발레와 패션

Ballet and fashion

발레의 역사를 통틀어 발레의 의상은 패션에 영향을 미쳤고 영향을 받았습니다.발레용 플랫, 레그워머, 레오타드와 같이 공연 및 연습 중에 사용되는 발레 전용 의상은 패션 트렌드의 요소가 되었습니다.발레 의상 자체는 수년에 걸쳐 미적으로 적응하여 현대 패션 트렌드를 통합하는 동시에 무용수들에게 더 큰 이동의 자유를 허용하기 위해 직물과 재료를 업데이트했습니다.투투와 포인트 슈즈를 착용한 고전 발레리나 의상은 1830년대에 처음 선보였습니다.발레 의상은 툴레, 쉬폰, 오르간자와 같은 가벼운 소재의 혁신으로 특징지어집니다.

20세기 초, 러시아 발레단 발레 뤼스(Ballet Russes)의 작품은 파리의 패션 디자인에 큰 영향을 끼쳤습니다.디자이너들은 그들의 창작물에 발레에서 영감을 받은 주제들을 포함시켰습니다.발레에 영향을 받은 디자이너들로는 크리스찬 디올, 엘사 스키아파렐리, 폴 푸아레, 코코 샤넬, 자크 파드, 잔 랑빈, 매들린 비오넷, 몰리 고다드, 시몬 로카 등이 있습니다.

역사

참고 항목: 발레 § 의상

17~18세기

1832년 라 실피드에서 주연을 맡은 마리 타글리오니.

발레 의상은 루이 14세의 의상을 포함하여 17세기 이탈리아와 프랑스의 궁정에서 유래되었습니다.발레 작품의 초기 의상 디자인은 코트 드레스를 기반으로 했지만, 더 화려했습니다.[1]초기 발레의 모든 공연자들은 남자였고, 남자 아이들은 여자 역할을 수행했습니다.18세기에 발레가 전문화되고 코트에서 극장으로 옮겨가면서 여성들도 발레 무용수의 대열에 합류했습니다.[2]전통적으로, 파리 오페라 발레단 무용수 마리 카마르고가 발레 슬리퍼를 대신 신었던 1730년대까지,[3] 무용수들은 굽이 있는 신발을 신었습니다.[4]그녀는 또한 중간 종아리 길이의 치마를 입었고 몸에 꼭 맞는 서랍장을 입었습니다.[3]

18세기 후반까지 발레단의 주역 무용수들은 자주 가면을 썼습니다.이 연습은 발레의 거장 장 조르주[3] 노베르와 안무가 막시밀리앙 가르델이 어떻게 무용수들의 움직임을 방해하고 그들의 표정을 볼 수 있는지를 보고 난 후에 중단되었습니다.마찬가지로 발레 동작에 도움이 되지 않는 번거로운 헤어스타일과 가발은 무대에서 대부분 제외됐습니다.[5]

19세기

발레 의상은 무용수들의 움직임을 용이하게 하는 동시에 "몸의 선의 통일성"을 유지하는 데 필수적인 역할을 합니다.잘 디자인되고 균형 잡힌 의상을 제작함으로써 발레 의상의 기술적, 시각적 문제를 방지합니다.발레 의상은 근육을 표현할 수 있도록 안무와 함께 발전해 왔습니다.[5]

18세기 후반과 19세기 초반에 면 제조의 산업화는 툴레, 모슬린, 타라탄, 거즈와 같은 값싼 면직물의 광범위한 입수를 가능하게 했습니다.발레단은 각각의 작품을 위한 새로운 의상을 제작할 수 있었습니다.[6]

19세기 초 발레 의상은 그 시대의 여성 패션을 반영했습니다.발레는 풀 슬리브, 노출되는 디콜리지, 피팅된 허리, 종 모양의 스커트, 그리고 더 많은 격막이 있는 직물 등을 포함한 하이 패션 요소들을 적용했습니다.가벼운 직물과 융기된 밑단과 같은 각색은 무용수들이 더 큰 움직임의 자유를 누릴 수 있게 했고 청중들은 무용수의 발놀림을 감상할 수 있게 했습니다.옷의 제약이 줄어들면서 자연스러운 실루엣이 강조되었습니다.[7]

에드가 드가 지음, 1878년

포인트 슈즈는 1820년경에[8] 발명되었고 낭만적인 발레리나의 전형적인 모습은 1832년 발레 라 실피드에서 마리 타글리오니에 의해 제공되었습니다.그녀의 몸에 딱 맞는 데콜레 보디체, 긴 종아리 길이의 튤 스커트,[9] 그리고 종아리 주위에 끈으로 묶은 새틴 포인트 슈즈는 발레리나 의상의 주형을 제공했습니다.그녀의 발레리나 스커트는 1830년대 패션 드레스의 단축형이었습니다.[7]그녀는 발레리나 최초로 전신 발레용 곡을 추었고, 널리 출판된 사진들로 매우 인기를 끌었습니다.그녀의 명성에 이어 고급 직물과 코르셋이 Taglioni 또는 La Sylphide라는 이름으로 생산되었습니다.[10]

발레가 귀족들의 오락거리로 떠오르면서 발레 무용수는 주로 여성의 직업이 되었고 발레리나의 명성은 19세기 후반에 떨어졌습니다.발레의 여성화는 부분적으로 더 많은 남성 관객들 때문이었습니다.[11]발레리나들은 종종 가난하고, 사회의 소외된 구성원들이었고, 예술가보다 노동자로 더 여겨졌습니다.그들은 종종 음탕한 남자들의 관심을 받았고, 성적으로 상품화되었고, 때로는 매춘을 강요당했습니다.[12]

발레 의상의 스타일은 지역적이고 초자연적인 민속의 낭만적인 이야기의 인기에 영향을 받았습니다.[11]19세기 말로 가면서, 고전적인 투투는 성에서 성문화되었습니다. 발레의 거장 마리우스 페티파 시대의 페테르부르크.[9]이 기간 동안, 투투는 짧아지고, 포인트 슈즈의 상자들은 보강되었습니다.[6]

20세기

발레 러스

1910년대 후반 발레 루스 출신의 연주자들

1909년부터 러시아 발레단 발레 뤼스(Ballet Russes)는 주로 파리에 있는 서양에 고전 발레를 도입했습니다.패션 디자이너들과 오트쿠튀르는 영향력 있는 발레단으로부터 영감을 받았습니다.[11]레옹 박스트는 1900년대 초 극단의 주요 의상 디자이너였습니다.그의 디자인은 회사를 위해 디자인하기도 했던 폴 푸아레에게 영감을 주었습니다.[13]파리 패션의 유행은 발레 뤼스에 의해 발레 의상으로 각색되었습니다.[14]스트라빈스키의 1910년 발레 파이어버드의 드레스는 패션 디자인에 영향을 미쳤습니다.발레 러스의 오리엔탈리즘 미학은 패션 디자이너 폴 푸아레의 대담한 색깔의 바지와 하렘 스커트와 바지에 영향을 주었습니다.[7]Coco Chanel은 1924년 발레 르 트레인 블루의 의상을 디자인했고 발레에서 영감을 받은 패션을 창조했습니다.[13]

1920년대

발레 루스는 1920년대까지 패션에 계속해서 영향을 미쳤습니다.발레와 패션 사이의 관계의 전환점은 1921년 세르게이 디아길레프의 The Sleeping Beauty 작품이었습니다.[7]라일락과 같은 가벼운 파스텔을 사용한 발레는 패션의 컬러 트렌드에 영향을 미쳤습니다.이 작품의 블루버드 블루 의상은 엘사 스키아파렐리가 그녀의 대표적인 색깔인 "슬리핑 블루"를 창조하도록 영감을 주었습니다.[11]1920년대 중반 프랑스 패션 디자이너 잔 랑방의 풀스커트 로브 드 스타일 드레스와 마들렌 비오네트의 발레리나 드레스는 모두 발레리나 의상에 영감을 주었습니다.발레 역사가 일리야나 카르타스에 따르면, 1920년대 동안 여성성의 이미지는 운동, 운동, 그리고 신체적인 몸의 맥락에서 촉진되었습니다.[11]

이탈리아의 패션 디자이너 엘사 치아파렐리(Elsa Schiaparelli)는 또한 발레 뤼스(Ballets Russes)와 협업하였는데, 이는 디아길레프(Diaaghilev)의 1929년 제작 작품에서 조르지오 데 치리코(Giorgio de Chirico)의 초현실적인 의상에 영감을 받은 것입니다.[13]

1930년대와 발레 애호가

1932년 발레 코티용은 조지 발란친이 안무를 맡았고 최초의 아기 발레리나 중 한 명인 타마라 투마노바가 주연을 맡았습니다.[11]제작에 참여한 의상은 크리스티안 베라르가 디자인하고 바바라 카린스카가 만들었는데, 바바라 카린스카는 다른 색깔의 튤을 층층이 만드는 혁신을 일으켰습니다.베라르의 디자인은 1930년대 코코 샤넬이 디자인한 반짝이는 튤 드레스에 영감을 주었습니다.[7]

1930년대부터 발레 의상은 몸에 맞는 몸매와 종 모양의 실루엣의 패션 트렌드에 영감을 주었습니다.쉬폰, 실크 툴레,[11] 오르간자와 같은 투투에 사용되는 재료들은 나중에 패션 컬렉션에 포함되었습니다.[15]낭만주의 시대의 투투 스타일은 드레스 디자인에도 영향을 미쳤습니다.1930년대에는, 코코 샤넬(Coco Chanel)의 1937년작 "Etoiles" 드레스에서 볼 수 있듯이, 툴레 치마를 입은 더 긴 드레스가 유행하게 되었습니다.[16]발란친의 1932년 발레 코티용에서 영감을 끌어낸 작품입니다.[17]

1930년대와 1940년대의 발레 광풍은 패션에 현저한 영향을 미쳤습니다.1930년대 초, 발레 패션은 잡지에 자주 실렸습니다.발레리나들은 또한 1930년대부터 모델로 고용되었습니다.[18]

1940년대와 1950년대

합성 소재가 등장하면서 레오타드나 타이즈 같은 발레 연습복은 1940년대부터 패션 아이템으로 인기를 끌었습니다.[19]

19세기 초에 디자인된 포인트 슈즈는 나중에 발레 플랫과 발레 부츠의 형태로 패션에 흡수되었습니다.

1941년, 전 발레 학생이자 패션 에디터인 다이애나 브릴랜드는 부분적으로 전시 규제가 그것들에 적용되지 않았기 때문에, 일상복으로서 포인트 슈즈의 사용을 혁신했습니다.[11]가죽의 부족으로 인해 패션 디자이너 클레어 맥카델(Claire McCardell)은 댄스 하우스 케이프지오(Capezio)에 그녀의 디자인에 맞는 다양한 발레 플랫(flat)을 제작하도록 의뢰했습니다.[20]발레단은 계속해서 일상화가 되었습니다.[21]

하이 패션과 오트쿠튀르의 디자이너들은 1940년대에 마고 폰테인과 같은 스타 발레리나들과 자주 협업했습니다.피에르 발망과 같은 쿠튀리에들은 하이 패션뿐만 아니라 발레를 위한 의상도 디자인했습니다.디자이너 Christian Dior와 Jacques Fath는 둘 다 발레 의상에 영향을 받았습니다.[7]발레리나 모이라 시어러가 등장하는 1948년 영화 붉은 신발을 위해 패트가 디자인한 의상 또한 발레에서 영감을 받은 패션에 대한 수요를 창출하는 데 영향을 미쳤습니다.[7]

피에르 발망이 설립한 패션하우스 발망과 디자이너 크리스토발 발렌시아가는 발레 의상의 미학에서 영감을 얻었습니다.불새, 죽어가는 백조, 백조의 호수 등의 작품에서 발레리나-새 캐릭터들의 발레 의상에 깃털을 사용하는 것도 패션에서 모방되었습니다.[16]

1960~70년대

투투스의 털 원단, 포인트 슈즈, 부드러운 파스텔 컬러 팔레트는 모두 패션 트렌드에 영향을 미쳤습니다.

1960년대 후반과 1970년대 동안, Danskin이라는 의류 브랜드는 길거리 옷뿐만 아니라 춤을 출 때 입을 수 있는 레오타드를 생산했습니다.패션 디자이너 보니 어거스트는 1970년대 중반에 랩스커트 안에 입는 유니가드룩을 대중화했습니다.발레에 영감을 받은 패션 디자인은 1970년대 디스코 시대 동안 부활을 경험했고 애슬레저는 레오타드와 같은 발레 리허설 의상의 주요 요소를 포함했습니다.[18]

1970년대에 할렘의 댄스 극장 설립자 아서 미첼은 댄서들의 타이즈와 신발이 그들의 피부톤과 일치해야 한다고 결정했습니다.댄스 의류 회사인 케이프지오는 회사를 위해 갈색 포인트 슈즈를 생산했습니다.[8]

입생로랑의 1976년 수집품은 발레 루스와 세르주 디아길레프에게 경의를 표했습니다.[22]

21세기

2000년대 초반, 발레에서 영감을 받은 패션 트렌드가 워밍업 의상에 집중적으로 그려진 것을 "Dancer off-duty"라고 불렀습니다.2000년대에, 발레 패션은 영화 블랙 스완과 섹스 앤 더 시티의 캐리 브래드쇼의 상징적인 툴레 스커트를 통해 영화와 텔레비전에서 대중화되었습니다.[23]2000년대에는 발레의 흑인 여성을 포함한 유색인종의 피부톤을 포함하여 포인트 슈즈를 생산하는 회사들의 라인이 넓어졌습니다.[16][24]

2020년 발레리나 전시회: 패션의 모던 뮤즈가 FIT의 The Museum에서 열렸습니다.[16]

발레코어

2020년대 초 발레에서 영감을 받은 패션에 대한 관심의 부활은 발레 코어로 알려지게 되었습니다.패션 트렌드는 여성성을 탐구하는 맥락에서 편안함과 신체 움직임을 모두 수용하는 "하이퍼 페미닌"이라고 [23]불려왔습니다.[25]이 유행의 인기는 Z세대의 향수에 대한 집착에 기인합니다.[23]

발레 코어는 발레 플랫, 포인트 슈즈, 레오타드, 타이즈와 같은 전통적인 발레 의상을 계속해서 사용했습니다.애슬레저 패션은 다리 워머와 같은 댄스웨어 요소를 포함하는데,[25] 이 요소들은 종종 레이어드되거나 타이 스커트와 랩탑과 결합됩니다.발레의 핵심은 툴레와 새틴, 순수한 직물, 그물망, 스판덱스와 같은 재료에 계속 의존했습니다.발레에서 영감을 받은 패션은 핑크, 블루, 라일락, 그리고 라이트 뉴트럴 색상과 같은 부드러운 파스텔 색상을 계속 강조합니다.[26][16]

2020년대에 발레에 영감을 받은 요소들은 [24]패션 디자이너 Molly Goddard와 Simone Rocha 뿐만 아니라 Rodarte와 Miu Miu의 컬렉션의 일부였습니다.[26]주로 여성복에서 나타나는 현상이지만 발레는 남성복 디자인에도 영향을 미쳤습니다.[27]

참고 항목

참고문헌

  1. ^ Bennahum, Judith (2005). The Lure of Perfection: Fashion and Ballet, 1780-1830. Routledge. p. 25. ISBN 978-1-135-87830-6. Archived from the original on 2023-09-16. Retrieved 2023-09-16.
  2. ^ Karthas, Ilyana (2012). "The Politics of Gender and the Revival of Ballet in Early Twentieth Century France". Journal of Social History. 45 (4): 962. ISSN 0022-4529.
  3. ^ a b c "Ballet costume". Britannica. Archived from the original on 26 February 2023. Retrieved 16 September 2023.
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  5. ^ a b Chazin-Bennahum, Judith (2005). The Lure of Perfection: Fashion and Ballet, 1780-1830. Psychology Press. p. 30. ISBN 978-0-415-97038-9. Archived from the original on 2023-09-16. Retrieved 2023-09-16.
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  13. ^ a b c Williams, Aimee (2021). "Ballet and Fashion: A Love Affair". The Fashion Globe. Archived from the original on 2022-08-20. Retrieved 2023-09-16.
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  23. ^ a b c Goldberg, Jordan (20 January 2023). "Balletcore Is Definitely A *Thing* — Here's What Makes The Look Work". The Zoe Report. Archived from the original on 1 June 2023. Retrieved 16 September 2023.
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추가열람

  • Mears, Patricia; Jacobs, Laura; Pritchard, Jane; Harden, Rosemary; Lobenthal, Joel (2019). Ballerina: Fashion's Modern Muse. New York: Vendome. ISBN 978-0-86565-373-3.