바로크

Baroque
바로크
상단: 피터 루벤스 (1635–1640)의 금성과 아도니스; 중심: 베르니니의 성 테레사황홀경 (1651); 하단: 프랑스 베르사유 궁전 c.(1660–1715)
활동년수17세기~18세기

바로크 (영국: /b əˈr ɒk/, 미국: /- ˈ로 ʊk/; 프랑스어: [ʁɔ크] 또는 바로키즘(Baroquism)은 17세기 초부터 1750년대까지 번성한 서양식 건축, 음악, 무용, 회화, 조각, 시 등의 예술 양식입니다. 그것은 르네상스 미술과 매너리즘을 따랐고 로코코(과거에는 흔히 "후기 바로크"라고 불림)와 신고전주의 양식보다 앞섰습니다. 루터교 바로크 예술이 유럽의 일부 지역에서도 발전했지만, 그것은 개신교 건축, 예술, 음악의 단순함과 긴축에 대항하기 위한 수단으로 가톨릭 교회에 의해 장려되었습니다.[3]

바로크 양식은 대조, 움직임, 풍부한 디테일, 깊은 색상, 웅장함, 놀라움을 사용하여 경외감을 자아냈습니다. 그 양식은 17세기 초 로마에서 시작되었고, 그 후 이탈리아, 프랑스, 스페인, 포르투갈의 나머지 지역으로 빠르게 퍼져 나갔고, 그 후 오스트리아, 독일 남부, 폴란드로 퍼졌습니다. 1730년대에 이르러, 그것은 프랑스와 중앙 유럽에서 18세기 중후반까지 나타난 로카이유 또는 로코코라고 불리는 훨씬 더 화려한 양식으로 발전했습니다. 이베리아 반도를 포함한 스페인과 포르투갈 제국의 영토에서 그것은 새로운 양식과 함께 19세기의 첫 10년까지 계속되었습니다.

장식 예술에서 스타일은 풍부하고 복잡한 장식을 사용합니다. 르네상스 고전주의에서 벗어난 것은 나라마다 나름의 방식이 있습니다. 그러나 일반적인 특징은 모든 곳이 르네상스에 의해 도입된 장식 요소라는 것입니다. 클래식 레퍼토리는 충격 효과를 유발하기 위해 붐비고, 밀도가 높고, 겹치고, 적재되어 있습니다. 바로크에 의해 도입된 새로운 모티프는 다음과 같습니다: 카르투슈, 트로피와 무기, 과일이나 꽃바구니, 그리고 마케트리, 스투코, 또는 조각으로 만들어진 다른 것들.[4]

어원

뉴욕 메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)에 있는, 에나멜 금으로 된 마운트가 루비로 세팅된 바로크 진주( 몸통)로 만들어진 사이렌 형태의 펜던트.

바로크라는 영어 단어는 프랑스어에서 직접 유래했습니다. 일부 학자들은 프랑스어 단어가 바로코(barroco)라는 포르투갈어 용어에서 유래했으며, 이는 라틴어 베루카(verruca)인 'wart'를 가리키거나, 로망스 접미사 - ǒccu(로마 이전 이베리아에서 흔히 볼 수 있는)를 가리키는 단어라고 말합니다. 다른 자료들은 논리학에서 사용되는 중세 라틴어 용어인 바로코를 가장 가능성 있는 자료로 제시하고 있습니다.[8]

16세기에 중세 라틴어 단어 바로코학문적 논리를 넘어 터무니없이 복잡해 보이는 것을 특징짓는 데 사용되었습니다. 프랑스 철학자 미셸몽테뉴 (1533–1592)는 바로코 (바로코의 철자)라는 용어에 '이상하고 쓸모없이 복잡한'이라는 의미를 부여하는 것을 도왔습니다.[9] 다른 초기 자료들은 바로코를 마법, 복잡성, 혼란, 과잉과 연관시킵니다.[8]

바로크라는 단어는 18세기 이전의 불규칙한 진주와도 연관이 있었습니다. 프랑스 바로크와 포르투갈 바로코는 종종 보석과 연관된 용어였습니다. 1531년에 나온 예는 프랑스의 보물인 샤를 5세의 목록에 진주를 묘사하기 위해 이 용어를 사용합니다.[10] 나중에, 이 단어는 바로크를 "완전히 둥근 진주에만 사용되는 것"이라고 설명하는 1694년 판의 사전(Le Dictionnaet de l'Académie Française)에 등장합니다.[11] 1728년 포르투갈 사전은 바로코를 "고갈하고 울퉁불퉁한 진주"와 관련된 것으로 유사하게 설명하고 있습니다.[12]

바로크라는 단어의 대안적인 파생은 이탈리아 화가 페데리코 바로치 (1528–1612)의 이름을 가리킵니다.[13]

18세기에, 그 용어는 음악을 묘사하기 위해 사용되기 시작했고, 아첨하는 방식으로 사용되지는 않았습니다. 1734년 5월 Mercure de France에 인쇄된 1733년 10월의 Jean-Philippe RameauHippolyte et Aricie의 초연에 대한 익명의 풍자적 리뷰에서 비평가는 이 오페라의 새로움이 "du barocque"라고 썼는데, 이는 음악이 일관된 멜로디를 결여하고 있고, 불협화음이 있다고 불평했습니다. 끊임없이 키와 미터를 바꾸고 모든 구성 장치를 빠르게 실행했습니다.[14]

1762년, Le Dictionnaet de l'Académie Française는 이 용어가 "비정규적이거나, 기괴하거나, 불평등한" 것을 비유적으로 묘사할 수 있다고 기록했습니다.[15]

철학자일 뿐만 아니라 음악가이자 작곡가였던 장 자크 루소는 1768년 백과사전에 다음과 같이 썼습니다: "바로크 음악은 조화가 혼란스럽고 변조와 불협화음으로 가득 찬 음악입니다. 노래는 가혹하고 부자연스러우며 억양은 어렵고 움직임은 제한적입니다. 이 용어는 논리학자들이 사용하는 '바로코'라는 단어에서 유래한 것으로 보입니다."[9][16]

1788년 퀸시(Quatremère de Quincy)는 백과사전 메토디크(Encyclopédie Methodique)에서 이 용어를 "매우 장식적이고 괴로운 건축 양식"이라고 정의했습니다.[17]

바로크 양식과 음악적 바로크라는 프랑스 용어는 1835년 프랑스어 사전(Le Dictionnaet de l'Académie Française)에 등장했습니다.[18] 19세기 중반까지 미술 비평가들과 역사가들은 르네상스 이후의 예술을 조롱하는 방법으로 "바로크"라는 용어를 채택했습니다. 이것은 바로크 예술가들이 "전통에 대한 존경심"이 부족하기 때문에 "세부적인 것에 실망하고 남용"했다고 쓴 선도적인 미술 역사가 야코프 부르크하르트가 1855년에 사용한 단어의 의미였습니다.[19]

1888년 미술사가 하인리히 뵐플린르네상스와 바로크의 회화, 조각, 건축의 차이점을 묘사한 양식인 르네상스와 바로크에 관한 최초의 진지한 학술 연구를 출판했습니다.[20]

건축 : 기원과 특징

지오반니 바티스타 가울리, 1673-1678년 로마 게스 ù 성당4중창 또는 트롬페-리 œ 천장

바로크 양식의 건축은 1545년부터 1563년까지 트렌트 공의회에서 가톨릭 교회가 개신교 개혁에 대응하여 채택한 교리의 결과입니다. 반종교 개혁의 첫 단계는 종교 건축에 심각한 학문적 양식을 부과했습니다. 종교 건축은 지식인들에게는 호소했지만 교회 신자들에게는 그렇지 않았습니다. 트렌트 공의회는 대신 더 대중적인 청중들에게 호소하기로 결정했고, 예술은 직접적이고 감정적인 참여로 종교적 주제를 전달해야 한다고 선언했습니다.[22][23] 마찬가지로, 루터 바로크 미술은 칼뱅주의자들위대한 상징주의에 대응하여 정체성의 고백적 표식으로서 발전했습니다.[24]

바로크 양식의 교회들은 거대한 중앙 공간으로 설계되었고, 예배자들이 제단에 가까이 있을 수 있었고, 돔이나 큐폴라가 높은 머리 위에 있어서 빛이 아래의 교회를 비출 수 있도록 하였습니다. 그 돔은 하늘과 땅의 결합을 보여주는 바로크 건축의 중심적인 상징적인 특징들 중 하나였습니다. 큐폴라 내부는 천사와 성인의 그림으로 화려하게 장식되었고, 천사의 스투코 조각상으로 장식되어 아래 사람들이 하늘을 올려다보는 듯한 인상을 주었습니다.[25] 바로크 교회의 또 다른 특징은 4중창인데, 실제 또는 채색된 스투코 프레임의 천장에 있는 트롬페-리 œ화들은 성인과 천사들의 그림들로 붐비고 발루스트레이드와 콘솔과 건축적인 세부사항들로 연결되어 있습니다. 궁지에 몰린 아틀란테스의 사분면 그림들이 교회의 천장을 지탱하고 있는 것으로 보입니다. 시스티나 성당에 있는 미켈란젤로의 천장화가 서로 다른 장면들을 하나씩 조합해 한 번에 볼 수 있도록 한 것과 달리 바로크 천장화는 교회 바닥에 있는 관람객이 천장 전체를 마치 실제 인물들처럼 정확한 시각으로 볼 수 있도록 세심하게 제작됐습니다.

바로크 교회의 내부는 하이 바로크 시대에 점점 더 화려해졌고, 보통 돔 아래에 위치한 제단 주위에 집중되었습니다. 바로크 양식의 가장 유명한 장식 작품은 성 베드로좌 (1647–1653)와 발다치노입니다. 베드로 (1623–1634), 둘 다 성 지안 로렌초 베르니니에 의해서. 로마에 있는 베드로 대성전. 성 발데퀸 베드로는 바로크 예술에서 상반되는 균형의 예이다; 겉보기에는 캐노피의 가벼움과 함께 작품의 거대한 비율; 그리고 단단한 뒤틀린 기둥, 청동, 금, 대리석과 캐노피 위에 천사들의 흐르는 장막 사이의 대조.[26] 드레스덴 프라우엔키르체는 1743년 드레스덴 루터 시의회의 의뢰를 받아 완성된 루터 바로크 미술의 대표적인 예로, "18세기 관찰자들에 의해 로마의 성 베드로와 비교"됩니다.[3]

교회 내부의 뒤틀린 기둥은 바로크 시대의 특징 중 하나입니다. 그것은 움직임의 감각과 빛을 반사하는 극적인 새로운 방법을 제공합니다.

카르투슈는 바로크 장식의 또 다른 특징이었습니다. 이것들은 대리석이나 돌로 조각된 큰 판들로, 대개 타원형이고 둥근 표면을 가지고 있으며, 금으로 된 글자로 이미지나 텍스트를 전달하고, 실내 장식이나 건물의 문 위에 배치되어 아래 사람들에게 메시지를 전달했습니다. 그들은 매우 다양한 발명품을 보여주었고 대성당과 궁전에서 작은 예배당에 이르기까지 모든 유형의 건물에서 발견되었습니다.[27]

바로크 건축가들은 때때로 환상을 만들기 위해 강제적인 원근법을 사용했습니다. 로마의 스파다 궁전을 위해 보로미니는 축소되는 크기의 기둥, 좁은 바닥, 그리고 그 너머 정원에 있는 미니어처 조각상을 사용하여 통로가 실제로는 7미터밖에 되지 않았을 때 30미터 길이인 것 같은 착각을 불러일으켰습니다. 통로 끝에 있는 동상은 높이가 60센티미터에 불과하지만 실물 크기로 보입니다. 보로미니는 수학자의 도움으로 이 환영을 디자인했습니다.

이탈리아 바로크

로마에서 바로크 양식의 정면을 가진 최초의 건물은 1584년 게스 ù 교회였습니다; 그것은 후대의 바로크 양식에 의해 명확해졌지만, 그 이전의 전통적인 르네상스 양식과 결별을 특징으로 합니다. 이 교회의 내부는 호화로운 바로크 시대까지 매우 엄격한 상태를 유지했습니다.

1605년 로마에서 바오로 5세는 바실리카와 교회 건물들을 의뢰한 일련의 교황들 중 첫 번째 교황이 되었습니다.[32] 바로크 초기의 가장 영향력 있는 기념물 중 하나는 성(聖)의 정면이었습니다. 베드로 대성전 (1606–1619), 그리고 이전 교회의 미켈란젤로의 돔과 정면을 연결한 새로운 성당과 새 성당. 새로운 디자인은 치솟는 돔과 불균형적으로 넓은 정면 사이에 극적인 대조를 만들었고, 도릭 기둥과 거대한 포르티코의 거대한 덩어리 사이의 정면 자체에 대한 대조를 만들었습니다.[33]

17세기 중후반에 그 양식은 나중에 하이 바로크라고 불리는 절정에 이르렀습니다. 많은 기념비적인 작품들이 교황 우르바노 8세알렉산더 7세에 의해 의뢰되었습니다. 조각가이자 건축가인 Gian Lorenzo BerniniSt. 주변에 새로운 4중식 콜로네이드를 디자인했습니다. 피터스 스퀘어 (1656년 ~ 1667년). 거대한 타원형의 기둥 세 개 갤러리는 오버사이즈 돔의 균형을 맞추고 교회와 광장에 하나의 통일성과 거대한 극장의 느낌을 줍니다.[34]

이탈리아 바로크 시대의 또 다른 주요한 혁신가는 프란체스코 보로미니로, 그의 주요 작품은 산 카를로 알레 콰트로 폰탄 성당이나 사분수의 성 샤를 (1634–1646)이었습니다. 움직임의 감각은 장식이 아니라 벽 자체에 의해 주어지는데, 벽 자체는 곡선을 그리며 오목한 횡단보도에 삽입된 타원형 탑과 발코니를 포함하여 오목하고 볼록한 요소에 의해 굴절됩니다. 내부도 마찬가지로 혁명적이었습니다; 교회의 주요 공간은 타원형 돔 아래에 있는 타원형이었습니다.[34]

천사들과 성인들로 붐비는 칠해진 천장들과 트롬페일의 œ 건축 효과들은 이탈리아 바로크 시대의 중요한 특징이었습니다. 주요 작품으로는 안드레아 포초 (1685–1695)의 로마 성 이그나티우스 성당의 '낙원으로의 이그나티우스 진입'과 로마 게스 ù 성당의 '조반니 바티스타 가울리' (1669–1683)의 '예수 이름의 승리'가 있습니다. 그림 틀에서 뿜어져 나오는 인물들과 극적인 비스듬한 조명과 명암 대비가 특징입니다.[35]

이 양식은 로마에서 이탈리아의 다른 지역으로 빠르게 퍼졌습니다. 그것은 거대한 큐폴라로 장식된 매우 독창적인 팔각형 형태인 발다사레 롱헤나산타 마리아 델라 살루트 교회 (1631–1687)에서 베니스에 나타났습니다. 그것은 토리노에서도 나타났는데, 특히 과리노 과리니의 성스러운 수의 예배당 (1668–1694)에 등장했습니다. 궁에서도 사용되기 시작했는데, 과리니는 토리노에 있는 카리냐노 궁전을 디자인했고, 롱헤나는 대운하 카레조니코디자인했고, 조반니 바티스타 티에폴로의 그림으로 장식된 조르지오 마사리가 완성했습니다.[36] 시칠리아에서 일어난 일련의 거대한 지진들은 그들 중 대부분을 재건해야 했고 몇몇은 바로크 후기나 로코코 양식으로 지어졌습니다.

스페인 바로크

스페인의 가톨릭 교회, 특히 예수회는 스페인 바로크 건축의 원동력이었습니다. 이 양식의 첫 번째 주요 작품은 마드리드있는 산 이시드로 성당으로, 페드로 데 라 토레에 의해 1643년에 시작되었습니다. 외부의 장식이 극도로 풍부한 것과 내부의 단순함을 대비시켜 여러 공간으로 분할하고 빛의 효과를 이용하여 신비감을 자아냈습니다.[39] 산티아고 콤포스텔라에 있는 대성당은 17세기 말에 시작된 일련의 바로크 양식의 추가로 현대화되었으며, 그 후 1738년과 1750년 사이에 페르난도카사스 노보아에 의해 추가된 오브라도리오라고 불리는 훨씬 더 높고 더 화려한 두 개의 탑이 옆에 있습니다. 스페인 바로크의 또 다른 랜드마크는 레오나르도 피게로아의한 세비야의 산 텔모 궁전의 예배당 타워입니다.[40]

그라나다는 15세기에 무어인들로부터 정복을 당했을 뿐이고, 그들만의 독특한 바로크 양식을 가지고 있었습니다. 화가, 조각가, 건축가 알론소 카노는 1652년부터 1657년 사망 사이에 그라나다 대성당의 바로크 양식의 내부를 디자인했습니다. 거대한 흰색 기둥과 금색 장식의 극적인 대조가 특징입니다.

스페인 바로크에서 가장 장식적이고 화려하게 장식된 건축물은 주로 살라망카와 마드리드에서 일하던 츄리구에라 형제의 이름을 따서 츄리구레스크 양식이라고 불립니다. 그들의 작품에는 도시의 주요 광장인 살라망카 광장(1729)에 있는 건물들이 포함되어 있습니다.[40] 이 대단히 장식적인 바로크 양식은 아메리카 대륙의 스페인 사람들에 의해 지어진 많은 교회와 대성당에 영향을 미쳤습니다.

바로크 후기의 다른 유명한 스페인 바로크 건축가들은 마드리드의 산 페르난도 왕립 호스피스를 디자인한 츄리구에라의 제자인 페드로 데 리베라와 톨레도 대성당유명한 엘 투명 제단화를 디자인한 나르시소 토메(1729–1732)를 포함합니다.[40]

스페인 바로크의 건축가들은 스페인을 훨씬 넘어서는 영향을 미쳤습니다; 그들의 작품은 라틴 아메리카와 필리핀의 스페인 식민지에 지어진 교회들에 큰 영향을 미쳤습니다. 화려한 바로크 양식의 정면과 탑을 가진 테포초틀란의 대학을 위해 예수회가 지은 교회가 좋은 예입니다.[41]

중부유럽

1680년부터 1750년까지 중앙 유럽, 바이에른, 오스트리아, 보헤미아 그리고 폴란드 남서부에 아주 화려한 성당, 수도원, 그리고 순례 교회들이 많이 지어졌습니다. 일부는 바로크에서 등장한 독특하고 더 화려하고 비대칭적인 스타일인 로코코 스타일이었고, 그 후 18세기 전반에 중앙 유럽에서 그것을 대체했고, 차례로 고전주의로 대체되었습니다.[48]

그 지역의 많은 국가들의 왕자들은 또한 그들의 궁전과 거주지를 위해 바로크나 로코코를 선택했고, 그것들을 건설하기 위해 종종 이탈리아에서 훈련된 건축가들을 사용했습니다.[49] 주목할 만한 건축가로는 요한 피셔 폰 에를라흐, 바이에른의 루카스힐데브란트, 도미니쿠스 짐머만, 브루울발타사르 노이만, 드레스덴의 마테우스 다니엘 포펠만 등이 있습니다. 프로이센에서, 프로이센프리드리히 2세는 베르사유 궁전의 그랜드 트리아농으로부터 영감을 받아, 그것을 게오르크 웬제슬라우스 폰 노벨스도르프 (1745–1747)가 그를 위해 설계한 포츠담에 있는 그의 여름 거주지인 산수치의 모델로 사용했습니다. 바로크 궁전 건축의 또 다른 작품은 드레스덴츠빙거(Zwinger)인데, 이는 18세기 작센 공작의 궁전의 옛 오렌지색 건물입니다.

로코코 교회의 가장 좋은 예 중 하나는 독일 남부 바이에른주 밤베르크 근처의 바드 슈타스텔슈타인 마을 근처에 위치한 순례 교회인 바실리카 비에르젠하일리겐 성당입니다.성당은 발타사르 노이만에 의해 설계되었으며, 1743년에서 1772년 사이에 지어졌으며, 성당의 정확한 중앙에 제단이 놓여진 가운데 타원형을 중심으로 일련의 원형이 맞물려 있습니다. 이 교회의 내부는 로코코 장식의 정상을 보여줍니다.[50] 이 양식의 또 다른 주목할 만한 예는 비스 순례 교회(독일어: Wieskirche). 그것은 J. B.도미니커스 짐머만 형제가 디자인했습니다. 독일 바이에른주 바일하임숑가우구 슈팅가덴시에 있는 알프스 산맥 기슭에 위치해 있습니다. 공사는 1745년에서 1754년 사이에 이루어졌고, 실내는 프레스코화로 장식되었고 웨소브루너 학교의 전통에 따라 스투코로 장식되었습니다. 지금은 유네스코 세계문화유산입니다.

또 다른 주목할 만한 예는 성좌입니다. 크리스토프 디엔첸호퍼와 그의 아들 킬리안 이그나즈 디엔첸호퍼가 지은 프라하의 니콜라스 교회 (1704–1755). 장식은 교회 내부의 모든 벽을 덮습니다. 제단은 중앙 돔 아래에 있는 누비에 놓여 있고, 예배당으로 둘러싸여 있으며, 위의 돔과 주변의 예배당에서 빛이 내려옵니다. 제단은 전체적으로 아치, 기둥, 곡선의 발루스트레이드 및 유색 석재 기둥으로 둘러싸여 있으며, 이는 조각상으로 풍부하게 장식되어 있어 실제 건축물과 장식 사이에 의도적인 혼란을 야기합니다. 건축물은 빛, 색, 움직임의 극장으로 탈바꿈합니다.[26]

폴란드에서, 이탈리아에서 영감을 받은 폴란드 바로크는 17세기 초부터 18세기 중반까지 지속되었고 세부 사항과 색상의 풍부함을 강조했습니다. 오늘날 폴란드의 첫 번째 바로크 양식의 건물이며 아마도 가장 잘 알려진 것 중 하나는 성 교회입니다. 조반니 바티스타 트레바노가 디자인한 크라쿠프베드로와 바울. 1644년에 세워진 바르샤바의 지기스문트 기둥은 기둥 형태로 세워진 세계 최초의 세속적인 바로크 양식의 기념물이었습니다.[51] 1677년에서 1696년 사이에 지어진 윌라노우 궁전은 궁전 거주 양식을 대표적으로 보여줍니다.[52] 폴란드에서 활동한 가장 유명한 바로크 건축가는 네덜란드틸만가메렌이었고, 그의 주목할 만한 작품은 바르샤바의 카지미에즈 교회와 크라시 ń스키 궁전, 크라쿠프의 성 안네 궁전과 비아리스토크브라니키 궁전 등입니다. 그러나, 가장 유명한 폴란드 바로크 작품은 Pompeo Ferrari의 세부 사항이 있는 Pozna ń의 Fara Church입니다. 베스트팔렌 조약에 따른 30년 전쟁 이후 두 개의 독특한 바로크 와틀과 도브 건축물이 지어졌습니다. 자보르 평화의 교회, ś위드니카에 있는 삼위일체 평화의 교회 유럽에서 가장 큰 목조 바로크 사원.

프랑스 바로크

프랑스의 바로크는 이탈리아, 스페인 그리고 다른 유럽의 화려하고 극적인 지역 버전의 바로크와 상당히 다르게 발전했습니다. 그것은 신고전주의계몽주의 건축을 선점하고, 비교에 의해 더 엄격하고, 더 분리되고, 절제된 것처럼 보입니다. 이탈리아 건물과 달리 프랑스 바로크 건물에는 부러진 페디먼트나 곡선형 정면이 없습니다. 심지어 종교적인 건물들도 보로미니의 작품에서 발견되는 강렬한 공간 드라마를 피했습니다. 이 양식은 루이 14세 (재위 1643–1715)를 위해 만들어진 작품들과 밀접하게 연관되어 있으며, 이 때문에 루이 14세 양식이라고도 알려져 있습니다. 루이 14세는 바로크의 거장 베르니니를 초청해 루브르 박물관의 새 날개 디자인을 제출했으나 클로드 페로루이 의 보다 고전적인 디자인에 찬성해 이를 거절했습니다.[65][66]

이 양식의 주요 건축가들은 프랑수아 만사르트 (1598–1666), 피에르에 (발 드 그레이스 교회, 1645–1665), 루이 (보 르 비콤, 1657–1661)를 포함했습니다. 만사르트는 바로크 양식을 프랑스 건축 어휘에 도입한 최초의 건축가였습니다. 주로 적용된 질서와 묵직한 녹슬음을 자주 사용하는 것입니다. 만사드 지붕은 만사르트가 발명한 것은 아니지만, 그가 자주 사용하면서 그와 연관이 되었습니다.[67]

이 시기의 주요 왕실 프로젝트는 1661년 화가 샤를 브룬의 장식으로 르 보에 의해 시작된 베르사유 궁전의 확장이었습니다. 앙드레 르 노트르(André Le Nottre)가 특별히 건축물을 보완하고 증폭시키기 위해 디자인한 정원들입니다. 르 브룬의 그림들이 있는 샤토의 중심 작품인 거울의 전당(Galerie des Glaces, Hall of Mirrors)은 1678년에서 1686년 사이에 건축되었습니다. 만사르트는 1687년에 그랜드 트리아논을 완성했습니다. 드 꼬뜨가 디자인한 이 예배당은 1710년에 완공되었습니다. 루이 14세가 사망한 후, 루이 15세는 더 친밀한 쁘띠 트리아농과 매우 화려한 극장을 추가했습니다. 정원의 분수는 내부에서 볼 수 있도록 설계되어 극적인 효과를 더했습니다. 이 궁전은 유럽의 다른 군주들, 특히 러시아의 표트르 대제가 루이 15세의 통치 초기에 베르사유를 방문하여 1705년과 1725년 사이에 상트페테르부르크 근처의 표트르호프 궁전에 자신의 버전을 지었습니다.[68]

포르투갈 바로크

포르투갈의 바로크 건축은 약 2세기 동안 지속되었습니다 (17세기 말과 18세기). 요한 5세요제프 1세의 치세는 금과 다이아몬드의 수입을 증가시켰는데, 이것은 포르투갈 바로크가 번성하도록 해주었습니다.

포르투갈의 바로크 건축은 특별한 상황과 다른 유럽의 다른 지역과는 다른 연대표를 즐깁니다.

그것은 여러 단계에서 시작되는 여러 정치적, 예술적, 경제적 요인과 다른 종류의 외부 영향에 의해 조건화되어 있으며, 결과적으로 이탈리아 예술을 찾는 사람들이 종종 오해하는 독특한 혼합을 만들어내며,[73] 대신 특정한 형태와 성격을 찾아 포르투갈 고유의 다양성을 제공합니다. 또 다른 핵심 요소는 "평원한 스타일" (Estilo Chãoo 또는 Estilo Plano)이라고도 불리는 예수회 건축의 존재이며, 이 이름이 연상되는 것처럼 더 단순하고 다소 엄격하게 보입니다.

건물은 1인실 바실리카, 깊은 메인 예배당, 측면 예배당(소통을 위한 작은 문이 있음), 내부 및 외부 장식, 간단한 포털 및 창문이 없습니다. 실용적인 건물로 약간의 조정을 통해 제국 전역에 건축할 수 있으며 나중에 또는 경제적 자원이 있을 때 장식할 준비가 되어 있습니다.

사실, 첫 포르투갈 바로크는 장식(그림, 타일 등)을 통해 "평원한 양식"이 쉽게 변형되어 빈 공간을 화려하고 정교한 바로크 시나리오로 만들기 때문에 건축에 있어서 부족함이 없습니다. 외관도 동일하게 적용될 수 있습니다. 이어서, 시간과 장소의 취향에 따라 건물을 쉽게 적응하고 새로운 기능과 세부 사항을 추가할 수 있습니다. 실용적이고 경제적입니다.

더 많은 주민들과 더 나은 경제적 자원으로 북부, 특히 포르토와 브라가 [75][76][77]지역은 귀족들이 지은 대규모의 교회, 관습, 궁전 목록에서 볼 수 있는 건축적인 갱신을 목격했습니다.

포르투는 포르투갈 바로크의 도시입니다. 그 역사적 중심지유네스코 세계 문화 유산 목록의 일부입니다.[78]

도시와 그 너머의 역사적인 지역에 있는 많은 바로크 작품들은 포르투갈에 거주하는 이탈리아 건축가 니콜라우 나소니의 것으로, 클레리고스의 교회[79]탑, 포르투 대성당의 로지아, 미세리코르디아의 교회, 상 주앙 노보의 궁전,[80] 프레이소의 궁전,[81] 성공회 궁전 (포르투갈어: Paço Episcipal do Porto)[82]는 다른 많은 사람들과 함께.

러시아 바로크

러시아 바로크, 즉 페트린 바로크의 첫 등장은 1697-1698년 표트르 대제가 서유럽을 장기간 방문한 후 그는 퐁텐블로와 베르사유 성뿐만 아니라 다른 건축 기념물들을 방문했습니다. 그는 러시아로 돌아오는 길에 세인트루이스에 비슷한 기념물을 세우기로 결정했습니다. 1712년 러시아의 새로운 수도가 된 페테르부르크. 페트리네 바로크의 초기 주요 기념물로는 페트리네 대성당멘시코프 궁전이 있습니다.

안나 황후와 엘리자베타 페트로브나의 통치 기간 동안, 러시아의 건축은 엘리자베스 시대 바로크로 발전한 이탈리아 태생의 바르톨로메오 라스트렐리의 호화로운 바로크 양식에 의해 지배되었습니다. 라스트렐리의 대표적인 건물들은 겨울 궁전, 캐서린 궁전 그리고 스몰니 대성당을 포함합니다. 엘리자베스 바로크 시대의 다른 특징적인 기념물로는 트로이트 세르지예바 라브라의 종탑과 붉은 문이 있습니다.[86]

모스크바에서, 나리슈킨 바로크는 특히 17세기 후반 동방 정교회 건축에 널리 퍼졌습니다. 그것은 서유럽 바로크와 러시아 전통 민속 양식의 조합이었습니다.

스페인과 포르투갈 식민지 아메리카의 바로크

장 밥티스트 질레스와 디에고 마르티네스 드 오비에도의 페루 쿠스코[90] 예수회 정면
페루 후아로에 있는 산후안 바우티스타 교회 안에 있는 지옥을 묘사한 1802년의 보존된 식민지 벽화들.[91][92][93]

유럽 국가들에 의한 아메리카 대륙의 식민지화로 인해, 바로크는 자연스럽게 신대륙으로 이동했고, 특히 스페인과 포르투갈이 지배하는 지역에서 유리한 위치를 찾았고, 두 나라는 모두 중앙집권적이고 줄일 수 없는 가톨릭 군주국이었습니다. 로마와 가장 전형적인 바로크 반개혁주의자들에게 적용되는 확장으로. 유럽의 예술가들은 미국으로 이주하여 학교를 만들었고, 숙련된 예술가들이었던 가톨릭 선교사들의 광범위한 침투와 함께 대중의 취향에 의해 종종 영향을 받는 다형 바로크를 만들었습니다. 크리올로토착 공예가들은 바로크 특유의 특징을 주기 위해 많은 노력을 했습니다. 미국 바로크 양식의 주요 중심지는 멕시코, 페루, 브라질, 쿠바, 에콰도르, 콜롬비아, 볼리비아, 과테말라, 니카라과, 푸에르토리코, 파나마입니다.

특히 주목할 만한 것은 소위 "선교 바로크"로 불리는 것으로, 멕시코와 오늘날의 미국 남서부 지역에서 남쪽으로 아르헨티나와 칠레에 이르기까지 스페인의 영토 축소의 틀에서 발전했습니다. 스페인 가톨릭 선교사들이 기독교 신앙으로 개종하고 서양 생활에 적응하기 위해 조직한 토착 정착지는 토착 문화의 영향을 받은 하이브리드 바로크를 형성했으며, 그곳에서 크리올로스가 번성하고 많은 토착 장인과 음악가들이 심지어 글을 읽고 쓸 줄 아는 뛰어난 능력과 재능을 가지고 있습니다. 선교사들의 이야기는 서양의 예술, 특히 음악이 숲을 가꾸는 사람들에게 최면적인 영향을 끼쳤고, 성인들의 이미지는 큰 힘을 가진 것으로 여겨졌다는 것을 종종 반복합니다. 많은 원주민들이 개종했고, 신비주의, 미신, 그리고 연극성으로 가득 찬 열정적인 강도의 새로운 형태의 헌신이 만들어졌고, 이는 축제의 대중, 신성한 콘서트, 그리고 신비를 즐겼습니다.[94][95]

스페인 아메리카의 식민지 바로크 건축물은 풍부한 장식(멕시코시티의 라 프로페사 교회의 포탈; 산 안드레스 촐룰라샌프란시스코 아카테펙푸에블라수녀원 교회처럼 푸에블라 스타일의 아줄레요스로 덮인 정면)이 특징입니다. 이는 이른바 츄리게레스케 양식(로렌소 로드리게스의 멕시코시티 대성당 성막식, 샌프란시스코 하비에르 교회, 테포초틀란 교회, 산타 프리스카 교회)으로 악화될 것입니다. 페루에서는 1650년 이후 대부분 리마, 쿠스코, 아레키파, 트루히요에서 개발된 건축물들이 유럽 바로크 시대에도 발전된 독창적인 특징을 보여줍니다. (라 콤파냐헤수스, 쿠스코 성당리마 성당, 샌프란시스코 수녀원).[96] 다른 나라들은 볼리비아의 수크레 대성당, 과테말라의 에스키풀라스 대성당, 온두라스의 테구시갈파 대성당, 니카라과의 레온 대성당, 에콰도르 키토의 라 콤파냐 헤수스 성당, 보고타의 산 이그나시오 성당, 콜롬비아, 베네수엘라 카라카스 대성당, 아르헨티나 부에노스아이레스 카빌도, 칠레 산티아고 산토도밍고 성당, 쿠바 아바나 대성당. 볼리비아에 있는 스페인 예수회 선교회, 파라과이에 있는 스페인 예수회 선교회, 멕시코에 있는 스페인 선교회, 캘리포니아에 있는 스페인 프란치스코 선교회의 교회의 질 또한 기억할 가치가 있습니다.[97]

브라질에서는, 대도시인 포르투갈에서와 마찬가지로, 건축물은 보통 보로미네스크 유형의 이탈리아 영향력을 가지고 있는데, 이는 리우데자네이루공동 대성당(1784)과 노사 센호라 글로리아아우테이루 교회(1739)에서 볼 수 있습니다. 미나스 제라이스 지역에서는 굴곡진 평면도, 오목-볼록 동적 효과가 있는 정면과 모든 건축 요소를 성형 처리한 교회의 저자인 알레야디뉴의 작품을 강조했습니다(Ouro Preto의 상 프란시스코아시스 교회, 1765–1788).

스페인과 포르투갈 식민지 아시아의 바로크

포르투갈의 식민지인 인도 (고아, 다만, 디우)에서는 성녀의 무덤이 있는 고아 대성당고아의 봄 예수 대성당과 같이 힌두교의 요소들과 혼합된 바로크 양식의 건축 양식이 번성했습니다. 프란시스 사비에르. 고아의 교회와 수도원들1986년에 세계문화유산으로 지정되었습니다.

3세기가 넘는 스페인 식민지였던 필리핀에는 바로크 양식의 건축물들이 많이 보존되어 있습니다. 바로크와 신고전주의 도시인 비간뿐만 아니라 이들 중 네 곳은 모두 유네스코 세계 문화 유산입니다. 그리고 비록 공식적인 분류는 없지만, 마닐라의 벽으로 둘러싸인 도시와 타야바스는 모두 스페인 바로크 시대의 건축물을 상당히 포함하고 있습니다.

왈라키아와 몰다비아의 메아리

우리가 본 바와 같이 바로크는 이탈리아에서 탄생한 서양 양식입니다. 몰다비아왈라키아포함한 발칸 반도 국가들과 이탈리아인들의 상업적, 문화적 관계를 통해 바로크의 영향은 동유럽에 도착합니다. 이러한 영향은 보통 건축물과 돌로 조각된 장식물에서 일어나며, 비잔틴이슬람 예술에서 가져온 세부 사항과도 강렬하게 혼합되기 때문에 그다지 강하지 않았습니다.

비잔티움 제국의 멸망을 전후하여 왈라키아와 몰다비아의 모든 예술은 주로 콘스탄티노플의 예술에 영향을 받았습니다. 16세기 말까지도 거의 수정되지 않고 교회와 수도원의 계획, 벽화, 돌로 새긴 장식 등이 그대로 남아 있습니다. 이탈리아 바로크의 대중화와 일치하는 마테이 바사랍 (1632-1654)과 바실레 루푸 (1634-1653)의 치세로 시작하는 시기부터, 새로운 장식품들이 추가되고 종교적인 가구들의 스타일이 바뀝니다. 이것은 전혀 무작위가 아닙니다. 장식 요소와 원리는 이탈리아에서, 베네치아를 통해, 또는 달마티아 지역을 통해 가져오며, 그것들은 동쪽에서 온 건축가들과 장인들에 의해 채택됩니다. 창틀과 문틀, 헌신적인 피사니, 비석, 기둥과 난간, 청동, 은 또는 나무로 만든 가구의 일부는 이전보다 더 중요한 역할을 합니다. 그들은 비잔틴 전통에서 영감을 받아 이전에도 존재했지만 섬세한 꽃 모티브를 보여주는 더 사실적인 모습을 가지고 있습니다. 이전에도 존재했던 안도감이 이제는 볼륨과 일관성을 가지면서 더욱 강조됩니다. 이 시기 이전에 왈라키아와 몰다비아의 구호물자들은 동양의 구호물자들과 마찬가지로 두 개의 레벨만을 가지고 있었는데, 하나는 지표면에 있고 다른 하나는 깊이에 있습니다. 장미, 모란이나 엉겅퀴 같은 큰 꽃들, 가재나 다른 비슷한 식물의 두꺼운 잎들은 기둥이나, 문과 창문을 둘러싸고 꼬여 있습니다. 바로크 시대에 강한 영향을 미친 곳은 기둥난간입니다. 수도는 나뭇잎으로 이전보다 더 장식되어 있습니다. 기둥에는 종종 비틀림 축이 있는데, 이는 솔로모닉 기둥을 로컬로 재해석한 것입니다. 기둥 사이에는 최대주의 난간이 배치되어 있으며, 린코로 장식되어 있습니다. 모고 ș오아 궁전의 일부는 돌고래로 장식되어 있기도 합니다. 카르투치는 또한 때때로 콘스탄틴 브란코바누의 것과 같이 주로 묘비에 사용됩니다. 이 운동은 왈라키아의 통치자 콘스탄틴 브란코베아누(1654-1714)의 이름을 따서 브란코베네스 양식으로 알려져 있습니다. 이 양식은 18세기와 19세기의 일부에도 존재합니다. 이 시기의 소년원음부들이 세운 교회와 거주지들은 브란코베네스(Br arencovenes)입니다. 바로크 양식의 영향은 분명하지만 브란코베네스 양식은 지역 전통에서 훨씬 더 많은 영감을 얻습니다.

18세기가 지나면서, 왈라키아와 몰다비아에 파나리오트(이스탄불 파나르의 유명한 그리스 가문의 일원)가 통치하면서, 바로크의 영향도 이스탄불에서 옵니다. 그것들은 이전에도 17세기 동안 출현했지만, 파나리오트와 함께 오스만 제국에 도착한 더 많은 서양 바로크 모티프가 오늘날 루마니아에 최종 목적지를 두고 있습니다. 몰다비아에서도 바로크 요소는 이탈리아 예술의 영향이 강했던 러시아에서 유래합니다.[102]

페인팅

바로크 화가들은 르네상스와 그 이후의 매너리즘 시대의 화가들과 차별화하기 위해 의도적으로 노력했습니다. 팔레트에서 그들은 강렬하고 따뜻한 색을 사용했고, 특히 빨강, 파랑, 노랑의 원색을 사용하여 자주 세 가지 모두를 가까이 두었습니다.[112] 그들은 르네상스 회화의 고른 조명을 피했고 그림의 특정 부분에 빛과 어둠의 강한 대조를 사용하여 중심적인 행동이나 인물에 주목했습니다. 그들의 구성에서, 그들은 르네상스 그림들의 고요한 장면들을 피하고, 가장 위대한 움직임과 드라마의 순간들을 선택했습니다. 르네상스 회화의 고요한 얼굴들과 달리, 바로크 회화의 얼굴들은 자신의 감정을 명확하게 표현했습니다. 그들은 종종 비대칭성을 사용했고, 사진의 중심에서 벗어나 행동이 일어나며, 수직도 수평도 아닌 왼쪽이나 오른쪽으로 기울어진 축을 만들어 불안정함과 움직임을 느끼게 했습니다. 그들은 바람에 날리거나 그들 자신의 몸짓으로 움직이는 인물들의 의상을 가짐으로써 이러한 움직임의 인상을 높였습니다. 전반적인 인상은 움직임, 감정, 드라마였습니다.[113] 바로크 회화의 또 다른 본질적인 요소는 알레고리였습니다; 모든 그림은 이야기를 전달하고 메시지를 가지고 있었는데, 종종 상징과 알레고리 문자로 암호화되어 교육을 받은 관람객이 알고 읽을 것으로 기대되었습니다.[114]

이탈리아 바로크 회화 사상의 초기 증거는 안니발레 카라치, 아고스티노 카라치, 루도비코 카라치가 시각 예술을 르네상스의 고전주의로 되돌리려고 했던 볼로냐에서 발생했습니다. 그러나 그들의 예술은 또한 반종교 개혁의 중심에 있는 아이디어를 포함했습니다. 여기에는 강렬한 감정과 종교적 이미지가 포함되어 있어 지적인 것보다 마음에 더 호소했습니다.[115]

바로크 시대의 또 다른 영향력 있는 화가는 미켈란젤로 메리시카라바조였습니다. 삶에서 직접 그려지고 어두운 배경을 배경으로 극적으로 빛을 발하는 인간상에 대한 그의 현실적인 접근은 그의 동시대 사람들에게 충격을 주었고 그림의 역사에 새로운 장을 열었습니다. 바로크 양식과 밀접하게 연관된 다른 주요 화가들은 아르테미시아 젠틸레스키, 엘리자베타 시라니, 지오반나 가르조니, 귀도 레니, 도메니치노, 안드레아 포조, 그리고 이탈리아의 파올로마테이스; 프란시스코주르바란, 스페인의 바르톨로메 에스테반 무리요디에고 벨라스케스, 독일의 아담 엘샤이머, 프랑스의 니콜라스 푸신조르주 투어(비록 푸신은 직장 생활의 대부분을 이탈리아에서 보냈지만). 푸신과 라 투어는 색보다는 감정에 덜 집중하고 그림 속 인물들의 선에 더 많은 관심을 기울이는 고전적인 바로크 양식을 채택했습니다.

피터 루벤스플랑드르 바로크 양식의 가장 중요한 화가였습니다. 루벤스의 높은 전하를 띤 작품들은 고전과 기독교 역사의 박식한 측면들을 언급합니다. 그의 독특하고 매우 인기 있는 바로크 양식은 움직임, 색상, 그리고 관능을 강조했고, 이것은 반종교 개혁에서 촉진된 즉각적이고 극적인 예술 양식을 뒤따랐습니다. 루벤스는 신화적이고 우화적인 주제의 제단화, 초상화, 풍경화, 역사화를 전문으로 만들었습니다.

바로크 회화의 중요한 영역 중 하나는 문자 그대로 "눈을 속이는" 트롬페 œ일의 그림인 Quadratura였습니다. 이것들은 보통 천장이나 상부 벽과 난간의 벽에 칠해져 있었고, 땅 위를 올려다보는 사람들에게 그들은 하늘과 상상의 건축물을 배경으로 천사와 성자 그리고 다른 천상의 인물들로 가득 찬 하늘을 보고 있다는 인상을 주었습니다.[48]

이탈리아에서, 예술가들은 종종 실내 장식에 대해 건축가들과 협력했습니다; 피에트로 코르토나는 이러한 환영주의적인 그림 방식을 사용한 17세기의 화가들 중 한 명이었습니다. 의 가장 중요한 의뢰들 중에는 교황 우르바노 8세의 치세를 미화하기 위해 그가 바르베리니 가문의 궁전을 위해 그린 프레스코화들(1633–39)이 있습니다. 피에트로 다 코르토나의 작품은 시스티나 성당에서 미켈란젤로의 작품 이후 로마에서 집행된 가장 큰 장식 프레스코화였습니다.[116]

프랑수아 부셰는 바로크 후기에 나타난 더 섬세한 프랑스 로코코 양식의 중요한 인물이었습니다. 그는 그림뿐만 아니라 태피스트리, 카펫, 극장 장식 등을 디자인했습니다. 그의 작품은 루이 15세의 정부였던 퐁파두르 부인에게 매우 인기가 많았습니다. 그의 그림들은 신화적인 낭만적이고 약간 에로틱한 주제들을 특징으로 합니다.[117]

히스패닉계 아메리카인

볼리비아 회화의 예(쿠스코 학파의 일부): 아르케뷔지에 천사; 칼라마르카의 거장; 17세기

히스패닉 아메리카에서, 세빌란 테네브리즘의 영향은 주로 멕시코페루에 남아있는 주르바란(주르바란의 작품들 중 일부는 여전히 보존되어 있음), 멕시코인 호세 후아레스세바스티안 로페스아르테아가, 볼리비아인 멜초르 페레스홀긴의 작품에서 볼 수 있습니다. 쿠스코 화파는 아메리카 대륙에 매너리즘을 도입한 이탈리아 화가 베르나르도 비티가 1583년에 도착한 후 생겨났습니다. 그것은 안다후아일리아스 산페드로 교회 벽화의 작가인 이탈리아 안젤리노 메도로의 제자인 루이스리아뇨의 작품을 강조했습니다. 그것은 또한 쿠스코 대성당의 높은 아치를 덮고 있는 50개의 큰 화폭의 작가인 마르코스 사파타뿐만 아니라 인도 (케추아) 화가 디에고 퀴스페 티토바실리오 산타크루즈 푸마칼라오를 강조했습니다. 에콰도르에서는 주로 미겔 데 산티아고(Miguel de Santiago)와 니콜라스 하비에르 데 고리바르(Nicolás Harvier de Goríbar)를 대표하는 키토 학파가 설립되었습니다.

18세기에 조각 제단 조각들이 그림들로 대체되기 시작했고, 특히 아메리카의 바로크 그림이 발전했습니다. 이와 비슷하게, 주로 귀족 계급과 교회 계급의 초상화인 토목 공사에 대한 수요가 증가했습니다. 주요 영향력은 무릴레스키였고, 어떤 경우에는 발데스 릴의 영향력도 있었습니다. 이 시대의 그림은 감미롭고 부드러운 모양으로 좀 더 감상적인 톤을 가지고 있습니다. 콜롬비아그레고리오 바스케스 아르세, 멕시코후안 로드리게스 후아레스미겔 카브레라를 강조합니다.

조각품

바로크 조각의 지배적인 인물은 지안 로렌조 베르니니였습니다. 교황 우르바노 8세의 후원 아래, 그는 얼굴과 몸짓이 그들의 감정을 생생하게 표현한 성인과 인물들의 기념비적인 조각상뿐만 아니라, 특출난 사실주의 초상화 흉상과, 당당한 성좌와 같은 바티칸을 위한 장식적인 작품들을 놀라운 시리즈로 만들었습니다. 베드로의 돔 아래에. 피터 대성당. 게다가, 그는 로마의 주요 광장들을 장식하기 위해 기념비적인 조각군들로 분수들을 디자인했습니다.[120]

바로크 조각은 고대 로마 조각상, 특히 1506년에 발굴되어 바티칸 갤러리에 전시된 유명한 1세기의 라오콘 동상에서 영감을 받았습니다. 1665년 그가 파리를 방문했을 때, 베르니니는 그림과 조각 아카데미의 학생들에게 연설을 했습니다. 그는 학생들에게 자연보다는 고전적인 모델로 일하라고 조언했습니다. 그는 학생들에게 "첫 동상에 문제가 생겼을 때, 나는 신탁처럼 개미를 상담했다"[121]고 말했습니다. 오늘날 그 앙티상피오 클레멘티노 박물관의 헤르메스로 알려져 있습니다.

유명한 프랑스 후기 바로크 조각가로는 에티엔 모리스 팔콘과 장 밥티스트 피갈레가 있습니다. 피갈레는 프레데릭 대왕에 의해 독일 포츠담산수치에 있는 프레데릭 자신의 베르사유 판을 위한 조각상을 만들 것을 의뢰 받았습니다. Falconet은 또한 중요한 외국의 의뢰를 받아 성 베드로 대제의 유명한 기마 조각상을 만들었습니다. 페테르부르크.

스페인에서는 조각가 프란시스코 살질로가 다색 나무를 사용하여 종교적인 주제로만 작업했습니다. 최고의 바로크 조각 공예품들 중 일부는 현지 장인들에 의해 만들어진 신세계 스페인 식민지 교회의 금박 장식된 석관 제단에서 발견됩니다; 그 예로는 1724-1731년 오악사카(멕시코)에 있는 산토도밍고 교회의 로사리 예배당이 있습니다.

가구.

사용된 주요 모티프는 다음과 같습니다: 풍성한 뿔, 페스툰, 아기 천사, 입에 금속 고리를 물고 있는 사자 머리, 화관으로 둘러싸인 여성 얼굴, 타원형의 카르투치, 아칸투스 나뭇잎, 고전 기둥, 여인상 기둥, 여인상 기둥, 발육상, 그리고 가구의 일부 조각,[128] 과일이나 꽃이 있는 바구니, 포탄, 갑옷, 전리품, 아폴로박카스의 머리, C자 모양의 포탄.[129]

루이 14세의 통치의 첫 번째 시기 동안, 가구들은 루이 13세의 이전 양식을 따랐고, 거대했고, 조각과 금박으로 많이 장식되었습니다. 1680년 이후, 대부분 가구 디자이너인 André Charles Boulle 덕분에, 때때로 Boulle 작품으로 알려진, 더 독창적이고 섬세한 스타일이 나타났습니다. 그것은 15세기에 피렌체에서 처음 사용된 기법인 에보니와 다른 희귀한 목재의 상감을 기반으로 했는데, 이것은 루이 14세를 위해 일하는 불레와 다른 사람들에 의해 정제되고 발전되었습니다. 가구에는 흑골, 구리 및 다양한 색상의 이국적인 목재가 상감되었습니다.[130]

새롭고 종종 견딜 수 있는 유형의 가구가 등장했습니다. 2~4개의 서랍이 있는 간이 침대가 오래된 금고 또는 상자를 대체했습니다. 카나페, 즉 소파는 2~3개의 안락의자가 결합된 형태로 나타났습니다. 의자 등받이 양쪽에 쿠션이 덧대어져 있는 '고백용 암체어'나 '고백용 암체어' 등 새로운 종류의 암체어가 등장했습니다. 콘솔 테이블도 처음 등장했습니다. 벽에 기대도록 설계되었습니다. 또 다른 새로운 유형의 가구는 접시를 담을 수 있는 대리석으로 덮인 테이블인 식탁 아귀비에였습니다. 초기 형태의 책상이 등장했는데 마자린 책상은 중앙 부분을 뒤로 젖혀 두 개의 서랍 사이에 놓았고 각 기둥에는 4개의 발이 있었습니다.[130]

음악

안토니오 비발디 (1678–1741)

바로크라는 용어는 바로크 예술과 겹치는 시기에 작곡된 음악 스타일을 지정하는 데에도 사용됩니다. 음악에 '바로크'라는 용어를 처음 사용한 것은 비평이었습니다. 1734년 5월 Mercure de France에 인쇄된 Rameau's Hippolyte et Aricie의 1733년 10월 초연에 대한 익명의 풍자적 리뷰에서 비평가는 이 오페라의 새로움이 "du barocque"라고 암시하고, 음악이 일관된 멜로디를 가지고 있지 않고, 끊임없이 열쇠와 미터를 바꾸고, 끊임없이 변화하는 불협화음으로 채워져 있다고 불평했습니다. 모든 구성 장치를 신속하게 통과했습니다.[131] 음악가이자 유명한 작곡가이자 철학자였던 장 자크 루소는 1768년 유명한 데니스 디드로 백과사전에서 매우 비슷한 관찰을 했습니다: "바로크 음악은 조화가 혼란스럽고 변조와 불협화음으로 가득 찬 음악입니다. 노래는 가혹하고 부자연스러우며 억양은 어렵고 움직임은 제한적입니다. 이 용어는 논리학자들이 사용하는 '바로코'라는 단어에서 유래한 것으로 보입니다."[16]

이 시기의 음악에 대한 용어의 일반적인 사용은 커트 삭스에 의해 1919년에 시작되었고,[132] 1940년이 되어서야 맨프레드 부코프저에 의해 출판된 기사에서 영어로 처음 사용되었습니다.[131]

바로크는 음악가들이 연주하는 장식과 즉흥 연주의 양을 설명하는 음악적 실험과 혁신의 시기였습니다. 협주곡신포니아를 포함한 새로운 형태들이 발명되었습니다. 오페라는 16세기 말에 이탈리아에서 탄생했고 (1598년 피렌체에서 제작된 자코포 페리의 다프네와 함께) 곧 유럽의 다른 지역으로 퍼졌습니다. 루이 14세, 최초의 왕립 음악 아카데미를 만들었습니다. 1669년, 시인 피에르 페랭은 대중에게 개방된 프랑스 최초의 오페라 극장인 파리에 오페라 아카데미를 열었고, 5막의 공연, 정교한 무대 기계, 발레와 함께 로버트 캄베르의 음악과 함께 프랑스 최초의 대 오페라인 포모네를 초연했습니다.[133] 독일의 하인리히 쉬츠, 프랑스의 장 밥티스트 룰리, 영국의 헨리 푸르셀은 모두 17세기에 그들의 국가적 전통을 세우는 데 도움을 주었습니다.

시기에 피아노를 포함한 몇 가지 새로운 악기들이 소개되었습니다. 피아노의 발명은 토스카나 대공 페르디난도 메디치에 의해 악기 관리인으로 고용된 이탈리아 파도바바르톨로메오 크리스토포리 (1655–1731)의 공으로 여겨집니다.[134][135] 크리스토포리는 이 악기의 이름을 피아노포르테("부드럽고 큰 편백나무 건반")라고 지었고, 시간이 지남에 따라 피아노포르테, 포르테피아노, 그리고 나중에는 간단히 피아노라고 줄여졌습니다.[136]

작곡가 및 예시

고전 발레도 바로크 시대에 유래되었습니다. 궁정 춤의 양식은 마리 드 메디치에 의해 프랑스로 옮겨졌고, 초기에는 궁정의 구성원들 자신이 무용수였습니다. 루이 14세 자신은 여러 발레단에서 대중 앞에서 공연을 했습니다. 1662년 3월, 왕에 의해 아카데미 로얄 드 당스가 설립되었습니다. 그것은 최초의 전문 무용 학교이자 회사였고, 그 기간 동안 유럽 전역에서 발레의 기준과 어휘를 정했습니다.[133]

문학론

하인리히 뵐플린은 바로크라는 용어를 처음으로 문학으로 옮겼습니다.[137] 바로크 문학 이론의 핵심 개념인 "콘세토"(콘세토), "위트"(아큐테자, 잉그노), 그리고 "원더"(메라빌리아)는 1654년 에마누엘레 테사우로의 "일 카노치알레 아리스토텔리코"(아리스토텔리아 망원경)가 출판되기 전까지 문학 이론에서 완전히 발전되지 않았습니다. 지암바티스타 마리노의 서사시 아돈과 스페인 예수회 철학자 발타사르 그라시안의 작품에서 영감을 받은 이 중요한 논문은 이미지의 보편적인 언어이자 최고의 지적 행위로서 동시에 책략이자 인식론적으로 특권화된 진리 접근 방식으로서 은유 이론을 발전시켰습니다.[138]

극장

피에르 코르네유의 안드로메데 세트 디자인, (1650)
자코모 토렐리가 발레 'Les Noces de Tétis'를 위해 만든 극장 세트 디자인, 데코레이션 기계 a presées auxnopeces de Tétis, 발레 로얄

바로크 시대는 프랑스와 스페인에서 연극의 황금기였고, 프랑스에서는 코르네유, 라신, 몰리에르, 스페인에서는 로페베가, 페드로 칼데론 데 라 바르카 등의 극작가들이 참여했습니다.

바로크 시대 동안, 극장의 예술과 양식은 오페라와 발레의 발전과 함께 빠르게 진화했습니다. 더 새롭고 더 큰 극장의 디자인, 더 정교한 기계의 사용, 무대의 틀을 만들고 기계를 관객에게 숨기는 프로시니엄 아치의 더 넓은 사용은 더 많은 풍경 효과와 장관을 장려했습니다.[139]

바로크는 르네상스 시대의 이탈리아 문학 모델을 따라 스페인에서 가톨릭적이고 보수적인 성격을 가졌습니다.[140] 히스패닉 바로크 극장은 기사도적이고 기사도적인 세계에서 비롯된 가톨릭 종교, 군주주의, 국가적인 자부심과 명예라는 세 가지 기본적인 정서를 나타내는 이상적인 현실을 가진 공공 콘텐츠를 목표로 했습니다.[141]

바로크 스페인 극장에는 두 시기가 알려져 있으며, 1630년에 분할이 이루어졌습니다. 첫 번째 시기는 주로 로페베가, 티르소몰리나, 가스파르 아길라르, 길렌카스트로, 안토니오 미라아메스쿠아, 루이스 벨레스게바라, 후안 루이스알라콘, 디에고 히메네스엔시소, 루이스 벨몬테 베르무데스, 펠리페 고디네스, 루이스 퀴뇨네스 베나벤테, 후안 페레스몬탈반 등이 대표적입니다. 두 번째 시기는 페드로 칼데론 데 라 바르카와 동료 극작가 안토니오 후르타도 멘도사, 알바로 쿠빌로 아라곤, 예로니모칸세르, 프란시스코 로하스 조릴라, 후안마토스 프라고소, 안토니오 코엘로 요초아, 아구스틴 모레토, 프란시스코 방스 칸다모가 대표로 있습니다.[142] 이 분류들은 각 작가들이 각자의 방식을 가지고 있었고 때때로 로페가 설정한 공식을 고수할 수 있었기 때문에 느슨합니다. 어쩌면 로페의 "매너"는 칼데론의 "매너"보다 더 자유롭고 체계적이었을지도 모릅니다.[143]

로페 데 베가는 그의 아르테뉴에보 하케르 코메디아스 에스테티엠포 (1609)를 통해 새로운 코미디를 소개했습니다. 그는 이탈리아 시학파(행동, 시간, 장소)의 세 아리스토텔레스적 단일성을 깨뜨린 새로운 극적 공식과 표현된 것에 대한 다양한 유형의 구절과 연을 보여주는 비극적이고 코믹한 요소의 혼합인 아리스토텔레스의 네 번째 단일성을 확립했습니다.[144] 로페는 플라스틱 예술에 대해 많은 지식을 가지고 있지만, 그는 그의 경력의 주요 부분 동안이나 연극이나 시노그라피에서 그것을 사용하지 않았습니다. 로페즈의 코미디는 연극적 재현의 시각적 측면에 두 번째 역할을 부여했습니다.[145]

티르소 데 몰리나, 로페 데 베가, 칼데론은 황금시대 스페인에서 가장 중요한 극작가였습니다. 한 사람의 인간성에 대한 미묘한 지능과 깊은 이해로 유명한 그들의 작품은 로페의 원시적인 코미디와 칼데론의 더 정교한 코미디 사이의 다리로 여겨질 수 있습니다. 티르소 데 몰리나는 돈 후안 신화의 첫 번째 버전 중 하나인 유죄 판결을 받은 의혹세비야속임수라는 두 작품으로 가장 잘 알려져 있습니다.[146]

마드리드에 도착한 코시모 로티는 유럽에서 가장 발전된 연극 기법을 스페인 궁정에 가져왔습니다. 그의 기술과 기계적 지식은 "피에스타스"라고 불리는 궁전 전시회와 "나우마퀴아스"라고 불리는 강이나 인공 분수의 호화로운 전시회에서 적용되었습니다. 그는 부르엔 레티로 정원, 자르주엘라, 아란주에즈의 스타일링과 콜리오 델 부엔 레티로의 극장 건물 건설을 담당했습니다.[147] 로페의 공식은 궁정 연극 재단에 어울리지 않는다는 구절과 칼데론 데 라 바르카와 같은 일부 연극 작가의 경력을 시작한 새로운 개념의 탄생으로 시작됩니다. 뉴 로페즈 코미디의 주요 혁신을 기념하는 칼데론의 스타일은 건설적인 관리와 그의 내부 구조에 대한 많은 관심으로 많은 차이를 표시했습니다. 칼데론의 작품은 형식적으로 완벽하며 매우 서정적이고 상징적인 언어입니다. Lope의 자유, 생명력, 개방성은 칼데론의 지적 성찰과 형식적 정밀성에 한 걸음 다가섰습니다. 그의 코미디에서 그것은 열정과 행동 위에 그의 이념과 교리적 의도를 반영했고, 오토 새크라멘토의 작품은 높은 순위를 달성했습니다.[148] 코메디아의 장르는 정치적이고, 다예술적이며, 어떤 의미에서는 하이브리드입니다. 건축, 음악, 회화에서 비롯된 미디어와 자원이 뒤섞인 시적 텍스트는 로페즈 코미디에 있는 속임수를 자유롭게 하고 행동의 대화를 끌어들이는 데서 비롯되었습니다.[149]

가장 잘 알려진 독일 극작가는 네덜란드의 주스트 판 덴 본델과 피에르 코르네유의 예수회 모델을 사용안드레아스 그리피우스였습니다. 또한 영국 코미디언들과 코메디 델 아르테의 전통과 코르네유와 몰리에르의 고전적인 극장을 결합한 요하네스 벨텐도 있었습니다. 그의 투어 회사는 아마도 17세기 중 가장 중요하고 중요한 곳이었을 것입니다.

최고의 이탈리아 바로크 비극가는 페데리코 델라 발레였습니다. 그의 문학 활동은 그가 궁정 극장을 위해 쓴 네 편의 연극으로 요약됩니다: 비극적인 희극인 아델론다 프리기아 (1595)와 특히 그의 세 편의 비극인 주디스 (1627), 에스더 (1627), 레이나스코샤 (1628). 델라 발레(Della Valle)는 바로크 취향과 예수회의 교훈적인 목표(Pallavicino, Graziani 등)를 결합한 많은 모방자와 추종자들을 가지고 있었습니다.

스페인 식민지 아메리카

스페인에서 시작된 진화에 이어 16세기 말에는 본질적으로 트랜스휴먼인 코미디언들의 회사가 전문화되기 시작했습니다. 전문화와 함께 규제와 검열이 이루어졌습니다: 유럽에서와 마찬가지로 극장은 관용과 심지어 정부의 보호와 거부(예외를 제외하고) 또는 교회에 의한 박해 사이에서 진동했습니다. 극장은 사회 질서와 군주제에 대한 존중, 종교적 교조를 전파하기 위한 도구로서 당국에게 유용했습니다.[150]

산호초는 대표자의 이익을 공유하는 병원의 이익을 위해 투여되었습니다. 고정된 현지인이 없는 지역에 의해 즉흥적인 야외 무대로 극장을 운반했던 떠돌이 회사(또는 "리그의")들은 작업을 위해 부수적인 자격증을 필요로 했고, 그 가격이나 핀치온은 평화롭고 경건하게 일할 운명이었습니다.[150] 수도와 주요 도시에서 안정적으로 일하는 회사들에게, 그들의 주요 수입원들 중 하나는 경제적인 이익뿐만 아니라 인정과 사회적인 위신을 제공하는 성체 축일 행사에 참여하는 것이었습니다. 부귀궁과 귀족의 저택에서 재현된 것들은 그들의 레퍼토리와 특별 제작물의 희극을 모두 대표하며, 조명 효과와 풍경, 무대가 뛰어난 것들은 보수가 높고 권위 있는 작품의 중요한 원천이기도 했습니다.[150]

후안 루이즈 데 알라콘은 뉴 스페인[151] 부왕실에서 태어났지만 후에 스페인에 정착한 뉴 스페인 바로크 극장에서 가장 유명한 인물입니다. 로페 베가의 새로운 코미디를 수용했음에도 불구하고, 그의 "눈에 띄는 세속주의", 그의 재량과 절제, 그리고 그의 스페인 동시대에 대한 알라콘의 독특한 특징들로 "심리적 침투"에 대한 예리한 능력이 주목되었습니다. 그의 작품 중 주목할 만한 것은 그의 끊임없는 도덕화적 목적을 반영한 인물들의 희극인 라베르다 소스페초사입니다.[150] Sor Juana Inés de la Cruz의 극적인 연출은 그녀를 스페인-미국 바로크 극장의 두 번째 인물로 배치합니다. 그녀의 작품 중에서 자동 성찬 디비노 나르시소와 코미디 로스엠페뇨스우나카사를 언급할 가치가 있습니다.

정원

자르댕 아 라 프랑세즈 또는 프랑스식 정원으로도 알려진 바로크 정원은 16세기에 로마에서 처음 등장했고, 그 후 17세기에 보 르 비콩트베르사유 궁전의 정원에서 가장 유명했습니다. 바로크 정원은 18세기 중반까지 독일, 네덜란드, 오스트리아, 스페인, 폴란드, 이탈리아, 러시아의 왕들과 왕자들에 의해 지어졌고, 그 때 그것들은 더 자연스러운 영국의 풍경 정원으로 개조되기 시작했습니다.

바로크 정원의 목적은 자연에 대한 인간의 힘을 묘사하기 위한 것이었고, 그 건축가의 영광인 바로크 정원은 집의 방들처럼 기하학적인 패턴으로 배치되었습니다. 그들은 일반적으로 밖에서 가장 잘 보였고, 성문이나 테라스에서 내려다보았습니다. 바로크 정원의 요소에는 화려한 바로크 양식으로 다듬어진 화단이나 낮은 울타리, 정원을 분할하고 교차하는 직선 도로와 자갈 골목이 포함되었습니다. 테라스, 경사로, 계단, 계단 등은 고도의 차이가 있는 곳에 배치하고 조망점을 제공했습니다. 원형 또는 직사각형의 연못이나 물이 흐르는 분지는 분수와 조각상의 배경이었습니다. 보스케트나 세심하게 다듬어진 같은 나무들의 숲이나 줄들은 녹색의 벽처럼 보였고 조각상들의 배경이 되었습니다. 가장자리에 정원에는 보통 방문객들이 태양이나 비를 피할 수 있는 정자, 오렌지 및 기타 구조물이 있습니다.[156]

바로크 정원은 엄청난 수의 정원사, 지속적인 손질 및 풍부한 물을 필요로 했습니다. 바로크 시대 후기에, 형식적인 요소들은 더 자연적인 특징들로 대체되기 시작했는데, 여기에는 굽은 길, 다듬어지지 않은 채 자라도록 남아있는 다양한 나무들의 숲, 로마의 사원이나 중국의 탑과 같은 소박한 건축물과 그림 같은 구조물, 그리고 주요 정원의 가장자리에 있는 "비밀 정원", 방문객들이 책을 읽거나 조용한 대화를 할 수 있는 녹색으로 가득 차 있습니다. 18세기 중반까지 대부분의 바로크 정원은 부분적으로 또는 완전히 영국 풍경 정원의 변형으로 변형되었습니다.[156]

베르사유와 보-르-비콤테 외에도, 유명한 바로크 정원들은 여전히 나폴리 근처의 카세르타 왕궁, 님펜부르크 왕궁아우구스투스부르크 왕궁, 독일의 브 augustus 왕궁, 네덜란드의 헤트 궁전, 비엔나벨베데레 왕궁, 산 일데폰소 왕궁, 스페인; 그리고 성 베드로호프 궁전. 러시아 페테르부르크.[156]

도시계획과 설계

16세기부터 19세기까지 유럽의 도시들은 풍경과 건축 환경을 재구성하는 도시 디자인과 계획 원리의 큰 변화를 목격했습니다. 로마, 파리 및 기타 주요 도시는 주거, 교통 및 공공 서비스 개선을 통해 증가하는 인구를 수용하도록 변화되었습니다. 이 시기 내내, 바로크 양식이 한창이었고, 정교하고 극적이며 예술적인 건축 양식의 영향은 바로크 도시 계획이라고 알려진 것을 통해 도시 구조로 확장되었습니다. 도시에서 살고 걷는 경험은 바로크 양식의 감정을 보완하는 것을 목표로 합니다. 이러한 계획 양식은 종종 지배 권력의 부와 힘을 보여주는 것을 포함했고, 중요한 건물들은 도시의 시각적이고 상징적인 중심지 역할을 했습니다.[157]

산 피에트로 광장은 성 바로 앞에 위치해 있습니다. 바티칸 시국에 있는 베드로 대성전.

교황 식스토 5세의 통치하에 로마시의 재계획은 16세기에 부활하고 도시를 확장했습니다. 바로크 양식의 극적인 효과에 기여하기 위해 많은 그랜드 피아자와 광장이 공공 공간으로 추가되었습니다. 그 피아차는 분수와 그 당시의 감정을 구현하기 위한 다른 장식적인 특징들을 특징으로 했습니다. 바로크 양식 계획의 중요한 요소는 교회, 정부 구조, 그리고 피아자를 함께 축의 정교한 네트워크로 연결하는 것이었습니다. 이것은 가톨릭 교회의 중요한 랜드마크들이 그 도시의 중심이 되도록 했습니다.

바로크 도시 계획의 또 다른 예로, 파리는 19세기에 도시 부흥이 절실했습니다. 도시는 하우스만 남작의 도움으로 도시 구조에 극적인 변화를 겪었습니다. 나폴레옹 3세의 통치하에서 하우스만은 거리, 공원, 기차, 공공 서비스의 새로운 네트워크를 추가하여 파리를 재건하도록 임명되었습니다. 하우스만 디자인의 특징 중 일부는 직선적이고, 나무들이 늘어선 넓은 대로, 공원과 녹지 공간에 대한 짧은 접근성을 포함합니다. [159] 그 계획은 파리 오페라 하우스와 같은 몇몇 중요한 건물들을 강조합니다.

스페인 바르셀로나 항공 전경 (51227309370) (cropped)

바로크 도시계획의 더 많은 특징들이 바르셀로나에 구현되어 있습니다. Iddefons Cerda가 설계한 Eixample 지구는 몇 개의 대각선 대로가 있는 격자 시스템으로 넓은 거리를 보여줍니다. 교차로는 팔각형 블록으로 매우 독특하여 거리에 큰 가시성과 빛을 제공합니다. [160] 이 지역의 많은 작품들은 독특한 스타일을 보여주는 건축가 안토니 가우디의 작품입니다. 아이샘플 지구 디자인의 중심에는 가우디의 사그라다 파밀리아(Sagrada Família)가 있어 도시에 큰 의미가 있습니다.

후세

로코코로의 이행

로코코는 바로크의 마지막 무대이며, 많은 면에서 바로크의 기본적인 환상과 극의 특성을 그들의 논리적 극단으로 가져갔습니다. 프랑스에서 베르사유 궁전루이 14세 궁정의 바로크 양식의 장엄함에 대한 반발로 시작된 로코코 운동은 특히 새로운 왕 루이 15세 (1710–1774)의 정부인 강력한 마담퐁파두르 (1721–1764)와 관련이 있습니다. 이 때문에 이 스타일은 '폼파두르'라고도 알려져 있습니다. 루이 15세의 치세와 연관성이 높지만, 이 시기에는 등장하지 않았습니다. 초기 로코코의 예로는 루이 14세 치세 말기의 여러 작품들이 있습니다. 이 운동의 이름은 프랑스어 '로카이유', 즉 조약돌에서 유래했으며, 유사한 조개 형태가 로코코 디자인에서 일반적인 특징이 되면서 동굴 내부를 장식하는 돌과 조개 껍질을 말합니다. 디자인과 장식 예술 양식으로 시작되었으며, 우아한 흐름의 형태가 특징이었습니다. 건축은 그 뒤를 이어 그림과 조각이 이어졌습니다. 로코코라는 용어와 가장 자주 연관되는 프랑스 화가는 장 앙투안 왓토(Jean-Antoine Watteau)로, 그의 목가적인 장면, 즉 페트 갈랑트(Fittes galante)가 18세기 초반을 지배합니다.

로코코와 바로크 사이에는 여러 가지 유사점이 있습니다. 두 양식 모두 기념비적인 형식을 고집하기 때문에 연속적인 공간, 이중 기둥이나 기둥, 고급스러운 재료(금빛 요소 포함)를 사용합니다. 눈에 띄는 차이도 있습니다. 로코코 디자인은 르네상스 이후 건축과 디자인을 지배했던 대칭성에 대한 집착에서 벗어났습니다. 잉크 냄비나 도자기 피규어와 같은 많은 작은 물체들과 일부 장식품들은 종종 비대칭입니다. 이것은 대부분의 장식이 바로크 때처럼 르네상스로부터 물려받은 고전적인 장식이 아닌 나뭇잎과 바다 껍질의 해석으로 이루어졌다는 사실과 일치합니다. 또 다른 중요한 차이점은 바로크가 반개혁 정신의 주요한 문화적 표현이기 때문에, 그것이 가장 자주 기독교 건축과 연관되어 있다는 사실입니다. 이와는 대조적으로 로코코는 주로 궁전과 국내 건축물과 관련이 있습니다. 파리에서 로코코의 인기는 살롱이 종종 이러한 스타일로 장식되는 새로운 유형의 사교 모임으로 등장한 것과 동시에 발생했습니다. 로코코 방은 일반적으로 바로크 방보다 작았는데, 이는 국내 친밀도를 향한 움직임을 반영합니다.[166] 카라바조의 그림들의 흙빛 톤들, 그리고 루이 14세 치세의 붉은 대리석과 금으로 된 산들의 내부부터, 루이 15세와 마담 드 퐁파두르의 파스텔과 편안한 담청색, 퐁파두르 핑크색, 그리고 흰색에 이르기까지, 색상들은 또한 이러한 변화와 일치합니다. 색채와 마찬가지로, 회화와 조각에 있어서의 진지하고 극적이며 도덕적인 주제들로부터 편안하고 즐거운 주제들로의 전환도 있었습니다.

바로크와 로코코의 마지막 차이점은 18세기 귀족들이 동아시아에 가지고 있던 관심입니다. 치노이즈리는 18세기에 유행한 미술, 건축, 디자인의 한 양식으로 중국 미술에서 많은 영감을 얻었지만 동시에 로코코에서도 영감을 받았습니다. 그 당시 중국이나 다른 극동 국가들을 여행하는 것은 힘든 일이었고, 그래서 대부분의 서양인들에게 신비로 남아 있었기 때문에, 유럽의 상상력은 아시아를 부와 사치의 장소로 인식하는 것에 의해 자극되었습니다. 그리고 결과적으로 황제에서 상인에 이르기까지 그들의 거주지를 아시아 상품으로 장식하고 그것들을 아시아 스타일로 장식하는 데 있어서 서로 경쟁했습니다. 아시아의 유물을 구하기 어려운 곳에서 유럽의 장인과 화가들이 그 수요를 채우기 위해 나서서 로코코 형태와 아시아의 인물, 모티브, 기법을 혼합하여 만들었습니다. 동아시아 양식의 물건을 유럽에서 재현하는 것 외에도 중국 칠기는 다양한 방식으로 재사용되었습니다. 유럽의 귀족들은 벽 패널로 사용되는 중국의 옻칠 패널로 궁전의 몇 개의 방을 완전히 장식했습니다. 그 측면 때문에 서양 남성들의 공부에 흑칠이 인기가 있었습니다. 사용된 패널은 중국 허난성에서 만든 일반적으로 광택이 나고 검은색입니다. 그것들은 여러 겹의 옻칠로 만들어졌고, 색과 금으로 가득 찬 모티프를 새겼습니다. 18세기 유럽의 목수들이 가구를 만들기 위해 중국산과 일본산 칠판을 사용하기도 했습니다. 제작하기 위해 아시아산 스크린을 해체하고 유럽산 가구를 베니어하는 데 사용했습니다.

신고전주의와의 완전한 포기

1750년, 마담 드 퐁파두르는 그녀의 조카인 아벨 프랑수아 푸아송반디에르를 이탈리아의 예술적, 고고학적 발전을 연구하는 2년 임무로 보냈습니다. 그는 조각가 니콜라스 코친과 건축가 수플로트를 포함한 여러 예술가들과 동행했습니다. 그들은 고전 예술에 대한 열정으로 파리로 돌아왔습니다. 반디에레스는 마리니 후작이 되었고, 1754년에 왕립 건축물 감독으로 임명되었습니다. 그는 프랑스의 공식적인 건축을 고대 그리스와 로마의 예술로부터 많은 영감을 얻고 되살리려고 노력하는 운동인 신고전주의로 바꾸었습니다. 코친은 중요한 미술 평론가가 되었고, 프랑수아 부셰(로코코의 주요 화가 중 한 명)의 쁘띠한 스타일을 비난하고, 건축 미술 아카데미에서 고대와 고결함을 강조하는 웅장한 스타일을 요구했습니다.[172]

로코코에서 신고전주의로의 전환은 그리 갑작스럽지 않았습니다. 로코코 미술의 가장 큰 후원자들 중 일부는 초기 신고전주의 작품들을 의뢰하기도 했습니다. 로코코의 주요 인물 중 한 명인 마담 드 퐁파두르(Madame de Pompadour)는 프랑스 신고전주의 건축의 가장 중요한 예 중 하나인 쁘띠 트리아농(Petit Trianon)을 의뢰했습니다. 마찬가지로, 로코코가 번성했던 왕 루이 15세는 또 다른 상징적인 신고전주의 기념물인 판테온을 세웠습니다. 이 외에도 프랑스에는 고대 그리스, 에트루리아, 로마 고대에서 가져온 모양과 모티브를 사용했지만 여전히 로코코의 달콤하고 섬세하며 화려한 분위기를 풍기는 루이 16세 스타일이 있었습니다. 영국에서는 로버트 아담의 그레코로만형에서 영감을 받은 런던 근교 오스터리 공원의 '먹방' 내부가 신고전주의임에도 불구하고 주로 흰색과 파스텔 초록색과 분홍색으로 그려져 로코코를 연상케 합니다. 신고전주의는 모방에 관한 것이 아니었다는 것을 언급해야 합니다. 예술가들은 과거에 얼려진 것이 아니라 고대와 그 이상을 현대 사회와 관련된 방식으로 사용하려고 했습니다.

비난과 학문적 재발견

선구적인 독일의 미술 역사가이자 고고학자인 요한 요아힘 빈켈만 또한 바로크 양식을 비난했고, 고전 예술과 건축의 우수한 가치를 칭찬했습니다. 19세기까지 바로크는 조롱과 비판의 대상이었습니다. 신고전주의 비평가 프란체스코 밀리치아는 다음과 같이 썼습니다: "건축에서는 보로미니니, 조각에서는 베르니니, 회화에서는 피에트로 다 코르토나...많은 예술가들을 감염시킨 좋은 취향의 역병입니다."[173] 19세기에 비평은 더욱 더 나아갔습니다; 영국의 비평가 존 러스킨은 바로크 조각이 나쁘기만 할 뿐만 아니라 도덕적으로 부패했다고 선언했습니다.[173]

스위스 태생의 미술사가 하인리히 뵐플린(Heinrich Wölfflin, 1864–1945)은 그의 르네상스 바로크(Renaissance und Barock, 1888)에서 바로크라는 단어의 복원을 시작했습니다. 뵐플린은 바로크를 르네상스 미술에 반대되는 예술인 "대중으로 수입되는 운동"이라고 파악했습니다. 그는 현대 작가들이 하는 매너리즘과 바로크를 구분하지 않았고, 18세기까지 지속된 학문적 바로크라는 후기 단계를 무시했습니다. 바로크 미술과 건축은 전간기에 유행하게 되었고, 대체로 비판적인 입장을 유지해 왔습니다. "바로크"라는 용어는 과도한 장식이나 선의 복잡성이 있다고 생각되는 예술, 공예 또는 디자인 작품을 묘사하기 위해 종종 비판적으로 사용될 수 있습니다.[174] 동시에 "바로크"는 후기 바로크와 동일한 특징들 중 일부를 보여주는 서기 2-3세기 로마 예술로마 건축의 다양한 경향에 대해 인정되는 용어가 되었습니다.

절충주의를 통한 부흥과 영향력

높은 비판을 받은 바로크는 나중에 낭만주의를 통해 19세기 동안 예술가, 건축가, 디자이너들에게 영감을 주는 원천이 될 것입니다. 낭만주의는 18세기에 발전하여 19세기에 절정에 이르렀습니다. 과거와 자연에 대한 미화는 물론 감성과 개인주의를 강조해 고전보다는 중세적인 것을 선호한 것이 특징이었습니다. 문학적, 종교적, 정치적 요인들이 뒤섞여 18세기 후반과 19세기 영국의 건축가들과 디자이너들이 영감을 얻기 위해 중세 시대를 돌아보게 만들었습니다. 낭만주의는 19세기가 부흥의 세기로 가장 잘 알려진 이유입니다.[180] 프랑스에서 낭만주의는 고딕 건축과 디자인의 부흥을 이끈 핵심적인 요소가 아니었습니다. 고대 레짐과 관련된 기념물과 건물의 파괴는 프랑스 혁명 기간 동안 발생했습니다. 이 때문에 고고학자 알렉상드르 레누아르는 교회, 수도원 및 재래식 건물에서 제거된 조각상, 조각상 및 무덤이 운송된 쁘띠-아우구스틴 창고의 큐레이터로 임명되었습니다. 그는 프랑스 기념물 박물관 (1795-1816)을 조직했고, 25년 후에 천천히 번창하기 시작한 중세의 예술에 대한 취향을 되살린 첫 번째 사람이었습니다.[181]

중세 미술의 이러한 취향과 부활은 바로크와 로코코를 포함한 다른 시대의 부활로 이어졌습니다. 부흥주의는 처음에는 중세부터 주제로 시작되었고, 그 다음에는 르네상스 시대부터 루이 필리프 (1830-1848)의 통치 말기까지였습니다. 바로크와 로코코 영감은 나폴레옹 3세 (1852-1870)의 통치 기간 동안 더 인기가 있었고, 프랑스 2제국의 몰락 이후에도 계속되었습니다.[182]

영국의 건축가들과 디자이너들이 고딕을 국가적인 양식으로 본 것과 비교해 볼 때, 로코코는 프랑스의 가장 대표적인 운동 중 하나로 여겨졌습니다. 고딕 건축물이 영국이 아닌 프랑스에서 나타났지만, 프랑스인들은 중세나 르네상스 시대보다는 앙시앙 레짐과 나폴레옹 제국의 양식에 훨씬 더 관련이 있다고 느꼈습니다.

19세기의 부활주의는 시간이 흐르면서 절충주의(서로 다른 스타일의 요소들의 혼합)로 이어졌습니다. 건축가들은 종종 고전 양식을 부활시켰기 때문에, 대부분의 절충적인 건물과 디자인은 독특한 외관을 가지고 있습니다. 순수한 부흥 이외에도, 바로크는 절충주의에 영감을 주는 주요 원천들 중 하나이기도 했습니다. 바로크에서 널리 사용되는 두 요소인 결합 기둥거대한 질서는 종종 이런 종류의 19세기와 20세기 초 건물에 존재합니다. 절충주의는 건축에만 국한되지 않았습니다. 제2제국 스타일의 많은 디자인들은 다른 스타일에서 가져온 요소들을 가지고 있습니다. 그 시기의 작은 가구들은 르네상스, 루이 15세 (로코코), 루이 16세 스타일과 같은 가장 널리 퍼진 세 가지 역사주의적 영향에서 벗어났습니다. 부활과 영감은 또한 불의 마케트리를 모방한 리메이크나 아라베스크의 경우와 같이 때때로 바로크에서 왔고, 고딕, 르네상스 또는 영국 레젠시와 같은 다른 스타일에서 왔습니다.[183]

벨 에포크는 1871년에서 1880년 사이에 시작되어 1914년 제1차 세계 대전의 발발로 끝난 기간입니다. 낙관주의, 지역 평화, 경제 번영, 식민지 확장, 기술적, 과학적, 문화적 혁신이 특징이었습니다. 생태주의는 뷰 아트 건축과 함께 이 시기에 절정에 이르렀습니다. 이 양식은 파리의 에콜 데 보자르(Ecole des Beaux-Arts)에서 이름을 따왔는데, 이곳에서 발전했고 양식의 많은 주요 지수들이 연구했습니다. 이러한 양식의 건물들은 종종 모서리에 있는 이오니아 기둥과, (프랑스 바로크에서 볼 수 있는 것들과 같은), 녹슨 지하층, 전체적인 단순함, 그러나 세부적인 부분들, 아치형 문들, 그리고 파리의 쁘띠 팔레처럼 입구 위에 있는 아치형 기둥을 특징으로 합니다. 그 양식은 루이 14세베르사유를 떠올리게 하는 호화롭게 장식된 기념비적인 건축물들을 통해 바로크의 인기를 목표로 했습니다. 벨 에포크의 디자인에 관한 한, 아마도 예상과 달리 1900년까지 인기를 유지했던 제2제국 스타일을 포함하여, 과거의 모든 가구들이 감탄을 받았습니다. 1900년경에는 모든 이전 시기의 모든 국가의 스타일을 거대하게 재현했습니다. 불에서 고딕에 이르기까지 중국에서 스페인 모델에 이르기까지 모든 것이 가구 생산에 진출했지만, 어떤 스타일은 다른 스타일보다 더 높이 평가되었습니다. 중세고대와 르네상스 초기는 특히 소중하게 여겨졌습니다. 모든 스트라이프의 이국적인 느낌과 풍부한 로코코 디자인도 선호되었습니다.[184]

바로크 양식의 부흥과 영향은 사라지고 1910년경 새로운 근대 양식을 만들기 위해 다수의 프랑스 디자이너들의 공동 노력으로 만들어진 양식인 아르데코와 함께 사라졌습니다. 그것은 1차 세계대전 이전에는 잘 알려지지 않았지만, 전쟁 기간 동안 1920년대와 1930년대에 크게 연관되어 매우 인기가 있었습니다. 이 운동은 1900년대와 1910년대의 모더니즘의 흐름에서 가져온 다양한 특성들의 혼합이었습니다. 비엔나 분리주의, 입체주의, 야수파, 원시주의, 우월주의, 구성주의, 미래주의, 드 슈틸, 표현주의. 모더니즘 이외에도, 로코코 부흥, 신고전주의 또는 신루이 16세 스타일과 같은 벨 에포크 시대에 인기 있었던 스타일에서 가져온 요소들이 아르데코에도 있습니다. 제1차 세계대전 이전의 보 예술 건축의 비율, 부피 및 구조는 1910년대와 1920년대의 초기 아트 데코 건물에 존재합니다. 바로크에서 가져온 요소들은 매우 드물고, 건축가들과 디자이너들은 루이 16세 스타일을 선호합니다.

전간기 말기에 장식이 전혀 없는 것이 특징인 국제 양식의 인기가 높아지면서 바로크의 영향력과 부활을 완전히 포기하게 되었습니다. 다수의 국제 양식 건축가들과 디자이너들뿐만 아니라, 모더니즘 예술가들도 바로크의 사치와 그들이 "과도하다"고 본 것에 대해 비판했습니다. 아이러니하게도 이것은 바로크 원형에 대한 비판적인 감상이 강하게 되살아나고 있는 시점이었습니다.

포스트모던적 감상과 재해석

바로크에 대한 감상은 모더니즘(2차 세계대전 이후의 현상)에 의문을 제기하고 새로운 디자인에 역사적 스타일의 요소를 포함하고 전모더니즘 과거에 대한 감상을 촉진하는 운동인 포스트모더니즘의 부상과 함께 다시 나타났습니다.

참고 항목

메모들

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