단색화

Monochrome painting
Kazimir Malevich, Suprematist Composition: White On White, 1918년 뉴욕 현대미술관

단색 회화는 20세기와 21세기에 걸쳐 아방가르드 시각 미술의 중요한 요소였다.화가는 표면, 질감, 뉘앙스에 걸쳐 변화하는 가치를 조사하면서 다양한 감정, 의도, 의미를 다양한 [1]형태로 표현하면서 하나의 색에 대한 탐구를 창조해냈다.기하학적 정밀함에서부터 표현주의까지, 단색은 현대 [2]미술에서 오래 지속되는 관용어임이 증명되었다.

오리진스

단색화는 1882년 파리에서 열린 제1회 인코히런트 미술 전시회에서 시작되었으며, 폴 빌하우 시인의 검은 그림인 Combat de Négres dans un tunnel (네그로인들이 터널에서 싸우는 것)에서 시작되었다.(빌하우드가 흑인 예술작품을 만든 첫 번째 사람은 아니지만, 예를 들어 로버트 플러드는 우주의 기원과 구조에 관한 1617년 책에서 어둠의 이미지를 발표했고 베르탈은 1843년에 그의 흑인 작품인 "Vue de La Hogue"를 출판했다.)비일관성 미술의 후속 전시회에서 작가 알퐁스 알레는 "Premiére communcommunity de jeunes filles chlorotiques par un temp de neige" 또는 "Récolte de la tom des paraudope"와 같은 다른 단색화를 제안했다.에라 메르루즈"("홍해 해안에서 무첨가 추기경에 의한 토마토 수확", 빨간색.알레는 1897년에 7개의 단색 예술 작품으로 구성된 모노그래프인 앨범 프리모 아빌레스크를 출판했다.그러나 이러한 활동은 말레비치 이후 20세기 단색화보다는 20세기 다다, 즉 네오 다다, 특히 1960년대 플럭서스 그룹의 작품과 더 유사하다.

1911년 5월 29일 파리 저널에 실린 시릴 베르제와의 인터뷰에서 장 메칭거는 1911년 살롱 데 인디펜던트에서 큐비스트의 쇼에서 탄생한 수세 드 스칸달에 이어 다음과 같이 말했다.

우리 큐비스트들은 인류의 이익을 위한 새로운 리듬을 창조함으로써 우리의 의무를 다했을 뿐이다.다른 사람들도 우릴 쫓아올 거야그들은 무엇을 찾을까요?그것은 미래의 엄청난 비밀이다.언젠가 위대한 화가가, 흔히 생각되는 색깔론자들의 잔혹한 게임을 경멸의 눈으로 바라보며, 그들 모두를 감싸고 있는 원초적인 흰색의 통합으로 7가지 색을 되돌리는, 아무것도 없는 완전한 흰색 캔버스를 전시하지 않을지 누가 알겠는가?(Jean Metzinger, 1911년 [3][4]5월 29일)

예술가들이 대표적 주제를 완전히 비우고 소위 "원시적 백인 통합"으로 돌아가면서 추상화를 논리적 결론에 이르게 할 것이라는 메칭거의 대담무쌍한 예언은 2년 후에 실현될 것이다.1913년 5월 3일 'Les Hommes du Jour'에 출판된 Manifeste de l'cole amorphiste라는 풍자적인 선언의 저자는 작가가 '빛이면 충분하다'[4][5][6]고 주장함으로써 아모르피즘의 빈 캔버스를 정당화했을 때 메칭거의 비전을 염두에 두었을지도 모른다.원근법으로 미술사학자 Jeffery S.는 쓰고 있다.바이스, "Vers Amorphisme는 횡설수설일 수 있지만, 그것은 또한 비객관성의 극단적 환원주의적 의미를 예상하기에 충분한 기초 언어였다."[7]

고 일반적인 넓은 의미에서 볼 때 한 화가는 바우하우스와, 카지미르 말레비치, 몬드리안과 다른 예술가들은 DeStijl운동에 관련된 러시아 Constructivist 운동의 작품, 그리고 루마니아 조각가 콘스탄틴 Brâncuși의 일에 관련된 기하학적 추상적인 미니멀리즘의 유럽 뿌리를 발견한다.[8][9]미니멀 아트 또한 부분적으로 바넷 뉴먼, 아드 라인하르트, 요제프 알버스의 그림과 파블로 피카소, 마르셀 뒤샹, 조르지오 모란디 등과 같은 다양한 예술가들의 작품에서 영감을 받았다.미니멀리즘은 1940년대와 1950년대 뉴욕 [10]학파에 지배적이었던 추상적 표현주의의 화가적 주관성에 대한 반응이기도 했다.

단색 회화의 해석의 광범위한 가능성(불가능성 포함)이 단색 회화가 많은 예술가, 비평가, 작가들에게 그렇게 많은 관심을 끄는 이유일 것이다.비록 흑백이 지배적이 된 적이 없고, 그것에만 전념하는 예술가는 거의 없지만, 그것은 사라지지 않았다.그것은 마치 높은 모더니즘을 떠도는 유령처럼, 혹은 그것의 상징으로, 미적, 사회적 정치적 [11]격변의 시기에 다시 나타난다.

우월주의와 구성주의

카지미르 말레비치, 블랙 스퀘어, 1915년, 캔버스 유화, 트레티아코프 갤러리, 모스크바[12]

오늘날 일반적으로 이해되는 단색 회화는 모스크바에서 Suprematist Composition과 함께 시작되었다. 최고주의 화가 카지미르 말레비치의 1918년 화이트 온 화이트.이것은 그의 1915년 작품인 '흰 들판 위의 검은 광장'의 변형 또는 그 속편이었고, 20세기 기하학적 추상화에 대한 그 자체의 권리로 매우 중요한 작품이었다.

1921년, 구성주의 화가 알렉산더 로드첸코는 순적색, 순청색, 순황색을 전시했습니다: 세 개의 그림이 함께, 각각 세 개의 원색 중 하나의 단색입니다.그는 이 작품을 "[14]회화의 죽음"을 표현하기 위해 의도했다.로드첸코가 자신의 흑백화를 그림의 전형적인 가정들을 해체하려고 의도한 반면, 말레비치는 그의 작품을 예술의 본질에 대한 일종의 명상인 그것들에 집중하는 것으로 보았다.

이 두 가지 접근법은 역사 초기에 이러한 종류의 작품의 거의 역설적인 역동성을 명확하게 표현했습니다: 사람은 흑백을 그 자신 외에는 아무것도 나타내지 않는 평평한 표면(물질적 실체 또는 "물체로서의 그림")으로 읽을 수 있고, 따라서 그림에서 환상주의 진화의 종말을 나타낼 수 있습니다.다차원(무한) 공간의 묘사, 환상 회화의 완성, 서양 회화 역사의 새로운 진화, 즉 새로운 시작을 나타낸다(말레비치).또한, 많은 사람들은 화가의 의견을 언급하지 않고 그림 자체에서 화가의 의도를 추론하는 것은 어려울 수 있다고 지적해왔다.

예술가들은

뉴욕

추상표현주의자

주요 기사 : 추상적 표현주의
  • 밀턴 레스닉은 추상표현주의 화가로서 오랜 경력을 가지고 있다.처음에, 1940년대 동안, 그는 당시의 액션 페인팅 스타일을 탐구했다.1950년대부터 1970년대까지 그의 후기 작품은 종종 추상 인상주의자로 특징지어진다.대부분은 그가 유명한 워터리 시리즈의 클로드 모네의 방식으로 다중, 반복, 그리고 근접한 가치의 붓놀림으로 그의 전체 작품을 구성했기 때문이다.그의 그림 경력의 마지막 20년 반 동안 레스닉의 그림은 비록 두껍게 붓질되고 층층이 쌓였지만 [15]단색이 되었다.
  • Ad Reinhardt는 추상표현주의 화가로서, 상당한 기간(1952년부터 1967년 사망할 때까지)에 걸친 거의 "순수한" 단색화를 빨강 또는 파랑으로 그리고 마지막으로 가장 가족적으로 검은색으로 그린 것으로 유명하다.라인하르트의 검은 그림은[16] 아래 존스 작품처럼 기하학적 형상의 희미한 흔적을 담고 있지만 실제 묘사는 관람객이 작품과 함께 시간을 보내기 전에는 쉽게 보이지 않는다.이것은 보는 이의 명상 상태를 장려하고 지각에 대한 불확실성을 만드는 경향이 있다; 프랭크 스텔라의 유명한 인용문에 따르면, 여러분은 "보고 있는 것"이 실제로 여러분이 [17]보고 있는 것인지 의문을 가질 수 있다.
  • 리처드 푸제트-다트는 추상표현주의 화가로서의 오랜 경력 동안 여러 개의 뚜렷한 시리즈를 만들었는데, 1950년대 후반부터 1990년대 초반까지 그의 단색 시리즈인 Presence는[18] 그의 가장 강력한 작품들 중 하나였다.

색상 필드

주요 기사:색상 필드

1950년대와 1960년대에 시작된 몇몇 추상표현주의/컬러 필드 아티스트들(특히 바넷 뉴먼, 마크 로스코, 로버트 머더웰, 아돌프 고틀립, 테오도로스 스타모스, 샘 프란시스, 루드비히 샌더, 클라이포드 스틸, 줄스 올리츠키, 그리고 다른 탐험가들)은 단색의 넓은 모티브를 암시하는 것처럼 보였다.포스트 페인틀리 추상화, 리리컬 추상화, 미니멀리즘과 같은 새로운 스타일에 큰 영향을 미친 케일 그림.

바넷 뉴먼의 단색에 가까운 그림들 중 하나는 1980년대에 국립 미술관이 거액의 돈을 주고 불의 소리를 사들였을 때 캐나다에서 분노와 광범위한 조롱을 불러일으켰다.1980년대 암스테르담의 스테델리크 박물관에서 격분한 관람객이 바넷 뉴먼의 매우 희박한 기하학적 추상화 중 하나를 칼로 베었다.

서정적 추상화

주요 기사:서정적 추상화

Ronald Davis, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ralph Humphrey, David Budd, David R과 같은 서정적 추상주의 화가들. 프렌티스, 데이비드 디아오, 데이비드 노브로스, 제이크 버토 등은 특히 1960년대와 1970년대에 변형된 형태의 직사각형 캔버스 시리즈를 탐험하고 작업했습니다.

모양 캔버스

주요 기사:모양 캔버스

1960년대부터 프랭크 스텔라, 엘스워스 켈리, 로널드 데이비스, 데이비드 노브로스, 폴 모겐슨, 패트리샤 요한슨 등 다양한 화가들이 다양한 모양의 캔버스에 단색화를 그렸다.미니멀리즘과 관련된 그들의 단색 작품들 중 일부는 미니멀리즘이 아니었다.

네오 다다

주요 기사:네오 다다와 팝아트
  • Robert Rauschenberg: "캔버스는 결코 비어있지 않다."[19]1950년대 초에 흰색, 그 다음에는 검은색, 그리고 나중에는 빨간색 단색 캔버스로 알려지게 되었다.White[20] Paintings (1951) 시리즈에서 Rauschenberg는 매끄러운 "빈" 표면을 만들기 위해 페인트 롤러를 사용하여 매일의 하우스 페인트를 칠했습니다.흰색 패널은 단독으로 또는 모듈러 그룹으로 전시되었습니다.블랙 페인팅(1951-1953)은 때때로 격자 모양의 구조를 나타내는 콜라주된 신문지를 통해 도장된 표면 아래에 질감을 통합했다.붉은 그림(1953-54)은 심하게 칠해진 표면 아래에 나무와 직물과 같은 더 많은 재료를 포함하고 있으며, 라우셴버그가 그의 "복합 그림"에서 조립의 발달과 "예술"과 "삶" 사이의 "틈새"에서 활동하려는 그의 의사를 암시하는 것으로 보인다.
이 흰색 캔버스는 3개의 침묵 악장으로 구성된 작곡가 존 케이지의 4피트 33인치 작품과 관련이 있으며 적어도 케이지의 선불교 연구에서 영감을 받았다.두 작품 모두 아티스트가 제어할 수 없는 듣기/보기 요소, 예를 들어 콘서트 환경의 소리, 또는 '빈' 캔버스 표면에 쌓인 그림자와 먼지 입자의 플레이('착지 스트립' – 케이지)에 주의를 기울입니다.
1953년 그의 '삭제된 쿠닝 그림'에서 라우셴버그는 추상표현주의 화가 빌렘 드 쿠닝의 그림을 지웠다.아마도 놀랍게도, De Kooning은 Rauschenberg의 목적에 공감했고, 이 젊은 예술가에게 매우 조밀하게 작업된 그림 중 하나를 제공함으로써 암묵적으로 이 실험을 지지했다. Rauschenberg는 지우는데 두 달이 걸렸고 많은 지우개가 걸렸다.
  • Jasper Johns는 Rauschenberg의 친구였고, 두 사람 모두 종종 네오 다다이스트로 분류되어 1950년대에 지배적이었던 추상적 표현주의 미학에 대한 그들의 거부감을 지적했다.존스는 흰 깃발 [21]녹색표적 탱고 등 여러 작품을 그렸는데, 이 작품들은 기법이 말레비치의 흰 들판에 있는 하얀 광장과 흡사하게 묘사되어 있다.
이러한 작품들은 보통 흑백 회화와 관련된 것보다 더 많은 붓놀림의 증거를 보여준다.많은 다른 작품들도 1960년대 초반의 우울한 "회색" 작품처럼 단색에 접근하지만 실제 물체("어셈블리")나 텍스트가 추가된다.

미니멀리스트

주요 기사:미니멀리즘
  • 엘스워스 켈리는 파리와 뉴욕에서 많은 시간을 보냈다.엄밀하게는 미니멀리스트가 아닌 그는 모양 캔버스와 단색 직사각형 패널에 단색 그림을 다수 그렸다.그의 추상화는[22] 자연에서 "추상"되었다.자연에 대한 그의 관심은 매우 깊어서 그는 인상적이고 진실된 문체로 식물 석판화를[23] 만들었다.
  • 흰 그림에 흰색으로 그려진 미노 아르젠토 모노톤은 격자무늬, 직사각형 테마의 직사각형 변주곡이었지만 리듬과 개념의 차이로 생기가 넘쳤다.한 가지 구성은 중앙에 [24]군집된 여러 개의 불투명한 흰색에 회색 그리드와 수직 직선을 포함했다.
  • 1950년대와 1960년대의 작품들이 "완벽함"에 대한 평온한 명상이고, 따라서 "아름다움"은 일반적으로 흰색, 오프 화이트 또는 옅은 회색 캔버스이며, 연필이 그려진 표면에 [25]선이나 격자 모양으로 끌린 희미한 흔적이 있다.
  • Robert Ryman은 Ledger([26]1982)와 같은 작품에서 "구성됨"이라는 단어를 떠올리고, 지지대, 프레임, 그리고 작가의 서명이 대개 흰색 또는 오프 화이트이고 정사각형 형식으로 되어 있는 작품의 중요한 요소로서 주의를 기울인다.추상적 표현주의 붓놀림은 이러한 미니멀리즘 구조에서 형식적인 재료로 사용됩니다.Ryman은 의도적으로 제한된 주제에 대한 변주력을 보여준다.
브리스 마든, 딜런 페인팅, 1966/1986, 샌프란시스코 현대미술관
  • 브라이스 Marden 그의 최초의 성숙해진 작품들에서, 아직 더 형식 주의:리턴 1[27] 같은 그림들은 미묘하게 회색 분야 납화법(wax-medium)에서 Marden 영혼을 떠나 캔버스 아래쪽은 좁고 기다란 물줄기로 그림을 그렸다로 구성되어 있는 재스퍼 존스의 엘스 워스 켈리의 동 시대 작품 비슷한 것으로 환원 전략을 모색했다.주목 e공정의 신뢰성(즉, 페인트가 떨어지거나 튀는 것)1980년대 후반, 추상화에 대한 영적/감정적 관점을 가지고 있던 브리스 마르덴은 추상화의 보다 다양한 색채와 서예 형식을 시작했다.
  • 프랭크 스텔라는 작곡가 이고르 스트라빈스키가 "네가 보는 것은 네가 보는 것"이라고 말했을 때 "음악은 그 자체 외에는 아무 것도 표현할 힘이 없다"는 유명한 주장을 되풀이했는데, 이 말은 나중에 그의 초기 그림들이 사무엘 베켓의 글에 어느 정도 영향을 받았다고 말함으로써 그가 자격이 부여되었다.그의 작품에서 그는 관객의 "영적" 혹은 "감정적" 반응에 대한 추론을 최소화하려고 시도하고 있었고, 이것은 아마도 1950년대 후반부터 시작된[28] 그의 핀 스트라이프에서 가장 두드러질 것이다. 핀 스트라이프는 페인트칠되지 않은 캔버스로 표현되었다.나중에 스텔라는 단색뿐만 아니라 결국 기하학적인 그림도 버렸다.
  • John McCracken은 그의 "객체"가 "그림" 또는 "조각"으로 적절하게 분류되지 않았다는 점에서 특징적으로 미니멀리스트이다.1965년부터 "막대, 기둥, 널빤지"로 유명하죠"중립적인 형태"라는 그의 꼼꼼하게 마감된 광택이 나는 단색[29] 물체들은 종종 갤러리 벽에 기대어 있는데, 일부 비평가들은 이를 "서부 해안가"라고 표현한다.서프보드 제작 특유의 기술을 바탕으로 하지만, 그의 작품은 존 밀러나 다른 최신 작가들의 작품과는 달리 개인적으로도 꼼꼼하게 수작업으로 제작되어 있다.
앨런 맥콜럼, 백 개의 석고 대리품 컬렉션, 1982/1990년 하이드로스톤에 에나멜을 주조했습니다.컬렉션:반 헤덴다아그제 쿤스트 앤트워프 박물관, 벨기에
  • 앨런 맥콜럼은 1970년대 중반 "그림" 자체가 일반적인 형태, 즉 "장소 소유자" 또는 "제안자"의 역할을 할 수 있는 "그림"으로 읽힐 수 있다면 그림에 의미를 부여하는 사회적 힘이 더 잘 이해될 수 있을 것이라고 결정했다.1970년대와 80년대 초에 그는 소위 대리화라고 불리는 그림을 그렸고, 결국 석고와 액자 그리고 모든 것을 그리기 시작했다.액자에 끼우고, 깔고, 칠해진 검게 칠해진 들판처럼 보이는 이 수백 개의 물건들은 보는 이로 하여금 실제 그림 자체보다 그림의 "아이디어"를 구성하는 사회적 기대에 대해 생각하도록 영감을 줄 수 있는 중립적이고 "일반적인 신호"로 작용했다.매콜럼은 작품을 전시, 전시, 구매, 판매, 교환, 사진, 평가, 비평, 선택, 글쓰기의 드라마를 강조하면서 미술관과 박물관 환경을 일종의 극장으로 만들었다.결국 작품의 가치를 부여하는 보조 장치나 사회적 실천에 주의를 돌리기 위해 만들어진 무트.역설적으로 시간이 흐르면서 이 중립적인 물건들은 그 자체로 인류학적인 예술관점의 상징으로서 가치가 있게 되었다.
  • 앤 트루잇은 20세기 중반의 미국인 예술가였다. 그녀는 모리스 루이스와 케네스 놀랜드와 같은 미니멀리즘과 컬러 필드 예술가 둘 다와 관련이 있다.주로 미니멀리스트 조각가로서, 그리고 그녀의 조각품을 그린 컬러리스트로서, 트루이트는 그녀의 경력을 통해 여러 개의 흑백 그림을 제작했습니다.
그녀는 1960년대 초에 도날드 저드와 엘스워스 켈리 같은 미니멀리스트들의 작품을 여러 면에서 기대하면서 그녀의 가장 중요한 작품으로 여겨지는 것을 만들었다.그녀는 미니멀리스트들과 다르게 몇 가지 중요한 방법들이 있다.예를 들어, 그녀는 자신의 작품들 중 많은 것에 장소와 사건들을 따랐는데, 이것은 그 이상의 이야기를 암시하는 관행이며, 그래도 어떻게든 조각에 담겨 있다.
미니멀리즘의 발전에 그녀를 의미있게 만든 조각은 공격적으로 평범하고 페인트칠된 구조물들이었고, 종종 큰 구조들이었다.그녀의 조각상 아래에 있는 움푹 패인 받침대가 그들을 지상에서 충분히 끌어올려 얇은 그림자 위에 떠 있는 것처럼 보이게 했다.조각과 땅의 경계, 중력과 수직의 경계는 환상적으로 만들어졌다.이 형식적인 양면성은 색 자체에는 심리적인 진동이 포함되어 있다는 그녀의 주장에 의해 반영되며, 이는 예술 작품에서처럼 정화할 때 감정이라기보다는 사물을 고립시킨다.그 행사는 예술작품이 되고 색채에 의해 전달되는 시각적 감각이 된다.

유럽

  • Lucio Fontana는 1949년부터 단색 회화의 표면에 구멍이나 찰과상으로 이루어진 소위 공간 개념 또는 슬래시 시리즈를 시작하여 그가 "우주시대를 위한 예술"이라고 이름 붙인 것의 사인을 그렸다.

흑백 기능:블루에폭풍

이브 클라인, IKB 191, 1962년
  • 이브 클라인: 클라인은 1949년에 단색화를 그렸고 1950년에 이 작품의 첫 번째 개인전을 열었지만, 그의 첫 번째 공개 전시회는 1954년 11월에 작가의 책 이브: 페인트레스의 출판이었다.전통적인 카탈로그를 패러디한 이 책은 그가 이전 몇 년 동안 살았던 여러 도시들과 연결된 강렬한 단색의 연속을 특징으로 했다.이브: Peintures는 1955년 10월 파리의 Club des Solitaires와 1956년 2월 Gallery Colete Allendy에서 열린 Yves: Proposition 흑백 유화 전시회에서 그의 첫 두 개의 유화 전시회를 기대했습니다.오렌지, 노랑, 빨강, 분홍, 파랑 단색의 이 쇼는 사람들이 그림에서 그림으로 옮겨가면서 일종의 모자이크처럼 그것들을 연결하면서 클라인을 크게 실망시켰다.

관객의 반응으로 클라인은...시청자들은 그의 다양하고 균일한 색상의 캔버스가 밝고 추상적인 새로운 종류의 실내 장식이라고 생각했다.이러한 오해로 충격을 받은 클라인은 단색 예술로 나아가기 위한 결정적 조치를 취해야 한다는 것을 알고 있었다.그때부터 그는 단 하나의 원색인 파란색에만 집중했다.

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밀라노 아폴로네르 갤러리에서 열린 다음 전시회인 Proposte Monochrome, Epoca Blu (Proposition Monochrome; Blue Epoca)는 합성수지 Rodopas에 매달린 울트라라마린 안료를 사용한 11개의 동일한 파란색 캔버스를 선보였다.파리의 페인트 판매상인 Edouard Adam의 도움으로 발견된 이 효과는 아마인 기름에 매달아두면 둔해지는 경향이 있는 안료의 광택을 유지하는 것이었다.클라인은 나중에 "순수한 아이디어의 진실성"[31]을 유지하기 위해 이 레시피를 특허 취득했다.중세 회화에서 마돈나의 예복을 그릴 때 사용된 라피스 라줄리를 연상시키는 이 색은 "인터내셔널 클라인 블루" (IKB)로 유명해졌다.벽에서 20cm 떨어진 곳에 있는 기둥에 그림을 붙여 공간적 모호성을 높였습니다.

이 쇼는 파리, 뒤셀도르프, 런던을 여행하며 비평적이고 상업적인 성공을 거두었다.1957년 5월 Iris Clert 갤러리에서 열린 파리 전시회는 중요한 [32]사건이 되었다; 개막을 기념하여 1001개의 파란색 풍선이 출시되었을 뿐만 아니라, 클라인은 우체국에 합법적인 [33]것으로 받아들이기 위해 뇌물을 준 IKB 우표를 사용하여 파란색 엽서가 발송되었다.갤러리 콜레트 알렌디에서는 파란색 안료 통과 불꽃 그림 전시회가 동시에 열렸다.

  • 게르하르트 리히터는 그의 추상적이고 단색적인 작품들을 무색하게 하는 기술적으로 놀라운 사실주의 그림들로 아마도 가장 잘 알려진 화가이다.그의 추상적인 작품과 표현적인 작품 모두 비슷한 감정적 지형을 다루고 있는 것처럼 보이는데, 1980년대 후반 그의 작품을 매우 유행하게 만든 아이러니컬한 비관론이다.그의 회색 그림은 젖은 페인트로 "표현적인" 제스처를 그려서 만들어졌다.
  • 올리비에 모셋은 또한 뉴욕과 파리에서 상당한 시간을 보냈다.1960년대 파리에서 그는 다니엘 뷰렌, 미셸 파르망티에, 닐 토로니와 함께 BMPT 그룹의 일원이었다.그 그룹은 작가와 독창성의 개념에 대해 의문을 제기했는데, 이는 그들이 서로의 작품을 자주 했고, 예술품이 작가보다 더 중요하다는 것을 암시한다.이후 1970년대 후반 뉴욕에서 모셋은 신표현주의의 전성기 동안 일련의 단색화를 그렸다.그는 뉴욕 래디컬 페인팅 그룹의 창립 멤버가 되었고, 그림의 급진적인 "근원"으로 되돌아가는 것뿐만 아니라 암시적인 급진적인 사회적 입장을 언급했습니다.추상화와 단색화에 대한 사회적 관련성의 재주장은 말레비치와 로드첸코 이후 그렇게까지 강조된 적이 없었다.기하학적 추상화에 대해 사회적으로 적절하고 중요한 역할을 주장하는 피터 핼리 같은 1980년대 신지오 예술가들은 모셋을 [34]영향력으로 꼽는다.

다른이들

  • 샐리 헤이즐릿 드러몬드(Sally Hazzlet Drummond, 1924년, 미국)는 1950년대 후반 뉴욕에서 10번가 최초의 공동 갤러리 중 하나인 타나저 갤러리에 단색 그림을 전시했다.2007년 현재 그녀는 단색화를 [35]계속 그리고 있다.
  • 앨런 에브노터는 미국 화가로 모모크롬 회화의 전통을 탐구하며 단색 [36]녹색에 몸을 담그고 있다.
  • 플로렌스 밀러 피어스는 1930년대 TAOS 초월화 그룹의 멤버로 현재 뉴멕시코 앨버커키에 거주하고 있다.거울이 비친 플렉시글래스에 반투명 수지를 부어 만든 그녀의 사각 [37]단색은 저절로 빛을 발하는 것 같다.
  • '더블 모노크롬'을 가진 블라제즈 발라주.색상 대 동전, 정크, 흙 또는 양귀비 씨앗 파일링.양귀비 종자밭/마코베 장대 2001/[38]02.
  • Marcia Hafif는 뉴욕, 로스앤젤레스, 유럽에서 50여 점의 단색화를 전시했다.그녀는 유화, 법랑, 계란 템페라, 수채화, 글레이즈, 아크릴, 잉크로 단색 작품을 만들었다.그녀의 작품은 2014년 해머 박물관에서 열린 2년에 한 번 열리는 해머 미술관에서 [39][40][41]각각 검은색으로 물든 24점의 단색 그림을 전시했다.

대중문화의 단색화

1998년 토니상 수상작 브로드웨이 연극 '아트'는 희곡의 대부분을 차지하는 미학에 대한 논쟁을 불러일으키기 위해 흰색 단색 그림을 소품으로 사용했다.

참고 항목

원천

레퍼런스

  1. ^ "The Collection - MoMA". The Museum of Modern Art. Retrieved 22 August 2018.
  2. ^ Tate. "Monochrome – Art Term - Tate". Retrieved 22 August 2018.
  3. ^ 장 메칭거, "체즈 메츠", 시릴 버거 인터뷰, 파리 저널에 게재, 1911년 5월 29일 페이지 3
  4. ^ a b 마크 앤트리프와 패트리샤 레이튼: 입체파 독자, 문서와 비평, 1906-1914, 시카고 대학 출판부, 2008, 문서 17, 시릴 버거, 체즈 메츠, 파리 저널, 1911년 5월 29일 페이지 108-112.
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