애니메이션의 역사

History of animation
이 기사는 전통 애니메이션의 역사에 관한 것입니다. 스톱 모션 애니메이션의 역사는 스톱 모션을 참조하십시오. 컴퓨터 애니메이션의 역사에 대해서는 컴퓨터 애니메이션의 역사를 참조하십시오.

애니메이션의 역사는 훨씬 이전에 시작되었지만, 이 기사는 1888년 셀룰로이드 필름의 출현 이후 극장 상영, 텔레비전 및 (비인터랙티브) 홈 비디오용으로 제작된 매체의 발전에 관한 것입니다.

1895년에서 1920년 사이에 영화 산업이 부상하는 동안 여러 가지 다른 애니메이션 기술이 재창조되거나 새로 개발되었습니다. 물건, 꼭두각시, 점토 또는 잘라낸 것, 그리고 그리거나 칠한 애니메이션 등이 포함됩니다. 주로 셀에 그려진 애니메이션인 손으로 그린 애니메이션은 20세기 대부분의 기간 동안 지배적인 기술이었고 전통적인 애니메이션으로 알려지게 되었습니다.

천년이 되면서 컴퓨터 애니메이션은 대부분의 지역에서 지배적인 애니메이션 기법이 되었습니다(예를 들어, 손으로 그린 애니메이션은 전 세계적으로 계속해서 매우 인기가 있었습니다. 예를 들어, 일본 애니메이션과 유럽의 손으로 그린 작품). 컴퓨터 애니메이션은 많은 다양한 애니메이션 스타일이 컴퓨터로 생성되거나 시뮬레이션되었지만 대부분 세부 음영과 함께 3차원 외관과 관련이 있습니다. 일부 작품은 플래시 애니메이션으로 인식될 수 있지만, 실제로는 비교적 2차원적인 외관, 윤곽선이 선명하고 음영이 거의 없는 컴퓨터 애니메이션은 일반적으로 "전통적인 애니메이션"으로 간주됩니다. 예를 들어, 카메라 없이 컴퓨터로 만들어진 최초의 장편 영화는 The Resurs Down Under (1990)이지만, 그 스타일은 셀 애니메이션과 거의 구별될 수 없습니다.

선대의 영향력

본문: 애니메이션의 초기 역사

애니메이션 영화는 스토리텔링, 시각 예술 및 연극의 고대 전통의 일부입니다. 영화 이전에 움직이는 이미지를 사용하는 인기 있는 기술로는 그림자 놀이, 기계식 슬라이드, 매직 랜턴 쇼(특히 팬타마고리아)의 모바일 프로젝터 등이 있습니다. 공상적인 입체 움직임 피규어가 있는 기술에는 가면과 의상, 인형극, 오토마타 등이 있습니다. 삽화가 그려진 어린이 책, 캐리커처, 정치 만화, 특히 만화는 애니메이션과 밀접한 관련이 있으며 시각적 스타일과 유머 유형에 많은 영향을 미칩니다.

현대 애니메이션의 기술적 원리는 1833년에 스트로보스코프 디스크(페나키스스코프로 더 잘 알려져 있음)와 함께 도입된 스트로보스코프 운동 착시에 기반을 두고 있습니다. 평균 약 8~16장의 이미지를 가진 이 애니메이션 디스크는 보통 손으로 조작하는 "철학적 장난감"으로 가정에서 사용하기 위해 끝없는 루프로 설계되었습니다. 비록 몇몇 선구자들이 그것이 연극적인 사용을 위해 더 긴 장면에 적용될 수 있기를 바랐지만, 19세기 내내 그 기술의 더 많은 발전은 주로 입체경(1838년 도입)과 사진(1839년 도입)과의 조합에 집중되었습니다. 촬영술의 획기적인 발전은 부분적으로 현실을 실제와 같은 영화로 기록하고 재현할 수 있는 기술의 참신함에 달려 있습니다. 처음 몇 년 동안, 일부 예술가들이 인기 있고 영향력 있는 단편 애니메이션을 제작하고 제작자들이 인기 있는 만화를 만화로 바꾸기 위해 값싼 기술을 받아들이기 전까지는 애니메이션 그림을 그리는 것은 오래된 기술처럼 보였습니다.

1888–1909: 영화에 관한 최초의 애니메이션

Pauvre Pierrot (1892) 리페인팅 클립

테아트르 옵티크

주요 기사: 테아트르 옵티크

찰스-에밀 레이노(Charles-Emile Reynaud)는 1888년 12월에 특허를 받은 두 개의 스풀 사이에 감긴 긴 구멍이 뚫린 스트립에 투명한 손으로 그린 다채로운 그림이 있는 테아트르 옵티크(Théattre Optique)에 투영 프락시노스코프를 개발했습니다. 1892년 10월 28일부터 1900년 3월까지 레이노는 파리 그레뱅 박물관에서 총 50만 명이 넘는 방문객들에게 12,800개가 넘는 쇼를 제공했습니다. 그의 팬터마임 루미네우스 시리즈의 애니메이션 영화들은 각각 한 편당 10분에서 15분 동안 앞뒤로 조작된 300개에서 700개의 프레임을 포함하고 있습니다. 배경 장면이 별도로 투사되었습니다. 피아노 음악, 노래, 그리고 약간의 대화가 라이브로 연주되었고, 일부 효과음은 전자석과 동기화되었습니다. 첫 번째 프로그램은 세 개의 만화를 포함했습니다: Pauvre Pierrot (1892년에 창작), Unbonbock (1892년에 창작, 지금은 분실), Le Clown et ses chiens (1892년에 창작, 지금은 분실). 나중에 Autour d'une cabine (1894년 창작)과 Arèveau coin dufeu (1894년 창작)라는 제목이 공연의 일부가 되었습니다.

표준화상필름

레이노 영화의 성공에도 불구하고, 1895년 뤼미에르 시네마토그래프가 도입된 이후 영화 산업에서 애니메이션이 채택되기까지는 시간이 좀 걸렸습니다. 조르주 멜리에스의 초기 판타지 영화와 트릭 필름(1896년에서 1913년 사이에 개봉됨)은 때때로 애니메이션과 다소 유사한 요소를 포함하는데, 그 중에는 채색된 배경 앞에서 옮겨진 채색된 소품이나 채색된 생물(주로 와이어를 사용함), 손으로 채색한 영화 등이 포함됩니다. 멜리에스는 또한 1895년 토마스 에디슨의 "메리 스튜어트의 처형"에서 이미 사용되었고 아마도 몇 년 후에 스톱 모션 애니메이션의 개발로 이어졌던 촬영 사이에 장면에 한 번의 변경으로 스톱 트릭을 대중화했습니다.[1] 영화관에 제대로 된 애니메이션 영화가 나오기 전인 1906년까지 지속된 것으로 보입니다. 애니메이션으로 추정되는 일부 초기 영화의 연대는 논란이 되고 있으며, 스톱 모션이나 다른 애니메이션 기법을 사용했을 수 있는 다른 초기 영화는 분실되거나 확인할 수 없습니다.

인쇄 애니메이션 필름

가쓰도 샤신 (1907년경)

1897년, 독일의 장난감 제조업체인 게브뤼더 빙(Gebrüder Bing)은 1898년 11월 라이프치히에서 열린 장난감 컨벤션에서 그들의 장난감 "키네마토그래프"[2]의 첫 프로토타입을 갖게 되었습니다. 얼마 지나지 않아, 에른스트 플랭크, 조르주 카레트, 라피에르 등 독일과 프랑스의 다른 장난감 제조업체들도 비슷한 기기들을 팔기 시작했습니다. 장난감 촬영 사진들은 기본적으로 표준 "에디슨 천공" 35mm 필름, 크랭크 및 셔터를 사용하는 한두 개의 작은 스풀로 각색된 전통적인 장난감 매직 랜턴이었습니다. 이 프로젝터는 대부분의 제조업체가 이미 프락시노스코프와 매직 랜턴을 제공하는 것과 동일한 유형의 "홈 엔터테인먼트" 장난감 시장을 대상으로 했습니다. 상대적으로 비싼 실사 영화 외에도, 제조업체들은 석판화된 그림을 인쇄함으로써 더 저렴한 영화를 많이 생산했습니다. 이 애니메이션들은 아마도 1898년이나 1899년쯤에 흑백으로 만들어졌을 것이지만, 늦어도 1902년쯤에는 컬러로 만들어졌을 것입니다. 이 사진들은 종종 실사 영화에서 추적되었습니다 (후대의 로토스코핑 기법과 매우 유사합니다). 이 매우 짧은 영화들은 일반적으로 단순한 반복적인 행동을 묘사했고 대부분은 영화의 끝을 함께 끝없이 재생하는 루프로 투영되도록 설계되었습니다. 리소그래피 프로세스와 루프 형식은 스트로보스코프 디스크, 조이트로프 및 프락시노스코프가 설정한 전통을 따릅니다.[3][4]

일본에서 가장 오래된 애니메이션 작품으로 추측되는 가쓰도 샤신 (1907년에서 1912년 사이)은 아마도 비슷한 서양 인쇄 필름 스트립을 모방하여 만들어졌을 것입니다.[5]

J. 스튜어트 블랙턴

마법에 걸린 그림 (1900)

J. Stuart Blackton은 영국계 미국인 영화 제작자였고, Vitagraph Studios의 공동 설립자였고, 그의 영화에 애니메이션을 사용한 최초의 사람들 중 한 명이었습니다. 그의 마법에 걸린 그림(1900)은 애니메이션 요소를 포함한 표준 영화 필름에 기록된 최초의 연극 영화로 간주될 수 있지만, 이것은 단지 그림의 몇 프레임의 변화에 관한 것입니다. 그것은 블랙톤이 얼굴, 시가, 와인 한 병, 유리잔의 "번개 스케치"를 하는 것을 보여줍니다. 블랙톤이 와인을 얼굴의 입에 붓고 블랙톤이 시가를 가져가면 표정이 바뀝니다. 이 영화에 사용된 기술은 기본적으로 정지 트릭이었습니다: 장면에 대한 한 번의 변경은 그림을 다른 얼굴 표정을 가진 비슷한 그림으로 대체하는 것이었습니다. 어떤 장면에서는 그려진 병과 유리가 실제 물건으로 대체되었습니다. 블랙톤은 아마도 1896년 잃어버린 번개 스케치 영화에서 같은 기술을 사용했을 것입니다.[1]

블랙턴의 1906년 영화 재미있는 얼굴들의 유머러스한 단계는 종종 표준 영화에서 가장 오래된 손으로 그린 애니메이션으로 여겨집니다. 두 얼굴이 표정을 바꾸고 일부 시가 연기가 솟구치는 모습을 보여주기 위해 프레임 사이에 칠판 그림으로 만든 시퀀스와 더 유동적인 움직임을 위해 비슷한 모양의 컷아웃 애니메이션을 특징으로 하는 두 시퀀스가 특징입니다.

알렉산드르 쉬랴예프

알렉산더 시랴예프는 러시아의 발레 무용수이자 발레 거장이자 러시아 마린스키 극장에서 활동한 안무가로 스톱 모션 애니메이션의 독자적인 발명으로 인정받고 있습니다. 1906년부터 1909년까지 인형 애니메이션, 드로잉 애니메이션 및 혼합 기술을 사용하여 러시아에서 만들어진 최초의 알려진 애니메이션 영화를 만들었습니다. 일부는 실험용으로 만들어졌지만(예를 들어, 새들이 연속적으로 줄을 지어 날아가는 모습을 보여주는 20분짜리 애니메이션), 대부분은 발레 무용수들에게 안무가 어떻게 보여야 하는지를 보여주기 위한 교육적 목적으로 만들어졌습니다. 인형 애니메이션의 길이는 1분이 조금 넘는 시간에서 10분까지 다양했습니다. 시르야예프의 영화는 대중적이지 않은 공연자들을 위해 마린스키 극장 내에서만 상영되었으며, 2003년 러시아 다큐멘터리 작가이자 발레 역사가인 빅토르 보차로프가 다양한 영화의 단편이 포함된 "뒤늦은 초연"이라는 제목의 한 시간짜리 영화를 발표하기 전까지 일반적으로 알려지지 않았습니다.

세군도 데 초몬

스페인 영화 제작자 세군도 데 초몬은 프랑스 영화사 파테를 위해 많은 트릭 필름을 만들었습니다. 1906년까지 그는 La Maison ensorcelée와[6] Letheatr de Bob[7] (둘 다 1906년 4월 미국에서 개봉)을 포함한 여러 단편 영화에서 스톱 모션을 사용했습니다. 블랙턴의 헌티드 호텔([8]1907년 2월 23일)은 라메종 엔소르셀레에 있는 것과 매우 유사한 스톱모션 요소를 포함하고 있습니다. 만약 개봉일이 정확하다면(그리고 번역된 제목이 섞이지 않았다면), 블랙턴은 그 반대가 아니라 드 쇼몬의 작품에서 영감을 얻었을 것이지만, The Hunged Hotel은 프랑스와 다른 유럽 국가들에서 큰 성공을 거두었고, 에밀 콜을 포함한 지역 영화 제작자들에게 영감을 준 영화였을 것이라고 믿어집니다. 혁신적인 애니메이션 기법으로 작업을 시작합니다.[1] 드 초몬은 또한 픽시일레이션이 있는 짧은 장면을 포함하는 관련 단편 영화인 Hottelelectrique (1908)를 만들었습니다.

에밀 콜

판타지마고리 (1908)

1907년, 프랑스 예술가 에밀 콜(Emile Cohl)은 스톱 모션 기술을 상상적으로 사용하여 [9]Japon de filmasie와 함께 영화 제작 경력을 시작했습니다. 그의 다음 단편은 전통적인 애니메이션 방법으로 알려지게 된 1908 판타지마고리를 사용한 최초의 애니메이션 영화로 여겨질 수 있습니다.[10] 영화는 크게 막대기 모양의 인물이 움직이고 꽃으로 변신하는 와인 병과 같은 모든 종류의 변형 물체와 마주치는 것으로 구성되어 있습니다. 애니메이터의 손이 현장에 들어가는 라이브 액션 섹션도 있습니다. 이 영화는 각각의 프레임을 종이에 그린 다음 각각의 프레임을 네거티브 필름에 촬영함으로써 만들어졌으며, 이는 그림에 칠판 같은 느낌을 주었습니다. 콜은 이후 1912년 뉴욕 근처 뉴저지 포트 리로 가서 프랑스 스튜디오 에클레어에서 일하며 미국에 애니메이션 기법을 전파했습니다.

1910년대: 오리지널 아티스트부터 "조립 라인" 제작 스튜디오까지

1910년대에 대규모 애니메이션 스튜디오가 생겨나기 시작했습니다. 그때부터 솔로 가수들은 대중의 눈에서 멀어졌습니다.[11] 최초의 여성 전문 애니메이터인 베시 매 켈리(Bessie Mae Kelley)는 1917년에 그녀의 경력을 시작했습니다.[12]

Winsor McCay

거티 더 공룡 (1914)

그의 가장 인기 있는 캐릭터인 리틀 니모의 1911년 단편 영화를 시작으로, 성공적인 신문 만화가 윈저 맥케이는 이전에 영화관에서 보았던 어떤 애니메이션보다 그의 손으로 그린 애니메이션에 훨씬 더 많은 세부사항을 제공했습니다. 그의 1914년 영화 공룡 게티는 드로잉 애니메이션에서 캐릭터 개발의 초기 예를 보여주었습니다.[13] 또한 실사 영상과 애니메이션을 결합한 최초의 영화였습니다. 원래, McCay는 그의 보드빌 연기에서 이 영화를 사용했습니다: 그는 스크린 옆에 서서 일련의 몸짓으로 응답하는 Gertie에게 말하곤 했습니다. 영화의 마지막에 맥케이는 프로젝션 스크린 뒤에서 만화 공룡의 등에 올라타고 프레임 밖으로 달리는 자신의 모습을 미리 녹화한 이미지로 매끄럽게 교체되었습니다.[14][15] McCay는 자신의 영화를 위해 수천 점에 달하는 그림들 중 거의 모든 것을 직접 손으로 그렸습니다.[11] 맥케이의 다른 주목할 만한 제목은 모기가 작동하는 방법 (1912)과 루시타니아의 침몰 (1918)입니다.

카툰 영화사 – 벅스턴과 다이어

1915년에서 1916년 사이에 더들리 벅스턴과 앤슨 다이어는 존 불의 애니메이션 스케치북으로 출시된 컷아웃 애니메이션을 주로 사용하여 제2차 세계 대전 동안 26개의 화제 만화 시리즈를 제작했습니다.[16] 에피소드에는 독일 전함에 의한 스카버러 포격,[17] 루시타니아 침몰 4호(1915년 6월)가 포함되었습니다.[18]

바레 스튜디오

1913년경 라울 바레(Raoul Barre)는 각 도면 아래에 두 개의 구멍을 뚫어 두 개의 고정 핀에 배치하여 도면을 정렬하는 것을 더 쉽게 만드는 페그 시스템을 개발했습니다. 그는 또한 "슬래시 앤 티어" 기법을 사용하여 모든 프레임에 대해 완전한 배경이나 다른 움직이지 않는 부분을 그릴 필요가 없었습니다. 다음 프레임을 위해 변경해야 할 부분은 도면에서 조심스럽게 잘라내고 아래 시트에 필요한 변경 사항을 채워 넣었습니다.[19] Barre가 Edison Studios에서 애니메이션 일을 시작한 후, 그는 1914년에 (처음에는 Bill Nolan과 함께) 애니메이션에 전념하는 최초의 영화 스튜디오 중 하나를 설립했습니다. Barre Studio는 인기 만화 Mutt and Jeff (1916–1926)의 각색 작품으로 성공을 거두었습니다. 이 스튜디오에는 프랭크 모저, 그레고리 라 카바, 버논 스탤링스, 톰 노튼, 팻 설리번 등 애니메이션 분야에서 주목할 만한 경력을 가진 여러 애니메이션 제작자들이 고용되었습니다.

브레이 프로덕션

1914년 존 브레이는 존 브레이 스튜디오를 열었는데, 이것은 애니메이션이 만들어지는 방식에 혁명을 일으켰습니다.[20] 브레이의 직원 중 한 명인 얼 허드(Earl Hurd)는 셀 기술에 대한 특허를 냈습니다.[21] 여기에는 투명 셀룰로이드 시트에 움직이는 물체를 애니메이션화하는 것이 포함되었습니다.[22] 애니메이터는 정지된 배경 이미지 위에서 시트를 촬영하여 이미지 시퀀스를 생성했습니다. 이것은 조립 라인 방식의 브레이의 혁신적인 사용뿐만 아니라 존 브레이 스튜디오가 최초의 애니메이션 시리즈인 Colon Heeza Liar를 만들 수 있게 해주었습니다.[23][24] 폴 테리(훗날 헤클과 제클의 명성), 맥스 플라이셔(훗날 베티 부프와 뽀빠이의 명성), 월터 랜츠(훗날 우디 우드페커의 명성) 등 많은 만화가 지망생들이 브레이에서 경력을 시작했습니다. 만화 스튜디오는 1914년경부터 1928년까지 운영되었습니다. 브레이 스튜디오의 최초의 만화 스타 중 일부는 농부 알팔파(폴 테리)와 바비 범프(얼 허드)였습니다.

허스트 인터내셔널 필름 서비스

크레이지 캣 – 곤충학자 (1916)

신문 재벌 윌리엄 랜돌프 허스트는 1916년에 국제 영화 서비스를 설립했습니다. 허스트는 대부분의 바레 스튜디오의 애니메이터들을 유인했고 그레고리 라 카바는 스튜디오의 책임자가 되었습니다. 그들은 주로 대화 풍선을 사용하여 이야기를 전달하는 동안 캐릭터들에게 약간의 동작만 제공하는 다소 제한적인 방식으로 하트 신문의 많은 만화를 각색했습니다. 가장 주목할 만한 시리즈는 아마도 많은 의인화된 만화 고양이 캐릭터와 다른 말하는 동물들 중 첫 번째인 크레이지 캣입니다. 1918년 스튜디오가 멈추기 전에는 버논 스탤링스, 벤 샤프스틴, 잭 킹, 존 포스터, 그림 냇윅, 버트 길렛, 이사도어 클라인 등 새로운 인재를 고용했습니다.

로토스코핑

1915년, Max Fleischer는 로토스코핑(rotoscoping)이라고 알려지게 된 기술에 대한 특허([25]1917년 부여)를 신청했습니다: 실사 영화 녹음을 더 쉽게 현실적인 애니메이션 움직임을 만들기 위한 기준점으로 사용하는 과정입니다. 이 기법은 존 브레이 프로덕션(및 다른 사람들을 위해 1918-1929)의 잉크웰 외 시리즈에 자주 사용되었습니다. 이 시리즈는 데이브 플라이셔(Dave Fleischer)가 광대 역할을 수행하는 실험적인 로토스코프 이미지에서 비롯되었으며, 코코 더 클라운(Koko the Clown)으로 알려지게 된 캐릭터로 진화했습니다.

고양이 펠릭스

팻 설리번의 1919년 고양이 폴리스

1919년 팻 설리번 스튜디오의 오토 메스머는 고양이 펠릭스를 만들었습니다. 스튜디오 책임자인 Pat Sullivan은 스튜디오 애니메이션 초창기의 일반적인 관행인 Felix의 공을 모두 가져갔습니다.[26] 고양이 펠릭스는 파라마운트 스튜디오에서 배급하여 많은 관객을 끌어 모았고,[27] 결국 영화 역사상 가장 인정받는 만화 캐릭터 중 하나가 되었습니다. 펠릭스는 상품화된 최초의 만화였습니다.[citation needed]

퀴리노 크리스티아니: 최초의 애니메이션 영화

최초로 알려진 장편 애니메이션 영화는 1917년 11월 9일 아르헨티나에서 개봉된 퀴리노 크리스티아니의 엘 아포스톨이었습니다. 이 성공적인 70분 풍자는 판지 컷아웃 기법을 사용했으며 초당 14프레임으로 58,000장의 프레임을 사용했다고 합니다. 크리스티아니의 다음 장편 신데자르 라스트로스는 1918년에 개봉되었지만, 외교적인 이유로 경찰에 압수되기 전에는 언론 보도와 저조한 대중의 참석을 받지 못했습니다.[28] 크리스티아니의 장편 영화는 하나도 살아남지 못했습니다.[28][29][30]

1920년대: 절대적인 영화, 동기화된 사운드 그리고 디즈니의 부상

1920년대에 여러 주요 사건들이 발생했는데, 여기에는 동기화된 사운드를 가진 최초의 애니메이션의 개발과 월트 디즈니 스튜디오의 설립 등이 포함됩니다. 이 10년은 또한 증기선 윌리(1928)에서 미키 마우스가 처음으로 등장했습니다.

절대필름

주요 기사: 비내러티브 영화 § 1920년대: 절대적인 영화 운동

1920년대 초, 발터 러트만, 한스 리히터, 바이킹 에겔링, 오스카 피싱거와 같은 예술가들과 함께 한 절대 영화 운동은 영향력이 있는 것으로 입증된 짧은 추상 애니메이션을 만들었습니다. 예를 들어, Len Lye와 Norman McLaren의 일부 나중의 추상 애니메이션 작품은 널리 감상될 것이지만, 장르는 대체로 상대적으로 모호한 전위 예술 형태로 남아 있었습니다. 직접적인 영향이나 유사한 아이디어는 종종 주류 애니메이션 (예를 들어 디즈니의 토카타와 푸가 인 판타지아 (1940년)에서 – 원래 그의 작품이 폐기될 때까지 그리고 부분적으로 라이의 작품에서 영감을 받아 협력했으며 척 존스의 도트 앤 더 라인 (1965년)에서).

얼리 싱크로나이즈드 사운드: 송카-튠즈와 이솝의 사운드 우화

마이 올드 켄터키 홈 (1926)
참고 항목: 사운드 필름 § 히스토리

1924년 5월부터 1926년 9월까지 데이브와 맥스 플라이셔의 잉크웰 스튜디오는 송카-튠즈 시리즈의 일부인 19개의 사운드 만화를 포노필름 "사운드 온 필름" 프로세스를 사용하여 제작했습니다. 이 시리즈는 또한 청중들이 음악을 따라 부르도록 안내하기 위해 위의 가사에 "바운싱 볼"을 도입했습니다. 1926년 6월의 나의 올드 켄터키 홈은 아마도 "공을 따라가세요, 모두 함께 하세요"라는 말을 입에 올린 빔보의 초기 버전과 함께 약간의 동기화된 애니메이션 대화를 특징으로 하는 최초의 영화였을 것입니다. 빔보 캐릭터는 플라이셔의 토카툰(1929-1932)에서 더 발전되었습니다.

폴 테리의 저녁 식사 시간은 그의 이솝 우화(1921-1936) 시리즈에서 1928년 9월 1일 대화와 함께 동기화된 사운드트랙으로 초연되었습니다. 테리는 새로운 스튜디오 주인인 반 뷰렌(Van Beuren)에 의해 자신의 바람과 달리 참신함을 더해줄 것을 촉구 받았습니다. 비록 그 시리즈와 그것의 주인공 파머 알 팔파가 인기가 있었지만, 청중들은 이 첫 번째 에피소드에 소리로 감명을 받지 못했습니다.

롯데라이니거

현존하는 가장 초기의 애니메이션 장편 영화는 1926년 실루엣 애니메이션 Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Achmed 왕자의 모험)으로 컬러 틴트 필름을 사용했습니다.[31] 독일 롯데 라이니거와 그녀의 남편 칼 코흐가 감독했습니다. 월터 러트만은 시각적 배경 효과를 만들었습니다. 프랑스/헝가리의 협력자인 베르톨드 바르토쉬(Bertold Bartosch)와/또는 라이니거(Reiniger)는 아래로부터의 조명과 수직으로 여러 층의 유리판에 풍경 요소와 도형을 배치하여 심도 있는 시야를 만들었습니다. 나중에 비슷한 기술이 멀티플레인 카메라의 기본이 되었습니다.

초창기 디즈니: 웃음-오-그램, 앨리스, 오스왈드 그리고 미키

뉴먼 러프-오-그램
참고 항목: 월트 디즈니

1920년에서 1922년 사이에 만화가 월트 디즈니, 어브 아이웍스, 프레드 하먼은 컷아웃 애니메이션 광고를 제작하는 슬라이드 컴퍼니(곧 캔자스 시티 필름 광고 회사로 이름이 변경됨)에서 일했습니다. 디즈니는 그의 부모님의 차고에서 드로잉 애니메이션 기법으로 실험을 시작했고, 현재의 지역 주제들을 풍자하는 시리즈를 1921년에 주간 뉴먼 웃음-오-그램(Newman Laugh-O-Grams)으로 세 개의 지역 뉴먼 극장의 주인에게 판매했습니다. 그의 단명한 회사인 Laugh-O-Gram Films, Inc.와 함께 디즈니는 아이웍스, 프레드의 형제 휴 하먼, 루돌프 아이싱, 카먼 맥스웰과 함께 테리의 이솝 우화에 영감을 받아 약 7분간 현대화된 동화 만화 시리즈를 제작했습니다.[32] 이 스튜디오는 1923년에 파산했지만, 펠릭스에서 영감을 받은 고양이 줄리어스를 포함한 수많은 만화 캐릭터들과 교류하는 실사 소녀(버지니아 데이비스)가 등장하는 12분짜리 영화 앨리스 원더랜드를 이미 만들었습니다. 디즈니가 할리우드로 이사했을 때, 그는 막 펠릭스 더 캣 앤 아웃 오브 더 잉크웰에 대한 권리를 잃은 뉴욕 영화 배급사 마가렛 J. 윙클러와 거래를 성사시켰습니다. 앨리스 코미디 시리즈(1923-1927)를 만들기 위해 아이웍스는 또한 할리우드로 이사를 갔고, 나중에 아이싱, 하먼, 맥스웰, 필름애드 동료 프리즈 프렐렝이 그 뒤를 이었습니다. 이 시리즈는 57개의 에피소드가 지속될 만큼 성공적이었지만, 디즈니는 결국 새로운 완전 애니메이션 시리즈를 만드는 것을 선호했습니다. 행운의 토끼 오스왈드는 1927년에 이어 흥행에 성공했지만 1928년 계속 협상이 실패한 후 찰스 민츠가 직접 제작을 장악했고 디즈니는 그의 캐릭터와 대부분의 직원을 민츠에게 잃었습니다.

증기선 윌리

디즈니와 아이웍스는 1928년에 오스왈드를 대체할 미키 마우스를 개발했습니다. Plane Crazy라는 제목의 첫 번째 영화는 시험관객들에게 깊은 인상을 주지 못했고 잠재적인 배급사들의 충분한 관심을 불러일으키지 못했습니다. 소리가 동기화된 몇몇 실사 영화들이 성공한 후, 디즈니는 새로운 미키 마우스 만화 The Gallopin' Gaucho를 보류하고 그 시리즈를 더 설득력 있게 시작할 특별한 소리 제작 작업을 시작했습니다. 1928년 11월에 제작된 증기선 윌리(Steamboat Willie)의 대부분의 동작은 소리를 내는 것과 관련이 있습니다. 예를 들어 미키는 배에 타고 있는 가축을 악기로 사용합니다. 이 영화는 큰 성공을 거두었고 미키 마우스는 곧 역사상 가장 인기 있는 만화 캐릭터가 되었습니다.

보스코

보스코는 1927년 휴 하만과 루돌프 아이싱에 의해 특히 토크를 염두에 두고 만들어졌습니다. 그 당시 그들은 여전히 디즈니에서 일하고 있었지만, 1928년에 유니버설에서 오스왈드 더 럭키 래빗 만화를 작업하기 위해 떠났고, 그 후 1929년 5월에 배급사를 구하기 위해 톡잉크키드 파일럿인 보스코를 제작했습니다. 그들은 레온 슐레진저 프로덕션과 계약을 맺고 1930년 워너 브라더스의 루니 튠즈 시리즈를 시작했습니다. 보스코는 하만과 아이싱이 워너브라더스를 떠난 후 보스코를 MGM으로 데려가기 전 39편의 워너브라더스 만화의 주인공이었습니다. 두 편의 MGM 만화 이후, 그 캐릭터는 관객들에게 훨씬 덜 인정받는 극적인 리메이크를 받았습니다. 보스코의 경력은 1938년에 끝났습니다.

1930년대: 컬러, 깊이, 만화 슈퍼스타와 백설공주

레드헤드 베티 부프 인 컬러 클래식 가난한 신데렐라 (1934)

1930년대까지 세계 경제가 대공황으로 어려움을 겪는 동안 애니메이션은 계속해서 번창했습니다. 멀티플레인 카메라의 사용과 함께 초기 컬러 프로세스가 사용되었습니다. 1937년, 백설공주는 극장에 첫 선을 보였는데, 이것은 전통적으로 애니메이션화된 최초의 장편 영화였습니다.

투스트립 컬러

가정용 초기 유럽 애니메이션 영화 루프의 다색 리소그래피 기법은 극장 개봉 애니메이션 영화에는 적용되지 않은 것으로 보입니다. The Adventures of Prince Achmed 의 원본 판화들이 필름 틴팅을 특징으로 하지만, 1930년 이전에 극장에서 개봉된 대부분의 애니메이션 영화들은 평범한 흑백이었습니다. 따라서 효과적인 컬러 프로세스는 할리우드에서 환영 받는 혁신이었고 만화에 특히 적합해 보였습니다.

월터 랜츠와 빌 놀런이 만든 장편 영화 '킹 오브 재즈'(1930년 4월)의 만화 부분은 두 줄짜리 테크니컬러로 선보인 최초의 애니메이션이었습니다.

킹 오브 재즈와 함께 개봉된 피들스틱은 첫 번째 플립 더 프로그 영화이자 Ub Iwerks가 그의 스튜디오를 세우기 위해 디즈니를 떠난 후 작업한 첫 번째 프로젝트였습니다. 영국에서, 이 만화는 두 가지 색상의 과정인 [33]Harris Color로 출시되었는데, 아마도 소리와 색상을 모두 자랑하는 최초의 극장 개봉 독립형 애니메이션일 것입니다.

테크니컬러로 된 디즈니의 우스꽝스러운 교향곡

1929년에 시작된 Silly Symphony 시리즈가 디즈니가 기대했던 것보다 덜 인기가 있었을 때, 그는 시리즈의 효과를 향상시키기 위해 새로운 기술 혁신에 눈을 돌렸습니다. 1932년에 테크니컬러 회사와 함께 최초의 풀 컬러 애니메이션 꽃과 나무를 만들어 세 줄 기법을 선보였습니다(실황 영화에 처음 사용된 것은 약 2년 후입니다). 이 만화는 성공적이었고 아카데미 단편영화상을 수상했습니다.[34] 디즈니는 애니메이션 영화에 테크니컬러의 풀컬러 기술을 사용하는 독점 계약을 일시적으로 체결했습니다. 그는 심지어 진행 중인 미키 마우스 시리즈를 컬러로 제작하기 전에 잠시 기다렸고, 그래서 실리 교향곡은 관객들에게 특별한 매력을 갖게 될 것입니다. 1935년 9월 독점 계약이 만료된 후, 풀 컬러 애니메이션은 곧 업계 표준이 되었습니다.

'실리 교향곡'은 테크니컬러가 더 이상 디즈니에만 국한되지 않을 때까지, 어브 아이웍스의 코미컬러 만화(1933–1936), 반 뷰렌 스튜디오의 레인보우 퍼레이드(1934–1936), 플라이셔의 컬러 클래식(1934–1941), 찰스 민츠의 컬러 랩소디(1936–1949)를 포함하여, 다양한 다른 컬러 시스템을 자랑하는 많은 만화 시리즈에 영감을 주었습니다. MGM의 해피 하모니(1934–1938), 조지 팔의 인형극(1932–1948), 월터 랜츠의 스윙 교향곡(1941–1945).

멀티플레인 카메라와 입체광학 프로세스

주요 기사: 멀티플레인 카메라
백설공주와 일곱 난쟁이(1937)의 멀티플레인 효과가 있는 트레일러 클립

깊이 있는 인상을 만들기 위해 몇 가지 기술이 개발되었습니다. 가장 일반적인 기술은 원근법(예: 카메라에서 멀어질수록 속도가 느려짐)에 따라 독립적으로 이동할 수 있는 여러 배경 및/또는 전경 레이어 사이에서 캐릭터를 이동시키는 것이었습니다.

롯데 라이니거는 이미 Die Abenteuer des Prinzen Achmed를[35] 위해 멀티플레인 카메라를 설계했고, 그녀의 협력자인 Bertold Bartosch도 그의 복잡한 25분짜리 영화 L'Idée(1932)를 위해 비슷한 설정을 사용했습니다.

1933년, Ub Iwerks는 멀티플레인 카메라를 개발하여 윌리 와퍼(1933–1934)와 코미컬러 만화(ComiColor Carts)의 여러 에피소드에 사용했습니다.

플라이셔 부부는 1933년에[36] 그들의 컬러 클래식을 위해 매우 다른 입체광학 공정을 개발했습니다. 가난한 신데렐라 베티 부프(Betty Boop in Poor Cinderela, 1934)의 첫 번째 에피소드와 그 다음 에피소드의 대부분에서 사용되었습니다. 이 과정에는 대형 턴테이블에 구축되고 조각된 3차원 세트가 포함되었습니다. 촬영된 셀은 턴테이블이 회전하도록 만들어졌을 때 애니메이션 캐릭터가 장면 내의 3D 요소 앞과 뒤에서 움직이는 것처럼 보이도록 이동 가능한 세트 내에 배치되었습니다.

디즈니 직원 윌리엄 개리티(William Garity)는 최대 7개의 예술 작품 층을 가질 수 있는 다면 촬영기를 개발했습니다. 그것은 아카데미 상을 수상한 Silly Symphony The Old Mill (1937)에서 테스트되었고 백설공주와 그 이후의 특징들에서 두드러지게 사용되었습니다.

색색의 새로운 만화 슈퍼스타들

사운드와 색상의 추가가 디즈니에게 큰 성공을 거둔 후, 다른 스튜디오들이 그 뒤를 이었습니다. 10년이 끝날 무렵에는 거의 모든 연극 만화가 풀 컬러로 제작되었습니다.

처음에는 송카튠즈, 실리 교향곡, 메리 멜로디, 루니 튠즈와 같은 시리즈 제목에서 알 수 있듯이 음악과 노래가 많은 시리즈의 초점이었지만, 관객들의 마음을 사로잡은 것은 눈에 띄는 캐릭터였습니다. 미키 마우스는 고양이 펠릭스의 인기를 능가한 최초의 만화 슈퍼스타였지만, 곧 수십 명의 만화 슈퍼스타들이 그 뒤를 이었고, 많은 슈퍼스타들이 수십 년 동안 인기를 유지했습니다.

워너 브라더스 이용 가능한 곡조를 바탕으로 만화를 통해 대중화할 수 있는 방대한 음악 라이브러리를 보유하고 있었습니다. 디즈니는 모든 만화의 음악을 만들 필요가 있었지만 워너 브라더스에서 쉽게 구할 수 있는 악보와 노래를 만들 수 있었습니다. 많은 만화에 영감을 주었습니다. 레온 슐레진저(Leon Schlesinger)는 1939년까지 계약상 음악 카탈로그에서 적어도 하나의 자제곡을 포함해야 했던 '메리 멜로디(Merrie Melodies)'라는 두 번째 시리즈를 워너 브라더스(Warner Bros.)에 판매했습니다. 보스코와 루니 튠즈와 달리 메리 멜로디는 1933년 하만과 아이싱이 떠나기 전에 폭스, 피기, 구피 기어와 같은 몇 명의 반복되는 캐릭터만 등장했습니다. 보스코는 루니 튠즈 시리즈를 위해 버디로 대체되었지만, 메리 멜로디는 처음에 반복되는 캐릭터 없이 계속되었습니다. 결국, 두 시리즈는 구별할 수 없게 되었고 인기를 얻은 많은 새로운 캐릭터들을 만들어냈습니다. 애니메이터/감독 밥 클램핑은 폭키 피그(1935)와 데이피 덕(1937)을 디자인했고, 이 시리즈와 관련된 에너지 넘치는 애니메이션과 불손한 유머의 많은 부분을 담당했습니다. 1930년대는 또한 나중에 슈퍼스타 엘머 퍼드(1937/1940)와 벅스 버니(1938/1940)가 되는 인물들의 초기 익명의 화신을 보았습니다. 1937년 이래로 멜 블랑은 대부분의 등장인물들의 목소리를 연기했습니다.

디즈니는 미니 마우스(1928), 플루토(1930), 구피(1932), 그리고 곧 대중들이 가장 좋아하는 새로운 캐릭터를 포함하여 매우 인기 있게 될 미키 마우스 세계에 새로운 캐릭터를 소개했습니다. 도널드 덕 (1934). 디즈니는 또한 애니메이션 영화의 성공은 감정적으로 감동적인 이야기를 들려주는 것에 달려 있다는 것을 깨달았습니다; 그는 스토리보드 아티스트들이 애니메이터들과 분리되어 스토리 개발에만 집중하는 "스토리 부서"를 개발했는데, 이것은 1933년 디즈니 스튜디오가 개봉했을 때 그 가치를 증명했습니다. 잘 개발된 캐릭터들이 등장하는 최초의 애니메이션 단편: 아기 돼지 세 마리.[37][38][39] 디즈니는 그의 스튜디오를 계속 확장할 것이고 만화, 상품, 테마파크를 포함한 점점 더 많은 제작 활동을 시작할 것입니다. 대부분의 프로젝트는 연극 단편 영화를 위해 개발된 캐릭터를 기반으로 했습니다.

플라이셔 스튜디오(Fleischer Studios)는 디지 디쉬(1930)에서 이름 없는 개 캐릭터를 빔보(Bimbo)의 여자친구로 소개했는데, 빔보는 인간 암컷 베티 부프(Betty Boop, 1930-1939)로 진화하여 플라이셔의 가장 잘 알려진 창작물이 되었습니다. 1930년대에 그들은 또한 헝키와 스펀키(1938)와 뽀빠이(1933)의 인기 있는 애니메이션을 그들의 레퍼토리에 추가했습니다.

헤이스 코드와 베티 부프

Hays's Motion Picture Production Code for moral guideline은 1930년에 적용되었고 1934년에서 1968년 사이에 엄격하게 시행되었습니다. 상대적으로 질긴 소재를 만들기 좋아하는 영화 제작자들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 악명 높은 예로, 베티 부프는 순진한 성적 매력이 있는 무심한 겉치레에서 더 건강하고 더 풀풀한 드레스를 입은 훨씬 더 매력적인 캐릭터로 바뀌어야 했을 때 큰 고통을 겪었습니다. 그녀의 남자친구 빔보가 사라진 것도 아마도 코드가 이종간의 관계를 거부한 결과였을 것입니다.

백설공주와 애니메이션의 획기적인 발전

백설공주 예고편에 나오는 디즈니와 난쟁이들.

디즈니의 백설공주와 일곱 난쟁이들 이전에 적어도 여덟 편의 애니메이션 영화가 개봉되었고, 다른 두 편의 초기 애니메이션 프로젝트는 아직 끝나지 않은 상태로 남아 있습니다. 이러한 영화의 대부분은 컷아웃, 실루엣 또는 스톱 모션 기술을 사용하여 만들어졌습니다. 잃어버린 애니메이션 기능 중에는 1931년 9월 18일 부에노스 아이레스에서[40] 비타폰 사운드 온 디스크 동기화 사운드트랙으로 그의 세 번째 장편 펠루도폴리스를 초연한 퀴리노 크리스티아니의 세 가지 기능이 포함되어 있습니다. 그것은 비평가들에게 꽤 긍정적인 평가를 받았지만 히트를 치지는 못했고 영화 제작자에게는 경제적인 실패였습니다. 크리스티아니는 곧 아르헨티나에서 애니메이션으로 더 이상 직업을 가질 수 없다는 것을 깨달았습니다.[28] 월트 디즈니 만화에 대한 아카데미상 리뷰는 디즈니가 직접 그린 것뿐입니다. 이 영화는 백설공주보다 7개월 전에 개봉되어 곧 개봉될 영화를 홍보했습니다.[citation needed] 많은 사람들은 리뷰가 패키지 필름이고 41분밖에 되지 않기 때문에 진정한 장편 영화라고 생각하지 않습니다. 이 영화는 영국 영화 연구소, 영화 예술 과학 아카데미, 미국 영화 연구소의 장편 영화에 대한 공식적인 정의를 충족하며, 이 영화는 40분 이상의 길이를 가져야 합니다.

디즈니가 장편 애니메이션을 작업하고 있다는 것이 알려졌을 때, 비평가들은 정기적으로 이 프로젝트를 "디즈니의 어리석음"이라고 불렀고, 관객들이 그렇게 오랫동안 예상되는 밝은 색과 농담을 견딜 수 있다고 믿지 않았습니다. 백설공주와 일곱 난쟁이는 1937년 12월 21일에 초연되었고 세계적인 성공을 거두었습니다. 이 영화는 디즈니의 전통을 오래된 동화와 다른 이야기로 이어갔고, 그 뒤를 잇는 대부분의 디즈니 특집들도 마찬가지였습니다.

플라이셔 스튜디오는 1939년 걸리버 여행기로 디즈니의 사례를 따랐는데, 그것은 박스 오피스에서 작은 성공이었습니다.

초기 TV 애니메이션

1938년 4월, 약 50대의 텔레비전이 연결되었을 때, NBC는 8분짜리 저예산 만화 'Willie the Worm'을 방영했습니다. 전 디즈니 직원 채드 그로스코프(Chad Grothkopf)가 이 방송을 위해 특별히 제작했으며, 주로 컷아웃과 약간의 셀 애니메이션을 사용했습니다. 약 1년 후인 1939년 5월 3일, 디즈니의 도널드의 사촌 거스(Donald's Cousin Gus)가 NBC의 실험적인 W2XBS 채널에서 첫 번째 저녁 프로그램의 일환으로 짧은 만화가 영화관에서 개봉되기 몇 주 전에 초연되었습니다.[41]

1940년대

1945년 프리즈 프레렝 감독의 스나푸 작전
桃太郎 海の神兵에서 스크린샷 (모모타로: 성스러운 선원들) (1944)
铁扇公主 (철팬공주) (1941) 스크린샷

전시 프로파간다

영국의 GPO 영화 부서와 일본의 교육 영화와 같은 몇몇 정부들은 이미 공공 정보 영화에 애니메이션을 사용했습니다. 제2차 세계대전 동안 애니메이션은 선전을 위한 일반적인 매체가 되었습니다. 미국은 전쟁 노력을 위해 일하는 최고의 스튜디오를 가지고 있었습니다.

군인들에게 모든 종류의 군사적 주제에 대해 지시하고 사기를 높이기 위해 워너 브라더스는 몇몇 단편영화와 특별 애니메이션 시리즈인 '프라이빗 스나푸'에 계약되었습니다. 이 캐릭터는 유명한 영화 감독 프랭크 카프라에 의해 만들어졌고 닥터 수스는 각본에 참여했고 시리즈는 척 존스에 의해 감독되었습니다. 디즈니는 또한 몇 개의 교훈적인 단편 영화를 제작했고 심지어 장거리 폭격 아이디어를 촉진하는 장편 영화 "공중 전력을 통한 승리"(1943)에 개인적으로 자금을 지원했습니다.

오늘날 "Bugs Bunny in Any Bonds Today?", "Slefty Pig"의 디즈니의 작은 돼지들, 그리고 "All Together"의 디즈니 캐릭터들과 같은 많은 인기 있는 캐릭터들이 전쟁 유대를 증진시켰습니다. Daffy Duck은 Scrap Happy Daffy에서 전쟁 노력을 위해 고철을 요청했습니다. 미니 마우스(Mini Mouse)와 플루토(Pluto)는 민간인들에게 요리용 기름을 모아 '후라이팬 밖에서 발사선으로' 폭발물을 만드는 데 사용할 수 있도록 초대했습니다. 워너 브라더스와 같은 정치 선전 단편 영화가 몇 편 더 있었습니다.' 다섯 번째 컬럼 마우스, 디즈니의 치킨 리틀과 죽음과 이성과 감성을 위한 더 진지한 교육(아카데미상 후보).

그러한 전시 영화는 대단히 감사했습니다. 벅스 버니는 전국적인 아이콘이 되었고 디즈니의 선전 단편 '총수의 얼굴'(도널드 덕 주연)은 이 회사에 만화 단편 주제로 10번째 아카데미 상을 수상했습니다.

일본의 첫 장편 애니메이션 桃太郎 海の神兵(모모타로: 성스러운 선원)는 1944년 일본 해군성의 명령으로 만들어졌습니다. 그것은 어린이들을 위해 고안되었고, 판타지아에 의해 부분적으로 영감을 받아, 꿈과 평화에 대한 희망을 고취시키기 위한 것이었습니다. 주인공은 의인화된 원숭이, 개, 곰, 꿩으로, 낙하산 부대원이 되어 셀럽을 침공하는 임무를 수행합니다(파일럿이 되는 꿩은 제외). 에필로그는 미국이 다음 세대의 목표가 될 것임을 암시합니다.

1940년대 장편 애니메이션

미국 장편 애니메이션의 높은 야망, 좌절, 축소

디즈니의 그 다음 두 편 (피노키오와 1940년에 개봉한 매우 야심찬 콘서트 영화 판타지아)과 플라이셔 스튜디오의 두 번째 애니메이션 미스터 버그 고즈 투 타운 (1941/1942)은 모두 비평가들에게 호의적인 평가를 받았지만, 극장 개봉 초기 동안 박스 오피스에서 실패했습니다. 제2차 세계대전으로 대부분의 해외 시장이 차단된 것이 주요 원인이었습니다. 이러한 좌절은 애니메이션 기능에 대한 계획을 가지고 있던 대부분의 회사를 낙담시켰습니다.

디즈니는 다음 특집에 대한 비용을 줄이고 주로 부분적으로 흑백으로 된 버뱅크에 있는 새로운 스튜디오의 실사 투어로 구성된 러시 드래곤을 4개의 짧은 만화와 함께 처음 공개했습니다. 그것은 세계적인 박스 오피스에서 약간의 성공을 거두었고 몇 달 후에 비교적 단순한 스타일과 64분 길이의 애니메이션인 덤보(Dumbo, 1941)가 뒤따랐습니다. 제한된 길이와 경제적으로 효율적인 기법은 박스오피스에서 수익을 확보하는 데 도움이 되었고 비평가들과 관객들은 긍정적인 반응을 보였습니다. 디즈니의 차기작 밤비(1942)는 더 큰 예산과 호화로운 스타일로 돌아왔지만, 더 극적인 이야기, 어두운 분위기, 그리고 판타지 요소의 부족은 초기 상영 동안 좋은 평가를 받지 못했고 영화는 박스 오피스에서 손실을 입었습니다.

1940년대의 다른 8편의 디즈니 영화는 모두 패키지 영화이거나 실사 영화와 결합된 것이었지만(예를 들어 살루도스 아미고스(1943년)와 세 개의 카바예로스(1944년) 등), 디즈니는 애니메이션 애니메이션에 대한 믿음을 유지했습니다. 1990년대가 시작되기 전에 소수의 다른 미국 애니메이션 스튜디오들만이 소수의 기능들을 출시하는 데 성공했습니다.

비미국 애니메이션 세력

미국의 셀 애니메이션 영화는 1920년대 이후 극장용 애니메이션 개봉작의 전 세계적인 제작과 소비를 지배했습니다. 특히 디즈니의 작품은 전 세계적으로 매우 인기 있고 영향력이 있는 것으로 증명되었습니다. 다른 나라의 스튜디오는 미국 프로덕션과 거의 경쟁할 수 없었습니다. 미국 밖의 상대적으로 많은 애니메이션 제작자들이 인형 애니메이션이나 잘라낸 애니메이션과 같은 "전통적인" 또는 셀 애니메이션 이외의 다른 기술을 사용하기로 선택했습니다. 그러나 몇몇 국가들(특히 러시아, 중국, 일본)은 비교적 큰 "전통적인" 애니메이션 산업을 발전시켰습니다. 1936년에 설립된 러시아 소유스 멀티필름 애니메이션 스튜디오는 최대 700명의 숙련된 노동자를 고용했으며 소련 시절에는 연평균 20편의 영화를 제작했습니다. 그들의 국내 시장 밖에서 주목되는 몇몇 타이틀들은 铁扇公主 (아이언 팬) (중국 1941, 일본에서 영향력 있는), к онёк-г орбуно́к (혹등마) (러시아 1947, 1950년 칸에서 심사위원 특별상 수상), I Frateli Dynamite (Dynamite Brothers) (이탈리아 1949), La Rosa di Bagdad (바그다드의 장미) (이탈리아 1949) 등입니다. 1952년 영어 더빙에는 줄리 앤드류스(Julie Andrews)가 출연했습니다.

1940년대 연극단편만화 성공작

아직 이름이 알려지지 않은 트위티(Tweety)가 두 마리의 고양이 이야기(Tale of Two Kitties, 1942)로 데뷔합니다.
텍스 에이버리의 저키 튀르키예 (1945)

"미국 애니메이션의 황금기" 동안, 새로운 스튜디오들은 이전 수십 년 동안의 사운드와 색상 혁신 전쟁에서 살아남은 스튜디오들과 경쟁했습니다. 만화 동물은 여전히 표준이었고 음악은 여전히 관련 요소였지만 디즈니의 멜로드라마적 스토리텔링이나 루니 튠즈와 다른 만화의 거친 유머에 주 무대 매력을 잃는 경우가 많았습니다.

디즈니는 미키 마우스 세계에 데이지 덕(1937/1940)과 칩 앤 데일(1943/1947)을 추가하면서 만화 성공을 계속했고, 워너 브라더스는 트위티, 헤너리 호크(1942년 둘 다), 페페 르 퓨, 고양이 실베스터, 요세미티 샘(1945년 셋 다)을 포함한 인기 있는 메리 멜로디/루니 튠즈 출연진에 합류하기 위해 새로운 캐릭터를 개발했습니다. Foghorn Leeghorn, Barnyard Dawg, Gossamer (1946년 세 명 모두), Marvin the Martian (1948년), Wile E. 코요태와 로드 러너(1949).

다른 새로운 인기 캐릭터와 시리즈는 테리툰스의 마이티 마우스 (1942–1961)와 헤클 앤 제클 (1946–1966), 스크린 젬스의 여우와 까마귀 (1941–1950)였습니다.

플라이셔/유명 스튜디오

플라이셔는 1941년 화려한 슈퍼맨 각색을 시작했습니다. 성공은 너무 늦게 와서 스튜디오를 재정적인 문제로부터 구했고 1942년 파라마운트 픽처스는 사임한 플라이셔 브라더스로부터 스튜디오를 인수했습니다. 이름이 바뀐 유명한 스튜디오는 뽀빠이와 슈퍼맨 시리즈를 계속했고, 리틀 룰루(1943–1948, 골드키 코믹스 라이선스), 캐스퍼, 다정한 유령(1945)의 인기 있는 각색 작품을 개발했고, 리틀 오드리(1947–1958)와 베이비 휴이(1950–1959)와 같은 새로운 시리즈를 만들었습니다.

월터 랜츠 프로덕션

월터 란츠(Walter Lantz)는 16살에 허스트의 스튜디오에서 애니메이션 경력을 시작했습니다. 그는 또한 브레이 스튜디오와 유니버설 픽처스에서 일했으며, 1929년 오스왈드 더 럭키 래빗 만화에 대한 통제권을 얻었습니다 (보도에 따르면 유니버설 회장 칼 래믈과의 포커 베팅에서 스튜디오의 캐릭터와 통제권을 획득했습니다). 1935년, 유니버설 스튜디오는 독립적인 월터 랜츠 프로덕션으로 바뀌었지만, 유니버설 로트에 남아 유니버설이 배급할 만화를 계속 제작했습니다. 오스왈드의 인기가 줄어들고 캐릭터가 1938년에 결국 은퇴했을 때, 란츠의 작품은 1939년에 앤디 팬더를 개발하기 전까지 성공적인 캐릭터 없이 사라졌습니다. 의인화된 이 판다는 1949년까지 20여 편의 만화에 출연했지만, 곧 1940년 앤디 판다 만화 '노크 노크'로 데뷔한 상징적인 우디 딱따구리에 가려졌습니다. 다른 인기 있는 랜츠 캐릭터로는 월리 월러스 (1944), 버즈 버자드 (1948), 스칠리 윌리 (1953), 히코리, 디코리, 그리고 닥 (1959)이 있습니다.

MGM

Ub Iwerks의 Flip the Frog and Willie Whapper 만화와 하만과 아이싱의 Happy Harmonies를 배포한 후 메트로 골드윈 메이어는 1937년에 자체 만화 스튜디오를 설립했습니다. 이 스튜디오는 바니 베어 (1939–1954), 한나와 조셉 바버라의 톰과 제리 (1940), 스파이크와 타이크 (1942)로 많은 성공을 거두었습니다.

1941년, 텍스 에이버리는 워너 브라더스를 떠났습니다. MGM의 경우 Droopy (1943), Screwy Squiry (1944), George and Junior (1944)를 만들 것입니다.

UPA

디즈니와 다른 대부분의 스튜디오들이 애니메이션에서 깊이감과 사실감을 추구했던 반면, UPA 애니메이터들(전 디즈니 직원 존 허블리 포함)은 다른 예술적 비전을 가지고 있었습니다. 그들은 러시아의 예에서 영감을 받아 훨씬 더 희소하고 양식화된 유형의 애니메이션을 개발했습니다. 스튜디오는 1943년에 형성되었고 처음에는 정부 계약에 대해 작업했습니다. 몇 년 후, 그들은 콜롬비아 픽처스와 계약을 체결했고, 스크린 젬스로부터 여우와 까마귀를 인수했으며, 1948년과 1949년에 처음으로 두 개의 연극 단편으로 오스카 후보에 올랐습니다. 스튜디오가 새로운 캐릭터를 만드는 것이 허용되었을 때, 애니메이션 분야는 의인화된 동물들이 지배하고 있었지만, 그들은 근시안적인 노인을 생각해 냈습니다. 미스터 마구 (1949)는 히트를 쳤고 많은 단편 영화에 등장했습니다. 1949년과 1959년 사이에 UPA는 15개의 오스카 상 후보에 올랐고, 닥터 수스 각색의 제럴드 맥보잉-보잉(1950)으로 첫 아카데미 상을 수상했으며, 뒤이어 마구가 날아올랐을 때(1954)와 마구의 퍼들 점퍼(1956)로 두 개의 상을 더 수상했습니다. 독특한 스타일은 영향력이 있었고 워너 브라더스와 디즈니를 포함한 대형 스튜디오에도 영향을 미쳤습니다. 예술적 표현의 효과적인 자유 외에도 UPA는 희소 애니메이션이 값비싼 호화로운 스타일만큼(혹은 그 이상) 감상될 수 있다는 것을 증명했습니다.

1940년대 TV애니메이션

원래 짧은 극장 상영을 위해 제작된 많은 스튜디오의 만화 백 카탈로그는 텔레비전 방송에 매우 가치 있는 것으로 입증되었습니다. "큰 형" 밥 에머리가 화요일 저녁 뉴욕 WABD-TV 채널에서 선보인 "작은 튀김을 위한 영화"(1947)는 어린이들을 위한 최초의 TV 시리즈 중 하나였으며 많은 고전적인 밴 뷰렌 스튜디오 만화가 등장했습니다. DuMont Television Network에서는 스튜디오 환경에서 라이브 시청자와 함께 일일 쇼 Small Fry Club (1948–1951)로 계속되었습니다.

월터 랜츠, 워너 브라더스, 테리툰스, MGM, 디즈니의 많은 클래식 시리즈들도 비슷하게 수십 년 동안 많은 재방송과 함께 어린이들을 위한 TV 쇼에서 새로운 삶을 발견했습니다. 스튜디오 설정과 실사 프레젠테이션 대신 일부 쇼에는 이전 만화를 발표하거나 함께 묶을 수 있는 새로운 애니메이션이 등장합니다.

TV용으로 특별히 제작된 최초의 미국 애니메이션 시리즈는 1949년에 출시되었으며, 포우 와우의 모험(1월부터 11월까지 일요일 아침에 방송되는 43개의 5분짜리 에피소드)과 텔레랜드의 짐과 주디(52개의 에피소드, 나중에 베네수엘라와 일본에도 판매됨)가 있습니다.

1950년대: 어린이용 TV 시리즈에서 고전 연극 만화에서 한정판 애니메이션으로 전환

블립 대령의 지구 도착 (1956)

대부분의 연극 만화는 비특정 관객을 위해 제작되었습니다. 선명한 드로잉 스타일과 밝은 색의 말하는 동물들과 함께하는 역동적인 액션과 개그는 자연스럽게 어린 아이들에게 매력적이었지만, 만화에는 폭력과 성적인 이누엔도가 정기적으로 담겼고 아이들을 위한 것이 아닌 뉴스릴과 장편 영화와 함께 상영되는 경우가 많았습니다. 미국 텔레비전에서 만화는 주로 아이들을 위해 주말 아침, 평일 오후 또는 이른 저녁에 편리한 시간대에 프로그램되었습니다.

1950년대 미국 TV 애니메이션 프로세스의 스케줄링 제약과 자원 관리의 주목할 만한 문제(극장 애니메이션에 비해 적은 예산으로 더 많은 양을 만들어야 함)는 현재 제한 애니메이션으로 알려진 다양한 기술의 개발로 이어졌습니다. 원래 UPA의 예술적인 스타일 선택이었던 희소한 유형의 애니메이션은 제작 시간과 비용을 줄이기 위한 수단으로 채택되었습니다. 풀프레임 애니메이션(on one)은 미국에서 드물어졌으며, 극장 제작의 감소에 사용되지 않았습니다. 척 존스(Chuck Jones)는 시각적인 것보다 사운드트랙에 더 의존하는 대부분의 텔레비전 만화의 초라한 스타일을 언급하기 위해 "일러스트레이티드 라디오(illisted radio)"라는 용어를 만들었습니다.[43] 일부 제작자들은 또한 당시의 작은 흑백 TV 화면에서 제한된 애니메이션이 호화로운 스타일보다 더 좋아 보인다는 것을 발견했습니다.[44]

1950년대의 TV 애니메이션

제이 워드(Jay Ward)는 인기있는 크루세이더 래빗(1948년 테스트, 1949-1952년과 1957-1959년 오리지널 방송)을 제작했으며, 제한된 애니메이션 스타일을 성공적으로 사용했습니다.

1950년대 말, TV 애니메이션 제작을 전담하는 여러 스튜디오들이 경쟁을 시작했습니다. 연극 애니메이션 경쟁의 초점이 품질과 혁신에 맞춰져 있었다면, 이제는 빠르고 저렴하게 애니메이션을 전달하는 쪽으로 방향을 틀었습니다. 비평가들은 많은 쇼의 품질이 종종 고전 만화와 비교할 때 급급한 애니메이션과 천편일률적인 이야기와 함께 형편없다고 언급했습니다. 네트워크 임원들은 시청자가 충분하기만 하면 만족했고,[45] 엄청난 양의 젊은 시청자들은 비평가들이 인식하는 품질 부족에 신경 쓰지 않았습니다. 최대 4시간에 달하는 토요일 아침 만화 프로그램 시청은 1960년대 중반 이후 대부분의 미국 어린이들이 가장 좋아하는 취미가 되었고 수십 년 동안 주요 역할을 했습니다.

디즈니는 비교적 일찍 TV 제작에 들어갔지만 오랫동안 새로운 애니메이션 시리즈 제작을 자제했습니다. 대신, 디즈니는 1954년부터 월트 디즈니의 디즈니랜드 시리즈(1954-1958)를 시작으로 황금 시간대인 3시간 분량의 문집 시리즈를 방영하여 1955년에 개장한 디즈니랜드 테마파크를 분명히 홍보했습니다. 월트 디즈니(Walt Disney)는 예전 만화와는 별개로 영화 제작 과정이나 새로운 실사 모험을 배경으로 하는 부분을 특징으로 하는 시리즈를 개인적으로 진행했습니다.

윌리엄 한나와 조셉 바버라(톰과 제리의 창작자)는 1957년 메트로 골드윈 메이어가 애니메이션 스튜디오를 폐쇄한 후에도 한나-바버라로 계속 활동했는데, MGM은 그들의 백 카탈로그가 더 판매되기에 충분하다고 생각했습니다.[46] Hanna-Barbera는 Loopy de Loop (1959–1965)으로 극장에서 개봉한 시리즈 하나만 만들었지만, 그들은 수십 년 동안 가장 많이 다작하고 성공적인 텔레비전 애니메이션 시리즈 제작자임이 증명되었습니다. 러프 앤 레디 쇼 (1957–1960)를 시작으로, 그들은 허클베리 하운드 쇼 (1958, 애니메이션만 등장한 최초의 30분짜리 텔레비전 프로그램)[47]와 퀵 드로우 맥그로 쇼 (1959–1961)와 같은 성공적인 시리즈들을 계속했습니다.

다른 주목할 만한 프로그램으로는 UPA의 제럴드 맥보잉보잉 (1956–1957), 사운드악의 콜론 블립 (1957–1960, 컬러 TV 시리즈 최초), 테리툰스의 톰 테리픽 (1958), 제이 워드의 로키와 불윙클과 친구들의 모험 (1959–1964) 등이 있습니다.

국제 영화 시장(언어 문제가 타이틀 카드에 국한되었던 무성 시대에 개발됨)과 대조적으로, 대부분의 국가(종종 라디오 방송과 연결됨)의 TV 개척은 라이브 프로그램의 국내 제작에 중점을 두었습니다. 보통 더빙을 해야 하는 애니메이션 시리즈를 수입하는 대신, 어린이용 프로그래밍은 다른 방식(예: 인형극 포함)으로 더 쉽고 저렴하게 제작할 수 있습니다. 한 가지 주목할 만한 방법은 BBC의 캡틴 퍼그워시(1957)에서 컷아웃 피규어의 실시간 "애니메이션"이었습니다. 해외에서 볼 수 있었던 몇 안 되는 초기 TV 애니메이션 시리즈 중 하나는 1962년 BBC에 의해 방송되었고 1963년부터 1971년까지 미국에서 신디케이트된 벨비전 스튜디오의 "틴틴의 모험"(벨기에 1957-1964, 레이 구센 감독)이었습니다.

1950년대 연극단편만화

워너 브라더스는 새로운 캐릭터인 그랜니, 실베스터 주니어(1950년 둘 다), 스피디 곤잘레스, 랄프 울프와 샘 시프독(1953년 셋 다), 태즈메이니아 데빌(1954년)을 소개했습니다.

1950년대 연극특집애니메이션

디즈니

일련의 패키지 특집과 실사/애니메이션 콤보 이후, 디즈니는 1950년 신데렐라와 함께 완전 애니메이션 영화로 돌아왔습니다(밤비 이후 최초). 그것의 성공은 실질적으로 회사를 파산에서 구했습니다. 그 뒤를 이어 이상한 나라의 앨리스(1951)가 박스오피스에 떨어져 처음에는 부정적인 평가를 받았습니다. 피터 팬 (1953)과 레이디 앤 더 트램프 (1955)가 히트를 쳤습니다. 야심적이고, 훨씬 지연되고, 더 비싼 잠자는 숲속의 미녀(1959)는 박스 오피스에서 돈을 잃었고 월트 디즈니의 애니메이션 부서의 미래에 대한 의심을 불러일으켰습니다. "이상한 나라의 앨리스"와 대부분의 디즈니 플롭처럼, 그것은 나중에 재발매를 통해 상업적으로 성공할 것이고 결국 진정한 고전으로 여겨질 것입니다.

미국 이외

1960년대

1960년대 미국 애니메이션 TV 시리즈 및 스페셜

토탈 텔레비전은 1959년 코코아 퍼프 광고(1960-1969)와 제너럴 밀스가 후원하는 TV 시리즈 킹 레오나르도와 그의 단편들(1960-1963, 1969년까지 리패키지 쇼), 테네시 턱시도와 그의 이야기들(1963-1966, 1972년까지 리패키지 쇼)에서 오리지널 만화 캐릭터를 가진 제너럴 밀스 제품을 홍보하기 위해 설립되었습니다. 언더독 쇼(1964–1967, 1973년까지 리패키지 쇼)와 비글스(1966–1967). 모든 시리즈의 애니메이션은 멕시코의 감마 스튜디오에서 제작되었습니다. Total Television은 1969년 General Mills가 더 이상 그들을 후원하기를 원하지 않자 제작을 중단했습니다.

1960년대부터 1980년대까지의 많은 미국 애니메이션 TV 시리즈는 이미 다른 미디어에서 인기가 있음이 입증된 캐릭터와 포맷을 기반으로 했습니다. UPA는 만화책을 기반으로 한 딕 트레이시 쇼(1961–1962)를 제작했습니다. 1962년부터 1989년까지 활동한 영화는 원작 캐릭터를 거의 만들지 못했지만 DC 코믹스, 실사 TV 시리즈(레이시 구조대(1973년 ~ 1975년), 스타 트렉 등을 많이 각색했습니다. 애니메이션 시리즈), 일부 실사 촬영 기능(지구 중심으로의 여행(1967-1969) 등). 그랜트레이 로렌스 애니메이션은 1966년 마블 코믹스의 슈퍼히어로를 각색한 최초의 스튜디오였습니다. 팝 그룹은 비틀즈 (1965–1966)와 랭킨/바스의 잭슨 파이브 (1971–1972)와 오스먼드 (1972)에서 애니메이션 버전을 얻었습니다. 한나-바바라는 로렐과 하디 (1966–1967)와 애보트와 코스텔로 만화 쇼 (1967–1968)로 코미디언들을 만화 캐릭터로 만들었습니다. 포맷 필름스의 앨빈 쇼(1961–1962)는 1958년의 참신한 노래와 앨빈과 칩멍크의 재설계된 버전이 있는 후속 만화책의 스핀오프였습니다. 다른 시리즈에는 허가되지 않은 전용이 포함되어 있습니다. 예를 들어, 한나-바바라의 플린트스톤즈(1960–1966)는 시트콤 허니문어스(The Honeymouthers)에서 영감을 받아 제작자 재키 글리슨(Jackie Gleason)이 한나-바바라를 고소할 것을 고려했지만, 그는 "프레드 플린트스톤을 공중에서 낚아챈 남자"로 알려지기를 원하지 않았습니다.[48]

플린트스톤즈는 최초의 프라임 타임 애니메이션 시리즈로 엄청난 인기를 끌었고, 30년 후에 그 기록이 깨질 때까지 가장 오랫동안 방영된 네트워크 텔레비전 애니메이션 시리즈로 남아있었습니다. 한나-바바라는 요기 베어 쇼 (1960–1962), 젯슨 (1962–1963, 1985, 1987), 그리고 스쿠비-두, 어디가 너야! (1969–1970, 이후 다른 스쿠비-두 시리즈)로 더 많은 히트곡을 기록했습니다.

1968년경부터 마틴 루터 킹 주니어가 암살된 후, 당시 로버트 F. 케네디와 다른 폭력적인 행동들은 대중들이 연예계에서의 폭력으로 덜 불편하게 만들었고, 방송사들은 어린이들의 프로그램에서 너무 폭력적이거나 암시적이라고 여겨지는 것들을 금지하기 위해 검열관들을 고용했습니다.[49]

일반 TV 시리즈 외에도 UPA의 마구 아저씨의 크리스마스 캐롤 (1962)을 시작으로 몇 년 후 빌 멜렌데즈의 피너츠 스페셜 (1965–2011)과 같은 다른 고전적인 예들이 뒤따랐습니다. 슐츠의 만화)와 척 존스의 그린치가 크리스마스를 훔친 방법(1966, 닥터의 이야기를 바탕으로 함). 으스.

캄브리아 프로덕션

캄브리아 프로덕션은 전통적인 애니메이션을 가끔 사용했을 뿐이며 카메라 움직임, 전경 셀과 배경 셀 간의 실시간 움직임, 실사 영상 통합에 의존하는 경우가 많았습니다. 창작자 클라크 하스(Clark Haas)는 "우리는 애니메이션 만화를 만드는 것이 아닙니다. 우리는 '동력화된 움직임'을 촬영하고 있으며, 이를 실사와 결합하고 있습니다. 디즈니가 25만 달러에 하는 영상은 18,000달러에 합니다."[50] 그들의 가장 유명한 속임수는 대화에 동기화된 입을 애니메이션화하는 대신 말하는 입술을 만화 등장인물의 얼굴에 겹쳐 놓는 싱크로-복스 기술이었습니다. 이 광학 인쇄 시스템은 1952년 캄브리아의 파트너이자 카메라맨인 에드윈 질레트에 의해 특허를 받았으며 처음에는 인기 있는 "말하는 동물" 광고에 사용되었습니다. 이 방법은 나중에 희극적인 효과를 위해 널리 사용되었지만 캄브리아는 그들의 시리즈 클러치 카고(1959–1960), 스페이스 엔젤(1962), 캡틴 패덤(1965)에서 이 방법을 그대로 사용했습니다. 상상력이 풍부한 이야기 덕분에 클러치 카고는 깜짝 히트를 쳤습니다. 그들의 마지막 시리즈 The New 3 Stooges (1965–1966)는 더 이상 Syncro-Vox를 사용하지 않았습니다. 156개의 에피소드를 통해 확산되고 반복된 오리지널 쓰리 스투지와 함께 40개의 새로운 라이브 액션 세그먼트가 포함되어 있습니다(이미 에피소드를 본 것으로 확신하여 라이브 액션 영상이 반복될 때 때때로 사람들이 TV를 끄게 합니다).

1960년대 미국의 연극애니메이션

백 명의 달마시안(1961년)의 경우 인킹 공정을 제거하는 제균 공정의 도움으로 생산 비용이 제한되었습니다. 월트 디즈니가 비교적 소박한 모습을 개인적으로 감상하지는 못했지만, 비평가나 관객들을 괴롭히지는 않았고, 영화는 스튜디오에 또 다른 히트작이 되었습니다. The Sword in the Stone (1963)은 또 다른 재정적인 성공이었지만, 수년에 걸쳐 그것은 가장 잘 알려지지 않은 디즈니 특징 중 하나가 되었습니다. 이어 실사/애니메이션 히트작 메리 포핀스(1964)가 작품상을 포함해 아카데미상 13개 부문 후보에 올랐습니다. 1960년대 디즈니의 가장 큰 애니메이션 영화는 정글북 (1967)으로 비평가들과 상업적인 성공을 거두었습니다. 이 영화는 월트 디즈니가 1966년 사망하기 전에 감독했던 마지막 영화이기도 합니다. 월트의 상상력과 창의적인 노력 없이 애니메이션 팀은 1970년대와 1980년대 동안 많은 성공적인 영화를 제작할 수 없었습니다. 이것은 22년 후 인어공주(1989)가 개봉하기 전까지였습니다.

UPA는 컬럼비아 픽처스(Columbia Pictures)를 위해 그들의 첫 장편 1001 Arabian Nights (1959) (Magoo씨가 알라딘의 삼촌으로 출연)를 제작했지만 거의 성공하지 못했습니다. 그들은 1962년 워너 브라더스에 의해 발매된 게이 퍼리로 다시 시도했습니다. 비평가들에게 호평을 받았지만 박스 오피스에서 실패했고 스튜디오가 만든 마지막 특집이 될 것입니다.

연극단편만화의 쇠퇴

1948년 할리우드 반독점 사건의 대법원 판결은 히트 장편 영화가 뉴스 릴, 만화 또는 실사 단편 영화와 함께 패키지로 극장 소유자에게 독점적으로 제공되는 "블록 부킹"을 금지했습니다. 적당한 비율의 패키지 상품을 받는 대신, 짧은 만화는 극장 주인들이 기꺼이 지불하는 가격으로 별도로 판매되어야 했습니다. 단편 만화는 상대적으로 비쌌고 사람들이 주요 특집에 대한 관심을 잃지 않으면서 프로그램에서 삭제될 수 있었는데, 점점 더 많은 잠재적인 영화 관람객들이 텔레비전 세트에서 영화를 보기 위해 집에 머무르는 것처럼 보였을 때 비용을 줄일 수 있는 합리적인 방법이 되었습니다. 대부분의 만화는 투자된 예산을 회수하기 위해 여러 번 재발매되어야 했습니다.[51][52] 1960년대 말까지 대부분의 스튜디오는 연극 만화 제작을 중단했습니다. 심지어 워너 브라더스와 디즈니도 가끔 예외를 제외하고는 1969년 이후 짧은 연극 만화를 만드는 것을 중단했습니다. 월터 랜츠(Walter Lantz)는 1973년 스튜디오를 폐쇄했을 때 포기한 고전 만화 제작자 중 마지막 인물이었습니다.

DePatie–Freleng

1963년 워너 브라더스가 애니메이션 부서를 폐쇄한 후 프리즈 프레렝(Friz Freleng)과 데이비드 H. 드패티(David H. DePatie)가 설립한 드패티 프렐렝 엔터프라이즈(DePatie-Freleng Enterprises)는 1950년대 이후 짧은 연극 만화 시리즈로 새로운 성공을 거둔 유일한 스튜디오였습니다. 그들은 1963년 피터 셀러스가 출연한 실사 영화 핑크 팬서 시리즈의 오프닝과 클로징 크레딧을 위해 핑크 팬서를 만들었습니다. 그것의 성공은 단편 영화 시리즈 (1964–1980)와 TV 시리즈 (1969–1980)로 이어졌습니다. 핑크 팬서는 스핀오프 인스펙터 (1965–1969), 개미와 아르드박 (1969–1971), 그리고 소수의 다른 연극 시리즈들이 뒤따랐습니다. The Dogfather (1974–1976)는 마지막 새로운 시리즈였지만, 핑크 팬서 만화는 1981년 스튜디오가 죽기 직전인 1980년까지 극장에 등장했습니다. 1966년부터 1981년까지 DePatie-Freleng은 또한 많은 TV 시리즈와 스페셜을 제작했습니다.

애니메이션의 부상

일본은 애니메이션 스타일로 주목할 만하게 다작을 하고 성공했는데, 처음에는 Japanimation으로, 나중에는 애니메이션으로 영어로 알려지게 되었습니다. 일반적으로 애니메이션은 미국 애니메이션에 비해 움직임보다는 미적 품질에 더 중점을 둔 한정 애니메이션 기법으로 개발되었습니다. 또한 줌, 패닝, 복잡한 동적 샷 및 분위기 조성에 중요한 배경에 많은 주의를 기울이는 비교적 "시네마틱" 접근 방식을 적용합니다.

애니메이션은 1960년에 처음으로 TV에서 방송되었습니다. 극장 애니메이션 기능의 수출은 비슷한 시기에 시작되었습니다. 몇 년 안에, 영향력이 큰 鉄腕アトム (아스트로 보이) (1963)를 시작으로, ジャングル大帝 (흰 사자 킴바) (1965–1966), エイトマン (8th Man) (1965), 그리고 미국과 다른 나라에서 다양한 수준의 방송을 받을 수 있는 여러 애니메이션 TV 시리즈가 만들어졌습니다. 魔法使いサリー (Sally the Witch) (1966–1967) and マッハGoGoGo (Mach GoGoGo a.k.a. 스피드 레이서)(1967).

국내에서 인기 있는 サザエさん / 사자에상은 1969년에 시작되었고 아마도 7,700편 이상의 에피소드로 세계에서 가장 오래 방영된 애니메이션 TV 쇼일 것입니다.

초기 성인 중심의 반문화 애니메이션

1960년대 말 이전에는 성인용 애니메이션이 거의 제작되지 않았습니다. 눈에 띄는 예외는 유명 애니메이터들이 윈저 맥케이를 기리기 위해 사적인 파티를 위해 만든 것으로 추정되는 포르노 단편 이브레디 하튼 인 베리드 트레져(1928)로, 1970년대 후반까지 공개적으로 상영되지 않았습니다. 1934년 이후, 헤이스 코드는 미국 영화 제작자들에게 위험한 자료를 공개할 수 있는 거의 자유를 주지 못했고, 1968년 미국 영화 협회의 영화 등급 시스템으로 코드가 대체되었습니다. 애니메이션의 텔레비전 프로그래밍은 대부분의 사람들이 애니메이션을 어린이나 가족 오락을 위한 매체로 생각하게 만들었지만, 새로운 연극 애니메이션은 그렇지 않다는 것이 증명되었습니다.

거의 틀림없이, 피너츠 TV 특집의 철학적, 심리적, 사회학적 함축성은 상대적으로 성인 지향적이었고, 특집은 어린이들에게도 즐거움을 주었습니다. 1969년에 빌 멘델레즈 감독은 찰리 브라운이라는 이름의 소년으로 시리즈의 성공을 영화관으로 확장했습니다. 극장 후속작 스누피 컴 홈(1972)은 긍정적인 평가에도 불구하고 흥행 실패작이었습니다. 당신의 삶을 위한 경주, 찰리 브라운 (1977)과 본 보야지, 찰리 브라운 (그리고 돌아오지 마세요!) (1980)은 피너츠를 위한 유일한 다른 전통적인 애니메이션 영화였고, TV 스페셜은 2011년까지 계속되었습니다.

1960년대 말 반체제 반문화 붐은 일찍이 할리우드에 영향을 미쳤습니다. 애니메이션에서 반전 감정은 워드 킴볼의 에스컬레이션 (1968) (디즈니에서의 고용으로부터 독립적으로 제작된)과 베트남의 패러디 미키 마우스 (1969)와 같은 여러 단편 언더그라운드 영화에 등장했습니다. 밤비가 고질라(1969)를 만나는 정치적 패러디가 적을수록, 또 다른 성인용 언더그라운드 단편 영화인 Marv Newland는 위대한 고전으로 여겨지고 The 50 Greatest Cartics(1994)에 포함되었습니다(애니메이션 산업에 종사하는 1,000명을 대상으로 한 여론조사에 따르면).

사이키델리아의 인기로 1969년 재개봉한 디즈니 판타지아가 10대와 대학생들 사이에서 인기를 끌었고, 이 영화는 수익을 내기 시작했다고 합니다. 비슷하게, 디즈니의 이상한 나라의 앨리스는 이 시기에 TV 상영과 1974년 극장 개봉으로 인기를 끌었습니다.

사이키델릭 혁명에 영향을 받은 비틀즈의 애니메이션 음악 장편 노랑 잠수함(1968)은 광범위한 청중들에게 애니메이션이 잘 알려진 텔레비전 만화와 디즈니 특집과 어떻게 다를 수 있는지 보여주었습니다. 그것의 독특한 디자인은 미술 감독 하인즈 에델만으로부터 왔습니다. 이 영화는 광범위한 찬사를 받았고 영향력이 있음이 입증되었습니다. 피터 맥스는 그의 작품에서 비슷한 시각적 스타일을 더욱 대중화시켰습니다.

1960년대 미국 이외의 애니메이션

1970년대

성인 중심의 대문화특집 애니메이션의 획기적인 발전

랄프 박시(Ralph Bakshi)는 "커비클에 앉아 꽃밭 위에 떠다니는 나비를 그리는 동안 미국 비행기는 베트남에 폭탄을 떨어뜨리고 아이들은 거리에서 행진하는 동안 어른들은 우스꽝스럽다"고 생각했습니다.[53] 따라서 그는 로버트 크럼의 만화책과 X-등급을 받은 최초의 애니메이션을 바탕으로 고양이 프리츠(Fritz the Cat, 1972)를 시작으로 더 사회정치적인 유형의 애니메이션을 만들었습니다. X-레이팅은 이 영화를 홍보하는 데 사용되었고, 이 영화는 역사상 가장 높은 수익을 올린 독립 애니메이션 영화가 되었습니다. 교통 체증(High Traffic, 1973)의 성공으로 박시는 디즈니 이후 처음으로 재정적으로 성공한 두 편의 장편 애니메이션 영화를 연속으로 보유하게 되었습니다. 이 영화는 부분적으로 스틸 사진을 배경으로 하는 기술의 예술적인 혼합, 네거티브 촬영법으로 렌더링된 채색된 얼굴을 가진 모델들의 실사 장면, 부분적으로만 채색된 매우 제한적인 스케치 애니메이션으로 렌더링된 장면, 상세한 도면, 아카이브 영상, 그리고 대부분의 등장인물들은 표준 실사 영화로 완전히 촬영된 마지막 10분을 제외하고는 전체적으로 일관된 만화 스타일로 애니메이션화되었습니다. 그는 다음 프로젝트의 대부분에서 다른 기술로 계속 실험했습니다. 그의 다음 프로젝트인 Hey Good Lookin'(1975년에 끝났지만 워너 브라더스에 의해 보류되었습니다. 1982년 개정판으로 개봉될 때까지)와 쿤스킨(1975년, 풍자를 하면서 인종차별에 대한 시위로 고통받았지만, 나중에 더 많은 감사를 받았고 컬트 영화가 되었습니다.

박시는 판타지 영화 마법사 (1977)와 반지의 제왕 (1978)으로 새로운 성공을 발견했습니다. 둘 다 대규모 전투 장면을 위해 로토스코핑을 사용했습니다. 마법사의 경우 이 기술은 예산 문제에 대한 해결책으로 아카이브 영상에 사용되었으며 사이키델릭하고 예술적인 스타일로 제공되었습니다. 반지의 제왕에게 그것은 스페인에서 의상을 입은 배우들과 함께 촬영한 참고 자료와 함께 박시가 톨킨의 작품에 충실하고 싶어하는 영화에 대해 "만화가 아닌 실제 삽화"라고 묘사한 외모를 만드는 수단이 되었습니다. 랭킨/바스와 탑크래프트의 더 가족 지향적인 텔레비전 영화 왕의 귀환(1980)은 박시의 의도된 2부가 만들어지지 않은 후 때때로 비공식적인 속편으로 간주되지만, 그들은 이미 1977년 호빗으로 텔레비전에서 독자적으로 이야기를 각색하기 시작했습니다.

상상력이 풍부한 프랑스/체코 공상과학 영화 라 플라네 수바주(La Planète souvage, 1973)는 1973년 칸 영화제에서 심사위원 특별상을 수상했으며,[54] 2016년에는 롤링 스톤이 선정한 역대 36번째로 위대한 애니메이션 영화로 선정되었습니다.[55]

영국에서 제작된 Watership Down (영화) (1978)은 국제적으로 큰 성공을 거두었습니다. 수채화를 배경으로 의인화된 것보다 더 사실적으로 보이는 동물 캐릭터를 특징으로 했습니다. 어둡고 폭력적인 측면에도 불구하고 영국의 모든 연령대에 적합한 것으로 평가되었으며 미국에서는 PG 등급을 받았습니다.

유럽의 애니메이션

애니메이션 수입은 상대적으로 저렴한 애니메이션 시리즈를 제공했지만 일부 유럽 방송사들은 애니메이션을 어린 아이들을 위한 것으로 생각했고 그에 따라 애니메이션 시리즈를 너무 쉽게 프로그래밍했습니다. 이것은 몇몇 프로그램들이 아이들에게 너무 폭력적이라고 여겨졌을 때 많은 비판으로 이어졌습니다.[56] アルプスの少女ハイジ (하이디, 알프스의 소녀) (1974)와 みつばちマーヤの冒険 (꿀벌 마야) (1975)와 같은 인기 있는 제목으로 유럽 이야기를 아동 친화적으로 각색한 것은 유럽에서 훨씬 더 많은 성공을 보장했습니다.

유럽에서 활동하는 애니메이션 스튜디오는 소수에 불과했고 새로운 스튜디오를 시작하는 데는 많은 시간과 노력, 그리고 돈이 필요했습니다. 애니메이션 시리즈에 관심이 있는 유럽 제작자들에게는 비교적 고품질의 저렴한 애니메이션을 제공할 수 있는 일본 스튜디오와 협력하는 것이 합리적이었습니다. 바바파파(네덜란드/일본/프랑스 1973년~1977년), 위키앤드는 스타켄 멘너/小さなバイキング ビッケ(바이킹의 비키)(오스트리아/독일/일본 1974년), 일레타이툰 푸아(Ilétaitune fois) 등이 제작되었습니다. (Once Upon a Time...) (프랑스/일본 1978), 닥터 스너글스 (네덜란드/서독/일본/미국 1979).

예술적인 단편 애니메이션 하이라이트

단편 애니메이션 영화는 대부분 독립 애니메이터들이 그들의 재능을 보여주는 영화제의 매개체가 되었습니다. 큰 스튜디오들이 그 분야에서 멀리 떨어져 있는 가운데, 아카데미 단편 애니메이션 상과 1970년대와 1980년대의 지명은 보통 상대적으로 알려지지 않은 예술가들을 위한 것이었습니다.

라 리네아(La Linea, 1971, 1978, 1986)는 화면을 가로로 가로지르는 직선의 일부로 구성된 주인공의 인기 있는 애니메이션 시리즈입니다.

소련/러시아 애니메이터 유리 노르슈타인은 "많은 사람들이 그의 시대 최고의 애니메이터일 뿐만 아니라, 역대 최고의 애니메이터라고 생각합니다."[57] 그는 1970년대에 몇 편의 상을 받은 단편 영화를 발표했습니다.

Norstein은 1981년부터 The Overcoat (ш инель)를 작업하고 있으며 Winter Days (冬の日, 2003)에 참여했습니다.

초기 애니메이션 뮤직비디오

음악과 애니메이션의 결합은 오랜 전통을 가지고 있었지만, 1970년대 중반에 매체가 제대로 된 장르가 된 후 애니메이션이 뮤직 비디오의 일부가 되기까지는 시간이 좀 걸렸습니다.

할라스(Halas)와 바첼러(Bachelor)는 로저 글로버(Roger Glover)의 러브 이즈 올(Love Is All, 1974)을 위한 애니메이션 비디오를 제작했는데, 이 비디오는 종종 중간 프로그램으로 수십 년에 걸쳐 국제적으로 방송되었습니다.

핑크 플로이드의 1977년 웰컴 투 더 머신 뮤직 비디오, 제럴드 스카프가 애니메이션화한 것은 처음에는 콘서트 공연의 배경으로만 사용되었습니다.

엘비스 코스텔로의 사고는 일어날 것입니다 (1979)는 애니메이션 광고로 유명한 애나벨 자켈과 로키 모튼에 의해 만들어졌습니다. 처음에는 미지근한 반응에도 불구하고,[60] 그 비디오는 그 이후로 찬사를 받았습니다.

로저 메인우드(Roger Mainwood)와 존 할라스(John Halas)는 1979년 크래프트워크(Kraftwerk)의 아우토반(Autoban)을 위한 애니메이션 뮤직비디오를 만들었습니다.[61] '움직이게 하다'라는 짧은 단어 없는 다큐멘터리... 제작 과정을 보여주었습니다.[62]

린다 매카트니의 '씨사이드 우먼'을 위한 만화는 오스카 그릴로가 만들었고 1980년 칸 영화제에서 단편영화 부문 황금종려상을 수상했습니다.[63]

1980년대

미국 애니메이션 대폭발 (1980년대)

토요일 아침 미국 TV 프로그램 애니메이션은 1970년대 말에 오래된 만화와 만화 캐릭터를 바탕으로 공식적으로 성장했습니다(Superfriends, Scooby Doo, Poppye). [64] 더 많은 만화 콘텐츠에 대한 요구는 레이건 행정부가 어린이 만화에 대한 규제를 완화함에 따라 UHF와 현재 어린이를 대상으로 하는 케이블 채널에서 오전과 오후 시간을 허용하면서 발생했습니다.[65] 액션, 판타지, 공상과학을 반영한 만화가 일반적이었고, 이전 10년의 만화보다 더 복잡한 서사를 가지고 있었습니다. 마텔의 히맨과 마스터즈 오브 유니버스(1983–1985)와 하스브로의 G.I. 조(1983–1986), 트랜스포머(1984–1987), 마이 리틀 포니(1986–1987)를 포함한 이 시기의 몇몇 인기 있는 TV 시리즈는 장난감 라인을 기반으로 했습니다. 다른 만화들은 슈퍼히어로 만화, TV 유명인사들(개리 콜먼, 척 노리스, 미스터 T), 다른 실사 쇼(알프, 펑키 브루스터) 성인 액션 또는 공상과학 영화(로보캅, 램보, 고스트버스터즈, 틴 울프), 비디오 게임(팩맨, 폴 포지션, 캡틴 N), 또는 어린이 문학(리틀즈, 베렌스테인 베어스)을 기반으로 했습니다. 일본 애니메이션 시리즈도 편집되어 미국 방송 지침(로보텍, 포스 파이브)에 맞춰 결합되었습니다.

대부분 돌이켜보면, 디즈니 장편 영화는 월트 디즈니가 1966년 사망한 후 (월트가 살아있던 10년 동안보다 더 꾸준한 흥행 성공에도 불구하고) 암흑기를 거친 것으로 인식되어 왔습니다. 야심찬 예산으로 만들어진 검은 가마솥(1985)의 실패는 새로운 최저치였습니다. 팀 버튼(Tim Burton)은 디즈니가 1960년대와 1970년대 초에 새로운 애니메이터를 훈련하지 못한 것을 쇠퇴의 원인으로 꼽았고, 대신 디즈니는 고령화된 퇴역 군인 그룹에 의존했습니다.[66]

1979년 9명의 다른 애니메이터들과 함께 디즈니를 떠났던 돈 블루스는 1982년 영화 '더 시크릿 오브 NIMH'로 전 고용주와 영화관에서 경쟁하기 시작했습니다. 이 영화는 비평가들의 찬사를 얻었지만 박스 오피스에서는 미미한 성공에 그쳤습니다.

유럽

1980년대 초에 미국 애니메이션이 제작된 것에 비해 국제 공동 제작은 더 상상력이 풍부하고 더 유망해 보였습니다. 스머프(1981–1989)는 벨기에의 프레디 몬니켄담(Freddy Monnickendam)의 SEPP International이 한나-바베라(Hanna-Barbera)와 공동으로 제작한 것으로 매우 성공적이었고, 그 뒤를 이어 Snorks(1984–1989)와 Foofur(1986–1988)가 있었습니다. Bzz Films의 비비포크 (Seabert) (1984–1988) 제작도 SEPP에서 담당했습니다. 다른 주목할 만한 국제 공동 작품으로는 인스펙터 가젯(프랑스/미국 1983)과 오즈의 마법사(캐나다/일본 1986–1987)가 있습니다.

영국에서는 코스그로브 홀 필름스의 매우 성공적인 TV 시리즈 '데인저 마우스'가 1981년 9월에 첫 선을 보였으며, 1992년까지 계속되어 1983년에서 1987년 사이에 11개의 BAFTA 후보로 지명되었습니다. 또한 니켈로디언에서 방송된 쥐를 주인공으로 한 재치 있는 비밀 요원 패러디는 젊은 층은 물론 미국 성인 시청자들 사이에서 인기를 끌었고 더쿨라 백작(1988-1993)의 스핀오프를 낳았습니다.

스튜디오 지브리와 TV 애니메이션

주요 기사: 애니메이션 § 1980년대의 역사

애니메이션은 인쇄된 만화와 함께 일본에서 거대한 팬덤을 형성했고 일본 주류 문화의 큰 부분이 되었습니다. 애니메이션의 많은 장르 중에서 메카(거대 로봇 과학 소설)는 특히 상징적인 것이 되었습니다. 특히 1980년대에 드래곤볼(1984-1995)과 같은 시리즈에 힘입어 인쇄 만화는 황금기에 접어들었고, 이 시리즈는 오랫동안 성공적인 애니메이션 각색을 받았습니다. 상대적으로 새로운 가정용 비디오 시장은 매우 크게 성장했고 오리지널 비디오 애니메이션(OVA)은 TV용보다 더 높은 품질의 제작으로 많은 사람들의 호평을 받는 매체가 되었습니다(미국과는 대조적으로). 여기서 직접 영상은 주로 극장 개봉이나 TV 방송을 보증할 만큼 대중적이지 않을 것으로 예상되는 개봉물을 위한 매체였으며, 따라서 종종 훨씬 낮은 예산으로 제작되었습니다.) 당연히 OVA 매체는 에로틱 및 포르노 애니메이션 소비에 적합했습니다. 1984년 2월부터 1985년 5월까지 ロリータアニメ(롤리타 애니메이션) 시리즈가 처음으로 발매되었으며, 곧 크림 레몬 시리즈(1984년 8월 ~ 2005년)가 그 뒤를 이었습니다. 이 장르는 헨타이로 국제적으로 알려지게 되었고 미성년자 성, 괴물 성, 촉수 성(원래는 일본의 검열 규정을 우회하기 위한 수단으로 고안됨)을 포함한 비뚤어진 주제를 자주 포함하는 것으로 악명이 높습니다. 유럽 소재를 기반으로 한 새로운 애니메이션 시리즈로는 ニルスのふしぎな旅(1980-1981)와 スプーンおばさん(1983-1984)가 있습니다.

미야자키 하야오의 대하극은 그의 만화를 바탕으로 한 바람의 계곡의 나우시카에(1984)와 天空の城ラピュタ(천공의 성)(1986)는 역사상 가장 위대한 애니메이션 영화 중 하나로 정기적으로 찬사를 받고 있습니다. 하늘의 성은 1985년 미야자키가 다카하타 이사오 등과 함께 설립한 스튜디오 지브리의 첫 번째 특징이었습니다. 스튜디오 지브리는 타카하타의 2차 세계대전 영화 火垂るの墓 (반딧불이의 무덤) (1988)과 미야자키의 상징적인 となりのトトロ (이웃집 토토로) (1988)와 魔女の宅急便 (키키의 배달부) (1989)로 성공을 이어갔습니다.

미국 애니메이션의 르네상스

1980년대 중반부터 미국 애니메이션은 르네상스를 맞았습니다. 이것은 1920년대와 1930년대에 애니메이션 언어에 영향을 미친 9명의 노인들 중 한 명인 마크 데이비스 아래 1970년대에 그곳에서 공부했던 집단 중에서 캘리포니아 예술 연구소에서 출현한 재능의 물결에 기인합니다. 이때 9명 중 상당수가 은퇴 수순을 밟고 있었습니다. 농담처럼, 교실 A113의 많은 학생들은 그 이후 몇 년 동안 그들의 영화, 텔레비전 시리즈 등에 방 코드를 삽입했습니다. A113의 학생들은 제리 리스, 존 라세터, 팀 버튼, 마이클 페라자, 브래드 버드를 포함합니다.[66] 아홉 명의 노인들 중 다른 두 명의 멤버인 올리 존스턴과 프랭크 토마스는 1981년에 인생의 환상을 출판했는데, 이 책은 역사상 최고의 애니메이션 책으로 뽑혔고 다른 현대 애니메이터들 중에서 제임스 백스터에게 영향을 미쳤습니다.[67][68]

영화관에서 로버트 제메키스의 실사/애니메이션 히트작 '누가 로저 래빗을 모함했나'(1988) 또한 미키, 미니, 도널드, 구피, 베티 부프, 드루피, 우디 딱따구리 그리고 멜블랑 목소리의 벅스 버니, 데이피 덕 등 그 시대의 많은 슈퍼스타들의 카메오로 만화 황금기의 질적이고 재미있는 코미디로 돌아갔습니다. 로저 래빗, 제시카 래빗, 베이비 허먼, 베니 더 캡 등의 원작 캐릭터 외에도 포키 피그, 트위티, 실베스터 등이 등장합니다. 이 영화는 여러 개의 오스카 상을 수상했고, 연극 장편 애니메이션과 고전 만화에 대한 관심을 되살리는 데 도움을 주었습니다. 완전히 애니메이션화된 로저 래빗 단편 영화 튜미 트러블(1989)은 실사 가족 코미디 '허니, 나는 아이들을 줄였다'와 함께 포장되었고, 그 영화가 박스 오피스에서 빠르게 시작하는 것을 도왔다고 믿었습니다.[69] 스티븐 스필버그 감독의 앰블린 엔터테인먼트와 협력하여, 블루스의 아메리칸 테일 (1986)은 그 당시 디즈니가 아닌 애니메이션 영화 중 가장 높은 수익을 올렸습니다. The Land Before Time (1988)도 마찬가지로 성공을 거두었지만, Bluth의 다음 다섯 편의 장편 영화는 실패했습니다.

마이티 마우스: 더 뉴 어드벤처(1987–1989)는 미국 만화의 초기 품질과 독창성을 되찾은 최초의 애니메이션 TV 프로그램 중 하나였습니다. 랄프 박시(Ralph Bakshi)가 제작했으며 첫 번째 시즌은 존 크리팔루시(John Kricfalusi)가 감독했으며, 그는 애니메이터들에게 많은 예술적 자유를 허용했습니다. 오리지널 테리툰 시리즈의 향수를 불러일으키는 재탕을 만들기보다는 루니툰 클래식의 퀄리티와 재미있는 유머를 재현하려고 노력했습니다.

맷 그로닝(Matt Groening)의 심슨 가족(The Simpsons)은 1987년 4월 짧은 코너 인스케치 코미디 쇼 트레이시 울먼 쇼(Tracey Ullman Show)로 시작한 후 1989년 12월 별도의 프라임 타임 30분 시트콤으로 시작했습니다. 그것은 역사상 가장 큰 만화 히트작 중 하나가 되었고, 미국 프라임타임 텔레비전 시리즈 중 가장 오래 방영된 것입니다.

The Great Mouse Detective (1986)와 Oliver and Company (1988)의 성공이 이미 디즈니 스튜디오를 정상 궤도에 올리는데 도움을 주었지만, 그들은 흥행 기록을 깨는 The Little Mermaid (1989)로 금을 맞았습니다. 인어공주의 마지막 부분의 무지개 시퀀스 촬영은 디즈니와 픽사가 공동으로 조립한 컴퓨터 애니메이션 제작 시스템(CAPS)으로 만들어진 첫 장편 애니메이션 작품이었습니다. 이 디지털 잉크와 페인트 시스템은 손으로 세포를 담그고 색칠하는 값비싼 방식을 대체하고 영화 제작자들에게 새로운 창작 도구를 제공했습니다. 1990년까지 만화의 황금기에 필적할 만한 컴백으로 애니메이션 히트의 붐이 예고되었습니다.[69]

1980년대 성인 중심의 연극애니메이션

Bakshi의 록 뮤지컬 American Pop (1981)은 로토스코프 기술과 일부 수채화, 컴퓨터 그래픽, 실사 촬영 및 보관 영상과 결합하여 만든 또 다른 성공을 거두었습니다. 그의 다음 영화 불과 얼음 (1983)은 예술가 프랭크 프래제타와의 공동 작업이었습니다. 그것은 코난 더 바바리안 (1982)과 야수마스터 (1982)의 성공 이후에 개봉된 검과 주술 장르의 많은 영화들 중 하나였습니다. 비평가들은 영상과 액션 시퀀스를 높이 평가했지만 대본과 영화는 박스 오피스에서 실패했습니다. 여러 프로젝트를 시작하는 데 실패한 후, 박시는 몇 년 동안 은퇴했습니다.

캐나다 문집 히트 영화 헤비메탈(1981)은 인기 있는 헤비메탈 잡지에 연재되고 설립자가 공동 제작한 만화를 바탕으로 제작되었습니다. 엇갈린 평가들은 이 영화가 고르지 않고, 소년적이며, 성차별적이라고 생각했습니다. 그 뒤를 이어 2000년 헤비 메탈 2000이 저조한 평가를 받았고 2019년 넷플릭스 시리즈 러브, 데스 앤 로봇으로 다시 제작되었습니다.

다크 록 오페라 영화 핑크 플로이드 – 더 월 (1982)은 1979년 앨범과 1980-81년 콘서트 투어를 위해 이미 관련 작품을 디자인한 영국 만화가 제럴드 스카프의 15분 분량의 애니메이션 부분을 포함했습니다. 이 영화의 애니메이션 자료 중 일부는 이전에 1979년 "Another Brick in the Wall: Part 2" 뮤직비디오와 투어에 사용되었습니다. 스카프는 1977년 핑크 플로이드의 인 더 플레쉬 투어를 위한 애니메이션도 만들었습니다.

성공적인 영국 핵 재앙 영화 When the Wind Blows (1986)는 움직이는 물체에 대한 정지 동작과 함께 실제 배경에서 손으로 그린 캐릭터를 보여주었습니다.

폭력적인 포스트 아포칼립틱 사이버펑크 애니메이션 아키라(1988)는 일본 밖에서 애니메이션의 인기를 높였고 현재는 고전으로 널리 여겨지고 있습니다.

MTV 및 애니메이션 비디오

MTV는 1981년에 시작하여 뮤직비디오 매체를 더욱 대중화했는데, 이는 관련된 모든 사람들이 그들의 비디오가 눈에 띄기를 원했기 때문에 상대적으로 많은 예술적 표현과 창의적인 기술을 허용했습니다. 1980년대의 가장 유명한 뮤직 비디오 중 많은 것은 표준 셀 애니메이션과 다른 기술로 종종 만들어진 애니메이션을 특징으로 합니다. 예를 들어, 피터 가브리엘의 슬레지해머(1986)의 상징적인 비디오는 Aardman Animations와 The Brothers Quay의 클레이메이션, 픽사일레이션, 스톱 모션을 특징으로 했습니다.

아하의 "Take On Me" (1985)는 마이클 패터슨의 현실적인 연필 그리기 애니메이션과 실사를 결합한 것으로 유명합니다. 이 비디오는 스티브 배런이 감독을 맡았는데, 그는 또한 같은 해에 획기적인 컴퓨터 애니메이션 "Money for Nothing"을 감독했습니다. 아하 비디오는 워너 브라더스의 관심을 끌었던 알렉스 패터슨(Alex Patterson)의 CalArts 졸업 영화 Commuter(1984)에서 영감을 받았습니다. 경영진을[60] 기록하고 부분적으로 A-ha의 Train of Thought 비디오에 다시 사용될 것입니다.

패터슨은 또한 그의 애니메이션 창작물 MC 스카트 캣을 주인공으로 한 폴라 압둘의 반대쪽 어트랙트(1989)를 감독했습니다.

롤링 스톤스의 "할렘 셔플"(1986)은 랄프 박시(Ralph Bakshi)와 존 크리팔루시(John Kricfalusi)가 감독한 애니메이션 요소를 몇 주 만에 선보였습니다.

1986년 초 챌린저호 참사[70] 이후 MTV의 오리지널 문 랜딩 범퍼는 수많은 실험적 식별 범퍼를 통해 현대적인 예술적 이미지를 더 발전시켰으며, 대부분은 애니메이션으로 제작되었습니다.[71] 애니메이터들은 보통 신용을 얻지 못했지만, 자신들이 식별할 수 있는 스타일로 자유롭게 작업할 수 있었습니다. 예를 들어, 캐나다 애니메이터 대니 안토누치(Danny Antonucci)의 기고문에는 익명으로 그의 루포 더 버처(Lupo the Butcher) 캐릭터가 등장하여 정신병적인 횡설수설을 내뱉을 수 있었습니다.

1987년경부터 MTV는 전담 애니메이션 부서를 두고 음악 관련 프로그래밍 사이에 서서히 더 많은 애니메이션을 도입하기 시작했습니다. Bill Plympton의 Microtoons가 초기 예입니다.

컴퓨터 애니메이션의 부상

주요 기사: 컴퓨터 애니메이션의 역사

컴퓨터로 움직이는 이미지를 생성(추상)하기 위한 초기 실험은 1940년대부터 수행되었지만 1970년대 초 상업용(코인으로 운영되는) 비디오 게임이 시판되기 전까지는 큰 관심을 끌지 못했습니다. 매우 단순한 2차원 흑백 그래픽을 가진 Atari, Inc.의 Pong (1972)과 Taito의 Space Invaders는 컴퓨터 애니메이션의 상호작용적인 분야로 간주될 수 있는 매체의 길을 닦는 데 큰 성공을 거두었습니다. 1974년부터 매년 SIGGRAPH 컨벤션은 컴퓨터 그래픽 분야(CGI 포함)의 현재 발전과 새로운 연구를 보여주기 위해 조직되었습니다. 그러나 컴퓨터 애니메이션은 TV나 영화관에서 거의 볼 수 없었습니다(3D 와이어 프레임 모델의 일부 시연을 제외하고는 Futureworld(1976)와 Star Wars(1977)와 같은 몇 개의 대형 할리우드 제작물에서 스크린에서 볼 수 있는 미래 기술로서 주목할 만한 예외).

예를 들어, 1982년 영화 Tron과 Dire Straits의 Money for Nothing (1985) 뮤직비디오에서 입증된 3D 컴퓨터 애니메이션은 1980년대에 훨씬 더 광범위한 문화적 영향을 미치기 시작했습니다. 이 개념은 심지어 인기 있는 가짜 3D 애니메이션 AI 캐릭터인 맥스 헤드룸(1985년 도입)을 낳았습니다.

1980년대에 컴퓨터 애니메이션은 TV 광고와 영화 제목 시퀀스에서 로고와 텍스트를 위한 모션 그래픽을 만드는 비교적 일반적인 수단이 되기 시작했습니다.

1990년대

디즈니 르네상스

주요 기사: 디즈니 르네상스

1990년대에 디즈니는 비평적으로나 상업적으로 성공한 수많은 영화를 개봉하여 1930년대부터 1960년대까지 전성기 이후로 볼 수 없었던 수준으로 돌아갔습니다. 1989년부터 1999년까지의 기간은 현재 디즈니 르네상스 또는 제2의 황금기로 일컬어지고 인어공주 (1989)의 개봉으로 시작되었습니다. 그들의 성공은 다른 주요 영화 스튜디오들로 하여금 앰블리메이션, 폭스 애니메이션 스튜디오 또는 워너 브라더스와 같은 새로운 애니메이션 사업부를 설립하도록 이끌었습니다. 애니메이션 영화를 디즈니 스타일의 뮤지컬로 바꿈으로써 디즈니의 성공을 복제하는 것을 특징으로 합니다. 90년대 만화는 때때로 애니메이션 전체를 "애니메이션의 르네상스 시대"라고 불리는데, 이것은 극장 애니메이션 영화와 만화 TV 시리즈 모두에 있습니다.

디즈니의 미녀와 야수 (1991) (역사상 최초로 아카데미 작품상 후보에 오른 애니메이션 영화), 알라딘 (1992)과 라이온 킹 (1994)은 연속적으로 박스 오피스 기록을 깼습니다. 포카혼타스(1995)는 비평가들로부터 엇갈린 평가를 받았지만 재정적인 성공을 거두었고 두 개의 아카데미 상을 받았고 시청자들로부터 좋은 평가를 받았습니다. 뮬란(1998)과 타잔(1999)은 라이온 킹을 제치고 역대 최고 수익을 올린 애니메이션 영화가 되지 못했지만, 두 영화의 시청자와 재정적인 반응은 성공적이었고, 각각 전 세계적으로 3억 달러 이상의 수익을 올렸습니다. 노트르담의 꼽추 (1996)는 그 당시 재정적인 성공을 거두었지만 매우 어둡고 성인적인 주제를 담고 있었고 지금은 숭배하는 사람들이 있지만 그 이후로 디즈니의 덜 알려진 영화 중 하나가 되었습니다. 속편인 구조자 다운 언더(1990)와 헤라클레스(1997)만이 박스오피스 기대에 못 미쳤지만, 둘 다 다른 디즈니 르네상스 영화들처럼 관객들 사이에서 호평을 받았습니다.

1994년 자파르의 귀환부터 2015년 팅커벨과 네버비스트의 전설까지 디즈니는 성공적인 타이틀에 이르기까지 장편 속편을 계속 제작했지만 월트 디즈니 스튜디오 홈 엔터테인먼트에 의해 비디오 직접 개봉으로만 제작되었습니다. 많은 면에서, 이 직접 영상 영화들은 2010년 이상한 나라의 앨리스 영화 이후의 라이브 액션 디즈니 리메이크와 비슷했습니다.

텔레비전

John Kricfalusi의 영향력 있는 The Ren & Stimpy Show (1991–1996)는 광범위한 찬사를 받았습니다. 방영 초기 내내 미국에서 가장 인기 있는 케이블 TV 쇼였습니다. 비록 어린이 만화로 프로그램되었지만, 다크 유머, 성적인 이누엔도, 어른들의 농담, 그리고 충격적인 가치로 악명높게 논란이 되었습니다. 렌 & 스팀피 쇼(Ren & Stimpy Show)는 니켈로디언 유료 방송 채널에서 더그(1991–1994, 1996–1999)와 루그랫(Rugrats, 1991–1994, 1996–2004)과 함께 방영된 세 번째 만화입니다. 루그라츠의 애니메이션 스튜디오인 클라스키 Csupo는 1990년대와 2000년대에 어린이 네트워크를 위한 시대를 규정하는 쇼를 제작하고 애니메이션화했으며, 2008년에 그들이 무명으로 사라지자 2000년대와 2010년대에 Fairy OdParents (2001-2006, 2009-2017)의 스튜디오인 Frederator Studios가 그 뒤를 이었습니다. 2017년이 되면 자신들의 모습이 사라지기 전에.

1991년 이전에 Nickelodeon은 다른 채널에서 네트워크로 만화를 가져오는데, 이는 현재 진행 중인 관행입니다. 니켈로디언에 수입된 만화의 예로는 폭스 패밀리 채널의 안젤라 아나콘다(1999–2001), 캐나다 텔레툰 채널의 웨이사이드(2005, 2007–2008), 디스커버리 키즈의 성장 크리피(2006–2008) 등이 있습니다. 이 채널에 가장 성공적인 수입 만화는 또 다른 캐나다 네트워크 스핀 마스터의 PAW 패트롤(2013-현재)이며, Nick Keoldeon의 하위 채널인 Nick Jr.에 있으며, 이 채널의 프로그램은 어린이나 청소년이 아닌 유아를 대상으로 합니다. 닉 주니어가 가장 성공한 만화는 탐험가 도라(2000-2019)입니다. 90년대 닉의 전성기가 있기 몇 년 전, 니켈로디언은 1979년이나 1980년에 비디오 드림 시어터(Video Dream Theatre)의 파일럿을 시작했고, 곧이어 두 번의 오리지널 애니메이션 시도가 실패로 이어졌는데, 이들은 1988년 태터타운의 크리스마스와 1989년 닉의 추수감사절 축제의 파일럿이었습니다.

로코의 모던 라이프 (1993–1996, 2019), 헤이 아놀드 (1996–2004, 2017), 앵그리 비버스 (1997–2001), 캣독 (1998-2000/2005)을 포함한 초기 쇼들은 후대의 닉툰들에게 길을 닦았고, 21세기에는 인베이더 짐 (2001–2006, 2019), 지미 뉴트론 (2001, 2002–2006), 초크존 (2002–2008), 아바타: 더 라스트 에어벤더(2005-2008)와 캣스크래치(2005-2007). 후자의 만화는 많은 사람들에게 마지막 고전 닉툰으로 여겨집니다. 1991-2005년 채널의 전성기 이후, 아바타의 스핀오프 시리즈인 The Legend of Kora (2012-2014), 산제이와 크레이그 (2013-2016), 하비 빅스 (2015-2017), 라우드 하우스 (2016-현재), TLH 스핀오프 The Casagrandes (2019-2022, 2024)를 포함하여 2005-현재까지 니켈로디언의 말년을 컬트적으로 추종하는 만화들이 있습니다. 포니(2020-2023)입니다. ''[[[미들포스트]]]''(2021~2022), 빅 네이트(2022~2024). 처음에 오랫동안 운영된 닉툰 루그랫스는 니켈로디언의 주력 프랜차이즈였습니다. 2004년 네트워크가 첫 번째 스폰지밥 영화의 출시와 함께 브랜드를 바꾸면서 스폰지밥 스퀘어팬츠(1999–현재)에 의해 추월당했습니다.

1993년 9월 13일, 폭스 키즈는 애니매닉 (1993–1998, 2020–2023)의 첫 번째 에피소드를 방영했습니다. 그런데 1999년에 '와코의 소원'이라는 영화가 나왔습니다. 트라스(TRASS)와 비슷하게, 아니마니악스는 "우리 슬랙스에 볼로니가 있다!"와 같은 천부적인 것들을 가지고 있었습니다.

심슨 가족(1989-현재)과 렌 & 스팀피 쇼(1991-1996)의 엄청난 성공은 사우스 파크(1997-현재), 킹 오브 더 힐(1997-2010), 패밀리 가이(1999-현재), 퓨처라마(1999-2003, 2008-2013, 2023-현재)를 포함한 더 독창적이고 비교적 대담한 시리즈들을 촉발시켰습니다.

MTV에서 애니메이션의 사용은 채널이 "음악 텔레비전"이라는 별명에 맞지 않는 쇼를 점점 더 많이 만들기 시작했을 때 증가했습니다. 리퀴드 텔레비전(1991년 ~ 1995년)은 이 쇼를 위해 독립 애니메이터들에 의해 주로 만들어졌으며, 별도의 æ 플럭스, 비비스 및 버트헤드(1993년 ~ 1997년), 다리아(1997년 ~ 2002년)를 낳았습니다. MTV의 다른 1990년대 만화 시리즈로는 더 헤드 (1994–1996)와 더 맥스 (1995)가 있으며 둘 다 MTV의 오디스 배너 아래에 있습니다. 2001년까지 MTV는 애니메이션 부서를 폐쇄하고 애니메이션 시리즈를 아웃소싱하기 시작했으며 결국 관련 네트워크에서 쇼를 수입했습니다.

워너 브라더스의 24시간 케이블 채널 카툰 네트워크는 1992년 10월 1일 미국에서 시작되었으며 곧이어 첫 국제 버전이 출시되었습니다. 원래 이 프로그램은 워너 브라더스, MGM, 플라이셔/파머스, 한나-바바라의 백 카탈로그에 나오는 고전 만화로 구성되었습니다. 1996년부터 2003년까지, 새로운 오리지널 시리즈는 만화영화로 방영되었고, 인기있는 제목인 덱스터의 연구소 (1996-2003), 조니 브라보 (1997-2004), 소와 닭 (1997-1999), 나는 족제비 (1997-2000)를 소개했습니다. 파워퍼프 걸스(1998–2005), 에드, 에드 에디(1999–2009), 용기 있는 겁쟁이 개(1999–2002). 21세기 CN 만화의 예로는 사무라이 잭 (2001–2004, 2017), 코드네임: 옆집 아이들 (2002–2008), 틴 타이탄스 (2003–2006), 벤 10 (2005–2008), 어드벤처 타임 (2010–2018), 정규 쇼 (2010–2017), 어메이징 월드 오브 검볼 (2011–2019)이 있습니다.

어린이들을 위한 텔레비전 애니메이션은 또한 디즈니 채널/디즈니 XD, PBS 키즈와 같은 다른 전문 케이블 채널과 신디케이트 오후 시간대에서 계속해서 번창했습니다. 90년대 디즈니 만화의 예로는 TaleSpin (1990–1991), Darkwing Duck (1991–1992), Goof Troop (1992, 1995, 2000), Aladin (1994–1995, 1996), Gargoyles (1994–1997), Timon & Pumba (1995–1999), 101 Dalmatians (1997–1998), Pepper Ann (1997–2000), 그리고 Disney's Recession (1997–2001, 2003)이 있습니다. 디즈니 르네상스 이후, 그들은 킴 파서블 (2002-2006, 2007), 피녜스와 퍼브 (2007-2015), 중력 폭포 (2012-2016), 스타 대 악의 세력 (2015-2019), 라이온 가드 (2016-2019), 덕테일즈 (2017-2021), 빅 시티 그린스 (2018-현재), 앰비언트 (2019-2022), 그리고 올빼미 하우스 (2020-2023)였습니다.

1990년대에 제작된 만화는 일반적으로 만화, 특히 미국 애니메이션 어린이 프로그램을 위해 "레네상스 애니메이션 시대"로 불리기도 합니다. 디즈니 채널(디즈니 브랜디드 텔레비전 소유), 니켈로디언(비아콤 소유, 현재 파라마운트 글로벌로 알려짐), 카툰 네트워크(워너 브라더스 소유). 애니메이션)은 애니메이션 텔레비전 산업을 지배할 것입니다. 이 세 개의 채널은 오늘날에도 특히 1990년대의 전성기에 어린이 예능의 '빅3'로 꼽힙니다.

컴퓨터 애니메이션과 뉴미디어의 획기적인 발전

1990년대 동안 3D 애니메이션은 특히 비디오 게임에서 점점 더 주류가 되었고, 결국 1995년 픽사의 장편 영화 히트작 토이 스토리로 큰 돌파구를 열었습니다.

터미네이터 2: 심판의 날(1991)과 쥬라기 공원(1993)에서 획기적인 효과가 나타나기 전인 1980년대부터 일부 광고와 영화에서 다소 사실적인 3D 애니메이션이 특수 효과에 사용되었습니다. 이후 CGI와 실제 촬영의 차이점이 거의 명확하지 않을 정도로 기술이 발전했습니다. 영화 제작자는 두 가지 유형의 이미지를 가상 촬영법과 원활하게 혼합할 수 있습니다. 매트릭스(1999)와 그 두 편의 속편은 보통 이 분야에서 획기적인 영화로 여겨집니다.

가상 세계의 생성은 1962년부터 실험되어 1990년대에 상업적 엔터테인먼트 애플리케이션을 보기 시작한 매체인 가상 현실에서 실시간 애니메이션을 허용합니다.

월드 와이드 웹의 출시는 모션 그래픽과 컴퓨터 애니메이션에 대한 관심을 높였고, 새로운 미디어로 알려진 것에 대한 많은 새로운 응용 프로그램, 기술 및 시장을 창출했습니다.

2000년대-2010년대: 컴퓨터 애니메이션에 가려진 전통적인 기법

캐릭터 애니메이션을 위한 모션 캡쳐 시스템

픽사의 토이스토리(1995)와 드림웍스 애니메이션의 슈렉(2001)의 성공 이후, 컴퓨터 애니메이션은 미국을 비롯한 많은 나라에서 지배적인 애니메이션 기법으로 성장했습니다. 전통적으로 보이는 애니메이션도 전통적인 애니메이션의 모습을 재현하기 위해 셀 쉐이딩 기술의 도움을 받아 컴퓨터로 완전히 제작되는 경우가 점점 더 많았습니다(진정한 실시간 셀 쉐이딩은 2000년 세가의 제트 세트 라디오에서 드림캐스트 콘솔용으로 처음 선보였습니다). 2004년까지 여전히 전통적인 기술로 작은 제작물만 만들어졌습니다.

21세기의 첫 10년은 극장에서도 3D 영화가 주류를 이루었습니다. CGI의 제작 과정과 시각적 스타일은 전통적인 애니메이션 스타일과 방식보다 훨씬 더 많은 3D 시청에 완벽하게 적응합니다. 하지만, 많은 전통적인 애니메이션 영화들은 3D에서 매우 효과적일 수 있습니다. 디즈니는 2011년에 라이온 킹의 3D 버전을 성공적으로 출시했고, 2012년에 미녀와 야수가 그 뒤를 이었습니다. 인어공주의 계획된 3D 버전은 미녀와 야수와 3D로 변환된 두 개의 픽사 타이틀이 박스 오피스에서 충분히 성공하지 못하자 취소되었습니다.[72]

디즈니 픽사

디즈니는 공룡과 치킨 리틀과 함께 그들만의 3D 스타일의 컴퓨터 애니메이션을 제작하기 시작했지만, 전통적인 모습과 함께 계속해서 애니메이션을 만들었습니다. 황제의 새로운 홈 (2000), 아틀란티스: 잃어버린 제국 (2001), 릴로 & 스티치 (2002), 트레져 플래닛 (2002), 브라더 베어 (2003), 홈 온 더 레인지 (2004).

Treasury Planet과 Home on the Range는 큰 예산으로 큰 실패를 했고 디즈니는 3D 컴퓨터 애니메이션만 계속할 것처럼 보였습니다. 2006년의 재정 분석은 디즈니가 지난 10년간의 애니메이션 제작으로 손해를 봤다는 것을 증명해 보였습니다.[73] 그 동안 픽사의 CGI 기능은 매우 잘 작동했습니다. 디즈니는 2006년 픽사를 인수하고, 픽사와 월트 디즈니 애니메이션 스튜디오를 모두 창조적으로 통제하기 위해 이 거래의 일환으로 픽사의 존 라세터의 손에 들어갔습니다. 스튜디오는 별도의 법적 주체로 유지됩니다. 라세터 아래 디즈니 스튜디오는 전통적인 스타일의 애니메이션 프로젝트와 3D 스타일의 애니메이션 프로젝트를 모두 개발했습니다.

극장 단편 How to Hook Up Your Home Theater(2007)는 새로운 종이 없는 애니메이션 프로세스가 1940년대와 1950년대 만화와 비슷한 모습으로 사용될 수 있는지 테스트했으며, Goofy는 42년 만에 처음으로 솔로 출연에서 "Everyman" 역할로 돌아갔습니다.

론 클레멘츠와 존 머스커(John Musker)의 장편 '공주와 개구리(The Princess and the Frog)'(2009)는 중간 정도의 상업적 성공과 비평적 성공을 거두었지만, 스튜디오가 바랐던 전통적인 특징들에 대한 컴백 히트는 아니었습니다. 그것의 인식된 실패는 주로 제목에 "공주"가 사용되었기 때문에 잠재적인 영화 관람객들이 그것이 어린 소녀들만을 위한 것이라고 생각하게 만들었고 구식이었습니다.

Winnie the Pooh (2011)는 호평을 받았지만 박스 오피스에서 실패했고 지금까지 디즈니의 가장 최근 전통적인 특징이 되었습니다. 겨울왕국(2013)은 원래 전통적인 스타일로 구상되었지만 특정 필요한 시각적 요소를 생성할 수 있도록 3D CGI로 전환되었습니다. 그것은 그 당시 디즈니의 가장 큰 히트작이 되었고, 라이온 킹과 픽사의 토이 스토리 3를 제치고 역대 최고 수익을 올린 애니메이션 영화로 선정되었고, 최고 애니메이션 영화로 스튜디오 최초의 아카데미 상을 수상했습니다.

애니메

특히 세계적으로 손으로 그린 애니메이션은 매우 인기를 이어갔으며, 특히 일본에서는 전통적인 스타일의 애니메이션이 지배적인 기술로 남아 있었습니다. 애니메이션의 인기는 계속해서 상승했고, 2015년에 340편의 애니메이션 시리즈가 텔레비전에서 최고로 방영되었습니다. 카툰 네트워크(1997년 ~ 2008년)와 성인 수영(2012년 이후)에 투나미 전용 블록을 설치하고 넷플릭스와 아마존 프라임과 같은 스트리밍 서비스를 통해 애니메이션을 라이선스하고 제작하는 것이 증가하고 있습니다.

지브리는 미야자키의 센과 치히로의 행방불명(2001), ハウルの動く城(하울의 움직이는 성)(2004), 崖の上のポニョ(포뇨)(2008), 風立ちぬ(바람이 분다)(2013), 요네바야시 借りぐらしのアリエッティ 히로마사(시크릿 월드 오브 아리에티)(2010)로 엄청난 성공을 이어갔습니다. 전 세계적으로 1억 달러 이상의 수익을 올렸고, 역대 애니메이션 영화 중 가장 높은 수익을 올린 상위 10위 안에 들었습니다(2020년 기준). 타카하타의 かぐや姫の物語 (카구야 공주 이야기) (2013)은 오스카 장편 애니메이션 영화 아카데미상과 다른 많은 상 후보에 올랐습니다.

신카이 마코토 감독 君の名は。 (유어 네임) (2016년, 역대 최고 수익 애니메이션 영화), 天気の子 (웨딩 위드 유) (2019년).

스톱모션

주요 기사: 스톱모션

J. Stuart Blackton, Segundo de Chomon, 그리고 Arthur Melbourne-Cooper와 같은 사람들의 선구적인 작업 이후, 스톱 모션은 손으로 그린 애니메이션과 컴퓨터 애니메이션보다 훨씬 덜 지배적인 애니메이션의 한 분야가 되었습니다. 그럼에도 불구하고, 많은 성공적인 스톱 모션 영화와 텔레비전 시리즈가 있었습니다. 애니메이션 인형을 사용한 작업이 가장 높은 찬사를 받은 애니메이터 중에는 와디슬라프 스타레비츠, 조지 팔, 헨리 셀릭이 있습니다. 애니메이션 클레이를 사용한 인기 있는 타이틀로는 검비(1953), 미오 마오(1970), 빨강과 파랑(1976), 핑구(1990–2000), 그리고 많은 아드맨 애니메이션 작품(모프(1977), 월리스와 그로밋(1989)이 있습니다.

얀 스반크마예르와 브러더스 퀴와 같은 영향력 있는 영화 제작자들의 손에 스톱모션은 고도의 예술적 매체로 여겨져 왔습니다.

컴퓨터 애니메이션 효과로 대체되기 전까지 스톱 모션은 실사 영화에서 특수 효과를 위한 인기 있는 기술이기도 했습니다. 선구자 윌리스 오브라이언(Willis O'Brien)과 그의 보호자 레이 해리하우젠(Ray Harryhausen)은 전기자가 있는 모형이나 인형을 사용하여 실사 할리우드 영화를 위해 많은 괴물과 생명체를 애니메이션으로 만들었습니다. 이에 비해, 손으로 그린 애니메이션은 비교적 자주 실사와 결합되었지만, 대개 명백한 방식으로, 종종 "진짜" 세계와 환상 또는 꿈 세계를 결합하는 놀라운 속임수로 사용되었습니다. 손으로 그린 애니메이션이 설득력 있는 특수 효과로 사용되는 경우는 매우 드물었습니다(예를 들어, 하이랜더(1986)의 클라이맥스에서).

컷아웃 애니메이션

본문: 컷아웃 애니메이션

컷아웃 기법은 셀 애니메이션이 표준 방법이 되기 전까지 애니메이션 영화에서 비교적 자주 사용되었습니다(적어도 미국에서는). 퀴리노 크리스티아니와 롯데 라이니거의 초기 애니메이션 장편 영화는 잘라낸 애니메이션이었습니다.

1934년 이전 일본 애니메이션은 셀 애니메이션보다 컷아웃 기법을 주로 사용했는데, 셀룰로이드가 너무 비싸기 때문입니다.[74][75]

컷아웃은 종종 손으로 그린 것이고 일부 작품은 여러 애니메이션 기술을 결합하기 때문에 컷아웃 애니메이션은 때때로 손으로 그린 전통 애니메이션과 매우 비슷하게 보일 수 있습니다.

어린이 프로그램(예를 들어 아이버 더 엔진)에서 때때로 간단하고 저렴한 애니메이션 방법으로 사용되는 반면, 컷아웃 애니메이션은 해리 에버렛 스미스, 테리 길리엄 및 짐 블래쉬필드와 같은 영화 제작자의 손에 비교적 예술적이고 실험적인 매체로 남아 있습니다.

오늘날 컷아웃 방식의 애니메이션은 컴퓨터를 사용하여 제작되는 경우가 많은데, 물리적으로 컷아웃된 재료 대신 스캔된 이미지나 벡터 그래픽이 사용됩니다. 사우스 파크의 파일럿 에피소드는 컴퓨터 소프트웨어로 전환하기 전에 종이를 잘라낸 것이기 때문에 전환의 주목할 만한 예입니다. 컴퓨터 애니메이션의 유사한 스타일 선택과 다양한 기술과의 혼합으로 인해 "전통적인", "절단적인", "플래시" 애니메이션 스타일을 구별하기가 더 어려워졌습니다.

지역별 기타개발

아메리카 대륙

참고 항목: 브라질 애니메이션의 역사, 캐나다 애니메이션의 역사, 침묵의 시대 미국 애니메이션, 미국 애니메이션의 황금기, 제2차 세계 대전과 미국 애니메이션, 텔레비전 시대 미국 애니메이션, 미국 현대 애니메이션

쿠바 애니메이션의 역사

멕시코 애니메이션의 역사

  • 1935: 알폰소 베르가라는 단편 애니메이션 영화인 파코 페리코엔 프리미어를 제작합니다.
  • 1974: 페르난도 루이스(Fernando Ruiz)는 멕시코 최초의 장편 애니메이션 영화인 로스 레예스 마고스(Lostres Reyes Magos)를 제작합니다.
  • 1977: 아누아르 바딘(Anuar Badin)은 만화를 기반으로 한 영화 로스 슈퍼사비오스(Los supersabios)를 제작합니다.
  • 1983: 로이 델 에스파시오

유럽

참고 항목: 영국 애니메이션의 역사, 체코 애니메이션, 에스토니아 애니메이션, 프랑스 애니메이션의 역사, 헝가리 애니메이션의 역사, 러시아 애니메이션의 역사, 스페인 애니메이션, 우크라이나 애니메이션의 역사

이탈리아 애니메이션의 역사

크로아티아(구 유고슬라비아)의 애니메이션 역사

아시아

참고 항목: 애니메이션의 역사, 중국 애니메이션의 역사, 인도 애니메이션의 역사, 한국 애니메이션의 역사, 이란 애니메이션의 역사, 말레이시아 애니메이션

미디어

참고 항목

참고문헌

인용문

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인용작

서지학

온라인 소스

외부 링크