되기 시작했고, 1820년부터 허드슨 강 유파는 독창적이고 미국 풍경화의 거대한 규모에 맞는 낭만주의 풍경화를 제작하기 시작했다.미국 독립 혁명은 애국적인 예술, 특히 역사 회화에 대한 수요를 창출했고, 다른 예술가들은 국경의 국가를 기록했습니다.미국 시골에서 형성되고 있는 유사한 발전은 산업 혁명에 대한 반작용으로 시작된 미국의 공예 운동이다.

1850년 이후 유럽 스타일의 학술 예술이 번성하고 부유한 미국인들이 매우 부유해지면서 유럽 미술의 새로운 것과 오래된 것의 흐름이 시작되었고, 이것은 그 이후로 계속되어 왔다.박물관들이 이것의 많은 부분을 전시하기 위해 열리기 시작했다.유럽 현대 미술의 발전은 1913년 아모리 쇼와 같은 뉴욕 시에서 열린 전시회에서 비롯되었다.제2차 세계대전 이후 뉴욕은 파리를 제치고 예술계의 중심이 되었다.그 이후로 미국의 많은 운동들이 근대 미술과 포스트모던 미술을 형성해 왔다.오늘날 미국의 예술은 다양한 스타일을 다루고 있다.

시작

영국을 처음 방문한 화가들 중 한 명은 존 화이트로, 그는 동부 해안에서 원주민들의 삶에 대한 중요한 수채화 기록을 남겼다.화이트는 탐험 탐험을 위해 예술가이자 지도 제작자로 처음 미국을 방문했고, 식민지 시대 초기에 서양식으로 훈련받은 대부분의 다른 예술가들은 육해군 장교였고, 그들의 훈련은 풍경 스케치였다.결국 영국 정착촌은 대부분 초상화를 그리는 전문 화가들을 지원하기에 충분할 정도로 커졌고, 종종 독학으로 배우기도 했다.

가장 초기의 화가 중 한 명인 존 스미버트(1688–1751)는 미술 교수가 되려고 1728년 이민을 왔으나 대신 보스턴에서 초상화가이자 판화가가 되었다.그의 친구 피터 펠햄은 화가이자 판화 제작자였다.둘 다 다른 수입원이 필요했고 가게를 가지고 있었다.한편, 나중에 미국인이 될 스페인 영토들은 주로 원주민 예술가들에 의해 후기 바로크 양식의 종교적 예술을 볼 수 있었고, 원주민 문화는 그들의 다양한 전통에서 예술을 계속 만들어냈다.

18세기

미국의 국가 정체성의 공식적인 시작을 알린 1776년 독립 선언 이후, 새로운 국가는 역사를 필요로 했고, 그 역사의 일부는 시각적으로 표현될 것이다.초기 미국 미술의 대부분은 역사 그림과 특히 초상화로 구성되어 있다.식민지 시대 미국처럼 초상화를 전문으로 하는 많은 화가들은 본질적으로 독학이었다; 그들 중 눈에 띄는 것은 조셉 오소리, 존 브루스터 주니어, 윌리엄 제니들이다.이 젊은 나라의 예술가들은 일반적으로 그들이 판화와 존 스미버트 (1688–1751)와 존 울라스톤 (1742–1775)^[2]과 같은 영어 교육을 받은 이민자들의 그림을 통해 알았던 영국 예술 스타일을 모방했다.

식민지 시대의 훈련받지 않은 화가인 로버트 페크 (1707–1752)는 스미버트의 ^[3]사례를 바탕으로 세련된 스타일을 구현했다.스미버트의 유럽 ^[4]회화를 연구함으로써 그의 초기 미술 훈련의 많은 부분을 얻은 찰스 윌슨 필은 미국 혁명의 많은 중요한 인물들의 초상화를 그렸다.필의 동생 제임스 필과 필의 조카 6명(애나 클레이풀 필, 사라 미리암 필, 라파엘 필, 렘브란트 필, 루벤스 필, 티티안 필)도 예술가였다.길버트 스튜어트와 같은 화가들은 새로 선출된 ^[1]공무원들의 초상화를 만들었고, 이것은 19세기에서 20세기 ^[5]초의 다양한 미국 우표에 재현된 후 상징적이 되었다.

존 싱글턴 코플리는 폴 리비어 (1768–1770년 경)의 초상화를 포함하여 점점 더 번영하는 상인 계층을 위한 상징적 초상화를 그렸다.그의 가장 유명한 그림인 왓슨과 상어 (1778)의 원본은 국립미술관에^[6] 소장되어 있고, 보스턴 미술관에 또 다른 버전이 있고 디트로이트 예술원에 세 번째 버전이 있다.벤자민 웨스트는 프랑스와 인디언 전쟁의 역사 그림뿐만 아니라 초상화를 그렸다.웨스트는 또한 워싱턴 올스턴,^[7] 랄프 얼, 제임스 ^[8]얼, 새뮤얼 모스, 찰스 윌슨 필, 렘브란트 필, 길버트 스튜어트, 존 트럼불, 매더 브라운, 에드워드 새비지, 토마스 설리를 ^[9]포함한 많은 미국인 예술가들을 그의 밑에서 공부했다.존 트럼블은 독립 전쟁의 큰 전투 장면을 그렸다.풍경화를 그릴 때 가장 많이 그려지는 것은 피사체가 얼마나 많은 재산을 소유하고 있는지 또는 초상화를 위한 그림 같은 배경화면이었다.

초기 미국 작가들의 작품 선집

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  제레미야 테우스 자유의 여신상, 1765년

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  존 싱글턴 코플리, 폴 리비어, 1768년-1770년, 보스턴 미술관

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  벤자민 웨스트, 인디언과의 펜 조약, 1771-72 펜실베니아 미술 아카데미

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  길버트 스튜어트, 스케이터, 1782년, 워싱턴 D.C. 국립미술관

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  찰스 윌슨 필, 자화상, 1782년-1785년, 휴스턴 미술관

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  존 트럼불, 퀘벡 공격 몽고메리 장군의 죽음, 1775년 12월 31일, 1786년, 예일대 미술관

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  매더 브라운, 토마스 제퍼슨의 초상화, 1786, 워싱턴 D.C. 국립 초상화 갤러리.

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  에드워드 새비지, 워싱턴 D.C. 국립미술관, 1789년-1796년

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  랄프 얼, 올리버 엘스워스와 애비게일 월콧 엘스워스의 초상화, 1792년 워즈워스 아테뉴움

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  제임스 필, 예술가와 가족, 1795년펜실베이니아 미술 아카데미

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  존 브루스터 주니어, 아들을 둔 어머니(루시 카냅 마이갓과 아들 조지, 코네티컷 댄버리의 아들), 1799년

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  렘브란트 필, 루벤스 필, 제라늄과 함께 1801, 워싱턴 D.C. 국립미술관

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  워싱턴 올스턴, 달빛 조경, 1809, 매사추세츠, 보스턴, 미술 박물관

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  매더 브라운, 자화상, 1812년 경, 매사추세츠 우스터, 미국 고고학회

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  벤자민 웨스트, 벤자민 프랭클린, 1816년경, 필라델피아 미술관

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  토마스 설리, 델라웨어 통로, 1819, 보스턴 미술관

19세기

최초의 유명한 미국 회화 유파인 허드슨 리버 유파는 1820년에 등장했다.토마스 콜은 Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Thomas Douty와 다른 몇몇 사람들을 포함한 운동을 주도했다.음악과 문학과 마찬가지로, 이러한 발전은 예술가들이 신세계가 그들만의 주제를 제공한다는 것을 인식할 때까지 지연되었다.; 이 경우, 정착지의 서쪽 확장은 국경 경관의 초월적인 아름다움을 화가들의 관심을 끌었다.

허드슨 강 화가들의 직설적이고 단순한 시각은 존 켄셋과 루미니스트, 조지 이네스와 (다른 사람들 중 앨버트 핑크햄 라이더와 랄프 블레이크록을 포함), 미국의 시골과 산, 피오와 같은 후대의 예술가들에게 영향을 주고 영감을 주었습니다.그들 근처에 사는 플리.

허드슨 리버 학교 풍경화가 로버트 S. 던칸슨은 최초의 중요한 흑인 화가 중 한 명이었다.새를 그린 그림을 그린 조류학자 존 제임스 오듀본은 초기 미국에서 가장 중요한 자연주의 화가 중 한 명이었다. 그의 주요 작품인 미국의 새 (1827–1839)는 완성된 가장 훌륭한 조류학 작품 중 하나로 여겨진다.에드워드 힉스는 미국의 민속 화가이자 친구 협회의 저명한 목사였다.그는 그의 그림들 때문에 퀘이커의 아이콘이 되었다.

땅의 크기와 그곳에 살고 있는 원주민들의 문화를 강조하는 서양의 그림들 또한 독특한 장르가 되었다.조지 캐틀린은 서양과 그 사람들을 가능한 한 정직하게 묘사했다.조지 케일럽 빙엄, 그리고 나중에는 프레데릭 레밍턴, 찰스 M. 러셀, 사진작가 에드워드 S. 커티스와 다른 사람들은 그들의 예술을 통해 미국 서부의 유산과 미국 서부를 기록했습니다.

독일 태생의 이매뉴얼 로이트제가 그린 워싱턴 크로싱 더 델라웨어가 가장 잘 알려진 미국 그림 중 하나이긴 하지만, 역사 그림은 19세기 동안 미국 미술에서 덜 인기 있는 장르였다.윌리엄 B의 역사적이고 군사적인 그림. T. Trego는 그가 죽은 후에 널리 출판되었다.삐삐스, "트레고 그림이 없는 미국 역사책은 아마 없을 것이다."^[10]

19세기 미국의 초상화가에는 암미 필립스 같은 훈련받지 않은 리무진이나 토마스 설리, G.P.A. 힐리 같은 유럽 전통에서 훈련받은 화가들이 있었다.중산층의 도시생활은 타협하지 않는 현실주의자인 토마스 에이킨스(1844–1916)에서 그 화가를 발견했는데, 그의 변함없는 정직함이 낭만적인 감상주의에 대한 우아한 선호도를 약화시켰다.그 결과, 그는 비록 그 이후로 가장 중요한 미국 예술가 ^[11]중 한 명으로 인정받았지만, 그의 일생 동안 눈에 띄게 성공하지는 못했다.그의 제자 중 한 명인 헨리 오사와 태너는 국제적인 찬사를 받은 최초의 흑인 화가였다.

주로 필라델피아에서 기원한 트롬페일 스타일의 정물화는 라파엘레 필, 윌리엄 마이클 하넷, 존 F를 포함했다. 삐또.

그의 시대의 가장 성공적인 미국 조각가, 히람 파워스는 30대 초반에 미국을 떠나 유럽에서 여생을 보냈다. 그는 이브 ^[12]유혹과 같은 이상적인 여성 누드 스타일을 위해 전통적인 스타일을 채택했다.미국인이라고 여겨지는 몇몇 중요한 화가들, 특히 메리 카사트, 제임스 맥닐 휘슬러, 그리고 존 싱어 서젠트는 모두 프랑스 인상주의의 영향을 받았다.시어도어 로빈슨은 1887년 프랑스를 방문해 모네와 친구가 되었고 새로운 기법을 도입한 최초의 미국 화가 중 한 명이 되었다.차일드 하삼과 프랭크 벤슨과 같은 예술가들에 의해 행해진 미국 인상주의는 세기의 마지막 수십 년 동안 인기 있는 스타일이 되었다.

19세기 명작 선정

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  에드워드 힉스, 평화왕국, c. 1834년, 국립미술관

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  존 J. 오듀본, 워싱턴 씨 이글, c. 1836년-1839년, 스미스소니언 아메리칸 아트 뮤지엄

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  조지 케일럽 빙엄, 미주리 강하 모피 트레이더, 1845년 경, 메트로폴리탄 미술관

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  조지 캐틀린, 인디언 볼 플레이 c. 1846–1850, 스미스소니언 아메리칸 아트 뮤지엄

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  조지 케일럽 빙엄, 대니얼 분, 컴벌랜드 갭으로 주민을 호위하는 1851-52

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  Eastman Johnson, A Ride for Liberty – 도망자 노예, 판지 위의 기름, 1862년 경, 브루클린 박물관

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  프레데릭 에드윈 처치, 오로라 보렐리스, 1865, 스미스소니언 아메리칸 아트 뮤지엄, 워싱턴 D.C.

• 

  1869년 알바노 호수 조지 이네스입니다Phillips 컬렉션

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  John Kensett, The Old Pine, 코네티컷 Darien, 1872년 뉴욕시 메트로폴리탄 미술관

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  제임스 애벗 맥닐 휘슬러, 녹턴: 블루 앤 골드 - 올드 배터시 브리지(1872), 테이트 브리튼, 런던, 영국

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  Thomas Eakins, The Gross Clinic, 1875년, 필라델피아 미술관 및 펜실베니아 미술 아카데미

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  존 싱어 서전트, 에드워드 달리 보이트의 딸, 1882년 보스턴 미술관

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  Albert Pinkham Ryder, The Waste of Waters는 그들의 밭, 1880년대 초, 브루클린 박물관

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  랄프 앨버트 블레이크록, 문라이트, 1885년, 브루클린 박물관

• 

  Albert Pinkham Ryder, Seacoast in Moonlight, 1890, 워싱턴 D.C. 필립스 컬렉션

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  랄프 앨버트 블레이크록, 달빛 소나타, 1889–1892 보스턴 미술관

• 

  칠드 하삼, 셀리아 택스터 가든, 1890년 뉴욕시 메트로폴리탄 미술관

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  프레데릭 레밍턴, 1890년 휴스턴 미술관 동지 보조

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  찰스 M. 러셀, 버팔로 헌트, 1899년, 아몬 카터 미국미술관

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  Winslow Homer, The Gulf Stream, 1899, Metropolitan Museum, 뉴욕시, Metropolitan Art Museum on Canvas, 1899

20세기

논란은 곧 미국 예술가들의 삶의 방식이 되었다.사실, 1900년 이후 미국 회화와 조각의 대부분은 전통에 반하는 일련의 반란이었다."예술적 가치는 집어치워"라고 로버트 앙리 (1865–1929)가 발표했다.그는 비평가들이 도시 생활의 지저분한 측면을 묘사한 후, 아슈칸 유파라고 부르는 그림의 리더였다.

미국의 사실주의는 20세기 초에 미국 시각 예술가들에게 새로운 방향이 되었다.애쉬칸 화가인 조지 벨로우즈, 에버렛 신, 조지 벤자민 룩스, 윌리엄 글래켄스, 존 슬론은 그들의 작품에서 사회 의식적인 이미지를 개발한 사람들 중 하나였다.사진작가 알프레드 슈틸리츠(1864–1946)는 새로운 예술 형태로서 사진의 길을 만든 포토세션 운동을 주도했다.

곧 아슈칸 학파 화가들은 유럽에서 온 모더니스트들에게 자리를 내줬다. 즉, 슈틸리츠가 뉴욕에 있는 291 갤러리에서 홍보한 입체파 화가들과 추상 화가들이다.존 마린, 마스든 하틀리, 알프레드 헨리 마우러, 아서 B. Carles, Arthur Dov, Henrietta Shore, Stuart Davis, Wilhelmina Weber, Stanton McDonald-Wright, Morgan Russell, Patrick Henry Bruce, Andrew Dasburg, Georgia O'Keeffe, 그리고 Gerald Murphy는 초기 미국 근대주의 화가들이다.미국의 초기 모더니즘 조각가들은 윌리엄 조라크, 엘리 나델만, 폴 맨쉽을 포함합니다.Florine Stettheimer는 매우 개인적인 가짜 나이프 스타일을 개발했다.

제1차 세계대전 이후 많은 미국 예술가들은 아모리 쇼에서 비롯된 현대적 경향과 파리 학교에서의 영향과 같은 유럽의 영향을 거부했다.대신에 그들은 미국의 도시와 시골 풍경을 묘사하는 데 다양한 (어떤 경우에는) 사실주의 스타일을 채택하기로 선택했다.그랜트 우드, 레지날드 마쉬, 기 펜 뒤 부아, 샤를 쉴러는 다른 방식으로 현실주의 경향을 예시한다.쉴러와 모더니스트 찰스 데무스와 랄스턴 크로포드는 기계와 건축 형태를 선명하게 표현하여 정밀주의자로 불렸다.헨리 밑에서 공부한 에드워드 호퍼는 빛과 형태에 집중하고 공공연한 사회적 내용을 피함으로써 독특한 리얼리즘 스타일을 발전시켰다.

아메리칸 사우스웨스트

제1차 세계 대전 이후, 싼타페 철도의 완공으로 미국 정착민들은 서쪽을 가로질러 캘리포니아 해안까지 여행할 수 있게 되었다.싼타페와 타오스를 중심으로 신진 예술가들의 식민지가 성장하기 시작했는데, 남서쪽의 원주민들과 풍경들이 주요 주제이다.

남서부의 이미지는 인기 있는 광고 형태가 되었고, 싼타페 철도에 의해 정착민들이 서부로 와서 "순결되지 않은 풍경"을 즐기도록 유혹하기 위해 가장 크게 사용되었다.월터 유퍼, 버트 기어 필립스, E 어빙 코우스, 윌리엄 헨리 잭슨, 마스든 하틀리, 앤드류 대스버그, 조지아 오키프는 남서부에서 가장 다작한 예술가들 중 일부였다.19세기 후반에 태어난 조지아 오키프는 램의 머리 화이트 홀리호크와 리틀 힐즈에서 볼 수 있는 뉴멕시코의 꽃, 뼈, 풍경을 특징으로 하는 그림으로 알려지게 되었다.오키프는 1929년에 남서부를 방문했고 1949년에 영구적으로 그곳으로 이사했다. 그녀는 1986년에 죽을 때까지 그곳에서 살며 그림을 그렸다.

할렘 르네상스 (1920년대-1930년대)

할렘 르네상스는 미국 미술의 또 다른 중요한 발전이었다.1920년대와 30년대에 인종차별적 고정관념과 싸우기 위해 문학회와 예술 및 산업 전시회를 후원하는 교육받고 정치적으로 예민한 새로운 세대의 흑인 남녀가 등장했다.흑인 사회의 다양한 재능을 보여준 이 운동에는 미국 전역의 예술가들이 참여했지만 할렘을 중심으로 이루어졌다.할렘의 화가이자 그래픽 아티스트인 애런 더글러스와 사진작가 제임스 밴더지의 작품은 이 운동의 상징이 되었다.할렘 르네상스와 관련된 아티스트로는 Romare Bearden, Jacob Lawrence, Charles Alston, Augusta Savage, Archibald Motley, Lois Mailou Jones, Palmer Hayden, Sargent Johnson 등이 있다.

뉴딜아트(1930년대)

대공황이 악화되었을 때, 루스벨트 대통령의 뉴딜 정책은 여러 공공 예술 프로그램을 만들었다.이 프로그램의 목적은 예술가들에게 작품을 주고 공공 건물을 꾸미는데 주로 국가적 주제를 가지고 있었다.이 프로젝트들 중 첫 번째 프로젝트인 Public Works of Art Project (PWAP)는 예술가 연합의 ^[13]실직 예술가들에 의한 로비에 성공한 후 만들어졌다.PWAP는 1년도 채 되지 않아 거의 15,000점의 예술 작품을 제작했다.이어 1935년에는 가장 유명한 미국 ^[14]예술가들에게 자금을 지원했던 FAP/WPA(Federal Art Project of the Works Progress Administration)가 이어졌다.

WPA가 의뢰한 공공미술의 양식은 디에고 리베라와 현대 멕시코 벽화 운동의 다른 예술가들의 작품에 영향을 받았다.미국의 풍경화, 지역주의, 그리고 사회적 ^[15]사실주의를 포함한 몇 가지 개별적이고 관련된 운동들이 대공황 기간 동안 시작되었고 발전했다.토마스 하트 벤튼, 존 스테어트 커리, 그랜트 우드, 맥신 알브로, 벤 샨, 조셉 스텔라, 레지날드 마시, 아이작 소이어, 라파엘 소이어, 스펜서 베어드 니콜스, 잭 레빈은 가장 잘 알려진 예술가들 중 일부였다.

전쟁 사이에 나타난 화가들 모두가 지역주의자들이거나 사회적 사실주의자들이었던 것은 아니다; 종종 거의 추상적인 밀턴 에이버리의 그림은 곧 추상적 ^[16]표현주의자로 알려지게 될 몇몇 젊은 예술가들에게 상당한 영향을 미쳤다.초현실주의에 영감을 받은 조셉 코넬은 발견된 물건과 콜라주를 포함한 박스형 조립품을 만들었다.

추상 표현주의.

제2차 세계대전 이후 몇 년 동안, 뉴욕 예술가들은 국제적으로 큰 영향력을 행사한 최초의 미국 운동을 형성했다: 추상적 표현주의.1919년 베를린에서 처음 사용되었던 이 용어는 1946년 뉴욕 타임즈에서 로버트 코츠에 의해 다시 사용되었고, 그 당시 두 명의 주요 예술 비평가인 해롤드 로젠버그와 클레멘트 그린버그에 의해 채택되었다.그것은 항상 너무 크고 역설적이라는 비판을 받아왔지만, 공통의 정의는 감정, 감정, 예술가 안에 있는 것을 표현하기 위해 추상 예술을 사용하는 것을 의미하며, 없는 것이 아니다.

추상표현주의자들의 1세대에는 잭슨 폴록, 윌름 드 쿠닝, 마크 로스코, 프란츠 클라인, 아르실 고키, 로버트 머더웰, 클라이포드 스틸, 바넷 뉴먼, 아돌프 고틀리브, 필립 구스턴, 애드 라인하르데트, 리처드 브룩스 등이 있었다.ov, Wilhelmina Weber Furlong, David Smith, Hans Hofmann 등.밀턴 에이버리, 리 크라스너, 루이스 부르주아, 알렉산더 칼더, 토니 스미스, 모리스 그레이브스 그리고 다른 사람들도 그 기간 동안 관련이 있고, 중요하고 영향력 있는 예술가들이다.

이 레이블로 둘러싸인 수많은 아티스트들은 매우 다른 스타일을 가지고 있었지만, 현대 비평가들은 그들 사이에 몇 가지 공통점을 발견했다.고리키, 폴록, 드 쿠닝, 클라인, 호프만, 마더웰, 고틀립, 로트코, 스틸, 구스턴, 그리고 다른 사람들은 추상적 표현주의 운동과 대부분의 경우 액션 페인팅 (클라인의 그림 번호 2, 1954에서 볼 수 있는 것처럼)과 관련된 미국 화가였고 1940년 뉴욕 학교의 일부였다.

많은 1세대 추상표현가들은 큐비스트들의 작품 (미술평론 사진이나 291 갤러리 또는 아모리 쇼에서 작품을 보고 알았음)과 유럽 초현실주의자들, 그리고 미국의 밀턴 애버리, 존 D에 의해 영향을 받았다. 그레이엄과 한스 호프만입니다그들 중 대부분은 실제 물체의 형식적인 구성과 표현을 포기했다.종종 추상적 표현론자들은 공간, 선, 모양, 색깔의 본능적이고 직관적인 배치를 시도하기로 결정했다.추상적 표현주의는 크게 두 가지 요소로 특징지을 수 있다: 사용된 캔버스의 큰 크기(1930년대 멕시코 프레스코와 그들이 WPA를 위해 만든 작품에서 부분적으로 영감을 받았다)와 새로운 프로세스 이해와 함께 붓놀림과 실험적인 페인트 적용의 강하고 특이한 사용.

컬러 필드 페인팅

색채의 강조와 강화와 표면의 넓은 확장은 컬러 필드 페인팅이라고 불리는 운동에 적용된 두 가지 원리였다.Ad Reinhardt, Adolph Gottlieb, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman이 그렇게 분류되었다.또 다른 동작은 액션 페인팅이라고 불리는데, 그 특징은 자발적인 반응, 강력한 붓놀림, 물감을 떨어뜨리고 튀기는 것, 그리고 그림을 그리는 데 사용되는 강한 물리적 움직임이다.Jackson Pollock은 액션 페인터의 한 예입니다: 막대기에서 던지고 떨어진 페인트를 통합하거나 캔에서 직접 붓는 그의 창조적인 과정은 그림 그리는 ^[19]방법에 혁명을 일으켰습니다.

윌름 드 쿠닝은 폴록에 대해 "그는 나머지 사람들을 위해 ^[20]어색함을 깼다"고 유명한 말을 했다.아이러니하게도 폴록의 크고 반복적인 선형 영역 확장은 미술 비평가 마이클 프리드가 1965년 포그 미술 박물관의 케네스 놀랜드, 줄스 올리츠키, 프랭크 스텔라 세 명의 미국 화가 카탈로그를 위해 쓴 에세이에서 썼듯이 컬러 필드 회화의 특징이기도 하다.미술 비평가들 간의 의견 차이에도 불구하고 추상적 표현주의는 미국 미술사의 전환점이 되었다: 1940년대와 1950년대는 국제적인 관심이 유럽 (파리) 예술에서 미국 (뉴욕) ^[21]예술로 옮겨갔다.

모리스 루이스, 줄스 올리츠키, 케네스 놀랜드, 진 데이비스, 헬렌 프랑켄탈러, 그리고 다른 사람들이 반복, 줄무늬, 크고 평평한 ^[22]색상의 영역과 함께 불필요한 수사학을 제거하는 그림을 그리려고 노력하면서, 컬러 필드 페인팅은 1960년대에 운동으로 계속되었다.

추상적 표현주의 이후

1950년대 미국에서 추상화는 네오 다다, 포스트 페인팅, 오퍼 아트, 하드 에지 그림, 미니멀 아트, 쉐이프 캔버스 그림, 리리컬 추상화, 추상 표현주의의 지속과 같은 운동으로 발전했다.추상화 이미지 경향에 대한 대응으로 팝아트, 베이 에리어 피규어 운동, 1970년대 후반의 신표현주의 등 다양한 새로운 운동을 통해 나타났다.

서정적 추상화는 플럭서스 운동과 ^[24]포스트 미니멀리즘(1969년 로버트 핀커스 위튼이 아트포럼에서 처음 만든 용어)과 함께 과정, 새로운 재료, 새로운 표현 방식에 초점을 맞춤으로써 추상화와 미니멀리즘의 경계를 넓히려고 했다.포스트 미니멀리즘은 종종 산업 재료, 원료, 제작, 발견된 물체, 설치, 연속 반복, 그리고 종종 다다와 초현실주의에 대한 언급을 포함하는 에바 ^[24]헤세의 조각에서 가장 잘 나타난다.

Lyrical 추상화, 개념 예술, Postminimalism, 지구 미술, 비디오, 퍼포먼스 미술, 설치 미술,'플럭서스'로, 추상 표현주의, 색 필드 페인팅, Hard-edge 그림, 최소의 아트, 옵 아트, 팝 아트, Photorealism와 신 사실주의의 지속은 60년대 중반 1970년대를 통해 현대 미술의 경계 확장과 함께.[25]

리리컬 추상화는 컬러 필드 페인팅 및 추상 표현주의, 특히 페인트의 질감과 표면의 자유분방한 사용에서 유사점을 공유합니다.직접 그리기, 선체의 서예 사용, 붓질, 얼룩질, 짜내기, 붓질, 붓질, 튀기는 페인트의 효과는 표면적으로는 추상표현주의와 색채장그림에서 볼 수 있는 효과와 유사합니다.하지만 스타일은 확연히 다르다.^[26][27]

1960년대, 1970년대, 1980년대에 아돌프 고틀립과 같이 강력하고 영향력 있는 화가들, 필립 구스턴, 리 크라스너, 싸이 트옴블리, 로버트 라우셴버그, 재스퍼 존스, 리처드 디벤콘, 요제프 알베르스, 엘머 비쇼프, 아그네스 마틴, 앨케네스, 프랜시스 홀드.Hell, Friedel Dzubas, Paul Jenkins, 그리고 Brice Marden, Robert Mangold, Sam Gilliam, Sean Scully, Elizabeth Murray, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensenen, Sus, Susan Rosen, Susan Rosbell, Richard와 같은 젊은 예술가들.생동감 있고 영향력 있는 그림을 그렸습니다.

기타 현대 미국 운동

다음 세대의 예술가들은 다른 형태의 추상화를 선호했다: 혼합 매체의 작품들.그들 중에는 로버트 라우셴버그와 재스퍼 존스(1930-)가 있었는데, 그들은 사진, 신문 인쇄물, 그리고 버려진 물건들을 그들의 작품에 사용했다.앤디 워홀(1928–1987), 래리 리버스(1923–2002), 로이 리히텐슈타인(1923–1997)과 같은 팝 아티스트들은 미국 대중문화의 일상적인 물건과 이미지인 코카콜라 병, 수프 캔, 연재만화를 풍자적으로 재현했다.

모더니즘의 영향에도 불구하고 리얼리즘은 미국에서 지속적으로 인기를 끌었다; 리얼리즘 경향은 에드워드 호퍼의 도시 장면, 앤드류 와이스의 시골 이미지, 그리고 노먼 록웰의 삽화에서 뚜렷이 나타난다.추상적 표현주의가 유행하지 않은 특정한 장소들, 예를 들어 시카고에서 지배적인 예술 스타일은 시카고의 상상주의자인 코스모 캄폴리(1923–97), 짐 너트(1938–2004), 에드 패쉬케(1939–2004) 및 낸시 스페로(1926–2009)가 대표적으로 나타내듯이 그로테스크하고 상징적인 사실주의였다.

21세기 현대미술

21세기 초, 일반적으로 미국의 현대 미술은 문화적 다원주의 사상으로 특징지어지는 여러 연속적인 양식으로 계속된다.회화와 현재의 미술, 그리고 현재의 미술 비평의 "위기"는 다원주의에 의해 야기된다.그 시대의 대표적인 스타일에 대해서는 공감대가 형성되어 있지 않으며 그럴 필요도 없다."모든 것이 진행되고 있는" 증후군, 확고하고 명확한 방향도 없고, 그럼에도 불구하고 예술 고속도로의 모든 차선이 꽉 찬 채 우왕좌왕하는 태도, 즉, "모든 것이 진행되고 있다" 증후군이 있다.그 결과, 비록 다양한 스타일과 미적 기질을 가지고 있지만, 웅장하고 중요한 예술 작품들이 미국에서 계속 만들어지고 있으며, 시장은 가치를 판단하기 위해 남겨져 있다.

첨단화, 기하학적 추상화, 도용화, 하이퍼리얼리즘, 포토리얼리즘, 표현주의, 미니멀리즘, 서정적 추상화, 팝아트, 오퍼아트, 추상표현주의, 컬러필드화, 모노크롬화, 네오표현주의, 콜라주, 인터미디어화, 조립화, 디지털현대화, 포스트모던화에드 캔버스 그림, 환경 벽화, 그래피티, 전통 인물 그림, 풍경화, 초상화 등은 21세기 초 회화의 지속적이고 현재 방향이다.

주목할 만한 인물

미국의 유명한 아티스트는 다음과 같습니다.앤젤 애덤스, 존 제임스 오듀본, 밀턴 에이버리, 장 미셸 바스키아, 토마스 하트 벤튼, 앨버트 비어슈타트, 알렉산더 칼더, 메리 카사트, 프레데릭 에드윈 처치, 척 클로즈, 토마스 콜, 로버트 크럼, 에드워드 S. 커티스, 리처드 디벤코른, 토마스 이킨스, 줄스 파이퍼, 라이오넬 파이닝어, 헬렌 프랑켄탈러, 아르실레 고리키, 키스 헤링, 마스덴 하틀리, 알 히르슈펠트, 한스 호프만, 윈슬로우 호머, 재스퍼 존스, 조지아, 오', 아그네스 마틴, 조안 미첼, 모세 할머니, 로버트 머더웰, 남페요, 케네스 놀랜드, 잭슨 폴록, 맨레이, 로버트 라우셴버그, 프레데릭 레밍턴, 노먼 록웰, 마크 로스코, 앨버트 핑크햄 라이더, 존 싱어 프랭크 사젠트, 데이비드 셔먼, 데이비드 셔먼그랜트 우드, 프랭크 로이드 라이트, 앤드류 와이스.

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레퍼런스

원천

• American paradise: the world of the Hudson River school. New York: The Metropolitan Museum of Art. 1987. ISBN 9780870994968.
• 에이버리, 케빈 J. 18세기 후반의 아메리칸 드로잉.메트로폴리탄 미술관 2000-2011 메트로폴리탄 미술관
• Bernet, Claus; Nothnagle, Alan L:Christliche Kunst aus den USA, Norderstett 2015, ISBN 978-3-7386-1339-1.
• 메이어, 랜스, 마이어, 게이 미국 화가들의 테크닉: 식민지 시대부터 1860년까지.로스앤젤레스:게티 출판사, 2011.ISBN 978-1-60606-077-3
• 메이어, 랜스, 마이어스, 게이 미국 테크니컬 화가: 1860~1945년로스앤젤레스:게티 출판사, 2013.ISBN 978-1-60606-135-0
• 폴, 프랜시스 K.미국을 모함하다.미국 미술의 사회사뉴욕:Thames & Hudson, 2002 (74-84, 118-122, 366-365, 385, 343-344, 350-351 페이지)
• The United States of America. New York: The Metropolitan Museum of Art. 1987. ISBN 0870994166.

외부 링크

• 메트로폴리탄 미술관의 미국화, 완전 디지털화된 3권 전시 카탈로그
• 문의 사항: 미국화, 미국화의 역사에 대한 교육 자료