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톤 군집

Tone cluster
피아노 톤 군집의 예.상위 직원의 클러스터인 C♯ D♯ F♯ G♯은 4개의 연속된 검은색 키이다.손을 겹쳐서 연주되는 마지막 두 개의 막대는 더 촘촘한 군집이다.

톤 클러스터(tone cluster)는 음계의 최소 3개의 인접 음색으로 구성된 음악적 화음이다.원형 톤 클러스터는 색도 척도를 기반으로 하며 세미톤으로 구분된다.예를 들어, 세 개의 인접한 피아노 키(예: C, C♯, D)가 동시에 타격되면 음조 군집이 생성된다.톤 군집의 변형에는 인접 톤으로 구성된 화음이 음조, 음조, 음조 또는 음조로 구분된다.피아노에서 그러한 클러스터는 종종 이웃한 흰색이나 검은색 키의 동시 타격이 수반된다.

20세기 초에는 래그타임 아티스트인 젤리 롤 모튼과 스콧 조플린의 작품을 개척하는데 있어 음색 군락이 중심적인 역할을 했다.1910년대에 작곡가-피아니스트-피아니스트인 레오 오렌슈타인과 헨리 코웰이라는 두 고전 전위주의자가 음색 군락을 처음으로 광범하게 탐구한 것으로 인정받았다.같은 기간 동안 찰스 이브스는 그것들을 1920년대 후반이나 1930년대까지 공개적으로 공연되지 않은 몇 편의 작곡에 고용했다.벨라 바르토크 같은 작곡가와 후에 루 해리슨과 칼하인츠 슈톡하우젠 같은 작곡가들이 음조의 지지자가 되었는데, 이 음조는 20세기, 21세기 많은 고전 작곡가들의 작품 속에 특징지어진다.톤 클러스터는 세실 테일러와 매튜 쉬프 같은 자유 재즈 뮤지션들의 작품에도 중요한 역할을 한다.

대부분의 서양 음악에서 톤 클러스터는 불협화음으로 들리는 경향이 있다.클러스터는 3개 이상의 음을 동시에 재생할 수 있는 거의 모든 개별 악기와 대부분의 악기 그룹 또는 음성으로 수행될 수 있다.키보드 악기는 여러 음을 함께 연주하는 것이 비교적 쉽기 때문에 특히 음조 군집의 연주에 적합하다.

음악 이론과 분류

현대식 키보드는 흰색 키에 이음계 음계를, 검은색 키에 오음계 음계를 재생하도록 설계됐다.색채 척도는 둘 다 포함한다.바로 인접한 3개의 키가 기본 색조 군집을 생성한다.

시제품 톤 클러스터는 색도 척도의 3개 이상의 인접 음의 화음, 즉 3개 이상의 인접 음이 각각 세미톤으로 분리되어 있는 화음이다.이음계 및 오음계 저울에 기초한 3음계 스택도 엄밀히 말하면 톤 클러스터다.그러나 이러한 스택은 색조의 반음차보다 큰 음표 사이의 간격을 포함한다.이는 키보드에서 쉽게 볼 수 있으며, 각 키의 피치가 다음 키와 한 개의 세미톤으로 구분된다(검은 키보드의 가장자리로 확장된 것으로 시각화).디아토닉 음계 - 흰 키에 컨벤션적으로 연주되는 음계 - 오직 두 개의 반음 간격만 포함하며, 나머지는 완전한 음색이다.서양의 음악 전통에서, 오순절 음계(검은색 키로 표현)는 전적으로 세미톤보다 큰 간격으로 만들어진다.따라서 해설자들은 이음계 및 오음계 스택이 척도에서 4개 이상의 연속 음표로 구성될 때만 "음향 군집"으로 식별하는 경향이 있다.[1]표준적인 서양 고전 음악 연습에서, 모든 음운 클러스터는 분음 화음으로 분류할 수 있다. 즉, 그것들은 사소한 초(세미톤의 중간), 주요한 초(세미톤의 중간), 또는 특정한 오순절 성단의 경우, 증강 초(세미톤의 중간)로 구성된다.인접한 미세 톤의 투구 스택도 톤 클러스터를 구성한다.[2]

열세 번째 화음이 한 옥타브로 무너지면 불협화음 군집이[3] 된다.

음치 군집에서는 음을 완전하고 일제히 울리며, 악카투라 등을 수반하는 장식적인 인물과 구별된다.그들의 효과는 또한 다른 경향이 있다: 조화와 멜로디 사이의 조화나 관계에 관심을 끌기 위해 장식을 사용하는 경우, 톤 클러스터는 대부분 독립적인 소리로 사용된다.정의상 클러스터를 형성하는 노트는 동시에 울려야 하지만, 동시에 울리기 시작해야 한다는 요구사항은 없다.예를 들어, R에서. 머레이 샤퍼의 합창 달빛 비문(1968년)은 각 합창단 부분(소프라노/알토/텐노/바스)을 4부분으로 나누어 음조 클러스터를 구성한다.16개 부분 각각이 별도로 들어가며, 16개 부분 모두가 성단에 기여할 때까지 앞의 부분에서 흥얼거리는 노트보다 한 개의 반음절 낮은 음을 흥얼거린다.[4]

고조파 시리즈의 네 번째 옥타브까지 연속 고조파는 점점 더 작은 초를 형성한다. 다섯 번째 옥타브 고조파(16–32)

음색 군집은 일반적으로 불협화음 음악적 질감으로 생각되어 왔고, 심지어 그렇게 정의되었다.[5]그러나 앨런 벨킨이 지적한 바와 같이, 기악 음색은 그들의 효과에 상당한 영향을 미칠 수 있다: "클러스터는 장기에 대해 상당히 공격적이지만 현에 의해 연주될 때 엄청나게 부드러워진다(아마 후자의 경미하고 연속적인 음조의 변동은 약간의 내적 이동성을 제공하기 때문이다)"[6]헨리 코웰은 이 주제에 대한 그의 첫 번째 출간된 연구에서 음의 군집은 "더 즐겁고" "외부의 한계가 자음 간격을 형성한다면 귀에 받아들여질 수 있다"[7]고 관찰했다.코웰은 "일명 불협화음의 자연스러운 간격은 7초와 9초가 아니라 오버론 시리즈에서와 같이 초와 같다"고 설명한다.특히 동일한 오버톤 시리즈에서 낮은 곳에서 가져온 기본 화음 음과 함께 재생되는 경우, 초 단위로 간격을 둔 그룹은 듣기 좋게 들릴 수 있다.그것들을 함께 섞어서 귀에다 설명하시오."[8]톤 클러스터는 또한 소음으로 간주되어 왔다.마우리시오 카겔의 말처럼 "클러스터는 일반적으로 음과 소리의 전환으로서 일종의 반조화(反朝化)로 사용되어 왔다"[9]는 것이다.그러므로 톤 클러스터는 또한 그들 스스로 토론적인 방법으로 사용할 수 있게 해준다.역사적으로 그들은 때때로 경멸하는 기색을 보이며 논의되었다.1969년 한 교과서는 음조 군집을 "초고화음의 군더더기"[10]로 정의하고 있다.

표기 및 실행

헨리 코웰의 피아노용 음색 군집 표기법 예

코웰은 1917년 작 "마나누나의 조수"에서 피아노와 기타 키보드 악기의 음색 군락을 위한 새로운 표기법을 소개했다.이 표기법에서는 한 줄 또는 한 쌍의 선으로 연결된 클러스터의 상단 및 하단 노트만 표시된다.[11]이것은 오른쪽 이미지에서 볼 수 있는 솔리드 바 스타일로 발전했다.여기서 첫 번째 화음(D에서2 D까지4 두 옥타브)은 스태프 아래의 자연 기호로 표시된 이음(일명 백음) 군집이다.두 번째는 평평한 기호로 표시된 펜타톤(일명 블랙 노트) 클러스터로, 클러스터의 한계를 나타내는 노트의 철자가 날카로운 경우 날카로운 기호가 필요할 것이다.색조 군집(검은색 및 흰색 키)은 전혀 기호가 없는 솔리드 막대에 의해 이 방법으로 표시된다.[12]1960년대 초 솔로 오르간 작품 볼루미나(Volumina)의 크고 밀도 높은 군집을 채점할 때, 리게티(Gyöurgi)는 그래픽 표기법을 사용하여 키보드의 전 구간을 차단했다.[13]

키보드 톤 클러스터의 성능은 "확장 기술"로 널리 간주된다. 큰 클러스터는 종종 주먹, 손의 평평함 또는 팔뚝과 관련된 특이한 재생 방법을 필요로 한다.테로니우스 몽크와 카를하인츠 슈톡하우젠은 각각 팔꿈치로 성단을 연주했고, 스톡하우젠은 특수 장갑으로 성단 글리산디를 연주하는 방법을 개발했다.[14]돈 풀렌은 손등을 키보드 위로 굴려 움직이는 군집을 연주하곤 했다.[15]Charles Ives의 콩코드 소나타 c.( 1904–19)에서와 같이 다양한 차원의 보드를 채택하는 경우도 있다. 보드는 긴 기간 동안 클러스터를 실행하기 위해 가중치를 낮출 수 있다.[16]루 해리슨의 점수 중 몇몇은 고속 키보드 클러스터 성능을 용이하게 하기 위해 제작된 "옥타브 바"를 사용할 것을 요구한다.[17]해리슨이 파트너 윌리엄 콜빅과 함께 디자인한 옥타브 바는

약 2인치 높이의 납작한 나무로 만든 장치 위에 손잡이가 있고 아래에 스펀지 고무가 있는데, 이 장치에는 플레이어가 키를 친다.그것의 길이는 그랜드 피아노에 1 옥타브에 이른다.스펀지 고무 바닥은 끝이 중앙보다 약간 낮아 중간 투구보다 강한 힘으로 옥타브 외음을 낼 수 있도록 조각했다.따라서 피아니스트는 공포스러울 정도로 빠른 구절들을 헤치고 돌진할 수 있으며, 각 구절마다 옥타브를 정확하게 갈 수 있다.[17]

서양음악에 사용

1900년대 이전

지금까지 확인된 서양 음악 작곡에서 음조 성단의 가장 초기 예는 여러 개의 이음 성단을 부르는 현악 앙상블을 위한 하인리히 비버의 바토리아 a 10 (1673)의 알레그로 운동에서 찾아볼 수 있다.[18]장페리 반란군의 1737–38 발레 레 엘레멘스의 오프닝에서 혼돈의 표현에도 조화 부음 음계의 모든 음을 수록한 관현악 디아토닉 클러스터가 발생한다.[19]

반란군, 레 엘레멘스, 오프닝
반란군, 레 엘레멘스, 오프닝

다음 세기 반부터 몇 가지 더 많은 예가 확인되었는데, 예를 들어 J. S. 바흐의 프랑스 스위트 5호 BWV 816에서 "루레"의 두 개의 막대를 결말짓는 것 같은 예에서 볼 수 있다.

바흐의 프렌치 스위트 5번 루어, 마무리 바
프랑스 스위트 5호 바흐에서 루어, 마무리 바

또는 바흐의 "뮤지컬 오퍼링"에서 "일시 중단으로 함께 잠금"[20]된 여러 라인의 상호작용에서 발생하는 충돌:

뮤지컬 오퍼링 바 29~31의 리커카 a 6
J. S. Bach, Ricercar a 6 (뮤지컬 오퍼링 바 29–31).

도메니코 스카를라티(1685–1757)의 키보드 소나타에서 우리는 톤 군락을 더 대담하고 특이하게 사용하는 것을 발견한다.1740년대 후반의 다음 구절에서 스카를라티는 몇 개의 막대 위에 불협화음을 만든다.

스카를라티 키보드 소나타 K119 바 143–168
스카를라티 키보드 소나타 K119 바 143–168

랄프 커크패트릭은 감각 부조화가 그들은 자의적 정보는 이들 화음"이 아닌 성단, 없으며 그들은 반드시를 팔도 간격 또는 이웃한 음을 동시에 심해로 fillings haphazard, 스카를라티의 조화 언어와 그의 성조 구조의 유기적인 표현들 중의 그들은 논리적인 표현이라고 말한다."[21]프레데릭 노이만은 소나타 K175(1750년대)를 "스카를라티의 유명한 음색 클러스터가 가득하다"[22]고 표현한다.During this era, as well, several French programmatic compositions for the harpsichord or piano represent cannon fire with clusters: works by François Dandrieu (Les Caractères de la guerre, 1724), Michel Corrette (La Victoire d'un combat naval, remportée par une frégate contre plusieurs corsaires réunis, 1780), Claude-Bénigne Balbastre (March des Marseillois, 1793), Pierre Antoine César (La Battaille de Gemmap, ou la prise de Mons, c. 1794), Bernard Viguerie (La Bataille de Maringo, pièce militaire et hitorique, for piano trio, 1800), and Jacques-Marie Beauvarlet-Charpentier (Battaille d'Austerlitz, 1805).[23]

"가상" 톤 클러스터의 극적인 사용은 프란츠 슈베르트의 노래 "Erlkönig" (1815–21)에서 찾을 수 있다.여기서 겁에 질린 아이가 사악한 엘 킹의 유령을 보고 아버지에게 소리친다.여기서7♭9 사용되는 지배적인 단조로운 9번째 화음의 불협화음은 드라마와 위협감을 높이는 데 특히 효과적이다.

슈베르트의 "에를쾨니히"에서
슈베르트의 "에를쾨니히"에서 추출

리처드 타러스킨은 이 구절에 대해 "전례가 없는 일"이라고 말했다.소년의 외도에 대한 불협화음 수준...음성은 9번째, 위에서, 왼손은 7번째, 아래로 향해 있다.그 결과 가상 '톤 클러스터'가 된다.슈베르트가 가르친 작곡 규칙 안에서 이러한 진행의 조화로운 논리는 확실히 증명될 수 있다.그러나 그 논리는 듣는 이의 상상력에 그토록 강하게 호소하는 것이 아니라, 오히려 야만적인 저기에 대한 계산된 인상(혹은 환상)이다."[24]

샤르펜티어의 음조 군락을 특징으로 하는 다음 작품으로는 1859년에 출판된 샤를-발렌틴 알칸의 "Un Fusé"(A Rocket) Op. 55와 1861년에 발표된 49개의 솔로 피아노 에스퀴스(스케치) 세트에서 나온 축소판인 "Les Diablotins"(The Iimps)가 있다.[citation needed]

Alkan의 Les diablotins에서 추출, Op. 63, No. 45, 톤 클러스터가 특징임

1861년 '블라인드 톰' 베쓰네가 작사하고 1866년에 출판한 솔로 피아노곡 '마나사스 전투'도 있다.이 점수는 피아니스트가 "손바닥으로, 가능한 한 많은 음을, 가능한 한 많은 힘으로, 피아노 베이스로"[25]를 쳐서 다양한 지점에서 대포를 쏘도록 지시한다.1887년, 주세페 베르디는 서양 전통에서 가장 유명한 작곡가가 되어 틀림없는 색채 군집을 작곡했다: 오텔로가 여는 폭풍음악은 알려진 음악적 질감 중 가장 긴 공증 기간을 가진 오르간 군집(C, C,, D)을 포함한다.[26]구스타프 말러의 교향곡 2번 합창 피날레는 "이상하고, 더 이크 리프, 더 게벤"이라는 말을 이끌어내는 목소리에서 자연스럽게 우러나오는 거대한 음색의 군락을 특징으로 한다.

말러 교향곡 2 피날레 그림 32, 바 4-10
말러 교향곡 2 피날레 그림 32, 바 4-10

그럼에도 불구하고, 음치 클러스터가 서양 고전 음악 연습에서 인정받는 자리를 차지한 것은 20세기의 두 번째 10년이 되기 전이었다.

1900년대 초 클래식 음악에서

레오 오렌슈타인은 음색 군집을 사용한 것으로 널리 알려진 최초의 작곡가였다. 하지만 그의 작품의 급진적인 측면을 묘사하는 용어 자체는 아직 사용되지 않았다.
틴타마르의 마지막 화음

"1910년경," 해롤드 C. 숀버그는 "퍼시 그레인저는 그의 검슈커즈 3월과 같은 작품에서 근음계 군집들에 의해 물의를 일으키고 있었다"고 쓰고 있다.[27]1911년, 진정한 음조 집단을 철저히 통합한 최초의 고전적 작문으로 보이는 것이 발표되었다.캐나다 작곡가 J. 험프리 앵그리(1862–1913)의 틴타마레(The Clangor of Bells)이다.[a]

몇 년 안에 급진적인 작곡가-피아니스트인 레오 오르스타인은 최첨단 작품 연기로 대서양 양쪽에서 클래식 음악계에서 가장 유명한 인물 중 한 명이 되었다.1914년, 오렌슈타인은 그의 몇몇 독창적인 피아노 작곡을 데뷔시켰다.와일드 맨즈 댄스(일명 단세 사우비지; 1913–14), 템즈강의 인상 c.(1313–14), 노트르담의 c.인상 (1913–14)은 실존하는 관객들이 처음으로 음색 클러스터를 심층적으로 탐구한 작품이다.특히 야생 남성 무용은 거의 전적으로 클러스터(audio speaker icon듣기·도움말·인포)[b]로 만들어졌다.1918년 비평가 찰스 L.부캐넌은 올슈타인의 혁신을 다음과 같이 묘사했다. "그는 우리에게 날카롭고 딱딱한 불협화음을 준다. 화음은 8개에서 12개까지의 음으로 구성된다. 즉, 반음조의 연속이다."[28]

군집도 유럽 작곡가들에 의해 더 많은 작품들로 나타나기 시작하고 있었다.아이작 알베니즈가 이베리아(1905–8)에서 그것들을 사용한 것은 가브리엘 파우레의 후속 피아노 작문에 영향을 미쳤을지도 모른다.[29]조셉 호로위츠는 3권과 4권에 수록된 '불협화음 스타 클러스터'가 이베리아를 '피아노의 경이'라고 부른 올리비에 메시아엔에게 특히 설득력이 있었다고 제안했다.[30]와실리 칸딘스키의 무대 쇼 "The Yellow Sound"(1909)의 토마스 드 하르트만 점수는 두 개의 기후 지점에서 색조 군집을 사용한다.[31]알바 버그의 클라리넷과 피아노를 위한 포피스(1913년)는 다른 아방가르드 키보드 기법과 함께 클러스터를 요구한다.[32]클로드 드뷔시의 피아노 서곡 "La Cathédrale Engloutie"는 "종소리를 울리기 위해 강력한 힘을 발휘한다. 이는 중요한 초가 너무 많이 추가되어 범-다이아토닉 조화가 될 것이다."[33]

드뷔시 "La cathédrale engloutie", 술집 22-28
드뷔시 "La cathédrale engloutie", 술집 22-28

1913년 그의 피아노 서곡 "장군 라빈 – 엑소틱"에서 흑인 미국 인기 스타일 (케이크워크) 드뷔시는 다음 구절의 결론에 연마음 클러스터가 특징적이다.

드뷔시, "라빈 장군" – 괴짜, 바 11-19
드뷔시, "라빈 장군" – 괴짜, 막대 11–18

원래 피아노 듀엣의 한 세트였던 6개의 에픽래프트 골동품(1914년)의 솔로 피아노 편곡에서 드뷔시는 다섯 번째 작품인 Pour l'Egyteienne에 음색 군락을 포함시켰다.[34]

드뷔시, 6개의 에픽래프트 골동품에서 이집트를 붓는다(솔로 피아노 버전)

러시아의 작곡가 블라디미르 레비코프는 1913년에 쓰여진 <세 개의 이딜레스>, <Op. 50>에서 그것들을 광범위하게 사용했다.[citation needed]Richard Strauss의 An Alpine Symphony (1915년) "시작하고 지는 해로 끝나는데, B 평탄한 단음 현악 성단이 천천히 내려 쌓였다."[35]

비록 그의 작품의 많은 부분이 불과 몇 년 후에 공개되었지만, 찰스 이브스는 그가 "집단 화음"이라고 지칭하는 음색 클러스터의 가능성을 한동안 탐구해 왔다.1906–7년, Ives는 그의 첫 번째 성숙한 곡을 광범위한 특징적인 음색 클러스터인 Scherzo에 작곡했다. 포장도로 너머로.[c]9악장 앙상블을 위해 오케스트레이션된 이 피아노는 블랙 노트와 화이트 노트 클러스터를 모두 포함하고 있다.[36]1913년에 개정된 이 책은 1950년대까지 기록되고 출판되지 않을 것이며, 최초의 대중 공연을 받기 위해서는 1963년까지 기다려야 할 것이다.오르스타인이 콘서트 무대에 음색 클러스터를 도입하던 같은 기간 동안, Ives는 콩코드 소나타 (1904–15)c.의 2악장 "호손"에서 가장 유명한 클러스터 세트가 될 작품을 개발하고 있었다.1920년, 1928년 전, 1947년 개정판, 매머드 피아노 화음은 연주하기 위해 거의 15인치 길이의 나무 막대를 필요로 한다.[37]펠트나 플란넬로 덮인 바에서 생산되는 온화한 성단은 멀리 떨어진 교회 종소리(audio speaker icon들으라(도움말·인포)를 나타낸다.[38]운동 후반에는 오른손을 위한 오음 이음계 성단이 잇다.아이브스는 스코어에 대한 그의 노트에서 "만약 선수가 그렇게 느낀다면, 이 그룹-초르드들은, 꽉 쥐어진 주먹으로 맞을 수도 있다"고 말한다.[39]1911년과 1913년 사이에 이베스는 또한 그의 2현악 4중주단, 관현악의 날과 7월 4일과 같은 음색 군락을 가진 앙상블 곡을 작곡했다. 비록 이 중 어느 것도 1930년대 이전에는 공개적으로 공연되지 않을 것이지만 말이다.[d]

헨리 코웰의 작품에서

작곡가, 연주자, 이론가로서 헨리 코웰은 현대 고전음악의 사전에서 음조 클러스터를 확립하는 데 크게 기여했다.

1913년 6월, 공식적인 음악 훈련을 받지 않은 16세의 캘리포니아인이 "원초적인 음색 클러스터"를 채용하면서 솔로 피아노 곡인 "어드벤쳐 인 하모니"를 작곡했다.[40]헨리 코웰은 곧 성단 조화 기법을 촉진하는 데 중요한 인물로 등장할 것이다.오렌슈타인은 1920년대 초 콘서트 무대를 포기했고, 어쨌든 클러스터는 그를 더 큰 이론적 사명의 일부가 아닌 실용적인 조화 장치로서 제공했다.Ives의 경우, 클러스터는 그의 구성적 생산량에서 비교적 적은 부분을 차지했고, 그 중 많은 부분은 몇 년 동안 들어보지 못했다.1916년 뉴욕에서 Ornstein의 공연을 들은 지적으로 야심만만한 Cowell에게 클러스터는 음악의 미래에 결정적이었다.그는 그들의 "전반적이고, 누적적이며, 종종 프로그램적인 효과"[41]를 탐구하기 시작했다.

코웰이 열아홉 살 때 쓴 솔로 피아노용 다이나믹 모션(1916년)은 "음악적 확장성과 변주성을 위해 독립적으로 2차 화음을 사용하는 첫 번째 작품일 가능성이 높다"[42]고 묘사되어 왔다.비록 그것이 꽤 정확하지는 않지만, 그러한 방식으로 색조 군집을 사용한 첫 번째 조각으로 보인다.코웰이 이듬해 작곡한 피아노 독주곡 <마나누나의 조수>(1917년)는 그의 가장 인기 있는 작품이자 서양 고전음악의 중요한 요소로서 음조 군락을 확립하는 데 가장 큰 책임이 있는 작곡으로 증명될 것이다.(코웰의 초기 피아노 작품들은 종종 잘못된 연대를 받는다; 위의 두 경우에서 각각 1914년과 1912년이다.)[43]일부 사람들은 본질적으로 무작위적(또는 보다 친절하게 알레토릭적) 접근법을 수반한다고 가정하며, 코웰은 음조 클러스터의 작사 및 수행에 정밀성이 요구된다고 설명하며, 다른 음악적 특징과 마찬가지로 다음과 같다.

피아노의 톤 군집...은 화음으로 사용되는 음조의 전체 음계 또는 화음으로 사용되는 음계를 따라 최소한 세 개의 연속된 음색이다.그리고 때로는 이 화음이 손에 손가락이 있는 음의 수를 초과한다면, 손의 납작한 부분이나 때로는 팔뚝이 꽉 찬 상태에서 연주하는 것이 필요할 수도 있다.이는 비록 실제로 그 정도에 이르지만 새로운 피아노 기법을 고안해내려고 하는 관점에서 이루어지는 것이 아니라, 오히려 이것이 그렇게 큰 화음을 연주할 수 있는 유일한 실행 가능한 방법이기 때문이다.이러한 화음은 정확하고 원하는 음질로 연주하고 자연에서 절대적으로 정밀하게 하기 위해 부지런히 연습하는 것이 분명해야 한다.[44]

역사학자 겸 비평가 카일 간은 코웰이 자신의 성단을 만들어 음악적 질감으로 사용한 광범위한 방식을 묘사하고 있는데, "때로는 상단 음이 멜로디적으로 흘러나오기도 하고, 때로는 왼쪽 멜로디를 병렬로 동반하기도 한다"[45]고 한다.

1921년부터 아일랜드의 문화 저널인 프리먼에 연재된 기사로 코웰은 톤 클러스터라는 용어를 대중화했다.[46]흔히 주장하듯이 이 문구에 동전을 던지지는 않았지만, 그는 현재와 같은 의미와 함께 이 문구를 가장 먼저 사용한 것으로 보인다.[e]1920년대와 1930년대에 코웰은 북아메리카와 유럽을 두루 순회하며 자신의 실험적인 작품을 연주했는데, 많은 작품들이 음치 군락을 중심으로 만들어졌다.마나눈의 조수, 역동적인 움직임, 그리고 그것의 5개의 "엔코어"가 있다.—What's This (1917), Amiable Conversation (1917), Advertisement (1917), Antinomy (1917, rev. 1959; frequently misspelled "Antimony"), and Time Table (1917)—these include The Voice of Lir (1920), Exultation (1921), The Harp of Life (1924), Snows of Fujiyama (1924), Lilt of the Reel (1930), and Deep Color (1938).타이거(1930)는 53개의 음의 화음을 가지고 있는데, 아마도 1969년까지 단일 악기로 쓰여진 것 중 가장 큰 화음을 가지고 있을 것이다.[47]Ives와 함께, 코웰은 클러스터를 광범위하게 사용한 최초의 대형 웸블리 작품들 중 일부를 썼다.그의 초창기 노력인 운동의 탄생 (c.1920)은 관현악단과 글리산도를 결합한다.[48]코웰의 피아노와 오케스트라를 위한 협주곡(1928년, 프렘)의 제2악장 '톤 클러스터'.1978), 피아노 및 각 악기 그룹(듣기/도움말)[49]을 위해 매우 다양한 클러스터를 사용한다.audio speaker icon25년 후부터 그의 교향곡 11번(1953)은 음소거 바이올린이 연주하는 슬라이딩 색조 군락을 특징으로 한다.[50]

수십 년 동안 고전적인 전위성에 큰 영향을 미친 그의 이론적 저작인 New Musical Resources(1930)에서 코웰은 클러스터가 단순히 색상으로만 사용되어서는 안 된다고 주장했다.

조화롭게 보면, 일단 클러스터가 시작되면, 전체 연속성을 유지하는 것이 종종 더 낫다; 한 개 또는 두 개라도 음악적 논리와 함께 필연적인 결론에 도달하는 독립적이고 중요한 절차라기 보다는 단순한 효과로 들릴 수 있기 때문이다.[51]

후기 클래식 음악에서

벨라 바르토크와 헨리 코웰은 1923년 12월에 만났다.그 다음 해 초, 이 헝가리 작곡가는 코웰을 써서 그가 화를 일으키지 않고 음치 성단을 채택할 수 있는지 물었다.

1922년, 코웰의 친구인 작곡가 데인 루디하르는 음조 클러스터의 개발이 "음악 단위, 음표"의 "불완전한 [] 존재"를 인정한다고 선언했다.[52]그 위협이 실현되지 않는 동안, 점점 더 많은 수의 작곡가의 작품에 클러스터가 나타나기 시작했다.이미 애런 코플랜드는 피아노로 쓰려고 그의 세 개의 무드(일명 트로이스 에스퀴스; 1920–21)를 썼는데, 이 곡은 세 개의 포테 성단을 포함하는 레오 오렌슈타인의 곡에 대한 명백한 경의를 표한다.[53]코웰의 음색 클러스터 작품 시연에서 직접 영감을 받은 가장 유명한 작곡가는 벨라 바르토크였는데, 벨라 바르토크는 코웰의 방법 채용 허가를 요청했다.[54]바르토크의 첫 피아노 협주곡, 피아노 소나타, 아웃오브도어 스위트(Out of Doors)의 "야간 음악"(1926년 전)은 3년 만에 처음으로 작고 광범위하게 특징적인 음색 군락을 제작했다.[55]

1930년대에 코웰의 제자 루 해리슨은 그의 《Precent for Grandpiano》(1937년)와 같은 여러 작품에 키보드 클러스터를 활용했다.[56]적어도 1942년까지는 코웰 밑에서 공부했던 존 케이지가 성가대 화음으로 피아노 곡을 쓰기 시작했다; 홀로코스트의 이름으로, 그 해 12월부터 색, 이음, 오음절 성단을 포함한다.[57]올리비에 메시아엔의 Vingt는 20세기 전반의 가장 중요한 솔로 피아노 곡으로 종종 묘사되는 Sur L'enfant Jésus (1944년)가 전체 클러스터를 사용하고 있다고 생각한다.[58]그들은 다양한 작곡가들이 만든 수많은 후속 피아노 작품들에 출연할 것이다.칼하인츠 스톡하우젠의 클라비에르슈튀크 X(1961)는 3개에서 36개 세미톤까지 7도 폭으로 스케일링된 색채 군집뿐만 아니라 오르막과 내리막 군집 아르페지오와 군집 글리산디를 대담하고 수사적으로 사용한다.[59]20년 후에 쓰여진 그의 클라비에르슈튀크 13세는 피아니스트가 키보드에 앉도록 요구하는 클러스터와 함께 많은 같은 기술들을 사용한다.[60]월트 휘트먼의 시구 설정인 조지 크럼브의 유령, 엘레지아크 송, 소프라노와 앰플리브레이티드 피아노의 보컬(1979년)은 3개의 구절을 소개하는 거대한 구절을 포함한 성단들로 가득 차 있다.[61]조셉 슈완트너의 노래 사이클 마가분다(1983)의 제2악장의 피아노 부분은 아마도 개별 악기에 쓰여진 단일 가장 큰 화음, 즉 키보드의 모든 88 음을 가지고 있을 것이다.[62]

음치 군집은 전통적으로 피아노, 특히 솔로 피아노 레퍼토리와 관련이 있지만, 그들은 또한 실내 그룹과 더 큰 앙상블의 작곡에도 중요한 역할을 담당해왔다.로버트 레이글은 크로아티아 작곡가 조시프 슬라벤스키의 장기·바이올린 소나타 리게티(1925년)가 지속된 색조 군집을 가지고 있는 것을 "이브스와 [요르지] 리게티 사이의 연결고리가 없어진 것"[63]이라고 파악한다.바르토크는 제4 현악 4중주단(1928년)에 다이오토닉 성단과 색조 성단을 모두 고용하고 있다.[64]루스 크로포드 시거의 현악 사중주(1931년), 이아니스 제나키스의 메타스타세이스(1955년) 등의 작품에서 음량 기법은 음조 집단을 정교하게 다듬은 것이다."대부분의 톤과 톤이 아닌 선형 부조화와 달리 톤 클러스터는 본질적으로 정적인 것이다.개인 음량은 2차적으로 중요하다.[65]가장 유명한 조각들이 건전한 질량에 관련된, 크시슈토프 펜데레츠키의 Threnody 히로시마(1959년)의 희생자에, 502현악기들을"한 개인의 공의 기록된 가장 큰 군집의"[66]이 포함된에서, quarter-tone 클러스터"얼이 빠진 것과 형상이 가해져see[m].세인트모자는 공포의 오글거리는 소리와 슬픔의 메아리치는 울음소리를 정의하고 있다.[67]클러스터는 Stockhausen의 Kontakte(1958–60)의 전자음악의 두 섹션에 나타난다. 첫 번째 부분은 "망치 포인트...로빈 매코니는 "합성하기가 매우 어렵다"[68]고 말했다.1961년에 리게티는 아마도 역대 가장 큰 성대 화음을 썼을 것이다. 관현악 아트모세르에서는 5옥타브 범위를 넘는 색도 스케일의 모든 음이 한 번에 연주된다([69]조용히).리게티의 오르간 작업은 성단을 광범위하게 사용한다.그래픽으로 공증된 볼루미나(1961–62)는 정적 및 모바일 클러스터 질량으로 구성되며, 많은 고급 클러스터 재생 기술을 요구한다.[70]

메시아엔의 오라토리오 라 트랜지메이션 드 노트르 세이뉴르 제수스 크리스트(1965~69) 8악장은 현악기에 '톤클러스터 글리산디의 빛나는 후광'이 특징으로 서사가 언급하는 '밝은 구름'을 연상시킨다(audio speaker icon듣기·인포).[71]관현악단은 스톡하우젠의 프레스코(1969년)와 트랜스(1971년) 전반에 걸쳐 고용된다.[72]모턴 펠드만의 로트코 채플(1971년)에서는 "비올라, 셀레스트, 타악기의 골격 배열을 통해 말없는 성조 성단이 스며 나온다"[73]고 했다.알도 클레멘티의 실내 앙상블 작품 의식(1973)은 베르디와 이베스를 모두 불러 일으킨다: 전기 하모니움 위에 놓인 무게 있는 나무 판자는 작업 내내 음조 클러스터를 유지한다.[16]주디스 빙엄의 프라하(1995)는 브라스 밴드를 통해 음색 군집을 만들 수 있는 기회를 제공한다.[74]피아노 협주곡의 관현악 세력에 대항하여 키보드 클러스터가 설정되는데, 예를 들면 에이노쥬하니 라우타바바라 1번(1969년), 에사페카 살로넨(2007년), 후자는 메시아엔을 연상시킨다.[75]Eric Whitacre의 합창곡은 종종 성단을 사용한다.[76]

다양한 앙상블을 위해 음색 클러스터를 자주 사용한 세 작곡가는 지아신토 스셀시, 알프레드 슈니트케, 그리고 루 해리슨이다.스셀시는 1986년 초연된 그의 마지막 대규모 작품인 Pfhat(1974년)을 포함하여 그의 경력의 상당 부분을 위해 그들을 고용했다.[77]그것들은 "피아노 키의 갈라진 틈 사이에 미세한 현이 핀[d]으로 뭉쳐진"[78] 피아노와 현악 5중주(1972-76년)부터 회개의 합창 시편(1988)에 이르는 슈니트케의 작품들에서 발견된다.해리슨이 클러스터링으로 피처링한 많은 작품들로는 평화로이카 론도(1963년), 타악기가 있는 오르간을 위한 협주곡(1973년), 피아노 협주곡(1983년–85년), 남성 합창곡을 위한 세 곡(1985년), 그랜드 듀오(1988년), 은과 함께 라임즈(1996년) 등이 있다.[79]

재즈에서

스콧 조플린은 특별히 공증된 음색 군집을 중심으로 만들어진 음악 시퀀스를 포함하기 위해 처음으로 출판된 작곡을 썼다.

음색 클러스터는 양식의 시작부터 다양한 스타일로 재즈 아티스트에 의해 고용되어 왔다.20세기 경에 스토리빌 피아니스트 젤리 롤 모튼은 왼쪽 팔뚝이 연주하는 큰 색조 군락을 소개하면서 프랑스 쿼드리유를 래그타임으로 각색하기 시작했다.그 으르렁거리는 효과로 모튼은 그의 "타이거 래그"라는 곡을 더빙하게 되었다.audio speaker icon[80]1909년 스콧 조플린의 의도적으로 실험한 "월 스트리트 래그"에는 공증음 클러스터가 눈에 띄게 특징인 섹션이 포함되어 있었다.[81]

월 스트리트 래그 출신 스콧 조플린
월 스트리트 래그 출신 스콧 조플린

아티 매튜스의 파스타임 래거즈(1913~20) 중 네 번째 작품에는 불협화음 우측 성단이 등장한다.[82]Thelonious Monkle은 "Bright Missississippi"(1962), "Intropection"(1946), "Off Minor"(1947)와 같은 조각으로 구성된 군집을 중심 즉흥연주 내에서 극적인 형상으로 사용하고 그 결론에서 긴장감을 강조한다.[83]그것들은 아트 테이텀의 "미스터 프레디 블루스"(1950년)에서 들리며 크로스리듬을 약화시킨다.[84]1953년까지 데이브 브루벡은 자유 재즈의 선구자 세실 테일러가 곧 발전할 것이라고 예상하는 방식으로 피아노 톤 클러스터와 불협화음을 채용하고 있었다.[85]하드밥 피아니스트 호레이스 실버의 접근은 테일러의 성단 사용에 대한 훨씬 명확한 선행 조건이다.[86]같은 시대에 허비 니콜스의 주계열에는 군집이 문장 부호로 나타난다.[87]프랜시스 데이비스가 니콜스의 걸작으로 묘사한 "The Gig"(1955)에서 "충격적인 음과 음색은 무엇을 연주할 것인가에 대해 자신과 대립하는 픽업 밴드를 구성한다"[88]고 말했다.듀크 엘링턴의 피아노 성단 작품의 녹음된 예로는 「섬머타임」(1961년)과 ...이 있다.그리고 그의 어머니는 그를 빌 (1967년)이라고 불렀고, 그의 전 베이스 연주자인 레이 브라운과 함께 1972년에 녹음된 블랜턴을 위한 그의 헌사였다.[89]빌 에반스의 'Picture in Jazz'(1960) 앨범의 'Come Rain or Come Shine'에 대한 해석이 인상적인 5음 클러스터로 펼쳐진다.[90]

재즈에서는 클래식 음악에서와 마찬가지로 음치 클러스터가 키보드에만 제한되지 않았다.1930년대에 짐미 룬체포드 오케스트라의 "스트라토스피어"는 일련의 진보적 요소들 사이에 앙상블 클러스터를 포함시켰다.[91]1947년 4월 피터 루골로가 편곡한 스탠 켄턴 오케스트라의 '오늘 밤 내가 당신과 한 시간 함께 할 수 있다면' 녹음에는 두 번째 후렴구 끝에 극적인 4음 트롬본 클러스터가 등장한다.[92]비평가 프레드 카플란이 묘사한 대로 듀크 엘링턴 오케스트라의 1950년 공연에는 "레이벨을 환기시키는 부유하고 어두운 음색 클러스터"라는 집단적인 연주와 함께 편곡되어 있다.[93]코드 군집은 또한 길 에반스의 악보에 특징지어진다.에반스는 앨범 포기와 베스의 조지 거슈윈의 "뉴욕으로 곧 떠나는 배가 있다"를 성격적으로 상상력 있게 편곡한 작품에서 플룻, 알토 색소폰, 음소거 트럼펫으로 조율된 화음 클러스터들을 마일즈 데이비스의 단독 즉흥연주와 함께 배경으로 기여한다.1960년대 초, 밥 브룩마이어와 게리 멀리건의 음악회 재즈 밴드의 편곡은 엘링턴과 래블을 모두 떠올리게 하는 조밀한 스타일의 음운 클러스터를 채용했다.[94]에릭 돌피의 베이스 클라리넷 솔로는 종종 "미치광이 미친 듯이 날리는 마이크로톤 클러스터"[95]를 특징으로 한다.평론가 로버트 팔머는 기타리스트 짐 홀의 특기를 "노래 표면을 뚫고 가슴까지 파고드는 타르트 톤 클러스터"라고 불렀다.[96]

특히 프리 재즈의 영역에는 군집이 성행하고 있다.세실 테일러는 1950년대 중반부터 즉흥적인 방법의 일환으로 그것들을 광범위하게 사용해 왔다.[97]그의 음악적 어휘의 많은 부분과 마찬가지로, 그의 군집들은 "선율과 타악기 사이의 어딘가에 연속적으로"[98] 작동한다.클러스터를 채택하는 테일러의 주된 목적 중 하나는 특정 피치의 지배를 피하는 것이었다.[99]대표적인 자유재즈 작곡가, 밴드 리더, 피아니스트 선라(Sun Ra)는 종종 이 음악가구를 재배열하기 위해 이 음악가구를 사용했다. 학자인 존 F. 스즈드(John F. Szwed)는 다음과 같이 설명했다.

그는 [a]곡에 도입부나 결말, 새로운 방향 또는 신선한 소재가 필요하다는 것을 감지했을 때 "새로운 멜로디, 어쩌면 리듬"을 제안할 수 있는 높은 음량으로 집합적으로 즉흥적인 톤 클러스터인 공간 화음을 요구하곤 했다.그것은 피아니스트들이 고안한 장치로서, 음악의 또 다른 맥락을 만들어 냈고, 새로운 무드를 만들어, 신선한 톤의 영역을 열었다.[100]

1960년대에 자유 재즈가 확산되면서 음색 클러스터의 사용도 증가했다.존 리트바일러가 테일러의 "끝없는 형태와 대비"라고 묘사한 것과 비교하면, 무할 리차드 에이브람스의 솔로들은 유사하게 자유롭지만 더 서정적이고 흐르는 맥락에서 음운 군락을 채용한다.[101]기타 연주자 소니 샤록 그의 퇴화 된 중앙 부분이다. 파머의 설명에서, 그는 "누군가가 이 기타에서 철수overdriven 증폭기 코드를 뽑기 못되게 굴지 않고 픽업들 복사한 것으로 들렸다glass-shattering 톤 클러스터 실행했다."[102]피아니스트 마릴린 Crispell해 내는 것이 주요 공짜 재즈 제안자였다.이 음색 클러스터는, 그의 경력 초기에 에이브럼스와 함께 경기했던 앤서니 브랙스턴과 자주 협력했다.[103]1990년대 이후, 매튜 쉬프는 테일러의 혁신 기술을 기반으로 이 형식을 만들었다.[104]톤 클러스터 팔레트 개발에 기여한 유럽 자유 재즈 피아니스트로는 군터 햄펠, 알렉산더 폰 슐리펜바흐 등이 있다.[105]

자유롭고 주류적인 재즈를 가교로 만든 돈 풀렌은 "손의 바깥쪽 가장자리는 즉흥적으로 손목을 굴려 움직이는 음색 군집을 만들었다"고 평론가 벤 라틀리프는 썼다."아르페지오스로 쌓아올린 그는 키보드에서 잡음의 소용돌이를 만들어 낼 수 있었다...간결한 세실 테일러가 폭발하듯."[15]조아힘 베렌트의 묘사에서 풀렌은 "독특하게 멜로디화된 군락이 연주되어 그것을 톤으로 만들었다.존 메데스키는 왼손과 동시에 연주되는 맑고 조화로운 기능적인 톤 화음으로 충동적으로 원시 군락을 표현하고 있다."[106] 존 메데스키는 자유로운 재즈 요소들을 소울 재즈/잼 밴드 스타일에 섞은 메데스키 마틴 & 우드의 키보드 연주자로 톤 군락을 고용하고 있다.[107]

대중음악에서

재즈와 마찬가지로, 로큰롤은 탄생 이래 음치 클러스터를 사용했는데, 특징적으로 덜 계획적인 방식으로- 가장 유명한 것은 제리 리 루이스의 주먹, 발, 데리에르를 포함한 1950년대 라이브-퍼포먼스 피아노 기법이다.[108]1960년대 이후 록과 전자음악, 실험음악의 경계를 넘나드는 많은 드론음악은 톤 클러스터(tone cluster)를 기반으로 했다.1967년 9월에 녹음된 벨벳 언더그라운드의 "시스터 레이"에서, 오르간 연주자 존 케일은 드론의 맥락 안에서 톤 클러스터를 사용하며, 이 곡은 분명히 밴드의 초기 라이브 사운드 레코드에서 가장 근접한 곡이다.[109]비슷한 시기에, 도어스 키보드 연주자 레이 맨자렉은 밴드의 히트곡 "Light My Fire"의 라이브 공연 동안 그의 솔로곡에 클러스터를 도입하기 시작했다.[110]

크래프트워크의 1970년 데뷔 앨범은 오르간 클러스터를 사용하여 반복된 테이프 시퀀스에 다양성을 더한다.[111]1971년 평론가 에드 워드는 제퍼슨 항공의 3대 리드 싱어 그레이스 슬릭, 마티 발린, 폴 칸트너가 만든 '톤 클러스터 보컬 하모니'를 높이 평가했다.[112]귤드림의 1972년 더블 앨범 Zeit은 신디사이저로 연주되는 클러스터로 가득 차 있다.[113]이후 록 연습에서, 장글 팝의 D add9 코드 특성은 하프 효과로 특징지어질 수 있는 기타 군집의 일종인 주요 초(D, E, F♯)로 분리된 3개의 음을 포함한다.[114]비틀즈의 1965년 곡 'We Can Work It Out'은 A sharp, C sharp를 함께 부르는 목소리가 B에게 "time"이라는 단어에 맞춰 지속적인 화음을 연주하는 순간적인 음색 클러스터가 특징이다.[115]데뷔 앨범 'Music from Big Pink'의 1968년 수록곡 'The Weight'는 불협화음 보컬 후렴구가 3음 클러스터로 절정에 달하며 "당신이 내게 짐을 바로 댔다"는 단어에 맞춰 중단하는 것이 특징이다.

오르간에서 연주되는 음조 군락 소리는 꿈을 위한 라디오 드라마에서 하나의 전대가 되었다.[72]공포영화와 공상과학영화의 채점에는 종종 클러스터가 사용된다.[f]2004년 Joyce Carol Oates의 "톤 클러스터" 제작에서 인디 록 밴드인 Dolorean과 The Standard의 멤버인 작곡가 Jay Clarke는 클러스터링들을 고용하여 "장력을 완전히 구축"하도록 했다. Oates가 제안한 클러스터 작품과는 대조적으로, "일부는 누군가를 살해하는 음악과 같았다.공포 음악을 좋아한다고 말했다.[116]

다른 음악에서 사용

전통 일본 궁중음악인 가가쿠에서는 일반적으로 쇼(입구 기관의 일종)에서 연주되는 음색 군락을 조화 행렬로 채용하고 있다.[117]1920년대 후반부터 2000년대 초반까지 활동한 마쓰다이라 요리쓰네는 가가쿠의 하모니와 음색을 전위적인 서양 기법과 융합시켰다.그의 작품 대부분은 쇼의 10개의 전통적인 성단 형성에 기초하여 지어졌다.[118]동양과 서양의 악기들과 스타일을 혼합한 루 해리슨의 평화로운 론도는 지속 가능한 오르간 클러스터인 가가쿠 접근을 반영한다. 이는 쇼의 소리와 기능을 모방한다.[119]이 쇼는 또한 벤자민 브리튼이 1964년 극적 교회 비유인 컬레브 강의 기악적 질감을 창조하는데 영감을 주었다.그것의 소리는 실내 오르간에서 연주되는 특징적으로 지속되는 성대 화음을 반영한다.[120] 한국의 전통 궁정과 귀족 음악은 여러 악기에 동시에 장식하는 구절을 사용함으로써 불협화음을 만들어낸다. 이 기법은 20세기 한국의 독일 작곡가 이산 윤의 작품에 반영된다.[121]

쇼를 포함한 몇몇 동아시아 자유 갈대 악기들은 후에 좀 더 공식적인 음악적 맥락에 편입된 고대 중국 민속 악기인 현악기를 모델로 했다.현악기에서 연주되는 전통적인 화음 형태 중 하나인 우바두에성에는 세 개의 피치 성단이 있다.[122]말레이 민속 음악가들은 쇼와 성처럼 톤 군집을 만들어내는 토착적인 입 기관을 사용한다.[123]인도 중부 파르드한족의 스트럼핑 하프인 빈바자에서 연주되는 특징적인 음악적 형식은 '음조 성단의 리듬 오스티나토'로 묘사되어 왔다.[124]

오늘날 가나에 속해 있는 아산테족 가운데에서는 전통적인 트럼펫 음악에서 톤 클러스터가 사용되고 있다.독특한 "말싸움 기술"은 ...에 더 큰 자극을 준다.이미 불협화음을 낸 토널 군집...[I]주의 불협화음은 악령을 불식시키고, 클랑거림이 클수록 음파도 커진다.[125]

웬디 카를로스는 기본적으로 알파 척도, 베타 척도, 감마 척도를 도출하기 위해 이 방법론의[clarification needed] 정반대로 사용했다;[126] 그것들은 톤 군집을 실제로 존재하는 유일한 삼합체 유형으로 취급함으로써 얻을 수 있는 가장 많은 자음 척도인데, 이것은 역설적으로 반조화 단조법이다.[clarification needed]

참고 및 참조

메모들

  1. ^ 이 작품에 대한 자세한 내용은 을 참조하십시오.Keillor, 엘레인(2004-05-10)."한 Market—Canadian 뮤지컬 구성을 위한 제1차 세계 대전 전에는 글을 쓰는 것".도서관 기록관 Canada/Bibliothèque(기록 캐나다.2011-08-29 Retrieved.도서관 기록관 Canada/Bibliothèque(기록 캐나다를 경유하여 Tintamarre, 그리고 그것이 발간 record[영구적인 죽은 링크]의 점수 또한 온라인에서 이용.키요르(2000년)와 틴타마르의 초기 공연 이력이 확립되지 않았음을 참조한다.
  2. ^ 이 작품들의 초연은 브로일스(2004년), 페이지 78을 참조하라.오르스타인의 바이올린과 피아노를 위한 소나타인 Op. 31 (1915; 종종 잘못 주어지는 1913은 아님)의 피아노 음악도 와일드 맨즈 댄스의 정도는 아니지만 톤 클러스터 (tone cluster)를 사용한다.솔로 피아노에 대한 세 개의 c.무드(1914년)는 클러스터(Pollack [2000], 페이지 44)를 포함하고 있다고 알려져 있으나, 온라인에서 발표된 악보를 숙독하는 것은 전혀 드러나지 않는다.하나의 연장된 통로에 음색 군락을 이론의 여지없이 사용하는 오르스타인의 단독 피아노곡 <비행기 속의 자살>(n.d.)은 종종 "1913" 또는 "c.1913"로 잘못 표기되어 있는데, 사실 1919년 이전에는 그 존재에 대한 기록이 없다(앤더슨 [2002년]).
  3. ^ 토마스 B.홈즈(1985; 2002: 페이지 35[clarification needed])는 이베스가 1888년 14세의 나이로 작곡한 곡 'Majority'(일명 'The Mass')가 피아노 반주에 음조 클러스터를 통합한 것에 주목한다.그는 이것을 "초창 작곡가를 위한 반항적인 행위"라고 올바르게 묘사했다.그는 그것을 "아마도 음치 클러스터의 첫 문서화된 사용"이라고 잘못 불렀다.스와포드(1998)는 이베스가 작품 (pp. 227, 271, 325)으로 114송 (1922년 간행)을 시작하기로 선택했다고 관찰한다.그리고 그는 Ives를 "음조 군집의 발현"으로 잘못 발음한다(231 페이지).한편, 그는 "음향 군집"이라는 이베스의 인식을 가치 있게 지적한다.태곳적부터 큰 무리들이 노래를 불렀었다.그 실수는 음악의 일부였다."(98쪽).
  4. ^ 스와포드(1998), 페이지 251, 252, 472, 싱클레어(1999), 패심(1999)은 셔조의 적절한 데이트를 위한 것이다. 포장, 콩코드 소나타 및 기타 명명된 작품:제2 현악 사중주(1911–13, 1946년 초, publ.1954);장식일(c.1912–13, 1923–24, 1931년 전, 1962년);7월 4일(c.1911–13, 1931년 개정, 1932년).
  5. ^ "용어는 헨리 코웰에 의해 발명되었다"는 주장의 예를 들어 Seachrist(2003) 페이지 215, n. 15를 참조하라.톤 클러스터는 적어도 1910년 이후 음악 이론가이자 교육자였던 퍼시 괴츠키우스(n.d, 111)에 의해 다른 의미로 사용되어 왔다: "거의 모든 억양에는 어떤 좋은 화음 형태가 있고, 어떤 조화로운 톤 클러스터는 그 부분이 만장일치로 이끄는 것이다."See also his correspondence, "Schoenberg's 'Harmony,'" in The New Music Review and Church Music Review, vol. 14, no. 168 (November 1915), p. 404: "I have regretted that I did not, in revising my 'Material', lay still greater stress upon the accidental tone-clusters such as you illustrate"; "in Ex. 318, No. 5, you will find the Mozart tone-cluster당신이 11번 전 애인에게 주는 거야
  6. ^ 필름 채점 시 톤 클러스터 사용에 대한 내용은 Huckvale 1990, 페이지 1-35를 참조하십시오.For descriptions of their role in three individual films, Hosokawa 2004, p. 60n21; for To the Devil a Daughter, Huckvale 2008, pp. 179–181 ; and, for Close Encounters, Neil Lerner, "Nostalgia, Masculinist Discourse, and Authoritarianism in John Williams' Scores for Star Wars and Close Encounters of the Third Kind," in Off the Planet, pp. 96–107; 105–106.

참조

  1. ^ 니콜스(1991) 페이지 155를 참조하라.
  2. ^ 존스(2008), 페이지 91, 윌킨스(2006), 페이지 145, 노먼(2004), 페이지 47.
  3. ^ Cope(2001), 페이지 6 그림 1.17.
  4. ^ 스위프트(1972), 페이지 511–512.
  5. ^ 예를 들어, Seachrist(2003), 페이지 215, n. 15: "음향 클러스터"는 가까이 누워 있는 불협화음 그룹이다."
  6. ^ Belkin, Alan (2003). "Harmony and Texture; Orchestration and Harmony/Timbre". Université de Montréal. Archived from the original on 2007-06-22. Retrieved 2007-08-18.
  7. ^ 코웰(1921), 페이지 112, 113.
  8. ^ 코웰, 헨리(1969년).새로운 음악 자료, 페이지 111-139.뉴욕: 다른 것.[ISBN 지정되지 않음]
  9. ^ 카겔, 마우리시오."음향-클러스터, 공격, 전환" 페이지 46.슈나이더에서 인용, 존(1985)이다.컨템포러리 기타, 페이지 172.캘리포니아 대학교.ISBN 9780520040489.
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외부 링크

  • Leo Ornstein, 음치 클러스터가 특징인 Wild Men's Dance를 포함한 몇 개의 점수를 획득했다.
  • "새로운 토양으로부터의 새로운 성장" 2004-5년 Cowell에 대한 석사 논문과 그의 음조 클러스터 사용에 대한 상세한 고려(마나누나의 조수와 역동적인 움직임 둘 다 잘못된 연대를 받았음에도 불구하고), Stephanie N. Stallings의 논문

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