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토미 (The Who album)

Tommy (The Who album)
토미
스튜디오 앨범 by
누가
방출된1969년 5월 19일 (1969-05-19)
녹음된1968년 9월 19일 ~ 1969년 3월 7일
스튜디오IBC and Morgan, 런던
장르.바위
길이74:44
라벨.추적하다
제작자키트 램버트
더 후 영국 연대기
다이렉트 히트
(1968) 		토미
(1969) 		리즈에서 살아요
(1970)
더 후어스 연표
매직 버스: 더 후 온 투어
(1968) 		토미
(1969) 		리즈에서 살아요
(1970)
토미 싱글즈
  1. 핀볼 마법사
    발매: 1969년 3월 7일
  2. "I'm Free" / "We're not take it"
    릴리스: 1969년 7월
  3. "See Me, Feel Me" / "Overture from Tommy"
    릴리스: 1970년9월[1]

《Tommy》는 1969년 5월 19일에 발매된 영국의 록 밴드 후의 네 번째 정규 음반입니다.[2] 기타리스트 피트 타운센드(Pete Townshend)에 의해 주로 작곡된 토미는 더블 앨범이자 토미 워커(Tommy Walker)와 그의 삶을 통한 경험에 대한 이야기를 담고 있는 초기 록 오페라입니다.

타운센드는 메헤르 바바의 작품을 소개받은 후 토미라는 개념을 생각해 냈고, 바바의 가르침을 음악으로 옮기려 했습니다. 음반 녹음은 1968년 9월에 시작되었지만, 스튜디오에서 편곡하고 다시 녹음해야 했기 때문에 완성하는 데 6개월이 걸렸습니다. 토미는 개봉과 동시에 비평가들로부터 호평을 받았는데, 비평가들은 이를 WHO의 돌파구라고 환영했습니다. 그것의 비평적인 지위는 말년에 약간 감소했지만, 그럼에도 불구하고, 몇몇 작가들은 그것을 록 음악 역사에서 중요하고 영향력 있는 앨범으로 보고 있습니다. 더 후는 1969년과 1970년에 걸쳐 진행된 토미의 라이브 버전을 포함한 광범위한 투어로 앨범 발매를 홍보했습니다. 투어의 주요 공연에는 우드스톡, 1969년 아일 오브 와이트 페스티벌, 리즈 대학교, 메트로폴리탄 오페라 하우스, 1970년 아일 오브 와이트 페스티벌 출연이 포함되었습니다. 토미의 라이브 공연은 비평가들의 찬사를 이끌어냈고 밴드의 경력에 활기를 불어넣었습니다.

그 후, 록 오페라는 1971년 시애틀 오페라 제작, 1972년 루 리즈너의 관현악 버전, 1975년 영화, 1992년 브로드웨이 뮤지컬 등 다른 매체로 발전했습니다. 오리지널 앨범은 2천만 장이 팔렸고 그래미 명예의 전당에 올랐습니다. 1996년 존 애슬리의 리믹스, 2003년 디럭스 슈퍼 오디오 CD, 2013년 슈퍼 디럭스 박스 세트 등 CD로 여러 차례 재발매되었으며, 이전에 발매되지 않은 데모와 라이브 자료도 포함되어 있습니다.

시놉시스

토미의 시놉시스는 오리지널 앨범 발매 이후 다음과 같이 출판되었습니다.[3]

영국 육군 대위 워커가 탐험 도중 실종되어 사망한 것으로 추정됩니다. 그의 아내 워커 부인은 그들의 아들 토미("It's a boy")를 낳습니다. 몇 년 후, 캡틴 워커는 집으로 돌아와 아내가 새로운 애인을 찾았다는 것을 알게 됩니다. 캡틴은 토미 앞에서 연인을 죽입니다. 토미의 부모님은 토미가 아무것도 보거나 듣지 못했다고 믿으라고 강요합니다. 토미는 관계를 끊기 시작하고 귀머거리가 되고, 벙어리가 되고, 바깥 세상을 보지 못하게 됩니다("1921"). 토미는 이제 그의 촉각과 상상력에 의존하여 내면의 심리("Amazing Journey/Sparks")[4]를 발전시킵니다.

돌팔이는 아내가 토미("호커")를 치료할 수 있다고 주장합니다. 토미의 부모님은 토미가 고립된 와중("크리스마스")에 종교를 찾을 수 없다는 사실에 점점 더 좌절하고 있습니다. 토미의 부모는 그를 무시하고, 그를 가학적인 "커신 케빈"에게 고문당하고 삼촌 어니에게 성적 학대를 당하도록 내버려 두었습니다. 호커의 마약에 중독된 아내 "The Acid Queen"은 토미에게 LSD를 투여하여 음악적으로 표현되는 환각적인 경험을 유발합니다.[4]

토미는 나이가 들면서 자신이 전문적인 핀볼 선수("Pinball Wizard")가 되기에 충분히 진동을 느낄 수 있다는 것을 알게 됩니다. 그의 부모는 그를 존경하는 의사("의사가 있다")에게 데려가고, 의사는 그 소년의 장애가 신체적인 것이 아니라 정신적인 것이라고 판단합니다. 토미는 의사로부터 "거울로 가!"라는 말을 듣고, 그의 부모님은 토미가 그의 반사를 바라볼 수 있다는 것을 알아차립니다. 토미가 집에서 거울을 바라보며 오랜 시간을 보내는 것을 본 후, 그의 어머니는 좌절감으로 거울을 밀어냅니다("Smash the Mirror"). 이것은 토미의 정신적인 블록을 제거하고, 그는 자신이 강력한 리더("Sensation")가 될 수 있다는 것을 깨닫고 정신을 차립니다. 그는 종교 운동("I'm Free")을 시작하는데, 이 운동은 지지자들 사이에서 열정을 불러일으키고 휴가 캠프("Welcome" / "Tommy's Holiday Camp")로 확대됩니다. 하지만 토미의 추종자들은 결국 토미의 가르침을 거부하고 캠프를 떠납니다. 토미는 "그를 둘러싼 경이로움에 대한 계속되는 진술"과 함께 다시 안쪽으로 물러납니다.[4]

배경

타운센드는 1966년부터 표준 3분 팝 싱글 형식을 넘어서는 발전 방법을 모색해 왔습니다.[5] 공동 매니저인 키트 램버트(Kit Lambert)는 타운센드의 의견을 공유하고 음악적 아이디어를 개발하도록 격려하며 "[6]록 오페라"라는 용어를 생각해 냈습니다. 이 용어의 첫 번째 사용은 부모가 자녀의 성별을 선택할 수 있는 미래를 배경으로 한 Quads라는 스위트룸에 적용되었습니다. 한 부부는 네 명의 딸을 원하지만 대신 세 명의 딸과 한 명의 남자아이를 받아 어쨌든 그를 소녀로 기릅니다. 그 오페라는 히트 싱글인 "나는 소년이다"를 쓴 후 버려졌습니다.[7] 더 후의 두 번째 앨범인 A Quick One이 녹음 도중 자료가 부족해지자 램버트는 타운센드가 그 공백을 메우기 위해 "미니 오페라"를 써야 한다고 제안했습니다. 타운센드는 처음에는 반대했지만 결국 그렇게 하기로 동의했고, 짧은 음악을 연속적인 이야기로 결합한 "A Quick One, He's Away"를 생각해 냈습니다.[8] 1967년 동안, 타운센드는 피아노 연주법을 배웠고, 그의 작업을 더 진지하게 받아들이면서 피아노에 곡을 쓰기 시작했습니다.[9] 그 해의 The Who Sell Out은 마지막 트랙인 "Rael"에 미니 오페라를 포함시켰는데, 이 곡은 "A Quick One..."과 같은 음악적 세그먼트들이 결합된 모음곡이었습니다.[10]

제가 희망하는 패키지는 "청각아, 덤 앤 블라인드 보이"입니다. 귀머거리, 벙어리, 장님으로 태어난 아이에 대한 이야기입니다. 그 아이에게 일어나는 일은 평생에 걸쳐... 하지만 정말 중요한 것은... 그는 기본적으로 우리가 음악으로 해석하는 진동으로 사물을 보고 있습니다. 그것이 우리가 정말로 하고 싶은 것입니다. 음악을 들을 때 실제로 그 소년을 인식할 수 있고, 그 소년이 무엇인지를 인식할 수 있다는 느낌을 만들어냅니다. 왜냐하면 우리가 연주하는 동안 그를 창조하기 때문입니다."

Pete Townshend talking to Jann Wenner, August 1968[11]

1968년까지 타운센드는 후가 음악적으로 어떻게 발전해야 하는지 확신하지 못했습니다. 그 그룹은 더 이상 10대가 아니었지만, 그는 그들의 음악이 관련이 있기를 원했습니다.[12] 그의 친구인 International Times의 예술감독 Mike McInnerney는 그에게 인도의 정신적인 멘토인 Meher Baba에 대해 말했고,[13] Townshend는 Baba의 연민, 사랑 그리고 자기성찰의 가치관에 매료되었습니다.[14] 더 후의 상업적 성공은 싱글 "Dogs"가 20위권 내에 진입하지 못한 후에 진행되었고, 밴드가 해체될 수 있는 진정한 위험이 있었습니다.[15] 이 그룹은 여전히 라이브로 좋은 공연을 했고 봄과 여름의 대부분을 미국과 캐나다를 순회하며 [16]보냈지만, 그들의 무대 연기는 타운센드가 기타를 부수거나 키스 문이 드럼을 철거하는 것에 의존했고, 이로 인해 그룹은 빚더미에 오르게 되었습니다. 타운센드와 키트 램버트는 히트 싱글과 새로운 무대 쇼보다 음악을 위해 더 큰 차량이 필요하다는 것을 깨달았고, 타운센드는 메헤르 바바에 대한 그의 사랑을 이 개념에 포함시키기를 원했습니다.[17] 그는 고립된 상태에서 잘 버티고 있지만 앨범 전체에 응집력을 형성한 일련의 곡들을 더 후가 녹음해야 한다고 결정했습니다. 그는 또한 비틀즈나 비치 보이스와 같은 밴드들이 라이브 공연을 위해 고안되지 않은 스튜디오 출력을 생산하는 추세에 대응하기 위해 이 자료를 콘서트에서 공연하기를 원했습니다.[18]

1968년 8월, 롤링 스톤과의 인터뷰에서 타운센드는 새로운 록 오페라에 대해 이야기했고 11페이지에 달하는 전체 줄거리를 매우 자세히 묘사했습니다.[19] 그 후에 WHO 전기 작가인 데이브 마쉬는 인터뷰에서 완성된 앨범보다 이야기를 더 잘 묘사했다고 말했습니다.[20] 타운센드는 나중에 너무 많은 세부 사항을 발표한 것을 후회했습니다. 그는 그것이 그에게 그 청사진에 따라 앨범을 쓰게 했다고 느꼈기 때문입니다.[21] 그러나 나머지 사람들은 이 아이디어에 열광했고, 그가 이 프로젝트를 예술적으로 통제할 수 있도록 했습니다.[22]

녹음

더 후는 1968년 9월 19일 IBC 스튜디오에서 음반 녹음을 시작했습니다.[23] 이 시점에서 농아, 덤 앤 블라인드 보이, 어메이징 저니, 우주로의 여행, 브레인 오페라, 옴니버스 등으로 다양하게 지칭되는 확고한 제목은 없었습니다. Townshend는 Tommy가 영국의 흔한 이름이고 1차 세계대전의 군인들의 별명이었기 때문에 결국 Tommy에게 정착했습니다.[24] Kit Lambert가 제작을 맡았고 Damon Lyon-Shaw가 엔지니어로 참여했습니다. 세션은 오후 2시부터 10시까지 블록 예약이 되었지만, 녹음은 종종 이른 아침까지 흘러 넘쳤습니다.

이 음반은 8트랙 시스템을 사용하여 녹음되었으며, 이로 인해 다양한 악기들이 오버더빙될 수 있었습니다. 타운센드는 스튜디오에서 여러 기타를 사용했지만 깁슨 J-200 어쿠스틱과 깁슨 SG를 특별히 사용했습니다.[25] 타운센드는 피아노와 오르간을 연주했고 베이시스트 존 엔트위슬은 프렌치 혼을 이중으로 연주했습니다. Keith Moon은 Roadie Tony Hasslam이 소유한 새로운 더블 베이스 드럼 키트를 사용했습니다.[23] 프리미어가 반복적으로 사용되는 아이템 때문에 더 이상의 장비를 빌려주지 않았기 때문입니다. 타운센드가 대부분의 곡을 썼지만 편곡은 밴드 전체에서 이루어졌습니다. 가수 로저 돌트리는 나중에 타운센드가 종종 반쯤 완성된 데모 녹음과 함께 왔다면서 "우리는 아마도 녹음을 하는 만큼 이야기를 많이 하고 편곡과 것들을 분류했을 것"이라고 덧붙였습니다.[26] 타운센드는 엔트위슬에게 괴롭힘과 학대라는 어두운 주제를 다룬 두 곡("Cousin Kevin"과 "Fiddle About")을 작곡해달라고 요청했습니다. "토미의 홀리데이 캠프"는 키스 문이 토미가 어떤 종교 운동을 이끌 수 있는지에 대해 제시한 것이었습니다. 음악은 타운센드가 작곡하고 연주했지만, 문씨는 이 아이디어를 제안한 것에 대해 작사상을 받았습니다.[27] 상당한 양의 자료는 이전의 녹음보다 가벼운 스타일을 가졌고, 보컬에 더 큰 두각을 나타냈습니다. 문 후보는 이후 "그 당시는 매우 비호리크(un-holike)였습니다. 노래들이 되게 부드러웠어요. 우리는 결코 그렇게 경기한 적이 없습니다."[28]

자료 중 일부는 이미 다른 프로젝트를 위해 작성되었습니다. 〈Sensation〉은 1968년 초 타운센드가 후즈 오브 더 오스트레일리아 투어에서 만난 한 소녀에 대한 이야기이고, 〈Welcome〉과 〈I'm Free〉는 메허 바바를 통해 발견된 평화에 대한 이야기이며, 〈Sally Simpson〉은 폭력으로 얼룩진 문들과의 공연을 기반으로 했습니다.[29] 다른 곡들은 더 후가 이전에 녹음하고 재활용했습니다. 〈It's A Boy〉는 〈The Who Sell Out〉의 아웃테이크인 〈Glow Girl〉에서 따온 것이고, 〈Sparks〉와 〈Underture〉는 〈Rael〉의 악기 주제 중 하나를 재사용하고 확장했습니다.[30] 타운센드에 따르면, "놀라운 여행"은 오페라의 "절대적인 시작"이었고 전체 줄거리를 요약했습니다.[30] "호커"는 소니 보이 윌리엄슨의 "눈먼 자에게 눈을"의 커버였습니다. Mercy Dee Walton의 "One Room Country Shack"의 커버도 녹음되었지만 타운센드가 이를 줄거리에 포함시킬 방법을 찾지 못함에 따라 최종 트랙 목록에서 폐기되었습니다.[31]

IBC에서의 녹음은 완전한 줄거리와 완전한 노래 모음이 부족했기 때문에 느렸습니다. 이 그룹은 크리스마스까지 앨범이 준비되기를 바랐지만 세션은 시간을 끌었습니다. Melody Maker의 Chris Welch는 11월에 IBC 스튜디오를 방문했고 작업 환경과 재료에 깊은 인상을 받았지만 [32]프로젝트에는 여전히 제목이 없었고 일관된 줄거리가 없었습니다.[27] 더 후즈의 미국 음반 회사인 데카 레코드는 신제품을 기다리느라 너무 조급해 편집 앨범인 매직 버스를 발매했습니다. 롤링 스톤의 그릴 마커스로부터 빈약한 소재 선정과 오해의 소지가 있는 이름(앨범에는 스튜디오 녹음이 포함되어 있고 라이브가 아니었기 때문에)에 대해 신랄한 평가를 받은 후온 투어.[33]

더 후는 1968년 말 녹음을 중단하고 투어에 나섰으며, 12월 10일 롤링 스톤스 로큰롤 서커스에 출연해 호평을 받았습니다.[34] 그들은 1969년 1월 IBC에서 세션을 재개하여 월요일부터 목요일까지 예약을 차단했지만, 더 이상의 빚을 갚지 않기 위해 주말마다 공연을 해야 했습니다.[35] 4월 말에 주요 투어가 예약되었고, 그룹의 경영진은 누가 매진을 기록한지 1년이 훨씬 지났기 때문에 그 때까지 앨범을 끝내야 할 것이라고 주장했습니다.[36] 킷 램버트는 토미(Tommy, 1914-1984)라는 대본을 썼고, 그는 전문적으로 인쇄하여 밴드에 복사본을 주었고, 그들이 스토리라인에 집중하는 것을 도왔고, 또한 앨범을 더블로 만들기로 결정했습니다.[35] 램버트는 이 곡에 적절한 서곡이 있어야 한다고 주장했고,[36] 타운센드는 핀볼 팬인 닉 콘이 뉴욕 타임즈에서 이 음반에 호의적인 리뷰를 할 수 있도록 "핀볼 마법사"[37]를 썼습니다. 램버트는 이 음반에 오케스트라가 출연하기를 원했지만, 타운센드는 이 아이디어에 강하게 반대했고, 시간과 예산의 제약은 어쨌든 그럴 수 없다는 것을 의미했습니다.[36]

1969년 3월까지 몇몇 곡들은 여러 번 녹음되었지만 타운센드는 여전히 누락된 곡들이 있다고 생각했습니다.[38] 엔트위슬은 녹음에 진저리가 났고, 나중에 "우리는 계속해서 돌아가서 숫자들을 되살려야 했다..."라고 말했습니다. 그것은 우리를 화나게 하기 시작했습니다."[25] 마지막 녹음은 "핀볼 마법사"가 싱글로 발매된 같은 날인 3월 7일에 이루어졌습니다.[39] 이 그룹은 싱글 앨범의 투어 리허설과 홍보 활동을 시작했고 램버트는 카이로로 휴가를 갔습니다. 혼합은 Damon Lyon-Shaw와 보조 엔지니어 Ted Sharp에게 맡겨졌습니다. 그는 IBC가 그 일에 잘 적합하다고 생각하지 않았습니다.[40] 이 앨범은 스테레오 마스터링이 이달 말까지 계속되면서 4월 마감일을 초과 달성했습니다.[41]

출고 및 접수

커버 아트워크를 둘러싼 지연 끝에 토미는 1969년 5월 19일 데카에 의해 미국에서, 5월 23일 트랙 레코드에 의해 영국에서 발매되었습니다.[42] 원래 더블 앨범은 음반 변경자를 수용하기 위해 한쪽 디스크에 1면과 4면, 다른 쪽 디스크에 2면과 3면으로 구성되었습니다.[43]

이 음반은 영국 음반 차트에서 2위에 오르며 상업적으로 성공을 거두었습니다. 1969년 미국에서 7위로 정점을 [44]찍었지만, 1970년 차트에 다시 진입했고, 그 당시에는 4위로 정점을 찍었습니다.[45] 미국에서만 첫 2주 동안 20만 장이 팔렸고, 8월 18일 50만 장의 판매고로 골드 레코드를 수상했습니다.[46] 〈Pinball Wizard〉, 〈I'm Free〉, 〈See Me, Feel Me〉는 싱글로 발매되어 라디오에서 방송되었습니다. "핀볼 마법사"는 미국에서 20위 안에 들었고 영국에서 5위 안에 들었습니다. "See Me, Feel Me"는 미국에서 20위 안에 들었고 "I'm Free"는 40위 안에 들었습니다. 1970년 11월에 영국에서 음반을 선택한 EP가 발매될 예정이었으나 철회되었습니다.[47] 2012년 현재 토미는 전 세계적으로 2천만 장을 팔았습니다.[25][48]

이 음반이 발매되었을 때, 비평가들은 이 음반이 명작이라고 생각하는 사람들과 새로운 장르의 시작이라고 생각하는 사람들, 그리고 그것이 착취적이라고 생각하는 사람들로 나뉘었습니다. 이 음반은 BBC와 일부 미국 라디오 방송국과 적대적인 반응을 보였는데, 토니 블랙번은 "핀볼 마법사"를 "혐오스럽다"고 묘사했습니다.[41] 그럼에도 불구하고 BBC 라디오 1은 5월 초에 앨범의 사전 복사를 받았고 5월 3일 피트 드러먼드의 쇼에서 첫 방송을 했습니다.[43] 타운센드는 그가 줄거리를 설명하려고 시도한 인터뷰와 함께 앨범 발매를 홍보했습니다. 불행하게도, 메헤르 바바의 정신적 계율이라는 추상적인 개념을 근본적으로 다루었기 때문에, 인터뷰는 종종 혼란스럽고 모순되는 세부 사항을 제공했습니다.[49]

멜로디 메이커의 경우, Chris Welch는 Ronnie Scott's에서 열린 앨범의 프레스 런칭 쇼에 참석했고, 비록 그 볼륨이 그의 귀를 20시간 동안 울렸지만, 그는 "우리는 더 많은 것을 원합니다"라고 결론지었습니다. 디스크 앤 뮤직 에코는 "Who's Tommy: A Masterpiece"라는 1면 제목을 달았습니다.[46] 비평가들과 팬들은 줄거리 때문에 혼란을 겪었지만, 키트 램버트는 이것이 토미를 한 세기 전의 리하르트 바그너나 자코모 푸치니의 오페라 못지 않게 혼란스럽게 만들었다고 지적했습니다.[50] 1969년 빌리지 보이스(The Village Voice)의 칼럼에서 음악 평론가 로버트 크리스트가우(Robert Christgau)는 '발명의 어머니들'의 'We're Only in It for the Money'를 제외하고, 토미는 록 음악에서 최초로 성공한 '확장 작업'이지만, 타운센드의 패러디적인 면은 프랭크 자파(Frank Zappa)보다 더 "심대하고 모호하다"고 말했습니다. 그는 타운센드가 각 곡을 개별적으로 즐길 수 있도록 의도적으로 앨범을 구성한 점을 높이 평가하며 "자신의 특수성을 묻어두지 않고 관객들이 원하는 것을 주려 한다"고 각오를 다졌습니다.[51] 라이프 잡지에 기고하는 앨버트 골드만은 후가 가장 현대적인 "심각한" 록의 반대되는 하드 록 스타일로 이야기의 "모든 꼬인 복잡성"을 연기한다고 말했습니다. 골드만은 혁신, 성능 및 "시어 파워"를 기반으로 토미가 스튜디오에서 녹음한 록에서 다른 어떤 것도 능가한다고 주장했습니다.[52] 로버트 크리스트가우는 재즈 & 팝 잡지의 연말 리스트에서 토미를 1969년 최고의 앨범으로 선정했습니다.[53]

유산 및 재평가

회고적 전문가 리뷰
리뷰점수
원천순위
올뮤직[54]
대중음악 백과사전[55]
뮤직하운드 록4/5[56]
Q[57]
로버트 크리스트가우아-[58]
롤링 스톤[59]
롤링 스톤 앨범 가이드[60]
Tom Hull – 웹에서아-[61]
자르지 않음[62]

음악 저널리스트 리치 언터버거(Richie Unterberger)에 따르면, 토미는 현대 비평가들에 의해 WHO의 돌파구로 환영을 받았다고 합니다.[54] 로버트 크리스트가우는 1983년에 "토미의 오페라적인 가식이 너무 투명해서 몇 년 동안 타운센드의 음악적 아이디어가 그의 가사를 따라잡지 못할 것이라고 추측하는 것이 안전해 보였습니다."[63]라고 썼습니다. 언터버거는 올뮤직에 대한 그의 리뷰에서 이 음반은 약간의 결함에도 불구하고 "적절하게 강력한 은총"으로 스며든 "많은 훌륭한 노래"를 가지고 있는 반면, 타운센드의 긴 이야기를 고안하는 능력은 "록 음악의 새로운 가능성"을 도입했다고 말했습니다.[54] 언컷은 이 음반이 " 도중에 많은 것을 성취하긴 하지만 그것의 야망을 잘 실현하지는 못한다"고 썼으며, 이 음반이 그들의 후기 음반인 쿼드로페니아만큼 잘 개발되지 않았다고 느꼈습니다.[62] The Rolling Stone Album Guide (2004)에 글을 쓴 마크 켐프는 "돌이켜보면 토미는 원래 과장되었던 명작이 아니다"라고 느꼈지만, 타운센드 때문에 몇 곡의 "신선한 클래식 곡"을 만들어냈지만, 더 후 셀아웃(Who Sell Out)이 더 낫다고 제안했습니다.[64] 2004년 롤링스톤의 맥 랜들은 "록 오페라는 요즘에는 웃을 수 있는 개념처럼 보일지 모르지만, 1969년 누가 토미를 통해 그것을 세상에 가져왔을 때는, 그것은 타의 추종을 불허하는 스릴이었다"고 더욱 긍정적인 평가를 내리고 있습니다. "거의 35년이 지난 지금도 이 고전적인 돌촉석은 여전히 마음을 사로잡을 수 있는 힘을 가지고 있습니다."[65]

1998년, 이 음반은 "역사적, 예술적, 중요한 가치"로 그래미 명예의 전당에 헌액되었습니다.[48] 2000년에는 콜린 라킨의 역대 톱 1000 앨범에 52위로 선정되기도 했습니다.[66] 2003년, 롤링 스톤 잡지는 토미를 역대 가장 위대한 앨범 500개 목록에 96위로 [67]선정했고, 2012년 개정된 목록에서 등급을 유지했으며,[68] 2020년 목록에서 190위로 다시 순위를 매겼습니다.[69] 이 앨범은 '죽기 전에 꼭 들어야 할 앨범 1001'에 수록될 '후'의 여러 앨범 중 하나입니다.[70]

음악 평론가 마사 베일즈에 따르면 토미는 록 오페라라는 제목이 시사하듯이 록과 클래식 음악을 섞지 않았고, 대신 "후의 성숙한 스타일, 즉 심오하고 리드미컬한 단조로운 하드 록에 의해 지배되었다"고 합니다.[71] 베일즈는 1960년대 후반의 문화적 풍토 때문에 당시의 아트 록 "콤보"보다 관객들에게 더 수용되었다고 주장했습니다: "토미는 독단적인 무소르그스키보다 하드 록으로 구성되어 있기 때문에 더 진정한 것으로 여겨졌습니다. 예술 록의 전형적인 유사낭만적 주제(fairy인 행복과 종말론적 불안)를 피하고 대중문화 자체의 보다 최신 주제를 선호합니다." 하이 피델리티 잡지는 또한 후의 앨범을 오페라의 "합리적으로 하드 록 버전"이라고 묘사했습니다.[72]

데이브 마쉬(Dave Marsh)는 이 앨범의 내러티브의 문제점은 가사가 제공하는 과도기적인 자료가 충분하지 않다는 것이라고 생각했습니다. 무대 연출도 없고, 출연진도 없으며, 내레이션은 주요 문구(예: "Tommy Can me?")로 제한됩니다.[49] 주요 문제로는 "1921"에서 토미가 듣거나 보지 못한 것, 핀볼을 하는 방법이나 이유, "Smash the Mirror"가 "내가 당신에게 다가갈수록 압도된다"("Sensation"의 오프닝 대사), 토미는 왜 "We're not gonna take it"에서 팔로워들에게 그들은 술과 담배를 할 수 없지만 핀볼은 할 수 있다고 말하는지, 그리고 "Listening, I get the music"에서 "You"가 무엇인지를 말해줍니다.[73]

2013년 타운센드와 돌트리는 토미라는 앨범의 제작에 관한 다큐멘터리에 참여했습니다. 이 다큐멘터리의 제목은 센세이션: '후즈 토미'의 이야기와 그들과의 심층 인터뷰가 특징입니다.[74]

판본과 표지 미술

토미는 원래 마이크 맥이너니(Mike McInnerney)가 디자인한 예술작품과 함께 2LP 세트로 출시되었으며, 여기에는 이야기의 일부를 설명하기 위한 가사와 이미지를 포함한 소책자가 포함되어 있습니다. 타운센드는 1968년 9월에 토미를 위해 커버 아트워크를 해달라고 맥이너니에게 부탁했습니다.[75] 타운센드는 원래 앨런 알드리지를 표지로 생각했습니다.[75] 표지는 트리피치 스타일의 접기 커버의 일부로 제공되며 책자에는 이야기의 개요를 설명하는 추상적인 예술 작품이 포함되어 있습니다.[3] 앨범에는 모든 곡에 개별 캐릭터를 나타내는 가사가 포함되어 있지만 자세한 시놉시스를 담고 있는 콘서트 프로그램이 준비되는 줄거리를 설명하지 않았습니다.[3]

타운센드는 메허 바바의 동료 추종자인 마이크 맥이너니가 커버를 하는 데 적합한 선택이라고 생각했습니다. 녹음이 거의 끝나갈 무렵, 맥이너니는 완성된 노래와 이야기의 간략한 개요가 담긴 카세트를 여러 장 받았는데, 그는 즉시 바바의 가르침에 기반을 둔 것으로 인식했습니다.[76] 그는 귀머거리, 벙어리, 맹인 소년의 세계를 전하고 싶어했고 "특정한 제한된 비행기에서 탈출하는 일종의 자유를 묘사하기로" 결정했습니다.[77] 완성된 덮개에는 파란색과 흰색 구름 그물이 들어 있었고, 주먹이 그 왼쪽에 있는 검은 구멍에 부딪혔습니다.

한편 안쪽의 세쌍둥이에는 빛을 향해 손을 뻗은 손과 어두운 공허 속에서 빛을 비추는 빛이 보였습니다.[77] 타운센드는 녹음을 마치느라 바빠서 제대로 승인을 못했지만 키트 램버트는 이를 강력히 승인하며 잘 될 것이라고 말했습니다. 마지막 단계는 밴드의 사진이 표지에 나와야 한다는 한 가지 양보를 하면서 Polydor로부터 음반 회사 승인을 받았습니다. 이것들은 전면의 지구본에 추가되었습니다.[78] 이 사진들은 나중에 1996년 CD 리마스터 재발행에서 삭제되었습니다.[79]

토미는 1984년에 두 개의 디스크 세트로 CD로 처음 발매되었습니다.[80] 그 후 1990년, Mobile Fidelity Sound Lab은 《Smash the Mirror》에서 "Ey sight to the Blind"를 대체하여 유리에 대한 낮은 음량의 광범위한 브레이크를 특징으로 하는 이 음반의 특별한 싱글 디스크 버전을 발매했습니다.[81] 1993년 싱글 디스크 발매를 위해 에릭 랩슨에 의해 리마스터링되기도 했습니다.[82] 폴리도르와 MCA는 1996년 존 애슬리가 리믹스한 싱글 디스크에 새로 리마스터된 버전을 발매했습니다. 애슬리는 오리지널 8개의 트랙 테이프에 접근할 수 있었고, 〈크리스마스〉의 기타, 〈Sparks〉의 프렌치 혼, 〈The Acid Queen〉의 심벌즈, 〈We're Not Gonna Take It〉의 오르간 등 묻혔던 악기들을 꺼낼 수 있었습니다.[83] 이번 발매는 마이크 맥이너니의 완전한 작품과 리처드 반스의 서면 소개와 함께 나왔습니다.[78] 이번 판의 경우, 원래 음반사의 요청에 따라 배치되었던 Who's faces를 제거하기 위해 표지가 수정되었습니다.[79]

2003년 토미는 5.1 멀티 채널 믹스를 갖춘 디럭스 투 디스크 하이브리드 슈퍼 오디오 CD로 출시되었습니다. 리마스터링은 타운센드의 감독 하에 이루어졌으며, 《Dogs-Part 2》(B-Side to "Pinball Wizard"), 《Cousin Kevin Model Child》, 《Young Man Blues》 등 오리지널 앨범에 수록되지 않은 관련 자료와 마지막 런닝 오더에서 삭제된 다른 미공개 곡들도 포함되어 있습니다.[84] 롤링 스톤은 1996년 CD보다 디스코닉하게 "머키어"라고 생각했고, 오리지널 리브레토의 부재에 대해 비판적이었습니다.[65] 2013년, 토미의 슈퍼 디럭스 버전이 3CD/블루레이 박스 세트로 출시되었습니다. 패키지에는 오리지널 앨범뿐만 아니라 1969년 10월 15일 캐나다 온타리오주 오타와 캐피털 극장에서 열린 후즈 쇼에서 가져온 추가 데모와 라이브 공연이 포함되어 있습니다. 라이브 디스크는 라이브 앳 리즈를 구성했던 1970년 2월 리즈 대학 쇼를 선호하여 투어용 테이프가 불에 탔다는 오랜 신화를 밝혀냈기 때문에 중요했습니다.[85]

라이브 공연

주 기사: 토미 투어

더 후는 프로젝트를 시작할 때부터 토미를 라이브로 공연할 계획이었습니다. 이 그룹은 1969년 4월 23일 Ealing의 Hanwell Community Center에서 공연 실황 리허설을 진행했습니다.[41] 러닝 순서가 바뀌었고, 네 곡(Cousin Kevin, Underture, Sensation, Welcome)은 완전히 탈락했습니다.[86] 타운센드는 나중에 그룹이 "처음부터 끝까지 모든 것을 해냈고, 그때 우리가 처음으로 응집력 있고 플레이 가능한 무언가를 가지고 있다는 것을 깨달았습니다"[87]라고 말했습니다. 로저 돌트리의 목소리는 그룹의 초기 투어 이후 상당히 향상되었고, 그들은 그들의 새로운 라이브 활동이 그들의 경력을 완전히 바꿀 수 있다는 것을 깨달았습니다.[41]

4월 말에 몇 차례 워밍업 공연을 한 후,[43] 이 그룹은 5월 1일 런던 로니 스콧 재즈 클럽에서 언론에 프리뷰 콘서트를 열었습니다. 타운센드는 오페라의 이야기가 이해하기 어렵다는 것을 깨닫고 이야기의 개요를 설명했는데, 그 전에 누가 토미를 완전한 무대 볼륨으로 연주했습니다.[46] 다음 날, 이 그룹은 미국 투어를 시작하기 위해 뉴욕으로 날아갔고, 5월 9일 디트로이트 그란데 볼룸에서 첫 공연을 가졌습니다.[43] 5월 말, 그 그룹은 시카고의 키네틱 플레이그라운드에서 4일 밤을 연주했고, 그들은 관객들이 동시에 일어서서 계속 서 있다는 것을 알아차렸습니다. 이것은 토미의 라이브 공연이 상당한 긍정적인 반응을 나타냈다는 것을 나타냅니다.[88]

이 그룹은 투어 프로모터 프랭크 바르살로나에 의해 조직된 미국의 대형 홀을 계속 연주했고 일반적으로 축제를 피했지만 [89]8월 16일 우드스톡 축제에서 중요한 예외를 두었습니다. 밤새 바르살로나와 논쟁을 벌인 끝에, 그 밴드는 우드스톡에서 12,500달러에 공연하기로 동의했습니다.[90] 축제는 늦게 진행되었고 후는 8월 17일 이른 아침까지 무대에 오르지 않았습니다. 《핀볼 마법사》에서 애비 호프만은 존 싱클레어의 투옥에 대해 항의하기 위해 무대에 올랐다가 타운센드에게 쫓겨났고, 《See Me, Feel Me》에서는 거의 신호를 보낸 것처럼 해가 떴습니다.[91] 2주 후, 이 그룹은 이용 가능한 가장 큰 라이브 PA 중 하나를 사용하여 두 번째 아일 오브 와이트 페스티벌을 진행했습니다.[92] 비록 언론의 관심이 1966년 이후 밥 딜런이 그의 첫 번째 주요 라이브 콘서트를 연주하는 것에 집중되었지만, 후는 쇼를 훔쳤습니다. 타운센드는 나중에 "우리는 토미와 함께 했던 무대 연기가 투어에서 여러 번 효과가 있었기 때문에 어떤 상황에서도 효과가 있을 것이라는 것을 알고 있습니다."[93]라고 말했습니다.

1970년까지 토미는 메트로폴리탄 오페라 하우스에서 라이브로 공연될 만큼 충분한 평단의 찬사를 받았습니다.

토미는 올해 남은 기간과 1970년까지 후즈 라이브 세트장에 남아 있었습니다. 1969년 10월, 더 후는 6개의 쇼를 필모어 이스트에서 연주했고, 그곳에서 레너드 번스타인은 그들의 새로운 음악에 대해 칭찬했습니다.[94] 12월 14일 런던 콜리세움에서 열린 이 그룹의 쇼는 토미의 미래를 위해 촬영되었습니다.[95] Lambert는 Tommy가 진지하게 받아들여지기를 열망했고 Who가 오페라 하우스에서 공연하기를 원했습니다.[96] 1970년 6월, 이 그룹은 메트로폴리탄 오페라 하우스에서 두 번의 공연을 했는데, 타운센드가 이 공연을 "최후의 토미"라고 발표한 것은 처음이었습니다.[97] 이 그룹은 와이트 섬으로 두 번째 여행을 가, 1970년 8월 29일에 열린 축제에 60만 명의 관객 앞에서 모습을 드러냈습니다.[86] 1970년 마지막 라이브 공연은 12월 20일 런던 라운드하우스에서였습니다. 타운센드는 "우리가 토미를 무대에서 연기하는 것은 이번이 마지막이다"라고 말했고, 키스 문은 즉시 "그것에 대해 그리스도께 감사드립니다!"[98]라고 울었습니다.

토미를 포함한 후즈의 콘서트에 대한 대중의 반응은 압도적으로 긍정적이었습니다. 이 투어는 음반이 대중의 주목을 받고 밴드의 빚을 청산하는 데 도움이 되었습니다.[99] 1969-70년 후즈의 투어에서 토미의 여러 라이브 녹음이 공개되었습니다. 완전한 공연은 1970년 2월 14일에 녹음된 라이브 앨범 Live at Leeds의 2002 Deluxe Edition에서 볼 수 있습니다. 두 번째 아일 오브 와이트 공연은 1996년에 발매된 라이브 아일 오브 와이트 페스티벌 1970에서 볼 수 있습니다.[86] 콜리세움 극장 공연은 2007년 비디오 공개된 'At Kilburn 1977 + Live at the Coliseum'에서 볼 수 있습니다. 토미의 우드스톡 공연의 일부는 다큐멘터리 '우드스톡'과 '아이들은 괜찮아'를 통해 공개되었습니다.[100]

The Who는 1970년대 내내 그 이후의 투어에서 토미의 소규모 곡을 계속 연주했습니다.[101] 그들은 1989년 재결합 투어에서 토미를 20주년 기념으로 부활시켰고, 이전에 간과했던 "Cousin Kevin"과 "Sensation"을 부활시켰지만 여전히 "Underture"와 "Welcome"은 생략했습니다. 이 투어의 녹음은 Join Together 라이브 앨범과 Tommy and Quadrophenia 라이브 DVD에서 확인할 수 있습니다. 로스앤젤레스 버전의 이 쇼에는 어니 삼촌 역으로 필 콜린스, 애시드 퀸 역으로 패티 라벨, 호커 역으로 스티브 윈우드, 핀볼 마법사 역으로 엘튼 존, 사촌 케빈 역으로 빌리 아이돌이 출연했습니다.[102][103]

기타화신

1970년 캐나다 레그랑스 발레단

1970년 몬트리올 발레단 Les Grands Ballets Canadiens의 Ferdinand Nault는 Tommy의 첫 번째 춤 기반 각색을 만들었습니다.[104] 발레 공연은 1971년 4월 뉴욕에서 순회공연을 가졌으며, 이 공연에는 퀘벡 영화국의 빛 쇼와 그에 수반되는 영화들이 포함되었습니다.[105][106]

1971년 시애틀 오페라 공연

1971년, 감독 리처드 펄먼이 지휘하는 시애틀 오페라는 시애틀의 무어 극장에서 토미를 완전히 무대에 올린 최초의 전문적인 작품을 제작했습니다. 제작에는 애시드 퀸과 워커 부인 역을 맡은 베트 미들러와 시라큐스, 뉴욕 밴드 컴스톡, Ltd.의 음악이 포함되었습니다.[107]

런던 심포니 오케스트라 버전

주 기사: 토미 (런던 심포니 오케스트라 앨범)

1972년 12월 9일, 기업가 루 리즈너는 런던 레인보우 극장에서 토미의 콘서트 버전을 선보였습니다. 같은 날 저녁에 두 번의 공연이 있었습니다. 콘서트에는 데이비드 메샴이 지휘하는 런던 심포니 오케스트라의 지원을 받는 후(Who)와 게스트 출연진이 출연했습니다.[108] 콘서트는 이 토미의 교향곡 버전의 새로운 스튜디오 녹음의 발매를 홍보하기 위해 열렸습니다.[109]

앨범과 콘서트에는 그레이엄 벨(애인 역), 매기 벨(어머니 역), 샌디 데니(간호사 역), 스티브 윈우드(아버지 역), 로드 스튜어트(로컬 래드 역), 리치 헤이븐스(호커 역), 메리 클레이튼(애시드 퀸 역), 링고 스타(어니 삼촌 역) 등 스타 출연진이 총출동했습니다. 타운센드는 기타를 연주했지만, 그 외의 음악은 주로 관현악이었습니다.[110] 리처드 해리스는 음반에서 닥터 역을 맡았지만, 무대 연출을 위해 피터 셀러스로 대체되었습니다. 1973년 12월 13일과 14일에 두 번째 공연이 열렸고, 데이비드 에섹스(내레이터), 엘키 브룩스(마더), 로저 채프먼(아버지), 마샤 헌트(간호사), 빌 오디(카빈 사촌), 비비안 스탠샬(어니 삼촌), 로이 우드(로컬 래드 역)와 존 퍼트위(의사 역).[111]

오케스트라 버전은 1973년 3월 31일 멜버른의 마이어 뮤직 볼과 4월 1일 시드니의 랜드윅 경주장에서 두 차례 공연되기도 했습니다. 키스 문은 어니 삼촌(멜버른에서만), 그레이엄 벨은 내레이터로 출연했고, 데릴 브레이스웨이트(토미 역), 빌리 소프(로컬 래드 역), 더그 파킨슨(호커 역), 웬디 새딩턴(간호사 역), 짐 키스(애인 역), 브로더릭 스미스(아버지 역), 콜린 휴트(어머니 역), 린다 조지 (애시드 퀸 역), 로스 윌슨 (케빈 사촌 역), 바비 브라이트 (닥터 역), 이안 멜드럼 (시드니 어니 삼촌 역), 그리고 완전한 오케스트라.[112][113] 멜버른 콘서트는 1973년 4월 13일 채널 7을 통해 방송되었습니다.[114]

1975년 영화

주 기사: 토미 (1975년 영화)

1975년 토미는 호주의 해외 사업가 로버트 스티그우드가 제작하고 영국의 작가 켄 러셀이 감독한 영화로 각색되었습니다. 영화 버전에는 로저 돌트리가 토미 역으로 출연했고, 후의 다른 멤버들과 함께 토미의 어머니 역으로 앤-마그릿, 연인 역으로 올리버 리드를 포함한 조연이 출연했고, 엘튼 존, 티나 터너, 에릭 클랩튼, 아서 브라운, 잭 니콜슨이 출연했습니다. 러셀은 타운센드가 곡을 부를 수 있는 사람들을 원했지만, 특히 스티비 원더를 핀볼 마법사로 캐스팅하는 것이 허락되지 않아 실망했습니다.[115] 여러 영화관에서 이 영화는 퀸타폰 사운드라고 불리는 멀티 트랙 사운드 트랙을 지원했는데, 이 사운드 트랙은 스피커 뱅크를 집의 4사분면과 스크린 중앙 바로 뒤에 배치했습니다.[116]

타운센드는 또한 오리지널 토미 LP를 위해 키트 램버트가 상상했던 녹음되지 않은 오케스트라 편곡이 신디사이저의 광범위한 사용으로 실현된 사운드 트랙 앨범의 제작을 감독했습니다.[117] 그는 지난 12월 후즈 1973년 미국 투어 직후부터 사운드트랙 앨범 작업을 시작했고, 이후 4개월 동안 거의 꾸준히 작업했습니다.[115] 더 후 뿐만 아니라, 이 영화의 음악 트랙과 오리지널 사운드 트랙 LP도 케일럽 퀘이, 로니 우드, 니키 홉킨스, 크리스 스테이튼, 그리고 존 "토끼" 번드릭을 연상시키는 오래된 후를 포함한 여러 세션 음악가들을 고용했습니다.[118] 키스 문이 스타더스트의 촬영에 전념했기 때문에 케니 존스(1978년 문이 사망한 후 후 후즈 드러머로 취임)는 사운드트랙 앨범의 많은 부분에서 드럼을 연주했습니다.[119]

"핀볼 마법사"는 싱글로 발매되었을 때 큰 히트를 쳤습니다. 영화의 이 시퀀스는 엘튼 존이 후(파운드 노트 정장을 입고)의 지원을 받는 모습을 묘사합니다.[120] 밴드는 촬영을 위해 핀볼 마법사의 밴드를 연기했지만 음악 트랙과 사운드 트랙 앨범에서는 음악이 전적으로 그와 그의 정규 투어 밴드에 의해 연주되었습니다.[118] 엑스트라의 대부분은 포츠머스 폴리테크닉의 학생들이었고, 촬영이 끝난 후 후 후 콘서트 티켓으로 지불되었습니다.[121]

이 영화와 사운드트랙 앨범에는 타운센드가 작사한 6곡의 신곡이 수록되었으며, 오리지널 앨범과 비교하여 러닝 오더를 변경했습니다. 영화 사운드트랙의 CD 재발행에는 추가 서곡도 포함되어 있습니다.[122]

무대 뮤지컬

주 기사: 더 후즈 토미

1991년, 타운센드는 자전거 사고로 손목이 부러져 기타를 연주할 수 없었습니다. 요양하면서 대체 작업을 찾던 그는 토미의 무대 뮤지컬 각색에 대한 권리를 달라는 PACE Theatrical Group의 요청에 응했습니다. 이 그룹은 그를 라호야 플레이하우스 감독 데스 맥아누프에게 소개했고, 두 사람은 뮤지컬을 함께 개발하기 시작했습니다. 1992년 여름 라호야(La Jolla)에서 문을 열었고 즉각적인 상업적 성공을 거두었습니다.[123] 타운센드는 토미의 부모 사이의 관계를 설명하기 위해 신곡 "I Believe My Own Eyes"를 작곡했지만, 그렇지 않은 경우에는 오리지널 앨범의 음악에 충실하려고 노력했습니다.[124]

로저 돌트리와 존 엔트위슬은 [125]이 쇼가 너무 수동적이라고 생각한 반면, 이 뮤지컬은 비평가들의 엇갈린 반응을 보였습니다.[124] Rolling Stone에 기고하고 있는 Anthony DeCurtis는 오케스트라 드러머가 "Keith Moon의 파트를 재현해야 하는 감사할 수 없는 일"을 했다고 말했습니다.[126] 타운센드와 데스 맥아누프는 타이틀 캐릭터의 어두운 면을 보여주기 위해 라호야에서 브로드웨이로 이동할 때 뮤지컬의 일부를 다시 썼습니다.[127] 맥어너프는 1993년 토니상 최우수 감독상을 수상했고, 웨인 실렌토는 최우수 안무상을 수상했습니다.[128] 브로드웨이 공연은 1993년부터 1995년까지 계속되었습니다.[129] 맥어너프는 스트랫포드 셰익스피어 페스티벌의 2013 시즌 동안 토미를 다시 방문했고,[130] 토셴드의 의견으로 2024년 브로드웨이로 [131][132]이전할 일리노이주 시카고의 굿맨 극장에서 2023년 부활을 공연했습니다.[133][134]

로저 돌트리 라이브 오케스트라 버전

주 기사: 더 후즈 토미 오케스트라

2018년 달트레이는 Who 밴드의 멤버들과 키스 레벤슨이 지휘하는 오케스트라와 함께 토미의 풀 버전을 공연하며 미국을 순회했습니다. 오리지널 앨범 발매 50주년을 맞아 2019년 6월 14일 라이브 콘서트 녹음이 공개되었습니다. 이 라이브 앨범은 원래 우드스톡 축제가 열렸던 곳인 뉴욕 베델에서 공연됐고 헝가리의 레벤슨이 부다페스트 스코어링 오케스트라와 함께 녹음한 새로운 오케스트라 백이 연주됐습니다.[135][136]

트랙리스트

트랙 이름과 타이밍은 에디션마다 다릅니다. 어떤 에디션은 두 트랙이 하나로 합쳐지고 그 반대의 경우도 있습니다. 예를 들어, "See Me, Feel Me"는 "We're Not Gonna Take It"의 후반부이지만, 2003년 디럭스 에디션에 싱글로 수록된 자신의 트랙입니다.[81]

모든 트랙은 특별한 언급이 없는 한 피트 타운센드가 작곡했습니다.

사이드 원
No.제목글쓴이리드보컬길이
1."Overture" 타운센드3:50
2.소년입니다 타운센드2:07
3."1921" 타운센드, 존 엔트위슬과 로저 돌트리가 코러스를 맡았습니다.2:49
4.어메이징 저니 달트리3:25
5."스파크" 기악의2:05
6.호커소니 보이 윌리엄슨 2세달트리2:13
총 길이:18:09
사이드 투
No.제목글쓴이리드보컬길이
1.크리스마스 돌트리, 타운센드 온 브리지4:34
2.커신 케빈존 엔트위슬타운센드 앤 엔트위슬4:06
3.애시드 퀸 타운센드3:34
4."언더츄어" 기악의10:04
총 길이:22:18
사이드 쓰리
No.제목글쓴이리드보컬길이
1."괜찮다고 생각하십니까?" 타운센드 달트리0:24
2."피들 어바웃"엔트위슬엔트위슬1:31
3.핀볼 마법사 돌트리, 타운센드 온 브리지3:00
4.닥터가 있어요 타운센드, 엔트위슬과 달트리와 함께0:23
5."거울로 가!" 돌트리, 타운센드 온 브리지3:47
6."타미, 들려요?" 타운센드, 엔트위슬, 달트리1:35
7."거울을 박살내라" 달트리1:34
8.센세이션 타운센드2:27
총 길이:14:41
사이드 포
No.제목글쓴이리드보컬길이
1.기적의 치료법 타운센드, 엔트위슬, 달트리0:12
2.샐리 심슨 달트리4:10
3."아임 프리" 달트리2:39
4."어서오세요" 달트리, 타운센드 온 브리지, 엔트위슬 온 구어4:32
5.토미의 휴가 캠프키스 문문, 타운센드와 함께0:57
6."우리는 그것을 받아들이지 않을 것입니다." 타운센드와 엔트위슬이 있는 돌트리7:06
총 길이:19:36

인사

더 후

차트

1969년 토미의 차트 성적
차트(1969) 절정
위치
오스트레일리아 음반 (켄트 뮤직 리포트)[137] 8
캐나다 탑 앨범/CD(RPM)[138] 6
네덜란드 앨범 (앨범 Top 100)[139] 5
UK 앨범 (OCC)[140] 2
미국 빌보드 200[141] 4
1976년 토미의 차트 성적
차트(1976) 절정
위치
독일어 앨범 (Offizielle Top 100)[142] 50
토미의 2002년 차트 성적
차트(2002) 절정
위치
프랑스어 앨범(SNEP)[143] 143
토미의 2013년 차트 성적
차트(2013) 절정
위치
벨기에 음반 (Ultratop Flanders)[144] 181
벨기에 음반 (울트라탑 왈로니아)[145] 175

인증서

토미 인증서
지역 인증 인증단위/판매
프랑스(SNEP)[146] 골드 100,000*
이탈리아(FIMI)[147] 골드 25,000*
뉴질랜드(RMNZ)[148] 골드 7,500^
영국 (BPI)[149]
2012년 개봉 		골드 100,000^
미국(RIAA)[150] 2X 플래티넘 2,000,000^

* 인증만 기준으로 판매 수치를 산출합니다.
^ 배송은 인증만 기준으로 계산됩니다.

참고문헌

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  2. ^ "RIAA certifications".
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  9. ^ 습지 1983, 페이지 283
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  11. ^ 습지 1983, 페이지 313, 314
  12. ^ 습지 1983, pp. 293–294.
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  18. ^ 습지 1983, 310쪽.
  19. ^ 습지 1983, 313-316쪽.
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  21. ^ 닐 & 켄트 2002, 페이지 191.
  22. ^ 닐 & 켄트 2002, 192쪽.
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  31. ^ 앳킨스 2000, 114쪽.
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  33. ^ 습지 1983, 페이지 319,320
  34. ^ 닐 & 켄트 2002, 216쪽.
  35. ^ a b 습지 1983, 324쪽.
  36. ^ a b c 습지 1983, 325쪽
  37. ^ 닐 & 켄트 2002, 221쪽
  38. ^ 습지 1983, 327쪽.
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서지학

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  • 찰스워스, 크리스와 맥이너니, 마이크, (전언) 타운센드, 피트 (2019). 토미 50세: 더 후즈 레전드 록 오페라의 분위기, 음악, 외모, 유산. 아폴로 출판사 178쪽. ISBN 978-194806-240-4

외부 링크