텔레비전 시대의 미국 애니메이션

Animation in the United States in the television era
미국의 애니메이션 역사

텔레비전 시대 미국의 애니메이션은 1950년대 후반에서 1960년대 사이에 극장용 애니메이션 단편의 감소와 텔레비전 애니메이션의 대중화로 서서히 시작하여 1970년대에 정점을 찍고 1980년대 중반에 끝난 미국 애니메이션 역사의 한 시기입니다.이 시대는 저예산, 제한된 애니메이션, 극장보다 텔레비전에 대한 강조, 만화가 주로 아이들을 위한 것이라는 일반적인 인식이 특징입니다.[1]값싼 제작 가치, 빈약한 애니메이션, 그리고 비평가들과 상업적 반응이 혼재되어 있기 때문에, 이 시대는 때때로 비평가들에 의해 미국 애니메이션의 암흑기(또는 청동기 시대)라고 불리기도 합니다.[2][3]

텔레비전 애니메이션은 20세기 전반에 워너 브라더스의 루니 튠즈와 MGM의 톰과 제리 만화와 함께 디즈니의 극장용 애니메이션 영화의 성공으로부터 발전했습니다.애니메이션의 상태는 2차 세계대전 이후 텔레비전의 확산을 시작으로 30년 동안 극적으로 변화했습니다.스튜디오들이 황금기에 번창한 대규모의 극장용 단편 애니메이션 만화를 포기한 반면, 새로운 텔레비전 애니메이션 스튜디오들은 경제성과 생산량에 따라 번창할 것입니다.한나-바바라의 스쿠비두, 조시와 푸시캣츠, 캡틴 케이브맨, 그리고 홍콩 푸이, 필름레이션의 He-Man, DiC 엔터테인먼트의 인스펙터 가젯, 그리고 마블 프로덕션과 선보우 프로덕션의 트랜스포머를 포함하여, 많은 인기 있는 만화 캐릭터들이 이 시기에 등장했습니다.많은 엔터테인먼트 회사들이 그들의 애니메이션 프랜차이즈를 부활시키고 고예산의 성공적인 작품을 만드는 것으로 돌아오면서 그 기간은 1980년대 후반에 끝이 났습니다.

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초기실험

제한된 애니메이션 텔레비전 만화에서 많은 초기 실험이 있었습니다.이 만화들은 보통 약 5분 정도의 길이였고, 방송국들이 그것들을 유연하게 프로그램 할 수 있게 해주는, 자연 속에서 에피소드적이었습니다.1928년 고양이 펠릭스의 영상은 텔레비전을 통해 방송된 최초의 영상 중 하나였습니다.사바나 예술 디자인 대학의 역사학자 하비 데너로프는 애니메이션 제작자 돈 피글로지가 1931년에 뽀빠이 영화에서 작업한 텔레비전에 사용된 최초의 애니메이션 중 일부를 그렸다고 제안합니다.1938년, 만화가 채드 그로스코프의 8분간의 실험을 통해 TV용으로 만들어진 최초의 애니메이션 영화로 인용된 벌레 윌리가 NBC에서 방영되었습니다.[4]텔레비전을 위해 특별히 제작된 최초의 만화들 중 또 하나는 알렉산더 앤더슨과 제이 워드의 창작물인 크루세이더 래빗(1950)이었습니다.플로리다에 있는 작은 스튜디오인 Soundac은 또 다른 초기 모험 시리즈인 Colonel Bleep을 담당했습니다.종종, 기존의 프로그램들은 새로운 만화 캐릭터들을 위한 출시장이 될 것입니다.1956년, 하우디 두디 쇼는 창작자 아트 클로키의 첫 검비 클레이 애니메이션 만화를 방영했습니다.샘 싱어는 텔레비전 애니메이션에 대한 그의 노력으로 어느 정도의 악명을 얻었는데, 이 애니메이션은 펠리컨 패디의 모험의 애니메이션 각색과 원작 시리즈 버키와 페피토를 포함하는데, 둘 다 그 종류 중 최악으로 언급되어 왔습니다.반면에, 톰 그레이트라는 이름의 오랫동안 방영된 짧은 애니메이션 시리즈는 캡틴 캥거루 쇼를 위해 테리툰스에 의해 제작되었고, 이 시리즈는 영화 역사학자 레너드 말틴에 의해 "텔레비전용으로 제작된 최고의 만화 중 하나"로 찬사를 받았습니다.[5]

플라이셔 브라더스와 텍스 에이버리의 작품과 같은 황금 시대의 만화는 주제적이고 종종 선정적인 유머를 담고 있지만, 영화 제작자들은 주로 "어린이 오락"으로 간주했습니다.1954년부터 월트 디즈니는 자신의 주간 TV 시리즈인 디즈니랜드를 텔레비전이라는 매체로 활용했습니다.이 ABC 쇼는 그의 새로운 디즈니랜드 테마파크를 대중화시켰고, 디즈니 만화의 수십 년에 걸친 TV 방송을 시작했고, 이것은 후에 월트 디즈니의 멋진 색의 세계로 확장되었습니다.디즈니는 매체의 경제성이 그의 제작 기준을 뒷받침할 수 없다는 것을 인식하고 TV 애니메이션에 들어가는 것을 거부했지만, 그는 여전히 TV 전용 캐릭터인 루드비히 폰 드레이크를 만들 것을 명령했습니다.캐릭터의 부분들은 회사가 보관한 극장 단편들의 편집물들을 완전한 에피소드로 연결할 것입니다.

토요일 아침 만화와 TV특집

TV가 하나의 현상이 되어 관객들을 영화관에서 멀어지게 하기 시작하면서, 많은 어린이 TV 프로그램들은 그들의 스케줄에 극장 만화의 방영을 포함했고, 이것은 1920년대와 1930년대의 만화에 새로운 세대의 어린이들을 소개했습니다.만화 제작자 폴 테리는 테리툰스 만화 도서관의 판권을 텔레비전에 팔았고 1950년대 초에 사업에서 은퇴했습니다.이것은 마이티 마우스와 헤클과 제클의 캐릭터들에게 장수를 보장해 주었는데, 그들의 만화는 앞으로 30년에서 40년 동안 어린이 텔레비전 프로그래밍 블록에서 신디케이트되어 재방송되었습니다.

1950년대 후반과 1960년대까지, 만화를 어린이들의 오락으로 인식하는 것은 대중의 의식에 충분히 자리잡았고, 그래서 연방통신위원회 위원장인 뉴턴 미노우는 그의 획기적인 1961년 연설 "텔레비전과 공익"에서," 애니메이션이라는 매체를 전체적으로 비난하고 그것을 아이들에게 항상 정크 푸드를 먹이는 것과 비교했습니다.[6]애니메이션은 영화관에서 사라지기 시작했습니다; 디즈니가 설립자를 잃은 후에도 계속 애니메이션을 제작하는 동안, MGM과 워너 브라더스는 그들의 스튜디오를 폐쇄하고, 애니메이션을 외주화하고, 10년 말에 완전히 사라졌습니다.

텔레비전의 애니메이션은 거의 전적으로 아이들에게만 초점을 맞추었고, 토요일 아침 만화를 보기 위해 일찍 일어나는 전통은 수백만의 미국 아이들에게 매주 의식이 되었습니다.그 방송사들은 몇 시간 동안의 만화 쇼 블록을 제공함으로써 그들의 요구를 들어주어서 기뻤습니다.한나-바바라 프로덕션은 어린이들을 위한 TV 만화 제작의 선두주자가 되었습니다.Filmation(Fat Albert and the Cosby Kids, The Archies)과 DePatie-Freleng Enterprises(The Pink Panther)와 같은 많은 다른 스튜디오들이 TV 만화를 제작했지만, Hanna-Barbera는 1970년대에 토요일 아침 만화에 가상 잠금 장치를 개발했습니다.척 존스(Chuck Jones)와 같은 한나-바베라(Hanna-Barbera)의 제한된 애니메이션 스타일을 비판하는 사람들은 이를 "일러스트 라디오(llustrated radio)"라고 폄하했지만, 한 쇼가 취소되었을 때 스튜디오는 보통 제작비가 너무 저렴하기 때문에 이를 대체할 다른 쇼를 준비했습니다.

1960년대 중반부터 1980년대 초반까지 몇몇 성공적인 황금 시간대 애니메이션 TV 스페셜이 방영되었습니다.이 단발성 만화들은 황금 시간대에 방영되었기 때문에 (아이들뿐만 아니라 어른들에게도) 토요일과 평일의 만화들보다 더 높은 시청률을 얻어야 했습니다.CBS는 특히 많은 수의 애니메이션 TV 스페셜을 자사 네트워크에서 방영할 수 있게 해주었고, 그 중 몇 가지는 매년 반복되어 비디오와 DVD로 판매되고 있습니다.Rankin-Bass 스튜디오는 인기 있는 휴일을 겨냥한 스톱 모션 스페셜(빨간 코 순록 루돌프, 눈사람 프로스티, 산타 클로스가 마을에 온다)을 제작했습니다. 빌 멜렌데즈의 장기간 방영된 땅콩 스페셜 시리즈는 수많은 상을 수상했고, 4편의 장편 영화를 탄생시켰습니다.심지어 토요일 아침 시리즈도 시작했습니다.만화 등장인물들을 TV로 데려오려는 다른 시도들은 피너츠 감독 중 한 명인 필 로만이 1982년부터 짐 데이비스 만화 가필드를 TV로 데려오기 전까지는 거의 성공을 거두지 못했고, 그 결과 11편의 특별편과 오랫동안 방영된 애니메이션 시리즈가 탄생했습니다.

지배적인 한나-바베라 프로덕션이 1981년 NBC에서 스머프 초연과 함께 하나의 현상을 시작했지만, 1980년대에 그들이 제작한 다른 것은 거의 없었습니다.여기에 1987년 그레이트 아메리칸 인슈어런스 컴퍼니(Great American Insurance Company)의 소유주인 칼 린드너 주니어(Carl Lindner, Jr.)가 인수한 태프트 브로드캐스팅(Taft Broadcasting)의 재정적 문제도 추가되었습니다.2년 후, 톰 루거는 H-B 직원들의 탈출을 시작하여 재출범한 워너 브라더스를 만들었습니다. 애니메이션 부문.1991년에 터너 브로드캐스팅 시스템은 그 회사와 그 도서관을 샀습니다.

H-B 동창생 루비-스피어 프로덕션의 앨빈과 칩멍크, 마블과 짐 헨슨의 머펫 베이비, DiC와 컬럼비아의 리얼 고스트버스터즈, 필름 로만의 가필드와 친구들과 같은 다른 스튜디오들의 제공은 10년 내내 H-B 토요일의 우위를 조금씩 잠식했습니다.또한 토요일 아침에는 애니메이션의 프라임 타임 시리즈를 성공적으로 각색하려는 시도가 계속되었으며, 일부는 (해피 데이즈와 그 분사, 미스터 T, ALF: The Animated Series), 다른 일부는 그렇지 않았습니다 (펑키 브루스터, 게리 콜먼 쇼, 리틀 로지).30년간의 저항 끝에, 디즈니는 마침내 1985년 구미베어스와 위즐즈의 모험이 훨씬 더 많은 예산으로 데뷔했을 때 토요일 아침 시류에 편승했습니다; 1987년에 초연된 덕테일즈의 첫 번째 신디케이션 성공,결국 경쟁 스튜디오들이 경쟁하기 위해 그들의 제작 기준을 개선하도록 강요하는 디즈니 제작 신디케이트 만화의 전체 블록에 영감을 주었습니다.

1980년대에는 또한 틴에이저 뮤턴트 닌자 거북이, G.I. Joe: A Real American Hero, The Transformers, My Little Pony'n Friends, He-Man and the Masters of the Universe, She-Ra: Princess of Power, Jem and the Holograms, ThunderCats, Pound Puppies, and Care Bears와 같은 어린이 장난감을 바탕으로 한 많은 만화도 볼 수 있었습니다.심지어 팩맨 비디오 게임과 루빅스 큐브를 바탕으로 한 만화도 있었습니다.그들 중 몇몇은 장편 영화에 영감을 주기도 했습니다.많은 어린이들이 어린이들과 함께 성공을 거두었지만, 이와 같은 쇼들은 어린이 텔레비전을 위한 액션과 같은 부모 단체들에 의해 장난감 광고로 미화되었다고 비난을 받았습니다.이 단체들은 또한 이 쇼들의 많은 폭력 수준에 반대했습니다.이러한 추세를 억제하기 위한 ACT의 노력은 1990년에 제정되고 1996년에 시작된 FCC에 의해 엄격하게 시행된 어린이 텔레비전 법으로 이어졌습니다.

메이저 애니메이션 스튜디오

한나바바라

텔레비전 전용 만화를 제작한 최초의 주요 애니메이션 스튜디오는 한나-바바라 프로덕션이었습니다.MGM이 1957년 만화 스튜디오를 폐쇄했을 때, 한나-바베라는 TV용 만화를 직접 제작하기 시작했고, 저녁 "가족 시간"에 관객을 찾았습니다.한나-바베라의 첫 번째 애니메이션 시리즈는 NBC의 러프 & 레디 쇼의 첫 번째 신디케이션 출품작 허클베리 하운드 쇼, 퀵 드로우 맥그로 쇼, 요기 베어 쇼로 각각 하나의 릴 단편 영화의 대략적인 길이인 세 개의 단편 형식을 따랐습니다.하지만, 이 스튜디오는 1960년대 ABC의 플린트스톤즈로 처음으로 30분짜리 애니메이션 시트콤을 선보였습니다.많은 직계 후계자들과 마찬가지로, 원래는 온 가족이 텔레비전을 시청하는 황금 시간대에 방송되었습니다.플린트스톤즈는 한나-바베라의 몇몇 황금기 애니메이션 시리즈 중 첫 번째 작품으로, 젯슨, 탑 캣, 조니 퀘스트 등이 있습니다.하지만 1966년 플린트스톤즈가 끝난 후, 한나-바베라는 성장하고 있는 토요 아침 만화 시장으로 방향을 틀었는데, 1970년대 첫 방영을 위한 고립된 시리즈 외에, '허들은 어디에?'나 '아버지가 집에 올 때까지 기다려'와 같이 아이들 대신 어른들을 겨냥한 것이었습니다.

한나-바베라는 시리즈에서 흔한 열대지방을 사용하는 것으로 악명이 높았습니다.1950년대 후반부터 1960년대 중반까지의 오리지널 시리즈는 모두 의인화된 동물들을 특징으로 하며, 보통 어른(그리고 유명한 연예인을 흉내내는)과 아이가 자신의 환경의 인간과 상호작용합니다.1969년 CBS에서 첫 방영된 스쿠비두, 어디가!의 엄청난 성공 이후, 한나-바바라의 애니메이션 제작물의 다음 10년은 그 프로그램의 공식을 따를 것입니다: 초자연적인 (혹은 명백히 초자연적인) 미스터리를 풀거나 보통 엉뚱한 동물이나 유령의 도움으로 범죄와 싸우는 청소년 집단.스쿠비두의 많은 화신들은 CBS와 ABC에서 17시즌 동안 쉬지 않고 방영되었습니다.1970년대 후반과 1980년대 초반 동안, 한나-바베라는 프라임 타임 시트콤의 각색으로 방향을 틀었습니다.1981년 스머프가 되어서야 H-B는 다시 한번 스쿠비 템플릿 밖에서 성공을 거두었고, 결국 파생 시리즈(Snorks and Paws)로 이어졌습니다.1980년대 후반과 1990년대 초반에 한나-바베라는 플린트스톤 키즈와 스쿠비두라는 이름의 강아지와 같은 토요일 아침 만화 시장을 위한 어린 버전과 어린 버전의 만화 캐릭터를 제작하는 수많은 스튜디오에 합류했습니다.

텔레비전용 애니메이션 제작의 문제점 중 하나는 매우 노동집약적인 애니메이션 제작 과정이었습니다.연극 단편 주제가 이전에는 6개월 주기 또는 그 이상으로 제작되었지만, 네트워크는 매년 10-20분 분량의 에피소드 시즌을 필요로 했습니다.이것은 제작 과정의 속도를 높이기 위한 여러 가지 단축 기술로 이어졌고, 제한된 애니메이션의 기술을 적용하여 빠르게 제작되는 저예산 TV 만화를 많이 제작했습니다.한나-바베라는 또한 예술적인 이유로 제한된 애니메이션을 사용했습니다: 더 작고 낮은 해상도의 스크린으로, 회사의 이름은 대화, 과장된 음향 효과, 대담한 윤곽을 가진 클로즈업 샷에 초점을 맞춘 제한된 스타일이 영화 단편에 사용된 완전히 상세한 애니메이션보다 더 잘 작동한다고 추론했습니다.대형 극장 스크린을 위해 고안된 것들입니다.[1]

UPA

UPA 스튜디오는 TV 애니메이션 시장의 첫 희생자 중 하나였습니다.1952년 존 허블리는 좌파 사회운동주의로 인해 컬럼비아 픽처스의 압력을 받아 스튜디오에서 해고되었습니다.허블리 이후의 창조적인 분위기는 같지 않았고 UPA의 연극 쇼츠는 1959년에 끝이 났습니다.재정적으로 계속 살아가기 위해, UPA는 스스로를 지탱하기 위해 텔레비전에 눈을 돌렸습니다.Mr. Magoo와 Dick Tracy의 TV판은 성공적이지 못했고 스튜디오의 재정적 하락을 되돌리는 데 아무 도움이 되지 않았습니다.주디 갈랜드와 로버트 굴렛의 목소리와 해롤드 알렌/입 하버그의 노래 악보가 등장하는 1962년 애니메이션 영화 게이 퍼리(배급 워너 브라더스)와 인기 애니메이션 스페셜 미스터 마구의 크리스마스 캐롤에도 불구하고 UPA는 1964년에 폐쇄되었습니다.

제이 워드 프로덕션

록키 앤 불윙클 쇼의 제작자인 제이 워드 스튜디오는 시리즈에 제한된 애니메이션을 사용했지만 냉전 정치와 대중 문화에 대한 풍자와 엇박자 유머로 보완했습니다.이전의 크루세이더 래빗과 마찬가지로 로키와 불윙클의 모험도 여러 편의 연속물이었습니다.워드 스튜디오는 또한 조지 오브 더 정글, 슈퍼 치킨, 그리고 톰 슬릭을 제작했습니다.이 회사는 이후 퀘이커 귀리 시리얼 캡틴 크런치, 퀴스, 퀘이크의 인기 텔레비전 광고 시리즈를 제작했습니다.Jay Ward와 같은 애니메이션 스튜디오를 사용한 또 다른 회사는 The Underdog Show로 가장 유명한 Total Television이었습니다.Total Television과 Jay Ward 애니메이션 제작은 종종 혼합되어 신디케이션으로 함께 방영되었고, 이로 인해 두 회사의 쇼는 때때로 서로 혼동되기도 했습니다.

필름레이션

Lou Scheimer와 Norm Prescott이 이끄는 Filmation은 1960년대에 생겨난 또 다른 텔레비전 애니메이션 스튜디오였습니다.필름레이션은 다른 미디어를 기반으로 한 애니메이션 시리즈를 제작할 수 있는 라이선스를 획득한 것으로 가장 유명했습니다. 모든 애니메이션을 미국 내에 유지하는 몇 안 되는 회사 중 하나였으며 한나 바베라와 UPA가 선호하는 제한된 애니메이션의 미학을 사용하지 않았습니다. 대신 필름레이션 제작은 스톡 푸타의 많은 사용에 의존했습니다.ge, 로토스코핑, 제한된 목소리 캐스팅(샤이머 자신이 많은 목소리를 제공함), 재정적으로 지불 능력을 유지하기 위해 저예산 실사 애니메이션 시리즈(예: The Ghost Busters 및 Uncle Croc's Block)와 라이센스 애니메이션 시리즈의 균형.1980년대까지 지속된 일련의 성공 이후, 필름레이션은 1989년에 해체되었습니다.

캄브리아 스튜디오

제한된 애니메이션의 가장 악명 높은 사용자들 중 하나는 1960년부터 그것을 실행하면서 Syncro-Vox라고 알려진 프로세스를 발명하고 특허를 낸 Cambria Studios였습니다.이 과정은 매우 경제적이고, 빠르고, 저렴한 제품을 만들어냈지만(따라서 텔레비전에 이상적인 제품으로 만들었다), 그것은 심각하게 받아들여지는 것을 막는 치명적인 결함이 있었습니다: 이 과정은 성우의 움직이는 입술을 캐릭터의 입에 고정된 프레임 위에 삽입하는 것을 포함했습니다.결과적으로 캄브리아의 만화(클러치 카고, 스페이스 엔젤, 캡틴 패덤)는 애니메이션을 거의 포함하지 않았으며, 효과적으로 (다른 제작자들보다 더 세밀하게 그려낸 그림이지만) 말과 함께 그림이었습니다.캄브리아는 1965년 뉴 쓰리 스투지스로 더 주류적인 제한된 애니메이션 프로세스로 전환했지만 얼마 지나지 않아 사업을 접었습니다.

디즈니

1960년대에 월트 디즈니의 현재 애니메이션 영화들(백일달마시안, 더 소드 인 더 스톤, 실사/애니메이션 콤보 메리 포핀스, 그리고 정글북)은 이전 애니메이션 영화들의 정기적인 재발행과 마찬가지로 스튜디오에 막대한 수익을 창출했습니다.특히 포핀스는 아카데미상을 5번이나 수상했고(스튜디오 최초로 최우수 작품상 후보에 올라) 1964년 박스 오피스 차트에서 1위를 차지했으며 오스카 상을 수상한 스타 줄리 앤드류스의 영화 경력을 시작했습니다.월트 디즈니의 원더풀 월드 오브 컬러는, 현재 NBC 방송을 통해, 미키 마우스, 미니 마우스, 도날드 덕, 데이지 덕, 구피, 플루토 등의 연극 만화 시리즈가 끝난 지 한참 후부터 대중의 의식을 유지하는 일요일 밤 방송 기관이 되었습니다.문집 시리즈는 1983년까지 계속되었습니다.1961년, 월트는 캘리포니아 인스티튜트 오브 더 아트를 설립하는 것을 도왔습니다.학교가 앞으로 몇 년 동안 회사에 많은 창의적인 인재를 제공했기 때문에, 연구소의 설립은 자선 행위이자 디즈니의 현명한 투자였습니다.1966년에 스튜디오는 A.A.를 데려왔습니다. 밀른의 곰돌이 푸 캐릭터들은 네 개의 만화영화 중 두 개의 만화영화 중 처음으로 스크린에 등장했습니다. (그 중 두 번째 작품인 곰돌이 푸와 허풍쟁이의 날은 월트 디즈니가 마지막으로 받은 오스카 상을 수상했습니다.)

월트가 1966년 12월 15일 폐암으로 세상을 떠났을 때 디즈니 제국은 완전히 흔들렸습니다.스튜디오는 그의 비전에 충실하려고 했지만(당시 일반적인 캐치프레이즈는 "Walt What would do?") 1970년대 스튜디오가 받은 인기와 찬사는 그 수준을 벗어났습니다.디즈니랜드와 월트 디즈니 월드(후자 1971년 개장) 테마파크는 결국 영화 부문보다 수익에 더 많은 기여를 하게 되었습니다.게다가 많은 베테랑 애니메이터들이 은퇴하거나 죽어서 스튜디오는 그들을 대체할 방법을 찾아야 했습니다.1973년 에릭 라슨은 새로운 애니메이터들을 위한 훈련 프로그램을 시작했습니다.

이 스튜디오의 월트 이후 애니메이션 요금은 아리스토캣츠, 로빈 후드, 구조대원, 여우와 사냥개, 새가 되기는 어렵다, 푸우와 티거도!,'작은 것', '곰돌이 푸', '아이모어를 위한 하루', '미키의 크리스마스 캐롤', '베드놉스', '브룸스틱스', '피트 드래곤' 등의 실사/애니메이션이 혼합되어 있습니다.일부 영화는 비평가들로부터 엇갈린 반응을 얻었는데, 특히 로빈 후드는 초기 영화의 애니메이션을 재사용한 것에 대해 광범위한 비판을 받았지만(특히 "The Fony King of England"라는 제작 번호에서), 이는 영화가 예정보다 훨씬 늦어졌기 때문입니다.[7]그럼에도 불구하고, 이 모든 영화들은 성공적이었고, 많은 영화들이 아카데미상 후보에 올랐습니다. (단편 버드와 베드놉스의 특수 효과로 두 번의 수상으로).게다가, Walt의 원래 의도에 따라, 처음 세 개의 푸우 장편영화는 1977년 장편영화 <곰돌이 푸의 많은 모험>으로 편찬되었습니다.

월트가 사망한 이후 가장 처참한 전개는 1979년 9월, 스튜디오 애니메이터 돈 블루스가 자신과 게리 골드만과 존 포메로이를 포함한 11명의 지지자들(당시 스튜디오 애니메이션 부서의 상당 부분)을 탈퇴시킨 사건입니다.디즈니에서의 현상에 진저리가 난 그와 그의 조수들은 단편 영화 "반조"와 장편 영화 "더 시크릿 오브 NIMH"를 제작한 자신의 스튜디오를 시작하기 위해 떠났습니다.[8] 디즈니는 39,900,000 달러의 상당한 총액과 여우와 사냥개에 대한 약간의 좋은 평가에도 불구하고, 불확실한 미래를 직면하며 1980년대에 접어들었습니다.[9]

흰개미 테라스의 끝

워너 브라더스1963년 애니메이션 스튜디오를 완전히 폐쇄했고, 터마이트 테라스의 감독들은 각자의 길을 갔습니다.프리즈 프렐렝은 1964년부터 1967년까지 루니 튠즈와 메리 멜로디를 제작한 DePatie-Freleng Enterprise를 공동 설립했습니다.워너 브라더스-세븐아츠는 1967년부터 1969년까지 스튜디오를 재개관했지만, 제작된 저예산 만화는 그 당시나 지금이나 비평가나 관객들에게 인기가 없었습니다.멋진 고양이, 버니와 클로드, 퀵 브라운 폭스와 래피드 래빗, 매직 마우스 멀린과 같은 세븐 아트 시대에 소개된 새로운 캐릭터들은 전혀 인기를 끌지 못했고, 흰개미 테라스 만화는 20세기의 나머지 기간 동안 신디케이션과 토요일 아침 방송을 통해 지속적으로 TV에서 인기 있는 캐릭터로 남아 있었습니다.

척 존스 앤 MGM

1961년, 척 존스는 UPA 특집에 작가로 출연했습니다.이듬해 워너브러더스가 이 영화를 배급하면서 그가 전속계약을 위반해 영화에 출연한 사실을 알고 해고했습니다.Jones는 Les Goldman과 협력하여 1960년대 중반 MGM 애니메이션/Visual Arts로 개명된 Sib Tower 12 Productions를 설립했습니다. 그의 반바지는 Hanna-Barbera 오리지널 제품보다는 인기가 있었지만 1960년대 초 해외에서 제작된 Gene Deitch의 반바지보다 더 인기가 있었습니다.존스는 그 후 많은 성공적인 TV 애니메이션 스페셜을 제작하기 시작했습니다.그의 가장 유명한 특집은 여전히 인기가 있고 여러 번 비디오와 DVD로 발매된 닥터 수스의 이야기를 1966년 CBS에서 각색한 "How the Grinch The Christmas!"입니다.존스는 또한 Rudyard Kipling의 The Jungle Book, The Phantom Tallbooth라는 제목의 MGM 장편 영화, 그리고 Horton Hears a Who!의 1970년 TV 버전의 단편 소설을 세 편의 애니메이션으로 제작했습니다.

드파티 프렐렝

주요 기사:드파티 프렐렝 엔터프라이즈

흰개미 테라스의 잔재를 영원히 남긴 후, 프리즈 프렐렝과 그의 새로운 파트너 데이비드 H. 드파티는 1960년대와 1970년대에 핑크 팬서 만화를 제작하기 시작했고, 유나이티드 아티스트와의 배급 계약을 통해 거의 동시에 텔레비전과 극장에 만화가 등장했습니다.프렐렝은 또한 닥터를 소재로 한 몇몇 TV 스페셜을 제작하기도 했습니다. 모자 쓴 고양이와 로락스를 포함한 1970년대 전반에 걸친 수스의 책들.

1981년 프리즈 프렐렝은 은퇴했습니다.드파티-프렐렝 엔터프라이즈 스튜디오는 마블 코믹스에 매각되었고, 마블 프로덕션으로 계속 이어졌습니다.이 새로운 스튜디오는 거의 독점적으로 장난감 상품화에 초점을 맞추었고, G.I. Joe: A Real American Hero and The Transformers와 같은 액션을 지향하는 만화로 어린 시청자들 사이에서 새로운 관객을 발견했습니다.

반문화

미국 애니메이션의 대부분은 TV용으로 제작된 제한된 애니메이션이 지배하게 되었고 주로 어린이들을 대상으로 했습니다.그러나, 1960년대 후반과 1970년대에 종종 어린이를 위한 것이 아닌 야심찬 (그리고 종종 논란이 되는) 애니메이션 프로젝트로 이러한 인식에 도전하려는 많은 시도가 있었습니다.

옐로우 잠수함

1968년, 비틀즈의 음악과 캐나다 태생의 애니메이터 조지 더닝(George Dunning)의 사이키델릭 아트워크에서 영감을 받은 피터 맥스(Peter Max)가 모여 옐로우 서브마린(Yellow Submarine)을 만들었습니다.그들 자신을 묘사하는 이전의 애니메이션 TV 시리즈에 불쾌감을 느낀 비틀즈 자신들은 처음에 그 프로젝트에 대해 의구심을 가지고 있었고 오래된 음악적 녹음과 오리지널 음악적 녹음의 혼합을 제공하는 것 이상의 참여를 거부했습니다.하지만, 그들은 실사 에필로그에 출연할 만큼 완성된 영화에 깊은 인상을 받았습니다.

랄프 박시

랄프 박시는 1970년대에 독립적이고 성인 위주의 제작을 통해 주류 애니메이션에 대한 대안을 마련하려고 노력했습니다.

1968년 랄프 박시는 제작자 스티브 크랜츠와 함께 박시 프로덕션을 설립하여 [10]자신만의 방식으로 애니메이션을 제작하고 여성 및 소수 애니메이터의 진출을 가속화함으로써 스튜디오를 주류 애니메이션의 대안으로 구축했습니다.그는 당시 직원들에게 다른 어떤 스튜디오보다 높은 월급을 주기도 했습니다.[11]1969년, 랠프스팟은 æ디아 브리태니커 백과사전이 지불한 교육용 쇼츠 시리즈인 코카콜라와 2000년산 마우스인 맥스의 광고를 제작하기 위해 박시 프로덕션의 부서로 설립되었습니다.박시는 1971년 로스앤젤레스 타임즈의 기사에서 "미국 비행기들이 베트남에 폭탄을 투하하고 아이들이 거리에서 행진하는 동안, 칸막이에 앉아 나비들을 그리는 것은 터무니없는 생각"이라고 말한 것으로 인용되었습니다.[14]박시는 곧 도심의 거리 생활에 대한 이야기인 "교통체증"을 개발했습니다.그러나, Krantz는 Bakshi에게 스튜디오 임원들이 그 영화의 내용과 Bakshi의 영화 경험 부족 때문에 그 영화에 자금을 대려고 하지 않을 것이라고 말했습니다.[13]St.에 있는 East Side 서점을 둘러보는 동안. 마크스 플레이스, 박시는 R. 크럼의 프리츠 더 캣의 복사본을 우연히 발견했습니다.크럼의 날카로운 풍자에 감명을 받은 박시는 이 책을 구입했고, 크랜츠에게 영화화를 제안했습니다.[13]

프리츠 더 캣은 MPAA로부터 X 등급을 받은 최초의 애니메이션 영화이며, 역대 가장 많은 수익을 올린 독립 애니메이션 영화입니다.[13]그의 두 번째 영화인 헤비 트래픽의 성공으로, 박시는 월트 디즈니 이후 두 편의 재정적으로 성공적인 영화를 연속으로 개봉한 애니메이션 업계의 첫 번째 사람이 되었습니다.[15]

뮤직비디오

1980년대에는 MTV가 주도하는 뮤직비디오 산업의 성장도 이루어졌습니다.이 단편 영화들에서 예술적 실험은 종종 토요일 아침 만화가 아닌 다른 것으로서 애니메이션의 잠재력을 시청자들에게 상기시키는 혁신적인 애니메이션 시퀀스의 제작으로 이어졌습니다.기억에 남는 수많은 애니메이션 비디오들이 MTV의 전성기에 제작되었습니다.영국 감독 스티브 배런의 '테이크 온 미(Take On Me)'를 비롯해 피터 가브리엘의 애니메이션 '슬레지해머(Aardman Animations and Brothers Quay)', 획기적인 컴퓨터 애니메이션 '디어 스트레이츠'의 스티브 배런 감독의 '머니 포 노싱(Money for Nothing)', 롤링 스톤스의 '할렘 셔플(Ralph Bakshi and John)' 등이 있습니다.크리칼루시.MTV는 또한 인정받지 못한 애니메이터들에 의해 만들어진, 야생적이고 실험적인 애니메이션 아이덴티티들을 많이 가지고 있었습니다.[16]

북미에 애니메이션이 들어옵니다.

이 기간 동안 일본 애니메이션 제작은 북미 시장에 제한적인 영향을 미쳤습니다.가장 주목할 만한 작품은 1970년대의 Battle of The Planets and Star Blazers와 1980년대의 Voltron and Robotech와 같은 텔레비전 시리즈였습니다.일반적으로, 수입된 시리즈는 부모들이 받아들일 수 있도록 심하게 검열되었습니다; 스타 블레이저스와 로보텍은 부분적인 예외였습니다.비록 그들이 북미에서 예술에 미친 영향은 수십년간 미미했지만, 일본 애니메이션 시리즈의 독특한 특성은 1980년대 스타 블레이저스와 로보텍이 그들의 복잡한 스토리와 폭력에 대한 솔직한 묘사로 서서히 성장한 컬트 추종자를 만들었습니다.1990년대를 기점으로 애니메이션 인기의 대규모 유입으로 이어질 수 있는 기반을 잘 조성하는 데 도움을 주었습니다.

기타애니메이션

1970년대에 독립적인 장편 애니메이션 영화를 제작하기 위한 몇 가지 시도가 이루어졌습니다.캐나다 헤비 메탈, 잉글리시 워터십 다운, 핑크 플로이드 콘셉트 앨범 The Wall의 실사/애니메이션 버전 등 미국 외 지역에서 제작된 성인용 작품들이 미국에서 널리 공개되었습니다.Richard Williams의 Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure와 같은 다른 영화들은 덜 성공적이었습니다.업계는 대체로 토요일 아침 텔레비전에서 아이들만 보는 것으로 애니메이션을 무시하거나 무시했습니다.눈에 띄는 예외는 1969년 영화 찰리 브라운(Charlie Brown)을 시작으로 피너츠 프랜차이즈를 기반으로 한 일련의 영화로 상업적인 성공과 비평적인 성공을 거두었습니다. 영화는 빌 멜렌데즈(Bill Melendez)가 이끄는 유명한 피너츠 텔레비전 스페셜(Panuts TV Specials) 뒤에 동일한 제작진과 함께 만들어졌습니다.

존 데이비드 윌슨이 할리우드와 영국에 사무실을 두고 설립한 스튜디오인 파인 아츠 필름은 뮤직비디오(예: 밥 딜런의 "You Got Someone")[17]로 가장 잘 알려져 있습니다.몇몇 비디오는 미국 버라이어티 쇼인 소니 앤 셰어 코미디 아워(The Sonny & Cher Comedy Hour)에 출연했고, 한 비디오는 히트 영화 그리스(Grease)의 오프닝 시퀀스와 타이틀곡으로 등장했습니다.[18][19]

이 시대에는 "아트하우스" 영화관 밖에서는 거의 볼 수 없었던 수많은 독립 애니메이션 단편 영화들도 볼 수 있었습니다.할리우드 애니메이션 스튜디오가 퇴색하면서 수많은 독립 애니메이션 제작사들은 애니메이션이라는 매체 속에서 새로운 예술적 영역을 탐구하는 실험적이고 예술적인 애니메이션 영화를 계속 만들었습니다.감사의 가면, 밤비가 고질라를 만나다, 도살자 루포 그리고 많은 다른 영화들과 같은 단편 영화들은 주류 관객들에게 거의 알려지지 않았습니다; 그러나, 이러한 독립적인 애니메이션 영화들은 아카데미 단편 영화 부문의 연도별 부문을 계속 살아있게 했습니다.1980년대에 업계에 변화를 가져오기 시작한 여러 새로운 이름을 애니메이션 분야에 도입하는 것은 물론입니다.

시대말

1980년대 말, 대부분의 황금기 애니메이터들은 은퇴하거나 사망했고, 그들의 젊은 후계자들은 산업과 애니메이션에 대한 인식을 바꿀 준비가 되어 있었습니다.이것은 The Simpsons, The Ren & Stimpy Show, Animaniacs, Batman과 같은 애니메이션으로 미국 애니메이션의 르네상스 시대로 이어졌습니다. 애니메이션 시리즈와 디즈니 르네상스 영화.

유산

이 시대는 "새터데이 모닝 펀 피트" 에피소드에서 컬트 공상 과학 시리즈 Futurama와 같은 사람들에 의해서도 계속 풍자되고/혹은 비꼬여져 왔습니다.[20]

에미상을 수상한 스페셜 A Charlie Brown Christmas의 사운드트랙은 2012년 미국 국립음반등록부에 등재되었습니다.[21][22]

Paul Driessen의 The Killing of a Egg (1977)는 SpongeBob SquarePants 제작자 Stephen Hillenburg가 International Tourne of Animation에서 애니메이션을 본 후 애니메이션 분야를 고려하도록 영향을 주었습니다.[23][24][25]

Quasi at the Quackadero (1975) (1994년 50대 가장 위대한 만화의 책 조사의 일부)와 오스카상을 수상한 단편 영화 The Hole (1962)과 Frank Film (1973)는 각각 미국 국립 영화 등록부에 헌액되었습니다.[26]

디즈니의 만화영화 제작자이자 감독인 바이런 하워드는 로빈 후드가 자라면서 가장 좋아하는 영화라고 인정했고, 그의 2016년 아카데미상을 수상한 주토피아에 주요한 영향을 끼쳤다고 언급했습니다.[27]노래 "휘파람-스톱"은 속도를 높여 초기 인터넷 밈 중 하나인 햄스터 댄스에 사용되었으며,[28] 이후 T-모바일의 슈퍼볼 XLVIII 광고에서 정상 속도로 사용되었습니다.[29]"Ou De Lally"라는 노래는 다른 종의 동물들이 함께 노는 것을 보여주는 안드로이드의 2015년 광고에 등장했습니다.[30]

Rankin/Bass의 스페셜은 Saturday Night Live에서[31] South Park까지의 TV 시리즈와 같은 것들에 의해 패러디되었고,[32] The Last Unicon과 같은 비휴일 작품들은 컬트 추종자들을 유지했습니다.[33]

넷플릭스의 애니메이션 시리즈 새터데이 모닝 올스타 히트! 또한 썬더캣츠, 케어베어스, 마지막 공룡 덴버와 같은 TV 애니메이션의 1980년대 중반 시대를 보여줍니다.[34]

참고 항목

참고문헌

  1. ^ a b Hanna, William; Ito, Tom (1996). A Cast of Friends. Taylor Pub. pp. 77–87. ISBN 978-1250040497.
  2. ^ Dark Age (Thesis). Holderness Senior Thesis.
  3. ^ Meyer, Andrew (2016). Animation or Cartoons: An American Dilemma (Thesis). Honors Projects.
  4. ^ Beckerman, Howard (2003). Animation: The Whole Story. Allworth. ISBN 9781581153019.
  5. ^ 말틴, L. (1987)쥐와 마법의 경우: 미국 애니메이션 만화의 역사 (Rev. ed.)뉴욕: 새로운 미국 도서관.
  6. ^ 뉴턴 N.미노우, "텔레비전과 공익" 1961년 5월 9일 워싱턴 D.C. 전미 방송인 협회 연설.
  7. ^ Hill, Jim (2005-03-17). "Why For?". Jim Hill Media.
  8. ^ Beck, Jerry (1996-06-01). "Don Bluth Goes Independent". Animation World Magazine.
  9. ^ "The Fox and the Hound (1981)". Box Office Mojo.
  10. ^ Gibson, Jon M.; McDonnell, Chris (2008). "First Gigs". Unfiltered: The Complete Ralph Bakshi. Universe Publishing. p. 54. ISBN 978-0-7893-1684-4.
  11. ^ Sito, Tom (2006). "Suits". Drawing the Line: The Untold Story of the Animation Unions from Bosko to Bart Simpson. University Press of Kentucky. p. 50. ISBN 0-8131-2407-7.
  12. ^ Television/radio Age. Television Editorial Corp. 1969. p. 13.
  13. ^ a b c d Gibson, Jon M.; McDonnell, Chris (2008). "Fritz the Cat". Unfiltered: The Complete Ralph Bakshi. Universe Publishing. pp. 58, 62–63, 80–81. ISBN 978-0-7893-1684-4.
  14. ^ Barrier, Michael (Spring 1972). "The Filming of Fritz the Cat: Bucking the Tide". Funnyworld, No. 14. Archived from the original on 15 April 2007. Retrieved 2007-03-02.
  15. ^ Solomon, Charles (1989). Enchanted Drawings: The History of Animation. New York City: Alfred A. Knopf. p. 275. ISBN 0-394-54684-9.
  16. ^ Ultimate collection of 230 MTV ID Idents Adverts Bumpers, archived from the original on 2021-12-11, retrieved 2020-01-16
  17. ^ "Cartoons Considered For An Academy Award – 1983 -". cartoonresearch.com.
  18. ^ '레이디와 트램프' '그리스'의 애니메이터 존 데이비드 윌슨이 93세의 일기로 오늘 사망했습니다.
  19. ^ "Famed Animator John David Wilson Dies at 93". The Hollywood Reporter. July 2013. Retrieved 3 July 2013.
  20. ^ Nicholson, Max (July 18, 2013). "Futurama: "Saturday Morning Fun Pit" Review". IGN. San Francisco, California: j2 Global. Retrieved December 22, 2016.
  21. ^ "2011". The Library of Congress. Retrieved November 16, 2018.
  22. ^ Bang, Derrick (2012). A Charlie Brown Christmas (booklet). Vince Guaraldi. Beverly Hills: Concord Music Group. p. 16.
  23. ^ 스폰지밥 네모바지 뒤에 숨겨진 자애로운 영혼 - 객관적 기준
  24. ^ 카우스포팅: '네덜란드 영화 폴 드리센' 애니메이션 월드 네트워크
  25. ^ 스티븐 힐렌버그: 스폰지밥 네모바지 인디펜던트를 만든 해양 생물학자
  26. ^ 의회의 영화 등록 도서관에 대한 간략한 설명과 확장된 에세이
  27. ^ "How Zootopia Fits Into the Legacy of Disney Animal Movies". Oh My Disney. March 6, 2014.
  28. ^ Whitburn, Joel (2008). Hot Country Songs 1944 to 2008. Record Research, Inc. p. 180. ISBN 978-0-89820-177-2.
  29. ^ 우리는 유튜브에서 T-Mobile이라는 장기 계약을 없앴습니다.
  30. ^ 안드로이드: 유튜브 친구들 퓨레버
  31. ^ Saturday Night Live (SNL): Vimeo에서 "크리스마스를 망친 내레이터"
  32. ^ "사우스 파크" 아주 엉망진창인 크리스마스 (TV 2000화) - 커넥션스 - IMDB
  33. ^ 영화의 밤을 위한 18편의 인기 컬트 클래식 영화 - 시네마블렌드
  34. ^ Saturday Morning All Star Hits! 리뷰: Kyle Moony가 넷플릭스에 그의 이상한 모습을 가져옴 - Polygon