학문적 예술
Academic art.jpg)   비너스의 탄생 윌리앙 아돌프 부그로에 의해(1879년), 파이드라 카바넬에 의해(1880년);.그 장미 헬리오 가발 루스의 로렌스 Alma-Tadema(1888년)에 의해. |
회화와 조각의 학문적 예술 또는 전통주의나 아카데미즘, 하나의 스타일 예술의 유럽의 학원은 그 영향 아래에서 생산되고 있습니다.특히, 학문적인 미술은 예술과 예술가들은 프랑스 Académie 데 보자르, 신 고전 주의와 낭만 주의의 움직임에 따라 행해졌다, 그리고 그들의 스타일의 합성하기 요법 중 어느 쪽이 더 효과 William-Adol의 그림을 통해 리플렉션 된 시도에 이 두 움직임 뒤에 등장한 예술의 기준에 의해 영향을 끼칩니다.페닐알라닌 Bouguereau, 토마스 꾸뛰르, 마카르트.이런 맥락에서 그것은 종종, 때로는"역사 주의"과"싱크리티즘."로 연결되어"아카데미즘,""전통주의,""예술 소방 사다리"(경멸적으로.),"절충 주의,"라고 불린다.성적은 예술은 밀접하게 동일한 곳과 유사한 classicizing 이상을 갖고 있기를 개발했다 Beaux-Arts 건축, 연관되어 있습니다.
역사 속의 학원들
최초의 예술 아카데미는 1563년 1월 13일 이탈리아 피렌체에서 코시모 1세 데 메디치에 의해 설립되었으며, 건축가 조르지오 바사리의 영향을 받아 두 개의 다른 운영 부서로 나뉘어져서 Academia e Compagnia delle Arti disgno (그림을 위한 아카데미와 회사)라고 불렀다.이 회사는 투스카니에서 일하는 모든 예술가들이 가입할 수 있는 일종의 회사였지만, 아카데미는 코시모의 궁정에서 가장 뛰어난 예술적 인물들로만 구성되어 메디체아 주의 예술 작품 전체를 감독하는 임무를 맡았다.이 메디케아 학원에서 학생들은 "Arti del disgno"(바사리가 만든 용어)를 배우고 해부학과 기하학에 대한 강의를 들었다.또 다른 아카데미인 Academia di San Luca는 약 10년 후 로마에 설립되었습니다.Academia di San Luca는 교육적인 기능을 했고 피렌체의 이론보다 예술 이론에 더 관심이 있었다.1582년 아니발레 카라치는 공식적인 지원 없이 볼로냐에 그의 매우 영향력 있는 데시데로시 아카데미를 열었다; 어떤 면에서는 전통적인 예술가의 작업장에 가까웠지만, 그는 그것을 "아카데미"라고 이름 붙일 필요성을 느꼈다는 것은 그 당시 아이디어의 매력을 보여준다.
Academia di San Luca는 나중에 1648년 프랑스에서 설립된 Academie Royale de peinture et de san luca의 모델이 되었고, 후에 Academie des beaux Arts가 되었다.아카데미 로얄 드 페튀르 드 조각은 자유 예술을 실천하는 신사 화가와 수작업에 종사하는 장인을 구분하기 위한 노력의 일환으로 설립되었다.예술작품의 지적 요소에 대한 이러한 강조는 학문적 예술의 주제와 스타일에 상당한 영향을 미쳤다.
1661년 프랑스의 모든 예술 활동을 통제하려는 루이 14세에 의해 아카데미 로얄 드 페튀르 드 조각상이 재편된 후, 나머지 세기의 예술적 태도를 지배했던 회원들 사이에서 논란이 일어났다.이 "스타일 싸움"은 피터 폴 루벤스와 니콜라스 푸신이 따를 만한 모델인지에 대한 갈등이었다."푸시니스테스"라고 불리는 푸신의 추종자들은 선(디제그노)이 지성에 호소하기 때문에 예술을 지배해야 한다고 주장한 반면, "루베니스테스"라고 불리는 루벤스의 추종자들은 색(색)이 감정에 호소하기 때문에 예술을 지배해야 한다고 주장했다.
이 논쟁은 19세기 초에 장 오귀스트 도미니크 잉그르의 작품으로 대표되는 신고전주의 운동과 외젠 들라크루아의 작품으로 대표되는 낭만주의 운동으로 되살아났다.자연을 보면서 예술을 배우는 것이 좋은가, 아니면 과거의 예술 거장들을 보면서 배우는 것이 좋은가에 대한 논쟁도 벌어졌다.
프랑스 모델을 사용한 아카데미는 유럽 전역에 형성되었고 프랑스 아카데미의 가르침과 스타일을 모방했다.영국에서는 이것이 왕립 아카데미였다.1754년에 설립된 덴마크 왕립 미술 아카데미는 국립 학교를 만들고 수입 예술가들에 대한 의존도를 줄이려는 목표를 달성한 작은 나라에서 성공적인 사례로 받아들여질 수 있다.대략 1800-1850년의 덴마크 황금기의 화가들은 거의 모두 그곳에서 훈련을 받았고, 많은 화가들이 가르치기 위해 돌아왔으며 덴마크 미술의 역사는 다른 나라의 경우보다 학문적인 예술과 다른 양식 사이의 긴장으로 인해 훨씬 덜 특징지어진다.
여성들은 예술가들
학원으로의 이동의 한 가지 효과는 19세기 [1][2]후반까지 대부분의 학원에서 제외되었던 여성 예술가들의 훈련을 더 어렵게 만들었다.이것은 부분적으로는 [1]나체로 나타나는 부적절성에 대한 우려 때문이었다.20세기까지 [3]여학생들을 위한 특별한 준비들이 종종 이루어졌다.
학업 스타일의 개발.
푸시니스트-루베니스테 논쟁의 시작 이후, 많은 예술가들이 두 스타일 사이에서 작업을 했다.19세기에, 부활한 토론의 형태에서, 예술계의 관심과 목표는 신고전주의 노선을 낭만주의 색상과 합성하는 것이 되었다.테오도르 샤세리우, 아리 셰퍼, 프란체스코 하예즈, 알렉상드르 가브리엘 디캄프, 토마스 쿠튀르를 포함한 비평가들에 의해 차례로 예술가들이 합성을 이루었다고 주장되었다.후기 학술 예술가인 William-Adolphe Bougreau는 훌륭한 화가가 되기 위한 비결은 "색깔과 선을 같은 것으로 보는 것"이라고 말했다.토마스 쿠튀르는 그가 예술 방법에 대해 쓴 책에서 같은 생각을 장려했다. - 어떤 사람이 그림이 더 나은 색이나 더 나은 선이 있다고 말할 때마다 그것은 말도 안 된다고 주장했는데, 왜냐하면 색깔이 그것을 전달하기 위해 선에 달려있기 때문이고, 그 반대도 마찬가지이기 때문이다. 그리고 그 색은 정말로 형태의 "가치"에 대해 말하는 방법이었다.
이 기간 동안의 또 다른 발전은 역사주의라고 불리는 그림이 묘사했던 역사 속의 시대를 보여주기 위해 역사적 양식을 채택하는 것을 포함한다.이것은 Jan August Hendrik Leys 남작의 작품에서 가장 잘 나타나는데, 이것은 후에 James Tissot에게 영향을 끼쳤다.그것은 네오그레크 스타일의 발전에서도 볼 수 있다.역사주의는 또한 과거 예술 전통의 혁신을 통합하고 회유해야 한다는 학문적 예술과 관련된 믿음과 실천을 언급하기 위한 것이다.
미술계 또한 성장하여 예술의 우화에 점점 더 초점을 맞추게 되었다.선과 색의 중요성에 대한 이론은 예술가가 이러한 요소들을 통해 주제, 감정, 그리고 아이디어가 표현될 수 있는 심리적 효과를 만들기 위해 매체에 대한 통제력을 발휘한다고 주장했다.예술가들이 실제로 이러한 이론을 종합하려고 시도하면서, 우화적 또는 비유적 수단으로서의 예술작품에 대한 관심이 강조되었다.회화와 조각의 묘사는 플라토닉 형식이나 이상을 불러일으켜야 하며, 평범한 묘사의 이면에서 추상적인 것, 영원한 진실을 엿볼 수 있어야 한다고 여겨졌다.그래서 키츠의 유명한 명곡인 "아름다움은 진실, 진실미"가 있다.그 그림들은 완전하고 완전한 아이디어인 "아이디"가 되기를 바랐다.학계 화가들의 그림은 새벽 땅거미 보는 시식 등의 제목을 단 소박한 자연 풍습으로 구성돼 하나의 나체로 구성돼 그 본질을 살린 것으로 알려졌다.
미술의 경향은 또한 그들이 지지하는 이상을 나타낼 수 있도록 묘사된 인물들이 더 단순하고 추상적으로 만들어졌다는 점에서 현실주의와는 반대되는 더 큰 이상주의로 나아갔다.이것은 자연에서 볼 수 있는 형태를 일반화하는 것과 그것들을 예술작품의 통일성과 주제에 종속시키는 것을 모두 포함할 것이다.
역사와 신화는 사상의 희곡이나 변증법, 중요한 우화의 비옥한 토대라고 여겨졌기 때문에, 이 주제들로부터의 주제를 사용하는 것은 가장 진지한 그림의 형태로 여겨졌다.17세기에 만들어진 장르의 위계질서는 역사화(고전화, 종교화, 신화화, 문학화, 우화화화)가 상위, 다음 풍속화, 초상화, 정물화, 산수화에 배치되는 것으로 평가되었다.역사화는 그란데 장르로도 알려져 있는데, 한스 마카트의 그림은 종종 인생 사극보다 더 크고, 그는 19세기 비엔나 문화의 양식을 지배하기 위해 장식의 역사주의와 결합했다.Paul Delaroche는 프랑스 역사 그림의 대표적인 예이다.
이러한 모든 경향은 역사가 결국 합성으로 해결된 경쟁사상의 변증법이라고 주장한 철학자 헤겔의 이론에 영향을 받았다.
19세기 말, 학문적 예술은 유럽 사회에 포화되었다.전시회가 자주 열렸는데, 가장 인기 있는 전시회가 파리 살롱이고 1903년부터 시작된 살롱 d'Automne이다.이들 살롱은 국내외 방문객이 몰리는 대규모 행사였다.일요일 하루에만 5만 명, 두 달 동안 50만 명이 전시를 관람할 수 있었다.수천 장의 그림들이 눈높이 바로 아래부터 천장까지 현재 "살롱 스타일"로 알려진 방식으로 전시되었다.그 살롱에서의 성공적인 공연은 예술가의 인정으로 그의 작품을 점점 더 많은 개인 수집가들에게 팔 수 있게 만들었다.Bougreau, Alexandre Cabanel, 그리고 Jean-Léon Gérome은 이 예술계의 주요 인물이었다.
학예시대에는 낮은 평가를 받았던 로코코 시대의 그림이 다시 인기를 끌면서 에로스, 프시케 등 로코코 미술에서 자주 사용되는 주제가 다시 유행했다.학계에서도 라파엘로의 작품의 이상성에 감탄했고, 사실 미켈란젤로보다 그를 더 선호했다.
폴란드의 학술 예술은 크라쿠프 미술 아카데미를 설립한 얀 마테이코 밑에서 번성했다.크라쿠프의 수키엔니체 미술관에서 볼 수 있는 작품들이 많다.
학문적 예술은 유럽과 미국에서만 영향을 미쳤을 뿐만 아니라 다른 서구 국가들에게도 영향을 미쳤다.이것은 특히 프랑스 혁명을 모델로 한 혁명이 프랑스 문화를 모방하려고 했던 라틴 아메리카 국가들에게 해당되었다.라틴 아메리카의 학술 예술가의 예로는 멕시코의 앙헬 사라가가 있다.
학문적 훈련
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젊은 예술가들은 엄격한 훈련에 4년을 보냈다.프랑스에서는 시험을 통과하고 유명한 미술 교수의 추천서를 소지한 학생들만이 이 아카데미의 학교인 에콜 데 보 예술에 합격했다."아카데미"라고 불리는 나체의 그림과 그림은 학술 미술의 기본 구성 요소였고 그것들을 만드는 법을 배우는 과정이 명확하게 정의되었다.첫째, 학생들은 고전 조각들을 본떠 판화를 베끼면서 윤곽, 명암, 음영의 원리를 익혔다.그 사본은 학구 교육에 매우 중요하다고 믿어져 왔다; 과거 예술가의 작품을 베끼는 것으로부터 사람들은 그들의 예술 제작 방법을 동화시킬 수 있을 것이다.다음 단계로 나아가기 위해, 그리고 모든 연속적인 단계로 넘어가기 위해, 학생들은 평가를 위해 그림을 제시했습니다.
만약 승인을 받는다면, 그들은 유명한 고전 조각의 석고 주형에서 그림을 그릴 것이다.이러한 기술을 습득한 후에야 예술가들은 라이브 모델이 포즈를 취하는 수업에 들어갈 수 있었다.1863년 이후까지 에콜 데 보 예술에서 그림을 가르치지 않았다.붓으로 그림을 배우려면 먼저 학문적 회화의 근간으로 여겨지는 그림에 능숙함을 보여야 했다.그제서야 학생은 학자의 작업실에 들어가 그림 그리는 법을 배울 수 있었다.모든 과정을 통해, 미리 정해진 과목과 특정한 할당된 시간을 가진 대회가 각 학생의 진도를 측정했다.
학생들에게 가장 유명한 미술 대회는 로마상이었다.로마상 수상자는 로마의 빌라 메디치에 있는 아카데미 프랑세즈 학교에서 최대 5년 동안 공부할 수 있는 펠로우쉽을 받았다.경쟁하기 위해, 예술가는 프랑스 국적, 남성, 30세 미만, 그리고 독신이어야 했다.그는 에콜의 입학 요건을 충족하고 유명한 미술 교사의 지원을 받아야 했다.이 대회는 마지막 역사 그림을 그리기 위해 72일 동안 10명의 경쟁자들이 스튜디오에 격리되는 마지막 단계까지 여러 단계를 거치면서 힘들었다.승자는 기본적으로 성공적인 프로 경력을 보장받았다.
말했듯이, 살롱에서의 성공적인 공연은 예술가에게 인정의 표시였다.예술가들은 "선 위에, 또는 눈높이에" 최적의 배치를 위해 교수형 위원회에 청원했다.전시회가 열린 후, 작가들은 자신들의 작품이 "하늘에 떠 있다"거나 너무 높게 걸려 있지 않냐고 불평했다.그 전문 예술가의 궁극적인 업적은 아카데미 프랑세즈 회원 선출과 학자로 알려질 권리였다.
비판과 유산
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학문적 예술은 처음에 구스타브 쿠르베와 같은 현실주의 예술가들에 의해 이상주의의 사용으로 비판을 받았는데, 이는 현대 사회의 관심사가 무시되고 있는 동안 이상주의적인 진부한 표현에 기초하고 신화적이고 전설적인 동기를 나타낸다는 것이다.현실주의자들의 또 다른 비판은 그림의 "거짓 표면" 즉, 묘사된 사물이 매끄럽고, 매끄럽고, 이상적으로 보여서 실제 질감이 전혀 보이지 않는다는 것이다.현실주의자 테오듈레 리봇은 그의 그림에서 거칠고 미완성인 질감을 실험함으로써 이것에 대항해 일했다.
문체적으로, 눈에 보이는 것과 손이 내려가는 것을 야외에서 빠르게 그리는 것을 주창했던 인상파들은 완성되고 이상화된 화풍을 비판했다.학구적인 화가들이 먼저 그림을 그리고 다음에 그들의 주제를 그린 유화 스케치를 그리는 것으로 그림을 시작했지만, 인상파들에게 그들이 그림에 준 높은 광택은 거짓말이나 다름없었다.유화 스케치 후, 화가는 학문적인 "fini"로 마지막 그림을 그려, 스타일 기준에 맞게 그림을 바꾸고 이미지를 이상화하고 완벽한 디테일을 더하려고 시도했다.마찬가지로, 원근법은 평평한 표면에 기하학적으로 구성되며 실제로 시력의 산물이 아니다. 인상파 화가들은 기계 기술에 대한 헌신을 부인한다.
리얼리스트와 인상파도 정물화와 풍경이 장르 계층의 하위에 배치되는 것을 거부했습니다.주목해야 할 점은 학구주의에 반기를 든 초기 아방가르드 중 현실주의자와 인상주의자와 다른 사람들은 원래 학구적인 아틀리에의 학생이었다는 것이다.클로드 모네, 구스타브 쿠르베, 에두아르 마네, 그리고 심지어 앙리 마티스도 학구 예술가들의 학생이었다.
현대 미술과 그 아방가르드가 힘을 얻으면서 학술 예술은 더욱 폄하되었고 감상적이고 진부하고 보수적이며 비혁신적이고 부르주아적이며 "스타일리스"로 인식되었다.프랑스인들은 종종 소방관 같은 헬멧을 쓴 군인들을 묘사한 자크 루이 다비드의 그림을 빗댄 라르트 퐁피에(pompier는 "소방관"이라는 뜻)라고 조롱했다.그 그림들은 "그랜즈 머신"이라고 불렸는데, 이것은 책략과 속임수를 통해 거짓 감정을 만들어냈다고 한다.
이러한 학문적 예술에 대한 폄훼는 모든 학문적 예술은 "키치"라고 말한 미술 비평가 클레멘트 그린버그의 글을 통해 극에 달했다.상징주의 화가들과 몇몇 초현실주의 화가들과 같은 다른 예술가들은 전통에[citation needed] 더 친절했다.상상 속의 풍경을 되살리려는 화가로서, 이 화가들은 강한 대표성을 지닌 전통으로부터 배우려는 의지가 더 강했다.일단 전통이 구식으로 여겨지기 시작하면, 우화적인 나체들과 연극적인 자세를 취한 인물들은 일부 시청자들을 기괴하고 꿈같은 사람으로 놀라게 했다.
포스트모더니즘의 목표는 역사에 대한 보다 완전하고, 보다 사회학적이고, 다원적인 설명을 제공하는 것으로, 학문적 예술은 역사책과 토론으로 다시 돌아왔다.1990년대 초반부터 고전실재주의 아틀리에 [4]운동을 통해 학문적 예술은 제한된 부활을 경험하기도 했다.게다가, 이 예술은 일반 대중들로부터 폭넓은 평가를 받고 있으며, 한때 학술적인 그림들이 경매에서 몇 백 달러 밖에 되지 않았지만, 지금은 몇 [5]백만 달러에 팔리는 그림들도 있다.
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레퍼런스
- ^ a b Myers, Nicole. "Women Artists in Nineteenth–Century France". Metropolitan Museum of Art.
- ^ Levin, Kim (November 2007). "Top Ten ARTnews Stories: Exposing the Hidden 'He'". ArtNews.
- ^ Nochlin, Linda. "Why Have There Been No Great Women Artists?" (PDF). Department of Art History, University of Concordia.
- ^ 파네로, 제임스: "The New Old School", "The New Criterion", 제25권, 2006년 9월, 페이지 104.
- ^ 에스테로, 밀턴 (2011년 1월 1일)"'부자, 누더기, 부자'에서"아트뉴스2021년 9월 12일 취득.
- ^ "Academism of the 19th Century". www.galerijamaticesrpske.rs. Archived from the original on 21 September 2019. Retrieved 15 August 2019.
추가 정보
- 19세기의 예술과 아카데미.(2000).Denis, Rafael Cardoso & Trodd, Colin (Eds)럿거스 대학 출판부ISBN 0-8135-2795-3
- L'Art-Pompier.(1998).Lécharny, Louis-Marie, Quesais-je?, Universitaires de France를 압박합니다.ISBN 2-13-049341-6
- L'Art pompier: immagini, significati, dell'altro Ottocento francese(1860–1890).(1997).루데린, 피에르파올로, 포켓 도서관 미술학, 올스키ISBN 88-222-4559-8
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