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신스팝

Synth-pop
"테크노팝"이 여기로 리디렉션된다.다른 용도는 Technop(동음이의)을 참조하십시오.
신스팝
기타 이름
  • 테크노팝
양식적 기원
문화적 기원서독, 일본, 영국서 1977-80
파생형식
퓨전 장르
기타 항목
전자음악
실험형식
인기 스타일
기타 항목

신스팝(신디사이저팝의 [4]줄임말[5][6], 테크노팝이라고도 함)은 1970년대 후반에 처음 두각을 나타낸 신파[1][7] 음악의 하위 장르로 신디사이저가 우세한 악기로서 특징지어진다.1960년대와 1970년대 초에 프로그레시브 록, 전자 록, 아트 록, 디스코 등에 신디사이저를 사용하고 특히 크래프트워크 같은 밴드의 크라우트 록에 사용함으로써 사전 구성되었다.1970년대 후반에서 1980년대 중반까지의 신파 운동의 일환으로 포스트 펑크 시대에 일본과 영국의 뚜렷한 장르로 대두되었다.

1960년대 중반 녹음실에서 실용적으로 사용할 수 있는 전자음악 신디사이저가 등장했고, 1970년대 중반에는 전자미술 뮤지션들이 부상했다.1979년 영국 싱글 차트에서 게리 누만이 돌파한 이후 1980년대 초에는 신디사이저 기반의 사운드와 함께 많은 아티스트들이 성공을 즐기기 시작했다.일본에서는 옐로 매직 오케스트라가 TR-808 리듬 머신을 대중음악에 도입했고, 이 밴드는 초기 영국 신스팝 공연에 큰 영향을 미칠 것이다.저렴한 폴리포닉 신디사이저의 개발, MIDI의 정의와 댄스 비트의 활용은 신스팝을 위한 더욱 상업적이고 접근하기 쉬운 사운드로 이어졌다.이것은 MTV의 부상과 함께 뉴로맨틱 운동으로부터 스타일을 의식하는 행위들에 의해 채택된 것으로, 제2차 영국 침략 기간 동안 미국에서 많은 수의 영국 신스 팝 행위들이 성공을 거두었다.

테크노팝(techno-pop)이라는 용어는 1978년 크래프트베르크의 맨머신을 비평하는 과정에서 아지 유즈루가 만든 것으로, 이름이 여러 번 발견된 사례로 꼽힌다.따라서, 이 용어는 "synth-pop"을 위해 상호 교환적으로 사용될 수 있지만 일반적으로 일본 현장에서 사용되며, 이 용어는 일본에서 선호되는 용어다.[8]

"신스팝"은 때때로 "전자팝"[6]과 교환하여 사용되기도 하지만, "전자팝"은 더 단단하고 더 전자적인 사운드에 중점을 두는 신스팝의 변형을 나타낼 수도 있다.[9]1980년대 중후반에는 지우, 펫샵 보이즈 등의 듀오들이 미국 댄스 차트에서 크게 성공을 거둔 스타일을 채택했지만, 10년 말에는 아하, 알파빌 등의 밴드의 '새로운 물결' 신스팝이 하우스 음악과 테크노에 자리를 내주고 있었다.1990년대 후반 인디에트로니카와 전기충격기 운동에서 새로운 물결 신스팝에 대한 관심이 되살아나기 시작했으며, 2000년대 신스팝은 광범위한 부흥과 상업적 성공을 누렸다.

이 장르는 감정과 음악성이 부족하다는 비난을 받아왔다; 저명한 아티스트들은 신디사이저들이 직접 작곡하고 연주했다고 믿는 디플렉터들을 반대했다.신스팝 음악은 팝과 록 음악의 주요 요소로서 신디사이저를 위한 자리를 마련하여 후속 장르(하우스 뮤직, 디트로이트 테크노 포함)에 직접적인 영향을 미치고 있으며, 개별 음반뿐만 아니라 많은 다른 장르에도 간접적으로 영향을 미치고 있다.

특성.

A colour photograph of a synthesizer with a keyboard
최초의 폴리포닉 신디사이저 중 하나인 예언자-5.그것은 롤랜드 목성, 야마하 DX7과 함께 1980년대 신스팝에 널리 사용되었다.

신스팝은 신디사이저, 드럼 머신, 시퀀서 등을 주로 사용하며, 때로는 다른 모든 악기를 대체하기 위해 그것들을 사용함으로써 정의되었다.Borthwick과 Moy지만"값 스타일, 리듬과 구조를 치고 바위를 삼갔다 다양한 종류에 의해 특성화된"과"로봇의 경직성""합성 직물"에 의해 대체되었다,은 종종 새로운 technology,[10]의 모노럴의 신시사이저(에서만 한 노트를 칠 수 있을 포함한 한계에 의해 정의된 다양한로 장르를 묘사했다.a시간이다[11]

많은 신스팝 뮤지션들은 음악을 제작하거나 재생산하는 기술에 의존하면서 제한된 음악적 기술을 가지고 있었다.결과는 종종 미니멀리스트였고, "일반적으로 흔히 말하는 조화로운 '진보'가 없는 단순한 반복 리프들로 함께 짜여진 그루브들"[12]이었다.초기 신스팝은 변곡에 변화가 거의 없는 드로닝 전자장치를 사용하여 "에이지, 무균, 막연하게 위협적인" 것으로 묘사되어 왔다.[13][14]싱스팝 노래의 일반적인 서정적 주제는 고립, 도시적 아노미, 감정적으로 차갑고 공허한 느낌이었다.[15]

1980년대 그것의 두 번째 단계에서,[15] 댄스 비트와 더 전통적인 록 악기들의 도입은 음악을 더 따뜻하고 매력적으로 만들었고 3분간의 팝의 관습 안에 포함시켰다.[13][14]신디사이저는 오케스트라와 뿔의 전통적인 진부하고 진부한 소리를 모방하기 위해 점점 더 많이 사용되었다.얇고 고단한, 합성된 멜로디와 단순한 드럼 프로그램은 두껍고 압축된 연출과 더 전통적인 드럼 소리를 만들어냈다.[16]가사는 로맨스, 현실 도피, 열망과 같은 대중음악의 전통적인 주제를 다루면서 전반적으로 더 낙관적이었다.[15]음악 작가 사이먼 레이놀즈에 따르면, 1980년대 동기화 팝의 특징은 마크 아몬드, 앨리슨 모예, 애니 레녹스와 같은 "감정적인, 때로는 운영적인 가수들"이었다.[14]신디사이저가 대규모 뮤지션 그룹의 필요성을 없앴기 때문에, 이 가수들은 종종 그들의 파트너가 모든 악기를 연주하는 듀오의 일부였다.[15]

비록 부분적으로 신스팝은 펑크록에서 생겨났지만, 그것은 진위에 대한 펑크의 강조를 버리고 종종 고의적인 인공성을 추구하여 디스코나 글램락과 같은 비판적인 형태의 음악을 그렸다.[10]재즈나 포크 음악이나 블루스 같은 초기 대중음악의 기반에는 비교적 거의 의존하지 않았으며,[10] 미국을 보는 대신 초기 단계에서는 스판다우 발레단 같은 밴드명과 울트라복스의 '비엔나'[17] 같은 노래에 반영되는 유럽, 특히 동유럽의 영향에 의식적으로 집중했다.후에 신스팝은 소울뮤직과 같은 다른 장르에 의해 더 많은 영향을 받는 스타일로 변화했다.[17]

역사

전구체

주요 기사:일렉트로닉 뮤직과 일렉트로닉 록
A black and white photograph of four members of Kraftwerk onstage, each with a synthesizer
크래프트워크는 1976년에 신스팝에 큰 영향을 끼쳤다.

록 음악이 독특한 음악 장르로 떠오르기 시작한 것과 거의 비슷한 시기에 녹음실에서 실용적으로 사용할 수 있는 전자 음악 합성기가 1960년대 중반에 출시되었다.[18]전자 기계식 폴리폰 샘플-플레이백 키보드인[19] 멜로트론은 1964년 로버트 무그가 만든 뮤그 신시사이저에 추월당해 전자적으로 완전히 생성되는 소리를 냈다.특히 라이브 공연에서[20] 훨씬 더 쉽게 사용할 수 있었던 휴대용 미니맥스는 핑크 플로이드의 리처드 라이트나 예스의 릭 와크먼과 같은 진보적인 록 음악가들에 의해 널리 채택되었다.기악 프로그 록은 크래프트워크, 귤러 드림, 캔, 파우스트와 같은 밴드들이 언어의 장벽을 우회할 수 있게 하여 유럽 대륙에서 특히 의미가 컸다.[21]브라이언 에노(록시뮤직의 키보드 연주자)의 작업과 함께 이들의 신시사이저 무게의 '크라우트 록'이 후속 신스 록에 큰 영향을 미칠 것으로 보인다.[22]

1971년 영국 영화 A Clockwork Orange가 미국의 웬디 카를로스에 의해 싱크로스 사운드 트랙으로 개봉되었다.영국의 많은 사람들이 전자음악을 들은 것은 이번이 처음이었다.[23]휴먼 리그의 필립 오이키와 카바레 볼테르의 리차드 H. 커크는 물론 음악 저널리스트 사이먼 레이놀즈도 이 사운드 트랙을 영감으로 꼽았다.[23]전자음악은 재즈 뮤지션 스탠 프리(Stan Free)가 호트버터(Hot Butter)라는 필명으로 1972년 미국과 영국에서 톱10 히트를 기록했고, 무그 신시사이저를 사용한 1969년 게르손 킹슬리 노래 '팝콘(Popcorn)'[24]의 커버로 가끔 주류로 진출하는 등, 신스팝과 디스코의 전조로 인식되고 있다.

A colour photograph of three members of Yellow Magic Orchestra at the front of a stage
2008년 옐로 매직 오케스트라

1970년대 중반에는 장 미셸 자레, 반젤리스, 토미타 등 전자미술 뮤지션들이 부상했다.토미타의 앨범 일렉트릭 사무라이: 스위치 온 록(1972)은 음성 합성 및 아날로그 음악 시퀀서를 활용하면서 동시대의 록과 팝송의 전자 렌즈를 특징으로 했다.[25]1975년 크래프트워크는 그들의 첫 영국 쇼를 연주했고, 콘서트 참석자 Andy McCluskey와 Paul Humphreys(나중에 어둠 속에서 관현악의 기동을 발견하게 됨)에게 영감을 주어 '그들의 기타를 버리고' 싱크로스 연주가 되었다.[23]크래프트워크는 올해 말 영국 싱글 차트 11위에 오른 '오토반'으로 첫 히트곡을 냈다.이 그룹은 BBC Four 프로그램인 Synth Britannia에 의해 그곳에서 신스팝의 미래 상승을 위한 열쇠로 묘사되었다.[23]1977년 조르지오 모로더는 도나 서머를 위해 제작한 일렉트로닉 유로디스코 곡 'I Feel Love'를 발표했으며, 프로그램된 비트가 후기 신스팝 사운드에 큰 영향을 미칠 것으로 보인다.[10]브라이언 에노가 출연하는 앨범 Low(1977), Heroes(1977), Lodger(1979)로 구성된 데이비드 보위의 베를린 3부작도 영향력이 클 것이다.[26]

기원(1977-80)

참고 항목:뉴웨이브 음악
A colour photograph of Gary Numan performing onstage with a guitar and microphone
게리 누먼 1980년 공연

1976-77년 사이에 두각을 나타낸 초기의 기타 기반 펑크 록은 처음에는 신디사이저의 '진정되지 않은' 소리에 적대적이었지만,[10] 그 움직임에서 나온 많은 새로운 파도와 포스트 펑크 밴드들이 그것을 그들 소리의 주요 부분으로 채택하기 시작했다.영국의 펑크 클럽과 뉴웨이브 클럽은 당시 "대안적인" 사운드에 개방되어 있었다.[27][28]펑크가 스스로 하는 태도는 신디사이저를 연주하기 위해 무대에 오르기 전에 수년간의 경험이 필요하다는 진보적인 록 시대의 규범을 무너뜨렸다.[23][28]뉴욕의 포스트 펑크 장면에서 생겨난 아메리칸 듀오 자살은 1977년 앨범에 전자제품과 포스트 펑크 사이의 하이브리드 형태로 드럼 기계와 신디사이저를 활용했다.[29]

1977년 4월에 발매된 캣 스티븐스 앨범 아이지소는 신디사이저를 광범위하게 사용하면서 [30]팝 록 스타일을 업데이트하여 더욱 싱싱한 팝 스타일을 선사했다.[31] 특히 "개는 도넛이었을까"는 음악 시퀀서를 일찍 사용한 [32]초기 테크노 팝 퓨전 트랙이었다.[33]이짓소는 빌보드 200차트에서 7위에 올랐고, (Rememember the Days of the Old Schoolyard)는 40위권 안에 들었다.[30]같은 달에, 비치 보이즈는 그들의 앨범 Love You를 발매했고, 거의 전적으로 밴드 리더 브라이언 윌슨이 무그와 ARP 신디사이저와 함께 공연했고,[34] 웬디 카를로스의 스위치-온 바흐(1968년)에 의해 어느 정도 영감을 받은 편곡으로 공연했다.[35]일부 비평가와 음악가(패티 스미스[36], 레스터 뱅스[37] 등)로부터 높은 평가를 받았지만, 앨범은 상업적 반응이 좋지 않았다.이 앨범은 신시사이저를 사용하는 데 있어서 혁명적인 것으로 여겨져 왔으며,[35] 다른 사람들은 윌슨이 무그 신시사이저를 광범위하게 사용한 것을 "루피한 재미집 분위기"[38]이자 신스팝의 초기 사례라고 묘사했다.[39]1977년 7월, 3인조 도나 서머, 조르지오 모로더, 피트 벨로트를 녹음한 「I Feel Love」가 발매되어 하이-NRG 장르를 개척하고, 신, 데드 또는 라이브와 같은 후기 신스팝 활동에 영향을 주었다.이 무렵 울트라복스 멤버 워렌 캐인은 1977년 10월 싱글 발매된 '히로시마 몬 아무르'[40]에 처음 등장한 롤랜드 TR-77 드럼 머신을 구입했다.

비밥 디럭스는 1978년 2월에 디폴트 플라스틱을 발매하여 기타 신디사이저에 빌 넬슨, 신디사이저에 앤디 클라크와 함께 싱글 "Electrical Language"로 선두에 섰다.일본 밴드 옐로매직오케스트라(YMO)는 자칭 앨범(1978년)[41]과 솔리드 스테이트 서바이버(1979)로 멜로디를 강조해 '재미있고 경쾌한' 사운드를 개발했다.[42][41]그들은 TR-808 리듬 머신을 대중음악에 도입했고,[43] 이 밴드는 초기 영국 신스팝 공연에 큰 영향을 미칠 것이다.[44]1978년에는 영국 밴드 휴먼 리그의 데뷔 싱글 "Being Beilled"가 발매되었고, 미국의 포스트 펑크 밴드 데보는 더 전자적인 사운드를 향해 움직이기 시작했다.이 시점에서 신스팝은 다소 비판적인 관심을 얻었지만, 광고 차트에 거의 영향을 주지 않았다.[45]

"이것은 손가락이고, 이것은 또 다른...이제 곡을 써라."

—This quote is a take on the punk manifesto This is a chord, this is another, this is a third...now start a band celebrating the virtues of amateur musicianship first appeared in a fanzine in December 1976.[46]

영국의 펑크 인플루언스 밴드 튜브웨이 아미(Tubeway Army)는 그들의 데뷔 앨범을 기타 주도로 계획했다.1978년 멤버 게리 누만은 다른 밴드가 스튜디오에 남긴 미니멀로그를 발견하고 실험을 시작했다.[47]이로 인해 앨범의 사운드가 일렉트로닉 뉴웨이브(Electronic new wave로 바뀌었다.[47]누만은 훗날 이 앨범에 실린 자신의 작업을 키보드를 연주하는 기타리스트로 묘사했는데, 그는 "펑크송을 전자곡으로 바꾸었다"고 말했다.[47]1979년 여름, 앨범의 싱글 "Are Friends Electric?"이 영국 차트에서 1위를 차지했다.[48]신디사이저가 프로그레시브 록이나 디스코에서 사용되는 방식과는 다른 방식으로 채용될 수 있다는 발견은 누만의 독주를 자극했다.[48]미래 앨범 《즐거움 원칙》(1979년)에서는 신스만 연주했지만, 리듬 섹션에서는 베이스 기타리스트와 드러머를 보유했다.[48]앨범의 싱글곡인 "Cars"가 차트 1위를 차지했다.[49]

조르지오 모로더는 그들의 앨범 No.1 인 헤븐 (1979년)에서 밴드 스파크스와 협력했다.같은 해 일본에서도 신스팝 밴드 P-모델이 앨범 In a Model Room으로 데뷔했다.비슷한 시기에 떠오르는 다른 일본 신스팝 그룹에는 플라스틱과 히카슈가 포함되어 있다.[50]전자음악 연주와 녹음/제작에서 혁명의 시대정신은 당시 버글스의 음반 프로듀서였던 트레버 혼에 의해 국제적인 히트곡 "비디오 킬드 더 라디오 스타" (1979년)에 의해 캡슐화되었다.

1980년 또한 "비디오 킬드 더 라디오 스타"가 어디서 왔는지, 버글스의 데뷔 앨범 "The Age of Plastic"[53]이 발매되었는데, 이 앨범은 일부 작가들이 또 다른 전기팝 시대의 첫 번째 랜드마크라고 이름 붙인 것이기도 하고,[51][52] 데보의 커리어의 결정적인 앨범인 "The Age of Plastic"은 많은 이들에게 있어 공개적인 동기화-팝의 자유다.

상업적 성공(1981-85년)

참고 항목:뉴로맨틱과 제2차 영국 침공
A colour photograph of members of Midge Ure of the band Ultravox performing on a stage with a microphone and a guitar
1981년 오슬로에서 Ultravox와 공연한 Midge Ure.

신스팝의 등장은 "아마도 머시 비트 이후 멜로 음악에서 가장 중요한 단일 사건"으로 묘사되어 왔다.1980년대에 이르러 신디사이저는 훨씬 싸지고 사용하기 쉬워졌다.[54]1982년 MIDI의 정의와 디지털 오디오의 개발 이후, 순수 전자 사운드의 생성과 그 조작은 훨씬 더 단순해졌다.[55]신디사이저는 특히 뉴로맨틱 운동의 밴드들에 의해 채택됨으로써 1980년대 초의 대중음악을 지배하게 되었다.[56]

뉴 로맨틱 장면은 런던의 나이트클럽 빌리와 블리츠에서 발전했고 듀란 듀란, 비사주, 스판다우 발레단과 같은 밴드들과 연관되어 있었다.[57]그들은 글램 록, 공상과학, 낭만주의의 요소들을 결합한 정교한 시각 스타일을 채택했다.듀란 듀란은 댄스 비트를 신스팝에 접목시켜 캐치라이어하고 따뜻한 사운드를 만들어내면서 히트 싱글 시리즈를 제공했다는 평가를 받고 있다.[13]그들은 곧 신시사이저를 이용하여 눈에 띄는 3분짜리 팝송을 만드는 많은 밴드들에 의해 영국 차트에 진입할 것이다.[16]새로운 프로듀서와 함께 휴먼 리그를 위한 새로운 라인업과 더욱 상업적인 사운드가 일련의 히트 싱글을 제작한 앨범 'Dare'(1981)로 이어졌다.1981년 말 영국에서 1위에 오른 'Don't You Want Me'가 그것이다.[58]

신스팝은 1981–2년 겨울에 영국에서 상업적으로 최고조에 달했고, 일본 다크, 울트라복스, 소프트 셀, 데페체 모드, 크래프트워크 등의 밴드가 톱 10의 히트를 즐겼다.1982년 초에는 신디사이저가 너무 우세한 나머지 음악가연합은 사용을 제한하려고 시도했다.[59]1982년 말까지, 이러한 행위들은 토마스 돌비, 블랑칸지, 그리고 Tears for Fears의 신스 기반 싱글들에 의해 차트에 합류되었다.뮤지컬 극장의 배경을 가진 네덜란드 연예인 타코는 어빙 베를린의 "Puttin' On the Ritz"를 직접 신스 주도로 재상상상하는 것을 발표했고, 그 결과 1980년대 기술의 사운드스케이프에서 알린 1930년대 감성의 음악을 가져가는 콘셉트 앨범인 After 8을 후속 장편연주했다.스판다우 발레단, 휴먼 리그, 소프트 셀, ABC와 같은 단체들이 더 전통적인 영향력과 악기들을 그들의 소리에 통합하는 등, 행동의 확산은 반동기 반동으로 이어졌다.[60]

1987년 독일 뉘르부르크링의 에우리츠믹스

신스팝이 새로운 물결의 하위 장르로 여겨져 당시 언론에 의해 '테크노팝' 또는 '전기로팝'으로 묘사된 미국에서는 1982년 뉴욕시와 로스앤젤레스의 미디어 수도에 도달한 케이블 음악 채널 MTV로 인해 이 장르가 인기를 끌었다.[61]그것은 스타일을 중시하는 뉴로맨틱 신스 팝을 많이 사용했는데,[16][45] 갈매기 떼의 "I Ran (So Far Away)"(1982년)는 일반적으로 영상을 통한 노출의 결과로 빌보드 탑텐에 진입한 영국 행위의 첫 히트작으로 간주되었다.[45]미국 라디오 방송국에서 '새로운 음악' 포맷으로 전환한 것도 영국 밴드들의 성공에 큰 의미가 있었다.[45]신스팝과 다른 영국 공연의 성공은 제2의 영국 침략으로 간주될 것이다.[45][62]싱스팝은 전 세계적으로 인기를 끌었으며, 캐나다에서 온 Men Without Hats와 Trans-X, 벨기에에서 온 텔렉스, 피터 실링, 산드라, 모던 토킹, 독일의 선전과[63] 알파빌, 스위스의[64] 옐로, 스페인의 아줄 이네그로 등이 있다.

1980년대 중반에는 주요 예술가들 솔로 공연가 하워드 존스 씨, S.T. Erlewine"히피의 쾌활한 낙관주의와late-'60s과 대중 가요의 새 물결의 기술 집약적인 소리 합병"[65](비록 주목할 만한 예외를 제외하고"뭐 사랑 있나요?"–"누군가 어쨌든 누군가를 좋아합니까?"의 가사를 포함한)과 닉 커쇼, whos가 생길 경우 포함했다.e"w엘크래프트 싱스팝'[66]은 기타와 10대 관객들에게 특히 어필하는 더 전통적인 팝의 영향을 통합했다.[67]좀 더dance-orientated 소리를 추구하는 것이었다 Bronski 비트의 앨범의 시대'는 승낙의(1984년), 동선애 공포와 소외의 문제를 다루는 미국에서 상위 20개는 영국을 비롯해 40위에 도착했다.[68]와 톰슨 트윈스의 인기가 절정에 이르는 1984년과 함께 앨범 속으로 TheGap, 기록했던 1위의 영국 및 미국 10위권과 바람을 일으켰다 여러 정상입니다.싱글 열 [69]명처음에 음악 매체에서 "십대의 밥 센세이션"으로 불렸던 노르웨이 밴드 아하였다. 그의 기타와 실제 드럼은 접근하기 쉬운 형태의 신스팝을 만들어냈다. 이 신스팝은 MTV 친근한 동영상과 함께 1985년 싱글 "Take On Me"을 영국에서 2위, 미국에서 1위로 가져갔다.[70]

인기 하락 (1986-2000)

A colour photograph of the two members of the Pet Shop Boys on a stage with a synthesizer and a microphone respectively
펫샵 보이즈는 2006년에 공연한다.

신스팝은 1980년대 후반까지 계속되었는데, 영국 듀오스 펫샵 보이즈,[71] 지우쉬[72], 코뮈니카드 등의 연극의 작업을 포함하여 댄스 음악에 더 가까이 다가간 포맷이 있었다.코마드의 주요 히트곡은 디스코 클래식 "Don't Leave Me This Way"(1986)와 "Never Can Say Goodbye"(1987)의 커버였다.[73][74]그들의 소리에 다른 요소들을 추가한 후, 그리고 게이 관객들의 도움으로, 몇몇 신스팝 연기는 미국 댄스 차트에서 성공을 거두었다.이 중에는 미국연기정보학회(1988년 10위권 단식 2명)[75]와 애니매이션 박스, 레드 플래그 등이 포함됐다.[76][77]영국 밴드 When in 로마에서 그들의 데뷔 싱글 "The Promise"로 히트를 쳤다.1980년대 후반의 몇몇 독일 신스팝 공연에는 Camady와 Crimate[78] the Nun이 포함되었다.[79]캐나다 듀오 콘칸은 1989년 데뷔 싱글 "I Beg Your Semorry"로 큰 성공을 거두었다.[80][81]

유럽의 신스팝에 대한 미국의 반발은 1980년대 중반 하트랜드 록과 뿌리 록의 부상과 함께 시작된 것으로 보인다.[82]영국에서 인디 록 밴드, 특히 스미스의 등장은 1990년대에 록을 지배할 기타 기반 음악의 시작과 신스 주도의 새로운 물결의 종말을 알리는 것으로 보여 왔다.[83][84]1991년까지 미국에서는 대체 라디오 방송국이 그룬지의 인기에 대응함에 따라 신스팝이 상업적 생존력을 잃고 있었다.[85]1990년대에도 싱스팝이나 록의 형태를 계속 추구한 예외는 새비지 가든, 렌탈, 무그 쿡북 등이 있었다.[76]전자음악도 스테레오랩, EMF, 유타 세인츠, 디스코 인페르노 등 인디트로니카 밴드가 다양한 인디와 신디사이저 사운드를 혼합해 1990년대 초반부터 탐구했다.[86]

21세기 부흥(2000년대-현재)

참고 항목:§ 21세기 전기팝
A colour photograph of Elly Jackson with microphone
2010년 La Roux의 일리 잭슨

인디에트로니카는 새로운 디지털 기술이 발달하면서 새로운 천년을 맞이하기 시작했는데, 영국의 브로드캐스트, 프랑스의 정의, 독일의 랄리 푸나, 미국의 라타타트와 체신부는 다양한 인디 사운드와 전자음악을 혼합하여 주로 작은 독립 레이블로 제작되었다.[86][87]마찬가지로, 1990년대 말 뉴욕에서 신스팝, 테크노, 펑크, 퍼포먼스 아트를 결합한 전기클래시 하위 유전자가 시작되었다.I-F가 '우주 침략자는 잔디를 피우고 있다'(1998년) 트랙으로 개척했으며,[88] 펠릭스 다 하우스캣,[89] 복숭아, 스피드의 병아리,[90] 피셔스푸너 등 예술가들이 추구했다.[91]새천년 초에 국제적인 주목을 받았으며 런던과 베를린의 장면으로 번졌지만 다양한 형태의 음악으로 실험하기 시작하면서 인지할 수 있는 장르로 급격히 퇴색했다.[92]

새 천 년에는 전자음악에 대한 새로운 관심과 1980년대에 대한 향수가 성인, 피셔스푸너 등의 활동과 함께 신스팝 부흥의 시초로 이어졌다.2003년과 2004년 사이에 레이디트론, 우편국, 컷 카피, 더 용맹, 킬러들이 모두 포스트 그룬지와 뉴 메탈의 지배적인 장르와 대비되는 빈티지 신디사이저 사운드와 스타일을 접목한 음반을 제작하면서 주류로 진입하기 시작했다.특히 The Killers는 상당한 방송과 노출을 즐겼고 데뷔 앨범 Hot Coss(2004)는 빌보드 200에서 10위 안에 들었다.[93]킬러, 더 브레이벌리어, 스틸스는 모두 데뷔 앨범이 끝난 후 신스팝 사운드를 남기고 1970년대 클래식 록을 탐구하기 시작했지만,[94] 그 스타일은 많은 가수들, 특히 여성 솔로 가수들에 의해 선택되었다.싱글 'Just Dance'(2008)로 레이디 가가의 획기적인 성공을 거둔 데 이어 영국 등 언론은 리틀부츠, 라룩스, 레이디호크 등의 아티스트를 내세우며 새로운 여성 싱스팝 스타 시대를 선포했다.[95][96]같은 시기에 등장한 남성 행위로는 캘빈 해리스,[97] 태양의 제국,[98] 프랑크무식,[99] 후르츠,[100] 오에스트 르 수영장, 카스카데,[101] LMFAO,[102] 올빼미 시티 등이 있는데, 그의 싱글곡 'Fireflies'(2009)가 빌보드 핫 100 차트에서 1위를 차지했다.[103][104]2009년, 양식적 기원을 가진 지하의 하위 유전자가 대중화되었는데, 그것은 바로 coldwave이다.워싱 아웃, 네온 인디안, 토로이 모이 등 독립 음악에서 새로운 스타들을 탄생시켰다.[citation needed]다른 2010년대 신스팝 공연에는 The Naked and Famous,[105] Chvrches,[106] M83,[107] Shiny Toy Guns 등이 있다.[108][109]

미국 가수 케샤도 2010년 9주 동안 전기팝 데뷔 싱글 '틱톡'[112]이 빌보드 핫 100에서 1위를 기록하는 [110][111]등 전기팝 아티스트로 묘사되고 있다.[113]그녀는 컴백 싱글 "Die Young"[110][114]에도 이 장르를 사용했다.2010년대 이 장르에 손을 댄 메인스트림 여성 레코딩 아티스트로는 마돈나,[115][116][117][118] 테일러 스위프트,[119][120][121] 케이티 페리,[122][123][124] 제시 J,[125] 크리스티나 아길레라,[126][127] 비욘세 등이 있다.[128]

일본에서는 걸그룹 향수(Peater)가 캡슐의 나카타 야스타카 프로듀서와 함께 2003년부터 1980년대 신스팝과 치프투네스와 일렉트로 하우스를[129] 결합한 테크노팝 음악을 제작했다.그들의 돌파구는 2008년 앨범 Game과 함께 이루어졌고, 이는 일본 주류 대중음악 내 테크노팝에 대한 새로운 관심을 이끌었다.[130][131]곧이어 에어라 미쓰키, 임미, 미즈카, 사와, 사오리이, 스위트 바캉스 등 다른 일본 여성 테크노팝 아티스트들이 뒤를 이었다.[131]모델 가수인 Kyary Pamyu Pamyu 또한 일본 앨범 차트는 물론 아이튠즈에서[133] 전자 차트 1위를 차지한 앨범 Pamyu Pamyu Revolution으로 나카타 제작[132] 하에 있는 Peatu's와 같은 성공을 공유했다.[134]일본과 마찬가지로 한국 대중음악도 특히 f(x), 소녀시대, 원더걸스와 같은 걸그룹을 중심으로 신스팝이 지배하게 되었다.[135]

2020년에는 The Weeknd, Dua Lippa 등 가수들의 1980년대식 싱스팝과 싱스웨이브 곡이 국제 음악 차트에서 성공을 거두면서 이 장르는 다시 인기를 실감케 했다.[136]The Weeknd의 싱트웨이브 곡인 '블라인딩 라이트'는 2020년 초 미국 등 29개국에서 정점을 찍었고, 이후 2021년 11월 빌보드 역사상 가장 위대한 곡 1위에 올랐다.[137]

비판과 논란

데페체 모드의 마틴 고어 씨는 1986년 로스앤젤레스에서 성 굽힘으로 비판받던 패션을 일부 입고 사진을 찍었다.

신스팝은 상당한 비판을 받았고 심지어 음악가들과 언론사들 사이에서 적대감을 불러일으키기까지 했다.그것은 "비교적"[138]과 "무욕적"으로 묘사되어 왔다.[139]신스팝의 초기 단계, 특히 게리 누먼은 1970년대 후반과 1980년대 초의 영국 음악 매체에서도 독일의 영향으로[23] 폄하되었고 저널리스트 믹 파렌이 '아돌프 히틀러 기념 우주순찰대'[140]로 묘사했다.1983년 스미스씨네 모리스시는 "신디사이저보다 더 혐오스러운 것은 없었다"고 진술했다.[16]10년 동안, 작곡의[141] 질과 예술가의 제한된 음악성에 대한 반대 의견이 제기되었다.[142]게리 누먼은 "적극성"을 관찰했고, 그가 느낀 것은 사람들이 "생각하는 기계들이 그렇게 했다"고 믿는 것과 같은 신스팝에 대한 "무시함"이었다.[143]

다크 프런트 앤디 맥클러스키의 관현악 기동은 "장비가 당신을 위해 곡을 썼다고 생각했다"고 회상하며 "만약 신스나 드럼 기계에 '싱글을 때린다'는 버튼이 있었다면, 나는 다른 사람들처럼 자주 눌렀을 텐데, 그렇지 않다"고 단언했다.모두 실제 인간에 의해 쓰여진 것이며, 모두 손으로 연주한 것이다.[144]

사이먼 레이놀즈에 따르면, 일부 지역에서는 신디사이저가 팔릭 기타와는 대조적으로 "에페테 포주르"를 위한 악기로 여겨졌다.[141]대체적인 성감을 가진 싱스팝의 연관성은 필 오아키의 비대칭 헤어와 아이라이너 사용, 마크 아몬드의 '퍼비' 가죽 재킷, 데페체 모드의 마틴 고어 등 인물들이 입은 치마, t의 초기 '도미나트릭스' 이미지 등 성별이 구부러지는 것으로 보이는 싱스팝 스타들이 투영한 이미지로 강화됐다.에우리츠믹스의 애니 레녹스.미국에서는 많은 영국 싱스팝 아티스트들이 미국 라디오와 MTV에서 높은 인기를 얻었지만,[141] 이는 영국 싱스팝 아티스트들이 "영어 헤어스타일 밴드" 또는 "아트패그" 음악으로 특징지어지게 되었다.비록 일부 관객들이 명백히 신스팝에 적대적이었지만, 그것은 주류 록 문화의 지배적인 이성애에서 소외된 사람들, 특히 게이, 여성, 내성적인 관객들 사이에서 매력을 얻었다.[141][142]

영향과 유산

1980년대 중반까지, 신스팝은 신시사이저를 주류 대중음악의 주요 악기로 확립하는데 도움을 주었다.[13]그것은 또한 브루스 스프링스틴, ZZ 탑, 반 할렌과 같은 많은 주류 록 공연들의 소리에도 영향을 미쳤다.[145]1980년대 초 일부 DJ들이 라틴 소울, 더블, 랩 음악, 재즈 등에서도 영향을 끼친 대중성이 떨어지는 음악을 만들려고 시도하면서 디스코 후기 댄스 클럽 문화에서 성장한 하우스 음악에 큰 영향을 미쳤다.[146]

후안 앳킨스와 같은 미국 음악가들은 모델 500, 인피니티, 사이보트론 등의 이름을 사용하여 1980년대 중반 디트로이트 테크노의 등장으로 이어진 싱스팝과 펑크의 영향을 받은 일렉트로닉 댄스 음악 스타일을 발전시켰다.[147]1980년대 신스팝의 지속적인 영향은 무아지경을 포함한 1990년대 댄스음악의 다양한 작품에서 볼 수 있었다.[148]Mobb Deep과 같은 힙합 가수들은 1980년대 신스팝 곡을 샘플링했다.리한나, 영국 스타 제이 션, 타이오 크루즈 등 인기 아티스트들과 2집 앨범에 수록된 영국 팝스타 릴리 알렌도 이 장르를 받아들였다.[93][149][150]

아티스트

주요 기사:싱스팝 아티스트 목록

참고 항목

참조

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외부 링크