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캐슬 인 더 스카이

Castle in the Sky
이 기사는 1986년 애니메이션 영화에 관한 것입니다. 기타 용도는 하늘의 성(동음이의)과 라푸타(동음이의)를 참조하십시오.
라푸타: 캐슬 인 더 스카이
1986년 극장 개봉 포스터
일본이름
간지天空の城ラピュタ
전사
수정 햅번덴쿠노 시로 라퓨타
연출자미야자키 하야오
작성자:미야자키 하야오
제작자다카하타 이사오
스타링
영화 촬영다카하시 히로카타
편집자
음악별히사이시 조
생산.
회사
배포자토에이 회사
출고일자
  • 1986년 8월 2일 (1986-08-02)
러닝타임
124분
나라일본
언어일본인입니다
예산.¥5억 달러(800만 달러)

라푸타: 하늘의 성 (일본어: 天空の城ラピュタ, 헵번: Tenkū no Shiro Rapyuta), released as Castle in the Sky in North America, is a 1986 Japanese animated fantasy adventure film written and directed by Hayao Miyazaki. 타카하타 이사오가 제작하고, 스튜디오 지브리가 애니메이션, 토에이 컴퍼니가 배급했습니다. 성우 역할로, 오리지널 일본어 버전에는 다나카 마유미, 요코자와 케이코, 하츠이 코토에, 그리고 테라다 미노리가 출연합니다. 영화는 하늘을 나는 신화 속의 성 라푸타로 가는 길에 군대인 무스카와 해적 무리에게 쫓기는 고아 시타와 파즈를 따라갑니다.

라푸타는 스튜디오 지브리가 처음으로 애니메이션화한 영화로 미야자키의 오랜 협력자들로 구성된 제작진이 있으며, 그들은 앞으로 30년 동안 스튜디오와 함께 작업을 계속할 것입니다. 스튜디오의 의도는 품질의 저하 없이 독창적인 장편 영화를 만드는 것이었습니다. 이 영화는 부분적으로 1984년 석탄 광부들의 파업의 여파를 목격한 미야자키의 웨일즈 여행에서 영감을 얻었습니다. 라푸타 섬은 미야자키의 생태 철학을 반영한 인간, 자연, 기술 간의 관계를 탐구하면서 환경주의의 주제를 강조하는 데 사용됩니다. 어린 주인공들은 또한 "그의 작품에서 아이들의 정직함과 선함"을 묘사하고 싶은 미야자키의 바람의 결과로 이야기에 대한 독특한 관점을 제공합니다.[1] 이 영화의 복고적인 미래지향적 스타일의 많은 측면들, 특히 비행 기계는 현대 스팀펑크 장르에서 명성을 얻은 19세기 접근법의 영향을 받았습니다.

이 영화는 1986년 8월 2일 일본 극장에서 개봉되었습니다. 박스오피스에서는 기대 이하의 성적을 거두었지만, 이후 재개봉을 통해 상업적인 성공을 거두며 2021년 기준 1억 5700만 달러 이상의 수익을 올렸습니다. 1988년에 토쿠마 쇼텐이 의뢰한 영어 더빙은 스트림라인 픽처스에 의해 북미에서 배급되었고, 또 다른 더빙은 1998년에 디즈니에 의해 제작되었고, 2003년에 부에나 비스타에 의해 국제적으로 발매되었습니다. 이 영화의 악보는 미야자키의 절친한 협력자가 된 조 히사이시에 의해 작곡되었습니다. 히사이시는 또한 2003년 영어 더빙을 위해 재작업된 사운드트랙을 작곡했습니다. 이 영화는 비평가들로부터 전반적으로 호평을 받았지만, 2003년 영어 더빙은 엇갈린 평가를 받았습니다. 이 영화는 후년 역사상 가장 위대한 애니메이션 영화 중 하나로 뽑히며 관객들에게 좋은 평가를 받았습니다. 이 영화는 또한 몇 가지 주목할 만한 찬사를 받았습니다. 그 후 라푸타는 "컬트 지위"[2]를 얻었고, 여러 미디어에서 활동하는 여러 유명한 아티스트들에게 영향을 미쳤습니다.

플롯요약

정부 요원 무스카에게 납치된 고아 소녀 시타를 태운 비행선은 시타의 수정 목걸이를 찾기 위해 돌라와 그녀의 일당에게 공격을 당합니다. 탈출을 시도하던 시타는 비행선에서 떨어졌지만, 그녀를 천천히 내리는 지금 빛나는 크리스탈의 마법에 의해 구해집니다. 그녀는 파즈에게 붙잡히고 파즈는 그녀를 그의 집으로 데려갑니다. 다음날 아침, Pazu는 Sheeta에게 그의 아버지가 신화 속의 하늘을 나는 섬인 Laputa의 사진을 보여줍니다. 아버지의 이름을 밝히기로 결심한 파즈는 라푸타를 찾겠다고 맹세합니다. 그러나 그들은 돌라의 패거리들은 물론 군대와 무스카에게 발견되고 쫓깁니다. 그들은 공격을 받고 광산 갱도로 떨어졌지만, 그 수정에 의해 다시 구원을 받게 되고, 그 수정은 그들을 구덩이 깊숙이 떨어뜨립니다. 터널에서 그들은 폼 삼촌을 만납니다. 폼 삼촌은 시타의 수정과 같은 물질인 빛나는 광물 아테리움의 침전물을 보여줍니다.

시타는 파즈에게 자신을 라푸타와 묶는 비밀스러운 이름을 가지고 있다고 밝히고, 그 신화가 진짜임을 증명하지만, 두 사람은 군대에 붙잡혀 요새에 갇히게 됩니다. 무스카는 하늘에서 떨어진 죽은 로봇 시타에게 시타의 수정에 같은 휘장이 붙어있는 것을 보여주고, 그녀가 라푸탄 왕위의 상속녀임을 밝힙니다. 무스카는 시타가 군대를 라푸타로 인도하는 조건으로 파즈를 풀어줍니다. 파즈는 집으로 돌아왔지만 돌라의 패거리에게 붙잡혀 요새로 날아갈 준비를 하고 수정을 가져갑니다. Pazu는 그들과 함께 Sheeta를 구하기 위해 시도합니다. 요새에서 시타는 어머니가 가르쳐준 고대 문구를 암송하고 무심코 수정의 마법을 작동시켜 로봇을 되살립니다. 이 로봇은 시타를 군대로부터 보호하고 무기로 요새를 파괴하지만 군용 비행선 골리앗의 총에 맞습니다. 혼란 속에서 파즈와 돌라가 날아와 시타를 구출합니다. 하지만 시타의 수정은 남겨졌고 무스카는 그것을 이용해 라푸타로 항해하기로 결심합니다.

시타와 파즈는 비행선에 태우기 위해 돌라와 흥정을 하고, 승무원들과 함께 일하기 시작합니다. 수정의 방향을 본 시타는 돌라를 도와 라푸타로 이동합니다. 한밤중에 시타와 파즈는 돌라의 비행선이 골리앗의 공격을 받을 때 까마귀 둥지에서 감시합니다. Dola는 선으로 배에 부착된 글라이더 기능도 하는 까마귀 둥지를 분리합니다. 파즈는 아버지가 라푸타를 보았다고 믿는 거대한 구름을 발견합니다. Dola는 구름 속으로 방향을 잡으려 하지만 거센 바람에 멈춰 섭니다. 골리앗은 돌라의 비행선을 파괴하고 글라이더와 연결된 선을 끊습니다. 시타와 파즈는 난류의 번개 폭풍을 지나갑니다.

그들은 버려진 라푸타에 안전하게 착륙하지만 일부 동물군과 한 마리의 평화로운 로봇을 위해 착륙합니다. 성은 폐허가 되었고, 이제 섬의 꼭대기에서 거대한 나무가 자라납니다. 그러나 군대가 도착하여 돌라의 패거리를 포로로 잡고 성을 약탈하기 시작합니다. 무스카와 그의 공범자들은 군대를 배신하고, 지구와 교신하지 못하게 하고, 시타를 사로잡아 성 바닥으로 들어가 버립니다. Pazu는 Dola의 갱단을 그들의 속박에서 풀어주고 Muska를 쫓습니다. 성의 바닥은 라푸타의 고대 지식과 무기의 진원지이며, 무스카는 시타의 수정을 사용하여 그가 라푸타 왕가의 후손이라는 것을 그녀에게 드러냅니다. 무스카는 바다 위에서 거대한 폭발을 일으켜 골리앗과 그 선원들을 파괴함으로써 라푸타의 힘을 보여줍니다. 겁에 질린 시타는 크리스탈을 되찾고 도망칩니다. 그녀는 벽의 틈을 통해 파즈에게 수정을 주지만, 라푸타의 왕좌 방에서 쫓는 무스카에게 궁지에 몰립니다.

무스카는 크리스탈을 위해 목숨을 위협하지만, 파즈가 나타나 짧은 휴전을 위해 협상합니다. 시타는 파즈에게 또 다른 고대 구절인 파괴의 주문을 가르치며 이를 암송하여 라푸타가 무너지기 시작합니다. 마법의 빛은 죽음에 이르는 무스카를 실명시키고, 시타와 파즈는 거대한 나무의 뿌리로 보호받습니다. 라푸타의 바닥이 빠지는 동안, 돌라의 글라이더와 함께 성의 나머지 부분은 거대한 나무에 의해 보존되고 섬은 우주로 떠오르기 시작합니다. 시타, 파즈, 돌라의 패거리들은 도망칠 수 있고, 날아가기 전에 잠시 재회할 수 있습니다.

보이스 캐스트

오리지널 일본어[3] 버전에서 파즈의 목소리를 낸 다나카 마유미
마크 해밀은 2003년 영어 더빙에서 무스카의 연기로 비평가들의 찬사를 받았습니다.[4]
문자명 성우[3]
영어 일본인입니다 일본인입니다 영어
원본, 1986 미상 / 토쿠마 / 유선, 1988[note 1] 디즈니/부에나 비스타, 2003
파즈 파주 (パズー) 다나카 마유미 바바라 굿슨[5]
시타 ī타 (シータ) 요코자와 게이코 루이즈 참벨 안나 파킨
데비 데리베리 (젊음)
돌라 도라 (ドーラ) Kotoe Hatsui [자] 레이첼 바노웬 클로리스 리치먼
무스카 무스카 (ムスカ) 미노리 데라다 잭 위트 마크 해밀
일반 쇼군 (将軍) 이치로 나가이 마크 리처즈 짐 커밍스
폼 삼촌 포무즈 (ポムじい) 토키타 후지오 [자] 토키타 후지오 리처드 디사르트
더피 씨 / 사장님 오야카타 (親方) 이토 히로시 찰스 윌슨 존 호스테터
찰스 샤루루 (シャルル) 카미야마 타쿠조 [자] 밥 스튜어트 마이클 맥셰인
루이 루이 (ルイ) 야스하라 요시토 알 수 없는 ­ 맨디 패틴킨
앙리 안리 (アンリ) Sukekiyo Kameyama 앤디 딕
오카미 / 시에타의 어머니 오카미 (おかみ) 마치코 와시오 트레스 맥닐
매지 마지 (マッジ) 이소노 타라코 데비 데리베리
Motro / 올드 엔지니어 로기시 (老技師) 류지 사이카치 에디 프리어슨
트레인 오퍼레이터 알 수 없는 ­ 니시무라 토모미치 매트케이. 밀러

발전

스튜디오 지브리의 시작

자세한 정보: 스튜디오 지브리 § 역사, 야나가와 운하 § 제작 이야기

미야자키의 전작인 바람의 계곡의 나우시카(Nausicaä of the Valley of the Wind, 1984)의 상업적 성공 이후, 그는 "즐거움"이 될 구식 모험 영화 작업을 시작하기를 열망했습니다.[6] 미야자키의 첫 번째 애니메이션 영화 제안은 "푸른 산"이라는 가제의 야나가와 연구 여행을 기반으로 했습니다.[7] 이 영화는 결코 제작되지 않았지만 미야자키의 오랜 협력자인 이사오 다카하타가 지역 수로에 대한 산업의 환경적 영향에 대한 다큐멘터리인 "야나가와의 운하 이야기"(1987)를 만들도록 영감을 주었습니다.[8] 미야자키가 개인 사무실을 통해 상당 부분 프로젝트에 자금을 조달하고 있었기 때문에,[9] 애니메이션 편집자 스즈키 토시오는 비용을 회수하기 위해 다른 영화를 감독할 것을 추천했고, 미야자키는 이에 즉시 동의했습니다. 그는 초등학교 때 가졌던 아이디어를 바탕으로 영화의 컨셉을 빠르게 개발했습니다. 2014년 스즈키는 "타카하타가 예정대로 영화를 만들었다면 라푸타는 태어나지 않았을 것"이라며 사건을 반성했습니다.[10]

1985년 6월 15일, 미야자키와 타카하타는 스즈키와 그의 출판사 토쿠마 쇼텐의 지원을 받아 스튜디오 지브리를 설립했습니다. 미야자키는 사하라로부터의 따뜻한 바람에 대한 아랍어 용어와 2차 세계 대전 동안 이탈리아 군대가 사용했던 항공기인 카프로니 Ca.309를 참조하여 [11]그 이름을 직접 선택했습니다.[12] 애니메이션 작가 Dani Cavallaro는 이 선택이 비행기와 이탈리아 모두에 대한 미야자키의 사랑을 나타낸다고 언급했습니다.[13] 스튜디오를 만든 배경에는 독창적이고 고품질의 장편 영화를 만들어 침체된 일본 애니메이션 산업에 "일촉즉발의 바람"이 있었습니다.[14] 1995년 안시 국제 애니메이션 영화제의 한 연설에서 스즈키는 "충분한 예산과 시간을 들여 작품 하나하나에 모든 에너지를 바치는 것이 아이디어"[15]라고 말했습니다.

웨일스 여행

Caerphilly Castle
Big Pit National Coal Museum
웨일즈 남부의 케어필리 성(위)과 빅 피트 광산(아래). 미야자키는 그 영화를 위해 그 지역에서 영감을 끌어냈습니다.[16]

미야자키는 라푸타가 생산 초기 단계였던 1985년 연구 여행으로 웨일즈를 처음 방문했습니다. 그는 이 지역의 건축물에서 영감을 얻기로 결심했고, 그 결과 영화에 등장하는 몇몇 건축물들은 웨일스의 광산 도시들을 닮았습니다.[16] 미야자키는 또한 영국의 광산 폐쇄에 항의하는 석탄 광부들의 파업을 목격했습니다. 그들의 궁극적인 산업 보존 실패는 미야자키에게 지속적인 영향을 남겼습니다. 미야자키는 그 사건을 권력자들의 광부들의 삶의 방식과 사람들의 근면한 정신에 대한 공격으로 여겼습니다.[11] 그의 경험은 광산에서 가난을 겪으면서도 다수의 침략자들로부터 주인공들을 열렬히 보호하는 영화 속 여러 조연들에 반영되어 있습니다. 수잔 제이 네이피어(Susan J. Napier)는 이 묘사가 미야자키의 단순한 삶의 방식에 대한 갈망과 낙관주의에 기반한 이야기를 만들고자 하는 열망을 드러낸다고 주장합니다.[14] 애니메이션 학자 헬렌 매카시(Helen McCarthy)는 "하늘의 성(Castle in the Sky)은 또한 국가와 자유를 위한 웨일스 사람들의 투쟁의 메아리를 담고 있는 것 같다"[17]고 썼습니다. 미야자키는 이 영화의 개봉을 앞둔 1986년에 웨일즈를 다시 방문할 예정입니다. 2005년, 그는 가디언지에 "저는 그 사람들을 존경했고, 일본의 석탄 광부들이 그랬던 것처럼, 그들의 삶의 방식을 구하기 위해 싸우는 모습을 존경했습니다. 우리 세대의 많은 사람들은 광부들을 상징으로 보고 있습니다; 죽어가는 전투원들의 품종입니다. 이제 그들은 사라졌습니다."[18]

생산.

Cavallaro는 영화가 사용한 몇 가지 구별되는 레이어를 애니메이션화하는 세심한 방법에 대해 논의합니다. 디지털 도구를 사용하기 전에 훨씬 더 많은 노동력이 필요합니다. - 그녀는 이것을 "스튜디오 지브리의 끈질긴 헌신에 대한 귀중한 증언"이라고 부릅니다.[19] 영화의 특정 특수 효과는 셀과 영화 기술의 조합을 사용합니다.[20] 영화를 제작한 타카하타는 제작비에도 불구하고 최고 품질을 유지해야 한다고 주장했습니다. Napier는 Laputa의 생산이 "새로운 산업 표준을 확립했다"고 주장합니다.[14] 미야자키는 원래 프로젝트 제안서에서 "[라푸타는] 애니메이션을 다시 뿌리내리기 위한 프로젝트입니다."[21]라고 말했습니다.

미야자키의 옛 동료들과 바람의 계곡의 나우시카에의 제작진들은 스튜디오 지브리의 시작점에서 다시 한번 라푸타 작업에 고용되었습니다.[22] 이 영화는 2023년 800만 달러에 해당하는 5억 ¥의 제작 예산을 가지고 있다고 보고되었습니다. 도가 코보와 오! 프로덕션과 같은 몇몇 애니메이션 스튜디오가 중간 애니메이션을 지원했습니다.[3]

테마

자연과 기술의 역할

라푸타는 환경주의의 강력한 주제를 담고 있으며, 인간과 자연의 관계와 기술의 역할에 의문을 제기합니다.[24] 매카시는 라푸타의 거대한 나무를 "자연의 부활과 생명력을 부여하는 힘에 대한 메타포"라고 해석합니다.[25] 그러나 미야자키의 이전 작품들의 보다 낙관적인 결론과 대조적으로, 네이피어는 이 영화가 성이 날아가는 "정착적이지 않은 풍경"으로 끝나 인간이 자연계에 존재할 자격이 없을지도 모른다는 것을 암시한다고 언급합니다.[26] 문학자 앤서니 리오이는 라푸타를 자연과 첨단 기술 사이에 확립될 수 있는 평화를 보여주는 생태적 유토피아로 해석하지만, "인간의 폭력으로 평화가 깨질 때" 현대성에 대한 비판의 역할도 합니다.[27] 특히 현대 군국주의를 비판하는 데는 무스카와 군대의 성격이 사용됩니다.[28] Lioi는 이러한 전망이 자본주의와 산업주의, 급진적인 환경주의와 보존주의의 양극단을 피하면서 지배적인 서구 사상과 다르다고 지적했습니다.[27]

The flying castle Laputa, with the giant tree on top and weapons system underneath.
라푸타의 거대한 나무는 자연계의 회복 능력에 대한 은유로 간주되지만, 그 아래쪽은 현대의 부도덕함의 상징입니다.[27]

비평가들은 성의 철학적 모호성에 주목합니다; 라푸타는 처음에는 자연과 기술의 이상적인 결합처럼 보이지만, 나중에 그것은 훨씬 더 가혹하고 억압적인 하부를 가지고 있는 것으로 밝혀집니다.[25] 네이피어는 라푸타가 "극히 역설적"이고,[29] 카발라로는 "우리는 일방적이고 희석되지 않은 악의적인 힘을 가진 것이 아니라 선과 악의 양가적인 혼합을 가지고 있다"[19]고 썼습니다. 리오이는 이러한 유토피아 역시 "유토피아 담론에서의 암묵적 비판이 명시적이 되도록 명백한 디스토피아적 요소를 포함해야 한다"[27]는 일드니 카발칸티의 관찰에 근거하여 라푸타가 현대 문화의 윤리를 논평하는 수단으로 사용된다고 주장합니다.[30] 그러나 그는 성의 무기가 궁극적으로 파괴되는 것을 "폭력은 도시의 심장이 아니다"라는 것을 보여주는 것으로 해석하며, 근대성의 디스토픽적 요소는 치유될 수 있다고 해석합니다.[27]

영화는 또한 기술의 사용에 대한 모호한 견해를 제시합니다.[24] 라푸타의 로봇들은 극도의 파괴가 가능한 강력한 힘으로 영화에서 소개되기 때문에 이러한 견해의 예를 제공합니다.[31] 그러나 주인공들이 다음에 로봇을 만나면 라푸타의 정원과 동물원을 돌보며 완전히 평화롭습니다.[32] 리오이는 라푸탄 기술의 대표로서 로봇은 기본적으로 간병인이며 인간의 잔인함에 반응하여 파괴적이 될 뿐이라고 주장합니다.[27] 매카시는 "이것은 기술에 대한 논평이 아니라 인간이 기술을 현명하게 사용할 수 없다는 것에 대한 논평"이라고 주장합니다.[33] 오델과 르블랑은 "기술은... 반드시 나쁜 것은 아니지만, 우리는 그것이 어떻게 사용되고 어느 정도까지 사용되는지를 고려해야 합니다."[24] 자연과 기술의 이중성은 미야자키의 후기 영화인 모노노케 공주(1997)에서 더욱 탐구됩니다.[34]

아이들의 순수함

미야자키 감독의 다른 많은 영화들처럼, 라푸타는 어린 아이들을 주인공으로 등장시킵니다.[35] 미야자키는 아이들의 묘사를 마음씨가 좋고, 자신의 소속사에 자신감이 있으며, 역경에 대응하는 탄력적이고 쾌활한 것으로 중요시합니다.[36] 그는 그의 텔레비전 시리즈인 "미래소년 코난"의 평론가들을 비판했는데, 그는 그의 제목의 캐릭터를 "너무 좋은 신발 두 켤레"라고 묘사하면서, 그가 "그래서 '나쁜 캐릭터'를 보고 싶어, 이 바보야?"[37]라고 반박하고 싶은 유혹을 받았다고 인정했습니다. 영화 평론가 콜린 오델과 미셸 르 블랑은 "지브리의 영화 속 아이들은 무엇이든 가능하게 해주는 해방적인 힘"이라며 어린 주인공과 함께 영화를 만드는 것은 어른이 인지하지 못할 관점을 만들어낸다고 주장합니다.[38]

주인공들에 대한 부모의 감독 부재는 미야자키가 아이들의 자립을 촉진하는데 중요하다고 느끼는 요소입니다. 그의 영화의 주인공들은 시타와 파즈처럼 종종 고아가 되거나 어떤 식으로든 부모와 헤어지게 됩니다.[39] 미야자키는 "대부분의 고전 아동 문학의 본질적인 요소 중 하나는 이야기 속의 아이들이 실제로 스스로를 돌보는 것"이라고 믿습니다.[40] 부모의 존재는 아이들의 자율성을 억압할 것이라고 그는 생각합니다.[41] 영화에서도 아이들이 가지고 있는 능력의 한계를 탐구하는데, 카발라로는 긍정적인 특성과 부정적인 특성 사이의 조절을 통해 이 주제에 미묘함이 더해진다는 것을 관찰합니다.[42] 예를 들어, 파즈는 시타와 라푸타에 대한 탐구를 포기하기 직전까지 왔고,[43] 시타와 파즈는 결정체와 라푸타에 대한 지식 부족으로 인해 고군분투합니다.[44] 또한 미야자키의 이전 작품들과 달리 주인공들은 자신의 잘못을 반대하는 사람들을 설득하는 데 성공하지 못하기 때문에 아이들이 다른 사람들을 교육하는 능력에 대해 더 비관적인 시각을 갖게 됩니다.[43]

네이피어는 미야자키가 라푸타에서 아이들의 자유를 보여주자고 고집한 것은 판다와 마법의 뱀(1958)의 영향으로 볼 수 있다고 제안합니다.[41] 미야자키는 17살에 처음으로 이 영화를 보았고, 그것은 그가 애니메이션에서 직업을 추구하게 만들었습니다.[45] 1982년 와세다 대학에서 열린 한 강연에서 그는 "판다와 마법 뱀을 봤을 때 마치 눈에서 비늘이 떨어지는 것 같았다"며 "작품에 아이들의 정직함과 선함을 그려야 한다는 것을 깨달았다"고 말했습니다. 그는 이것이 자신의 노력의 초점이라고 생각합니다.[1] 순수의 주제는 미야자키 감독의 후속작인 이웃집 토토로(1988)에서 좀 더 초점을 맞춰 탐구됩니다.[46]

스타일.

지브리 박물관에 전시된 라푸탄 로봇 조각상. 그 로봇들은 미야자키의 많은 스타일적인 영향의 예입니다.[47]

미야자키의 비행에 대한 친화력은 그의 경력의 장편 영화 전반에 걸쳐 계속되는 모티브인 라푸타에서 반복적으로 보여집니다.[48] 영화 전반에 걸쳐 라푸타 섬, 비행선, 해적들의 오르니호퍼를 포함한 다양한 가상의 비행 기계들이 등장합니다; 시타의 수정은 또한 그녀가 공중을 떠다닐 수 있게 해줍니다.[49] 라푸타는 걸리버 여행기(1726)에서 같은 이름의 섬에서 직접 영감을 얻었습니다.[50] 그러나 영화 속의 다른 많은 비행 기계들은 19세기 양식적 접근법의 영향을 받은 복고적인 미래지향적입니다.[51] 또한 미야자키는 영화의 스타일을 고려할 때 쥘 베른과 로버트 루이스 스티븐슨의 문학에서 영감을 받았습니다.[52]

미야자키가 19세기의 영향으로부터 그렸던 또 다른 양식적인 특징은 "수공된 것들의 고유한 따뜻함을 여전히 가지고 있는" 기계들의 묘사입니다.[53] 파즈는 하늘을 나는 기계들을 열정적으로 만들고 작업하는 것으로 보여집니다.[54] 그리고 문학 학자 제프 밴더마이어와 S.J. 챔버스는 이것이 이 영화의 비행선에 "현실적인 신체성"을 부여한다고 주장합니다.[55] 미야자키는 당시 인기 있었던 메카 애니메이션에 대해 언급하면서 기계를 만들거나 유지하기 위해 고군분투하는 등장인물들을 묘사하지 않고 기계를 미화하는 쇼에 대한 증오를 표현했습니다.[56] 비평가 Eric Reinders의 말처럼, "미야자키 장치의 스위치를 그냥 돌릴 수는 없습니다."[54]

이러한 요소들 중 많은 것들이 스팀펑크 장르에 주요한 영향을 끼쳤습니다.[57] Cavallaro는 라푸타가 라푸타의 아래에 있는 무기 시스템과 같은 가상의 전자 기술 버전과 대조적으로 복고적인 미래 기술을 묘사하는 점에서 이 장르의 다른 많은 작품들과 같다고 썼습니다.[58] 다른 기계들은 즐거운 것으로 표현되지만, 라푸타의 아랫면은 오로지 파괴의 도구로 사용됩니다.[54] 미야자키는 어렸을 때 군용 비행기의 디자인과 힘에 끌렸다고 말했는데, 이는 그 기계가 사용되어 온 무차별적인 폭력 행위에 대한 거부감으로 대체되었습니다.[48] 미야자키의 하늘을 나는 기계에 대한 사랑과 그것들의 타고난 파괴적인 잠재력은 그의 후기 영화 "바람이 분다" (2013)에서 강조됩니다.[59]

풀어주다

2009년 미야자키 하야오 감독
2014년 타카하타 이사오 프로듀서

이 영화는 1986년 8월 2일 일본에서 토에이 컴퍼니에 의해 개봉되었습니다.[60] 일본 박스 오피스에서 이 영화는 약 80만 장의 티켓을 판매했는데,[note 2] 비평가들은 이 영화가 바람의 계곡의 나우시카에의 공연보다 다소 낮다고 주목했습니다.[62] 미야자키는 라푸타의 "실패"에 대한 실망감도 나타냈습니다. 이 영화는 이후 재개봉을 통해 상당한 금액을 추가로 벌어들였으며,[14] 2021년 기준으로 박스오피스, 홈 비디오 및 사운드트랙 매출에서 약 1억 5700만 달러의 수익을 올렸습니다.[63] 영국에서는 2019년 홈 비디오에서 다른 스튜디오 지브리 영화 5편보다 8번째로 많이 팔린 외국어 영화였습니다.[64] 이 영화는 2023년 현재 유럽에서 약 110만 장의 티켓을 판매했습니다.[65] 2003년부터 2023년까지 여러 차례 국제 극장 상영을 통해 이 영화는 약 620만 달러를 벌어들였습니다.[66]

영어 더빙

라푸타의 첫 영어 더빙은 1988년 토쿠마 쇼텐에 의해 일본 항공의 국제선에서 볼 수 있도록 의뢰되어 제작되었으며[note 1], 1989년에서 1991년 사이에 북미 시장에서 배급을 위해 당시 새로운 스트림라인 픽처스에 의해 라이선스되었습니다.[67] 이 더빙의 편집본은 영국 텔레비전에서 짧게 방송되었습니다.[note 3] Streamline의 대표인 Carl Macek는 이 더빙에 대해 "적절하지만 서툴다"고 생각하며 실망했습니다.[72] Streamline은 배급권 외에도 다음과 같은 두 개의 스튜디오 지브리 영화를 더빙할 예정입니다. 이웃집 토토로와 키키의 택배 (1989)[73]

디즈니가 제작한 영어 더빙은 1998년 녹음돼 1999년 영상으로 공개할 계획이었지만, 모노노크 공주가 북미 극장에서 좋은 성적을 거두지 못하면서 개봉이 취소됐습니다.[68] 이 영화는 2000년 2월 2일 뉴욕 국제 어린이 영화제에서 초연되었습니다.[3] 2003년 4월 15일 북미에서 가정용 비디오를 통해 발매되었으며, 키키의 딜리버리 서비스와 스피릿드 어웨이(2001)의 발매와 함께 공개되었습니다.[74] 제목과 스페인어 문구 la puta – 문자 그대로 '창녀' – 의 혼동 가능성 때문에 이 영화는 북미에서 단순히 캐슬 인 더 스카이(Castle in the Sky)로 개봉되었습니다.[61] 이 영화는 2012년 5월 22일 부에나 비스타에 의해 북미 블루레이로 개봉되었습니다.[75] 샤우팅! 2017년 10월 31일, 팩토리와 GKIDS가 블루레이와 DVD로 재발매했습니다.[76] 오리지널 일본어 버전과 2003년 디즈니 더빙 모두 2020년 넷플릭스가 스튜디오 지브리의 필모그래피에 대한 판권을 인수하면서 스트리밍이 가능해졌습니다.[77]

음악

라푸타: 캐슬 인 더 스카이
Soundtrack 앨범 by
히사이시 조
방출된1986년 8월 25일
장르.
길이39:17
라벨.토쿠마 쇼텐
제작자히사이시 조
히사이시 조 연대기
아리온
(1985) 		라푸타: 캐슬 인 더 스카이
(1986) 		커브드 뮤직
(1986)
2011년 사운드트랙 작곡가 히사이시 조

바람의 계곡의 나우시카에와 마찬가지로 히사이시 조는 라푸타의 사운드트랙을 작곡했습니다. 미야자키와 히사이시는 계속해서 가까운 협력자가 되었고, 히사이시는 그 이후로 미야자키의 모든 장편 영화에 음악을 제공했습니다.[78] 이 영화의 극장 개봉 3개월 전, 완성된 악보의 전조가 되는 데모와 음악 스케치의 모음집인 이미지 앨범이 토쿠마에 의해 컴팩트 디스크로 출판되었습니다. 사운드 트랙의 세 번째 버전은 완전한 교향악단을 위해 편곡되었고 도쿄 시티 필하모닉에 의해 녹음되었으며 1987년 컴팩트 디스크로 발매되었습니다.[79]

1998년 디즈니가 제작한 영어 더빙을 위해 히사이시는 미국의 관객들에게 더 적합하도록 사운드트랙을 다시 작성하라는 요청을 받았습니다. 새로운 사운드트랙은 시애틀 심포니에 의해 녹음되었고 부에나 비스타에 의해 발표된 2003년 영어 더빙에 포함되었습니다.[80] 디즈니 직원들은 히사이시가 외국인 관객들이 영화에서 상대적으로 더 많은 음악을 선호한다고 조언했습니다. 결과적으로, 미국의 사운드트랙은 훨씬 더 길어진 반면, 원래의 일본어 버전은 2시간이 넘는 영화를 위해 단지 1시간의 음악을 특징으로 했습니다. 히사이시는 미국 영화 악보가 지나치게 단순한 구성 방식을 사용한다고 느꼈지만, "하지만 라푸타의 음악을 이런 식으로 다시 해보니 많은 것을 배웠습니다."[78]라고 평했습니다.

이 영화의 크레딧 시퀀스는 이노우에 아즈미가 부른 "Carrying You"라는 제목의 오리지널 보컬 곡과 히사이시의 음악, 미야자키의 가사가 특징입니다. 이 곡은 1988년에 콤팩트 디스크 싱글로 발매되었으며, 스기나미 어린이 합창단이 추가로 합창 버전을 선보였습니다.[81]

라푸타의 음원 발매:
출고일자 영문제목 일본어 제목 메모들
1986년 5월 25일 라푸타: 캐슬 인 더 스카이 이미지 앨범 ~하늘에서 떨어진 소녀~ 天空の城ラピュタ イメージアルバム 〜空から降ってきた少女〜
1986년 8월 25일 라푸타: 하늘의 성~부상석의 신비~ 天空の城ラピュタ サウンドトラック 〜飛行石の謎〜
1987년1월25일 라푸타: 하늘의 성 교향곡 버전 ~거대한 나무~ 天空の城ラピュタ シンフォニー編 〜大樹〜
1988년3월25일 너를 안고 君をのせて 이노우에 아즈미 싱글
1989년 2월 25일 라푸타: 하늘의 성 드라마 버전 ~빛을 되살려라!~ 天空の城ラピュタ ドラマ編 〜光よ甦れ!〜
1989년11월25일 라푸타: 캐슬 인 더 스카이 하이테크 시리즈 天空の城ラピュタ ハイテックシリーズ
2002년10월2일 라푸타: 캐슬 인 더 스카이 USA 버전 사운드트랙 Castle in the Sky 〜天空の城ラピュタ USA ヴァージョンサウンドトラック〜 2003년 디즈니 더빙을 위해 쓰인 확장 사운드트랙

접수처

임계응답

라푸타는 개봉 이후 몇 년 동안 영화 평론가들로부터 대체로 호평을 받아왔습니다.[82] 2001년, 애니메이션은 라푸타의 100대 애니메이션 목록에서 44위를 차지했습니다.[83] 애니메이션 평론가이자 작가인 Raz Greenberg는 라푸타를 "지금까지 만들어진 가장 위대한 모험 영화 중 하나"[84]라고 부르고, 평론가 Manabu Murase는 그것을 "미야자키가 만든 가장 흥미로운 애니메이션"이라고 부릅니다.[85]

뉴욕 타임즈의 캐린 제임스와 디세렛 뉴스의 크리스 힉스는 이 영화의 2시간 상영이 관객들을 외면할 것이라고 느꼈지만,[86] 워싱턴 포스트의 리차드 해링턴과 IGN의 제레미 콘래드는 이 영화가 모든 연령대의 관객들을 즐겁게 할 매력이 있다고 주장했습니다.[87] 콘래드는 캐릭터들이 "너무 좋아서 지루하지 않고 항상 그들의 다음 모험이 무엇인지 보고 싶어합니다"라고 느꼈습니다.[4]

힉스는 아이들의 목소리를 "실"이라고 부르며 1988년 영어 더빙을 높이 평가하지 않았지만,[88] 제임스는 영어 더빙이 "은혜적으로" 이루어졌다고 느꼈습니다.[89] 2003년 더빙도 마찬가지로 The A.V.와 함께 엇갈린 평가를 받았습니다. 클럽의 타샤 로빈슨은 디즈니의 녹음을 "거의 코믹하게 싱겁게"라고 불렀고 [90]콘래드는 시타 역의 안나 파킨과 무스카 역의 마크 해밀의 연기에 감사를 표했습니다.[4]

대부분의 평론가들은 미야자키가 영화에서 보여주는 상상력을 강조했습니다.[91] Slant의 Chuck Bowen은 영화에 포함된 미묘한 세부 사항에 주목했고, 그는 그것이 "촉감과 독창성"을 제공한다고 생각했습니다.[92] 제임스에 따르면 몇몇 평론가들은 색의 사용을 칭찬했고, 이것이 이 영화를 "보는 즐거움"으로 만들었다고 합니다.[93] 해링턴과 보웬은 모두 이 영화의 강력한 생태학적 주제에 주목했으며, 해링턴은 라푸타의 기술의 "도덕적 이중성"을 높이 평가했습니다.[94]

리뷰 애그리게이터 웹사이트 Rotten Tomatoes에서 이 영화는 28명의 비평가로부터 96%의 지지율을 기록하고 있으며, 평균 평점은 10점 만점에 7.6점입니다. 이 사이트의 비평가들은 "하늘의 성은 애니메이션만큼이나 풍부하고 찬란한 스토리텔링 팔레트로 스튜디오 지브리의 독특한 강점을 짜릿하게 압축하고 있다"[95]고 말합니다. 메타크리틱에서 이 영화는 7명의 비평가를 기준으로 100점 만점에 78점의 가중 평균 점수를 얻었으며, 이는 "일반적으로 호의적인 평가"를 나타냈습니다.[96]

청중반응

라푸타는 1986년 애니매지가 주최한 리더스 초이스 어워드 부문에서 2위를 차지했습니다.[97] 2006년 일본 미디어 예술제에서 실시된 일본 문화청의 2006년 여론 조사에서 이 영화는 바람의 계곡의 나우시카에와 네온 제네시스 에반게리온(1995)에 이어 역대 세 번째로 우수한 애니메이션으로 평가되었습니다.[98] 일본 오리콘이 실시한 2008년 시청자 조사에서 라푸타는 역대 최고의 애니메이션으로 뽑혔습니다.[99]

포상

연도 수상/출판 카테고리 결과 수취인 Ref.
1986 마이니치 영화상 오후지 노부로상 원 미야자키 하야오 [100]
토쿠마 쇼텐
이미지 애니메이션 그랑프리 원 라푸타: 캐슬 인 더 스카이 [101]
피아 텐 올해 최고의 영화 1위 라푸타: 캐슬 인 더 스카이 [97]
키네마 준포 베스트 텐 8위 라푸타: 캐슬 인 더 스카이 [102]
독자의 선택 2위 라푸타: 캐슬 인 더 스카이 [97]
Eiga Geijutsu 무비 아트 원 라푸타: 캐슬 인 더 스카이
오사카 영화제 베스트 텐 1위 라푸타: 캐슬 인 더 스카이
일본 영화의 부흥 특별상 — 미야자키 하야오
다카하타 이사오
아동복지중앙위원회 특별 추천 — 라푸타: 캐슬 인 더 스카이 [103]

레거시

존 라세터는 라푸타를 그가 가장 좋아하는 영화 중 하나라고 불렀습니다.[104]

라푸타는 현대 스팀펑크와 디젤펑크 스타일의 핵심 작품으로 여겨집니다.[105] Eurogamer의 Philip Boyes는 바람의 계곡의 Nausicaä와 함께 라푸타를 일본에서 장르의 인기에 주요한 기여를 한 사람으로 간주하고 있으며, 그 외에는 유럽에서 주로 유행했던 비행선과 같은 스타일적 특징을 청중들에게 소개합니다.[57] McCarthy에 따르면, "그 이후로 서사적인 액션 어드벤처와 테크노 생태학적 주제가 혼합되어 [라푸타] 컬트의 지위를 얻게 되었습니다."[2]

애니메이션과 만화 업계의 몇몇 주목할 만한 아티스트들은 라푸타를 그들의 작품에 주요한 영향을 끼쳤다고 언급했습니다. 나디아: 네온 제네시스 에반게리온의 감독 안노 히데아키의 1990년 푸른 물의 비밀은 라푸타와의 유사성으로 유명합니다. 안노는 이전에 미야자키와 함께 바람의 계곡의 나우시카에를 제작한 적이 있으며, 나디아가 미야자키의 개념 중 하나에 일부 기반을 두고 있다고 말했습니다.[106] D.Gray-man (2004)의 작가 호시노 카츠라는 이 영화를 본 후 애니메이션에 대한 직업을 추구하게 되었고, 결국 만화가가 되었습니다.[107] 고스트 인 더 쉘 (1995) 감독 오시이[108] 마모루 (1995) 감독과 유어 네임 (2016) 감독 신카이 마코토 (2016) 감독은 라푸타를 그들이 가장 좋아하는 애니메이션 중 하나로 선정했습니다.[109] 게다가, 밴더 미어와 챔버스는 라푸타가 포르코 로쏘(1992)와 하울의 움직이는 성(2004)을 포함한 미야자키의 후기 영화들의 스타일적 기초를 형성한다고 주장합니다.[55]

픽사 앤 디즈니 애니메이션의 최고 크리에이티브 책임자였던 존 라세터는 종종 미야자키와 그의 작품들을 그의 "가장 큰 영감"이라고 언급했습니다.[110] 그가 가장 좋아하는 영화 몇 편에 대한 질문을 받았을 때, 라푸타에 대한 존경심을 나타냈습니다.[104] 라세터는 미야자키와 함께 그의 여러 영화의 영어 더빙 작업을 했으며, 이것이 그의 동료들과의 작업에 영향을 준 것이라고 언급했습니다. 2014 도쿄 국제 영화제에서 한 연설에서 라세터는 "우리가 픽사나 디즈니에 갇힐 때마다, 저는 단지 우리에게 다시 영감을 주기 위해 미야자키 영화 시퀀스를 한두 개 붙였습니다"[111]라고 말했습니다. 네이피어는 인간이 버린 세상을 돌보기 위해 떠난 로봇 픽사의 월-E(2008)의 주인공이 "라푸타의 육성 로봇에 뿌리를 두고 있을지도 모른다"고 주장합니다.[112]

라푸타는 특히 일본에서 수많은 비디오 게임에 영향을 미쳤으며, 그 성공은 스팀펑크 비디오 게임의 물결로 이어졌습니다.[57] 게임 디자이너 사카구치 히로노부(Sakaguchi)는 파이널 판타지 비디오 게임 시리즈의 영감으로 라푸타를 꼽았고, 특히 시리즈의 비행선에 영향을 준 것으로 언급했습니다.[113] 라푸타는 또한 마리오와 문명 프랜차이즈의 비행선에 영향을 미쳤습니다.[57] 마인크래프트의 아이언 골렘(2011)은 영화 속 로봇들에게서 영감을 얻었습니다.[114] 젤다의 전설 시리즈의 몇몇 게임들은 라푸타의 영향을 받은 것으로 유명한데, 특히 하늘을 나는 성과 영화와 몇 가지 주제적인 유사점을 특징으로 하는 왕국의 눈물(2023)입니다.[115]

2011년 12월 9일, 일본 텔레비전에서 라푸타가 방영되는 동안, 트위터에 글을 올리는 팬들은 초당 최고 25,088개의 트윗을 야기하여 플랫폼의 신기록을 세웠습니다.[116] 이 기록은 이후 2013년 8월 2일 또 다른 방송에서 143,199명의 초당 시청률을 기록하며 기록을 넘어섰습니다.[117]

메모들

  1. ^ a b 1988년 라푸타의 더빙을 제작한 회사는 아직 밝혀지지 않았습니다. 이 더빙은 때때로 "Streamline dub"이라고도 불리며, 많은 사람들이 이 더빙이 Streamline Pictures 자체에서 제작되었다고 믿게 합니다.[67] 다른 사람들은 더빙을 "매그넘"이라는 회사의 탓으로 돌립니다.[68] 그러나 스트림라인 담당자는 더빙 제작에 대한 어떠한 지식도 부인했습니다. Streamline의 공동 설립자인 Carl Macek는 그들이 더빙을 배포했을 뿐이며, 그들에게 더빙을 제공한 것은 Tokuma Shoten이며, 그는 그것을 할리우드의 이름 없는 회사에 아웃소싱하게 했다고 말했습니다.[69]
  2. ^ Cavallaro는 영화 개봉과 동시에 일본에서 80만 명의 관객을 확보했다고 보고한 [61]반면, Sukuzi는 77만 5천 명을 조금 덜 확보했다고 보고했습니다.[15]
  3. ^ 1988년 더빙은 ITV가 영국 동부 일부 지역에서 방영했습니다. 이 방영분은 원작에서 변경되어 일부 장면이 잘려나갔고,[70] 이 영화는 프로그램에 "라푸타: 하늘을 나는 섬"[71] 스튜디오 지브리는 이러한 편집에 대해 언급하지 않았습니다.

참고문헌

인용

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  21. ^ 미야자키 1996, 253쪽
  22. ^ Cavallaro 2006, p. 58; Greenberg 2018, p. 110.
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  27. ^ a b c d e f 리오이 2010.
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  30. ^ Lioi 2010에서 인용된 Cavalcanti 2004.
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  32. ^ 네이피어 2018, 95쪽
  33. ^ 맥카시 1999, 95쪽.
  34. ^ Odell & Le Blanc 2009, 21쪽; Cavallaro 2015, 148쪽.
  35. ^ Odell & Le Blanc 2009, 22쪽.
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  37. ^ 미야자키 1996, 페이지 295, 네이피어 2018, 페이지 92에서 인용.
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  40. ^ 미야자키 1996, p. 341, 네이피어 2018, p. 92에서 인용.
  41. ^ a b 네이피어 2018, 93쪽
  42. ^ Cavallaro 2006, 63쪽.
  43. ^ a b 그린버그 2018, 페이지 111
  44. ^ Cavallaro 2006, 63쪽; Cavallaro 2015, 49쪽.
  45. ^ Greenberg 2018, p. 4.
  46. ^ 네이피어 2018, 페이지 105.
  47. ^ 그린버그 2018, 페이지 115.
  48. ^ a b Cavallaro 2015, p. 146.
  49. ^ Odell & Le Blanc 2009, 65쪽; Napier 2018, 90쪽.
  50. ^ 미야자키 1996, 252쪽, Cavallaro 2006, 59쪽; Napier 2018, 88쪽.
  51. ^ 리오이 2010; 네이피어 2018, 89쪽.
  52. ^ Cavallaro 2006, 59쪽; Napier 2018, 89쪽.
  53. ^ Miyazaki 1996, 254쪽, VanderMeer & Chambers 2012, 182쪽에 인용되어 있습니다.
  54. ^ a b c Reinders 2016, 33페이지
  55. ^ a b VanderMeer & Chambers 2012, 페이지 183.
  56. ^ Reinders 2016, 34쪽; Miyazaki 1996, 20쪽.
  57. ^ a b c d 보이즈 2020.
  58. ^ Cavallaro 2015, 페이지 144.
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  60. ^ 미야자키 1996, 페이지 444
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도서 및 저널 출처

온라인 소스

외부 링크