사운드 필름

Sound film
"말하는 그림"이 여기로 리디렉션됩니다.영국 TV 채널은 Talking Pictures TV를 참조하십시오.
Illustration of a theater from the rear of the stage. At the front of the stage, a screen hangs. In the foreground is a gramophone with two horns. In the background, a large audience is seated at orchestra level and on several balconies. The words "Chronomégaphone" and "Gaumont" appear at both the bottom of the illustration and, in reverse, at the top of the projection screen.
1908년 가몽의 사운드 필름을 광고하는 포스터큰 홀을 위해 고안된 크로노메가폰은 녹음된 [1]소리를 증폭시키기 위해 압축 공기를 사용했다.

사운드 필름은 사일런트 필름과 대조적으로 동기화된 소리 또는 음성이 이미지에 기술적으로 결합된 영화입니다.최초의 투사 사운드 필름 공개 전시회가 1900년 파리에서 열렸지만, 사운드 모션 영화가 상업적으로 실용화되기까지는 수십 년이 흘렀다.초기의 사운드 온 디스크 시스템에서는 신뢰성 있는 동기화를 달성하기 어려웠고 증폭 및 녹음 품질도 불충분했습니다.사운드 온 필름의 혁신은 1923년 이 기술을 이용한 최초의 상업적인 단편 영화 상영으로 이어졌다.

사운드 영화 상업화의 주요 단계는 1920년대 중후반이었다.처음에, "말하는 그림" 또는 "토키"로 알려진 동기 대사가 포함된 사운드 필름은 독점적으로 반쪽이었습니다.녹음된 사운드가 있는 최초의 장편 영화에는 음악과 효과만 포함되어 있었다.원래 토키로 상영된 최초의 장편 영화는 1927년 [2]10월 6일에 초연된 재즈 싱어였다.당시 사운드 온 디스크 기술의 선두 브랜드였던 Vitaphone으로 큰 인기를 끌었다.그러나 사운드 온 필름은 곧 말하는 영화의 표준이 될 것이다.

1930년대 초, 토키는 세계적인 현상이 되었다.미국에서는 할리우드가 세계에서 가장 영향력 있는 문화적/상업적 영향력 중심지 중 하나로 자리매김하는 데 일조했습니다(미국의 영화 참조).유럽에서는 (그리고 그 밖의 다른 곳에서도) 대화에 초점을 맞추는 것이 조용한 영화의 독특한 미적 미적 미덕을 전복시킬 것을 우려한 많은 영화 제작자들과 비평가들에 의해 새로운 개발은 의심을 받았다.무성영화와 라이브 성악(벤시)이 결합된 일본에선 말하는 영화가 뿌리를 내리지 못했다.반대로 인도에서는 사운드가 영화 산업의 급속한 확장을 이끈 변혁적인 요소였다.

역사

초기 단계

상세정보 : 키네토스코프
On the left is a large acoustical horn, suspended from a cord that rises out of the frame. A man plays a violin in front of it. To the right, two men dance together.
키네토프와 축음기를 결합한 에디슨 키네토폰의 초기 버전 테스트로 W.K.L. 딕슨이 제작한 딕슨 실험 사운드 필름의 이미지(1894년 또는 1895년).
에릭 M. C. Tigerstedt (1887–1925)는 사운드 온 필름 기술의 선구자 중 한 명이었다.1915년 타이거 슈테트.

영화와 녹음된 소리를 결합한다는 생각은 영화라는 개념만큼이나 오래되었다.1888년 2월 27일, 사진의 선구자 에드위어드 머이브릿지가 토마스 에디슨의 연구실에서 멀지 않은 곳에서 강의를 한 지 며칠 후, 두 발명가는 개인적으로 만났다.머이브리지는 이후 첫 상업영화 전시회가 열리기 6년 전, 이 자리에서 자신이 만든 영상 주프락스코프와 에디슨의 녹음 음향 [3]기술을 결합하는 사운드 영화 제작 계획을 제안했다고 주장했다.합의는 이루어지지 않았지만, 1년 이내에 에디슨은 그의 실린더 축음기의 시각적 보완물로서 본질적으로 "삐쇼" 시스템인 키네토스코프의 개발을 의뢰했다.이 두 장치는 1895년에 키네토폰으로 결합되었지만, 영화 [4]영사 성공으로 인해 개인적으로는 영화 캐비닛에서 보는 것이 곧 시대에 뒤떨어지게 되었다.

1899년, 주로 스위스 태생의 발명가 프랑수아 뒤소의 작품을 바탕으로 한 시네마크로포노그래프 또는 포노라마로 알려진 투영 사운드 필름 시스템이 파리에서 전시되었습니다. 키네토폰과 유사하게,[5] 이 시스템은 이어폰을 개별적으로 사용해야 했습니다.개선된 실린더 기반 시스템인 Phono-Cinéma-Thétre는 프랑스의 Clément-Maurice Gratioulet과 Henri Lioret에 의해 개발되어 1900년 파리 박람회에서 연극, 오페라, 발레의 단편 영화를 선보일 수 있게 되었다.이 영화들은 영상과 녹음된 사운드를 투영한 최초의 공개 전시 영화인 것으로 보인다.Phonorama와 또 다른 사운드 필름 시스템--또한 [6]박람회에 출품되었다.

세 가지 주요 문제가 지속되었고, 영화와 녹음은 한 세대에 걸쳐 거의 다른 길을 걸었습니다.주된 문제는 동기화였습니다.사진과 사운드는 별도의 장치에 의해 녹음되고 재생되며 동시에 시작하고 유지 관리하는 [7]것은 어려웠습니다.충분한 재생 음량도 얻기 어려웠다.영화 영사기가 곧 대극장 관객들에게 영화를 상영할 수 있게 되었지만, 전기 증폭의 개발 이전의 오디오 기술은 넓은 공간을 채우기 위해 만족스럽게 투영할 수 없었다.마지막으로, 충실도를 기록해야 하는 과제가 있었습니다.그 시대의 원시 시스템은 연주자들이 거추장스러운 녹음 장치 바로 앞에 배치되지 않는 한 매우 낮은 음질의 소리를 만들어 냈고, 라이브 녹음된 [8]소리로 만들어질 수 있는 종류의 영화에 심각한 제한을 가했다.

Illustration of a red-haired woman wearing a large hat, an ankle-length yellow dress, and high heels. She is holding a long baton or swagger stick and leaning against a film projector. A gramophone sits at her feet. The top of the illustration reads "Phono-Cinéma-Théâtre". Text to the left of the woman reads "Visions Animées des Artistes Celèbres", followed by a list of performers.
사라 베른하르트가 그려진 포스터와 그라티우레-리오레 시스템을 이용한 1900년 파리박람회 '살아있는 비전'에 나온 18명의 다른 유명 예술가들의 이름을 적은 포스터.

영화 혁신가들은 다양한 방법으로 근본적인 동기화 문제에 대처하려고 시도했습니다.점점 더 많은 영화 시스템이 사운드 온 디스크 기술로 알려진 축음기 레코드에 의존했습니다.음반 자체는 종종 이 분야의 주요 발명가 중 한 명인 독일계 미국인 에밀 베를리너의 이름을 따서 "베를리너 디스크"로 불렸다.1902년, Léon Gaumont는 프랑스 사진 [9]협회에 최근 특허를 취득한 전기 연결 장치를 포함하는 디스크 방식의 사운드 온 크로노폰을 시연했습니다.4년 후, 가몽은 영국의 발명가 호레이스 쇼트(Horace Short)와 찰스 파슨스(Charles Parsons)[10]에 의해 개발된 Auxetophone에 기초한 압축 공기 증폭 시스템인 Elgéphone을 선보였다.높은 기대에도 불구하고, 가몽의 건전한 혁신은 상업적인 성공에는 한계가 있었다.약간의 개선에도 불구하고, 그들은 여전히 사운드 필름에 관한 세 가지 기본적인 문제들을 만족스럽게 다루지 못했고 또한 비용이 많이 들었다.몇 년 동안, 미국의 발명가 E. E. 노튼의 카메라폰은 가우몽 시스템의 주요 경쟁자였다(카메라폰이 디스크 기반인지 실린더 기반인지에 대한 소스는 다르다). 결국 크로노폰의 [11]발목을 잡은 것과 같은 이유로 실패했다.

1913년 에디슨은 1895년 그의 시스템과 마찬가지로 키네토폰으로 알려진 새로운 실린더 기반의 싱크로 음향 장치를 선보였다.Kinetoscope 캐비닛에 있는 개별 시청자들에게 영화를 보여주는 대신, 그들은 이제 스크린에 투영되었다.축음기는 복잡한 풀리 배열로 필름 프로젝터에 연결되어 이상적인 조건에서 동기화를 가능하게 했습니다.그러나 이상적인 상태는 거의 없었고, 개량된 새로운 키네토폰은 1년여 [12]만에 퇴역했다.1910년대 중반, 상업적인 사운드 영화 전시의 기반은 [11]가라앉았다.1914년부터, 창조의 포토 드라마는, 인류의 기원에 대한 야훼의 증인들의 개념을 홍보하는 것으로, 미국 전역에서 상영되었습니다: 별도로 녹음된 강의와 축음기로 [13]재생되는 음악 공연과 동시에 슬라이드와 라이브 액션을 포함한 8시간 분량의 투사된 영상물입니다.

한편, 혁신은 또 다른 중요한 측면에서 계속되었습니다.1900년, 독일의 물리학자 에른스트 루머는 광전화에 대한 연구의 일환으로, 연속적인 사진 필름 위에 빛과 어두운 띠의 다양한 음영으로 전송되는 아크 빛의 변동을 기록했습니다.그 후, 그는 이 과정을 역전시켜, 이 사진 스트립으로부터 녹음된 소리를 재생하는 것으로, 흐르는 필름 스트립을 통해서 밝은 빛을 비추고, 그 결과 생기는 다양한 빛으로 셀레늄 셀을 비출 수 있다고 결정했다.밝기의 변화는 셀레늄의 전류 저항성에 상응하는 변화를 일으켰고, 이는 전화 수신기에서 발생하는 소리를 변조하는 데 사용되었습니다.그는 이 발명을 포토폰이라고 [14]불렀는데, 그는 이렇게 요약했다: "소리는 전기가 되고, 빛이 되고, 화학작용을 일으키고, 다시 빛과 전기가 되고, 그리고 마침내 [15]소리가 난다."

루머는 1886년에서 1892년 사이에 에디슨의 연구실에서 일했던 프랑스 태생의 런던에 기반을 둔 유진 라우스트와 [16]서신 교환을 시작했다.1907년, 라우스테는 음성을 셀룰로이드에 직접 사진적으로 녹음되는 광파로 변환하는 것을 수반하는 사운드 온 필름 기술에 대한 첫 번째 특허를 받았습니다.역사학자 스콧 아이먼이 기술한 바와 같이

그것은 이중 시스템이었다. 즉, 소리는 사진과 다른 필름에 있었다.본질적으로, 소리는 마이크로 포착되어 빛 밸브를 통해 빛 파동으로 변환되었습니다. 이 밸브는 민감한 금속의 얇은 리본으로 작은 슬릿 위에 놓여져 있습니다.이 리본에 도달하는 소리는 횡격막의 떨림에 의해 빛으로 변환되며, 그 결과 발생하는 빛의 파장은 슬릿을 통해 집중되며, 필름의 측면에 10분의 1인치 [17]폭의 스트립으로 촬영됩니다.

1908년, Rauste는 이 장치를 상업적인 [16]제품으로 완성할 목적으로 Ruhmer로부터 사진전화를 구입했다.비록 사운드 온 필름은 결국 싱크로나이즈드 사운드 시네마의 보편적인 표준이 될 것이다.라우스테는 그의 혁신을 성공적으로 활용하지 못했고, 그것은 사실상 막다른 골목에 다다랐다.1914년 핀란드 발명가 에릭 타이거슈테트는 사운드 온 필름 작업으로 독일 특허 30만9,536점을 받았다. 같은 해,[18] 그는 분명히 베를린의 과학자들에게 이 과정을 통해 만들어진 영화를 시연했다.헝가리 엔지니어 Denes Mihaly는 1918년에 그의 사운드 온 필름 프로젝토폰 컨셉을 헝가리 왕립 특허 법원에 제출했습니다.특허 상은 4년 [19]후에 공개되었습니다.사운드가 실린더, 디스크, 필름으로 캡처되었든, 이용 가능한 기술 중 어느 것도 빅 리그 상업적 목적에 적합하지 않았고, 수년 동안 주요 할리우드 영화 스튜디오의 책임자들은 사운드 영화 [20]제작에서 거의 혜택을 보지 못했다.

중요한 혁신

1920년대 후반까지 건전한 영화관이 상업적으로 활성화되는 데 많은 기술적 발전이 기여하였다.동기화된 사운드 재생 또는 재생에 대한 두 가지 대조적인 접근법이 포함되었습니다.

고도의 사운드 온 필름

1919년, 미국의 발명가 Lee De Forest는 상업적으로 응용된 최초의 광학 사운드 온 필름 기술을 이끌 수 있는 몇 가지 특허를 받았습니다.De Forest의 시스템에서는, 사운드 트랙이 영화 필름의 스트립 측면에 사진 녹음되어 합성 또는 "결혼" 인쇄물을 만들었습니다.녹음 시에 음성과 화상의 적절한 동기화가 이루어지면, 재생시에 절대적으로 의지할 수 있습니다.이후 4년 동안, 그는 이 분야의 또 다른 미국인 발명가인 테오도르 [21]케이스로부터 허가받은 장비와 특허의 도움으로 그의 시스템을 개선했다.

일리노이 대학에서는 폴란드 태생의 연구 엔지니어 조셉 티코친스키-티코시너가 비슷한 과정을 독립적으로 수행하고 있었다.1922년 6월 9일, 그는 미국 전기 [22]공학 협회 회원들에게 처음으로 사운드 온 필름 영화를 시연했다.로스트와 티거스테트와 마찬가지로 타이코시너의 시스템은 상업적으로 이용되지 않을 것이다.그러나 드포레스트의 시스템은 곧 이용될 것이다.

All-text advertisement from the Strand Theater, giving dates, times, and performers' names. At the top, a tagline reads, "$10,000 reward paid to any person who finds a phonograph or similar device used in the phonofilms." The accompanying promotional text describes the slate of sound pictures as "the sensation of the century ... Amazing! Astounding! Unbelievable".
1925년 포노필름 반바지 발표 신문 광고, 기술적 차이: 축음기 없음.

1923년 4월 15일 뉴욕시의 리볼리 극장에서 사운드 온 필름으로 영화를 상영하는 최초의 상업 상영이 열렸다.이것이 미래의 표준이 될 것이다.그것은 길이가 다양하고 1920년대 가장 인기 있었던 스타들 중 일부가 보드빌, 뮤지컬 액트, 그리고 무성 장편 영화 벨라 [23]도나의 상영에 동반된 연설과 같은 무대 공연을 하는 단편 영화 세트로 구성되었다.모두 De Forest Phonofilms의 [24]기치 아래 발표되었습니다.세트에는 콘차 피커 주연의 11분짜리 단편 영화 <멀리 떨어진 세비야>가 포함되어 있다.2010년, 이 테이프의 복사본이 현재 [25][26][27]보존되어 있는 미국 의회 도서관에서 발견되었다.행사에 참석한 비평가들은 전반적으로 [28]부정적인 평가를 받은 음질은 아니지만 참신함을 칭찬했다.그 해 6월, De Forest는 종업원 Freeman Harrison Owens와 Phonofilm의 중요한 특허 중 하나에 대한 소유권을 놓고 장기간에 걸친 법적 공방을 벌였습니다.De Forest는 결국 법원에서 승소했지만, 오늘날 Owens는 [29]이 분야에서 핵심적인 혁신가로 인정받고 있습니다.이듬해, 드 포레스트의 스튜디오는 첫 번째 상업 드라마 영화 촬영작인 J. Searle Dawley가 감독하고 [30]우나 메르켈이 피처링한 2인조 러브의 올드 스위트 송을 개봉했다.하지만 포노필름의 주식은 오리지널 드라마가 아니라 연예인 다큐멘터리, 대중음악, 코미디 공연이었다.캘빈 쿨리지 대통령, 오페라 가수 애비 미첼, 그리고 필 베이커, 벤 버니, 에디 캔터, 오스카 레반트와 같은 보드빌 스타들이 이 회사의 사진에 등장했다.할리우드는 이 새로운 기술에 대해 의심하고 심지어 두려워했다.1924년 3월 포토플레이 편집자 제임스 퀴크가 말했듯이, "말하는 사진은 완벽합니다.이데포레스트.피마자유도 [31]마찬가지입니다.De Forest의 공정은 미국에서 1927년까지 수십 개의 짧은 Phonofilms에 계속 사용되었습니다.영국에서는 영국 토킹 픽처스의 자회사인 British Sound Film Productions에 의해 짧은 Phonofilms에 몇 년 더 오래 고용되었습니다.1930년 말, 포노필름 사업은 [32]청산될 것이다.

유럽에서도 사운드 온 필름 개발에 힘쓰고 있었다.DeForest가 이 분야에서 첫 특허를 받은 1919년, 세 명의 독일 발명가, 요제프 엥글, 한스 보그트, 그리고 요제프 마솔레 (1889-1957)가 트라이에르곤 사운드 시스템에 특허를 냈습니다.1922년 9월 17일 트리 [33]에르곤 그룹은 베를린의 알함브라 키노에서 초청된 관객들 앞에서 극적인 토키인 데르 브란스티프터(The Firefist)를 포함한 사운드 온 필름 프로덕션의 공개 상영을 했다.그 10년 말에는 트라이에르곤이 유럽의 주요 음향 시스템이 될 것이다.1923년 두 명의 덴마크 엔지니어 악셀 페테르센과 아놀드 폴센은 이미지 릴과 평행하게 달리는 별도의 필름 스트립에 소리를 녹음하는 시스템을 특허 취득했다.Gaumont는 이 기술을 라이선스하여 Cinéphone이라는 [34]이름으로 잠시 상업적으로 사용하였습니다.

그러나 국내 경쟁은 포노필름을 앞질렀다.1925년 9월, De Forest and Case의 작업 계획은 무산되었다.이듬해 7월, 케이스는 폭스 케이스 코퍼레이션을 설립하기 위해 할리우드에서 세 번째로 큰 스튜디오인 폭스 필름에 합류했다.케이스와 그의 조수인 Earl Sponable에 의해 Movietone이라는 이름으로 개발된 이 시스템은 할리우드 영화 스튜디오에 의해 통제된 최초의 실행 가능한 사운드 온 필름 기술이 되었다.그 다음해, Fox는 북미의 Tri-Ergon 시스템에 대한 권리를 사들였지만, Movietone에 비해 열등하고 두 개의 다른 시스템을 통합하는 [35]것은 사실상 불가능하다는 것을 알았다.1927년에도 폭스는 싱크로 사운드 [36]필름용 카메라를 제작하는 데 특별한 전문 지식을 가진 프리먼 오웬스의 서비스를 유지했습니다.

고도의 사운드 온 디스크

사운드 온 필름 기술의 향상과 함께, 많은 회사들이 영화 소리를 축음기 디스크에 녹음하는 시스템을 발전시키고 있었다.옛날부터의 사운드 온 디스크 기술에서는 축음기 턴테이블을 기계식 인터록에 의해 특별히 수정된 필름 프로젝터에 연결하여 동기화할 수 있도록 했다.1921년 올란도 켈럼이 개발한 포토키네마 사운드 온 디스크 시스템이 D에 동기화된 사운드 시퀀스를 추가하기 위해 사용되었다. W. 그리피스의 실패한 무성 영화 드림 스트리트.스타 랄프 그레이브스가 부른 러브송은 라이브 보컬 효과의 연속처럼 녹음되었다.대화 장면도 녹화된 것 같지만, 결과는 불만족스러웠고, 영화는 그것들을 포함한 공개 상영되지 않았다.1921년 5월 1일, 드림 스트리트는 뉴욕시 시청 극장에서 러브송을 추가한 채 재개봉되었고, 라이브 녹음된 발성 [37]시퀀스를 가진 최초의 장편 영화로서의 자격을 얻었다.하지만, 음질이 매우 좋지 않았고 포토키네마 사운드 시스템을 [38]설치한 사람이 없었기 때문에 다른 어떤 극장도 영화의 사운드 버전을 보여줄 수 없었다.5월 29일 일요일, 브루클린 슈버트 크레센트 극장에서 포노키네마에서 만들어진 단편 영화 프로그램으로 드림 스트리트가 개장했다.그러나 사업이 좋지 않았고 프로그램은 곧 종료되었다.

Illustration of a man dressed in an orange-and-purple Elizabethan costume with puffy shoulders and sheer leggings. Accompanying text provides film credits, dominated by the name of star John Barrymore.
워너 브라더스 포스터' 돈 후안 (1926년), 전장 동기 사운드 트랙으로 초연된 최초의 주요 영화.할리우드 최초로 이 일을 맡은 오디오 녹음 엔지니어 조지 그로브스는 44년 후 우드스톡의 사운드를 감독하게 된다.

1925년 당시 큰 야망을 품은 작은 할리우드 스튜디오였던 워너 브라더스의 샘 워너는 웨스턴 일렉트릭 사운드 온 디스크 시스템의 시연을 보고 그의 형제들을 설득하여 그들이 최근에 구입한 뉴욕시의 비타그래프 스튜디오에서 이 시스템을 사용하는 것에 동의하도록 했다.그 테스트는 워너 브라더스에게 설득력이 있었다. 비록 그들을 목격한 다른 영화 회사의 경영진들에게는 아니었더라도 말이다.그 결과, 1926년 4월, 웨스턴 일렉트릭 컴퍼니는 Warner Brothers 및 금융가인 W. J. Rich와 계약을 체결하고 웨스턴 일렉트릭 시스템 하에서 사운드 사진을 녹음하고 재생하는 독점 라이선스를 그들에게 주었다.이 라이선스를 이용하기 위해 Vitaphone Corporation은 Samuel L. Warner를 [39][40]사장으로 하여 조직되었습니다.비타폰은 1926년 8월 6일 돈 후안의 시사회와 함께 공개적으로 소개되었다; 모든 유형의 동기화된 사운드 시스템을 사용한 최초의 장편 영화, 사운드 트랙은 음악 점수를 포함하고 음향 효과를 추가했지만 녹음된 대화는 없었다. 다시 말해, 그것은 무대화되었고 촬영되었다.무성 영화그러나 돈 후안과 동행한 8개의 반주 뮤지컬 공연과 윌 H의 4분짜리 영화 소개가 대부분이었다. 미국영화협회 회장인 헤이스는 모두 생방송으로 녹음된 사운드를 가지고 있다.이것들은 할리우드 [41]스튜디오에 의해 전시된 최초의 진정한 사운드 영화였다.워너 브라더스''베터 올레'는 기술적으로 돈 후안과 비슷하지만,[42] 10월에 그 뒤를 이었다.

사운드 온 필름은 여러 가지 기본적인 기술적 이점 때문에 궁극적으로 사운드 온 디스크를 능가할 것입니다.

  • 동기화: 인터록 시스템은 완전히 신뢰할 수 없습니다.프로젝터의 오류, 부정확한 필름 파손 또는 사운드트랙 디스크의 결함으로 인해 사운드가 이미지와 심각하게 회복할 수 없게 될 수 있습니다.
  • 편집: 디스크를 직접 편집할 수 없기 때문에 원래 개봉 후 부수되는 영화를 변경할 수 없습니다.
  • 배급: 축음기 디스크로 인해 필름 배급에 비용과 복잡성이 추가됨
  • 마모 및 손상: 디스크를 재생하는 물리적 프로세스로 인해 디스크 성능이 저하되어 약 20회[43] 스크리닝 후 교환이 필요

그럼에도 불구하고, 초기 몇 년 동안 사운드 온 디스크는 두 가지 면에서 사운드 온 필름보다 우위를 점했습니다.

  • 제작 및 자본 비용: 일반적으로 필름에 녹음하는 것보다 디스크에 녹음하는 것이 저렴했습니다.또한 전시 시스템(턴테이블/인터록/프로젝터)은 사운드 온 필름에 필요한 복잡한 이미지 및 오디오 패턴 판독용 프로젝터보다 제작 비용이 저렴했습니다.
  • 오디오 품질: 축음기 디스크, 특히 Vitaphone의 경우, 적어도 처음 몇 번의 재생 중에는 당시의 대부분의 사운드 온 필름 프로세스보다 뛰어난 다이내믹 레인지를 가지고 있었습니다.사운드 온 필름은 주파수 응답성이 좋은 경향이 있었지만, 이것은 왜곡이나[44][45] 노이즈가 큰 것에 비해 중요했습니다.

사운드 온 필름 기술이 발전함에 따라, 이 두 가지 단점은 극복되었다.

세 번째 중요한 혁신은 사운드 라이브 레코딩과 효과적인 재생 모두에서 큰 진전을 이뤘다.

Two suited men stand in a studio with a large film projector and other electrical equipment. The man on the left is holding a large phonograph record.
웨스턴 일렉트릭 엔지니어 E. B. Craft(왼쪽)가 비타폰 투영 시스템을 시연하고 있습니다.Vitaphone 디스크는 약 11분의 작동 시간을 가지고 있으며, 35mm 필름 1,000피트(300m) 릴의 작동 시간과 맞먹습니다.

충실도 전자 기록 및 증폭

1913년 AT&T의 제조 부문인 웨스턴 일렉트릭은 3극 진공관의 전신인 드 포레스트 오디오온의 권리를 취득했다.이후 몇 년 동안 그들은 그것을 예측 가능하고 신뢰할 수 있는 장치로 개발하여 처음으로 전자 증폭을 가능하게 했습니다.그 후, Western Electric은, 레코드 산업의 공공 주소 시스템이나 전기 기록 시스템을 포함한 진공 튜브의 용도를 개발하는 것으로 사업을 전개했습니다.1922년부터 Western Electric의 연구 부문은 영화용 사운드 온 디스크와 사운드 온 필름 동기 사운드 시스템 모두를 위한 녹음 기술을 집중적으로 연구하기 시작했습니다.

Sound-on-Disc 시스템에 종사하는 엔지니어들은 Western Electric이 이미 전기 디스크 레코딩에 가지고 있던 전문 지식을 활용하여 초기 작업을 더 빠르게 진행할 수 있었습니다.가장 큰 변화는 35mm 필름의 표준 1,000피트(300m) 릴과 일치하도록 디스크의 재생 시간을 늘리는 것이었습니다.선택된 설계에서는 33/3rpm으로 회전하는 직경 약 40cm의 디스크를 사용했습니다.이것은, 90 피트/분(24 프레임/초)[46]로 1000 피트 필름의 실행 시간인 11 분 동안 재생할 수 있습니다.직경이 크기 때문에 70피트/분(14인치 또는 356mm/s)의 최소 그루브 속도는 표준 10인치 78rpm 시판 디스크보다 약간 낮았습니다.1925년에 회사는 민감한 콘덴서 마이크와 고무 라인 레코더를 포함한 크게 개선된 전자 오디오 시스템을 공개적으로 도입했습니다(왁스[47] 마스터 디스크에 더 나은 주파수 응답으로 녹음하기 위해 고무 댐핑 밴드를 사용하여 명명됨).그 해 5월, 이 회사는 기업가인 월터 J. 리치에게 이 시스템을 상업 영화용으로 이용하도록 허가했다.그는 Vitgraph를 설립했고, 이 Vitgraph는 불과 한 달 [48]후에 워너 브라더스가 절반의 지분을 취득했다.1926년 4월, 워너스는 AT&T와 필름 사운드 기술을 환원 비타폰 작업에 독점적으로 사용하는 계약을 체결했고, 이후 몇 [39]달 동안 돈 후안과 그에 부수되는 쇼츠를 제작하게 되었다.Vitaphone이 특허에 독점적으로 접근할 수 있었던 기간 동안, Warners 영화를 위해 만들어진 녹음의 충실도는 회사의 사운드 온 필름 경쟁사들을 위해 만들어진 녹음보다 훨씬 뛰어났다.한편, AT&T 리서치 오퍼레이션의 새로운 명칭인 Bell Labs는 극장에 가득 찬 음량으로 확성기를 통해 녹음을 재생할 수 있는 정교한 사운드 앰프 기술을 개발하고 있었습니다.이 새로운 무빙코일 스피커 시스템은 7월 말 뉴욕의 워너스 극장에 설치되었고 웨스턴 일렉트릭이 555 리시버라고 부르는 것에 대한 특허 제출은 돈 후안의 [45][49]초연 이틀 전인 8월 4일에 제출되었다.

올해 말 AT&T/Western Electric은 자사의 영화 관련 오디오 기술에 대한 권리를 취급하기 위해 라이센스 부문인 Electrical Research Products Inc.(ERPI)를 설립했습니다.Vitaphone은 여전히 법적 독점권을 가지고 있었지만, 로열티 지불이 중단되었기 때문에, 그 권리에 대한 효과적인 통제는 ERPI의 손에 맡겨졌다.1926년 12월 31일, Warners는 Fox-Case에게 Western Electric 시스템의 사용에 대한 서브 라이선스를 부여했다. 그 서브 라이선스의 대가로, Warners와 ERPI는 Fox의 관련 수익의 몫을 받았다.이 세 회사의 특허는 모두 교차 [50]라이선스였다.뛰어난 녹음 및 증폭 기술은 이제 두 할리우드 스튜디오에서 사용할 수 있게 되었고, 두 가지 매우 다른 소리 재생 방법을 추구했습니다.새해에는 마침내 사운드 시네마가 중요한 상업적 매체로 등장할 것이다.

여행

1929년에 "새로운 RCA 포토폰 휴대용 사운드 및 사진 재생 시스템"이 산업 저널 Projection Engineering에 [51]소개되었습니다.호주에서는 Hoyts와 Gilby Talkies Pty, Ltd.가 컨트리 [52][53]타운을 순회하고 있었습니다.같은 해에 화이트 스타 라인은 에 통화 영상 장비를 설치했습니다.장엄하다.첫 항해에서 보여준 특징은 쇼보트와 [54]브로드웨이였다.

토키들의 승리

1927년 2월, 다섯 개의 주요 할리우드 영화사에 의해 협정이 체결되었다.유명한 선수들-라스키(곧 파라마운트의 일부가 될 예정), 메트로-골드윈-메이어, 유니버설, 퍼스트 내셔널, 세실 B. De Mille의 작지만 권위 있는 PDC(Producers Distributing Corporation)5개 스튜디오는 음성 변환을 위해 한 업체만 일괄 선정하기로 합의하고 선두주자들이 어떤 결과를 [55]내놓는지 지켜봤다.지난 5월 워너 브라더스는 ERPI에 독점권을 되팔고(폭스 케이스 서브라이선스와 함께) 폭스가 웨스턴 일렉트릭 기술을 사용하는 것과 유사한 새로운 로열티 계약을 체결했다.Fox와 Warners는 기술적인 면에서나 상업적으로나 다른 방향으로 움직이며 사운드 시네마를 밀고 나갔다.Warners는 뉴스릴로 옮긴 후 드라마에 점수를 매긴 반면, Warners는 특집 토킹에 집중했다.한편, ERPI는 5개의 제휴 [56]스튜디오를 계약함으로써 시장을 독점하려고 했다.

Advertisement from the Blue Mouse Theater announcing the Pacific Coast premiere of The Jazz Singer, billed as "The greatest story ever told". A photo of stars Al Jolson and May McAvoy accompanies extensive promotional text, including the catchphrase "You'll see and hear him on Vitaphone as you've never seen or heard before". At the bottom is an announcement of an accompanying newsreel.
타코마와 워싱턴에 완전히 장비가 갖추어진 극장에서 신문 광고, 재즈 싱어, 디스크식 발성 영화기에 대한 폭스 뉴스 영화, 무비톤에, 같은 법안을 놓고 함께 보여 준다.

그 해의 가장 큰 소리 영화 감각 모든 기존 연예인을 이용했다.5월 20일, 1927년, 뉴욕의 록시 극장에서 열린 폭스 무비톤 파리에, 그 전날 기록했다 찰스 린드버그의 유명한 비행의 이륙의 건전한 영화 선물했다.지난 6월에는, 폭스는 건전한 뉴스 영화 뉴욕과 워싱턴 DC에서 그의 귀환 welcomes을 묘사하는 공개되었다.이것들 두 가장 많은 찬사를 받는 건전한 영화.[57]5월에, 폭스 동기화된 대화로 헐리우드의 최초의 공상 영화:그들은 나 할, 그에 맞는 옥외 변소. 주연으로 오는 것 모자라잖아 공개했다.[58]세븐스 헤븐 같은 기록된 음악과 침묵하는 사람은 거의 없형상이건,, rereleasing 후, 폭스는 9월 23일에 최초로 원래 Movietone 특징:Sunrise과: 나왔다.노래 두 인간의고 호평 받는 독일의 프리드리히 빌헬름 무르나우에 의해.돈 후안과 마찬가지로, 이 영화의 사운드 트랙 뮤지컬 점수와 음향 효과(, 군중 장면이 부부,"야생", 비특이성 보컬에 포함)으로 구성되어 졌다.[59]

그 후 10월 6,1927년에, 워너 Bros.'.재즈 가수 첫 상연되었다.의 중간 스튜디오를 위해 그것은 엄청난 히트 흥행 성공,, 거의 백만달러를 워너 브라더스 영화의 종전 기록보다 더 많은달러 2.625 만명의 미국과 해외에 총 벌고 있다.[60]그 디스크식 발성 영화기 시스템으로 생산되는 영화의 대부분, 선 라이즈와 돈 후안처럼 점수와 효과에 의존하고live-recorded 오디오가 포함되어 있지 않다.소리에 그의 음악적인 퍼포먼스들 그리고 졸슨의 성격, 재키 챙, 라비(잭은 로빈), 카바레 청중 앞에서 발표하는 ad-libbed speech—one로 두 장면을 포함할 때 그 영화의 스타 알 졸슨, 노래하고 하지만 이 영화는 집합에 기록됩니다; 다른 그와 그의 어머니 사이에서 교환.설정의"자연"소리도 들렸다.[61]비록 재즈 가수의 성공은 주로 졸슨으로 인해 이미 미국인 1명 규모가 큰 음악 스타들로 가득차 주는 싱크로나이즈 사운드의 제한된 사용 거의 혁신적인 발성 영화(혼자"첫번째" 봅시다)로 진출했다 설립한 영화의 이익은 업계에 충분한 기술에 투자한 가치가 있다는 증거 있었다.[62]

상업용 사운드 시네마의 발전은 재즈 싱어 이전부터 간헐적으로 진행되어 왔고, 영화의 성공은 하룻밤 사이에 모든 것을 바꾸지는 않았다.영향력 있는 가십 칼럼니스트 루엘라 파슨의 재즈 싱어에 대한 반응은 빗나갔다: "나는 소리나는 사운드 영화가 우리 극장을 방해할 염려가 전혀 없다." MGM의 제작 책임자인 어빙 탈버그는 이 영화를 "좋은 속임수였지만, 그것뿐이었다."[63]1928년 5월이 되어서야 4개의 큰 스튜디오(PDC가 연합에서 탈퇴)와 유나이티드 아티스트 및 다른 스튜디오는 ERPI와 사운드 영화 제작 시설과 극장의 전환을 위한 계약을 맺었다.그것은 위압적인 약속이었다; 하나의 극장을 개조하는 데 15,000 달러 (2019년 22만 달러 상당)의 비용이 들었고, 미국에는 2만 개 이상의 영화관이 있었다.1930년까지 극장의 절반만이 [63]소리와 연결되어 있었다.

처음에 ERPI로 연결된 모든 극장은 Vitaphone 호환으로 만들어졌으며, 대부분은 [64]Movietone 릴을 투영할 수 있는 장비도 갖추어져 있었다.하지만, 두 가지 기술을 모두 이용할 수 있었음에도 불구하고, 대부분의 할리우드 회사들은 그들만의 대화 기능을 만드는 데 느렸다.워너 브라더스 외에 어떤 스튜디오도 저예산 위주의 미국 영화 예약 사무소가 재즈 [65]싱어 이후 8개월 만인 1928년 6월 17일 퍼펙트 범죄를 초연하기 전까지는 부분 토크 특집조차 내놓지 않았다.FBO는 웨스턴 일렉트릭의 경쟁사인 제너럴 일렉트릭의 RCA 사업부가 새로운 사운드 온 필름 시스템인 Photophone을 시장에 내놓으려 하고 있었다.가변 밀도 시스템이었던 Fox-Case의 Movietone과 De Forest의 Phonofilm과는 달리, 포토폰은 가변 영역 시스템이었다. 즉, 최종적으로 표준이 되는 필름에 오디오 신호를 새기는 방식을 개선한 것이다. (두 시스템 모두 특별히 설계된 램프는 오디오 입력에 의해 필름에 노출이 결정된다.)는 일련의 미세한 선으로 음성을 사진에 녹음하기 위해 사용됩니다.가변 밀도 프로세스에서는 선이 다양한 어두운 색이며 가변 영역 프로세스에서는 선이 다양한 폭입니다.)10월까지, FBO와 RCA의 제휴는 할리우드의 최신 메이저 스튜디오인 RKO 픽처스의 설립으로 이어질 것이다.

A middle-aged man wearing a plaid jacket and boldly striped tie grabs a younger woman wearing a sweater vest by the arm. Her hand tugs at his as they gaze into each other's eyes, he fiercely, she with surprise or concern.
도로시 맥칼과 밀턴 실스, 퍼스트 내셔널의 첫 번째 토키입니다.이 영화는 워너 브라더스가 스튜디오에 대한 지배적 지분을 획득한 지 두 달 후인 1928년 12월에 개봉되었다.

한편, 워너 브라더스.는 재즈 싱어 수준은 아니더라도 모두 수익성이 높은 세 편의 토키를 추가로 발매했다.3월에 텐더로인이 등장했는데, 비록 88분 중 15분만이 대화를 나눴지만, 워너스에 의해 캐릭터들이 자신의 역할을 말하는 첫 번째 기능으로 광고되었다.이어 4월에는 영광스러운 벳시가, [66]5월에는 사자와 생쥐(대화 31분)가 뒤를 이었다.1928년 7월 6일, 최초의 화제작인 Lights of New York이 초연되었다.이 영화는 워너 브라더스가 제작했다.제작비는 23,000달러에 불과했지만 총 수익은 125만2,000달러로 5,000%를 웃돌았다.지난 9월, 스튜디오는 또 다른 알 졸슨 파트토킹 영화인 "노래하는 바보"를 개봉했는데, 이는 워너 브라더스 영화의 [67]재즈 싱어의 수익 기록을 두 배 이상 증가시켰다.이 두 번째 졸슨 스크린 스매시는 한 곡을 전국적인 히트로 만들 수 있는 이 영화 뮤지컬의 능력을 보여주었다: 9개월 만에 졸슨 앨범 "소니 보이"는 2백만 개의 음반과 125만 개의 [68]악보 판매고를 올렸다.1928년 9월 폴 테리의 디너 타임이 공개되었는데, 이는 동기 사운드로 제작된 최초의 애니메이션 만화이다.그가 그것을 본 직후, 월트 디즈니는 그의 첫 번째 사운드 사진인 미키마우스의 짧은 증기선 [69]윌리를 공개했다.

1928년 동안, 워너 브라더스가 사운드 영화의 인기로 인해 엄청난 수익을 거두기 시작하자, 다른 스튜디오들은 새로운 기술로 전환하는 속도를 높였다.업계 선두 업체인 파라마운트는 9월 말에 첫 번째 토키인 '삶의 거지'를 출시했습니다. 비록 몇 줄의 대화만 있었지만, 스튜디오가 새로운 미디어의 힘을 인식하고 있음을 증명했습니다.파라마운트의 첫 올토커인 간섭은 [70]11월에 데뷔했다.이 과정은 잠시 동안 "콧물 분비"로 알려지게 되었다: 때때로 더빙 후 대화나 노래를 포함한 사운드 트랙이 촬영된 영화에 추가되었고 경우에 따라서는 개봉된 영화들에 [71]은은하게 추가되었다.몇 분간의 노래만 부르면 이렇게 새로 탄생한 영화가 "뮤지컬"로 인정받을 수 있다. (그리피스의 드림 스트리트는 본질적으로 "염소샘"이었다.) 기대는 빠르게 바뀌었고 1927년의 "유행"은 1929년에 표준 절차가 되었다.1929년 2월, 재즈 싱어가 데뷔한 지 16개월이 지난 후, 컬럼비아 영화사는 할리우드 골든 에이지 동안 "마조르"로 알려지게 될 8개의 스튜디오 중 첫 번째 부분 토크 특집인 "론 울프의 딸"[72]을 발매한 마지막 스튜디오가 되었다.지난 5월 말, 최초의 컬러풀하고 입만 뻥튀기 특집인 워너 브라더스'가 개봉했다.On with the Show!가 [73]초연되었다.

그러나 대부분의 미국 영화관들은, 특히 도시 외곽의 극장들은 여전히 음향 시설이 갖추어져 있지 않았다: 사운드 영화관의 수는 1928년과 1929년 사이에 100개에서 800개로 늘어났지만, 실제로는 22,204개에서 22,544개로 늘어난 [74]무성 극장들에 비하면 여전히 훨씬 더 많았다.이와 병행하여, 영화 제작사들은 여전히 토키들의 보편적인 매력을 완전히 확신하지 못했다.-1930년 중반까지 할리우드 영화의 대부분은 무성영화뿐 아니라 [75]대화영화까지 이중 버전으로 제작되었다.업계에서는 거의 예상하지 못했지만, 미국에서 실행 가능한 상업 매체로서의 무성 영화는 곧 추억에 지나지 않을 것이다.1929년 8월 유니버설 픽처스에 의해 개봉된 후트 깁슨 웨스턴 영화인 포인트즈 웨스트는 할리우드 주요 스튜디오가 [76]내놓은 마지막 순수 무음 주류 영화였다.

이행:유럽

재즈 싱어는 1928년 [77]9월 27일 런던의 피카딜리 극장에서 유럽 사운드 초연을 가졌다.영화사학자 레이첼 로우에 따르면, "산업계의 많은 사람들은 음향 제작의 변화가 [78]불가피하다는 것을 단번에 깨달았다."1929년 1월 16일, 음원과 음원이 일치한 최초의 유럽 장편 영화가 초연되었다.독일 작품인 Ich kusse Ihre Hand, Madam (I Kiss Your Hand, Madam)Dialogueless, 그것은 Richard Tauber가 [79]연주한 몇 개의 노래만을 포함하고 있다.이 영화는 트라이에르곤사의 상속인인 독일계 네덜란드인 토비스가 관리하는 사운드 온 필름 시스템으로 만들어졌다.토비스는 신흥 유럽 사운드 필름 시장을 장악하기 위해 독일의 두 주요 전기 제조사의 합작 자회사인 클랑필름과 계약을 체결했습니다.1929년 초, 토비스와 클랑필름은 녹음과 재생 기술을 접목하기 시작했다.ERPI가 유럽 전역의 극장과 통신하기 시작하면서, 토비스-클랑필름은 서부 전기 시스템이 트라이-에르곤 특허를 침해했다고 주장하여 많은 곳에서 [80]미국 기술의 도입을 지연시켰다.RCA가 음반 시스템의 가치를 극대화하기 위해 영화 사업에 뛰어든 것처럼 토비스도 자체 제작 [81]사업부를 설립했다.

1929년 동안, 유럽의 주요 영화 제작국들 대부분이 할리우드와 함께 음향으로 전환하기 시작했다.유행을 선도하는 많은 유럽 토키들은 제작사가 스튜디오를 임대하는 동안 또는 의도적으로 다른 언어를 사용하는 시장을 겨냥하여 해외에서 촬영되었다.유럽 최초의 두 편의 장편 드라마틱 토키 중 하나는 여전히 다국적 영화 제작과 다른 방식으로 만들어졌다.크림슨 서클은 프리드리히 젤닉 감독의 Efzet-Film Company와 BSFP(British Sound Film Productions)가 공동 제작한 작품이다.1928년 이 영화는 독일에서 침묵의 Der Rotte Kreis로 개봉되어 촬영되었으며, 영어 대화는 BSFP의 기업 부모에 의해 통제된 De Forest Phonofilm 과정을 사용하여 훨씬 후에 더빙되었다.1929년 3월 영국 무역 심사를 거쳤으며, 영국에서 제작된 단편 영화도 마찬가지였다.사운드 온 디스크 방식의 영국 포토폰 시스템을 사용한 영국 라이온 제작 작품 'The Clute of the New Pin'입니다.지난 5월 영국과 도미니언스 영화사가 영국 최초의 올토커로 홍보한 블랙워터스는 초기 무역 심사를 받았다. 이 영화는 할리우드에서 웨스턴 일렉트릭 사운드 온 필름 시스템으로 완전히 촬영됐다.이 사진들 중 어떤 것도 [82]큰 영향을 주지 않았다.

An advertisement for the movie Blackmail featuring a young woman in lingerie holding a garment over one arm looks toward camera. Surrounding text describes the film as "A Romance of Scotland Yard" and "The Powerful Talking Picture"
프라하에서 자란 '공갈'(1929)의 스타 애니 온드라는 업계에서 가장 인기 있는 배우였지만, 그녀의 굵은 억양은 영화가 사운드와 함께 다시 촬영되면서 이슈가 되었다.더빙 후 능력 없이, 그녀의 대화는 여배우 조앤 배리에 의해 스크린 밖에서 동시에 녹음되었다.Ondra의 영국 영화 인생은 끝났다.[83]

최초의 성공적인 유럽 드라마틱 토키는 영국의 협박이었다.29세의 알프레드 히치콕이 감독한 이 영화는 1929년 6월 21일 런던에서 첫 선을 보였다.원래 침묵으로 촬영된 '공갈'은 초연 전에 대화 시퀀스와 악보, 음향 효과를 포함하도록 다시 제작되었다.영국 국제 영화(BIP) 제작사인 General Electric이 토비스-클랑필름 시장에 진출하기 위해 AEG의 지분을 사들인 RCA Photophone에 녹음되었습니다.협박은 상당한 히트를 쳤고, 비판적인 반응 또한 긍정적이었다. 예를 들어, 악명높은 Hugh Castle은 "아마도 우리가 지금까지 [84]본 것 중 소리와 침묵의 가장 지능적인 혼합일 것이다."라고 말했다.

8월 23일, 적당한 크기의 오스트리아 영화 산업은 다음과 같은 토키를 출시했다.독수리 영화-오토톤 [85]영화 제작 작품인 G'schichten aus der Steiermark (Stories from Styria)9월 30일, 독일 최초의 장편 드라마틱 토키인 Das Land ohne Frauen이 초연되었다.토비스 필름쿤스트의 작품 중 약 4분의 1은 특수효과와 음악에서 철저히 분리된 대화를 담고 있었다.그 반응은 [86]감동적이지 않았다.스웨덴의 첫 번째 토키인 콘스트요르다 스벤슨(인공 스벤슨)이 10월 14일 초연됐다.8일 후, 오베르 프랑코 필름은 파리 근교의 에피네이 스튜디오에서 촬영된 르 콜리에 드 라 라인 (여왕의 목걸이)과 함께 개봉했다.무성영화로 착안된 이 영화는 토비스가 녹음한 악보와 프랑스 특집 영화 중 첫 대화 장면인 단일 대화 시퀀스가 주어졌다.10월 31일, 레 트로이 가면 (The Three Masks)이 데뷔하였고, 파테 나탕 영화는 런던 외곽의 Elstree 스튜디오에서 Thrump와 같이 촬영되었지만, 일반적으로 최초의 프랑스 특집 토키로 여겨진다.제작사는 RCA 포토폰과 계약을 맺었고 영국은 이 시스템과 가장 가까운 시설을 가지고 있었다.브라운버거-리체베 토키 라 루트 에스트 벨(The Road Is Fine)도 엘스트리 촬영 후 몇 주 후 [87]그 뒤를 따랐다.

파리 스튜디오가 완전히 음향 설비를 갖추기 전, 1930년에 이르는 과정으로,[88] 많은 다른 초기 프랑스 토키 영화들이 독일에서 촬영되었다.독일 최초의 화제작인 아틀란티크는 10월 28일 베를린에서 초연되었다.그러나 또 다른 Elstree 제작 영화인 이 영화는 Les Trois 가면극이나 La Route est belle보다는 독일어가 덜했다.영국의 시나리오 작가와 독일 감독이 함께 한 BIP 제작 작품이며,[89] 이 영화 역시 영어로 대서양으로 촬영되었다.완전히 독일 AAFA-Film 프로덕션 It's You Have Loved (Dich Hab I Loved)는 3주 반 후에 개봉했다.이 영화는 마케팅에서 말한 것처럼 "독일의 첫 번째 말하는 영화"는 아니었지만,[90] 미국에서 개봉된 것은 처음이었다.

A movie poster with text in Cyrillic. A red band spirals through the center of the image, over a green background. Around the spiral are arrayed five black-and-white photographs of male faces at various angles. Three, in a cluster at the top left, are smiling; two, at the top left and at bottom right (a young boy) look pensive.
첫 번째 소련 토키인 Putevka v zhizn (삶의 길; 1931)은 노숙자 청년 문제를 다루고 있다.마르셀 카르네가 말했듯이, "이 작고 순수한 이야기의 잊을 수 없는 이미지 속에서 우리는 전 [91]국민의 노력을 구별할 수 있다."

1930년에 최초의 폴란드 토키는 사운드 온 디스크 시스템을 사용하여 초연되었습니다.Moralno panic pani Dulskiej (부인의 도덕성) 3월에는 둘스카가,[92] 10월에는 니에베즈피츠니 로만스 (위험한 러브 어페어)가 화제다.1920년대 후반까지 한 때 활기찬 영화 산업이 빈사 상태에 빠졌던 이탈리아에서는 최초의 토키인 '사랑의 노래'도 10월에 개봉했고, 2년 안에 이탈리아 영화도 부활할 [93]것이다.체코어로 첫 회자된 영화는 1930년에 개봉된 톤카 시베니체(Tonka Shibenice of the Gallows)[94]벨기에(프랑스), 덴마크, 그리스, 루마니아 [95]등 이 분야에서 부차적인 위치를 차지하고 있는 몇몇 유럽 국가들도 그들의 첫 대화화를 제작했다.소련의 탄탄한 영화 산업은 1930년 12월에 첫 사운드 기능을 선보였습니다: 지가 베르토프의 논픽션 인텐셔즘은 실험적이고 대화 없는 사운드 트랙을 가지고 있었고, 아브람 룸의 다큐멘터리 Plan velikikh rabot (The Plan of the Great Works)는 음악과 목소리를 [96]가지고 있었습니다.둘 다 현지에서 개발된 사운드온필름 시스템으로 만들어졌으며, 당시 세계 [97]어딘가에서 사용 가능했던 200여 개의 영화 사운드 시스템 중 두 개입니다.1931년 6월 니콜라이 에크 드라마 푸테브카 브지엔(The Road to Life or A Start in Life)[98]이 소련 최초의 진정한 대화 영화로 초연됐다.

유럽 전역에서 전시장소 전환은 생산능력에 크게 뒤떨어져서 많은 곳에서 무음 버전으로 토키를 제작하거나 단순히 소리 없이 상영해야 했습니다.1930년 말까지 60퍼센트 이상의 극장이 미국 수치와 비슷한 음향 시설을 갖추고 있는 영국에서는 전환 속도가 비교적 빠른 반면, 프랑스에서는 1932년 [99]후반까지 전국 극장의 절반 이상이 여전히 침묵 속에 상영되고 있었다.Colin G. Crisp에 따르면, "사일런트 영화의 흐름을 되살리는 것에 대한 불안감은 [프랑스] 산업 언론에서 자주 표출되었고, 업계의 많은 부분은 1935년까지 [100]침묵을 여전히 실행 가능한 예술적이고 상업적인 전망으로 보았다."1933년 5월 당시 소련에서는 100명 중 1명도 채 되지 않은 영화 [101]영사기가 음향 장비를 갖추고 있었다.

이행:아시아

A young girl, man, and woman standing outside of a house, all looking up in the sky. The girl, on the left, is smiling and pointing skyward. The man wears a bowler hat and holds a short broom over his shoulder; the woman wears a kerchief around her head. They are surrounded by domestic objects as if just moving into or out of the house.
고쇼 히노스케 감독의 쇼치쿠 스튜디오 제작 '이웃집 아내와 내 것'은 일본 사운드 [102]영화의 첫 번째 상업적이고 비평적인 성공작이었다.

1920년대와 1930년대에 일본은 미국과 함께 세계 2대 영화 제작국 중 하나였다.비록 한국의 영화 산업이 소리와 말하는 기능을 모두 만든 최초의 영화 산업들 중 하나였지만, 소리로의 완전한 전환은 서양보다 훨씬 더 느리게 진행되었다.일본 최초의 사운드 영화인 레이마이(새벽)는 1926년 데포레스트 포노필름 [103]방식으로 제작된 것으로 보인다.1929년, 톱 클래스의 닛카츠 스튜디오는, 디스크 형식의 사운드 온·미나토키 시스템을 사용해 2쌍의 토키를 제작했습니다.대위의 딸'과 후루사토'는 미조구치 겐지 감독의 작품이다.경쟁사인 쇼치쿠 스튜디오는 1931년 츠치바시라고 [104]불리는 가변 밀도 공정을 사용하여 사운드 온 필름 토키의 성공적인 제작을 시작했다.그러나 2년이 지난 지금도 국내에서 제작된 영화의 80% 이상이 여전히 [105]은색이었다.나루세 미키오 감독과 오즈 야스지로 감독은 각각 [106]1935년과 1936년에야 첫 사운드 영화를 제작했다.1938년까지 일본에서 제작된 모든 영화의 3분의 1 이상이 [105]대화 없이 촬영되었다.

일본 영화계에서 사일런트 미디어의 지속적인 인기는 영화 상영의 반주로 연기한 살아있는 내레이터 벤시의 전통에 힘입은 바가 크다.구로사와 아키라 감독의 후술에 의하면, 벤시는 「영화의 줄거리를 상술했을 뿐만 아니라, 목소리나 효과음을 연기해, 사건이나 이미지를 스크린에 떠올리게 하는 묘사를 제공해, 감성적인 내용을 강화했다.가장 인기 있는 내레이터는 특정 [107]극장의 후원을 전적으로 책임지는 스타들이었다.영화사학자 마리안 르윈스키는 이렇게 주장한다.

서양과 일본에서 무성영화의 종말은 어떤 내적 요구나 자연적 진화가 아니라 산업과 시장에 의해 강요되었다.조용한 영화관은 매우 즐겁고 완전히 성숙한 형태였다.특히 대화와 해설을 하는 인간의 목소리가 항상 있었던 일본에서는 부족함이 없었다.사운드 필름은 더 나은 것이 아니라 단지 더 경제적이었다.극장 주인으로서 당신은 더 이상 음악가와 벤시의 임금을 지불할 필요가 없었다.그리고 좋은 벤시는 스타에게 [108]돈을 요구하는 스타였다.

마찬가지로 벤시 시스템의 실행 가능성은 점차 음향으로의 전환을 촉진하여 스튜디오가 변환에 드는 자본 비용을 분산시키고 디렉터와 기술진이 새로운 [109]기술에 익숙해질 수 있도록 시간을 할 수 있게 했습니다.

A young woman with long dark hair walks outside of a tent, looking down at one of two men asleep on the ground. She wears only a shawl and a knee length dress, leaving her arms, lower legs, and feet exposed.
Alarm Ara는 1931년 3월 14일 봄베이에서 초연되었다.첫 번째 인디언 토키는 너무 인기가 많아서 "[110]군중을 통제하기 위해 경찰 지원이 요청되어야 했다."이것은 타나르 단일 시스템 카메라로 촬영되었으며, 필름에 직접 소리를 녹음했습니다.

버터플라이 우가 주연한 중국어 곤혼혼은 1930년 중국 최초의 특집 토키로 초연되었다.그 해 2월, 악마의 놀이터의 사운드 버전이 완성되어, 최초의 호주 토킹 영화로서 적격이라고 말할 수 있다.그러나, 5월의 코먼웰스 필름 콘테스트 수상자 펠러스의 프레스 상영은, 오스트레일리아 [111]토키의 검증 가능한 최초의 공개 전시회이다.1930년 9월 인도 스타 술로차나가 공연한 무음 장편 마두리(1928년)에서 발췌한 노래가 국내 최초로 [112]싱크로나이즈드 쇼트곡으로 나왔다.이듬해, 아데시르 이란니는 인도 최초의 대화 특집인 힌디어-우르두 알람 아라(Hindia-Urdu Alarm Ara)를 감독했고, 주로 텔루구어를 사용하여 타밀어로 칼리다스를 제작했습니다.1931년에는 최초의 벵골어 영화인 자마이 사시(Jamai Sasthi)와 텔루구어 영화인 Bhakta Prahlada에서도 [113][114]첫 회화를 보았다.1932년, 아요다혜차 라자는 마라티가 개봉된 첫 번째 영화가 되었다(산트 투카람이 공식 검열 과정을 거친 첫 번째 영화였지만). 구자라티어로 된 첫 번째 영화인 나심하 메흐타와 타밀어로만 구성된 토키인 칼라바도 개봉했다.그 다음 해, 아데시르 이란니는 최초의 페르시아어 토키인 Dukhtar-e-loor를 [115]제작했다.또한 1933년 홍콩에서 최초의 광둥어 영화인 '사자이둥팡'과 '양심'이 제작되었고, 2년 만에 현지 영화 산업은 완전히 소리로 [116]전환되었다.일본 벤시와 [117]비슷한 역할과 지위를 가진 한국은 1935년에 처음으로 말하는 영화를 제작하는 중요한 영화 산업을 가진 마지막 나라가 되었다.춘향전은 17세기 판소리 설화인 "춘향가"에 바탕을 두고 있으며,[118] 2009년까지 15편의 영화 버전이 만들어졌다.

이행: 중동

중동은 영화 경기에 매우 늦었다.영화는 1920년대 후반이 되어서야 처음으로 중동에서 제작되기 시작했다.이것은 전세계가 영화를 채택하고 "토키"로 옮긴 지 한참 후였다.이때까지 중동은 서구 영화사들만 배우들을 사용했다.사우디아라비아는 1960년대까지 자국 내에서 영화를 제작하는 것을 허용하지 않았다.

결과들

테크놀로지

Movie poster featuring a large illustration of a young woman wearing a short orange-red dance outfit, high heels, and headdress. Her head is surrounded by shooting stars and sparkles. At her feet, much smaller-scaled, are two men—one is shouting through a megaphone, the other is operating a movie camera. The accompanying text is dominated by the name of star Alice White.
사운드 영화 제작에 관한 최초의 사운드 영화 중 하나인 Show Girl in Hollywood (1930)는 서까래에 매달린 마이크와 방음 부스에서 동시에 촬영하는 여러 카메라를 묘사한다.이 포스터는 사전 녹음된 사운드트랙으로 뮤지컬 넘버를 촬영할 때처럼 부츠되지 않은 카메라와 구속되지 않은 카메라를 보여준다.

단기적으로, 라이브 녹음의 도입은 제작에 큰 어려움을 초래했다.카메라는 소음이 심했기 때문에 초기 토키에 방음 캐비닛이 사용되어 배우로부터 시끄러운 장비를 분리하는 데 사용되었으며, 카메라의 이동 능력이 크게 저하되었습니다.한동안 이동성의 상실을 보완하기 위해 여러 카메라 촬영이 사용되었고 혁신적인 스튜디오 기술자들은 종종 특정 촬영에 사용할 카메라를 해방시킬 방법을 찾을 수 있었다.정지된 마이크의 범위 안에 있어야 한다는 것은 배우들도 종종 부자연스럽게 움직임을 제한해야 한다는 것을 의미했다.퍼스트 내셔널 픽처스(1930년)의 쇼걸 인 할리우드.수익성 높은 사운드의 모험으로 인해 감사함을 통제하게 되었습니다.)는 초기 토키 촬영과 관련된 몇 가지 테크닉을 비하인드로 보여 줍니다.음향으로의 전환으로 야기된 몇 가지 근본적인 문제들은 곧 "블림프"로 알려진 새로운 카메라 케이스로 해결되었다. 이 케이스는 소음을 억제하고 배우들과 함께 움직일 수 있는 마이크와 붐을 일으키도록 설계되었다.1931년에는 재생 충실도가 크게 향상되었습니다.즉, 사운드를 저주파, 중주파, 고주파로 분리하여 각각 대형 베이스 "우퍼", 미드레인지 드라이버 및 고주파 "트위터"[119]로 전송하는 3방향 스피커 시스템이 도입되었습니다.

영화의 다른 기술적 측면에도 결과가 있었다.사운드를 적절히 녹음 및 재생하려면 카메라와 프로젝터 속도를 정확하게 표준화해야 합니다.소리가 나기 전에는 16프레임/초(fps)가 표준이었지만 연습은 매우 다양했습니다.카메라는 노출을 개선하거나 극적인 효과를 위해 종종 언더 크랭킹 또는 오버 크랭킹되었다.프로젝터는 일반적으로 너무 빨리 실행되어 실행 시간을 단축하고 추가 쇼를 축소할 수 없었습니다.단, 가변 프레임환율 때문에 사운드가 비활성화되어 24fps라는 새로운 엄격한 표준이 곧 [120]확립되었습니다.사운드는 또한 스튜디오 실내에서 촬영에 사용되는 시끄러운 아크 조명을 포기하도록 강요했다.조용한 백열 조명으로 전환하려면 더 비싼 필름 재고로 전환해야 했습니다.새로운 범크로매틱 필름의 감도는 뛰어난 화질을 제공했고 감독들은 이전보다 낮은 [120]조도로 장면을 촬영할 수 있는 자유를 주었다.

David Bordwell이 기술한 바와 같이, "1932년과 1935년 사이에 [Western Electric and RCA]는 방향성 마이크를 만들었고, 필름 녹음의 주파수 범위를 늘렸으며, 지상 소음을 줄이고 음량 범위를 확장했습니다."이러한 기술적 발전은 종종 새로운 미적 기회를 의미했습니다. "녹화의 충실도를 높이는 것은...보컬 음색, 음색, 음색,[121] 음량의 극적인 가능성을 높였습니다."1952년 영화 'Singin in the Rain'에서 익살스럽게 위장한 또 다른 기본적인 문제는 일부 무성 시대의 배우들이 매력적인 목소리를 가지고 있지 않다는 것이었다; 비록 이 문제가 자주 과장되기는 했지만, 일반적인 성악 품질과 가창력 이상의 역할을 하는 연기자들의 캐스팅에 대한 우려가 있었다.그들 자신의 것.1935년까지, "루핑"으로 알려진 과정인 포스트 프로덕션에서 오리지널 또는 다른 배우들의 보컬 재녹음이 실용화되었습니다.1936년 RCA에 의해 도입된 자외선 기록 시스템은 성모와 [122]고음의 재생을 개선했다.

Vertical section of filmstrip, showing four-and-a-half frames, each of which reads, "Sea Power for Security. The End." Alongside the frames runs a continuous vertical white band of continuously fluctuating width.
가변 영역 사운드트랙의 예: 흰색 영역의 폭은 각 순간의 오디오 신호의 진폭에 비례합니다.

할리우드가 토키를 대량으로 채택하면서 사운드 영화 제작에 대한 두 가지 근본적인 접근법 사이의 경쟁은 곧 해결되었다.1930-31년 동안 사운드 온 디스크를 사용하는 유일한 메이저 플레이어인 워너 브라더스와 퍼스트 내셔널은 사운드 온 필름 레코딩으로 전환했습니다.그러나 비타폰이 음향장비를 갖춘 극장에서 압도적인 존재는 앞으로 수년간 모든 할리우드 스튜디오가 사운드 온 필름 [123]판화와 함께 사운드 온 디스크 버전을 프레스하고 배급하는 것을 의미했다.Fox Movietone은 곧 Vitaphone을 따라 녹음 및 재생 방식으로 사용되지 않게 되었고, 두 개의 주요 미국 시스템, 즉 가변 영역 RCA Photophone과 Western Electric의 자체 가변 밀도 공정으로 교차 라이센스 Movietone을 [124]크게 개선했습니다.RCA의 지시로 두 모회사는 프로젝션 장비를 호환되게 만들었고, 이는 한 시스템으로 촬영된 영화를 [125]다른 시스템을 위한 영화관에서 상영할 수 있다는 것을 의미한다.이로 인해 토비스-클랑필름의 도전이라는 큰 문제가 남았습니다.1930년 5월, 웨스턴 일렉트릭은 특정 트리-에르곤 특허에 대한 보호를 무효로 한 오스트리아 소송에서 승리하여 토비스-클랑필름을 협상 테이블로 [126]끌어내는 데 도움을 주었다.그 다음 달에 특허 크로스 라이선스, 완전한 재생 호환성, 그리고 기기 제공을 위한 세계 세 부분으로 분할에 대한 합의가 이루어졌습니다.동시대의 보고서에서는 다음과 같이 기술하고 있습니다.

Tobis-Klangfilm은 독일, Danzig, 오스트리아, 헝가리, 스위스, 체코슬로바키아, 홀란드, 네덜란드 제도, 덴마크, 스웨덴, 노르웨이, 불가리아, 루마니아, 유고슬라비아 및 핀란드에 대한 장비를 독점적으로 제공할 권리를 가지고 있습니다.미국인들은 미국, 캐나다, 호주, 뉴질랜드, 인도, 러시아에 대한 독점권을 가지고 있다.이탈리아, 프랑스, 영국을 포함한 다른 모든 국가들은 [127]양당에 개방되어 있다.

이 협정이 모든 특허 분쟁을 해결하지는 못했고, 1930년대에 걸쳐 추가 협상이 진행되어 협약이 체결되었다.이 기간 동안 미국 스튜디오는 RCA 포토폰의 가변 영역 접근 방식을 위해 Western Electric 시스템을 포기하기 시작했습니다. 1936년 말까지 파라마운트,[128] MGM 및 유나이티드 아티스트만이 ERPI와 계약을 맺었습니다.

노동.

Magazine cover with illustration of a young woman wearing a form-fitting red hat staring up at a suspended microphone. Accompanying text reads, "The Microphone—The Terror of the Studios", and, in larger type, "You Can't Get Away With It in Hollywood".
1929년 12월, 노마 탈마지가 등장하는 포토플레이의 불친절한 표지.영화사학자 데이비드 톰슨이 말하듯, "사운드 때문에 미용실 예쁨과 옹졸한 [129]목소리가 어울리지 않는다는 것이 증명되었다."

음향의 도입은 영화 산업의 붐을 이끌었지만, 그것은 그 당시 많은 할리우드 배우들의 고용에 악영향을 끼쳤다.갑자기 무대 경험이 없는 사람들은 스튜디오에 의해 의심받는 것으로 간주되었다; 위에서 제시한 바와 같이, 무거운 억양이나 다른 불협화음이 숨겨져 있던 사람들은 특히 위험에 처했다.주요 사일런트 스타 노마 탈마지의 활동은 이렇게 해서 사실상 막을 내렸다.유명한 독일 배우 에밀 야닝스가 유럽으로 돌아왔다.영화팬들은 존 길버트의 목소리가 그의 화려한 성격과 어색하게 어울렸고 그의 스타 또한 빛이 [130]바랬다.관객들은 이제 특정 무성 시대의 스타들을, 심지어 사운드 시대에 성공할 재능을 가진 스타들로 인식하는 것 같았다.1920년대 최고의 영화 코미디언 중 한 명인 해롤드 로이드의 경력은 [131]급격히 쇠퇴했다.릴리안 기쉬는 무대로 돌아왔고, 다른 주요 인물들은 곧 완전히 연기를 떠났다: 콜린 무어, 글로리아 스완슨, 그리고 할리우드에서 가장 유명한 배우 커플인 더글라스 페어뱅크스와 메리 픽포드.[132]그의 덴마크 억양으로 연기 경력이 무너진 후, 칼 데인은 자살했다.하지만, 사운드가 영화 배우들의 경력에 미치는 영향은 과장되어서는 안 된다.무성 여배우의 경력 길이에 대한 한 통계 분석에 따르면 1922년 활동한 여배우의 연간 생존율은 [133]1927년 이후 활동한 여배우보다 10%밖에 더 높지 않았다.여배우 루이스 브룩스가 제안했듯이, 다른 문제도 있었다.

이제 유례없는 결정을 내리게 된 스튜디오 책임자들은 영화 제작에서 가장 맛이 없고 가장 취약한 부분인 배우들부터 시작하기로 결정했다.어쨌든 계약을 파기하고 연봉을 삭감하고 스타를 길들일 수 있는 훌륭한 기회였다.내가, 그들이 급여를 줬어.슐버그는 내가 토크쇼에 적합한지 의문스러운 회피책을 쓰면서 계약이 요구하는 임금 인상 없이 계속 일할 수도 있고 그만두기도 할 수도 있다고 말했다.의심스럽죠, 왜냐하면 저는 점잖은 목소리로 영어를 말하고 극장에서 왔기 때문입니다.그래서 망설임 없이 [134]그만두었다.

버스터 키튼은 새로운 매체를 탐구하고 싶어했지만, 그의 스튜디오 MGM이 사운드로 전환했을 때, 그는 곧 창의적 통제력을 잃었다.키튼의 초기 토키들이 인상적인 수익을 거뒀지만, 예술적으로는 [135]암울했다.

새로운 미디어의 가장 큰 매력들 중 몇 가지는 보드빌과 뮤지컬 극장으로부터 왔는데, 그곳은 Al Jolson, Eddie Cantor, Jeanette McDonald, 그리고 Marx Brothers와 같은 연주자들이 대화와 [136]노래의 요구 모두에 익숙했다.브로드웨이에서 팀을 이룬 제임스 캐그니와 조앤 블론델은 1930년 [137]워너 브라더스에 의해 서부로 보내졌다.몇몇 배우들은 무성 시대와 음향 시대에 모두 주요 스타였다: 존 배리모어, 로널드 콜먼, 미르나 로이, 윌리엄 파월, 노마 시어러, 스탠 로렐과 올리버 하디의 코미디 팀, 그리고 찰리 채플린이 사운드와 음악을 [138]거의 독점적으로 사용했다.Janet Gaynor는 싱크로 사운드는 맞지만 대화는 할 줄 모르는 Seven Heaven and Sunrise로 톱스타가 되었고, 기술적으로 유사한 영화 <춤추는 딸들>(1928)[139]의 조안 크로포드도 그랬다.그레타 가르보는 영어 원어민이 아닌 사람 중 가장 큰 음량 [140]격차 속에서 할리우드 스타덤을 유지한 유일한 사람이다.무성영화 엑스트라 클라크 게이블은 그의 초기 무대 경력 동안 광범위한 음성 훈련을 받았고, 수십 년 동안 새로운 매체를 지배했다; 비슷하게, 1919년 이후 수십 개의 무성 영화에 출연한 영국 배우 보리스 칼로프는 그의 스타의 승진을 사운드 시대에 찾았다.Kenstein은 이것을 가능하게 했지만, 혀가 짧았지만, 그 후에 수요가 많아졌습니다.)연설에 대한 새로운 강조는 또한 프로듀서들로 하여금 좋은 대화를 쓴 경험을 가진 많은 소설가, 기자, 그리고 극작가를 고용하게 만들었다.1930년대에 할리우드 대본 작가가 된 사람들 중에는 나타나엘 웨스트, 윌리엄 포크너, 로버트 셔우드, 알더스 헉슬리, 도로시 [141]파커가 있었다.

미리 녹음된 음악 트랙과 함께 말하는 사진이 등장하면서 점점 더 많은 영화사 오케스트라 음악가들이 [142]실직하게 되었다.역사학자 Preston J. Hubbard에 따르면, "1920년대에 초연 극장에서 라이브 뮤지컬 공연은 미국 [143]영화의 매우 중요한 측면이 되었다."토키가 등장함에 따라, 주로 서막으로 무대에 올려졌던 이러한 특집 공연들도 대부분 사라졌습니다.미국음악가연맹(American Federation of Musicians)은 라이브 음악가를 기계식 연주 장치로 대체하는 것에 항의하는 신문 광고를 내보냈다.피츠버그 프레스지에 게재된 1929년의 한 광고는 "캔 음악/대소음 브랜드/지적 또는 감정적 반응을 일으키지 않음"이라는 라벨이 붙은 캔의 이미지를 담고 있으며, 일부는 다음과 같습니다.

시용판 캔 음악
이것은 예술 대 예술의 경우입니다.극장에서의 메카닉 뮤직.피고는 미국 국민 앞에 음악 감상과 음악 교육 방해의 부패 미수 혐의로 기소되었다.많은 도시의 극장들은 리얼 뮤직의 대체물로 싱크로나이즈드 메카닉 음악을 제공하고 있다.만약 극장에 가는 대중들이 그들의 예능 프로그램의 이러한 비난을 받아들인다면, 음악 예술의 한심한 하락은 불가피하다.음악 당국은 예술의 정신이 기계화에 의해 상실되었다는 것을 알고 있다.음악의 질은 예술가의 기분, 인간의 접촉에 달려있기 때문에 그렇지 않으면 지적 자극과 감정적 황홀감의 본질은 [144]상실된다.

다음 해까지,[145] 보고된 바에 따르면 22,000명의 미국 영화사 음악가들이 일자리를 잃었다.

커머스

Movie poster featuring fifteen young women in dance outfits. The first appears to hold the word "The" in large letters. The other fourteen hold up the individual letters that spell out "Broadway Melody". Accompanying text reads, "All Talking, All Dancing, All Singing! Dramatic Sensation."
1929년 2월 1일 초연된 MGM의 브로드웨이 멜로디는 워너 브라더스 이외의 스튜디오에서 대히트를 친 최초의 토키이자 아카데미 최우수 작품상을 수상한 최초의 사운드 영화였다.

1926년 9월, 워너 브라더스의 대표인 잭 L. 워너는 말하는 사진은 결코 가능하지 않을 것이라는 취지의 말을 인용했다: "그들은 무성 영화의 국제 언어와 연극, 액션, 줄거리,[146] 그리고 상상된 대화를 창조하는 데 있어 각 구경꾼들의 무의식적인 부분을 고려하지 않는다."1927-28년과 1928-29년 회계연도 사이에 워너스의 수익이 2백만 달러에서 1천4백만 달러로 급증한 것은 그의 회사에 큰 이익이 될 것입니다.사실 사운드 필름은 업계의 모든 주요 기업들에게 분명한 호재였다.같은 12개월 동안 파라마운트의 이익은 700만 달러, 폭스의 이익은 350만 달러, 로우의 [147]MGM은 300만 달러 증가했다.1928년 9월에는 존재하지도 않았고 모회사인 FBO가 헐리우드 마이너리그에 있었던 RKO는 1929년 말까지 미국의 대표적인 엔터테인먼트 사업 [148]중 하나로 설립되었다.이 붐을 부채질한 것은 사운드로 가능해진 중요한 새로운 영화 장르인 뮤지컬의 출현이었다.1929년에는 60개 이상의 할리우드 뮤지컬이 개봉되었고,[149] 그 다음해에는 80개 이상의 뮤지컬이 개봉되었다.

1929년 10월 월스트리트의 폭락이 미국과 궁극적으로 세계 경제를 불황으로 몰아넣는 데 도움을 주었지만, 처음에는 토키들의 인기가 할리우드의 면역력을 유지하는 것처럼 보였다.1929-30년 상영 시즌은 티켓 판매와 전체 수익이 최고치를 기록하면서 영화 산업에 이전보다 훨씬 더 좋았다.1930년 후반에 마침내 현실이 찾아왔지만, 소리는 미국에서 상업적으로나 문화적으로나 가장 중요한 산업 분야 중 하나로서의 할리우드의 위치를 확실히 확보했다.1929년에 영화 흥행 수입은 미국인들이 오락에 쓰는 총 지출의 16.6 퍼센트를 차지했고 1931년에는 21.8 퍼센트에 달했다.영화 산업은 향후 15년 [150]동안 비슷한 수치를 기록할 것이다.할리우드는 더 큰 무대에서도 지배했다.이미 세계 최강인 미국 영화 산업은 1929년 노출 필름의 총 피트를 적용했을 때 [151]전년보다 27%나 높은 수출 기록을 세웠다.언어 차이가 미국 영화 수출에 걸림돌이 될 것이라는 우려는 대부분 근거가 없는 것으로 드러났다.사실, 음향 변환 비용은 할리우드 기준에 의해 상대적으로 자본이 부족한 많은 해외 제작자들에게 큰 장애물이었습니다.서로 다른 언어로 된 여러 버전의 수출용 토키 제작("Foreign Language Version")과 처음에는 일반적인 접근 방식이었던 값싼 "International Sound Version"의 제작은 1931년 중반에 대부분 중단되었고, 이후 더빙과 자막으로 대체되었다.대부분의 외국 시장에서 부과된 무역 제한에도 불구하고, 1937년까지 미국 영화는 [152]전 세계에서 상영 시간의 약 70%를 차지했다.

Movie poster featuring an illustration of a goateed man wearing a straw hat, plaid shirt, short polka-dotted tie, short pants, and boots. The accompanying text is in Portuguese.
포르투갈어로 공연된 아카바람세 오타리오스(1929) 포스터.최초의 브라질 토키는 또한 이베리아 언어로는 처음이었다.

해외 경쟁사들에 비해 할리우드의 주요 스튜디오들이 사운드를 통해 얻은 것처럼 국내에서도 마찬가지였다.역사학자 리처드 B.주얼은 "음향 혁명은 음향 전환의 [153]재정적 요구를 충족시키지 못한 많은 소규모 영화사와 제작자들을 짓눌렀다"고 말한다.사운드와 대공황의 결합으로 인해 비즈니스는 대규모로 재편되었고, 그 결과 빅 5 통합 기업(MGM, 파라마운트, 폭스, 워너 브라더스, RKO)과 1950년대까지 지배적이었던 "마조르"라고 불리는 세 개의 소규모 스튜디오가 생겨났습니다.역사학자 토마스 샤츠는 다음과 같은 부수적인 효과를 설명한다.

스튜디오는 운영을 간소화하고 자체 자원에 의존해야 했기 때문에, 그들의 개별적인 하우스 스타일과 기업 개성이 훨씬 더 날카로워졌습니다.따라서 음향의 도래에서 초기 대공황으로 가는 분수령이 된 시기에는 스튜디오 시스템이 마침내 통합되었고, 개별 스튜디오는 그들 자신의 정체성과 업계 [154]내 각각의 위치를 받아들이게 되었다.

사운드 영화가 즉시 상업적으로 큰 영향을 미친 또 다른 나라는 인도였다.그 시대의 한 배급자는 이렇게 말했다. "토키들의 출현과 함께, 인도 영화는 확실하고 독특한 창작물로 자리잡았다.이는 [155]음악으로 이뤄졌습니다.초창기부터 인도 사운드 시네마는 뮤지컬에 의해 정의되어 왔다.앨람 아라에는 7곡이, 1년 후에는 인드라사바에 70곡이 등장할 것이다.유럽 영화업계가 할리우드의 인기와 경제력과 끝없는 싸움을 벌이는 동안, 알람 아라 데뷔 10년 후,[156] 인도 스크린에서 상영되는 영화의 90% 이상이 할리우드에서 만들어졌다.

인도의 초기 토키 대부분은 여전히 주요 제작 중심지인 봄베이에서 촬영되었지만, 사운드 영화 제작은 곧 다국어 국가로 확산되었다.1931년 3월 Alarm Ara의 초연 몇 주 만에 캘커타에 본사를 둔 마단 픽처스는 힌디어 시린 파하드와 벵골 자마이 [157]사시를 모두 개봉했다.힌두스타니 히어 란하는 이듬해 펀자브 주 라호르에서 생산되었다.1934년, 최초의 칸나다 토킹 사진인 사티 술로차나는 마하라슈트라주 콜하푸르에서 촬영되었다.스리니바사 칼리아남은 타밀 [114][158]나두에서 실제로 촬영된 최초의 타밀 토키가 되었다.첫 번째 토키 기능이 등장하자 미국에서처럼 인도에서도 빠르게 풀사운드 제작으로 전환되었다.1932년까지, 대부분의 장편 영화들은 이미 소리로 제작되었다; 2년 후, 172편의 인도 장편 영화들 중 164편이 말하는 [159]영화였다.1934년부터 1952년을 제외하고 인도는 매년 [160]세계 3대 영화 제작국 중 하나가 되었다.

미적 품질

1930년 그의 세계적 조사인 "The Film Till Now"의 첫 번째 판에서, 영국의 영화 전문가인 Paul Rotha는 "화면과 음향 효과가 완벽하게 일치하고 스크린의 시각적 이미지와 일치하는 영화는 영화의 목적과 완전히 반대된다.이는 영화의 실제 사용을 파괴하려는 타락하고 잘못된 시도이며 [161]영화의 진정한 테두리 안에 들어가는 것으로 받아들여질 수 없다고 말했다.이러한 의견은 영화를 예술 형식으로 생각하는 사람들 사이에서 드물지 않았다. 알프레드 히치콕은 유럽에서 제작된 최초의 상업적으로 성공한 토키를 감독했지만, "사일런트 영화는 가장 순수한 형태의 영화"라고 주장했고,[162] 많은 초기 사운드 영화들은 "사람들이 말하는 사진" 외에는 거의 전달되지 않았다.독일에서 무대 제작자이자 영화 감독인 막스 라인하르트는 "영화 무대 연극으로 가져오는 토키는 이 독립 예술을 극장의 자회사로 만드는 경향이 있고, 실제로 그 자체가 예술이 아닌 극장을 대신하는 것으로 만드는 경향이 있다"고 신념을 표현했다.그림을 [163]복제한 것처럼요."

Black-and-white movie poster featuring a stylized illustration of the profiled head of a helmeted man on the right, facing left. Behind him, and progressively to the left, are the front parts of three more such profiles, with nearly identical helmet tips, noses, lips, and chins. The title below is followed by the line "Vier von der Infanterie".
웨스트프론트 1918(1930년)은 전쟁터의 소리를 재현한 것으로 유명했는데,[164] 마치 하늘을 나는 보이지 않는 수류탄의 처참한 울음소리 같았다.

많은 영화사학자들과 애호가들의 의견에 따르면, 그 당시와 그 이후, 무성영화는 1920년대 후반까지 미적 정점에 도달했고 사운드 영화의 초기 몇 년은 최고의 [165]영화들에 필적할 만한 것을 거의 전달하지 못했다.예를 들어, 그 시대가 지나자 상대적으로 무명으로 사라졌음에도 불구하고, 무성영화는 1995년에 열린 타임아웃의 100대 영화 여론조사에서 11편의 영화로 대표된다.미국뿐만 아니라 서양 전체에서도 사운드 영화 제작이 무성 영화보다 우세했던 첫 해는 1929년이었다. 그러나 1929년부터 1933년까지의 세월은 대화 없는 세 개의 사진(판도라의 상자[1929], 제믈랴[1930], 시티 라이트[1931], 폴리스에서의 토크아웃으로 대표된다.se는 녹음된 악보와 음향 효과와 함께 개봉되었지만, 현재는 역사학자 및 업계 전문가들에 의해 사일런트 영화와 사운드 드라마틱 영화의 중요한 구별 요소로 간주되는 음성 대화로 통용되고 있습니다.)최초의 사운드 영화는 장 비고가 감독한 프랑스 라탈란테 (1934년)이고, 가장 이른 할리우드 사운드 영화는 하워드 [166]호크스가 감독한 키팅 업 베이비 (1938년)이다.

거의 보편적인 비평가들의 승인을 받은 최초의 사운드 장편 영화는 Der Blaue Engel이었다; 1930년 4월 1일 개봉된 이 영화는 베를린의 UFA [167]스튜디오를 위해 독일어 및 영어 버전으로 요제프 폰 스턴버그가 감독했다.가장 먼저 상을 받은 미국 토키는 루이스 마일스톤 감독의 '올 콰이어트 온 더 웨스턴 프런트'로 4월 21일 초연됐다.그 해의 또 다른 국제적인 찬사를 받은 사운드 드라마는 G. W. Pabst가 베를린의 [168]네로 영화를 위해 감독한 Westfront 1918이었다.역사학자 안톤 카스는 "새로운 진실성은 무성영화의 최면적인 시선, 빛과 그림자의 상징성, 우화적인 인물에 대한 선호에 대한 이전의 강조를 시대착오적으로 [164]만들었다"는 것을 예로 든다.문화사학자들은 1930년 말에 등장한 루이스 부뉴엘이 감독한 프랑스 레게도르를 매우 중요한 미학으로 간주한다. 그 당시 에로틱하고 신성모독적이며 반부르주아적인 내용이 스캔들을 일으켰다.파리 경찰청장 장 치아페에 의해 신속하게 금지되어 50년 [169]동안 사용할 수 없었다.현재 대부분의 영화 역사학자들이 걸작으로 인정한 최초의 사운드 영화는 1931년 [170]5월 11일 개봉된 프리츠 랭 감독의 네로 필름의 M이다.로저 이버트가 설명한 것처럼, "많은 초기 토키들은 항상 이야기를 해야 한다고 느꼈지만, 랭은 그의 카메라가 거리를 배회하고 다이빙을 할 수 있도록 허락하여 쥐눈을 [171]제공했습니다."

영화 형식

"말하는 [172]영화는 노래책만큼 거의 필요하지 않습니다."1927년 러시아 형식주의 운동의 지도자 중 한 명인 비평가 빅토르 쉬클로프스키의 직설적인 선언이 그랬다.어떤 사람들은 소리가 영화 예술과 양립할 수 없다고 여겼지만, 다른 사람들은 그것이 창조적인 기회의 새로운 장을 여는 것이라고 여겼다.이듬해, 세르게이 아이젠슈타인을 포함한 소련 영화 제작자 그룹은 영상과 음향을 병치하는 소위 대격법, 즉 영화관을 전례 없는 힘과 문화적 높이로 끌어올릴 것이라고 선언했다.이러한 사운드 필름 제작 방법은 연극 촬영에서 흔히 볼 수 있는 것처럼 국내 시장에 국한되지 않고 영화적으로 표현된 아이디어의 [173]전 세계에 그 어느 때보다 널리 퍼질 가능성이 높아집니다.그러나 일부 관객은 사운드의 도입으로 이러한 유통이 사실상 중단되었습니다.엘리자베스 C.해밀턴은 "사일런트 영화는 청각장애인들에게 청각장애인과 동등한 조건으로 대중 담론인 영화에 참여할 수 있는 드문 기회를 제공했다"고 쓰고 있습니다.사운드 필름의 등장으로 청각장애인과 관객이 다시 [174]한 번 분리됐습니다.

Two sumo wrestlers confront each other on a platform, their heads touching and their fists on the ground. To the side, a third man, also in a wrestling outfit, looks on. In the background, a crowd watches.
앙드레 바쟁의 묘사에 담긴 '새로운 예술 형식의 초기 성공 중 하나' Melodie der Welt(1929)의 스모 선수 이미지."그것은 시각적인 이미지와 [175]소리로 이루어진 조각으로 지구 전체를 스크린에 던졌다."

1929년 3월 12일, 독일에서 만들어진 최초의 장편 토킹 영화가 초연되었다.토비스 필름쿤스트의 첫 작품인 이 영화는 드라마가 아니라 해운사가 후원하는 다큐멘터리였다.발터 루트만 [176]감독의 멜로디 더 웰트.이 영화는 아마도 녹음된 사운드와 영화를 결합하는 예술적 가능성을 상당히 탐구한 최초의 장편 영화였을 것이다.학자인 윌리엄 모리츠가 묘사한 것처럼, 이 영화는 "친밀하고 역동적이며 빠른 속도의... 뛰어난 오케스트라 점수 그리고 많은 음향 [177]효과와 함께 세계 각국의 유사한 문화적 습관들을 가지고 있다."작곡가 Lou Lichtveld는 이 영화에 의해 충격을 받은 많은 현대 예술가들 중 하나였다: "Melodie der Welt는 음악적인 소리와 음악적이지 않은 소리가 하나의 단위로 구성되고 이미지와 소리가 같은 [178]충동에 의해 통제되는 최초의 중요한 사운드 다큐멘터리가 되었다."Melodie der Welt는 산업 영화 Philips Radio(1931년)에 직접적인 영향을 미쳤으며, 네덜란드의 아방가르드 영화제작자 Joris Ivens가 감독하고 시청각적 목적을 설명한 Lichtveld가 점수를 매겼다.

절대음악에서 자연의 순수한 다큐멘터리 소음으로 변화한 복잡한 오디오 세계에서 공장 사운드의 반음악적인 인상을 표현하기 위해서.이 영화에서는 음악이 해석하는 기계의 움직임, 음악의 배경을 지배하는 기계의 소음, 음악 자체가 다큐멘터리, 기계의 순수한 소리가 [179]독주하는 장면 등 모든 중간 단계를 볼 수 있다.

1931년 엔투지아즘에서는 지가 베르토프가, 반년 후인 모던타임즈에서는 채플린이 비슷한 실험을 많이 했다.

몇몇 혁신적인 상업 감독들은 녹음 음성의 명백한 기능을 넘어 사운드가 영화적 스토리텔링의 필수적인 부분으로 사용될 수 있는 방법을 즉시 알게 되었습니다.'공갈'에서 히치콕은 캐릭터의 독백을 재현해 칼이라는 단어가 흐릿한 소리에서 튀어나오도록 조작해 치명적인 칼부림에 [180]대한 자신의 개입을 숨기려는 주인공의 주관적인 인상을 반영했다.그의 첫 번째 영화인 파라마운트 박수(1929)에서 루벤 마모리안은 주변 소리의 음량을 촬영 거리에 비례하여 변화시킴으로써 음향 깊이의 착각을 일으켰다.어느 순간, 맘리안은 관객들에게 기도하는 동시에 한 캐릭터가 노래하는 것을 듣고 싶어했고, 감독에 따르면, "그들은 우리가 노래와 기도라는 두 가지를 한 마이크와 한 채널로 녹음할 수 없다고 말했다.그래서 저는 사운드맨에게 '마이크 두 개랑 채널 두 개를 사용해서 두 트랙을 조합해서 [181]인쇄하는 게 어때요?'라고 물었죠. 이런 방식은 결국 인기 영화 제작에서 표준 절차가 될 것입니다.

녹음된 사운드가 제공하는 새로운 기회를 최대한 활용한 최초의 상업 영화 중 하나는 르네 클레어가 감독하고 토비스의 프랑스 지부가 제작한 르 밀리언이었다.1931년 4월 파리와 한 달 후 뉴욕에서 초연된 이 영화는 비평적이면서도 대중적인 성공을 거두었다.뼈만 앙상한 줄거리를 가진 뮤지컬 코미디로, 그것은 공식적인 업적, 특히 소리를 강력하게 인위적으로 다루는 것으로 기억에 남는다.학자인 도널드 크래프턴의 설명에 따르면

Le Million은 음향 컴포넌트가 화이트워시 세트만큼 구성되었다는 것을 잊지 못하게 합니다.배우들이 커플링으로 노래하고 대화하는 것으로 대화를 대신했다.Clair는 온스크린 사운드와 오프스크린 사운드를 혼동했습니다.그는 또한 보이지 않는 축구([182]또는 럭비) 관중들의 환호와 코트를 쫓는 유명한 장면에서처럼 비동기식 오디오 트릭을 실험했다.

이러한 기술들과 유사한 기술들은 특수 효과와 "컬러"로서도 사운드 코미디 영화의 어휘의 일부가 되었지만, 클레어에 의해 달성된 포괄적이고 비자연적인 디자인의 기초가 아니었다.코미디 분야 밖에서는 멜로디 데 웰트와 르 밀리언이 보여주는 대담한 사운드는 상업적인 제작에서 거의 추구되지 않을 것이다.특히, 할리우드는 새로운 매체의 형식적인 가능성이 스타의 긍정과 솔직한 스토리텔링이라는 전통적인 목표보다 우선되는 신뢰할 수 있는 장르 기반의 영화 제작 시스템에 사운드를 통합했다.1928년 영화예술과학아카데미의 간사인 프랭크 우즈가 정확히 예측했듯이, "미래의 말하는 영화는 무성 드라마에 의해 개발된 지금까지의 일반적인 치료 방식을 따를 것이다…"말하는 장면들은 다른 처리가 필요하지만 이야기의 구성은 [183]거의 비슷할 것입니다.

추가 정보

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  • 워커, 알렉산더(1979년).산산조각난 사일런트: 어떻게 토키들이 머물게 되었는지뉴욕: 윌리엄 모로 앤 컴퍼니ISBN 0-688-03544-2

「 」를 참조해 주세요.

메모들

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    이 시스템은 오퍼레이터가 조정한 비링크 형식의 원시 동기화를 사용했습니다.처음에 상영되는 장면들은 촬영되었고, 그 후 연주자들은 그들의 대화나 노래를 Lioretograph(보통 Le Eclat 콘서트 실린더 형식 축음기)에 녹음하여 촬영된 예상 연주와 템포를 맞추려고 노력하였다.필름을 상영할 때, 수동 크랭킹 필름 프로젝터의 속도를 축음기에 맞추어 조정함으로써 일종의 동기화가 이루어졌다.프로젝터 연주자는 오케스트라 피트 안에 있는 축음기를 들을 수 있는 전화기를 갖추고 있었다.

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  72. ^ RKO의 첫 번째 공식 발매는 올토크 영화만을 제작했지만 1928년 10월 합병으로 탄생한 후 FBO가 제작한 다수의 토키를 제작했다.
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    이 질문에 답하기 위해서는 많은 증거가 필요하지 않다.음악은 세계적으로 사랑받는 예술이다.역사의 시작부터, 남자들은 삶의 짐을 가볍게 하고, 그들을 더 행복하게 하기 위해 음악적 표현으로 눈을 돌렸습니다.원주민들은 야만적인 정도가 가장 낮은 부족의 신들에게 노래를 부르고 파이프와 상어 가죽 드럼을 연주합니다.음악의 발달은 오랜 세월 동안 좋은 취향과 윤리와 보조를 맞춰왔고, 아마도 다른 어떤 요소보다 더 온화한 인간의 본성에 강한 영향을 끼쳤다.과학의 위대한 시대가 그 자리에 희미하고 희미한 그림자를 그려넣음으로써 예술을 외면하는 것이 남아 있었는가?

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외부 링크

역사서적

역사 영화