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미야자키 하야오

Hayao Miyazaki
이 개인 이름의 고유한 형태는 미야자키 하야오입니다. 이 글은 개인을 언급할 때 서양식 이름 순서를 사용합니다.
미야자키 하야오
宮崎 駿
2012년 미야자키
태어난 (1941-01-05) 1941년 1월 5일 (83세)
도쿄도, 도쿄도, 일본 제국
기타명
  • 사부로 아키쓰 (秋津 三朗)
  • 츠토무 데루키 (照樹 務)
모교가쿠슈인 대학
직업
  • 애니메이터
  • 영화 제작자
  • 시나리오 작가
  • 작가.
  • 만화가
활동년수1963~현재
고용주
배우자.
오타 아케미
(m. 1965)
아이들.고로 포함 2명
친척들.Daisuke Tsutsumi (nephew-in-law)
일본식 이름
간지宮崎 駿
카나みやざき はやお
전사
로마자 표기법미야자키 하야오
서명

미야자키 하야오(, 宮崎 駿, 미야자키 하야오, 1941년 1월 5일 ~ )는 일본의 만화가, 영화 제작자, 만화가입니다. 스튜디오 지브리(Studio Ghibli)의 공동 설립자인 그는 뛰어난 스토리텔러이자 일본 애니메이션 장편 영화 제작자로서 국제적인 찬사를 받았으며 애니메이션 역사상 가장 뛰어난 영화 제작자 중 한 명으로 널리 알려져 있습니다.

일본 제국의 도쿄에서 태어난 미야자키는 어릴 때부터 만화와 애니메이션에 관심을 보였고, 1963년에 Toei Animation에 입사했습니다. Toei Animation에서 그의 초기에 그는 중간 아티스트로 일했고 나중에 이사오 다카하타 감독과 협력했습니다. 미야자키가 Toei에서 기여한 주목할 만한 영화로는 Doggie March와 Gulliver's Beyond the Moon이 있습니다. 그는 1971년 에이프로로 이적하여 타카하타와 함께 제3부 뤼팽을 공동 감독한 후, 토에이에서 푸스신 부츠와 동물 보물섬과 같은 다른 영화들에 주요 애니메이션을 제공했습니다. 미야자키는 1973년에 일본 애니메이션 영화사로 이사한 후, 월드 마스터피스 극장에서 애니메이터로 일했고, 텔레비전 시리즈인 《미래소년 코난》(1978)을 감독했습니다. 그는 1979년 도쿄 무비 신사에 합류하여 텔레비전 시리즈 셜록 하운드뿐만 아니라 그의 첫 장편 영화 칼리오스트로의 성을 감독했습니다. 같은 시기에 그는 바람의 계곡의 나우시카에(Nausicaä of the Valley of the Wind, 1982-1994)를 집필하고 삽화를 그리기 시작했으며, 탑크래프트가 제작한 1984년 영화를 감독하기도 했습니다.

미야자키는 1985년 스튜디오 지브리를 공동 설립했습니다. 그는 라푸타(Laputa)를 포함하여 지브리(Ghibli)와 함께 수많은 영화를 감독했습니다. 하늘의 성(1986), 이웃집 토토로(1988), 키키의 배달부(1989), 포르코 로소(1992). 이 영화들은 일본에서 비평가들과 상업적인 성공을 거두었습니다. 미야자키의 영화 "모노노케 공주"는 일본 아카데미 영화상 올해의 작품상을 수상한 최초의 애니메이션 영화였고, 1997년에 개봉한 후 잠시 일본에서 가장 높은 수익을 올린 영화가 되었습니다.[a] 서방 세계에 배급하는 것은 지브리의 인기와 일본 밖에서의 영향력을 크게 증가시켰습니다. 그의 2001년 영화 스피릿 어웨이(Spirited Away)는 아카데미 애니메이션상을 [b]수상하며 일본 역사상 가장 많은 수익을 올린 영화가 되었고, 자주 21세기 최고의 영화 중 하나로 꼽힙니다. 미야자키 감독의 후기 영화들-하울의 움직이는 성(2004), 포뇨(2008), 바람이 분다(2013) 등도 비평적이고 상업적인 성공을 거두었습니다. '바람이 분다'의 개봉 이후 미야자키는 장편 영화에서 은퇴를 선언했지만, 그는 나중에 그의 12번째 장편 영화 '소년과 왜가리'(2023)를 쓰고 감독하기 위해 돌아왔고, 이로 인해 그는 두 번째 아카데미 장편 애니메이션 상을 수상했습니다.

미야자키의 작품은 자연과 기술에 대한 인류의 관계, 자연과 전통적인 생활 패턴의 총체성, 예술과 장인정신의 중요성, 폭력적인 세계에서 평화주의적 윤리를 유지하기 어려운 점 등의 주제가 반복되는 것이 특징입니다. 그의 영화의 주인공은 종종 강한 소녀들이나 젊은 여성들이며, 그의 영화 중 몇몇은 도덕적으로 모호한 적수들을 보여주며 만회할 수 있는 자질을 보여줍니다. 미야자키의 작품들은 높은 평가와 상을 받았습니다; 그는 2012년 11월에 뛰어난 문화적 기여로 문화적 공로자로 선정되었고, 2014년 11월에 애니메이션과 영화에 대한 영향으로 아카데미 명예상을 받았습니다. 미야자키는 수많은 애니메이터, 감독, 작가들에게 영감을 주는 인물로 자주 언급되어 왔습니다.

요절기

미야자키 하야오는 1941년 1월 5일 일본 제국의 도쿄시에서 4남 중 둘째로 태어났습니다.[1][2][c] 그의 아버지 미야자키 가츠지 (1915년생)[3]는 제 2차 세계 대전 동안 전투기의 방향타를 제조했던 [4]그의 형의 회사인 미야자키 에어플레인의 이사였습니다.[5] 그 사업은 미야자키의 어린 시절 동안 그의 가족이 부유하게 유지될 수 있도록 해주었습니다.[6][d] 미야자키의 아버지는 그림을 구입하고 손님들에게 그것들을 보여주는 것을 즐겼지만, 그 외의 예술적 이해는 거의 알려지지 않았습니다.[2] 그는 1940년경 일본 제국군에 있었고, 아내와 어린 아이 때문에 싸우지 않았으면 좋겠다고 지휘관에게 선언한 후 불충에 대한 강의를 마치고 제대했습니다.[8] 미야자키에 따르면, 그의 아버지는 그가 70세가 된 후에도 나이트클럽에 계속 다녔다고 주장하면서 그의 업적에 대해 종종 이야기했습니다.[9] 미야자키 가츠지는 1993년 3월 18일에 사망하였습니다.[10] 그가 죽은 후, 미야자키는 종종 아버지를 부정적으로 바라보았고, 그가 "고액이나 영감을 주는" 말을 한 적이 없다고 느꼈습니다.[9] 그는 아버지와 진지한 대화를 나누지 못한 것을 후회했고, 자신의 '무정부주의적 감정과 모순을 포용하는 것에 대한 걱정이 부족했던 것'을 물려받았다고 느꼈습니다.[9]

미야자키의 영화 속 몇몇 캐릭터들은 그의 어머니 요시코로부터 영감을 받았습니다.[11][12][e]

미야자키는 그의 초기 기억 중 일부가 "폭격된 도시"에 관한 것이라고 언급했습니다.[13] 미야자키가 세 살이던 1944년, 미야자키의 가족은 우쓰노미야로 피난했습니다.[5] 1945년 7월 우쓰노미야 폭격 이후, 그와 그의 가족은 카누마로 피난했습니다.[6] 폭격은 당시 4살이었던 미야자키에게 지속적인 인상을 남겼습니다.[6] 어렸을 때 미야자키는 소화기 질환을 앓았고, 20살을 넘기지 못할 것이라는 말을 듣고 왕따처럼 느껴졌습니다.[11][14] 1947년부터 1955년까지 미야자키의 어머니 요시코는 척추 결핵을 앓았고, 처음 몇 년은 병원에서 지내다가 집에서 간호를 받았습니다.[5] 요시코는 검소했고,[2] 규칙적으로 "사회적으로 통용되는 규범"에 의문을 제기하는 엄격하고 지적인 여성으로 묘사되었습니다.[4] 그녀는 미야자키와 가장 가까웠고, 그와 그의 이후 작품에 강한 영향을 미쳤습니다.[2][e] 미야자키 요시코는 1983년 7월 72세의 나이로 세상을 떠났습니다.[18][19]

미야자키는 1947년 우쓰노미야의 한 초등학교에서 1학년부터 3학년까지 마치며 학교를 시작했습니다. 미야자키는 가족이 스기나미구로 다시 이사한 후 오미야 초등학교에서 4학년을, 오미야 초등학교에서 분리되어 신설된 에이후쿠 초등학교에서 5학년을 마쳤습니다. 제1회 졸업반으로 에이후쿠를 졸업한 [20]후 오미야 중학교에 입학했습니다.[21] 그는 만화가가 되기를 열망했지만,[22] 그가 사람들을 그릴 수 없다는 것을 알게 되었습니다. 대신, 그는 몇 년 동안 비행기, 탱크, 그리고 전함만 그렸습니다.[22] 미야자키는 후쿠시마 테츠지, 야마카와 소지, 테즈카 오사무와 같은 몇몇 만화가들의 영향을 받았습니다. 미야자키는 테즈카의 스타일을 모방하는 것이 예술가로서의 자신의 발전을 방해하고 있으므로 "나쁜 형태"라고 믿으면서 초기 작품의 상당 부분을 파괴했습니다.[23][24][25] 이 무렵, 미야자키는 열렬한 영화 애호가였던 아버지와 함께 자주 영화를 보곤 했습니다. 미야자키에게 기억에 남는 영화로는 메시(1951)와 사카바 타소가레(1955)가 있습니다.[26]

미야자키는 오미야 중학교를 졸업한 후 도요타마 고등학교를 다녔습니다.[26] 그의 세 번째이자 마지막 해 동안, 미야자키의 애니메이션에 대한 관심은 일본 최초의 컬러 장편 애니메이션인 [27]"판다와 마술 뱀" (1958)에 의해 촉발되었습니다.[26] 그는 입학 시험을 위해 공부하는 대신 몰래 그 영화를 보러 나갔습니다.[2] 미야자키는 나중에 영화의 여주인공인 바이니앙과 사랑에 빠졌고, 영화가 그를 눈물로 감동시켰고 깊은 인상을 남겼다고 말했습니다.[f] 그는 "그의 영혼의 깊은 곳으로" 이동했고, "순수하고 간절한 영화의 세계"는 "세상을 부정하기보다는 긍정하기를 간절히 갈망했다"는 그의 한 면을 확인했다고 썼습니다.[29] 미야자키는 도요타마를 졸업한 후 가쿠슈인 대학 정치경제학과에 입학하여 일본 산업론을 전공했습니다.[26] 그는 "당시 만화 동아리와 가장 가까운 것"인 "아동 문학 연구 클럽"에 가입했고,[30] 때때로 그 클럽의 단독 회원이었습니다.[26] 자유 시간에 미야자키는 중학교 때부터 미술 선생님을 찾아가 그의 작업실에서 스케치를 했고, 그곳에서 둘은 술을 마시며 "정치, 삶, 모든 종류의 것들에 대해" 이야기하곤 했습니다.[31] 이 무렵, 그는 또한 만화를 그렸습니다; 그는 어떤 이야기도 완성하지 못했지만, 이야기의 시작을 수천 페이지나 쌓았습니다. 그는 또한 만화 출판사에 자주 접근하여 만화 출판사의 이야기를 빌렸습니다. 1960년, 미야자키는 안포 시위 때 방관자로 아사히 그래프에서 사진을 보고 관심을 갖게 되었고, 그 무렵에는 시위에 참여하기에는 너무 늦었습니다.[26] 미야자키는 1963년 가쿠슈인에서 정치경제학을 전공했습니다.[30]

직업

초기경력

미야자키는 1964년 다카하타 이사오(사진)와 처음으로 호흡을 맞추며 평생의 협업과 우정을 쌓았습니다.[32][33][34]

1963년, 미야자키는 Toei Animation에 고용되었습니다.[32] 이것은 그 회사가 정기적으로 고용한 마지막 해였습니다.[35] 취직 후, 그는 도쿄 네리마에 있는 4.5m짜리 다다미(7.4m; 80평방피트)짜리 아파트를 빌리기 시작했고, 임대료는 ¥ 6,000원이었습니다. 토에이에서 그의 연봉은 ¥ 19,500이었습니다. 미야자키는 극장판 애니메이션 《도그마차》와 텔레비전 애니메이션 《울프보이 켄》의 중간 아티스트로 활동했습니다. 그는 또한 걸리버의 달 여행 (1965)에서 일했습니다.[36] 그는 도착한 지 얼마 되지 않아 노동쟁의의 지도자였고, 1964년에 도에이 노조의 간사장이 되었습니다.[32] 미야자키는 후에 태양의 왕자 호루스의 위대한 모험 (1968)에서 수석 애니메이터, 컨셉 아티스트, 그리고 장면 디자이너로 일했습니다. 영화 제작 내내 미야자키는 그의 멘토인 오츠카 야스오와 긴밀히 협력했으며, 그의 애니메이션 접근 방식은 미야자키의 작업에 지대한 영향을 미쳤습니다.[37] 미야자키가 남은 경력 동안 계속 협력할 다카하타 이사오 감독이 연출한 이 영화는 높은 평가를 받았으며 애니메이션의 진화에 중추적인 작품으로 여겨졌습니다.[38][39][40] 미야자키는 1969년 4월에 둘째 아들이 태어난 후 오이즈미가쿠엔초의 거주지로 이사했습니다.[41]

미야자키는 야부키 키미오 감독의 "The Wonderful World of Puss'n Boots" (1969)에 주요 애니메이션을 제공했습니다.[42] 그는 이 영화의 홍보를 위해 12장으로 구성된 만화 시리즈를 만들었고, 이 시리즈는 1969년 1월부터 3월까지 도쿄 신문 일요판에 연재되었습니다.[43][44] 미야자키는 나중에 플라잉 팬텀선(1969)의 각본에서 군용 탱크가 도쿄 시내에서 집단 히스테리를 일으키는 장면을 제안했고, 스토리보드와 애니메이션을 만드는 데 고용되었습니다.[45] 미야자키는 사부로 아키쓰(秋津 三朗)라는 필명으로 1969년 9월부터 1970년 3월까지 소년소녀신문(少年少女新聞, 쇼넨쇼조신분)에 26권으로 연재된 만화 사막의 사람들을 집필하고 삽화를 그렸습니다. 그는 후쿠시마의 사막의 사악한 군주 (沙漠の魔王, 사바쿠노마오)와 같은 삽화가 있는 이야기에 영향을 받았습니다. 1970년, 미야자키는 거주지를 토코로자와로 옮겼습니다.[41] 1971년, 이케다 히로시의 동물 보물섬 각색을 위해 구조, 캐릭터, 디자인을 개발했고, 1971년 1월부터 3월까지 도쿄 신문에 연재된 13부작 만화를 만들었습니다.[43][44][47] 미야자키는 또한 알리바바와 마흔 도둑들을 위한 주요 애니메이션을 제공했습니다.[48]

미야자키는 1971년 8월에 토에이 애니메이션을 떠나 에이프로에 고용되어 뤼팽 제1부 23화를 감독하거나 타카하타와 공동 감독을 맡았으며, 종종 츠토무 데루키(照樹 務)라는 필명을 사용했습니다. 두 사람은 또한 아스트리드 린드그렌의 삐삐 롱스타킹 책을 바탕으로 광범위한 스토리보드를 디자인한 시리즈의 사전 제작을 시작했습니다. 미야자키와 다카하타가 린드그렌을 만날 수 없게 되면서 시리즈가 취소되었고 프로젝트 완성을 위한 허가가 거부되었습니다.[49][50] 1972년과 1973년, 미야자키는 두 마리의 판다를 쓰고, 디자인하고, 애니메이션으로 만들었습니다! 가자, 판다! 타카하타 감독의 반바지.[51] 1973년 6월 A-Pro에서 Zuiyo Eizo로 옮긴 후,[52] 미야자키와 다카하타는 Johanna Spyri의 Heidi를 각색한 애니메이션 시리즈 Heidi, Girl of the Alps를 특징으로 하는 World Masterpiece Theater에서 일했습니다. 1975년 7월에 일본 애니메이션으로 활동을 계속했습니다.[52] 미야자키는 또한 알렉산더 키의 "인크레더블 타이드"의 각색인 텔레비전 시리즈 "미래소년 코난" (1978)을 감독했습니다.[53]

획기적인 영화

미야자키는 1979년 '빨간머리 앤'을 제작하던 중 닛폰 애니메이션을 떠나 처음 15편의 에피소드에서 장면 디자인과 구성을 제공했습니다.[54][55] 그는 TMS 엔터테인먼트의 자회사인 텔레콤 애니메이션 필름(Telecom Animation Film)으로 옮겨 루핀 3세 영화인 첫 장편 애니메이션 영화 칼리오스트로의 성(The Castle of Calliostro, 1979)을 감독했습니다.[56] 텔레콤에서의 역할에서 미야자키는 제2의 물결의 직원들을 훈련시키는 데 도움을 주었습니다.[53] 1981년, 미야자키는 셜록 하운드의 6개 에피소드를 감독했는데, 아서 코난 도일 경의 사유지 문제로 제작이 중단되기 전까지, 미야자키는 문제가 해결될 때까지 다른 프로젝트로 바빴고, 나머지 에피소드는 미쿠리야 교스케가 감독했습니다. 1984년 11월부터 1985년 5월까지 방송되었습니다.[57] 미야자키는 또한 티베트의 설화 "개가 된 왕자"에서 영감을 받아 그래픽 소설 "슈나의 여행"을 썼습니다. 이 소설은 1983년 6월 도쿠마 쇼텐에서 출판되었고,[58] 1987년 라디오 방송을 위해 드라마화되었으며,[59] 2022년에는 슈나의 여행으로 영어로 출판되었습니다.[60] 미야자키 하야오의 백일몽 데이터 노트는 1984년 11월부터 1994년 10월까지 모델 그래픽스에서 비정기적으로 발행되었습니다.[61][59]

'칼리오스트로의 성'이 개봉된 후, 미야자키는 리차드 코번의 만화책 롤프(Rowlf)를 각색한 애니메이션 영화에 대한 그의 아이디어를 작업하기 시작했고, TMS에서 후지오카 유타카(Fujoka Yutaka)에게 그 아이디어를 던졌습니다. 1980년 11월, 영화 판권을 얻기 위한 제안서가 작성되었습니다.[62][63] 그 무렵 미야자키는 애니매이지 편집진으로부터 잡지 연재물에 대한 접근도 받았습니다. 이어진 대화에서 그는 스케치북을 보여주고 애니메이션으로의 발전에 대한 협력 가능성을 본 편집자 스즈키 토시오와 카메야마 오사무와 함께 애니메이션 프로젝트 구상에 대한 기본 개요에 대해 논의했습니다. 두 가지 프로젝트가 제안되었습니다. 센고쿠 시대를 배경으로 한 전국 악마의 성(戦国魔城, 센고쿠 마조)과 코르벤의 롤프의 개작. 둘 다 기존 만화를 기반으로 하지 않은 애니메이션 프로젝트에 자금을 지원할 의사가 없었고 롤프의 각색에 대한 권리를 확보할 수 없었기 때문에 거부되었습니다.[64][65] 미야자키가 자신의 스케치와 아이디어를 영화화하지 않을 것이라는 단서와 함께 잡지를 위한 만화로 개발하기 시작할 수 있다는 합의가 이루어졌습니다.[66][67] 바람의 계곡 나우시카에라는 제목의 이 만화는 1982년 2월부터 1994년 3월까지 방영되었습니다. 이 이야기는 전곡본으로 다시 인쇄된 것으로, 총 7권에 걸쳐 총 1060페이지에 걸쳐 있습니다.[68] 미야자키는 주로 연필로 에피소드를 그렸고, 그것은 세피아 톤의 잉크로 단색으로 인쇄되었습니다.[69][70][67] 미야자키는 1982년 11월 텔레콤 애니메이션 영화사에서 사임했습니다.[71]

미야자키는 1984년에 니바리키라는 이름의 개인 스튜디오를 열었습니다.[72]

바람의 계곡의 나우시카에의 성공 이후, 토쿠마 쇼텐의 설립자인 도쿠마 야스요시는 미야자키에게 영화 각색 작업을 권했습니다.[73] 미야자키는 처음에는 거절했지만, 자신이 지휘할 수 있다는 조건으로 동의했습니다.[74] 미야자키의 상상력은 미나마타 만의 수은 중독과 독이 든 환경에서 자연이 어떻게 반응하고 번성하는지에 의해 촉발되어 영화의 오염된 세계를 창조했습니다. 미야자키와 타카하타는 이 영화의 예술적 재능이 만화의 세련된 분위기를 영화로 옮길 수 있다고 믿었기 때문에 이 영화를 애니메이션으로 만들기 위해 마이너 스튜디오 탑크래프트를 선택했습니다.[73] 사전 제작은 1983년 5월 31일에 시작되었습니다. 미야자키는 작업해야 할 만화의 16개의 챕터와 함께 각본을 만드는 데 어려움을 겪었습니다.[75] 타카하타는 실험적이고 미니멀리스트인 음악가 조 히사이시(Joe Hisaishi)에게 이 영화의 악보를 작곡해줄 것을 요청했습니다.[76] 바람의 계곡의 나우시카에는 1984년 3월 11일에 개봉했습니다. 박스오피스에서 ¥ 14억 8천만 달러의 수익을 올렸고, 배급 수입으로 7억 4천 2백만 달러의 추가 ¥을 올렸습니다. 그것은 종종 미야자키의 중심적인 작품으로 여겨지며 만화가로서의[78] 명성과 그의 경력이 다져진 기반을 다졌습니다.[79] 여성에 대한 긍정적인 묘사, 특히 주인공 나우시카에에 대한 묘사로 찬사를 받았습니다.[80][81][82] 몇몇 비평가들은 바람의 계곡의 나우시카에를 반전과 페미니스트 주제를 가진 것으로 분류했습니다; 미야자키는 단지 오락을 하고 싶다고 말하면서 다르게 주장합니다. 만화와 영화의 창작에 대한 성공적인 협력은 다른 협력 프로젝트의 기반을 마련했습니다.[84] 1984년 4월, 미야자키는 스기나미구에 사무실을 열고 니바리키라고 이름을 붙였습니다.[72]

스튜디오 지브리

초창기 영화 (1985~1996)

1985년 6월, 미야자키, 타카하타, 토쿠마, 스즈키는 토쿠마 쇼텐으로부터 자금을 지원받아 애니메이션 제작사 스튜디오 지브리를 설립했습니다. 스튜디오 지브리의 첫 번째 영화 라푸타: 하늘의 성(1986)은 나우시카에와 같은 제작진을 고용했습니다. 이 영화의 배경을 위한 미야자키의 디자인은 그리스 건축과 "유럽의 도시주의적 템플릿"에서 영감을 받았습니다.[85] 영화 속 건축물 중 일부는 웨일스의 광산 마을에서 영감을 받았습니다. 미야자키는 1984년 웨일즈를 처음 방문했을 때 광산 파업을 목격하고 광부들의 일과 지역 사회에 대한 헌신에 감탄했습니다.[86] 라푸타는 1986년 8월 2일에 개봉했습니다. 이 영화는 일본에서 올해 가장 높은 수익을 올린 애니메이션 영화였습니다.[85] 미야자키 감독의 다음 작품인 이웃집 토토로는 1988년 4월 스튜디오 지브리의 재정 상태를 보장하기 위해 다카하타 감독의 반딧불의 묘와 함께 개봉되었습니다. 동시 제작은 프로젝트를 전환하면서 아티스트들에게 혼란스러웠습니다.[87] '이웃집 토토로'는 자연에 대한 기술의 부정적 영향을 강조하는 나우시카에와 달리 환경과 인간의 관계를 주제로 하고 있습니다.[88] 이 영화는 비평가들의 찬사를 받았지만, 박스 오피스에서는 상업적으로 성공하지 못했습니다. 하지만, 상품화는 성공적이었고, 영화는 컬트 클래식이라는 꼬리표가 붙었습니다.[89][90]

1987년 스튜디오 지브리는 카도노 에이코의 소설 '키키의 배달 서비스'를 영화화할 수 있는 권리를 획득했습니다. 미야자키의 '이웃집 토토로' 작업으로 각색 연출을 하지 못했고, 카타부치 스나오가 감독으로, 이시키 노부유키가 각본가로 기용됐습니다. 미야자키는 이시키의 첫 번째 초안에 대한 불만으로 인해 프로젝트에 변경을 가하게 되었고, 결국 감독의 역할을 맡게 되었습니다. 카도노는 이 책과 각본의 차이점에 불만을 품고 있었습니다. 미야자키와 스즈키는 카도노를 방문해 스튜디오로 초대했고, 그녀는 프로젝트를 계속할 수 있도록 허락했습니다.[91] 이 영화는 원래 60분짜리 특집으로 기획되었지만 미야자키가 스토리보드와 각본을 완성한 후 장편으로 확장되었습니다.[92] 키키의 딜리버리 서비스는 1989년 7월 29일 첫 방송되었습니다. 이 영화는 박스 오피스에서 ¥ 21억 5천만 달러를 벌어들였고, 1989년에는 일본에서 가장 높은 수익을 올린 영화였습니다.

1989년 3월부터 5월까지 미야자키의 만화 히코테이 지다이(Hikottei Jidai)가 잡지 모델 그래픽스[fr]에 실렸습니다.[95] 미야자키는 만화를 바탕으로 일본 항공을 위해 45분짜리 기내 영화를 제작하기 시작했고, 스즈키는 기대감이 커지면서 결국 포르코 로쏘라는 제목의 장편 영화로 영화를 확장했습니다. 1991년 타카하타의 유일한 어제(1991)의 제작 종료로 인해 미야자키는 처음에 포르코 로쏘의 제작을 독자적으로 관리했습니다.[96] 1991년 유고슬라비아 전쟁의 발발은 미야자키에 영향을 미쳤고, 이 영화에 대해 더 침울한 어조를 불러 일으켰습니다.[97] 미야자키는 이 영화의 성숙한 음색이 아이들에게 적합하지 않았기 때문에 나중에 이 영화를 "망나니"라고 불렀습니다.[98] 이 영화는 반전 주제를 다뤘고, 미야자키는 나중에 다시 방문할 예정입니다.[99][100] 이 항공사는 이 영화의 주요 투자자로 남아 1992년 7월 18일 극장 개봉 전에 기내 영화로 첫 개봉했습니다.[97] 이 영화는 비평적으로 그리고 상업적으로 성공을 거두었는데, 이것은 미야자키를 놀라게 했는데, 미야자키는 이 영화를 "유아부터 노인까지 일반 관객들에게 너무 특이하다"[96]고 생각했고, 몇 년 동안 일본에서 가장 높은 수익을 올린 애니메이션 영화로 남아있었습니다.[96][i]

스튜디오 지브리는 1992년 8월 도쿄 고가네이에 본사를 세웠습니다.[101] 1992년 11월, 미야자키 감독이 연출한 두 개의 텔레비전 스팟인 소라 이로노타네는 나카가와 리에코와 오무라 유리코가 그린 일러스트 스토리인 소라 이로노타네를 느슨하게 기반으로 한 90초의 스팟이며, NTV의 40주년을 기념하기 위해 의뢰되었습니다.[102] 최종적으로 NTV의 마스코트가 된 정의할 수 없는 생물을 중심으로 15초 1개와 5초 4개의 스팟으로 방송되었습니다.[103] 미야자키는 미야자키와 타카하타가 A-Pro에서 알고 지낸 콘도 요시후미 감독(1995)의 스토리보드 디자인과 각본을 맡았습니다.[104]

글로벌 출현 (1997년~2008년)

미야자키는 1970년대 후반의 사전 생각과 스케치를 [105]바탕으로 1994년 8월에 모노노케 공주를 위한 초기 스토리보드 작업을 시작했습니다.[106] 미야자키는 제작 중 작가의 블록을 경험하면서, Chage와 Aska의 동명 곡 뮤직비디오인 On Your Mark의 제작 요청을 수락했습니다.[107] 비디오 제작에서 미야자키는 모노노케 공주를 위해 곧 다시 방문할 기술인 전통 애니메이션을 보완하기 위해 컴퓨터 애니메이션을 실험했습니다.[108] On Your Mark는 Whisper of the Heart 전 단편으로 초연되었습니다.[109] 이 비디오의 인기에도 불구하고, 스즈키는 이 비디오에 "100%" 초점이 주어지지 않았다고 말했습니다.[110]

미야자키는 '모노노케 공주'(1997)에서 3D 렌더링을 사용하여 "악마 살"이라고 쓰여진 것을 만들고 그것들을 손으로 그린 캐릭터에 합성했습니다. 영화의 약 5분은 비슷한 기술을 사용합니다.[111]

1995년 5월, 미야자키는 한 무리의 예술가와 애니메이터들을 데리고 야쿠시마의 고대 숲과 시라카미 산치의 산으로 가서 사진을 찍고 스케치를 했습니다.[112] 영화 속 풍경들은 야쿠시마에서 영감을 얻었습니다.[113] 모노노케 공주에서 미야자키는 바람의 계곡 나우시카에의 생태학적이고 정치적인 주제를 다시 방문했습니다.[114] 미야자키는 영화 속 144,000개의 셀을 감독했는데, 그 중 약 80,000개가 핵심 애니메이션이었습니다.[115][116] 모노노케 공주는 ¥ 23억 5천만 달러(약 2천 350만 달러)의 예산으로 제작되어 당시 스튜디오 지브리의 가장 비싼 영화가 되었습니다. 영화의 약 15분은 컴퓨터 애니메이션을 사용합니다: 약 5분은 3D 렌더링, 디지털 구도, 텍스처 매핑과 같은 기술을 사용합니다. 나머지 10분은 디지털 잉크와 페인트를 사용합니다. 원래 의도는 영화의 프레임 중 5,000개를 디지털 방식으로 칠하는 것이었지만, 시간 제약은 이를 두 배로 늘렸습니다.[111]

1997년 7월 12일 첫 개봉 후, 모노노케 공주는 비평가들의 호평을 받아 일본 아카데미 영화상을 수상한 최초의 애니메이션 영화가 되었습니다.[119][120] 이 영화는 또한 상업적으로 성공하여 국내 총 ¥ 140억 달러(1억 4,800만 달러)를 벌어들였으며, 몇 달 동안 일본에서 가장 높은 수익을 올린 영화가 되었습니다. 미라맥스 필름스는 이 영화의 배급권을 북미 지역을 위해 구입했습니다.[86] 이 영화는 스튜디오 지브리 프로덕션으로서는 처음으로 미국에서 상당한 극장 배급을 받았습니다. 약 300만 달러의 수익을 올리며 박스오피스에서 크게 성공하지 못했지만,[122] 스튜디오 지브리가 세계 시장에 선보인 것으로 여겨졌습니다.[123] 미야자키는 모노노케 공주가 그의 마지막 영화가 될 것이라고 주장했습니다.[123]

도쿠마 쇼텐은 1997년 6월 스튜디오 지브리와 합병했습니다.[101] 미야자키의 다음 영화는 가족과 가족 친구였던 다섯 명의 어린 소녀들과 함께 산장에서 휴가를 보내는 동안 구상되었습니다. 미야자키는 자신이 10살 소녀들을 위한 영화를 만들지 않았다는 것을 깨닫고 그렇게 하기 시작했습니다. 그는 영감을 얻기 위해 나카요시나 리본과 같은 쇼죠 만화 잡지를 읽었지만, 그들은 소녀들이 "사랑하는 마음"을 가지고 있는 것이 아닌 "사랑과 로맨스"에 대한 주제만을 제공한다고 느꼈습니다. 그는 그들이 존경할 수 있는 여성 영웅에 대한 영화를 제작하기로 결정했습니다.[124] 스피릿 어웨이(Spirited Away)라는 제목의 이 영화의 제작은 2000년 ¥ 19억 달러(약 1,500만 달러)의 예산으로 시작되었습니다. 모노노크 공주와 마찬가지로 스태프들은 컴퓨터 애니메이션을 실험했지만, "쇼를 훔치기" 위해서가 아니라 이야기를 향상시키기 위한 수준에서 기술을 유지했습니다.[125] 스피릿 어웨이(Spirited Away)는 1980년대 일본 자산 가격 거품을 상징하는 인간의 탐욕의 상징과 [126]영혼의 영역을 통한 한계 여행을 다룹니다.[127][j] 이 영화는 2001년 7월 20일에 개봉되었고, 비평가들의 찬사를 받았고, 2000년대의 가장 위대한 영화 중 하나로 여겨집니다.[128] 일본 아카데미 영화상 [129]올해의 작품상과 아카데미 애니메이션상을 수상했습니다.[130] 이 영화는 또한 상업적으로 성공하여 박스 오피스에서 304억 달러 (2억 8,910만 달러)의 ¥을 벌었습니다. 이 영화는 거의 20년 동안 유지된 기록으로 [132]일본에서 가장 높은 수익을 올린 영화가 되었습니다.[133][b] 2000년 9월 도쿠마가 사망하자 미야자키는 장례위원장을 맡았습니다.[134]

2001년 9월, 스튜디오 지브리(Studio Ghibli)는 다이애나 윈 존스(Diana Wynne Jones)의 소설을 바탕으로 한 하울의 움직이는 성(Howl's Moving Castle)의 제작을 발표했습니다.[135] 토에이 애니메이션의 호소다 마모루는 원래 이 영화의 감독으로 선정되었지만 호소다와 스튜디오 지브리 임원들 사이의 의견 충돌로 프로젝트가 포기되었습니다.[136][135] 6개월 만에 스튜디오 지브리가 프로젝트를 부활시켰습니다. 미야자키는 존스의 소설을 읽고 영감을 받아 영화를 감독하게 되었고, 시골을 돌아다니는 성의 이미지에 감명을 받았습니다. 소설은 성이 어떻게 움직였는지 설명하지 않으며, 이것이 미야자키의 디자인으로 이어졌습니다.[2] 그는 영화의 배경을 위해 건축물과 주변 환경을 연구하기 위해 프랑스 알자스의 콜마르와 리케비르로 여행했습니다.[137] 추가적인 영감은 19세기 유럽의 "환상 예술" [138]뿐만 아니라 알버트 로비다의 작품에 있는 미래 기술의 개념에서 비롯되었습니다.[139] 영화는 디지털로 제작되었지만 캐릭터와 배경은 디지털화되기 전에 손으로 그려졌습니다.[140] 2004년 11월 20일에 개봉하여 평단의 호평을 받았습니다. 이 영화는 제61회 베니스 국제 영화제에서 오셀라 기술상을 받았고,[135] 아카데미 애니메이션상 후보에 올랐습니다.[141] 일본에서 이 영화는 개봉 첫 주에 1,450만 달러라는 기록적인 수익을 올렸습니다.[2] 이 영화는 전 세계적으로 ¥ 193억이 넘는 수익을 올리며 일본에서 가장 많은 수익을 올린 영화 중 하나로 남아 있습니다. 미야자키는 2005년 제62회 베니스 국제 영화제에서 명예 황금사자상을 수상했습니다.[135]

2005년 3월, 스튜디오 지브리는 토쿠마 쇼텐에서 분리되었습니다.[143] 1980년대에 미야자키는 Ursula K와 연락을 취했습니다. 르귄은 그녀의 지구해 소설을 각색하는 것에 관심을 표명했습니다; 미야자키의 작품을 모른 채, 르귄은 거절했습니다. 몇 년 후 이웃집 토토로를 본 르귄은 각색의 개념에 찬성을 표했습니다. 2005년 8월, 그녀는 미야자키의 아들 고로가 미야자키가 은퇴하기를 바랐던 것처럼 영화를 감독하기를 원했던 스즈키를 만났습니다. 미야자키가 감독을 맡은 것이 아니라 아들의 일을 감독하겠다는 인상 아래 실망한 르귄은 영화 제작을 승인했습니다.[144] 미야자키는 나중에 고로의 감독 임명을 공개적으로 반대하고 비판했습니다.[145] 미야자키는 이 영화를 보고 아들을 위해 "솔직히 만들어져서 좋았다"는 메시지를 썼습니다.[146]

미야자키는 2006년에 '틴머스 여행'을 포함한 여러 만화 소설의 표지를 디자인했습니다. 그는 또한 편집자로 일했고 그 책을 위한 짧은 만화를 만들었습니다.[147] 미야자키의 차기작인 포뇨는 2006년 5월에 제작을 시작했습니다.[148] 처음에는 한스 크리스티안 안데르센(Hans Christian Andersen)의 "인어공주"에서 영감을 얻었지만, 제작이 계속되면서 독자적인 형태를 띠기 시작했습니다.[149] 미야자키는 어린이 우주의 순수함과 쾌활함을 축하하기 위해 이 영화를 목표로 삼았습니다. 그는 전통적인 애니메이션만 사용할 것을 의도했으며 [148]작품에 밀접하게 관여했습니다. 그는 실험을 즐겼기 때문에 직접 바다와 파도를 그리는 것을 더 좋아했습니다.[150] 포뇨는 미야자키의 기록인 170,000개의 프레임을 갖추고 있습니다.[151] 이 영화의 해변 마을은 2005년 미야자키가 머물렀던 세토나이카이 국립공원의 마을인 토모노우라에서 영감을 얻었습니다.[152] 주인공 소스케는 고로를 소재로 하고 있습니다.[153] 2008년 7월 19일 개봉한 포뇨는 제32회 일본 아카데미 영화상에서 올해의 애니메이션 상을 받으며 비평가들의 호평을 받았습니다.[154] 이 영화는 또한 상업적인 성공을 거두었고, 첫 달에 ¥ 100억 달러 (9,320만 달러), 2008년 말까지 ¥ 155억 달러를 벌어들이며 일본에서 가장 높은 수익을 올린 영화 중 하나로 선정되었습니다.

후기 영화 (2009년 ~ 현재)

2009년 샌디에이고 코믹콘 미야자키

2009년 초, 미야자키는 미쓰비시 A6M 제로 파이터 디자이너 호리코시 지로(Horikoshi Jiro)의 이야기를 담은 카제 타치누(風立ちぬ, 바람이 분다)라는 만화를 쓰기 시작했습니다. 이 만화는 2009년 2월 25일과 3월 25일에 발행된 모델 그래픽스 잡지의 두 호에 처음 출판되었습니다.[156] 미야자키는 나중에 요네바야시 히로마사와 미야자키 고로 감독의 아리에티(2010)와 파피 힐(2011)의 각본을 공동 집필했습니다.[157] 미야자키는 그의 다음 영화가 포뇨의 속편이 되기를 원했지만, 스즈키는 그 대신 카제 타치누를 영화로 각색하라고 설득했습니다.[158] 2012년 11월, 스튜디오 지브리는 타치누 카제를 기반으로 한 더 윈드 라이즈(The Wind Rises)의 제작을 타카하타의 가구야 공주 이야기(The Tale of the Princess Kaguya)와 함께 발표할 예정이라고 발표했습니다.[159]

미야자키는 호리코시의 인용문을 읽은 후 "제가 하고 싶었던 모든 것은 아름다운 것을 만드는 것이었습니다"라는 영감을 받아 "바람이 분다"를 만들었습니다.[160] '바람이 분다'의 몇몇 장면은 호리 타츠오의 소설 '바람이 분다'(風立ちぬ)에서 영감을 받아 호리가 결핵으로 죽기 전 약혼자와의 삶의 경험에 대해 썼습니다. 여자 주인공의 이름인 사토미 나오코는 호리의 소설 나오코(菜穂子)에서 따왔습니다. '바람의 상승'은 전쟁을 비난하는 것이 영화의 의도가 아니라고 밝혔음에도 불구하고 미야자키의 평화주의적 입장을 계속 반영하고 있습니다.[160][162] 이 영화는 2013년 7월 20일에 개봉하여 [160]비평가들의 호평을 받았으며, 제37회 일본 아카데미 영화상에서 올해의 애니메이션으로 선정되었으며,[163] 제86회 아카데미상에서 최우수 애니메이션상 후보에 올랐습니다.[164] 또한 일본 박스 오피스에서 ¥ 116억 달러(1억 1천만 달러)의 수익을 올리며 2013년 일본에서 가장 높은 수익을 올린 영화가 되었습니다.

2013년 9월, 미야자키는 나이 때문에 장편 영화 제작에서 은퇴한다고 발표했지만 스튜디오 지브리 박물관의 전시 작업을 계속하고 싶었습니다.[166][167] 미야자키는 2014년 11월 주지사상에서 아카데미 명예상을 수상했습니다.[168] 그는 모노노케 공주를 위한 사전 제작 과정에서 처음 논의된 컴퓨터 애니메이션 단편 영화인 '애벌레 보로'를 개발했습니다.[169] 2017년 7월 스튜디오 지브리 뮤지엄에서 단독 상영되었습니다.[170] 이 무렵, 미야자키는 테포 사무라이라는 제목의 만화를 작업하고 있었습니다.[171] 2019년 2월, NHK 방송국에서 미야자키 하야오와 함께한 10년이라는 제목의 4부작 다큐멘터리가 방송되었고, 그의 개인 스튜디오에서 그의 영화 제작을 기록했습니다.[172] 2019년 미야자키는 가부키 극단이 공연한 바람의 계곡 나우시카에의 음악적 각색을 승인했습니다.[173]

2016년 8월, 미야자키는 새로운 장편 영화인 키미타치와 도 이키루카(영어로 The Boy and The Heron)를 제안하여 정식 승인을 받지 않고 애니메이션 작업을 시작했습니다.[170] 이 영화는 2023년 7월 14일 일본 극장에서 개봉했습니다.[174] 예고편, 광고, 광고를 포기하고 최소한의 마케팅 캠페인이 선행되었으며, 이는 주류 영화에서 마케팅 자료가 지나치게 포화되었다고 인식한 스즈키의 반응입니다.[175] 소년과 왜가리가 미야자키의 마지막 영화가 될 것이라는 주장에도 불구하고 스튜디오 지브리의 니시오카 준이치 부사장은 2023년 9월 미야자키가 다음 영화를 계획하기 위해 매일 사무실에 참석했다고 말했습니다.[176] 스즈키는 더 이상 미야자키를 은퇴하도록 설득할 수 없다고 말했습니다.[177] 소년과 왜가리는 제96회 아카데미 시상식에서 미야자키에게 두 번째 아카데미 장편 애니메이션 상을 안겨주었고,[178] 이는 미야자키가 받은 최고령 감독이 되었습니다. 미야자키는 그의 나이가 많기 때문에 이 쇼에 참석하지 않았습니다.[179]

보기

"실제 사람을 보면서 시간을 보내지 않으면, 이것을 볼 수 없습니다, 왜냐하면 당신은 그것을 본 적이 없기 때문입니다. 어떤 사람들은 자신에게만 관심을 가지고 인생을 보냅니다. 거의 모든 일본 애니메이션은 실제 사람을 관찰하는 데서 거의 근거를 두지 않고 제작됩니다. 다른 인간을 보는 것을 참을 수 없는 인간에 의해 생산됩니다. 그렇기 때문에 업계는 오타쿠로 가득합니다!"

Hayao Miyazaki, television interview, January 2014[180]

미야자키는 종종 애니메이션 산업의 상태를 비판하면서, 일부 애니메이션 제작자들은 그들의 주제에 대한 기초적인 이해가 부족하고 사실주의를 우선시하지 않는다고 말했습니다.[181] 그는 특히 일본 애니메이션에 대해 비판적이며, 애니메이션은 "다른 인간을 보는 것을 참을 수 없는 인간에 의해 제작됩니다..."라고 말합니다. 그래서 업계가 오타쿠로 가득합니다!"[180]라고 말했습니다. 그는 총기와 전투기의 "광신도"를 포함하여 오타쿠를 "페티시"라고 선언하고 자신의 신분을 밝히기를 거부하는 등 자주 비판해 왔습니다.[182][183] 그는 1988년 디즈니 애니메이션 영화의 상태에 대해 "관객에 대한 경멸만 보여준다"고 한탄했습니다.[184]

2013년 미야자키는 아베 신조 일본 총리의 정책과 아베가 국제 분쟁을 해결하기 위한 수단으로 전쟁 금지 조항을 개정할 수 있도록 제안된 헌법 개정안을 비판했습니다.[k] 미야자키는 아베 총리가 "헌법과 그 해석을 개정한 위인으로서 역사에 이름을 남기고 싶다"[186]고 생각했고, "충분히 생각하지 않는 사람들은 헌법에 간섭해서는 안 된다"고 말했습니다.[187] 2015년, 미야자키는 아베 총리의 일본의 군사적 침략에 대한 부정을 부정하면서, 일본이 "중국에 막대한 피해를 입혔다고 분명히 말하고 깊은 반성을 표명해야 한다"고 말했습니다.[186] 그는 제2차 세계대전 동안 일본군에 강제로 복무했던 한국인 split들에게 정부가 "적절한 사과"를 해야 한다고 생각했고, 그 센카쿠 열도에 대해 "반쪽으로 split"하거나 일본과 중국에 의해 통제될 것을 제안했습니다. 2013년 '바람이 분다'가 개봉한 후, 일부 온라인 비평가들은 미야자키를 "배신자"와 "반일"이라고 부르며, 영화를 지나치게 "좌파적"이라고 묘사했습니다.[99] 미야자키는 카를 마르크스가 정의한 공산주의에 대한 영향력과 감사를 이유로 영화에서 좌파적 가치를 인정했지만, 소련의 정치 시스템을 비판했습니다.[188]

2003년, 미야자키는 미국이 이라크 전쟁에 개입한 것에 항의하여 할리우드에서 열린 제75회 아카데미 시상식에 참석하기를 거부했고, 나중에 "이라크를 폭격하고 있는 나라를 방문하고 싶지 않다"고 말했습니다.[189] 그는 2009년 보이콧을 해제하고 친구 존 라세터에게 호의를 표하기 위해 샌디에이고 코믹콘 인터내셔널에 참석하기 전까지 프로듀서의 요청에 따라 이 의견을 공개적으로 표명하지 않았습니다.[189] 미야자키 총리는 또 프랑스 풍자 잡지 샤를리 에브도 사무실에서 테러 공격에 대한 자신의 의견을 밝히면서 사건의 촉매가 된 내용을 출판하기로 한 잡지의 결정을 비판하면서 캐리커처는 문화가 아닌 정치인으로 만들어져야 한다고 생각했습니다.[190] 2016년 11월, 미야자키는 "브렉시트와 트럼프에 투표한 많은 사람들"이 "저임금 때문에 멕시코에서 자동차를 만들고 미국에서 자동차를 판매"하기 때문에 실업률 증가에 영향을 받았다고 믿었다고 말했습니다. 그는 도널드 트럼프가 "끔찍한 일"이라며 대통령에 당선될 것이라고 생각하지 않았습니다. 트럼프의 정적인 힐러리 클린턴도 "끔찍하다"고 말했습니다.[191]

테마

미야자키의 작품은 페미니즘, 환경주의, 평화주의, 사랑, 가족 등의 주제가 반복되는 것이 특징입니다. 미야자키는 스피릿 어웨이의 치히로가 "악'을 파괴해서가 아니라 생존할 수 있는 능력을 얻었기 때문"이라고 느꼈기 때문에, 그의 서사는 또한 동정할 수 없는 적대자에게 영웅을 대하지 않은 것으로 유명합니다.[201][202][203][204]

미야자키의 영화들은 종종 환경주의와 지구의 연약함을 강조합니다.[205] 마거릿 탈보트(Margaret Talbot)는 미야자키가 현대 기술을 싫어하고, 현대 문화의 많은 부분이 "날씬하고 얕으며 가짜"라고 생각한다고 말했습니다. 그는 "더 이상 높은 상승률이 없는" 시대를 기대합니다.[206] 미야자키는 1955년부터 1965년까지의 쇼와 시대에 "경제적 진보의 이름으로 자연, 즉 산과 강이 파괴되고 있었기 때문에" 성장하는 것에 좌절감을 느꼈습니다.[207] The Imaginative Conservative의 피터 셸하세는 미야자키 영화의 몇몇 적대자들이 "정치적 지배를 추구하기 위해 자연을 지배하려고 시도하며, 궁극적으로 자연과 인류 문명 모두에 파괴적"이라고 밝혔습니다.[200] 미야자키는 "기업은 그곳에서 일하는 사람들의 공동 재산"이라고 믿으며 공산주의와 자본주의, 세계화와 현대 생활에 미치는 영향 모두에서 착취에 비판적입니다.[208] Ram Prakash Dwivedi는 미야자키 영화에서 Mahatma Gandhi의 가치관을 확인했습니다.[209]

미야자키의 몇몇 영화는 반전을 주제로 하고 있습니다. 애니메이션 연구의 아키모토 다이스케는 포르코 로소를 "반전 선전"으로 분류하고 주인공인 포르코가 부분적으로 군국주의에 대한 극도의 혐오 때문에 돼지로 변신하는 것을 느꼈습니다.[l] 아키모토는 또한 바람의 상승은 미야자키의 "반전 평화주의"를 반영한다고 주장하지만, 후자는 이 영화가 전쟁을 "비판"하려고 시도하지 않는다고 말했습니다.[210] 셸하세는 또한 주인공 아시타카 때문에 모노노케 공주를 평화주의 영화로 묘사합니다. 아시타카는 그의 민족사가 그를 이끌 것처럼 인류에 대한 복수 캠페인에 참여하는 대신 평화를 위해 노력합니다.[200] 데이비드 로이(David Loy)와 린다 구드휴(Linda Goodhew)는 바람의 계곡의 나우시카에(Nausicaä)와 모노노케(Monononoke) 공주 모두 전통적인 악을 묘사하는 것이 아니라 불교적인 악의 뿌리, 즉 탐욕, 악의, 망상을 묘사한다고 주장합니다. 불교에 따르면, 고통을 극복하기 위해서는 악의 뿌리가 "인심, 애정 어린 친절, 그리고 지혜"로 변해야 합니다. 그리고 나우시카에와 아시타카 둘 다 이것을 성취합니다.[211] 미야자키의 영화 속 등장인물들이 폭력을 행사하도록 강요받았을 때, 그것은 어려운 일로 보여집니다; 하울의 움직이는 성에서 하울은 그가 사랑하는 사람들을 지키기 위해 피할 수 없는 싸움을 하게 되고, 그것은 결국 소피의 사랑과 용기로 그를 구하지만, 그를 거의 파괴합니다.[200]

스즈키는 미야자키를 여성 노동자에 대한 태도와 관련하여 페미니스트라고 표현했습니다. 미야자키는 자신의 여성 캐릭터들을 "진심으로 믿는 것을 위해 싸우는 것에 대해 두 번 다시 생각하지 않는 용감하고 자급자족하는 소녀들"이라고 묘사하며, 그들이 "친구나 지원자가 필요할 수 있지만 결코 구원자가 될 수 없다"고 말했고, "어떤 여성도 다른 남성과 마찬가지로 영웅이 될 수 있다"고 말했습니다.[213] 바람의 계곡의 나우시카에는 여성, 특히 주인공 나우시카에를 긍정적으로 묘사하여 찬사를 받았습니다.[80][82] 셸하세는 미야자키의 영화에 등장하는 여성 인물들이 객관화되거나 성적인 것이 아니며 할리우드 작품에는 없는 복잡하고 개성적인 특징을 가지고 있다고 언급했습니다.[200] 셸은 또한 미야자키의 영화에서 각각 "개인의 개성과 강점"을 발견하면서 여주인공들의 "성년" 요소를 확인했습니다.[200] 애틀랜틱의 가브리엘 벨롯은 그의 영화에서 미야자키가 "여자라는 것이 무엇을 의미하는지에 대한 복잡한 것들에 대한 예리한 이해를 보여준다"고 썼습니다. 특히 벨로트는 바람의 계곡의 나우시카에를 인용하며 영화의 성별 기대에 대한 도전과 나우시카에의 강하고 독립적인 성격을 높이 평가합니다. 벨롯은 또한 모노노케 공주의 산이 "자아함과 표현 사이의 갈등"을 나타낸다고 언급했습니다.[214]

미야자키는 자신의 영화에서 사랑과 가족이라는 주제를 유지하기 위해 젊은이들의 경이로움에 관심을 기울입니다.[200] 큐레이터의 마이클 토스카노(Michael Toscano)는 미야자키가 "일본 아이들이 과소비, 과보호, 공리주의 교육, 직업주의, 기술 산업주의, 그리고 일본 고유의 애니미즘을 삼키고 있는 세속주의 문화에 의해 희미해 지는 것을 두려워합니다."라고 발견했습니다.[215] 셸하세는 미야자키의 몇몇 작품들이 사랑과 로맨스라는 주제를 담고 있지만, "외롭고 연약한 개인들이 상호 의존과 책임의 관계에 통합되는 방식"에 중점을 두고 있다고 느꼈습니다.[200] 그는 또한 미야자키 영화의 많은 주인공들이 가족에 대한 이상적인 이미지를 보여주는 반면, 다른 주인공들은 기능하지 않는다는 것을 발견했습니다.[200]

생성 과정 및 영향

미야자키는 그의 작품에서 전통적인 스크린 플레이를 포기하고 대신 스토리보드를 디자인하면서 영화의 서사를 발전시킵니다. "우리는 이 이야기가 어디로 흘러갈지 알 수 없지만, 우리는 영화가 발전하면서 계속해서 작업하고 있습니다," 라고 그가 말했습니다.[216] 미야자키는 각각의 영화에서 손으로 각 프레임을 그리는 전통적인 애니메이션 방법을 사용했습니다. 컴퓨터 생성 이미지는 모노노케 공주를 시작으로 이후 여러 영화에 사용되어 "시각적인 외관을 풍부하게"했습니다.[217] 하지만 그는 각 영화가 "손으로 작업하는 것과 컴퓨터 사이의 적절한 비율을 유지할 수 있다"고 보장합니다. 그리고 여전히 제 영화를 2D라고 부를 수 있습니다."[218] 그는 영화의 모든 프레임을 감독합니다.[219] 캐릭터 디자인을 위해 미야자키는 애니메이션 감독들이 참고 시트를 만들기 위해 사용하는 원본 초안을 그 다음 미야자키가 자신의 스타일로 수정합니다.[220]

미야자키는 산페이 시라토,[22] 테즈카 오사무, 야마카와 소지,[24] 그리고 다카하타 이사오를 포함한 몇몇 일본인 예술가들을 그의 영향으로 꼽았습니다.[221] 프레데릭 백,[216] 루이스 캐럴,[218] 로알드 달,[222] 장 지로,[223][m] 폴 그리모,[216] 우르술라 K를 포함한 많은 서양 작가들도 그의 작품에 영향을 미쳤습니다. 르귄과 유리 노스타인,[225] 그리고 애니메이션 스튜디오 아드먼 애니매이션스(특히 닉 박의 작품).[226][n] 미야자키에 영향을 미친 구체적인 작품으로는 동물농장(1945),[218] 눈의 여왕(1957),[216] 왕과 앵무새(1980) 등이 있습니다.[218] 눈의 여왕은 미야자키의 훈련과 일에 영향을 미치는 진정한 필모그래피의 촉매제라고 합니다.[228] 어린 아이들을 애니메이션으로 만들 때, 미야자키는 종종 자신의 어린 시절에 대한 기억뿐만 아니라 친구들의 아이들로부터 영감을 얻습니다.[229]

사생활

미야자키의 아들 미야자키 고로 감독

미야자키는 1965년 10월 동료 애니메이터 오타 아케미와 결혼했다.[35][2][230] 이 부부는 두 아들, 1967년 1월에 태어난 고로와 1969년 4월에 태어난 케이스케를 두고 있습니다.[41] 미야자키는 아이들을 기쁘게 할 작품을 만들기 위해 노력하면서 아버지가 되는 것이 자신을 변화시켰다고 느꼈습니다.[231] 미야자키는 처음에 고로가 태어난 후에도 둘 다 계속 일하겠다는 아내에게 약속을 이행하고 하루 동안 유치원에 맡겼습니다. 그러나 어느 날 집으로 걸어가는 고로의 지친 모습을 본 미야자키는 계속할 수 없다고 판단하고 아내는 아이들을 키우기 위해 집에 머물렀습니다.[230] 미야자키가 자주 결석을 했기 때문에, 그의 일에 대한 헌신은 그의 아이들과의 관계에 해를 끼쳤습니다. 고로는 두 사람이 거의 대화를 하지 않았기 때문에 아버지를 "이해"하기 위해 아버지의 작품을 지켜보았습니다.[232] 미야자키는 "좋은 아버지가 되려고 노력했지만 결국 그는 그다지 좋은 부모가 아니었다"고 말했습니다.[230] 2006년 'Tales from Earthsea'를 제작하는 동안, 고로는 그의 아버지가 "아버지로서 0점을 받지만 애니메이션 영화 감독으로서 완전한 점수를 받는다"고 말했습니다.[232][o]

고로는 지브리 박물관에서 일하기 시작하기 전에 조경 디자인 회사에서 일했습니다.[2][230] 그는 옥상에 정원을 디자인했고 결국 큐레이터가 되었습니다.[2][231] 게이스케는 신슈 대학에서 임업을 공부하고 목공예가로 일하는데,[2][230][233] 마음의 속삭임에 나오는 목판화를 디자인했습니다.[233] 이웃집 토토로에서 메이라는 캐릭터의 영감이 된 미야자키의 조카 오쿠야마 메이는 애니메이션 아티스트 츠츠미 다이스케와 결혼했습니다.[234]

유산

미야자키는 2016년 BBC의 테사 웡(Tessa Wong)에 의해 "일본 애니메이션의 대부"로 묘사되었으며, 그의 장인정신과 인간성, 그의 영화 주제, 그리고 젊은 예술가들에 대한 영감을 인용했습니다.[235] 아칸소 민주당-가제트의 코트니 래닝은 그를 테즈카 오사무와 월트 디즈니에 비유하며 세계에서 가장 위대한 애니메이터 중 한 명으로 선정했습니다.[236] Far Out 잡지의 스와프닐 드루브 보스는 미야자키의 작품이 "애니메이션뿐만 아니라 영화 제작 전반의 미래를 형성했다"며 "젊은 시청자 세대를 거쳐 일상 속에 존재하는 마법을 관찰하는 데 도움이 되었다"고 썼습니다.[237] 사우스차이나모닝포스트의 리차드 제임스 하비스는 그를 "천재"라고 불렀습니다. 그는 자신과 동료, 스튜디오 직원들에게 엄격한 기준을 제시합니다."[238] 페이스트의 뚜생이건은 미야자키를 "애니메이션의 위대한 작가 중 한 명"으로 묘사했는데, 그의 "단 하나의 주제적 비전과 명백한 미학의 이야기"는 애니메이션에 익숙하지 않은 시청자들을 사로잡았습니다.[239] 미야자키는 2021년 로스앤젤레스에 있는 아카데미 영화 박물관에서 그의 영화에서 400개가 넘는 오브제를 선보이는 전시회의 주제가 되었습니다.[240]

Miyazaki has frequently been cited as an inspiration to numerous animators, directors and writers around the world, including Wes Anderson,[241] James Cameron,[242] Dean DeBlois,[243] Guillermo del Toro,[244] Pete Docter,[245] Mamoru Hosoda,[246] Bong Joon-ho,[247] Travis Knight,[248] John Lasseter,[249] Nick Park,[250] Henry Selick,[251] Makoto Shinkai,[252] and Steven Spielberg.[253] 글렌 킨은 미야자키가 월트 디즈니 애니메이션 스튜디오에 "큰 영향력"을 행사하고 있으며, "구조자 다운 언더" (1990년) 이후로 "우리 유산의 일부"라고 말했습니다.[254] 디즈니 르네상스 시대는 미야자키의 영화 개발과의 경쟁에 의해서도 촉발되었습니다.[255] 픽사와 아드먼 스튜디오의 예술가들은 "당신은 우리의 영감입니다, 미야자키상!"[250]이라는 헌사에 서명했습니다. 그는 [257]또한 TV 시리즈 아바타뿐만 아니라 젤다의[256] 전설의 미야모토 시게루와 파이널 판타지의 사카구치 히로노부를 포함한 비디오 게임 디자이너들에게 영감을 준 것으로 언급되었습니다. 더 라스트 에어벤더,[258] 그리고 비디오 게임 오리와 눈먼 숲 (2015).[259]

스튜디오 지브리는 미야자키와 스즈키의 후임자가 스튜디오를 이끌 것을 얼마간 물색해 왔습니다; 마음의 속삭임의 감독인 곤도는 처음에 고려되었지만, 1998년 갑작스러운 심장마비로 사망했습니다.[260] 거절한 미야자키의 아들 고로를 포함해 2023년까지 일부 후보가 검토되었지만 스튜디오는 후임자를 찾지 못했습니다.[261]

선택한 필모그래피

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수상 및 후보

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미야자키는 마이니치 영화상에서 칼리오스트로의 성(1979),[262] 바람의 계곡 나우시카에(1984), 라푸타(1984)로 오후지 노부로 상을 수상했습니다. 하늘의 성 (1986)[263]과 이웃집 토토로 (1988),[262] 그리고 키키의 배달부 (1989),[264] 포르코 로소 (1992),[262] 모노노케 공주 (1997),[264] 스피릿 어웨이와[265] 고래 사냥 (2001)으로 마이니치 영화상 최우수 애니메이션 영화상을 수상했습니다.[262] Spirited Away와 The Boy and The Heron은 아카데미 최우수 애니메이션 작품상을 수상했고,[129][178] Howl's Moving Castle (2004)과 The Wind Rises (2013)는 후보에 올랐습니다.[141][164] 그는 2012년 11월 일본 정부로부터 뛰어난 문화 공헌으로 문화 유공자로 선정되었습니다.[266] His other accolades include eight Tokyo Anime Awards,[267][268] eight Kinema Junpo Awards,[263][264][269][270] six Japan Academy Film Prizes,[120][125][154][163][263][264] five Annie Awards,[264][271][272] and three awards from the Anime Grand Prix[263][264] and the Venice Film Festival.[135][273]

메모들

  1. ^ a b 모노노케 공주는 몇 달 후에 개봉한 타이타닉에 의해 일본에서 가장 높은 수익을 올린 영화로 가려졌습니다.[121]
  2. ^ a b 스피릿 어웨이는 데몬 슬레이어: 키메츠노 야이바 더 무비에 의해 일본에서 가장 높은 수익을 올린 영화로 가려졌습니다. 2020년 12월 무겐열차.[133]
  3. ^ 미야자키의 형제로는 아라타(1939년 7월생), 유타카(1944년 1월생), 시루가 있습니다.[3] 아버지의 영향을 받아 미야자키의 형제들은 사업을 시작했습니다. 미야자키의 아들 고로는 이것이 그에게 "애니메이션에서 성공할 수 있는 강한 동기"를 주었다고 믿습니다.[2]
  4. ^ 미야자키는 말년에 전쟁으로 인한 가족의 이익과 그 후의 부유한 생활 방식에 죄책감을 느꼈다고 인정했습니다.[7]
  5. ^ a b 미야자키는 라푸타에서 나오는 돌라 선장 역을 맡았습니다. "엄마는 네 명의 아들을 두었지만, 우리들 중 아무도 감히 엄마를 반대하지 않았다"[15]고 언급한 그의 어머니에 대한 캐슬 인 더 스카이. 미야자키의 어머니에게서 영감을 받은 다른 캐릭터들은 다음과 같습니다. 병으로 고생하면서 아이들을 돌보는 이웃 토토로의 야스코, 마음씨가 강하고 친절한 하울의 움직이는 성의 소피,[16] 포뇨의 토키.[11][17]
  6. ^ 매카시(1999)는 "그는 유행하는 것을 반영함으로써 만화 작가로서 성공하려고 노력하는 어리석음을 깨달았고, 그것이 어리석게 보일지라도 그의 진정한 감정을 그의 작품에서 따르기로 결정했습니다"라고 말합니다.[28]
  7. ^ Toei Animation에서 3개월의 훈련 기간 동안, 그의 급여는 ¥ 18,000이었습니다.
  8. ^ 매카시(1999)는 미야자키의 말을 인용하여 다음과 같이 말합니다. "저는 인류에게 어떤 메시지도 보여줄 의도로 영화를 만들지 않습니다. 저의 주된 목표는 관객들이 영화에서 행복하게 벗어날 수 있도록 하는 것입니다."[83]
  9. ^ 포르코 로쏘는 1997년 미야자키의 공주 모노노케에 의해 일본에서 가장 높은 수익을 올린 애니메이션 영화로 계승되었습니다.[96]
  10. ^ 주인공 치히로는 초자연적인 환경에서 사회적 경계 밖에 서 있습니다. 일본어 제목 내에 가미카쿠시(말 그대로 "신들에 의해 가려진")라는 단어를 사용하면 이 상징이 강화됩니다. Reider(2005)는 "가미카쿠시는 이 세상에서 '사회적 죽음'에 대한 판결이며, 가미카쿠시에서 이 세상으로 돌아온 것은 '사회적 부활'[127]을 의미했습니다."라고 말합니다.
  11. ^ 아베 총리 측은 개정에 필요한 절차를 규정한 조항인 일본 헌법 96조 개정안을 발의했습니다. 궁극적으로, 이것은 아베가 국제 분쟁을 해결하기 위한 수단으로서 전쟁을 불법화하는 헌법 9조를 개정할 수 있게 할 것입니다.[185]
  12. ^ 아키모토(2014)는 "포르코는 인간(이기주의), 국가(민족주의), 전쟁(군사주의)의 세 가지 요소를 싫어하기 때문에 돼지가 되었습니다."라고 말합니다.[100]
  13. ^ 미야자키와 지로(뫼비우스라고도 함)는 서로의 작품에 영향을 미쳤고, 서로를 동경한 결과 친구가 되었습니다.[223] 몽나이 드 파리는 미야자키와 뫼비우스라는 제목으로 그들의 작품 전시회를 열었습니다. 2004년 12월부터 2005년 4월까지 Dux Artistes Don't Less Dessins Pernent Vie (두 명의 예술가가 자신의 삶을 그린 그림); 두 예술가 모두 전시회 개막식에 참석했습니다.[224]
  14. ^ 아드만 애니메이션의 작품을 바탕으로 한 전시회가 2006년부터 2007년까지 지브리 박물관에서 열렸습니다.[226] Aardman Animations의 설립자인 Peter Lord와 David Sproxton은 2006년 5월 전시회를 방문했고, 그 곳에서 미야자키도 만났습니다.[227]
  15. ^ Original text: "私にとって、宮崎駿は、父としては０点でも、アニメーション映画監督としては満点なのです。"

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외부 링크

수상실적 및 성과
선행후
아론 워너
슈렉을 위하여
 아카데미 장편 애니메이션상
2002
패기 있는 사람들을 위해 		성공한 사람
선행후 황금곰자리
2002
패기 있는 사람들을 위해 		성공한 사람
선행후 커리어 골든 라이온
2005 		성공한 사람