패션디자인의 역사

패션디자인의 역사는 특히 의복, 신발, 악세사리 뒤에 숨겨진 목적과 의도와 그 디자인 및 건축의 전개에 대해 언급하고 있다. 개인 디자이너들이 운영하는 회사나 패션 하우스를 중심으로 한 현대 산업은 19세기에 찰스 프레더릭 워스와 함께 시작되었는데, 그는 1858년부터 자신이 만든 옷에 자신의 라벨을 꿰맨 최초의 디자이너였다.^[1]

패션은 인간이 옷을 입기 시작하면서 시작되었다. 이 옷들은 전형적으로 식물, 동물의 가죽, 뼈로 만들어졌다. 19세기 중반 이전에는 오트 쿠튀르와 기성복 사이의 분열이 실제로 존재하지 않았다. 그러나 가장 기본적인 여성복은 고객과 직접 거래하는 드레스메이커와 재봉사가 직접 만든 것이다. 가장 자주, 옷들은 무늬를 새기고, 바느질되고, 집안에서 맞춤화되었다. 기성복을 판매하는 상점들이 등장하자, 이 필요성은 국내 업무량에서 제거되었다.

이러한 의복의 디자인은 인쇄된 디자인을 바탕으로 증가하게 되었고, 특히 유럽을 중심으로 유통된 파리로부터는 지방에서도 많은 기대를 받고 있다. 그러면 재봉사들은 이 패턴들을 그들이 할 수 있는 최선의 것으로 해석할 것이다. 그 디자인의 기원은 가장 유행하는 사람들, 보통 법정에 있는 사람들이 그들의 재봉사와 미행자와 함께 고안한 옷이었다. 16세기 이후 프랑스에서 온 의복 인형들의 유통이 있었고 1620년대에 아브라함 보스가 패션 판화를 제작하였지만, 1780년대에 프랑스 판화의 출판이 증가하면서 변화 속도가 빨라졌고, 이어 내각 데스 모드와 같은 패션 잡지가 그 뒤를 이었다. 1800년이 되자, 모든 서유럽인들은 똑같이 옷을 입고 있었다. 지역적인 변화는 처음에는 지방 문화의 상징이 되었고 나중에는 보수적인 농민들의 배지가 되었다.^[2]

20세기 초, 패션 잡지와 로토그라버로 신문들은 사진을 포함하기 시작했고, 훨씬 더 영향력 있게 되었다. 전세계적으로 이 잡지들은 크게 인기가 있었고 대중의 취향에 깊은 영향을 미쳤다. 재능 있는 일러스트레이터인 폴 아이리브, 조르주 르파페, 에르테, 조지 바비에가 패션과 미의 최근 발전을 다룬 이 출판물에 매력적인 패션 플레이트를 그렸다. 아마도 이 잡지들 중 가장 유명한 것은 1912년에 루시엔 보겔에 의해 창간되어 1925년까지 정기적으로 발행된 라 가제트 뒤 본톤이었을 것이다.^[3]

1900년 이전: 쿠튀르 시작

18세기 초, 최초의 패션 디자이너들이 패션의 선두주자로 떠올랐다. 1720년대에는 여왕의 드레스메이커 프랑수아즈 르클레르크가 프랑스 귀족계 여성들에게 인기를 얻었고,^[4] 중세기에는 마리 마들렌 뒤 du트, 마드모아젤 알렉상드르, 르 시우르 보울라르 등이 모두 국민적 인정을 받아 프랑스 귀족계로부터 외국 귀족계층으로 고객층을 넓혔다.^[5] 그러나 로즈 버틴은 일반적으로 국제적으로 유명한 최초의 패션 디자이너로 여겨진다.

'패션의 장관'으로 불리는 로즈 버틴(Rose Bertin, 1747년 7월 2일 ~ 1813년 9월 22일)은 1770년부터 1793년까지 프랑스의 여왕 마리 앙투아네트의 드레스메이커였다. 베르탱은 프랑스 혁명이 그녀를 런던으로 추방할 때까지 파리에서 가게를 열었고 파리 스타일에 상당한 영향을 끼쳤다.^[6]

프랑스 법원의 아웃사이더인 마리 앙투아네트는 베르틴의 치밀한 디자인에 의존해 "원수를 스타일과 격투하도록" 도왔다. 마리 앙투아네트의 남성적인 승마용 바지나 심플한 모슬린 시프트 드레스와 같은 독특한 패션 선호도는 여왕이 프랑스 시민들에게 자신과 그녀의 라이프스타일을 연결시킬 수 있는 페르소나를 만들려고 시도하면서 정교한 가운과 극명하게 대비되었다. 마리 앙투아네트의 시도는 대체로 성공하지 못했지만, 버틴이 패션을 통해 여왕의 표현에 도움을 준 방식은 획기적이었고 따르는 군주들과 루이 히폴리테 르로이 등 그들의 디자이너들에게 선례를 남겼다. 그리고 19세기 초까지 앤 마거릿 랜체스터와 메리 앤 벨과 같은 디자이너들이 사업을 확장하고, 패션 잡지에 그들만의 디자인을 출판하고 있었다.^[7] 19세기 전반기에 마담 비뇽, 마담 빅토리아네, 마담 팔미레와 같은 유행하는 파리 디자이너들은 보통 그들의 고객들이 구매하기로 선택할 수 있는 제품을 독자적으로 디자인하지 않고, 오히려 그들의 고객들의 바람과 협력하여 독특한 것을 생산하기 위해 제품을 만들었다.^[8]

파리에 살고 있는 영국인인 찰스 프레더릭 워스(1825년 - 1905년)는 현대적인 의미에서 최초의 디자이너로 여겨지고 있는데, 대기업은 대부분 익명의 미행자와 재봉사를 고용하고 있다. 전직 휘장수였던 워드의 성공은 고객이 입어야 할 옷을 지시할 수 있는 정도였다. 황후 유제니의 일차 디자이너로 각광을 받은 워스는 왕실의 인맥을 이용해 인지도와 고객을 확보했다. 1853년 2월 1일 나폴레옹 3세가 정장 없이는 그의 궁정에 방문객을 받지 않겠다고 선언한 것은 워스 스타일의 가운의 인기가 압도적으로 높아졌다는 것을 의미했다. 화려한 장식과 최고급 재료로 제작된 워스의 가운은 크리놀린(원피스를 멋있게 잡아주는 케이지 같은 금속 구조)으로 잘 알려져 있다.

20세기 초반에 걸쳐, 고급 패션은 파리에서 시작되었고, 그 정도는 덜하지만 런던에서도 시작되었다.^{[citation needed]} 다른 나라의 패션 잡지들은 파리 패션쇼에 편집자들을 보냈다. 백화점들도 파리 쇼에 바이어들을 보내 복사하기 위해 의류를 구입했다(그리고 다른 사람들의 스타일 라인과 트리밍 디테일을 공공연하게 훔쳤다). 측정용 살롱과 기성복 매장 모두 최신 파리 트렌드를 특색 있게 선보였는데, 이는 그들이 목표로 하는 사람들의 생활방식과 포켓북에 대한 상점의 가정에 적응한 것이다.

1900년대

벨 에포크(1871~1914) 시절 패셔너블한 여성들이 입었던 의상은 패션의 선구자 찰스 워스의 전성기에 입었던 의상과 놀라울 정도로 흡사했다. 19세기 말에 이르러서는 부유한 여성들의 보다 안정되고 독립적인 생활 방식과 그들이 요구하는 실용적인 옷 때문에 패션 산업의 지평이 넓어졌다. 그러나, 벨 에포크의 패션은 19세기의 정교하고 장식된 스타일을 여전히 유지하고 있다. 패션의 변화는 상상도 할 수 없는 일이었기 때문에, 다양한 트리밍을 사용하는 것은 한 시즌에서 다음 시즌까지 구별되는 옷이었다.

눈에 띄는 낭비와 눈에 띄는 소비는 10년 동안의 패션을 규정했고, 그 당시의 쿠튀르족들의 의상은 사치스럽고, 화려하고, 고달프게 만들어졌다. 곡선의 S-Bend 실루엣은 1908년경까지 패션을 지배했다. S-벤드 코르셋은 가슴을 모노보솜으로 앞으로 내밀었고, 패딩의 도움으로 옷 속에 트림을 현명하게 배치했으며, 특히 코르셋과는 완전히 독립된 특정한 자세는 'S' 실루엣의 착각을 불러일으켰다.^[9] 10년이 끝날 무렵 폴 푸아렛은 페티코트나 코르셋을 포함하지 않은 디자인을 선보여 S자형을 패션에서 탈피했다. 이것은 르네상스 시대부터 여성의 웨이스트가 코르셋에 의해 형성되었기 때문에 큰 변화였다. ^[10]

영국의 재단사 존 레든(1820~1895)이 설립한 메종 레든은 여성들에게 남성용 상대방에 기반한 운동복과 맞춤 정장을 제공하는 최초의 패션 하우스였으며, 그의 실용적이고 냉철한 우아한 의상은 곧 잘 차려입은 여성들의 옷장에 없어서는 안 될 존재가 되었다.

1910년대

1910년대 초반에 유행하는 실루엣은 19세기보다 훨씬 더 가볍고 부드러워졌다. 1910년 발렛 루스가 파리에서 셰헤라자데를 공연했을 때 동양주의에 대한 열풍이 뒤따랐다. 쿠투리에 폴 푸아렛은 이것을 패션계에 번역한 최초의 디자이너 중 한 명이었다. 푸아렛의 고객들은 흐르는 판탈롱, 터번, 그리고 이국적인 기모노를 입은 선명한 색깔과 게이샤를 입은 하렘녀로 즉시 변신했다. 푸아렛은 또한 여자들이 하녀의 도움 없이도 입을 수 있는 첫 번째 옷을 고안해냈다.^[11]

이때부터 아트 데코 운동이 나타나기 시작했으며, 그 영향력은 당대의 많은 쿠튀리어의 디자인에서 뚜렷하게 나타났다. 단순한 펠트 모자, 터번, 툴레 구름이 19세기에 유행했던 헤드기어의 스타일을 대신했다. 파리 최초의 여성 쿠투리에로 꼽히는 잔 파킨이 런던, 부에노스아이레스, 마드리드에 해외 지사를 연 최초의 여성 쿠투리에가 이 기간 동안 첫 리얼 패션쇼를 기획한 것도 눈에 띈다.^[12]

당시 가장 영향력 있는 패션 디자이너 중 두 명은 자크 두셋과 마리아노 포르투니였다. 더셋은 파스텔톤의 색상을 레이어드하는 데 뛰어났고 그의 정교한 고사머 드레스는 인상파스트의 반사광의 반짝임을 암시했다. 그의 저명한 고객들은 그의 유체 라인과 얇고 비열한 재료에 대한 맛을 결코 잃지 않았다. 두셋은 쿠투리어의 상상력에 거의 영향을 주지 않는 필수조건에 순종하면서도, 그럼에도 불구하고 엄청난 취향과 차별의 디자이너였으며, 그 이후 많은 사람들이 시도했지만, 두셋의 성공 수준에서는 거의 시도하지 않았다.

베니스에 본사를 둔 디자이너 마리아노 포투니 이 마드라조는 어느 시대에도 거의 비할 바가 없는 호기심 많은 인물이었다. 그는 드레스 디자인을 위해 특별한 주름 공정과 새로운 염색 기법을 구상했다. 그는 색깔로 장식된 긴 옷걸이에 델포스라는 이름을 붙였다. 각각의 의복은 가장 훌륭한 비단 한 조각으로 만들어졌는데, 색조가 달빛을 연상시키거나 베네치아 석호의 묽은 반사를 연상시키는 염료에 반복적으로 담가 얻은 독특한 색이다. 포투니가 사용한 재료로는 브레톤 빨대, 멕시코 코치날, 극동의 인디고가 있었다. 그의 많은 신자 중에는 엘레노라 두세, 이사도라 던컨, 클레오 데 메로데, 마르케사 카사티, 에밀리엔 다알렌손, 리안 드 푸기 등이 있었다.

제1차 세계 대전 동안 옷의 변화는 패션보다는 필요에 의해 더 많이 지시되었다. 일을 강요당하는 여성들이 늘어나면서 새로운 활동에 더 잘 맞는 옷을 요구하기도 했다. 사회적 사건들은 더 긴박한 일을 위해 연기되어야 했고 증가하는 사망자 수, 부상자 방문, 그리고 그 시대의 일반적인 중력은 어두운 색이 표준이 되었다는 것을 의미했다. 편안한 환경에서 젊은 여성들에게는 생소한 새로운 단색상이 등장했다. 1915년까지 유행하는 치마는 발목 위로 올라갔으며 1920년에는 종아리 중간까지 올라갔었다.

프랑스 패션의 황금시대

종종 프랑스 패션의 황금기로 여겨지는 두 세계 대전 사이의 시기는 큰 변화와 개혁 중의 하나였다. 오뜨 쿠튀르는 영화배우, 미국의 상속녀, 부유한 사업가들의^{[citation needed]} 아내와 딸들의 대열에 있는 새로운 고객들을 발견했다.

1920년대

제1차 세계 대전 이후, 패션에 급진적인 변화가 일어났다. 부판트 코퍼스는 짧은 봅슬레이에 자리를 내줬고, 긴 기차가 달린 드레스는 앞이 보이지 않는 곳에 자리를 내줬다. 코르셋은 버려졌고 여자들은 남자 옷장에서 옷을 빌려 입고 남자처럼 옷을 선택했다. 처음에는 많은 쿠튀르족들이 새로운 안드러진 스타일을 채택하기를 꺼렸지만, 그들은 1925년경부터 그들을 완전히 껴안았다. 흉터가 없고 허리가 없는 실루엣이 나타났으며 깃털 보아, 자수, 화려한 액세서리로 공격적인 드레싱이 완화되었다. 플래퍼 스타일(프랑스어로 '가르손'룩으로 알려진)은 젊은 여성들 사이에서 큰 인기를 끌었다. 클로체 모자는 널리 쓰였고 스포츠웨어는 남녀 모두에게 인기를 끌었으며 장 파투와 코코 샤넬과 같은 디자이너들이 스포티하고 운동적인 외모를 대중화했다.

위대한 쿠투리에르 코코 샤넬은 시크하고 진보적인 디자인으로 자석적인 성격으로 잘 알려진 당시 패션계의 주요 인물이었다. 샤넬은 단발머리, 작은 검정 드레스, 그리고 여성복에 저지 니트 사용을 대중화하는데 도움을 주었으며, 의상 보석과 니트의 위상도 높였다.

1920년대의 또 다른 두 명의 저명한 프랑스 디자이너는 잔 랑빈과 장 파투였다. 밀리너로 활동을 시작한 쟌느 랭빈은 어린 딸 마거리트를 위해 이렇게 아름다운 의상을 만들어 사람들이 복사를 요청하기 시작했다. 란빈의 이름은 1901년경부터 패션 연감에 등장하지만, 그녀가 성공의 정점에 도달한 것은 1920년대였다. 란빈 스타일은 복잡한 트리밍과 눈부신 수놓기, 빛나고 투명한 꽃색으로 구슬 장식을 능숙하게 구사하여 결국 란빈의 트레이드마크가 되었다. 1925년까지 랜빈은 스포츠 의류, 모피, 란제리, 남성 패션, 인테리어 등 많은 다양한 제품을 생산했다. 그녀의 패션에 대한 세계적인 접근은 현대 패션의 모든 대형 회사들이 다변화를 위한 노력에서 나중에 채택할 계획을 예시했다.

장 파투의 스타일은 결코 주류가 아니라 독창성으로 가득 차 있었고 특히 미국 시장에서 그의 명성을 얻기 위한 연구된 단순함이 특징이었다. 깨끗한 선과 기하학적, 입체적인 모티브, 고급스러움과 실용성이 혼합된 그의 의복은 야외 생활의 새로운 유행을 만족시키기 위해 디자인되었으며, 현대 스포츠 의복과 현저한 유사성을 지니고 있었다. 그의 스타일에 가장 유명한 옹호자는 전설적인 테니스 챔피언인 수잔 렝글렌이었다.

남성복에서는 특히 미국인들 사이에서는 젊음과 휴식을 강조하는 패션에 비친 격의 없는 분위기가 팽배했다. 과거에는 잘 차려입은 신사의 날에 행사 때마다 특별한 복장이 있었지만, 1920년대 젊은이들은 더 이상 젊음을 드러내는 것을 두려워하지 않고 하루 종일 똑같은 부드러운 양모 양복을 입기 시작했다. 짧은 정장 재킷은 이제 공식적인 자리에서만 입던 과거의 오래된 긴 재킷을 대체했다. 남성들은 일반적으로 니트커버로 알려진 스웨터와 짧은 바지를 포함하여 다양한 스포츠 의류를 이용할 수 있었다. 저녁 복장으로서, 짧은 턱시도는 이제 다소 구식인 것으로 보여지는 꼬리코트보다 더 유행이었다. 슬림한 라인과 헐렁한 핏의 소매, 패딩으로 영국 재단사 숄티가 완성한 런던 컷은 큰 인기를 끌었다.

페어 아일랜드 패턴은 남녀 모두에게 매우 인기 있게 되었다. 당시 힐은 높이가 2인치가 넘는 경우가 많았으며 투톤 신발의 대중화를 도왔다. 살바토레 페라가모와 안드레 페루지아는 신발에서 가장 영향력 있고 존경 받는 디자이너 중 두 명이었다. 루이즈 브룩스, 글로리아 스완슨, 콜린 무어 등 1920년대 무성영화의 많은 스타들이 패션에 상당한 영향을 미쳤다. 1920년대의 경쾌하고 전향적인 패션은 1929년 월가 붕괴 이후 점차 중단되었고, 보다 보수적인 스타일에 굴복했다. 비록 종 모양의 모자는 1933년까지 지속되었지만, 1930년 이후로도 계속 사라지지 않았다.

1930년대

1930년대에 대중들이 대공황의 영향을 느끼기 시작하면서 많은 디자이너들은 위기는 실험할 때가 아니라는 것을 알게 되었다. 패션은 더욱 타협적이 되어 페미니즘의 승리를 보존하는 동시에 섬세하고 안심할 수 있는 우아함과 세련됨을 재발견하고자 했다. 전체적으로 1930년대의 의복은 침울하고 겸손하여 10년대의 어려운 사회경제적 상황을 반영하였다. 여성 패션은 1920년대의 화려하고 대담한 스타일에서 벗어나 좀 더 로맨틱하고 여성스러운 실루엣을 향해 나아갔다. 허리선이 복원되고, 치마가 거의 발목까지 내려갔으며, 흉상에 대한 새로운 감상이 있었고, 등받이가 없는 이브닝 가운들이 인기를 끌었으며, 부드럽고 슬림한 스타일의 데이 드레스가 인기를 끌었다. 여성의 몸을 보다 신클래식적인 모습으로 개조하여 날씬하고 톤이 있으며 운동신경이 유행하게 되었다. 야외 활동을 위한 패션은 쿠튀리어를 자극하여 오늘날 "스포츠웨어"라고 불릴 만한 것을 생산하게 했다. 기성복이라는 용어는 아직 널리 쓰이지 않았지만 부티크에서는 이런 옷을 '스포츠용'이라고 표현했다. 단발머리 헤어스타일 대신 1930년대 표준 여성 헤어스타일은 겸손하고 짧은 파마였다.

1930년대의 가장 유명하고 영향력 있는 두 패션 디자이너는 엘사 스키아파렐리와 마들렌 비오넷이었다. Elsa Schiaparelli는 1929년에 그녀의 첫 번째 수집품을 보여주었고, 즉시 언론에 의해 그 날의 '희귀한 혁신자들 중 한 명'이라고 칭송받았다. 그녀의 흥미진진하고 창의적인 디자인으로, Schiaparelli는 패션의 기초를 산산조각 낼 만큼 패션에 혁명을 일으키지는 않았다. 그녀가 창문에 맨 처음 내놓은 풀오버는 트롬프-릴-릴-백색 활로 검은색으로 짜여져 있다는 센세이션을 불러일으켰다. 시아파렐리는 크리스티안 베라드, 장 콕토, 살바도르 달리와 절친한 친구로, 그녀를 위해 자수 모티브를 디자인하고 주머니용 서랍이 달린 책상 정장, 신발 모양 모자, 파리나 바닷가재로 칠해진 실크 드레스 같은 모델들에게 영감을 공급했다. 컬렉션에 성공하자 파리 전역이 21 Place Vendôme에 있는 그녀의 미용실로 몰려들었다.

마들렌 비오넷은 고대 조각상들에서 영감을 발견하여 그리스 프리즈에서 어울리지 않는 시대를 초월한 아름다운 가운을 만들어냈다. 바이어스 컷의 여왕(직물의 세로 실에 대각선으로 자르는 것)은 과도한 정교함이나 흐트러짐 없이 몸에 맞는 이브닝 드레스를 제작해 유려하고 우아한 라인을 채용했다. 그녀의 완벽한 쉬폰, 실크, 모로코 크레이프는 놀랍도록 침착하고 관능적인 효과를 만들어냈다. 비온넷의 삭감의 비할 데 없는 성공은 1939년 은퇴할 때까지 그녀의 명성을 보장했다.

파리에 살면서 일을 한 최초의 미국 디자이너인 마인보셔 역시 그의 평범하지만 최고로 우아한 디자인으로, 종종 비오넷이 개척한 바이어스 컷을 채용하는 등 영향력이 컸다. 명품 제조업체 에르메스는 1930년대 초 지퍼와 다른 많은 실용적인 혁신을 대중화한 것 외에도 수제 프린트 실크 사각 스카프를 판매하기 시작했다. 10년이 끝날 무렵, 여성 패션은 엘사 스키아파렐리의 영향을 받았을 가능성이 있는 다소 더 당당하고 어깨가 넓은 실루엣을 띠었다. 남성들의 패션은 1차 세계대전 종전 이후 지배해온 비공식적이고 실용적인 흐름을 이어갔다.

20세기 중반

제2차 세계대전 이후 패션의 글로벌 중심지로서의 파리의 명성은 무너지기 시작했다. 패션의 초점을 바꾸면서 1950년대에 새로운 청년 스타일이 등장했다. 서구에서는 상류사회와 노동자 계층의 전통적인 분열이 도전장을 내밀었다. 특히, 새로운 젊은 세대는 붐비는 소비자 사회의 혜택을 얻기를 원했다. 특권은 과거보다 노골적인 광고가 덜 됐고 이견은 더 얼버무렸다. 고대 유럽의 위계질서가 뒤집히면서, 그 구별의 외적 자국이 희미해졌다. 첫 로켓이 우주로 발사될 때쯤, 유럽은 미국 라인을 따라 질 좋은 기성복을 채택할 준비가 되어 있었다. 즉 기성복과 쿠튀르 사이의 중간지대를 차지할 수 있는 것이었다. 간접비와 원자재 가격의 상승이 핸드메이드 패션을 방관하기 시작했기 때문에 이러한 필요성은 더욱 절실했다. 한편, 새로운 기술의 급속한 발전으로 인해 점점 더 발전하고 고품질의 제품을 제조하는 것이 쉬워졌다.

공장에서 만든 패션 기반 제품의 위협에 직면한 파리 패션 쿠튀르는 방어막을 쳤지만 별다른 효과를 거두지 못했다. 구세계가 마지막 인사를 하는 동안, 패션의 변화는 사회 전반의 변화를 가장 잘 보여주는 것 중 하나였다. 머지 않아, 지금까지 오트 쿠튀르의 열등한 대용품으로 제한되었던 여성 계층은 선택의 자유가 크게 확대되는 것을 누리게 될 것이다. 훨씬 더 많은 양을 취급하면서, 생산 주기는 쿠튀르 워크샵의 그것보다 더 길었다. 즉, 2년마다 열리는 컬렉션을 위해 라인을 계획하는 스타일리스트들은 그들의 고객들이 무엇을 원하는지 1년 이상 미리 추측하려고 노력해야 한다는 것을 의미했다. 새로운 권위가 장악되었다. 거리의 그 권위가 쿠튀르 독재정권에 대한 추가적인 위협으로 작용했다.

1940년대

메종비오넷, 메종샤넬 등 2차대전 중 파리 점령기에 문을 닫은 패션하우스가 적지 않았다. 메인보셔를 포함한 몇몇 디자이너들은 영구적으로 뉴욕으로 이전했다. 프랑스 국가가 시행하는 거대한 도덕적, 지적 재교육 프로그램에서는 쿠튀르를 면치 못했다. 멋지고 해방된 파리시엔과는 대조적으로, 비치 정권은 새 정권의 정치적 의제에 훨씬 더 부합하는 인물인 강건하고 운동적인 젊은 여성인 아내와 어머니의 모델을 홍보했다. 한편 독일은 프랑스가 생산한 고급 패션을 포함해 절반 이상을 점유하고 있었으며, 프랑스의 오트 쿠튀르를 베를린과 비엔나로 이전하는 것을 고려하고 있었다. 챔브르 신디칼레 드 라 쿠튀르의 기록 보관소는, 그 결과, 고객 리스트를 포함하여, 압수되었다. 이 모든 것의 요점은 아마도 제3제국의 지배권을 위협하는 독점을 해체하는 것이었다.

어려운 시기 탓에 야회복과 주복 모두 치맛자락이 슬금슬금 위로 올라갔으며, 후자는 가급적 대체재료를 이용해 만들었다. 1940년부터는 군인들에게 천이 필요했고, 다른 모든 사람들에게 그것은 배급되었고, 4미터(10피트) 이하의 천은 코트, 1미터(3피트) 조금 넘는 블라우스는 1미터가 넘는 천이 허용되었다. 어떤 벨트도 폭이 3센티미터가 넘을 수 없었다. 주부부터 디자이너에 이르기까지 모두가 낡은 천을 다시 쓰거나 낡은 옷으로 새로운 스타일을 창조할 수밖에 없었다. ^[13] 오뜨 쿠튀르는 기를 게양하기 위해 최선을 다했다. 유머와 경박함은 점령군에 대항하는 팝스타의 방식이 되었고 쿠튀르는 살아남았다. 일부에서는 부자인 나치의 부인들의 후견인 때문이라고 주장했지만, 기록에 따르면, 일반적인 부유한 파리 시민들은 제쳐두고, 외국 대사의 부인들, 암시장의 고객들, 그리고 살롱의 다른 손님들(독일 여성들이 미노에 불과했던 사람들 중)의 다양한 혼합물이었다고 한다.자크 패스, 매기 로프, 마르셀 로차스, 잔 라파우리, 니나 리치, 마들렌 브람트 등의 패션 하우스에서 문을 열어준 rity)이다.

파마된 헤어스타일은 40년대에는 헤어라인 아랫부분을 따라 단발롤로 진화했지만, 여전히 표준으로 남아 있었다.

점령 기간 동안, 여성이 사치스러움을 과시하거나 야한 옷에 색을 더하는 유일한 진정한 방법은 모자를 쓰는 것이었다. 이 시기에 모자는 종종 종이 조각과 나무 조각들을 포함하여, 버려졌을 재료의 조각들로 만들어졌다. 당대의 가장 혁신적인 밀리너로는 파울린 아담, 시몬 나우데, 로즈 발루아, 르 모니에 등이 있었다.

1940년대 파리의 고립된 상황은 미국인들이 그들 자신의 디자이너들의 독창성과 창의성을 충분히 활용할 수 있게 했다. 제2차 세계대전 당시 베라 맥스웰은 평이하고 단순하게 좌표를 절단한 복장을 선보이며 남성 작업복에 혁신을 도입했다. 보니 캐신은 부츠를 주요 패션 액세서리로 변신시켰고, 1944년에 독창적이고 상상력이 풍부한 스포츠웨어를 생산하기 시작했다. 클레어 맥카델, 앤 클라인, 캐시린은 기성복은 단순한 제2의 베스트가 아니라 현대 여성들이 옷을 입기 위한 우아하고 편안한 방법으로 여겨지도록 하면서 미국 스포츠웨어의 기초를 닦은 주목할 만한 3인조 여성들을 구성했다.

전쟁의 해에는 주트 슈트(그리고 프랑스에서는 자조 슈트)가 젊은 남성들 사이에서 인기를 끌었다.

리타 헤이워스, 캐서린 헵번, 마를렌 디트리히 등 당대 많은 여배우들이 대중 패션에 큰 영향을 미쳤다.

1947년 2월 첫 컬렉션으로 해일을 일으켰다. 이 컬렉션에는 가슴 부분이 강조된 드레스, 작은 웨이스트(또는 "와스프") 그리고 사치스럽게 꽉 찬 스커트가 포함되어 있었는데, 벨 에포크의 스타일과 매우 유사한 방식으로 여성적인 모래시계 형상을 강조하였다. 원단의 화려한 사용과 여성스러운 우아함이 전후 고객들에게 어필했고 디올의 기상천외한 명성을 보장했다. 그 스타일의 순전히 세련됨은 아메리칸 하퍼스 바자회의 전권적 편집자인 카멜 스노우에게 '이것은 새로운 모습이다!'라고 외치게 했다.

1950년대

지속성, 지지와 논리, 그리고 박식한 사회학적 예측 앞에서 비행하면서, 혁명적이고 진보적인 것과는 거리가 먼 1950년대의 패션은 이전 10년보다 더 많이 사용되었다. 1920년대와 1930년대에 진보를 크게 믿었던 사회 전체가 이제는 훨씬 더 신중해졌다. 여성들은 투표권과 직장, 자가용 운전권이 있음에도 불구하고 고급 소재로 만든 드레스를 선택했고, 코르사이드 와이스와 소용돌이 치마가 있는 치마를 칼프 중반까지 입었다. 패션이 과거를 바라보았을 때, 오뜨 쿠튀르는 부활의 어떤 것을 경험했고, 미디어의 급속한 성장으로부터 엄청난 이익을 얻은 수많은 스타 디자이너들을 낳았다.

1950년대 내내, 비록 그것이 마지막이 되겠지만, 전세계의 여성들은 계속해서 파리 오뜨 쿠튀르의 트렌드에 순종했다. 당대 파리 쿠튀리에 중 가장 두드러진 세 사람은 크리스토발 발렌시아가, 휴버트 드 기븐치, 피에르 발맹이었다. 검소한 사치의 왕자 크리스토발 발렌시아가 에사그리는 1930년대 후반에 패션계에 데뷔했다. 그러나, 전후가 되어서야 이 고도로 독창적인 디자이너의 창의성의 전체 규모가 명백해졌다. 1951년 그는 실루엣을 완전히 변형시켜 어깨를 넓히고 허리를 없앴다. 1955년, 그는 튜닉 드레스를 디자인했고, 후에 1957년의 케미즈 드레스로 발전했다. 그리고 결국 1959년 그의 작품은 기모노와 비슷하게 허리 부분이 높은 드레스와 코트가 잘려져 엠파이어 라인에서 절정에 달했다. 직물 디자인과 창조에 대한 그의 숙달은 믿음을 저버렸다. 발렌시아가는 또한 패션 역사상 그의 예술성의 높이를 상징했던 모델들을 디자인하고, 재단하고, 바느질하는 데 그들 자신의 손으로 사용할 수 있는 몇 안 되는 쿠튀르족 중 한 명으로도 유명하다.

휴버트 드 기븐치는 1952년 첫 쿠튀르 하우스를 열고 마음대로 섞이고 매치할 수 있는 분리막으로 센세이션을 일으켰다. 가장 유명한 것은 셔팅으로 만든 그의 베티나 블라우스였는데, 이 블라우스는 그의 톱 모델의 이름을 따서 이름이 붙여졌다. 곧, 로마, 취리히, 부에노스 아이레스에서 부티크가 문을 열었다. 엄청난 취향과 차별을 가지고 있는 그는 아마도 그 시대의 어떤 디자이너보다도, 그가 정의하는데 도움을 준 우아한 자태를 지닌 세계의 필수적인 부분이었을 것이다.

피에르 발메인은 1945년에 자신의 미용실을 열었다. 1952년부터 그의 가장 큰 성공을 경험한 것은 '졸리 마담'이라는 이름의 일련의 컬렉션에서였다. 우아하게 차려입은 이 여성에 대한 발메인의 비전은 특히 파리인이었으며, 오묘한 컬러 조합으로 재단하고 상상력이 풍부한 직물의 조립을 숙달하여 풍만한 가슴과 좁은 허리, 넉넉한 스커트가 돋보이는 '뉴 룩'의 맞춤 매력으로 특징지어졌다. 그의 세련된 고객층은 럭셔리한 우아함과 심플한 테일러링, 그리고 더욱 자연스러운 외모를 가지고 동등하게 집에 있었다. 그의 오트 쿠튀르 작업과 함께, 이 재능 있는 사업가는 Florilege라고 불리는 기성복 제품군을 개척했고 또한 매우 성공적인 많은 향수들을 출시했다.

'뉴룩'을 혐오했던 코코 샤넬의 패션계 복귀도 눈에 띈다. 전쟁 중 그녀의 미용실이 폐쇄된 후, 1954년, 70세가 넘은 그녀는 재기했고, 2월 5일, 그녀는 전 세계 여성들이 채택하고 모방할 수 있는 다양한 아이디어를 담은 컬렉션을 선보였다: 그녀의 유명한 작은 땋은 양복에 금 사슬, 반짝이는 의상 보석, 색상의 실크 블라우스. 정장 라이닝, 날렵한 트위드, 모노그램으로 된 버튼, 평평한 검은 비단 활, 보트, 체인에 달린 퀼트 가방, 그리고 심플함의 경이로운 이브닝 드레스와 털을 매치했다.

높은 패션 디자이너임에도 불구하고, 미국 태생의 메인보셔는 군복과 민간복도 디자인했다. 1952년, 그는 여성성과 기능성을 결합한 여성 해병대 군복의 재설계했다. 이전 재설계에는 1942년 WAVERS(Women Accepted for Reserve Emergency Service)의 유니폼과 1948년 미국 걸스카우트와 미국 적십자사의 유니폼 디자인이 포함됐다.

디올의 '뉴 룩'(47년 초연)은 거들레와 올인원 코슬렛의 인기를 되살렸다. 1950년대 초, 많은 란제리 제조업자들이 그들만의 브랜드를 짓기 시작한 직후, 많은 쿠튀르 하우스는 "창작 의류"에 관심을 가지고 그들만의 라인을 출시했다. 1957년 제인 러셀은 관능미를 극대화하기 위해 하워드 휴즈가 과학적으로 디자인한 '칸틸레버' 브래지어를 착용했다. 1959년 Lycra(원래 "Fibre K"라고 불림)의 발명은 속옷 산업에 혁명을 일으켰고 란제리의 모든 면에 빠르게 편입되었다.

전쟁이 끝난 후, 미국식 룩(넓은 어깨, 꽃무늬 넥타이, 곧은 다리 바지, 긴 칼라가 달린 셔츠로 구성되었고, 종종 안으로 집어넣기 보다는 밖으로 늘어뜨려졌다)은 유럽의 남성들 사이에서 큰 인기를 끌었다. 런던의 일부 제조업체들은 전통주의자들에게 어필하기 위한 타이트한 복고풍 스타일을 채택하면서 남성 패션에 있어서 에드워드풍의 우아함을 부활시켰다. 원래 시내에 있는 존경할 만한 젊은이를 겨냥한 이 모습은 테디 보이 스타일로 대중적인 패션으로 번역되었다. 카라세니, 브리오니, 시포넬리가 대중화한 이 이탈리아 룩은 대서양 양쪽에 있는 우아한 젊은 연인들의 전 세대가 차지했다. 플레이드는 1950년대 남성 패션에 셔츠와 정장 모두 매우 흔했고, 종종 10대 반란의 상징으로 여겨져 학교에서 금지되었던 '덕테일' 헤어스타일도 함께 했다.

1950년대 후반에는 특히 남성 패션에서 덜 격식을 차리지 않는 복장을 지향하는 일반적인 움직임이 있었다. 트렌치코트뿐만 아니라 페도라와 호메부르크 모자는 1920년대 이후 남성복의 표준 부품이었던 후 널리 쓰임으로부터 사라졌다(이러한 경향은 이미 미국의 더 비공식적인 서부 해안에서 몇 년 전부터 시작되었다).

헐리우드의 디자이너들은 미국 영화의 스타들을 위해 특별한 종류의 매력을 창조했고, 마릴린 먼로, 로렌 바콜, 그레이스 켈리 같은 사람들이 입는 의상은 널리 복제되었다. 정량적으로 말하면, 할리우드 영화에서 여배우가 입은 의상은 수천 명이 넘지 않는 사람들이 읽는 잡지에 삽화가 된 쿠튀리에가 디자인한 의상의 사진보다 훨씬 더 많은 관객을 동원할 것이다. 모든 파리 스타일을 추적하려고 노력하지도 않고, 그것의 의상 디자이너들은 시대를 초월하고, 아첨하고, 사진을 유발하는 그들만의 고전주의 버전에 초점을 맞추었다. 속눈썹, 시폰, 모피와 같은 겉보기에 사치스러운 재료를 사용하여, 종종 여배우들이 카메라에서 등을 돌렸을 때나 특별히 놀라운 액세서리를 했을 때 드러나는 드레스 로컷과 같은 몇 가지 인상적인 디테일을 포함한, 그 옷들은 매우 간단하게 잘려졌다. 1930년대부터 1950년대까지 할리우드의 가장 영향력 있고 존경 받는 디자이너는 에디스 헤드, 오리 켈리, 윌리엄 트라빌라, 진 루이스, 트래비스 밴턴, 길버트 애드리안이었다. 10년 동안 매일 입는 여성복은 긴 코트, 작은 베일이 달린 모자, 가죽 장갑으로 구성되었다. 퍼스트레이디 마미 아이젠하워가 즉각적으로 유행시킨 진주 목걸이와 무릎까지 오는 드레스. 짧고 파마된 머리는 그 시대의 표준적인 여성 헤어스타일이었다.

10년 말까지 대량 생산되고, 기성복은 과거보다 훨씬 더 인기를 끌었고, 일반 대중은 유례없는 유행 스타일에 접근할 수 있게 되었다.

1960년대

1960년대까지 파리는 전 세계적으로 패션의 중심지로 여겨졌다. 그러나 1960년과 1969년 사이에 패션의 근본적인 구조에서 급진적인 변화가 일어났다. 1960년대 이후로는, 단 하나의 유행이나 유행은 결코 존재하지 않을 것이다. 그러나 많은 가능성들이 있을 것이고, 이는 사람들의 삶의 다른 모든 분야에서 모든 다양한 영향들과 불가분하게 연관되어 있을 것이다. 역문화 운동과 결합한 번영과 뚜렷한 청소년 문화의 등장은 모두 패션에 큰 영향을 미칠 것이다.

30년간 보수적인 옷 스타일을 유지한 후, 60년대는 여성들이 다시 한번 단발머리와 점진적으로 덜 수수한 옷을 입은 아이 같은 모습을 채택하면서 1920년대로의 일종의 후퇴를 보았다. 10년 초, 치마는 무릎까지 길었지만 1965년 미니 스커트가 등장할 때까지 점점 더 짧아졌다. 10년이 지나자 그들은 스타킹 탑을 훨씬 상회하는 슛을 해, 타이츠로의 전환을 피할 수 없게 되었다.

패션의 많은 급진적인 변화들은 런던의 거리에서 발전했고, 메리 콴트 (미니 스커트를 출시한 것으로 유명한 것으로 알려져 있다)와 바바라 훌라니키 (전설적인 부티크 비바의 창시자)와 같은 재능 있는 디자이너들이 있었다. 파리에는 또한 피에르 카르딘, 안드레 쿠레즈, 이브 생 로랑, 이브 생 로랑, 에마누엘 운가로 등 새롭고 혁명적인 디자이너들의 몫이 있었다.색채의 상상적 사용과 대담한 바로크 대조). 미국에서도 루디 게른레이치(아방가르드와 미래지향적인 디자인으로 유명한)와 제임스 갈라노스(고급스런 기성복으로 유명한)가 젊은 관객들에게 다가서고 있었다. 이들 젊은 패션 디자이너들의 주요 매장은 작은 부티크였는데, 정확히 '원 오프'는 아니지만, 제한된 크기와 색상의 범위에서 소량으로 만들어진 의상이 판매되었다. 하지만 모든 디자이너들이 새로운 스타일과 분위기를 잘 받아들인 것은 아니다. 1965년 코코 샤넬은 무릎 노출에 대한 후위조치에 나섰고 발렌시아가는 여성적이고 보수적인 디자인을 결연히 이어갔다.

당시의 기본 모양과 스타일은 소박하고 단정하며 다듬고 화려했다. 모자는 이미 지난 10년 동안 쇠퇴하기 시작했으며, 지금은 특별한 경우를 제외하고는 거의 완전히 멸종되었다. 낮은 키튼힐은 스티레토스를 대신할 수 있는 꽤 좋은 대체품이었다. 뾰족한 발가락은 1961년에는 끌 모양의 발가락에, 1963년에는 아몬드 발가락에 자리를 내주었다. 플랫 부츠도 1965년 매우 짧은 드레스들로 인기를 끌었고 결국 다리를 들고 무릎에 닿았다.

60년대는 처음으로 봅슬레이, 페이지보이 컷, 벌집을 포함한 인기 있는 헤어스타일이 널리 보급되었다.

1960년대에 두 명의 유명하고 영향력 있는 디자이너는 에밀리오 푸치와 파코 라반느였다. 에밀리오 푸치의 스포츠웨어 디자인과 오피 아트, 사이키델리아, 중세 헤럴드 배너에서 영감을 받은 프린트들은 그를 상류사회의 계층을 훨씬 넘어서는 명성을 얻게 했다. 그의 날렵한 시프트 드레스, 튜닉, 비치웨어는 여성 형태를 해방시키기 위한 운동의 한 부분인 '푸치마니아'를 만들어냈고 그의 디자인은 오늘날 1960년대와 동의어다. 프란시스코 라바네다 쿠에르보(Later Paco Rabanne)는 1966년에 첫 쿠튀르 하우스를 열었고, 처음부터 단호하게 현대적인 디자인을 생산했다. 그는 전통적인 드레스 재료를 사용하는 대신 알루미늄, 로도이드, 고철 조각으로 의복을 만들었다. 그의 디자인은 실험적일 뿐만 아니라 현대의 모험심이 강한 젊은 여성들이 입고 싶어하는 옷과도 밀접하게 조화를 이루었다. 그의 혁신으로는 오랜 실험 끝에 염화비닐을 주형에 뿌려 만든 매끄러운 드레스와 종이와 나일론 실로 만든 저예산 일회용 드레스 등이 있다. 라반느는 또한 흑인 모델들을 사용한 최초의 패션 디자이너였는데, 이것은 그가 Chambre Syndicale de la Couture Parisienne에서 해고되는 결과를 가져올 뻔 했다. 그의 향수 Calandre의 성공은 그의 작품에서 수익성이 떨어지는 영역을 지원하는 데 도움을 주었고, 그의 유토피아주의는 그에게 오트 쿠튀르라는 보수적인 세계에서 독특한 위치를 보장해 주었다.

1960년대 남성복의 주된 변화는 사용된 옷감의 무게였다. 소재의 선택과 제조방법은 무게가 가벼워 전혀 다른 외관을 가진 슈트를 만들어냈는데, 몸의 자연형에 가까운 라인으로 남성들이 자신의 형상을 보다 비판적으로 바라보도록 만들었다. 청바지의 확산은 남성 의장의 급진적인 변화를 가속화하는데 기여했다. 젊은 남자들은 머리를 칼라까지 길러 셔츠에 색감, 꽃무늬까지 더했다. 폴로넥은 넥타이를 교체하는 데 결코 성공하지 못했지만 거친 코듀로이 차림의 노동자의 재킷, 특히 마오 재킷의 채택은 단순한 정치적 발언 이상의 것으로 판명되었다. 피에르 카딘과 안드레 쿠르헤스에 의해 몇 번의 미래주의적 소란이 시작되었지만, 3벌의 슈트는 여전히 온전하게 살아남았다.

1960년대 초에는 유명인사와 패션 디자이너들의 영향력 있는 '파트너십'이 있었으며, 가장 유명한 것은 기븐치와의 오드리 헵번, 올레그 카시니의 재키 케네디였다. 또한, 많은 모델들이 패션에 매우 심오한 영향을 미쳤는데, 가장 두드러진 것은 트위기, 베루슈카, 장 슈림턴이다. 10년 초, 컬롯이 유행했고 마침내 1963년에 비키니가 유행했다. 10년 후반의 히피와 사이키델릭한 움직임도 벨바텀 청바지(영국 양복점 토미 너터가 디자인), 넥타이디와 바틱 원단, 페이즐리 프린트 등 의류 스타일에 큰 영향을 미쳤다.

1970년대

'나'의 10년이라는 별명으로 불리며, '너 자신을 부탁해'는 1970년대의 캐치프레이즈였다. 어떤 사람들은 그것을 좋은 맛의 끝이라고 보았다. 10년은 카프탄, 인도 스카프, 꽃무늬 튜닉으로 1960년대 후반의 히피룩이 계속되면서 시작되었다. 청바지가 닳고 바닥이 종으로 된 채로 남아 있었고, 넥타이 염료가 여전히 인기가 있었고, 유니섹스 패션이 우후죽순처럼 생겨났다. 흑인들의 시민권을 주장하는 거대한 운동이 미국의 소울 음악의 영향과 결합하여 아프리카와 아프리카 문화에 대한 향수를 불러일으켰다. 제임스 브라운, 다이애나 로스, 안젤라 데이비스, 블랙 팬더와 같은 사람들의 영향을 받아, 아프리카 헤어스타일부터 플랫폼 밑창까지 모든 분야에서 급진적인 시크함이 나타났다. 1970년대 동안 브랜드들은 국제 시장에서 그들의 점유율을 크게 증가시켰다. 헴스는 1974년 무릎 아래로 떨어지기 시작해 1977년 마침내 아래쪽 종아리 중간 지점에 도달했고 어깨선이 떨어졌다. 1975년 이후 패션은 깃털이 달린 여성의 머리 모양과 남성용 레저복인 세 벌의 옷을 포함한 "디스코 룩"이 지배하게 되었다. 종으로 된 바지는 10년 내내 인기가 있을 것이다.

아마도 1970년대 가장 혁신적인 두 패션 디자이너는 다카다 겐조와 소니아 리키엘이었을 것이다. 1970년대 파리 패션의 부동의 스타였던 겐조는 서양과 동양인의 영향을 환상적인 조이 드 비비르와 젊은 고객들이 원하는 것에 대한 본능적인 이해에 섞이면서 전 세계에서 영감을 끌어냈다. 유체 라인과 특이한 프린트, 영리한 액세서리, 기성복으로는 유례없는 장신구로 그는 패션계를 발칵 뒤집어 놓았다. 1974년 피겨 여왕 소니아 라이키엘은 자신의 첫 풀오버를 반전 솔기로 디자인했다. 그러나, 그것보다, 그녀는 극도로 개인적이면서도 거의 어디에서나 입을 수 있는 모든 범위의 옷을 만들었다. 유체의 뜨개질 옷, 짙은 흑색, 코뿔소, 긴 보아 같은 스카프, 작은 크로셰 모자가 지배하는 라이켈 스타일은 미국 시장을 정복했고, 오늘날까지도 많은 미국인들이 샤넬의 진정한 후계자로 여기고 있다.

펑크 때문에 런던은 패션에 상당한 영향력을 유지했는데, 1971년 문을 연 비비안 웨스트우드의 부티크 SEX가 대세를 이루며 불었던 킹스로드의 부티크에서 가장 두드러지게 나타났다. 이 영국 우상화 사원은 페티시즘적 부속품들과 검은색 고무와 강철 스터드가 바탕에 깔린 가학성의 외적인 징후인 옷가지들을 중심으로 하고 있다. 본질적으로 펑크 운동은 포스트모더니스트적이고 우상향적인 것으로 그 시대의 경제 불황기의 경제 상황에 대한 직접적인 반응으로, 정치보다는 본능적인 증오의 매개체였다. 펑크는 그 중심에는 무질서를 통한 창조의 표명이 있었다. 그들의 찢어진 티셔츠, 아메리카 원주민 헤어스타일, Doc Martens, 속박 바지, 그리고 체인으로, 펑크들은 전 세계에 혐오감을 수출했다.

또 다른 인기 있는 영국 스타일은 로라 애슐리에 의해 대중화된 단호히 비현대적이고 여성적이며 촌스러운 스타일의 옷이었는데, 그것은 전통적인 꽃무늬 판화에서 긴 주름 치마와 높은 목의 블라우스로 구성되었으며, 숄을 신었다. 로라 애슐리는 1960년대 중반부터 웨일스에서 소규모 사업을 시작했고 1985년 주인이 우연한 죽음을 맞이할 때까지 회사는 계속 확장되었다. 로라 애슐리만이 과거에 향수 어린 표정을 지은 유일한 디자이너는 아니었다. 1920년대, 30년대, 40년대, 50년대를 기반으로 한 패션은 대부와 위대한 개츠비 같은 할리우드 영화와 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에서 열린 수많은 의상사 전시회가 인기를 끌면서 10년 내내 인기를 끌었다. 일본에서, 도쿄의 유행하는 하라주쿠 지역의 부티크들은 영국과 미국의 전통적인 외모를 재작업한 많은 버전들을 팔았다.

미국에서 패션의 일반적인 경향은 단순화와 긴 치마를 지향하는 것이었는데, 비록 많은 여성들이 그들이 나이가 든다고 느끼는 중간 길이에 부정적인 반응을 보였다. 반면 바지는 만장일치의 찬성을 얻었다. 청바지는 1970년대 미국 패션계에서 인정받는 부분이 되면서부터 가장 큰 이득을 얻었으며, 스포츠 의류라는 제목 아래 컬렉션에 포함되면서 새롭게 발견된 존경심을 갖게 되었다. 미국 기성복의 새로운 스타들은 유럽에서 배운 것 중 최고를 거대한 미국 의류 산업에 적용했다. 캘빈 클라인과 랄프 로렌은 거의 동시에 익명성에서 일어나 새로운 세계의 남녀들을 위한 옷을 디자인하는 문제를 다루었다. 1970년대 미국에서 두 개의 반대 운동이 패션을 지배했다. 한편으론 맞춤화된 유니섹스 룩이 있었고, 다른 한편으론 1930년대 화려함이 느껴지는 유동적이고 구조화되지 않은 스타일이었다. 당시 가장 영향력 있는 미국 디자이너 로이 할스턴 그리딕(Halston으로 간단히 알려져 있음)은 후자 부문에 속했다. 뉴욕 현장에서 유명인사의 지위를 획득한 그의 특별한 재능은 특별 행사를 위해 만들어진 의복을 편안함, 자연스러움, 편안함의 개념과 조화시키는 것이었다. 카프탄, 셔츠와이스터, 젤라바, 초경량 시프트 드레스, 반바지와 다리 넓은 바지에 걸쳐 입은 튜닉으로 그는 그 시대의 아이콘이었고, 1977년 개관 후 스튜디오 54의 VIP룸에 단골손님이 되었다.

우아하고 세련된 컷과 흑백의 사용으로 찬사를 받은 제프리 베인은 그가 뛰어나게 획기적으로 간소화된 디자인에서 가장 성공적이었다. 저지, 플란넬, 양모 차림의 그의 영리한 작은 드레스와 잘 다듬어진 정장은 미국 여성들의 지나친 접근을 단념시키는데 도움이 되었다. 1962년 자신만의 레인지를 출시한 빌 블래스는 고객이 원하는 것을 직접 듣기 위해 미국 전역을 여행하는 습관을 길렀다. 당대 가장 인기 있는 디자이너 중 한 명인 그는 고객의 소원을 들어주는 데 거의 너무 성공적이었다. 그의 절제된 스타일과 솜씨는 특히 사업가들과 고위 간부들의 부인들에게 호감을 받았다. Bettey Johnson은 부티크 파라페르날리아의 디자인을 시작했다. 비닐과 금속 천을 사용하고 위트, 상상력, 독립성을 강조하면서 1970년대 뉴욕에는 유례없는 불경정신을 가져왔다.

대중 패션에서, 데이비드 보위나 마크 볼란과 같은 록 가수들이 입는 화려한 록 스타일은 특히 영국에서 매우 영향력이 있었다. 디자이너 엘리오 피오루치는 매우 비슷한 표정을 지었다. 밀라노에서 그의 부티크는 밝은 색상의 고무 부츠, 플라스틱 데이지 샌들, 모조 모피, 팝 아트 영감을 받은 재킷과 같은 것들을 팔았다.

1970년대에 전통적으로 '어려운' 무역의 장식, 의식, 고객 기반을 바꾸려는 목적으로 남성복 부티크가 생겨났다. 1960년대 말에 유행하는 옷을 젊은 남자에게 파는 것은 여전히, 많은 사람들 사이에서는, 그의 남성성에 의문을 제기하는 것과 같았다. 1970년대에 남성들의 외모는 한 세기 동안 그랬던 것보다 더 많이 변했다. 남성 룩에 혁명을 일으킨 많은 패션 디자이너들은 피에르 카딘에게 그들의 혁신 기술인 좁은 어깨, 몸에 꼭 맞는 라인, 넥타이, 인터페이싱, 지퍼업 보일러 슈트, 웨이스트 재킷이나 튜닉, 때로는 셔츠가 없다. 작업복은 덜 격식을 차리지 않는 스타일을 위해 영감을 주었고, 예를 들어 디자이너들이 전통적인 정장을 넘어 볼 수 있도록 격려해주었으며, 유니섹스 룩을 채택하거나, 중고 옷의 대량 공급을 조사하도록 했다. 때때로 종종 '하이피'라고 비난 받는 이런 종류의 남성 복장은 의도적인 외모로 공식적인 인정을 받았다. 특정한 다른 때, 복고 운동의 일환으로, 디자이너들은 1930년대 우아함의 부활을 소개했다. 낡은 군복, 가급적 카키색이나 미국에서 나온 것, 영국식 신발, 옥스퍼드 셔츠, 깨끗한 티셔츠, 어깨에 패드를 댄 트위드 재킷, 밝은 색의 브이넥 스웨터, 목에 걸치는 캐시미어 프린트 스카프 등 모두 남성 옷장의 캐주얼 비트닉룩에 일정한 균일성을 부여했다. 1970년대 말

또한 이 기간 동안 일어난 이탈리아 패션의 발전도 중요하다. 1970년대 들어 기성복 산업의 결과, 밀라노는 국제 패션의 중심지로서 파리에 이어 2위라는 위상을 확인하였다. '알타모다'는 쿠튀르족 발렌티노, 카푸치, 쇤의 근거지인 로마를 선호했다. 반패션적 이탈리아 풍조에 편승한 것은 파리 오뜨 쿠튀르의 지시와는 전혀 상관없는 매력을 선사했다. 명확히 정의된 스타일에서 이득을 보는 반면, 이탈리아 패션은 고급스러웠고 입기 쉬웠다. 당시 가장 영향력 있는 두 명의 이탈리아 패션 디자이너는 아마도 조르지오 아르마니와 니노 세루티였을 것이다. 조르지오 아르마니는 1975년에 첫 여성용 컬렉션을 제작했다. 처음부터 이 선은 역동적이고 도시적이며 절제되어 있으며 영감이 풍부했다. 아르마니는 절제된 스타일을 제공했는데, 이제는 직업 세계에 접근하고 그 안에서 점점 더 많은 고위직들을 차지하고 있는 여성들의 증가하는 인구에 크게 어필했다. 이것은 1981년 엠포리오 아르마니가 출범하면서 결실을 맺은 엄청난 경력의 시작에 불과했다. 1957년 니노 세루티는 밀라노에서 남성복 부티크 히트맨을 열었다. 취향과 분별력이 있는 남자인 그는 1976년 여성들을 위한 첫 번째 컬렉션을 선보였다. 2년 후, 그는 첫 향수를 시작했다. 성공한 산업가의 경력과 고급 디자이너의 경력을 연결시키는 데 있어서, 세루티는 이탈리아 기성복 분야에서 독보적인 위치를 차지하였다.

20세기 후반

20세기 후반에 패션은 빠르게 국제 경계를 넘나들기 시작했다. 인기 있는 서양 스타일은 전 세계적으로 채택되었고, 서양 외의 많은 디자이너들은 패션에 지대한 영향을 끼쳤다. 라이크라/스판덱스, 비스코스 등의 합성 소재가 널리 쓰이게 되었고, 20여 년의 미래를 내다본 패션은 다시 한 번 영감을 얻기 위해 과거로 눈을 돌렸다.

1980년대

1980년대 사회는 더 이상 스스로를 소비주의자라고 비난하지 않고 오히려 '관상'에 관심을 가졌다. 그 10년의 자각적인 이미지는 결코 그렇게까지 되지 않았던 패션 업계에 매우 좋았다. 패션쇼는 미디어에 포화상태에 이른 장관으로 바뀌었고, 사회 달력에서 높은 우선순위를 차지하면서 TV로 자주 방영되었다. 외모는 성과 관련된 것으로, 권력욕구와 관련된 부분을 보고 싶어하는 젊은 도시 전문가 세대에게 가장 중요한 것이었다. 최신 스타일과 연관된 남녀의 방식은 더 이상 수동적인 복종에 관한 문제가 아니라 디스코 음악은 연관된 의상 스타일과 함께 10년이 시작되면서 급속도로 인기를 잃었다. 1982년이 되자 1970년대 패션의 마지막 흔적이 사라졌다.

1980년대에 숭어는 남성들의 표준 헤어스타일이 되었고 여성들은 두 가지 모두에 많은 변화가 있었지만 큰 사각형 퍼머를 뽐냈다. 점프슈트는 여성복의 인기 요소가 되었고 남성에게는 스키니 넥타이, 감싼 선글라스가 인기를 끌었다. 또한 80년대에는 에어로빅이 유행하여 스판덱스 레깅스와 머리띠를 유행시켰다.

그 시대의 외모를 가장 잘 정의한 두 명의 프랑스 패션 디자이너는 한 남자와 아제딘 알라이아였다. 극장에서의 초기 경력에 강한 영향을 받은 티에리 무글러는 할리우드 복고주의와 미래주의를 결합한 패션 디자인을 제작했으며, 엉덩이가 둥글고 어깨가 날카롭게 강조되었으며 은하계 여주인공의 약간의 힌트를 주었다. 머글러의 화려한 드레스는 놀라운 성공이었고 히피 시대의 완전한 종말과 구조화되지 않은 실루엣을 의미했다. 경외심을 불러일으키는 조합으로 잘 알려진 아제딘 알라이아는 1980년대 여성의 실루엣에 큰 영향을 미쳤다. 이전에는 오트 쿠튀르에만 알려져 있던 온갖 기법의 대가였던 그는 스판덱스나 비스코스 같은 많은 새롭고 활용도가 낮은 재료로 실험을 했다. 알라이아의 외모의 마무리와 단순함, 순전히 섹시함이 모든 세대의 여성들을 그의 유혹적인 스타일과 동일시하게 만들었고, 1980년대 동안 그는 어떤 영광을 얻었고 자신의 직업에 종사하는 구성원들로부터 높은 존경을 받았다.

또한 그 시대의 매우 전형적인 디자인을 창조한 것은 종종 가죽으로 만들어진 당차고 넓은 어깨의 디자인이 티에리 무글러의 미래 우주에서 어울리지 않았을 클로드 몬타나, 그리고 휘날린 치마, 수놓은 코르셀, 부스럼으로 오트 쿠튀르의 세계를 충격파를 보낸 크리스티안 라크로이스가 있었다. 그리고 플라멩코의 리듬을 불러일으킨 폴카로 장식된 크리놀린.

많은 유망한 신인들이 1980년대에 패션계에 진출했다. 한때 파투에서 일했던 비범한 기술자 안젤로 탈라치는 '손수건' 드레스로 언론과 고객 모두를 홀렸다. 네모난 천으로 만들어진, 그것들은 여러분이 그것들을 입으러 왔을 때, 처음에 나타났던 것보다 훨씬 더 복잡하게 바뀌었다. 1980년대의 많은 파리 시민은 그의 드레스에 의해 활기를 띠었는데, 이 모든 것은 칼질과 바느질이 최소한으로 유지되는 유동적이고 독창적인 스타일로 되어 있었다. 섹시한 스타킹과 레이스의 여왕 찬탈 토머스는 매혹적인 속옷과 잠옷처럼 보이는 이브닝 가운으로 헌신적인 팔로워상을 받았다. 가이 폴린은 엄격하고, 평범하고, 깔끔하지 않은 외모를 뽐낸 최초의 디자이너 중 한 명이었다. 그의 의복은 그 비율의 고전적이었고 편안함과 소박함을 위해 만들어졌으며, 그 조화로운 선은 은은한 색채와 고운 재료로 보강되었다. 조셉은 자신의 이름으로 클래식한 라인을 따라 고급스러운 니트를 디자인해 중성 색상의 헐렁하고 섹시한 의류를 연출했다. 오랫동안 제트기 세트의 가장 우아한 멤버 중 하나로 여겨졌던 캐롤리나 에레라는 1981년 자신과 같은 여성을 겨냥한 일련의 컬렉션을 출시했는데, 품질과 매력적인 이브닝 드레스의 흠잡을 데 없이 잘린 옷을 특징으로 한다.

가와쿠보 레이, 야마모토 요지 등 일본 디자이너들이 당시 유행했던 패션 이미지와 함께 완전 결별을 알리는 룩을 선보였다. 납작한 구두, 화장을 하지 않는 것, 유보적인 것, 겸손한 것, 비밀스러움이 이 현대적인 룩의 특징이었다. 결국, 유럽의 고대 유적지가 20세기 말, 옷의 모양에 영향을 끼친 이 패션의 무정부주의자들에 의해 재방문되면서 과거의 패션에서 나온 세부사항들이 포함되기 시작했다.

미국 패션에서 도나 카란의 매력적이고 달라붙는 스타일과 랄프 로렌의 캐주얼한 세련미가 큰 영향을 미쳤다. 뉴욕 사교계의 스타인 도나 카란은 미국 기성복을 압도하는 심각하고 냉정한 색상의 캐주얼한 룩에 매우 개인적인, 여성적인 접근을 가져왔다. 1984년 자신의 레이블을 세운 그녀의 디자인은 절제된 그녀의 옷의 사치를 크게 높이 평가한 활동적인 도시 여성들 사이에서 즉각적인 인기를 얻었다. 1971년 랄프 로렌은 비벌리 힐스에서 남녀 모두를 위한 부티크를 열었다. 보통의 미국인들이 감당할 수 있는 가격대의 그의 귀족적인 스타일은 센세이션을 일으켰다. 모든 종류의 전위적인 패션에 직면한 엘리트들에게, 그것은 랠리 포인트를 나타내었고, 활동적인 삶을 위해 채택된 고전적인 외모를 지지했다. 미국 기성복 중 1위인 로렌은 운동복과 청바지로 똑같이 성공을 거두었고, 그로 인해 그는 가능한 한 광범위한 사회 계층과 연령층에 도달할 수 있었다.

미국 스포츠웨어의 새로운 물결의 성공의 중심에는 1978년에 설립된 페리 엘리스라는 라벨이 있었는데, 이 라벨은 색과 천연섬유를 기본에 있는 우아한 변주곡에 크게 유리하게 사용하였다. 노마 카말리는 스웨터, 레오타드, 머리띠, 다리 워머로 만든 짧은 치마를 입고 조깅을 유행처럼 보이게 했다. 카말리는 또한 인기 있는 '라라 스커트'를 만들었다. 또 주목할 만한 것은 1980년대에 믿을 수 없는 수준의 거리신장을 달성한 아디다스 스포츠 레이블이 1986년 싱글 'My Adidas'를 발매하기 위해 힙합 그룹 Run DMC를 선동하면서 극도의 인기를 얻었다는 점이다. 전설적인 신발 디자이너 마놀로 블라닉도 1980년대에 유명해졌다.

80년대 들어 피었던 유행의 다양성은 1990년대 초반에 접어든 경기침체로 인해 축소되어 패션산업에 너무나 유리한 낙관적 분위기를 크게 무너뜨렸다.

1990년대

1990년대에는 더 이상 슬라브식으로 패션에 따르는 것이 할 일이 아니었는데, 이것은 1970년대와 1980년대와는 확연히 대조된다. 저속한 옷차림에 대한 공포는 결국 지나친 옷차림에 대한 두려움으로 완전히 뒤바뀌었다. 1990년대의 패션은 새로운 기준, 미니멀리즘을 중심으로 뭉쳤고, 스타일은 삭막하게 단순화되었다. 예쁜 드레스에 깃발을 꽂아두려는 소수의 디자이너들의 최선의 노력에도 불구하고, 10년이 지나자 겉치레 같은 장신구라는 개념은 사실상 사라졌다. 제품의 스타일링뿐만 아니라 미디어에서의 홍보가 제품의 성공과 이미지에 결정적이 되었다. 10년 동안의 재정적 압박은 새로운 인재의 발전에 파괴적인 영향을 끼쳤고 더 많은 기성 디자이너들이 누리는 자율성을 줄였다.

20세기 말 패션은 패션이 이전에는 수용하지 않았던 주제들을 다루었다. 이러한 주제에는 강간, 장애, 종교 폭력, 죽음, 신체 개조 등이 포함되어 있었다. 1980년대의 화려한 팜므파탈을 겨냥한 섹시한 스타일에서 극적인 일탈이 있었고, 낭만적 빈곤의 비전으로 취한 많은 디자이너들은 화장을 하지 않은 얼굴로 삭막하고 비뚤어진 냉정한 팔레트를 입은 가난에 찌든 웨이프의 스타일을 채택했다. The Gap, Banana Republic, Eddie Bauer와 같은 기성복 소매상들의 옷이 패션의 선두에 서서, 단순히 편안하고 착용 가능한 옷을 원하는 여성들의 니즈를 간신히 공략했다. 1960년대와 1970년대에 영감을 받은 복고풍의 의복은 1990년대의 대부분에서 인기가 있었다.

이탈리아의 유명한 패션 하우스인 구찌는 구치오 구찌에 의해 1921년에 만들어졌으며, 원래 고급 가죽 제품을 판매하는 회사였다. 구치오 구찌의 자녀들 밑에서 1960년대 말까지 라벨은 뚜렷이 라틴어적인 매력을 지닌 수많은 제품들로 확대되었다. 그러나 1990년대에 들어서야 구찌 상속인들이 사업회복을 계획한 인베스트먼트사에 회사의 지배권을 내주면서, 오늘날에 와서 누리는 일종의 성공을 진정으로 즐기기 시작했다. 1994년 무명의 디자이너 톰 포드를 디자인 디렉터로 고용한 이 패션 하우스는 그의 세련되고 충격적인 컬렉션, 남녀를 위한 향수, 개혁된 부티크, 광고 캠페인으로 해일을 촉발시켰기 때문에 큰 명성을 얻었다. 1998년 구찌는 유럽 경제 프레스 연맹에 의해 "올해의 유럽 회사"로 선정되었다.^[14] 비즈니스에 따르면 현재 2006년 전세계에서 70억 달러의 매출을 올린 LVMH 다음으로 많이 팔리는 패션 브랜드다.주간지.^[15]

1990년대에 디자이너 레이블 프라다는 패션 산업에서 진정한 창조력이 되었다. 밀라노 회사는 구찌 2년 뒤인 1923년에 처음 설립되었으며 구찌와 마찬가지로 고급 신발과 가죽을 판매하는 회사였다. 이 회사 설립자의 조카인 미우치아 프라다는 화려한 사치보다 절제된 표현을 선호하는 특권층 젊은 여인에게 어울리는 섬세하고 유선형이지만 의심할 여지 없이 고급스러운 스타일로 명성을 얻으며 기성복 패션을 생산하기 시작한 것은 1980년대까지이다.

미국에서 당대의 가장 영향력 있는 패션 디자이너들 중 세 명은 마이클 코어스, 마크 제이콥스, 캘빈 클라인이었다. 마이클 코스는 1980년에 자신의 사업을 시작했다. 그러나 1990년대에 이르러서야 이 디자이너는 인기의 절정에 이르렀다. 트렌드에 대한 그의 지식과 의식은 그가 단순하게 잘 다듬어진 옷을 만들 수 있게 해주었고, 세련미와 우아함은 미니멀리스트적 시크함으로 새로운 유행에 끌리는 완전히 새로운 부류의 미국 고객들에게 어필했다. 마크 제이콥스는 과거 많은 미국 패션 디자이너들과 달리 유럽적 의미의 디자이너로서 대량생산된 의류의 코디네이터가 아니었다는 점에서 그 시대의 가장 주목할 만한 미국 디자이너 중 한 명이다. 당시 패션업계에서 가장 유망한 인재 중 한 명이었던 LVMH(Louis Vuitton-Moet Henessy) 그룹은 그에게 1990년대 후반에 수하물 전문가 루이비통의 환류성을 보완하기 위해 기성복 라인을 디자인하는 일을 제안했다. 세계 시장의 세계화를 예상한 최초의 패션 디자이너 중 한 명인, 이미 잘 알려진 디자이너 캘빈 클라인은 그의 패션, 향수, 액세서리를 미국 전역뿐만 아니라 유럽과 아시아에서 판매하기 시작했으며, 그에 필적할 만한 성공을 거두었다. 뛰어난 예술 감독인 클라인은 에로티시즘으로 색칠된 이미지를 담은 정성들여 제작한 광고를 이용해 정교하게 기능한 대량 생산 디자인을 홍보해 1990년대 도시 청년들에게 큰 인기를 얻었다.

'앤트워프 식스(Antwerp Six)'로 알려진 디자이너 그룹(모두 1980년대에 처음 등장한 앤트워프 왕립미술원 졸업생들이라는 이유로 그렇게 이름 붙여졌다)이 1990년대에 두각을 나타냈다. 이 그룹의 가장 영향력 있는 세 명은 앤 드멜미스터, 드리스 반 노튼, 그리고 월터 반 베이렌던크였다. 1991년 그녀의 첫 번째 컬렉션에서 나온 Ann Demeulemester는 많은 자신감과 창의성을 보여주었다. 자연스럽게 절제된 표현에 치우친 그녀는 모순에 대한 자신의 디자인을 구축해, 자신의 유동성과 유선형의 패션에 대조적인 요소들을 도입해, 무엇보다도 옷을 입은 여성들에게 자신의 비위를 맞추도록 호소했다. 드리스 반 노텐의 작품은 젊은 디자이너가 매우 개인적인 스타일로 환상의 세심한 손길을 가미해 준 테일러링 기술의 탄탄한 숙달에 바탕을 두고 있다. 클래식과 독창성을 겸비한 그의 패션은 슬라브적인 유행보다는 개성을 표현하는 것을 선호하는 사람들에게 어필했다. 1995년 패션계에 등장한 월터 반 베이렌던크는 자신의 레이블 W&LT(Wild and Teacle Traffic)로 미래지향적인 디자인을 제작했다. 아주 최신 기술에 의해 개발된 직물을 일부러, 격렬하게 대조되는 색상으로, 그는 가성비린적인 사춘기 유머를 만지는 에로틱하고 사도마조히즘적인 참조가 가득한 옷을 생산했다. 그의 매우 독특한 접근법은 반패션의 부활과 관련이 있지만, 이번에는 그 기원에 대해 조금도 민족성이 없는 반패션으로, 그 대신 그러한 고취적인 도발의 표시에 영감을 준 공상과학 소설에 바탕을 두고 있다.

이탈리아에서는 찬란하고 섹시하며 화려한 디자인으로 지아니 베르사체(Gianni Versace)를, 슈퍼페미닌과 환상적인 스타일의 돌체앤가바나는 1990년대 대부분 동안 지배했던 진지하고 냉철한 패션에서 탈피했다. 영국 디자이너 비비안 웨스트우드는 1990년대 초반에 많은 영향력 있고 인기 있는 컬렉션을 제작했는데, 여기에는 18세기 궁인들과 사데 후작에게서 영감을 받은 의상들이 포함되어 있으며, 엉덩이가 둥글고 코르셋이 있으며, 플랫폼 굽이 있다. 런던에 본사를 둔 디자이너 리파트 오즈벡도 특히 뉴욕과 밀라노에서 인기가 있었다. 인도와 아프리카, 그리고 모국인 터키에 대한 언급과 역사적 의복을 교묘하게 혼합한 그의 젊은 스타일은 당시 가장 히피스트 나이트클럽과 더욱 황당한 길거리 패션을 연상시켰다. 랩 음악은 1990년대 초중반 대중 패션과 스트리트 패션에 큰 영향을 미쳤다. 힙합 추종자들은 미국 감옥에서 입는 것과 유사한 거대한 헐렁한 청바지를 입었는데, 커다란 무늬가 있는 셔츠와 무거운 검은색 구두가 있었다. 스포츠 레이블 나이키는 큰 인기를 끌었고, 스포츠웨어에는 라이크라/스판덱스 등의 소재가 점점 더 많이 사용되었다. 샤넬과 같은 일류 쿠튀르 하우스조차도 그들의 수집품에 가짜 털과 천연섬유를 도입하도록 한 환경 인식과 동물 권리 증가는 가짜 모피와 천연섬유를 도입한다.

참고 항목

참조

11. ^허그, 조앤. "가제트 두본톤: 1912-1925." 빅토리아나 매거진. 2018년 6월 13일 회수

추가 읽기

• "Fashion History Timeline". Fashion Institute of Technology, State University of New York.
• Breward, Christopher, The Culture of Fashion: 패션의 새로운 역사, Manchester: 맨체스터 대학 출판부, 2003, ISBN 978-0719041259
• 콜, 다니엘 제임스, 낸시 데이힐, 런던 현대 패션의 역사: 로렌스 킹, 2015, ISBN 978-1780676036
• 홀랜더, 앤, 옷을 통해 본 버클리: 캘리포니아 대학교 출판부, 1993, ISBN 978-0520082311
• 홀랜더, 앤, 섹스 앤 정장: 현대 의상의 진화, 뉴욕: Knopf, 1994, ISBN 978-0679430964
• 홀랜더, 앤, 눈 먹이주기: 에세이, 뉴욕: 파라, 스트라우스, 그리고 1999년 ISBN 978-0374282011
• 홀랜더, 앤, 시각의 직물: 런던, 회화의 옷과 휘장: 국립 갤러리, 2002, ISBN 978-0300094190
• 카와무라, 유니야, 패션-올로지: 패션학, 옥스퍼드, 뉴욕: 버그, 2005, ISBN 1-85973-814-1
• 리포베츠키, 길레스(캐서린 포터 번역), 패션의 제국: 드레싱 현대 민주주의, 우드스톡: 프린스턴 대학교 출판부, 2002, ISBN 978-0691102627
• Martin, Richard (1998). American Ingenuity: Sportswear 1930s-1970s. New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 0870998633.
• Martin, Richard (1994). Madame Grès. New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 9780870997273.
• McDermott, Kathleen, Style for All: 왜 왕들에 의해 발명된 패션이 이제 우리 모두의 것이 되었는가(그림의 역사), 2010년 ISBN 978-0-557-51917-0 — 수작업으로 그린 컬러 일러스트, 광범위한 주석을 단 서지학 및 독서 가이드
• 페로트, 필리프 (리차드 비엔베누 번역), 부르주아 패션: 19세기 의류 역사, 프린스턴 NJ: 프린스턴 대학 출판, 1994, ISBN 978-0691000817
• Przybyszewski, Linda (2016). The Lost Art of Dress: The Women Who Once Made America Stylish. Basic Books. ISBN 978-0465066865.
• 스틸, 발레리, 파리 패션: 문화 역사(2판, 개정, 업데이트), 옥스퍼드: 1998년 버그, ISBN 978-1859739730
• 스틸, 발레리, 50년 패션: 지금까지 새로운 모습, 뉴 헤이븐: 예일 대학교 출판사, 2000, ISBN 978-0300087383
• 스틸, 발레리, 디트로이트 의류 패션 백과사전: 톰슨 게일, 2005년