패션디자인

패션 디자인은 디자인, 미학, 의류 건설 및 자연미를 의류 및 액세서리에 적용하는 예술입니다. 문화와 다양한 트렌드의 영향을 받으며 시간과 장소에 따라 다양하게 변했습니다. "패션 디자이너는 소비자들을 위해 드레스, 정장, 바지, 스커트를 포함한 의류와 신발, 핸드백과 같은 액세서리를 만듭니다. 그 또는 그녀는 의류, 액세서리 또는 보석 디자인을 전문으로 할 수도 있고 이러한 분야 중 하나 이상에서 일할 수도 있습니다."^[1]

패션디자이너

'패션 디자이너들은 반지, 팔찌, 목걸이, 귀걸이와 같은 그들의 작품과 액세서리를 디자인할 때 다양한 다른 방식으로 일합니다. 옷을 시장에 내놓는 데 필요한 시간 때문에 디자이너는 소비자의 욕구에 변화를 예상해야 합니다. 패션 디자이너는 모양, 색상, 직물, 트리밍 등을 포함한 개별 의류에 대한 외관을 만드는 역할을 합니다.^[2]

패션 디자이너들은 기능적일 뿐만 아니라 미적으로 보기 좋은 옷을 디자인하려고 시도합니다. 그들은 누가 옷을 입을 가능성이 있는지와 그것이 입을 상황을 고려하며, 그들은 재료, 색상, 패턴, 스타일의 광범위한 범위 내에서 일을 합니다. 일상복으로 입는 대부분의 옷은 전통적인 스타일의 좁은 범위에 속하지만, 특이한 옷은 일반적으로 이브닝 웨어나 파티 드레스와 같은 특별한 행사에 사용됩니다.

일부 옷은 오트쿠튀르 또는 맞춤형 재단과 같이 개인을 위해 특별히 제작됩니다. 오늘날 대부분의 의류는 대중 시장, 특히 입을 준비가 된 것 또는 패스트 패션으로 알려진 캐주얼 및 일상복을 위해 설계되었습니다.

구조.

패션 산업에 종사하는 디자이너들에게는 다양한 업무 라인이 있습니다. '사내 디자이너'로서 한 패션 하우스에서 정규직으로 일하는 패션 디자이너들은 그 디자인들을 소유하고 있으며, 혼자 또는 디자인 팀의 일원으로 일할 수 있습니다. 자신을 위해 일하는 프리랜서 디자이너는 패션 하우스, 직접 상점 또는 의류 제조업체에 디자인을 판매합니다. 자신의 디자인을 완전히 통제할 수 있는 자신만의 레이블을 설정하는 것을 선택하는 패션 디자이너들이 꽤 있습니다. 다른 사람들은 자영업자이고 개별 고객을 위한 디자인입니다. 다른 고급 패션 디자이너들은 전문점이나 고급 패션 백화점을 대상으로 합니다. 이 디자이너들은 기성 패션 트렌드를 따르는 의상뿐만 아니라 독창적인 의상을 만듭니다. 그러나 대부분의 패션 디자이너는 의류 제조업체에서 일하면서 대중 시장을 위해 남성, 여성 및 어린이 패션의 디자인을 만듭니다. 애버크롬비&피치, 저스티스, 쥬시 등 '이름'을 브랜드로 내세운 대형 디자이너 브랜드는 디자인 디렉터의 지휘 아래 개별 디자이너 팀이 디자인할 가능성이 높습니다.

옷 디자인

패션 디자이너들은 다양한 방식으로 일을 하는데, 어떤 디자이너들은 머릿속에 비전을 가지고 시작해서 나중에 종이나 컴퓨터에 그것을 그리는 것으로 옮겨가는 반면, 다른 디자이너들은 마네킹이라고도 알려진 드레스 형태에 직접 천을 드리우는 것으로 들어갑니다. 디자인 과정은 디자이너만의 독특한 것이고, 그 과정에 들어가는 다양한 단계를 보는 것은 오히려 흥미롭습니다. 디자이너는 모든 아이디어를 하나로 연결하고 생각을 확장하여 응집력 있는 디자인을 만드는 데 도움이 되는 특정 앱과 협력하기로 선택할 수 있습니다. 디자이너가 화장실(또는 모슬린)의 착용감에 완전히 만족하면 전문 패턴 제작자와 상담한 후 카드나 컴퓨터 프로그램을 통해 완성된 작동 버전의 패턴을 만듭니다. 마지막으로 샘플 의복을 구성하고 모델에 테스트하여 작동 복장인지 확인합니다. 패션 디자인은 표현력이 뛰어나고 디자이너들은 기능적이거나 비기능적일 수 있는 예술을 창조합니다.

역사

현대 서양 패션 디자인은 종종 19세기에 그가 만든 옷에 그의 상표를 꿰맨 최초의 디자이너였던 Charles Frederick Worth와 함께 시작되었다고 여겨집니다. 전 드레이퍼가 파리에 메종 꾸뛰르(패션 하우스)를 세우기 전에는 의류 디자인과 의류 제작을 익명의 재봉사들이 주로 담당했습니다. 그 당시 하이 패션은 궁중에서 유행하던 것에서 비롯되었습니다. 워스의 성공은 이전의 양재사들이 그랬던 것처럼 그들의 선례를 따르는 대신에 그들이 무엇을 입어야 하는지를 고객들에게 지시할 수 있을 정도였습니다. 쿠튀리에라는 용어는 사실 그를 묘사하기 위해 처음 만들어졌습니다. 모든 시대의 옷들이 의상 디자인으로 학계에서 연구되고 있는 반면, 1858년 이후에 만들어진 옷들만이 패션 디자인으로 여겨집니다.^[3]

많은 디자인 하우스들이 의상을 위한 스케치나 도안을 그리기 위해 예술가들을 고용하기 시작한 것은 이 시기였습니다. 제조에 직접 들어가는 것이 아니라 고객에게 이미지를 보여 승인을 받아 디자이너에게 시간과 비용을 절약할 수 있었습니다. 고객이 디자인이 마음에 들면, 고객은 디자이너에게 의상을 의뢰했고, 패션 하우스에서 고객을 위해 제작되었습니다. 이 디자이너-패트론 구조는 완성된 디자인을 모델에 싣지 않고 자신의 작업을 스케치하는 디자이너를 시작했습니다.

패션의 종류

의류 제조업체가 생산하는 의류는 세 가지 주요 범주에 속하지만, 이는 추가적인 다른 유형으로 나눌 수 있습니다.

오트쿠튀르

1950년대까지 패션 의류는 주로 Made-to-measure 또는 오트쿠튀르 기준(높은 바느질을 위한 프랑스어)으로 설계 및 제조되었으며, 각 의류는 특정 고객을 위해 만들어졌습니다. 꾸뛰르 의류는 개별 고객을 위해 주문하도록 만들어지며, 일반적으로 고급의 값비싼 직물로 만들어지며, 세부 사항과 마감에 극도로 주의를 기울여 바느질되며, 종종 시간이 많이 걸리고 손으로 실행되는 기술을 사용합니다. 외관과 핏은 재료 비용과 만드는 데 걸리는 시간보다 우선입니다.^[4]^[5] 각 의류의 높은 가격 때문에 오트쿠튀르는 패션 하우스에 직접적인 이익은 거의 없지만 명성과 홍보에 중요합니다.^[6]

기성복(Prett-a-portor)

기성복 또는 프리트-아-포터 옷은 오트쿠튀르와 대중 시장의 교차점입니다. 개별 고객을 위해 만들어진 것은 아니지만 원단의 선택과 절단에 많은 주의를 기울입니다. 의류는 독점성을 보장하기 위해 소량으로 제작되기 때문에 가격이 다소 비쌉니다. 기성복 컬렉션은 일반적으로 패션 위크라고 알려진 기간 동안 매 시즌 패션 하우스에서 선보입니다. 이것은 도시 전체를 기준으로 이루어지며 1년에 두 번 발생합니다. 패션 위크의 주요 시즌은 봄/여름, 가을/겨울, 리조트, 수영, 브라이덜 등입니다.

하프웨이 의류는 기성복, "오프-더-페그" 또는 "프리-아-포터" 패션의 대안입니다. 하프웨이 의류는 의도적으로 완성되지 않은 의류로, 의류의 "주요 디자이너"와 일반적으로 고려되는 수동적인 "소비자" 간의 공동 디자인을 장려합니다.^[7] 소비자는 의류를 만들고 공동 디자인하는 과정에 참여할 수 있기 때문에 기성복 패션과 다릅니다. Make{able} 워크숍에서 Hirscher와 Niinimaki는 의류 제작 과정에 개인적으로 관여하는 것이 사용자에게 의미 있는 "내러티브"를 만들어주고, 이는 사람-제품 애착을 확립하고 최종 제품의 정서적 가치를 높였습니다.^[7]

오토 폰 부쉬(Otto von Busch)는 또한 그의 논문 "Fashion-able, Hacktivism과 약혼한 패션 디자인"에서 하프웨이 의류와 패션 공동 디자인을 탐구합니다.^[8]

매스마켓

현재 패션 산업은 대중 시장 판매에 더 의존하고 있습니다. 대중 시장은 패션의 유명한 이름들이 정한 트렌드를 사용하여 기성복을 생산하는 다양한 고객을 대상으로 합니다. 그들은 원래 스타일의 버전을 만들기 전에 스타일이 인기를 끌 수 있는지 확인하기 위해 종종 시즌 즈음에 기다립니다. 돈과 시간을 절약하기 위해, 그들은 기계로 쉽게 할 수 있는 더 저렴한 직물과 더 간단한 생산 기술을 사용합니다. 따라서 최종 제품은 훨씬 저렴하게 판매할 수 있습니다.^[9]^[10]^[11]

"쿠치"라고 불리는 디자인의 한 종류가 있는데, 이는 "망치한" 또는 "미학적으로 만족스럽지 않은"을 의미하는 독일어 kitschig에서 유래되었습니다. 키치는 또한 "더 이상 유행하지 않는 옷을 입거나 진열하는 것"을 의미할 수 있습니다.^[12]

소득.

2023년 2월 급여를 받는 패션 디자이너의 평균 연봉은 74,410달러였습니다. 중위 50%는 평균 76,700을 벌었습니다. 가장 낮은 10%는 32,320, 가장 높은 10%는 130,900을 벌었습니다.^[13] 2008년 5월에 가장 많은 수의 패션 디자이너를 고용한 산업인 의류, 조각 제품 및 컨셉 부문에서 연간 평균 수입은 52,860달러(40,730.47파운드)였습니다.^[14] 2016년 미국의 패션 디자이너는 23,800명으로 집계되었습니다.^[15]

패션산업

오늘날 패션은 세계적인 산업이며 대부분의 주요 국가에는 패션 산업이 있습니다. 미국, 프랑스, 이탈리아, 영국, 일본, 독일, 벨기에 등 7개국이 패션 분야에서 국제적인 명성을 쌓았습니다. 패션 산업의 "빅 4" 패션 수도는 뉴욕, 파리, 밀라노와 런던입니다.

미국

미국은 가장 크고, 가장 부유하며, 가장 다면적인 패션 산업의 본거지입니다. 미국의 대부분의 패션 하우스는 뉴욕에 기반을 두고 있으며, 가먼트 디스트릭트 지역을 중심으로 집중도가 높습니다. 미국 서부 해안에는 미국에서 생산되는 하이패션 의류의 상당 부분이 실제로 만들어지는 로스앤젤레스의 패션 하우스도 적지 않습니다. 마이애미는 또한 특히 수영복 및 기타 해변 지향 패션과 관련하여 새로운 패션 중심지로 부상했습니다. 매년 2월과 9월에 열리는 반기 행사인 뉴욕 패션 위크는 전 세계에서 열리는 4대 패션 위크 중 가장 오래된 행사입니다. 파슨스 뉴욕시 로어 맨하탄의 그리니치 빌리지 근처에 위치한 디자인 스쿨은 세계 최고의 패션 스쿨 중 하나로 여겨집니다. 미국에서 발행되고 세계적인 독자층에 배포되는 수많은 패션 잡지가 있습니다. 보그, 하퍼스 바자, 코스모폴리탄 등이 그 예입니다.

미국 패션 디자인은 인구의 엄청난 인종적 다양성을 반영하여 매우 다양하지만, 대부분 깔끔한 도시적이고 힙한 미학에 의해 지배되며 교외 및 도시 중산층의 운동, 건강을 고려하는 라이프 스타일을 반영하여 더 캐주얼한 스타일을 선호하는 경우가 많습니다. 맨해튼에서 매년 열리는 메트 갈라 행사는 세계에서 가장 권위 있는 오트쿠튀르 패션 행사로 널리 알려져 있으며, 패션 디자이너와 그들의 창작물이 축하받는 장소입니다. 소셜 미디어는 패션을 가장 자주 선보이는 곳이기도 합니다. 일부 인플루언서들은 제품이나 의류 제품을 홍보하기 위해 막대한 돈을 받고 있으며, 기업은 많은 시청자들이 광고 뒤에서 제품을 구매하기를 바라고 있습니다. 인스타그램이 가장 인기 있는 광고 플랫폼이지만 페이스북, 스냅챗, 트위터 등 다른 플랫폼도 사용됩니다.^[16] 뉴욕에서 LGBT 패션 디자인 커뮤니티는 패션 트렌드를 알리는 데 매우 중요한 기여를 하고 있으며, 드래그 연예인들은 뉴욕 패션 위크에 지대한 영향을 미쳤습니다.^[17]^[18]

Prominent American brands and designers include Calvin Klein, Ralph Lauren, Coach, Nike, Vans, Marc Jacobs, Tommy Hilfiger, DKNY, Tom Ford, Caswell-Massey, Michael Kors, Levi Strauss and Co., Estée Lauder, Revlon, Kate Spade, Alexander Wang, Vera Wang, Victoria's Secret, Tiffany and Co., Converse, Oscar de la Renta, John Varvatos, Anna Sui, 프라발 구룽, 빌 블라스, 할스턴, 카하트, 브룩스 브라더스, 스튜어트 바이츠만, 다이앤 폰 퍼스텐버그, J. 크루, 아메리칸 이글 아웃피터스, 스티브 매든, 애버크롬비 앤 피치, 쥬시 꾸뛰르, 톰 브라운, 게스, 슈프림, 팀버랜드 컴퍼니.

벨기에

1980년대 말과 1990년대 초, 벨기에 패션 디자이너들은 동서양을 혼합한 새로운 패션 이미지를 가져왔고, 패션에 대한 매우 개인화된 비전을 가져왔습니다. 잘 알려진 벨기에 디자이너로는 앤트워프 식스(Ann Demeulemeester), 드리스 반 노텐(Dries Van Noten), 더크 비켐버그(Dirk Bikkembgs), 더크 반 세엔(Dirk Van Saene), 발터 반 베이렌동크(Walter Van Beirendonck), 마리나 예(Marina Yee)와 메종 마틴 마지엘라(Marina Margiela), 라프 시몬스(Raf Simons), 크리스 반 애쉬(Kris Van Assche), 브루노 피테르스(Bruno Pieters), 안소니 바카렐로(Anthony Vaccarello) 등이 있습니다.^[19]

영국

런던은 오랫동안 영국 패션 산업의 중심지였으며 현대 영국 스타일과 통합된 다양한 외국 디자인을 가지고 있습니다. 전형적인 영국의 디자인은 똑똑하지만 혁신적이지만 최근에는 전통적인 스타일과 현대적인 기술을 결합하여 점점 더 파격적이 되었습니다. 빈티지 스타일은 영국 패션 및 스타일링 산업에서 중요한 역할을 합니다. 스타일리스트들은 오래된 것과 새로운 것을 정기적으로 '믹스 앤 매치'하며, 이는 영국 스타일에 독특한 보헤미안 미학을 부여합니다. 아일랜드 패션(디자인과 스타일링 모두)도 영국 패션 트렌드의 영향을 많이 받습니다. 유명한 영국 디자이너로는 토마스 버버리, 알프레드 던힐, 폴 스미스, 비비안 웨스트우드, 스텔라 매카트니, 존 갈리아노, 존 리치먼드, 게오르그 바이셔, 알렉산더 맥퀸, 매튜 윌리엄슨, 가레스 퓨, 그리고 후세인 찰라얀이 있습니다.

프랑스.

대부분의 프랑스 패션 하우스는 프랑스 패션의 수도인 파리에 있습니다. 전통적으로 프랑스 패션은 세련미, 컷, 스마트 액세서리로 정의되는 시크하고 스타일리시합니다. 프랑스 패션은 국제적으로 호평을 받고 있습니다.

스페인

마드리드와 바르셀로나는 스페인의 주요 패션 중심지입니다. 스페인 패션은 종종 다른 패션 문화보다 더 보수적이고 전통적이지만 또한 더 '시대를 초월한' 것입니다. 스페인 사람들은 옷을 입을 때 큰 위험을 무릅쓰지 않는 것으로 알려져 있습니다.^[20]^[21] 그럼에도 불구하고 많은 사람들이 스페인에서 온 패션 브랜드와 디자이너입니다.

가장 눈에 띄는 고급 주택은 Loewe와 Balenciaaga입니다. 유명한 디자이너로는 마놀로 블라닉, 엘리오 베르하니어, 크리스토발 발렌시아가, 파코 라반느, 아돌포 도밍게스, 마누엘 페르테가즈, 예수 델 포조, 펠리페 바렐라, 아가타 루이즈 데 라 프라다 등이 있습니다.

스페인은 자라, 마시모 두티, 베르슈카, 풀앤베어, 망고, 데시구알, 페페진스, 캠퍼와 같은 대형 패션 브랜드의 본고장이기도 합니다.

독일.

베를린은 독일 패션의 중심지이며(베를린 패션위크에서 두드러지게 전시됨), 뒤셀도르프는 이게도와 함께 유럽에서 가장 큰 패션 무역 박람회를 개최합니다. 현장의 다른 중요한 중심지는 뮌헨, 함부르크, 쾰른입니다. 독일 패션은 우아한 라인뿐만 아니라 파격적인 젊은 디자인과 매우 다양한 스타일로 알려져 있습니다.

인도

대부분의 인도 패션 하우스는 뭄바이에 있습니다. 락메 패션 위크는 인도에서 최고의 패션 행사 중 하나로 여겨집니다.^{[citation needed]}

이탈리아

밀라노는 이탈리아의 패션 수도입니다. 나이가 많은 이탈리아 쿠튀리에들은 대부분 로마에 있습니다. 그러나 밀라노와 플로렌스는 이탈리아 패션 수도이며 컬렉션 전시장입니다. 이탈리아 패션은 캐주얼하고 글래머러스한 우아함이 특징입니다. 이탈리아에서는 밀라노 패션 위크가 일년에 두 번 2월과 9월에 열립니다. 밀라노 패션위크는 패션을 주목받고 패션 애호가, 바이어, 미디어와 함께 밀라노 중심가에서 패션을 기념합니다.

일본

대부분의 일본 패션 하우스는 아시아 최대 패션 위크인 도쿄 패션 위크의 본고장인 도쿄에 있습니다. 일본적인 외관은 느슨하고 구조화되지 않았으며(종종 복잡한 절단으로 인해 발생함), 색상은 침침하고 미묘하며 풍부한 질감의 직물 경향이 있습니다. 유명한 일본 디자이너로는 다카다 겐조, 미야케 이세, 야마모토 요지, 카와쿠보 레이 등이 있습니다.

중국

홍콩 의류 브랜드 상하이 탕(Shanghai Tang)의 디자인 컨셉은 중국 의류에서 영감을 받았으며, 21세기의 현대적인 반전과 밝은 색상의 사용으로 1920년대와 30년대의 중국 패션을 부흥시키기 시작했습니다.^[22]

소비에트 연방

소련의 패션은 대체로 서구 세계의 일반적인 트렌드를 따랐습니다. 그러나 국가의 사회주의 이념은 일관되게 이러한 경향을 조정하고 영향을 미쳤습니다. 게다가, 소비재 부족은 일반 대중이 미리 만들어진 패션에 접근할 준비가 되어 있지 않다는 것을 의미합니다.

스위스

스위스 패션 하우스의 대부분은 취리히에 있습니다.^[23] 스위스 룩은 캐주얼한 우아하고 고급스러운 느낌으로 약간의 기묘함이 느껴집니다. 또한 댄스 클럽 씬의 영향을 많이 받았습니다.

멕시코

멕시코 원주민 의상의 개발에서 제작은 특정 지역에서 사용할 수 있는 재료와 자원에 의해 결정되어 "사람들의 옷의 직물, 모양 및 구성"에 영향을 미쳤습니다.^[24] 직물은 면화와 아가베를 포함한 식물 섬유로 만들어졌습니다. 클래스 상태는 어떤 원단을 착용했는지 차별화했습니다. 멕시코 드레스는 실루엣을 만들기 위해 기하학적인 모양의 영향을 받았습니다. 휘필라 블라우스는 "길게 꿰맨 천으로 된 두 개 또는 세 개의 연결된 거미줄로 만들어진 헐렁하고 민소매 튜닉"^[24]을 특징으로 하며, 오늘날 종종 볼 수 있는 중요한 역사적인 옷입니다. 스페인 정복 이후, 멕시코 전통 의상은 스페인의 모습을 닮기 위해 바뀌었습니다.

멕시코 원주민 집단은 서로 차별화하기 위해 특정 자수와 색상에 의존합니다.^[25]

멕시코 핑크는 멕시코 예술과 디자인의 정체성과 일반 정신에 대한 중요한 색상입니다. 라몬 발디오세라가 묘사한 "로사 멕시카노"라는 용어는 돌로레스 델 리오와 디자이너 라몬 발과 같은 유명 인사들에 의해 뉴욕에서 확립되었습니다.^[25]

멕시코에서 엘 임페리알, 엘 문도 일루스트라도 등의 신문과 잡지가 나돌았을 때, 멕시코 시티 등 대도시에 유럽의 패션을 알리면서 중요한 운동이 되었습니다. 이는 백화점의 설립을 장려하여 기존 패션의 속도를 변화시켰습니다.^[26] 유럽의 패션과 드레스에 대한 접근으로 사회적 지위가 높은 사람들은 다른 사람들과 구별하기 위해 그러한 요소들을 채택하는 데 의존했습니다. 후아나 카타리나 로메로(Juana Catarina Romero)는 성공적인 기업가이자 이 운동의 선구자였습니다.